Tragedia(del gr. Tragos - cabra y oda - canción) - uno de los tipos de drama que se basa en el conflicto irreconciliable de una personalidad inusual con circunstancias externas insuperables. Normalmente el héroe muere (Romeo y Julieta, Hamlet de Shakespeare). La tragedia ocurrió en antigua Grecia, el nombre proviene de una creencia popular en honor al dios del vino, Dioniso. Se representaban danzas, cantos e historias sobre su sufrimiento, al final de los cuales se sacrificaba un macho cabrío.
Comedia(del gr. comoidia. Comos - multitud alegre y oda - canción) - una especie de arbitrariedad dramática en la que se representa el cómic vida social, comportamiento y carácter de las personas. Hay una comedia de situaciones (intriga) y una comedia de personajes.
Drama - un tipo de dramaturgia intermedia entre la tragedia y la comedia (“La tormenta” de A. Ostrovsky, “La felicidad robada” de I. Franko). Los dramas representan principalmente la vida privada de una persona y su agudo conflicto con la sociedad. Al mismo tiempo, a menudo se hace hincapié en las contradicciones humanas universales, encarnadas en el comportamiento y las acciones de personajes específicos.
Misterio(del gr. mysterion - sacramento, servicio religioso, ritual) - un género de teatro religioso de masas de finales de la Edad Media (siglos XIV-XV), muy extendido en los países de Nvrotta occidental.
Atracción secundaria(del latín intermedius - lo que está en el medio) - pequeño obra cómica o una parodia que se representó entre los actos del drama principal. en moderno arte pop Existe como un género independiente.
Vodevil(del vodevil francés) una obra cómica ligera en la que se combina la acción dramática con la música y el baile.
Melodrama- una obra de aguda intriga, exagerada emotividad y tendencia moral y didáctica. Lo típico del melodrama es el “final feliz”, el triunfo de los buenos personajes. El género del melodrama fue popular en los siglos XVIII y XIX, pero luego adquirió una reputación negativa.
Farsa(del latín farcio empiezo, lleno) es una comedia popular de Europa occidental de los siglos XIV al XVI, que surgió a partir de divertidos juegos rituales e interludios. La farsa se caracteriza por los principales rasgos de las ideas populares: participación masiva, orientación satírica y humor grosero. En los tiempos modernos, este género ha entrado en el repertorio de los pequeños teatros.
Como se señaló, los métodos de representación literaria a menudo se mezclan dentro especies individuales y géneros. Esta mezcla es de dos tipos: en algunos casos hay una especie de inclusión, cuando el principal características de nacimiento se conservan; en otros, los principios genéricos están equilibrados y la obra no puede atribuirse ni a la épica, ni al clero ni al drama, por lo que se les denomina formaciones adyacentes o mixtas. La mayoría de las veces se mezclan épica y lírica.
Balada(de Provenza ballar - bailar) - una pequeña obra poética con un toque agudo trama dramática contenido amoroso, histórico-legendario, heroico-patriótico o de cuento de hadas. La descripción de los acontecimientos se combina en él con un pronunciado sentimiento de autor, la epopeya se combina con la letra. El género se generalizó en la era del romanticismo (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko, etc.).
poema épico lírico- una obra poética en la que, según V. Mayakovsky, el poeta habla del tiempo y de sí mismo (poemas de V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, etc.).
poema dramático- una obra escrita en forma dialógica, pero no destinada a la producción en escena. Ejemplos de este género: "Fausto" de Goethe, "Caín" de Byron, "En las catacumbas" de L. Ukrainka, etc.
Drama(Griego antiguo δρμα - acto, acción): uno de los tres tipos de literatura, junto con la poesía épica y lírica, pertenece simultáneamente a dos tipos de arte: la literatura y el teatro. El drama, destinado a ser representado en el escenario, se diferencia formalmente de la poesía épica y lírica en que el texto que contiene se presenta en forma de comentarios de los personajes y del autor y, por regla general, se divide en acciones y fenómenos. Drama de una forma u otra se refiere a cualquier obra literaria construida en forma dialógica, incluyendo comedia, tragedia, drama (como género), farsa, vodevil, etc.
Desde la antigüedad, ha existido en forma folclórica o literaria entre varios pueblos; Los antiguos griegos, los antiguos indios, los chinos, los japoneses y los indios americanos crearon sus propias tradiciones dramáticas independientemente unos de otros.
Traducido literalmente del griego antiguo, drama significa "acción".
La especificidad del drama como género literario radica en su organización especial. discurso artístico: a diferencia de la épica, en el drama no hay narración y el discurso directo de los héroes, sus diálogos y monólogos es de suma importancia.
Las obras dramáticas están destinadas a ser puestas en escena, y esto determina características específicas dramas:
- falta de imagen narrativa-descriptiva;
- “auxiliar” del discurso del autor (comentarios);
- el texto principal de una obra dramática se presenta en forma de réplicas de los personajes (monólogo y diálogo);
- el drama como tipo de literatura no tiene tanta variedad de medios artísticos y visuales como la épica: el habla y la acción son los principales medios para crear la imagen de un héroe;
- el volumen del texto y el tiempo de acción están limitados por el escenario;
- Los requisitos del arte escénico también dictan una característica del drama como una cierta exageración (hiperbolización): "exageración de eventos, exageración de sentimientos y exageración de expresiones" (L.N. Tolstoi), en otras palabras, espectacularidad teatral, mayor expresividad; el espectador de la obra siente la convencionalidad de lo que está sucediendo, lo cual fue muy bien dicho por A.S. Pushkin: “la esencia misma del arte dramático excluye la verosimilitud... al leer un poema, una novela, a menudo podemos olvidarnos de nosotros mismos y creer que el incidente descrito no es ficción, sino la verdad. En una oda, en una elegía, podemos pensar que el poeta describió sus verdaderos sentimientos, en circunstancias reales. Pero ¿dónde está la credibilidad en un edificio dividido en dos partes, una de las cuales está llena de espectadores que se ponen de acuerdo, etc.?
El esquema argumental tradicional de cualquier obra dramática es:
EXPOSICIÓN - presentación de héroes
EMPATE - colisión
DESARROLLO DE LA ACCIÓN: un conjunto de escenas, desarrollo de una idea.
