Vision en littérature et en art. L'artiste et l'attitude émotionnelle envers le représenté. La vision de l'artiste. Espace pensif de Niken Anindita

04.03.2020

Vision de l'artiste

Bonne journée, cher ami!

J’ai souvent entendu la question : les artistes naissent-ils ou sont-ils créés ? Bien sûr, ils deviennent artistes, mais le talent d'un artiste vit en chacun de nous, etIl est non seulement possible de développer des compétences en dessin et une vision artistique, mais tout simplement nécessaire !!!

Rappelez-vous la déclaration de F.M. Dostoïevski : « La beauté sauvera le monde ! » J'ajouterais ici : à condition que le Monde puisse voir cette beauté. D’accord, voir et regarder sont deux choses différentes !

Une personne qui possède la Vision de l’Artiste perçoit le Monde de manière beaucoup plus subtile et riche. Beaucoup de gens croient que les artistes embellissent la vie. Ils peignent une personne meilleure qu'elle ne l'est réellement. Ou peut-être est-ce une question de vision ?

Qui est le mieux à même de voir la personne représentée : un artiste qui étudie attentivement la nature ou un observateur extérieur qui jette un bref coup d'œil ? Qui peut voir beauté intérieure personne?

Un artiste n'est pas un juge strict qui essaie de rendre son verdict ; un artiste recherche le meilleur d'une personne, comment un tournesol le révèle et donne vie à une nouvelle image.

Maître Vision Artistique cela signifie maîtriser l'artVoir le beau, voir profondément et pleinement!!! Cela signifie remplir ta vie impressions vives, rendez-le plus riche, plus riche, plus intéressant. Cela signifie développer vos capacités créatives !!!

Avez-vous déjà, cher ami, observé un artiste à l'œuvre ? Vous voyez un paysage ordinaire, mais sur la toile de l’artiste il y a quelque chose d’extraordinaire, de beau, qui touche votre âme. Et vous voulez aussi essayer de faire quelque chose de similaire, mais réaliser que vous ne savez pas dessiner refroidit votre ardeur.

Mais dans votre enfance, vous dessiniez, mais pour une raison ou une autre, vous n'avez pas développé davantage cette capacité. C'est dommage! Et ce regret reste en toi.

Sur les pages du blog « Draw Together », les cours de dessin deviendront des outils de Maîtrise de la Vision Artistique

Portrait;

Paysage;

peinture murale

Pourquoi ai-je choisi ces sujets particuliers pour le développement de la Vision Artistique ?

· L'Homme et la Nature sont les thèmes principauxMa créativité .

· Pour moi c'est une source d'inspiration inépuisable !

· « Parce que dessiner un portrait nécessite une perception très subtile pour créer une ressemblance , dessiner des visages pour les débutants en art - un moyen très efficaceapprendre à voir et à dessiner» Betty Edwards (« Découvrez l'artiste en vous »).

Alors, cher ami, Apprenons à dessiner pour:

Profitez pleinement de la vie, apprenez à voir, comprendre et transmettre la beauté ;

Maîtriser les techniques de dessin d'un portrait (d'après nature et d'après photo), de paysage, de peinture murale ;

Découvrir de nouveaux talents (psychologue, life designer, etc.) ;

Apprenez à voir le Grand dans le petit ;

Développez les capacités que vous possédez déjà ;

Développer la pensée abstraite;

Remplissez votre vie d'impressions lumineuses ;

Prenez conscience de vous-même ;

Voyez la beauté à l'intérieur et autour de vous

Créer de vos propres mainsportraits, paysages, peintures murales Vous obtiendrez de nombreux effets :

Se concentrer entièrement sur le sujet de son dessin se déconnecter des problèmes de la vie quotidienne;

Comprendre la nature humainedevenir un psychologue subtil;

Représentant la nature, tu es rempli de son énergie et de son plaisir;

Toute l'énergie que vous avez investie pendant le travail vous reviendra, ainsi qu'à vos proches, au centuple lorsque vous l'accrocherez au mur de votre maison ;

Offrez votre art à vos proches et amis !!!

Vous créez de vos propres mains Votre Espace d'Amour

Découvrez votre propre richesse !!!

Vous avez un talent pour le dessin !

Sur les pages du blog, étape par étape, vous maîtriserez l'art de dessiner un portrait, aussi bien d'après photographie que d'après nature. Dans les vidéos, vous pouvez regarder comment un portrait est créé tout en dessinant le vôtre.

Je serai heureux de voir vos commentaires!

Sincèrement

Qu'est-ce que travail créatif- un tableau peint par un artiste ou composition musicale, nous provoquant un sentiment d'admiration et d'inspiration ? Est-ce dû au simple désir de nous montrer quelque chose de nouveau, de différent, ou s’agit-il du désir d’une personne d’exprimer ce que l’artiste lui-même a vu et que d’autres n’ont pas pu voir ? Comme le disait Pablo Picasso : « Certains voient ce qui est et se demandent pourquoi. Je vois ce qui pourrait être et je demande « pourquoi pas ? » L’idée principale derrière cette affirmation est que certaines personnes voient plus d’opportunités que d’autres dans les choses qui les entourent. Et c’est précisément le lien central du concept de créativité.