CLIMAX - el apogeo del conflicto
INTERCIERRE
historia del teatro
Los inicios del drama se encuentran en la poesía primitiva, en la que los elementos posteriores del lirismo, la épica y el drama se fusionaron en conexión con la música y los movimientos faciales. Antes que entre otras naciones, el drama clase especial La poesía se formó entre los hindúes y los griegos.
Drama griego, que desarrolla tramas religioso-mitológicas serias (tragedia) y divertidas, extraídas de vida moderna(comedia), alcanza una gran perfección y en el siglo XVI es un modelo para el teatro europeo, que hasta entonces había manejado con naturalidad narrativas religiosas y seculares (misterios, dramas escolares y espectáculos secundarios, fastnachtspiels, sottises).
Los dramaturgos franceses, imitando a los griegos, se adhirieron estrictamente a ciertas disposiciones que se consideraban inmutables para la dignidad estética del drama, tales como: unidad de tiempo y lugar; la duración del episodio representado en el escenario no debe exceder el día; la acción debe tener lugar en el mismo lugar; el drama debe desarrollarse correctamente en 3-5 actos, desde el principio (aclaración de la posición inicial y personajes de los personajes) pasando por las vicisitudes intermedias (cambios de posiciones y relaciones) hasta el desenlace (generalmente una catástrofe); el número de caracteres es muy limitado (normalmente de 3 a 5); Se trata exclusivamente de los más altos representantes de la sociedad (reyes, reinas, príncipes y princesas) y sus servidores-confidentes más cercanos, quienes se introducen en el escenario para la conveniencia de dialogar y pronunciar comentarios. Éstas son las principales características del drama clásico francés (Cornel, Racine).
El rigor de las exigencias del estilo clásico ya no se observaba en las comedias (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), que poco a poco pasaron de la convención a la representación. vida ordinaria(género). Libre de las convenciones clásicas, la obra de Shakespeare abrió nuevos caminos para el drama. El final del siglo XVIII y la primera mitad del XIX estuvieron marcados por la aparición de dramas románticos y nacionales: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.
En el segundo mitad del XIX siglo, el realismo se impone en el drama europeo (Dumas el hijo, Ogier, Sardou, Palleron, Ibsen, Sudermann, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).
En el último cuarto del siglo XIX, bajo la influencia de Ibsen y Maeterlinck, el simbolismo comenzó a apoderarse del escenario europeo (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).
Tipos de drama
- Tragedia - género obra de arte, destinado a la producción teatral, en el que la trama lleva a los personajes a un desenlace catastrófico. La tragedia está marcada por una severa seriedad, describe la realidad de la manera más nítida, como un coágulo de contradicciones internas, revela los conflictos más profundos de la realidad en una forma extremadamente intensa y rica que adquiere significado. símbolo artístico. La mayoría de las tragedias están escritas en verso. Las obras suelen estar llenas de patetismo. El género opuesto es la comedia.
- El drama (psicológico, criminal, existencial) es un género literario (dramático), escénico y cinematográfico. Se distribuyó especialmente en la literatura de los siglos XVIII y XXI, desplazando gradualmente a otro género de drama: la tragedia, oponiéndose principalmente a él. historia cotidiana y un estilo más cercano a la realidad cotidiana. Con la aparición del cine, este también pasó a este arte, convirtiéndose en uno de sus géneros más extendidos (ver la categoría correspondiente).
- Los dramas suelen representar específicamente la vida privada de una persona y sus conflictos sociales. Al mismo tiempo, a menudo se hace hincapié en las contradicciones humanas universales, encarnadas en el comportamiento y las acciones de personajes específicos.
El concepto de “drama como género” (diferente del concepto de “drama como tipo de literatura”) es conocido en la crítica literaria rusa. Así, B.V. Tomashevsky escribe:
En el siglo 18 cantidad<драматических>Los géneros están aumentando. Junto con los géneros teatrales estrictos, se proponen géneros inferiores y "justos": comedia italiana, vodevil, parodia, etc. Estos géneros son la fuente de la farsa moderna, lo grotesco, la opereta y las miniaturas. La comedia se divide, distinguiéndose como “drama”, es decir, una obra con temas cotidianos modernos, pero sin la situación “cómica” específica (“tragedia filistea” o “comedia llorosa”).<...>El drama desplaza decisivamente a otros géneros en el siglo XIX, en armonía con la evolución de la novela psicológica y cotidiana.
Por otro lado, el drama como género en la historia de la literatura se divide en varias modificaciones distintas:
Así, el siglo XVIII fue la época del drama burgués (G. Lillo, D. Diderot, P.-O. Beaumarchais, G. E. Lessing, primeros F. Schiller).
En el siglo XIX comenzó a desarrollarse el drama realista y naturalista (A. N. Ostrovsky, G. Ibsen, G. Hauptmann, A. Strindberg, A. P. Chekhov).
A principios del siglo XIX y XX se desarrolló el drama simbolista (M. Maeterlinck).
En el siglo XX: drama surrealista, drama expresionista (F. Werfel, W. Hasenclever), drama absurdo (S. Beckett, E. Ionesco, E. Albee, V. Gombrowicz), etc.Muchos dramaturgos de los siglos XIX y XX utilizaron la palabra “drama” para designar el género de sus obras escénicas.
- El drama en verso es lo mismo, sólo que en forma poética.
- Melodrama - género ficción, arte teatral y cine, cuyas obras revelan el mundo espiritual y sensorial de los héroes en circunstancias emocionales especialmente vívidas basadas en contrastes: el bien y el mal, el amor y el odio, etc.
- Hierodrama: en la Francia del Antiguo Orden (segunda mitad del siglo XVIII), el nombre de las composiciones vocales para dos o más voces sobre temas bíblicos.
A diferencia de los oratorios y las obras de misterio, los jerodramas no utilizaban palabras de salmos latinos, sino textos de poetas franceses modernos, y no se representaban en iglesias, sino en conciertos espirituales en el Palacio de las Tullerías. - En particular, "El sacrificio de Abraham" (música de Cambini) y en 1783 "Sansón" fueron presentados con las palabras de Voltaire en 1780. Impresionado por la revolución, Desaugiers compuso su cantata “Hierodrama”.
- El misterio es uno de los géneros del teatro medieval europeo asociado a la religión.
- La trama del misterio generalmente se tomaba de la Biblia o del Evangelio y se intercalaba con varias escenas cómicas cotidianas. A partir de mediados del siglo XV, los misterios comenzaron a aumentar en volumen. El Misterio de los Hechos de los Apóstoles contiene más de 60.000 versos, y su representación en Bourges en 1536 duró, según consta, 40 días.
- Si en Italia el misterio murió naturalmente, en otros países fue prohibido durante la Contrarreforma; en particular, en Francia, el 17 de noviembre de 1548 por orden del parlamento parisino; en la Inglaterra protestante en 1672, el misterio fue prohibido por el obispo de Chester, y tres años más tarde el arzobispo de York repitió la prohibición. En la España católica las obras de misterio continuaron hasta mediados del siglo XVIII, fueron compuestas por Lope de Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca, Pedro; No fue hasta 1756 que fueron oficialmente prohibidos por decreto de Carlos III.
- La comedia es un género de ficción caracterizado por un enfoque humorístico o satírico, así como un tipo de drama en el que se resuelve específicamente el momento de conflicto o lucha efectiva entre personajes antagónicos.
Aristóteles definió la comedia como “la imitación de las peores personas, pero no en toda su depravación, sino de una manera divertida” (“Poética”, Capítulo V). Las primeras comedias que se conservan se crearon en la antigua Atenas y fueron escritas por Aristófanes.Distinguir comedia de enredo Y comedia de personajes.
Comedia de enredo (Situacion de comedia, comedia situacional) es una comedia en la que la fuente del humor son los acontecimientos y las circunstancias.
comedia de personajes (comedia de costumbres) - una comedia en la que la fuente de lo divertido es la esencia interna de los personajes (moral), la unilateralidad divertida y fea, un rasgo o pasión exagerada (vicio, defecto). Muy a menudo, una comedia costumbrista es una comedia satírica que se burla de todas estas cualidades humanas. - Vodevil- una obra de comedia con coplas y bailes, así como un género de arte dramático. En Rusia, el prototipo del vodevil fue una pequeña ópera cómica de finales del siglo XVII, que permaneció en el repertorio del teatro ruso y hasta principios del XIX siglo.
- Farsa- una comedia de contenido ligero con puramente externa tecnicas comicas.
En la Edad Media, la farsa también se llamaba teatro folklórico y literatura, muy extendida en los siglos XIV-XVI en los países de Europa occidental. Habiendo madurado dentro del misterio, la farsa obtuvo su independencia en el siglo XV y en el siglo siguiente se convirtió en el género dominante en el teatro y la literatura. Las técnicas de la bufonería se conservaron en el payaso de circo.
El elemento principal de la farsa no era una sátira política consciente, sino una descripción relajada y despreocupada de la vida urbana con todos sus incidentes escandalosos, obscenidades, groserías y diversión. La farsa francesa variaba a menudo el tema de un escándalo entre cónyuges.
En ruso moderno, una farsa se suele llamar profanación, imitación de un proceso, por ejemplo, un juicio.
Éste es un tipo de literatura objetivo-subjetivo (Hegel). Es una imagen objetiva del mundo y su desarrollo subjetivo.
La forma genérica es el diálogo. Desde el punto de vista características genéricas el contenido de las obras dramáticas debe caracterizarse a su vez desde la posición
Un conflicto
Drama(Dráma griego, literalmente - acción), 1) uno de los tres tipos de literatura (junto con la poesía épica y lírica; ver Género literario ). Drama (en literatura) pertenece al mismo tiempo teatro Y literatura : siendo la base fundamental de la actuación, también se percibe en la lectura. Drama (en literatura) formado sobre la base de la evolución del arte teatral: poniendo en primer plano a los actores que conectan pantomima con la palabra hablada, marcó su surgimiento como tipo de literatura. Sus características específicas incluyen: trama, es decir reproducción del curso de los acontecimientos; tensión dramática de la acción y su división en episodios escénicos; continuidad de la cadena de declaraciones de los personajes; ausencia (o subordinación) de un comienzo narrativo (ver Narración ). Diseñado para la percepción colectiva, Drama (en literatura) siempre gravitó hacia lo más problemas agudos y en los ejemplos más llamativos se hizo popular. Según A. S. Pushkin, el propósito Drama (en literatura) es “...actuar sobre la multitud, sobre la multitud, para atraer su curiosidad” ( Colección completa soch., vol. 7, 1958, pág. 214).
Drama (en literatura) el conflicto profundo es inherente; su base fundamental es la experiencia intensa y efectiva por parte de las personas de las contradicciones humanas sociohistóricas o “eternas” y universales. El teatro, accesible a todo tipo de arte, domina naturalmente Drama (en literatura) Según V. G. Belinsky, el drama es una propiedad importante del espíritu humano, despertado por situaciones en las que lo preciado o apasionadamente deseado, que exige realización, está amenazado.
Los conflictos llenos de drama se materializan en la acción: en el comportamiento de los héroes, en sus acciones y logros. Mayoría Drama (en literatura) construido sobre una única acción externa (que corresponde al principio de “unidad de acción” de Aristóteles), basado, por regla general, en el enfrentamiento directo de los héroes. En este caso, la acción se puede rastrear desde instrumentos de cuerda antes intercambios , que abarca grandes períodos de tiempo (medieval y oriental Drama (en literatura), por ejemplo, “Shakuntala” de Kalidasa), o se toma sólo en su clímax, cerca del desenlace (tragedias antiguas, por ejemplo, “Edipo Rey” de Sófocles, y muchas Drama (en literatura) tiempos modernos, por ejemplo, "Dote" de A. N. Ostrovsky). Estética clásica del siglo XIX. tiende a absolutizar estos principios de construcción Drama (en literatura) Cuidando a Hegel Drama (en literatura) Como reproducción de actos volitivos en colisión (“acciones” y “reacciones”), Belinsky escribió: “La acción del drama debe centrarse en un interés y ser ajena a los intereses secundarios... No debería haber una sola persona en el drama que no sería necesario en el mecanismo de su curso y desarrollo” (Colección completa de obras, vol. 5, 1954, p. 53). Al mismo tiempo, “... la decisión de elegir un camino depende del héroe del drama y no del evento” (ibid., p. 20).