Lorsqu’ils testent la créativité, les psychologues utilisent souvent des tests de pensée divergente. Par exemple, on dit à une personne de trouver autant d’utilisations que possible pour les choses les plus simples, comme une brique ordinaire. Si une personne est capable de proposer de nombreuses options et combinaisons d'utilisation d'une brique ordinaire (jusqu'à créer un couvercle de cercueil pour une poupée Barbie), alors le test montrera qu'une telle personne aura une pensée divergente beaucoup plus développée que quelqu'un qui croit que les briques ne peuvent être utilisées que pour résoudre des problèmes ordinaires comme construire des murs et des bâtiments.

Selon les mêmes recherches, l'ouverture à l'expérience, ou simplement l'ouverture à de nouvelles expériences, est l'aspect de notre personnalité qui stimule notre créativité. Parmi les cinq traits de personnalité fondamentaux (extraversion-introversion, agrément, conscience, névrosisme et ouverture à l’expérience), l’ouverture est le meilleur indicateur de notre performance dans des tâches de réflexion divergente.

Comme le soulignent les psychologues américains Scott Barry Kaufman et Carolyn Gregoire dans leur livre Wired to Create, le désir de créativité chez l’humain « vient d’un désir d’exploration cognitive de son propre monde et du monde qui nous entoure ». La curiosité d’une étude approfondie de certaines choses peut conduire à une augmentation du niveau d’ouverture d’une personne à voir le monde qui l’entoure comme différent de celui des gens ordinaires. Ou, comme le disent d’autres chercheurs sur cette question, « la capacité de voir un complexe de possibilités qui passent inaperçues dans ce qu’on appelle « l’environnement familier » établi pour les autres ».

Vision créative

Dans une étude dont les résultats ont été publiés dans Journal scientifique Journal of Research in Personality, dit que les personnes ouvertes n'essaient pas seulement de voir les choses sous leur autre angle et d'exprimer leur point de vue de cette manière, ces personnes voient en réalité le monde qui les entoure différemment des gens ordinaires.

Les experts ont voulu savoir s'il existait un lien entre l'ouverture et un phénomène tel que la concurrence binaculaire. Ce phénomène se produit lorsque deux images différentes sont présentées simultanément à chaque œil, par exemple un carton rouge et un carton vert. Lors de la visualisation des deux images par un observateur, un effet visuel sera créé pour cette dernière, dans lequel la carte présentée pour un œil semblera passer dans l'autre œil et vice versa. Autrement dit, à un moment donné, il semblera que les deux yeux voient un fond vert ou rouge.

Il est intéressant de noter que pour certains participants à une telle expérience, il peut sembler que les deux arrière-plans se confondent ou que l'un se superpose à l'autre, créant une sorte d'image structurée, comme le montre l'image centrale ci-dessus. Et de tels moments de suppression binaculaire, où les deux images deviennent visibles en même temps, peuvent être expliqués comme une tentative de la conscience de trouver une solution « créative » à un problème présenté sous la forme de stimuli visuels complètement différents (cartes avec Couleurs différentes contexte dans ce cas).

Lors d’expériences, les chercheurs ont découvert que les personnes ouvertes d’esprit étaient capables de voir des images fusionnées ou croisées pendant une période plus longue que la moyenne. De plus, l'effet dure encore plus longtemps si une personne à ce moment-là a bonne humeur, qui, selon des études antérieures, joue également un rôle important dans la créativité. Sur la base de ces observations, les chercheurs ont conclu que la créativité gens ouverts s'étendre jusqu'à l'essentiel perception visuelle. Et ces personnes ouvertes d’esprit sont capables de vivre une expérience visuelle fondamentalement différente de celle de la personne moyenne.

Voyez ce que les autres ne remarquent pas

Un autre phénomène de perception bien connu est appelé cécité inattentionnelle. Les gens peuvent en faire l’expérience lorsqu’ils se concentrent si intensément sur quelque chose qu’ils cessent littéralement de remarquer d’autres choses juste devant leurs yeux.

Un bon exemple de ce problème de perception est une expérience dans laquelle les gens sont invités à regarder une courte vidéo. Il montre plusieurs personnes se lançant un ballon de basket. L'observateur est chargé de compter le nombre de passes entre joueurs vêtus de blanc.

À un moment donné, un homme en costume de gorille apparaît en plein centre du cadre puis s'éloigne. L'avez-vous remarqué ? Sinon, ne vous inquiétez pas, vous n'êtes pas seul dans ce cas. Environ la moitié des 192 participants à l’étude originale n’ont pas non plus remarqué l’homme en costume de gorille. Mais pourquoi certaines personnes souffrent-elles de cécité d’inattention et d’autres non ?

La réponse à cette question vient uniquement de recherches récentes, qui montrent que votre susceptibilité à la cécité par inattention dépend de votre personnalité. Et les personnes ouvertes d’esprit sont plus susceptibles de remarquer un gorille dans le cadre. Là encore, nous pouvons conclure que plus informations visuelles pénètre dans le processus de perception consciente du monde qui nous entoure chez les personnes plus ouvertes - elles sont capables de voir ce que les autres ne remarquent pas.

Ouvre ton esprit. Est-ce nécessaire?