Las propiedades formales más importantes. Drama (en literatura): una cadena continua de declaraciones que actúan como actos de comportamiento de los personajes (es decir, sus acciones), y como consecuencia de esto, la concentración de lo representado en áreas cerradas de espacio y tiempo. Base universal de composición. Drama (en literatura): episodios escénicos (escenas), dentro de los cuales el tiempo representado, el llamado real, se adapta al tiempo de percepción, el llamado artístico. En folk, medieval y oriental. Drama (en literatura), así como en Shakespeare, en "Boris Godunov" de Pushkin, en las obras de Brecht, el lugar y el momento de la acción cambian muy a menudo. europeo Drama (en literatura) 17-19 siglos se basa, por regla general, en unos pocos y muy extensos episodios escénicos que coinciden con los actos representaciones teatrales. Una expresión extrema del desarrollo compacto del espacio y el tiempo es la “unidad” conocida en el “Arte poético” de N. Boileau, que sobrevivió hasta el siglo XIX. ("Ay de Wit" de A. S. Griboyedov).
Las obras dramáticas en la gran mayoría de los casos están destinadas a la producción en escena, existe un círculo muy reducido; obras dramáticas que se llaman lectura dramática.
Los géneros dramáticos tienen su propia historia, cuyas características están determinadas en gran medida por el hecho de que históricamente, desde la antigüedad hasta el clasicismo inclusive, ha sido un fenómeno de dos géneros: o la máscara lloraba (tragedia) o la máscara reía (comedia).
Pero en el siglo XVIII apareció una síntesis de comedia y tragedia-drama.
El drama ha reemplazado a la tragedia.
1)tragedia
2) comedia
4)obra de farsa con una pronunciada orientación satírica de un pequeño volumen
5)El contenido del género vodevil es similar al contenido del género de la comedia, en la mayoría de los casos humorístico. La forma del género es una obra de un acto con géneros y versos..
6) La tragicomedia es una combinación frontal de sufrimiento y alegría representados con la correspondiente reacción de risas y lágrimas (Eduardo de Filippo).
7) crónica dramática. Un género cercano al género dramático que normalmente no tiene uno. héroe y eventos se dan en una secuencia. Bill Berodelkowski, Tormenta,
Mayor cantidad La comedia ha tenido históricamente variantes de género: comedia científica italiana; comedia de máscaras en España; ,Capa y Espada, Había una comedia de personajes, de situación, comedia costumbrista (cotidiana), bufonadas, etc.
DRAMATURGIA RUSA. La dramaturgia literaria profesional rusa se desarrolló a finales de los siglos XVII y XVIII, pero fue precedida por un período centenario de drama popular, principalmente oral y en parte escrito a mano. Al principio, las acciones rituales arcaicas, luego los juegos de danza circular y los juegos de bufones contenían elementos característicos de la dramaturgia como forma de arte: dialogicidad, dramatización de la acción, representación en persona, representación de tal o cual personaje (masa). Estos elementos se consolidaron y desarrollaron en el drama folclórico.
La etapa pagana de la dramaturgia del folclore ruso se ha perdido: el estudio del arte folclórico en Rusia no comenzó hasta el siglo XIX, el primero publicaciones cientificas Los grandes dramas populares aparecieron sólo en 1890-1900 en la revista "Ethnographic Review" (con comentarios de los científicos de la época V. Kallash y A. Gruzinsky). Un comienzo tan tardío en el estudio del drama popular ha llevado a la creencia generalizada de que el surgimiento del drama popular en Rusia se remonta sólo a los siglos XVI y XVII. Existe un punto de vista alternativo, donde la génesis Barcos Derivado de las costumbres funerarias de los eslavos paganos. Pero en cualquier caso, la trama y los cambios semánticos en los textos de los dramas folclóricos, que tuvieron lugar durante al menos diez siglos, se consideran en los estudios culturales, la historia del arte y la etnografía a nivel de hipótesis. Cada período histórico dejó su huella en el contenido de los dramas folclóricos, lo que contribuyó a la capacidad y riqueza de las conexiones asociativas de su contenido.
Dramaturgia literaria rusa temprana. El origen del drama literario ruso se remonta al siglo XVII. y está asociado con el teatro de la escuela-iglesia, que surge en Rusia bajo la influencia obras de teatro escolares en Ucrania en la Academia Kiev-Mohyla. Para combatir las tendencias católicas provenientes de Polonia, la Iglesia Ortodoxa de Ucrania utilizó teatro folklórico. Los autores de las obras tomaron prestados argumentos de los rituales de la iglesia, los escribieron en diálogos e intercalaron interludios cómicos, musicales y numeros de baile. En términos de género, este drama parecía un híbrido de obras de teatro morales y milagros de Europa occidental. Escritas en un estilo moralizante y pomposamente declamatorio, estas obras de teatro escolar combinaban personajes alegóricos (Vicio, Orgullo, Verdad, etc.) con personajes históricos (Alejandro Magno, Nerón), mitológicos (Fortuna, Marte) y bíblicos (Josué, Herodes). y etc.). Las obras más famosas - Una acción sobre Alexy, un hombre de Dios., Acción sobre la Pasión de Cristo etc. El desarrollo del teatro escolar está asociado con los nombres de Dmitry Rostovsky ( Drama de la Asunción, drama navideño, actuación de Rostov etc.), Feofan Prokopovich ( Vladímir), Mitrofan Dovgalevsky ( Poderosa imagen del amor de Dios por la humanidad), Georgy Konissky ( Resurrección de los muertos) y otros, Simeón de Polotsk también comenzó en el teatro de la iglesia y la escuela.