Il peut sembler que les personnes ouvertes ont plus d’opportunités que les autres. Mais les gens qui, au départ, n'avaient pas fonctionnalités créatives particuliers, élargir ces opportunités ? Est-ce vraiment nécessaire ?

Il existe des preuves convaincantes que la personnalité peut être construite, façonnée comme de l’argile et transformée en la personne que vous désirez. Une augmentation de l'ouverture perceptuelle est observée, par exemple, après un entraînement cognitif spécialisé utilisant la substance psilocybine (un composé chimique présent dans certains champignons hallucinogènes). Dans des exemples moins radicaux, des niveaux accrus d'ouverture sont souvent observés parmi les étudiants étudiant à l'étranger, ce qui ne fait que Encore une fois renforce l’idée que le voyage aide à élargir votre conscience.

Mais en fait, tout n’est pas aussi rose dans « l’ouverture de conscience » qu’il y paraît à première vue. Les psychologues associent souvent l’ouverture à certains aspects de la maladie mentale, notamment une tendance accrue aux hallucinations. Il y a une frontière très fine entre la capacité de voir plus et la capacité de voir ce qui n’est pas là. En général, avoir des personnalités diverses est une bonne chose. Il est important de se rappeler que le point de vue d’une personne n’est pas nécessairement meilleur que celui d’une autre.

Chaque époque historique montre son type vision artistique et développe les moyens linguistiques correspondants. En même temps, les possibilités de l'imagination artistique à n'importe quelle étape historique ne sont pas illimitées : chaque artiste trouve certaines « possibilités optiques » caractéristiques de son époque, avec lesquelles il se trouve lié. Les idées dominantes des contemporains (image du monde) « contractent » toute la diversité pratiques artistiques dans un objectif spécifique, agir comme base fondamentale ontologie culturelle de la conscience artistique(c'est-à-dire des manières d'être, une manifestation créative de la conscience artistique dans les limites de la communauté culturelle correspondante).

Unité processus créatifs dans l'art d'une époque particulière détermine l'émergence intégrité artistique type spécial. Le type d'intégrité artistique, quant à lui, s'avère très représentatif pour comprendre l'originalité de l'œuvre correspondante. champ de force de la culture. De plus, sur la base du matériel créativité artistique il devient possible non seulement de détecter traits de caractère conscience et conscience de soi la personnalité fondamentale de l'époque, mais aussi ressentir leurs limites culturelles, leurs frontières historiques, au-delà desquelles commence une créativité d'un type différent. L'ontologie historique de la conscience artistique est un espace dans lequel se produit le contact mutuel de l'artistique et du culturel général : elle révèle de nombreux « capillaires » d'influence à la fois directe et inverse.

La boue de la vision artistique a donc sa propre histoire, et la découverte de ces couches peut être considérée comme la tâche la plus importante esthétique et études culturelles de l'art. L’étude de la transformation du regard artistique peut éclairer l’histoire des mentalités. Le concept de vision artistique est assez général, il peut ne pas prendre en compte certaines caractéristiques individualité créative. Établir l'appartenance au même type historique de vision artistique de différents auteurs, analyse esthétique inévitablement « redresse » un certain nombre de qualités distinctives des figures individuelles, soulignant ce qu'elles ont en commun.

G. Wölfflin, qui a consacré beaucoup d'efforts au développement de ce concept, a estimé que le cours général du développement de l'art ne se décompose pas en points distincts, c'est-à-dire formes individuelles de créativité. Malgré toute leur originalité, les artistes sont réunis en groupes distincts. « Différents l'un de l'autre, Botticelli et Lorenzo di Credi, comparés à n'importe quel Vénitien, se révèlent semblables, comme les Florentins : de la même manière, Hobbema et Reyedal, quelle que soit la divergence entre eux, deviennent immédiatement apparentés si eux, les Hollandais , s'opposent certains Flamands, par exemple Rubens." Les premiers sillons dans le développement du concept de vision artistique, extrêmement féconds pour recherche moderne dans le domaine des études culturelles de l'art, a ouvert la voie à l'allemand et école viennoise histoire de l'art dans les premières décennies du XXe siècle.

La formulation d'un problème culturel particulier est toujours subordonnée à un certain moment historique, quelle que soit la sphère de créativité qu'elle concerne. Partant de cette position, O. Benes, par exemple, s'est efforcé de découvrir certaines choses dans la structure figurative de l'art stylistique (époques, qui serait commun à l’art et à la science. « L’histoire des idées », écrit Benes, « nous enseigne que les mêmes facteurs spirituels sous-tendent différentes sphères ». activités culturelles. Cela nous permet de faire des parallèles entre les phénomènes artistiques et scientifiques et d'en attendre leur clarification mutuelle. Conscience créatrice dans chaque donnée moment historique incarné dans certaines formes qui sont sans ambiguïté pour l'art et la science." Ici, une verticale se construit : le type de vision artistique est en fin de compte la mise en œuvre de paramètres culturels généraux de la conscience au moyen de l'art. Le fait est que les méthodes de pensée et de perception artistiques , établis dans l'art comme dominants, sont en quelque sorte liés aux méthodes générales de perception et de pensée dans lesquelles se reconnaît cette époque.

La vision artistique se révèle avant tout dans la forme, dans les manières de construire une œuvre d'art. C’est dans les techniques d’expression artistique que l’attitude de l’artiste à l’égard du modèle et de la réalité se révèle non pas comme une fantaisie subjective, mais comme une forme la plus élevée conditionnalité historique. Dans le même temps, de nombreux problèmes se posent dans la manière d'étudier les types de vision artistique dans l'histoire. Ainsi, on ne peut s'empêcher de prendre en compte le fait que parmi les mêmes personnes à la même époque différents types vision artistique coexister. Cette scission peut par exemple être observée en Allemagne au XVIe siècle : Grunwald, comme le montrent les études d'histoire de l'art, appartenait à un type d'expression artistique différent de celui de Dürer, bien qu'ils soient tous deux contemporains. On peut noter que cette fragmentation de la vision artistique était également cohérente avec les différentes structures culturelles et quotidiennes qui coexistaient alors en Allemagne. Cela confirme encore une fois sens spécial concepts de vision artistique pour comprendre les processus non seulement de l'art, mais aussi de la culture en général.

Le sens de la forme, qui est au cœur du concept de vision artistique, entre en quelque sorte en contact avec les fondements de la perception nationale. Dans un contexte plus large, la vision artistique peut être comprise comme source génératrice de mentalité culturelle généraleère. Idées sur le contenu associé des concepts forme artistique et la vision artistique ont été exprimées bien plus tôt par A. Schlegel, qui considérait qu'il était possible de parler non seulement de style baroque, mais aussi sur sentiment de vie baroque, et même personne baroque. Ainsi, une idée bien fondée de vision artistique comme notion limite portant en lui un conditionnement culturel à la fois intra-artistique et général.

Bien que les processus évolutifs de la créativité artistique ne se soient jamais arrêtés, dans l’art, il n’est pas difficile de détecter des époques de quête intense et des époques d’imagination plus lente. Le problème est que dans cette histoire des types de vision artistique, nous pouvons non seulement discerner le processus cohérent de résolution des problèmes artistiques proprement dits, tels que tel ou tel auteur les a compris, mais aussi trouver la clé pour réaliser l'universalité de la culture qui a donné naissance à eux, à pénétrer l’ontologie culturelle de la conscience humaine, opérant dans un temps et un espace donnés. Avec le progrès de l'histoire, le problème considéré devient de plus en plus complexe, car avec l'expansion de l'arsenal de techniques déjà découvertes par l'art, les capacités d'autopropulsion de la créativité artistique augmentent également. La nécessité de résister à l'émoussement de la perception et d'obtenir un impact intense sur le spectateur oblige chaque artiste à changer ses techniques de création ; De plus, chaque effet trouvé en soi prédétermine un nouvel effet artistique. Ceci montre conditionnement vittriartistique changer les types de vision artistique.

Les éléments de forme d'une œuvre d'art n'agissent pas comme une décoration arbitraire du contenu, ils sont profondément prédéterminés par l'orientation spirituelle générale de l'époque, les spécificités de sa vision artistique. À n'importe quelle époque - à la fois avec une imagination intense et paresseuse - on peut observer des tendances actives dans la forme artistique, témoignant de ses capacités culturelles et créatives. Culturel Les possibilités (ou créatrices de culture) de l'art apparaissent lorsque de nouveaux idéaux, orientations et goûts surgissent et germent sur le territoire artistique, qui se répandent ensuite en largeur et sont repris par d'autres sphères de la culture. En ce sens, ils parlent de typicité culturelle l'art, sachant que l'art, contrairement à d'autres formes de culture, accumule en lui-même tous les aspects de la culture - matériel et spirituel, intuitif et logique, émotionnel et rationnel.

Wolflin G. Concepts de base de l'histoire de l'art. M. ; L., 1930. P. 7.
Benesh O. Art de la Renaissance du Nord. Ses liens avec les mouvements spirituels et intellectuels modernes. M., 1973. S. 170, 172.

Shaikhulov R.N.

L’article examine la formation de la vision picturale comme composante nécessaire de la formation professionnelle des artistes-enseignants. L'auteur analyse les caractéristiques de la vision picturale par rapport à d'autres formes de vision artistique, formule des critères d'évaluation de sa formation. Sur la base des expériences de vérification et de formation menées, une méthodologie pour sa formation est proposée.

Dans le processus de formation des artistes-enseignants dans les facultés d'art et de graphisme des universités pédagogiques, l'une des disciplines particulières qui forment les compétences artistiques pratiques et la vision artistique est la peinture. Le programme de peinture implique l'étude de tous ses types, technologies et arts visuels. L'efficacité de la maîtrise des exigences du programme de peinture, ainsi que d'autres facteurs spécifiques, dépend du niveau de formation de la vision picturale. Qu’entend-on par vision picturale ? En quoi diffère-t-elle des autres formes de vision artistique ? Quel est le niveau de vision picturale aux différentes étapes de l'apprentissage, et quelles sont les modalités de sa formation ?