.Drama ruso del siglo XVIII. Después de la muerte de Alexei Mikhailovich, el teatro fue cerrado y revivió solo bajo Pedro I. Sin embargo, la pausa en el desarrollo del drama ruso duró un poco más: en el teatro de la época de Pedro, se representaban principalmente obras traducidas. Es cierto que en esta época se generalizaron los actos de carácter panegírico con monólogos patéticos, coros, divertimentos musicales y procesiones solemnes. Glorificaron las actividades de Pedro y respondieron a los acontecimientos actuales ( El triunfo del mundo ortodoxo., Liberación de Livonia e Ingria etc.), pero no tuvo mucha influencia en el desarrollo del drama. Los textos de estas representaciones eran más de carácter aplicado y anónimos. El drama ruso comenzó a experimentar un rápido ascenso a mediados del siglo XVIII, simultáneamente con la formación de un teatro profesional que necesitaba un repertorio nacional.
Hasta mediados del siglo XVIII. explica la formación del clasicismo ruso (en Europa, el apogeo del clasicismo en esta época quedó en el pasado: Corneille murió en 1684, Racine, en 1699). V. Trediakovsky y M. Lomonosov probaron suerte en la tragedia clasicista, pero El fundador del clasicismo ruso (y de la dramaturgia literaria rusa en general) fue A. Sumarokov, quien en 1756 se convirtió en director del primer teatro ruso profesional. Escribió 9 tragedias y 12 comedias, que formaron la base del repertorio teatral de los años 1750-1760. Sumarokov también fue dueño de las primeras obras literarias y teóricas rusas. En particular, en Epístola sobre poesía(1747) defiende principios similares a los cánones clasicistas de Boileau: estricta división de los géneros dramáticos, adherencia a "tres unidades". A diferencia de los clasicistas franceses, Sumarokov no se basó en temas antiguos, sino en crónicas rusas ( jorev, Sinav y Truvor) y la historia rusa ( Dmitri el pretendiente y etc.). Otros trabajaron en la misma dirección. principales representantes Clasicismo ruso - N. Nikolev ( sorena y zamir), Y. Knyazhnin ( rosslav, Vadim Nóvgorodski y etc.).
El drama clasicista ruso tenía otra diferencia con el francés: los autores de tragedias también escribían comedias al mismo tiempo. Esto desdibujó los estrictos límites del clasicismo y contribuyó a la diversidad de tendencias estéticas. Los dramas clasicistas, educativos y sentimentales en Rusia no se reemplazan entre sí, sino que se desarrollan casi simultáneamente. Primeros intentos de crear. comedia satírica Sumarokov ya ha emprendido ( Monstruos, Pelea vacía, Hombre codicioso, Dote por engaño, Narcisista y etc.). Además, en estas comedias utilizó técnicas estilísticas de interludios y farsas folclóricas, a pesar de que en sus obras teóricas criticaba la "fiesta" popular. En las décadas de 1760 y 1780. El género de la ópera cómica se está generalizando. Le rinden homenaje como los clasicistas: Knyazhnin ( Desgracia del carruaje, sbitenshchik, Fanfarrón etc.), Nikolaev ( rosana y el amor), y comediantes satíricos: I. Krylov ( Cafetera) etc. Están surgiendo tendencias de la comedia llorosa y el drama burgués - V. Lukin ( Un derrochador, corregido por el amor.), M. Verevkin ( Así es como debería ser, Exactamente lo mismo), P. Plavilshchikov ( bobil, lateral) etc. Estos géneros contribuyeron no solo a la democratización y al aumento de la popularidad del teatro, sino que también formaron las bases del amado teatro psicológico en Rusia con sus tradiciones. desarrollo detallado personajes multifacéticos. El pináculo del drama ruso del siglo XVIII. se pueden llamar comedias casi realistas V. Kapnista (Soplón), D. Fonvizina (Menor, Brigadier), I. Krylova (Tienda de moda, Lección para hijas y etc.). La “broma-tragedia” de Krylov parece interesante Trumph o Podschipa, en el que la sátira sobre el reinado de Pablo I se combinó con una cáustica parodia de técnicas clasicistas. La obra fue escrita en 1800; solo se necesitaron 53 años para que la estética clasicista, innovadora para Rusia, comenzara a percibirse como arcaica. Krylov también prestó atención a la teoría del drama ( Nota sobre la comedia "Risas y pena", Reseña de la comedia de A. Klushin. "Alquimista" y etc.).
Drama ruso del siglo XIX. A principios del siglo XIX. la brecha histórica entre el drama ruso y el drama europeo quedó en nada. Desde entonces, el teatro ruso se ha desarrollado en un contexto general. cultura europea. Se conserva la diversidad de tendencias estéticas en el drama ruso: el sentimentalismo ( N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov, etc.) se lleva bien con una tragedia romántica de tipo algo clasicista (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy, etc.), un drama lírico y emocional (I. Turgenev) - con una sátira cáustica de panfletos (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). Son populares los vodeviles ligeros, divertidos e ingeniosos (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Kony, V. Karatygin y etc.). Pero fue el siglo XIX, la época de la gran literatura rusa, el que se convirtió en la “edad de oro” del drama ruso, dando origen a autores cuyas obras todavía están incluidas en el fondo de oro de los clásicos del teatro mundial.
La primera obra de un nuevo tipo fue una comedia. A. Griboedova ¡Ay de la mente!. El autor logra un dominio asombroso en el desarrollo de todos los componentes de la obra: personajes (en los que el realismo psicológico se combina orgánicamente con un alto grado de tipificación), intriga (donde las vicisitudes amorosas están indisolublemente entrelazadas con conflictos civiles e ideológicos), lenguaje (casi todo el juego es enteramente proverbial, refranes y modismos, conservado en el discurso vivo de hoy).
sobre el verdadero descubrimiento del drama ruso de esa época, que estaba muy adelantado a su tiempo y determinó el vector de un mayor desarrollo del teatro mundial, fueron las obras A. Chéjov. Ivánov, Gaviota, Tío Iván, Tres hermanas, El huerto de cerezos no encajar en sistema tradicional géneros dramáticos y, de hecho, refutar todos los cánones teóricos del drama. Prácticamente no hay intriga argumental en ellos; en cualquier caso, la trama nunca tiene un significado organizativo, no existe un esquema dramático tradicional: trama - giros y vueltas - desenlace; No existe un único conflicto “transversal”. Los acontecimientos cambian constantemente su escala semántica: las cosas grandes se vuelven insignificantes y las pequeñas cosas cotidianas crecen a una escala global.