On sait que l'ensemble du processus de vision artistique est divisé en : formes volumétriques, linéaires, colorées, picturales, coloristiques, plastiques et autres, chacune ayant ses propres caractéristiques. On ne peut pas prétendre que telle ou telle vision existe sous une forme « pure ». L'artiste voit simultanément la couleur, le volume et d'autres caractéristiques de la nature, mais lorsque l'un de ces aspects domine, il parle alors d'un certain type de perception. N.Yu. Virgilis et V.I. Zinchenko note que les artistes peuvent développer deux, trois modes de perception ou plus.

La base de la vision picturale et coloristique est la vision des couleurs. C’est inhérent à la nature, tout comme l’ouïe, l’odorat et le toucher. Mais elle peut aussi être aiguë, développée ou au contraire peu développée. Initialement, une personne ayant un niveau réduit de vision des couleurs ou souffrant de maladies de perception des couleurs ne peut pas être peintre, bien qu'elle puisse développer d'autres formes de vision artistique. Ainsi, une vision des couleurs développée et aiguisée, dominante parmi d'autres formes de vision, constitue la base du développement et de la formation de la vision picturale et coloristique.

Contrairement à la vision des couleurs, la vision picturale se forme et se développe uniquement dans le processus d'apprentissage et de pratique. arts visuels. Puisque nous ne pouvons voir les relations picturales qu'en analysant l'état, la nature et la direction de l'éclairage, en analysant la position spatiale, la forme, le volume et la matérialité des objets, en analysant leur couleur et leurs relations spatiales. Au cours d'une telle perception analytique, la vision des couleurs est affinée et une vision picturale se forme. Qu’implique la vision picturale par rapport aux autres façons de voir ? « Le style pictural transmet l'impression optique des objets, il se soucie davantage de l'image visuelle, il y a plus de subjectivité que dans le style linéaire, qui cherche à « comprendre les choses et à les rendre efficaces selon leur relation forte et contraignante » ( ...) "Le linéaire rend les choses telles qu'elles sont, le pittoresque tel qu'elles apparaissent"

Décrivant les méthodes et techniques d'images pour ces méthodes de vision, G. Wölflin souligne qu'avec la vision linéaire l'accent est mis sur les contours ; l'image est généralement obtenue avec des bords accentués, c'est-à-dire la forme est délimitée par une ligne, ce qui confère à l'image un caractère stationnaire. Cette approche de l'image semble affirmer le phénomène.

Avec une vision picturale, l’attention est détournée des bords, le contour devient plus ou moins indifférent au regard. Le principal élément d'impression sont les objets en tant que points visibles. Dans le même temps, peu importe que ces taches soient décrites comme des couleurs ou comme de la clarté et de l'obscurité. Ainsi, les peintures exécutées en monochrome peuvent être pittoresques, ce qui exclut la couleur. Les œuvres de nombreux artistes réalisées à l'aide de moyens graphiques sont dites picturales. Par conséquent, une vision picturale ne doit pas nécessairement être en même temps coloriste. L'espace pittoresque est avant tout un environnement spatial dont les « agents » sont la lumière et l'air.

En quoi une vision picturale diffère-t-elle d’une vision coloristique ? Comme on le sait, la couleur dans les œuvres de peinture est un certain système de relations de couleurs qui transmettent un certain état d'éclairage ou un état émotionnel du représenté. La couleur est une relation stricte entre tous relations de couleurs dans l'image et la subordination de ces relations de couleurs à la couleur dominante, et la vision coloristique est la capacité de voir et de se connecter en un seul système de tons de couleur, des impressions visuelles souvent dispersées dans la nature. Ainsi, nous classerons la capacité accrue de voir les « impressions visuelles dispersées dans la nature » comme vision picturale, et la capacité de systématiser ces impressions en une image complète comme vision coloristique. La transmission de la lumière et de l'air dans la peinture enrichit la couleur, lui conférant une qualité exquise, caractérisée par une richesse de vibrations chromatiques, en fonction de la couleur de l'éclairage et des réflexions mutuelles des objets environnants. Toutes ces qualités se manifestent le plus clairement dans l'impressionnisme, que G. Wölfflin appelle le degré extrême de pittoresque.

La vision picturale est la capacité de voir toute la variété des relations de couleurs de la nature dans les nuances les plus fines, en relation avec l'éclairage, la localisation des objets dans l'espace, la capacité de voir l'impact de l'épaisseur de l'air sur l'environnement de l'objet et, comme mentionné ci-dessus, contrairement à la couleur, les œuvres peuvent également être pittoresques, exécutées dans des relations monochromes. On peut donc dire que la vision picturale est l’arsenal de la vision artistique enrichie du peintre, qu’il incarne ensuite dans un certain système coloristique. Sur cette base, nous pouvons conclure que lorsqu'on enseigne aux étudiants des cours initiaux de peinture, il faut avant tout parler de la nécessité de se forger une vision picturale. Qu'il est nécessaire de développer un certain système de formation, d'établir le contenu et la séquence des tâches, le volume requis et le sujet du matériel théorique.