Drama ruso después de 1917. Después de la Revolución de Octubre y el posterior establecimiento del control estatal sobre los teatros, surgió la necesidad de un nuevo repertorio que correspondiera a la ideología moderna. Sin embargo, de las primeras obras de teatro, tal vez hoy sólo se pueda nombrar una: Aficionado al misterio V. Mayakovsky (1918). Básicamente, el repertorio moderno del primer período soviético se formó a partir de “propaganda” de actualidad, que perdió su relevancia en poco tiempo.
Durante la década de 1920 tomó forma un nuevo drama soviético, que reflejaba la lucha de clases. Durante este período, dramaturgos como L. Seifullina ( virinea), A. Serafimovich (mariana, la dramatización del autor de la novela. Corriente de hierro), L. Leonov ( Tejones), K. Trenev (Lyubov Yarovaya), B. Lavrenev (Falla), V. Ivanov (Tren blindado 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Tormenta), D. Furmanov ( Motín) etc. Su dramaturgia en su conjunto se distinguió por una interpretación romántica de los acontecimientos revolucionarios, una combinación de tragedia con optimismo social. En la década de 1930, V. Vishnevsky escribió una obra, cuyo título definía con precisión el género principal del nuevo drama patriótico: Tragedia optimista(este nombre reemplazó a las versiones originales, más pretenciosas - Himno a los marineros Y Tragedia triunfante).
Finales de los años 50 y principios de los 70 están marcados por una fuerte individualidad. A. Vampilova. Durante su corta vida escribió sólo unas pocas obras de teatro: Adiós en junio, Hijo mayor, Caza de patos , chistes provinciales (Veinte minutos con un angel Y El caso de la página maestra), El verano pasado en Chulimsk y vodevil inacabado Consejos incomparables. Volviendo a la estética de Chéjov, Vampilov determinó la dirección del desarrollo del drama ruso en las siguientes dos décadas. Los principales éxitos dramáticos de los años 1970-1980 en Rusia están asociados con el género. tragedias. Estas fueron obras de teatro E. Radzinsky, L. Petrushevskaya, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M. Roshchina, A. Galina, gr.gorina, A. Chervinsky, A. Smirnova La estética de V. Slavkina, A. Kazantsev, S. Zlotnikov, N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina y otros tuvo una influencia indirecta pero tangible en los maestros del teatro ruso. Los motivos tragicómicos son palpables en las obras de esa época escritas por V. Rozov ( Kabanchik), A. Volodin ( dos flechas, Lagarto, guión Maratón de otoño), y especialmente A. Arbuzov ( Mi fiesta para los ojos, Días felices persona desafortunada, Cuentos del viejo Arbat,En esta dulce y antigua casa, Ganador, Juegos crueles). A principios de la década de 1990, los dramaturgos de San Petersburgo crearon su propia asociación, la Casa del Dramaturgo. En 2002, la asociación máscara dorada", Teatro.doc y el Teatro de Arte Chéjov de Moscú organizaron el festival anual "Nuevo Drama". En estas asociaciones, laboratorios y concursos se formó una nueva generación de escritores de teatro que se hicieron famosos en el período postsoviético: M. Ugarov , O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. y V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M. Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk, A. Obraztsov, I. Shprits y otros.
Sin embargo, los críticos señalan que hoy en Rusia se ha desarrollado una situación paradójica: el teatro moderno y el drama moderno existen, por así decirlo, en paralelo, en cierto aislamiento el uno del otro. Las búsquedas de dirección más destacadas de principios del siglo XXI. asociado con la producción de obras de teatro clásicas. La dramaturgia moderna realiza sus experimentos más “sobre el papel” y en el espacio virtual de Internet.
Las obras dramáticas (otro gr. de acción), como las épicas, recrean series de acontecimientos, las acciones de las personas y sus relaciones. Como el autor de una obra épica, el dramaturgo está sujeto a la “ley del desarrollo de la acción”. Pero no hay una imagen narrativa y descriptiva detallada en el drama.
El discurso real del autor aquí es auxiliar y episódico. Se trata de listas de personajes, a veces acompañadas de breves características, designación del tiempo y lugar de acción; descripciones de la situación escénica al comienzo de actos y episodios, así como comentarios sobre comentarios individuales de los personajes e indicaciones de sus movimientos, gestos, expresiones faciales, entonaciones (comentarios).
Todo esto constituye el texto secundario de una obra dramática. Su texto principal es una cadena de declaraciones de los personajes, sus comentarios y monólogos.
De ahí algunas limitaciones de las posibilidades artísticas del teatro. Un escritor-dramaturgo utiliza solo una parte de los medios visuales que están a disposición del creador de una novela o epopeya, cuento o cuento. Y los personajes de los personajes se revelan en el drama con menos libertad y plenitud que en la épica. "Percibo el drama", señaló T. Mann, "como el arte de la silueta y sólo percibo a la persona a la que se cuenta como una imagen tridimensional, integral, real y plástica".
Al mismo tiempo, los dramaturgos, a diferencia de los autores de obras épicas, se ven obligados a limitarse al volumen de texto verbal que satisface las necesidades del arte teatral. El tiempo de la acción representada en el drama debe encajar dentro del estricto marco temporal del escenario.
Y la representación en las formas habituales del teatro europeo moderno no dura, como se sabe, más de tres o cuatro horas. Y esto requiere un tamaño adecuado del texto dramático.
El tiempo de los acontecimientos reproducidos por el dramaturgo durante el episodio escénico no está comprimido ni estirado; Los personajes del drama intercambian comentarios sin intervalos de tiempo perceptibles y sus declaraciones, como señala K.S. Stanislavsky, forma una línea continua y continua.
Si con la ayuda de la narración la acción se capta como algo del pasado, entonces la cadena de diálogos y monólogos del drama crea la ilusión del tiempo presente. La vida aquí habla como si fuera por sí misma: entre lo representado y el lector no hay un narrador intermediario.
La acción se recrea en drama con la máxima inmediatez. Fluye como ante los ojos del lector. “Todas las formas narrativas”, escribió F. Schiller, “transfieren el presente al pasado; todo lo dramático hace presente el pasado”.
El drama se orienta hacia las exigencias del escenario. Y el teatro es un arte público, de masas. La actuación afecta directamente a muchas personas, que parecen fusionarse en respuestas a lo que sucede frente a ellos.
El objetivo del drama, según Pushkin, es actuar sobre la multitud, despertar su curiosidad” y para ello captar la “verdad de las pasiones”: “El drama nació en la plaza y era un entretenimiento popular. La gente, al igual que los niños, exige entretenimiento y acción. El drama le presenta incidentes extraños e inusuales. La gente exige sensaciones fuertes. La risa, la compasión y el horror son los tres hilos de nuestra imaginación, sacudidos por el arte dramático”.
El género dramático de la literatura está especialmente relacionado con el ámbito de la risa, ya que el teatro se fortaleció y se desarrolló en inextricable conexión con las celebraciones masivas, en una atmósfera de juego y diversión. "El género cómico es universal en la antigüedad", señaló O. M. Freidenberg.
Lo mismo puede decirse del teatro y la dramaturgia de otros países y épocas. T. Mann tenía razón cuando llamó al "instinto del comediante" "la base fundamental de toda habilidad dramática".
No es sorprendente que el drama gravite hacia una presentación aparentemente espectacular de lo representado. Sus imágenes resultan hiperbólicas, pegadizas y teatralmente brillantes. "El teatro requiere líneas amplias exageradas tanto en la voz, como en la recitación y en los gestos", escribió N. Boileau. Y esta propiedad del arte escénico deja invariablemente su huella en el comportamiento de los héroes de las obras dramáticas.
“Como si actuara en el teatro”, comenta Bubnov (“En las profundidades inferiores”, de Gorky) sobre la diatriba frenética del desesperado Kleshch, quien, al irrumpir inesperadamente en la conversación general, le dio un efecto teatral.
Son significativos (como característica del tipo dramático de literatura) los reproches de Tolstoi a W. Shakespeare por la abundancia de hipérbole, que supuestamente "viola la posibilidad de impresión artística". "Desde las primeras palabras", escribió sobre la tragedia "El rey Lear", "se puede ver la exageración: la exageración de los acontecimientos, la exageración de los sentimientos y la exageración de las expresiones".
En su valoración de la obra de Shakespeare, L. Tolstoi se equivocó, pero la idea de que el gran dramaturgo inglés se comprometió con la hipérbole teatral es completamente justa. Lo dicho sobre el "Rey Lear" se puede aplicar con no menos justificación a las comedias y tragedias antiguas, a las obras dramáticas del clasicismo, a las obras de F. Schiller y V. Hugo, etc.
En los siglos XIX y XX, cuando en la literatura prevalecía el deseo de autenticidad cotidiana, las convenciones inherentes al drama se volvieron menos obvias y, a menudo, se redujeron al mínimo. Los orígenes de este fenómeno son el llamado “drama filisteo” del siglo XVIII, cuyos creadores y teóricos fueron D. Diderot y G.E. Menos.
Obras de los más grandes dramaturgos rusos del siglo XIX. y principios del siglo XX - A.N. Ostrovsky, A.P. Chéjov y M. Gorky se distinguen por la autenticidad de las formas de vida que recrean. Pero incluso cuando los dramaturgos se centraron en la verosimilitud, se conservaron las hipérboles argumentales, psicológicas y del discurso real.
Las convenciones teatrales se hicieron sentir incluso en la dramaturgia de Chéjov, que demostró el límite máximo de la "realidad". Echemos un vistazo más de cerca escena final"Tres hermanas" Una joven, hace diez o quince minutos, rompió con su ser querido, probablemente para siempre. Hace cinco minutos más se enteró de la muerte de su prometido. Y así, junto con la tercera hermana mayor, resumen los resultados morales y filosóficos del pasado, reflexionando al son de una marcha militar sobre el destino de su generación, sobre el futuro de la humanidad.
Es casi imposible imaginar que esto suceda en la realidad. Pero no nos damos cuenta de la inverosimilitud del final de "Tres hermanas", ya que estamos acostumbrados al hecho de que el drama cambia significativamente las formas de las actividades de la vida de las personas.
Lo anterior nos convence de la validez del juicio de A. S. Pushkin (de su artículo ya citado) de que “la esencia misma del arte dramático excluye la verosimilitud”; “Al leer un poema o una novela, a menudo podemos olvidarnos de nosotros mismos y creer que el incidente descrito no es ficción, sino la verdad.
En una oda, en una elegía, podemos pensar que el poeta describió sus verdaderos sentimientos, en circunstancias reales. Pero ¿dónde está la credibilidad en un edificio dividido en dos partes, una de las cuales está repleta de espectadores que se han puesto de acuerdo?
El papel más importante en las obras dramáticas pertenece a las convenciones de autorrevelación verbal de los héroes, cuyos diálogos y monólogos, a menudo llenos de aforismos y máximas, resultan mucho más extensos y efectivos que aquellos comentarios que podrían pronunciarse de manera similar. situación en la vida.
Los comentarios convencionales son "al margen", que no parecen existir para otros personajes en el escenario, pero que son claramente audibles para el público, así como los monólogos pronunciados por los personajes solos, a solas consigo mismos, que son una técnica puramente escénica para sacar a relucir el habla interior (hay muchos monólogos como V tragedias antiguas, y en la dramaturgia de la Nueva Era).
El dramaturgo, estableciendo una especie de experimento, muestra cómo hablaría una persona si en las palabras habladas expresara sus estados de ánimo con la máxima plenitud y brillo. Y el discurso en una obra dramática a menudo adquiere similitudes con el discurso artístico, lírico u oratorio: los personajes aquí tienden a expresarse como poetas improvisadores o maestros de la oratoria.
Por tanto, Hegel tenía parte de razón cuando veía el drama como una síntesis del principio épico (el acontecimiento) y el principio lírico (la expresión del habla).