Sur cette base, après avoir analysé le matériel théorique étudié sur les questions de philosophie et de psychologie de la perception, la théorie et les méthodes d'enseignement de la peinture et processus éducatif en peinture aux facultés d'art et de graphisme, nous avons conclu que la vision picturale se compose des éléments suivants :

1. Vision des couleurs développée et compréhension des caractéristiques de son impact sur la perception du monde environnant.
2. Une vision holistique de toutes les relations de couleurs entre les objets et l'espace environnant.
3. Capacité à identifier les relations proportionnelles des taches de couleur dans le modèle et sur le plan pictural.
4. Visions forme volumétrique, clair-obscur et ton, la capacité de sculpter les formes avec la couleur.

L'étude contient analyse détaillée de ces caractéristiques et sur leur base sont considérées peintures les étudiants des filières initiales d'études, où sont analysées les lacunes caractéristiques des œuvres, c'est-à-dire le niveau de formation de la vision picturale sur étapes initiales entraînement. Sur la base de cette analyse, les critères suivants pour évaluer la formation de la vision picturale ont été développés :

1) Connaissances théoriques de la technique, de la technologie, de l'histoire de la peinture, de la science des couleurs.
2) Vision de la forme volumétrique, de la lumière, de l'ombre et du ton, de la position spatiale des objets, compétences techniques en matière de modélisation de la forme en utilisant la lumière, l'ombre et le ton, de sculpture de la forme avec la couleur.
3) Vision des couleurs développée, compréhension picturale riche et vision de la couleur.
4) Une vision picturale holistique de toutes les relations entre les objets et les caractéristiques de la nature. Une vision holistique de la structure picturale d'une nature morte, la capacité de déterminer sa structure de couleur dominante.
5) La capacité de transmettre la nature de l'éclairage par un contraste chaud-froid, chaud-froid entre les zones éclairées et les zones d'ombre.
6) La capacité de travailler avec des relations proportionnelles, en voyant les relations entre les couleurs dans la nature et dans une peinture.
7) Possibilité de postuler technique travailler à l'aquarelle conformément aux tâches assignées, combiner les techniques techniques du travail à l'aquarelle pour obtenir la planéité, la texture et la matérialité de l'image.

Pour développer un système de méthodes de formation d'une vision picturale, nous avons mené une expérience de vérification, qui poursuivait les objectifs suivants : déterminer le niveau initial de formation d'une vision picturale ; identifier les difficultés des élèves du primaire dans le processus d'apprentissage de la peinture.

Pour cela nous avons développé :

1) un programme de tâches : une série de performances pédagogiques dont la nature révèle certains aspects du niveau de formation de la vision picturale.
2) des entretiens et des questionnaires ont été réalisés.

Sur la base des critères et paramètres que nous avons développés, trois niveaux principaux de vision picturale ont été identifiés : élevé, moyen, faible, et sur leur base, 3 tableaux de critères d'évaluation des étudiants ont été élaborés : 1) niveau élevé, 2) moyen, 3) faible niveau avec six options d’erreur. Ces tableaux servent de base pour déterminer les erreurs caractéristiques dans la représentation d'une nature morte lors de la réalisation d'une expérience de vérification.

La première tâche de l'expérience de vérification était accomplie par les étudiants de 1ère année au début de leurs études, la deuxième et les suivantes à la fin de chaque semestre jusqu'à la fin de la 2ème année. L'étude décrit la séquence d'exécution de chaque tâche et analyse les résultats selon les critères et les niveaux de vision picturale ci-dessus, en identifiant les lacunes. Les résultats de chaque tâche ont été tabulés et résumés dans les conclusions suivantes : haut niveau environ 7% des expérimentés en 1ère année, 12% en 2ème année avaient une vision picturale ; un niveau moyen de 51% la 1ère année et 65% la deuxième année et un niveau faible de 42% la première année, 23% la seconde. Comme on peut le constater, des recherches ont montré que sans formation particulière, la vision picturale ne se développe que chez les élèves les plus doués et nécessite donc un développement. système spécial modalités de sa formation.

Pour développer des méthodes permettant de former une vision picturale, nous avons mené une expérience formative qui a été menée pendant quatre ans dans deux groupes universitaires d'étudiants de la faculté d'art et de graphisme de l'Université humanitaire d'État de Nizhnevartovsk. La formation principale sur la formation de la vision picturale s'est concentrée sur les cours 1 et 2 ; dans les cours 3 et 4, les résultats de la formation expérimentale ont été testés.

Les principales tâches de l'apprentissage expérimental concernent trois domaines de l'activité cognitive :

organisation de la perception;
maîtriser les connaissances théoriques;
enseigner aux étudiants des compétences pratiques et des compétences en peinture.

Essence organisation de la perception consistait en une observation et une étude actives et ciblées des modèles de couleurs de la nature ; dans la capacité de voir les différences de couleurs les unes par rapport aux autres, d'examiner consciemment et délibérément un décor à grande échelle, en se souvenant de ce qui est visible dans le but de le représenter ensuite en couleur ; voir et évaluer avec précision les changements de couleur en fonction du changement environnement et source de lumière ; percevoir la nature de manière globale.

L'organisation de la perception des œuvres de peinture et autres œuvres d'art dans lesquelles les capacités expressives de la couleur sont utilisées consistait en l'étude des modèles de construction chromatique de la composition, dans l'étude moyens expressifs l'art, y compris la peinture.

Les cours pratiques comprenaient : faire des exercices, travailler d'après nature, utiliser l'imagination et la représentation.

Afin d'acquérir des connaissances sur les lois de construction de l'harmonie des couleurs, d'étudier les qualités intrinsèques et inappropriées de la couleur et d'étudier les techniques techniques de base du travail de l'aquarelle, nous avons développé un système d'exercices de courte durée, leur particularité est qu'ils résolvent des problèmes pédagogiques. problèmes dans un complexe. Autrement dit, parallèlement à l'étude des principes de la science des couleurs, des caractéristiques de « température » de la couleur, des qualités de couleur telles que la luminosité, la saturation, la teinte, etc., nous avons structuré ces exercices de manière à ce que lors de la résolution de ces problèmes, les étudiants maîtrisent également les techniques techniques. de travailler avec des peintures à l'aquarelle.

Nous avons structuré certaines des tâches liées à la représentation de natures mortes de telle manière qu'elles n'étaient pas liées à la représentation d'une nature morte spécifique, mais visaient à transmettre l'espace, la profondeur et le volume en couleur dans les conditions proposées. Ici, la question peut se poser : pourquoi ne peut-on pas étudier cela lorsqu’on travaille directement à partir de la nature ?

Lorsqu'il travaille d'après nature, un peintre inexpérimenté devient son « esclave », c'est-à-dire qu'il s'efforce de suivre strictement la couleur et les contours extérieurs des objets et ne peut pas faire abstraction de leurs signes visibles. Ces tâches vous permettent, sans attachement à des objets spécifiques, d'étudier comment la couleur peut vous rapprocher et vous éloigner, comment la couleur peut sculpter une forme, transmettre l'état de l'éclairage, puis appliquer ces connaissances à un travail d'après nature.

Et la seconde moitié tâches pratiques consiste à peindre d'après nature, des natures mortes composées de telle manière que chaque tâche résout certains problèmes de formation d'une vision picturale.

Après l'expérience formative, pour déterminer les résultats de la méthodologie proposée, nous nous sommes appuyés sur les niveaux de développement de la vision picturale que nous avions développés. Pour évaluer la formation du niveau de vision picturale chez les étudiants des groupes expérimentaux, nous avons utilisé méthode mathématique calculs selon des critères. Les notes étaient attribuées lors des révisions semestrielles selon le système généralement accepté en cinq points, ainsi que lors des sections expérimentales au milieu de chaque semestre. À la suite de l’expérience de formation, les données suivantes ont été obtenues (tableau 1) :

Tableau 1. Résultats de l'expérience de formation

1ère année, 1er semestre
EG - élevé - 30%	CG - élevé - 6,4%
moyenne - 52%	moyenne - 48,2%
faible - 18%	faible - 46,4%
1ère année, 2ème semestre
EG - élevé - 30,6%	CG - élevé - 6,1%
moyenne - 47,2%	moyenne - 42,8%
faible - 12,2%	faible - 51,1%
2ème année, 1er semestre
EG - élevé - 23,8%	CG - élevé - 11,3%
moyenne - 64,8%	moyenne - 42,8%
faible - 11,4%	faible - 45,9%
2ème année, 2ème semestre
EG - élevé - 39,5%	CG - élevé - 5,3%
moyenne - 51,6%	moyenne - 49,1%
faible - 8,9%	faible - 45,6%.

La comparaison des résultats des groupes expérimentaux avec les groupes témoins prouve clairement l'avantage du système d'exercices proposé et confirme son efficacité pédagogique. Nous avons constaté qu'en utilisant une méthodologie ciblée pour l'enseignement de la peinture, il est possible d'obtenir un succès significatif dans le développement de la vision picturale des élèves, qui se développe avec plus de succès lorsque, dès les premiers jours des cours de peinture, l'enseignement de la couleur, du coloriage, et les techniques de peinture sont intensifiées. Il doit consister avant tout en une étude théorique et pratique approfondie des lois de l'harmonie des couleurs, dont la connaissance enrichit la perception de la couleur et contribue au développement du sens de la couleur - une propriété artistique unique qui est une composante nécessaire de la vision picturale.

Tout au long du processus d'apprentissage de la peinture, dans chaque tâche, il est nécessaire de définir des tâches de couleur liées à la modélisation de la forme, à la transmission de l'espace et du volume. Il est nécessaire de diversifier et de préciser les buts et objectifs de chaque tâche individuelle.

En général, les résultats de la formation expérimentale des étudiants ont confirmé l'efficacité de la méthodologie appliquée pour enseigner la vision picturale aux élèves du primaire et la nécessité de son utilisation dans des domaines pédagogiques et pédagogiques ultérieurs. activité créativeétudiants.

BIBLIOGRAPHIE:

1. Welflin G. Concepts de base de l'histoire de l'art. - M.-. : 1930.-290 p. : ill.
2. Virgilis N.Yu., Zinchenko V.P. Problèmes d'adéquation de l'image. - «Questions de philosophie». 1967, n° 4, p. 55-65.

Lien bibliographique

Shaikhulov R.N. SUR LA FORMATION DE LA VISION DE L'IMAGE DES ÉTUDIANTS DU COURS INITIAL DES FACULTÉS D'ART ET DE GRAPHIQUE DES UNIVERSITÉS PÉDAGOGIQUES // Enjeux contemporains sciences et éducation. – 2007. – n° 6-2. ;
URL : http://science-education.ru/ru/article/view?id=784 (date d'accès : 02/01/2020). Nous portons à votre connaissance les magazines édités par la maison d'édition "Académie des Sciences Naturelles"

La détermination des relations lumière-ombre et couleur dans la nature est réalisée par la méthode de comparaison simultanée. L'efficacité de cette méthode est due à une vision particulière de la nature - l'intégrité de la vision ou, comme disent les artistes, « une vision large », une « perception holistique généralisée », « l'ouverture des yeux ». Comme nous l'avons déjà noté, avec la vision ordinaire, le paysage en question est visible clairement et définitivement dans les zones où notre regard est dirigé.

Cela signifie que le contraste et la définition des couleurs, le relief des objets augmentent lorsqu'on s'approche du centre visuel (la tache jaune sur la rétine, appelée fovéa centrale) et diminuent lorsqu'on s'en éloigne. Par conséquent, si, au cours du processus de peinture, nous transférons constamment le centre visuel d'un objet à un autre, nous ne déterminerons pas correctement les relations.

Le peintre ne doit pas concentrer son regard sur des objets individuels, des détails, mais embrasser la nature entière dans son ensemble, en comparant et en notant les différences entre les objets en termes de luminosité, de couleur, de relief, etc. , l'ensemble du groupe d'objets sera perçu vaguement. Cependant, dans ce « spot » généralisé, il est plus facile de voir et de déterminer la différence de couleur des objets, l'activité d'une couleur et le sourd, la subordination d'une autre, le relief des plans.

« Avec une large étendue de visible, l'artiste ne scrute pas chaque point », écrit B.V. Ioganson, « mais voit de manière généralisée... Couvrant tout de son regard en même temps, l'artiste remarque soudain ce qui est particulièrement brillant, revendique le droit à la première voix, et ce qui est à peine perceptible chante... Grâce au fait que l'artiste procédait du tout, il avait l'occasion de comparer une chose avec une autre, ce que l'artiste qui procède du tout le détail est privé de... Ce n'est que par une comparaison constante avec l'unité d'une vision intégrale que l'on peut apprendre la vérité de la peinture.

La même idée a été exprimée un jour par K. A. Korovine : « … ce n'est pas l'ombre qu'il faut prendre, mais la relation de tous les tons avec l'ombre. C'est-à-dire regarder en même temps, ne pas violer l'interdépendance subtile des relations picturales... Éduquez l'œil d'abord petit à petit, puis ouvrez-le plus grand, et à la fin il faut voir tout ce qui est inclus dans la toile. ensemble, et alors ce qui n'est pas pris avec précision sera faux, comme une note infidèle dans l'orchestre. Artiste expérimenté voit tout à la fois, tout comme bon chef d'orchestre Il entend simultanément le violon, la flûte, le basson et d'autres instruments. Ce. pour ainsi dire, le summum de la maîtrise, il faut l’approcher progressivement.

Une vision holistique et une comparaison constante ne vous permettent pas de vous attarder trop longtemps sur des objets individuels ou des détails sans importance ; il faut pouvoir se distraire d'une couleur préalablement connue, voir cette couleur, ces relations dans lesquelles se trouvent les objets au moment de l'observation.

Diverses techniques permettent de déterminer correctement les relations visibles dans la nature. Ainsi, de nombreux artistes conseillent de plisser les yeux au moment de l'observation, de regarder les objets non pas au point, mais comme s'ils étaient « passés et rapidement », « pas au point, mais à proximité », etc. Dans le même but, les artistes débutants sont parfois recommandé d'utiliser du verre noir, un miroir, un cadre de viseur, comparer couleurs visibles nature avec des couleurs de palette propres. Par exemple, vous pouvez appliquer des couleurs de peinture pures sur du verre ou sur un chevalet.

En pointant le verre vers les objets représentés et en comparant leur couleur avec les peintures pures sur le verre, vous pouvez déterminer le son des couleurs de la nature. Parfois, pour déterminer la saturation des couleurs, les artistes placent un objet peint d'une nuance de couleur similaire à côté d'un objet dans la nature. Ces techniques vous permettent de déterminer plus précisément la couleur des objets représentés.

Analysons quelques fonctionnalités de notre perception visuelle et les erreurs associées trouvées dans travail éducatif. Lorsque le regard du peintre est dirigé vers le plan lointain de la nature, tous les objets de ce plan et leurs détails, caractéristiques tonales et chromatiques sont visibles clairement et définitivement ; d'autres objets sont moins visibles. Si le regard est dirigé vers des objets en arrière-plan ou au premier plan de la nature représentée, ils sont alors clairement visibles en couleur et en relief, tandis que les objets en arrière-plan, au contraire, sont vagues et peu clairs.

Comparé et vu séparément, le croquis regorge de taches de couleur et de contrastes ; les détails sur l'ensemble du plan de l'image sont élaborés avec le même soin ; il n'y a pas d'unité des centres optiques et compositionnels. Un croquis correctement écrit représente une image picturale holistique respectant l'unité des centres optiques et compositionnels.

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