El drama tiene, por así decirlo, dos vidas en el arte: teatral y literaria. Al constituir la base dramática de las representaciones, existente en su composición, la obra dramática también es percibida por el público lector.
Pero éste no siempre fue el caso. La emancipación del drama del escenario se llevó a cabo gradualmente, a lo largo de varios siglos, y se completó hace relativamente poco tiempo: en los siglos XVIII y XIX. Los ejemplos de drama de importancia mundial (desde la antigüedad hasta el siglo XVII) en el momento de su creación prácticamente no fueron reconocidos como obras literarias: existían sólo como parte de las artes escénicas.
Ni W. Shakespeare ni J.B. Moliere fueron percibidos por sus contemporáneos como escritores. El "descubrimiento" de Shakespeare como gran poeta dramático en la segunda mitad del siglo XVIII jugó un papel decisivo en el fortalecimiento de la idea del drama como obra destinada no sólo a la producción escénica, sino también a la lectura.
En el siglo 19 (especialmente en su primera mitad) los méritos literarios del drama a menudo se colocaban por encima de los escénicos. Así, Goethe creía que "las obras de Shakespeare no son para los ojos del cuerpo", y Griboyedov calificó de "infantil" su deseo de escuchar los versos de "Ay de Wit" desde el escenario.
Se ha generalizado el llamado Lesedrama (drama para la lectura), creado centrándose principalmente en la percepción en la lectura. Tales son el Fausto de Goethe, las obras dramáticas de Byron, las pequeñas tragedias de Pushkin, los dramas de Turgenev, sobre los cuales el autor comentó: "Mis obras, insatisfactorias en el escenario, pueden ser de algún interés para la lectura".
No existen diferencias fundamentales entre Lesedrama y una obra destinada por el autor a una producción teatral. Los dramas creados para la lectura suelen ser potencialmente obras de teatro. Y el teatro (incluido el moderno) busca persistentemente y, a veces, encuentra las claves para ellos, prueba de lo cual son las exitosas producciones de "Un mes en el campo" de Turgenev (en primer lugar, esta es la famosa obra prerrevolucionaria Teatro de Arte) y numerosas (aunque no siempre exitosas) lecturas escénicas de las pequeñas tragedias de Pushkin en el siglo XX.
La vieja verdad sigue vigente: el objetivo principal y más importante del drama es el escenario. "Sólo durante la representación teatral", señaló A. N. Ostrovsky, "la invención dramática del autor adquiere una forma completamente acabada y produce exactamente esa acción moral, cuyo logro el autor se propuso como objetivo".
La creación de una actuación basada en una obra dramática está asociada a su finalización creativa: los actores crean dibujos plásticos de entonación. roles desempeñados, el artista diseña el espacio escénico, el director desarrolla la puesta en escena. En este sentido, el concepto de la obra cambia algo (se presta más atención a algunos de sus aspectos, menos atención a otros) y, a menudo, se concreta y se enriquece: la puesta en escena introduce nuevos matices semánticos en el drama.
Al mismo tiempo, el principio de lectura fiel de la literatura es de suma importancia para el teatro. El director y los actores deben transmitir la obra escenificada al público de la forma más completa posible. La fidelidad de la lectura escénica se produce cuando el director y los actores comprenden profundamente una obra dramática en sus principales características de contenido, género y estilo.
Las producciones teatrales (así como las adaptaciones cinematográficas) son legítimas sólo en los casos en que existe un acuerdo (incluso relativo) del director y los actores con la gama de ideas del escritor-dramaturgo, cuando los actores están cuidadosamente atentos al significado de la obra. puesta en escena, a las características de su género, a las características de su estilo y al texto mismo.
En la estética clásica de los siglos XVIII y XIX, en particular en Hegel y Belinsky, el drama (principalmente el género de la tragedia) era considerado como la forma más elevada de creatividad literaria: como la "corona de la poesía".
De hecho, toda una serie de épocas artísticas se manifestaron principalmente en el arte dramático. Esquilo y Sófocles en su apogeo cultura antigua, Moliere, Racine y Corneille en la época del clasicismo no tenían igual entre los autores de obras épicas.
La obra de Goethe es significativa a este respecto. Para el gran escritor alemán todo estaba disponible géneros literarios, coronó su vida en el arte con la creación de una obra dramática: el inmortal "Fausto".
En los siglos pasados (hasta el siglo XVIII), el drama no sólo compitió con éxito con la épica, sino que también se convirtió a menudo en la principal forma de reproducción artística de la vida en el espacio y el tiempo.
Esto es debido a una serie de razones. En primer lugar, jugó un papel muy importante. las artes escénicas, accesible (a diferencia de los libros escritos a mano e impresos) para los estratos más amplios de la sociedad. En segundo lugar, las propiedades de las obras dramáticas (representación de personajes con rasgos claramente definidos, reproducción de las pasiones humanas, atracción por el patetismo y lo grotesco) en las épocas "prerrealistas" correspondían plenamente a las tendencias literarias y artísticas generales.
Y aunque en los siglos XIX-XX. La novela sociopsicológica, un género de la literatura épica, ha pasado al primer plano de la literatura; las obras dramáticas todavía ocupan un lugar de honor.
V.E. Khalízev Teoría de la literatura. 1999
Andreev L. Vida humana. Pensamiento (análisis comparativo de la obra “Pensamiento” con historia del mismo nombre). Ekaterina Ivánovna. (El concepto de panpsiquismo).
Anuj J. Antígona. Medea. Alondra. (Tema de mujer)
Arbuzov A.N. Tanya. Cuentos del viejo Arbat.
Aristófanes. Nubes. Lisístrata. (Comedia absoluta)
Beckett S. El sonido de pasos. Esperando a Godot. (Drama de la Corriente de la Conciencia)
Brecht B. La ópera de los tres peniques. Madre Coraje y sus hijos. (Drama épico)
Beaumarchais. Las bodas de Fígaro. (El canon ideal de una obra clasicista)
Bulgákov M.A. Días de las Turbinas. Correr. El apartamento de Zoya.
Volodin A. Cinco tardes. Hermana mayor. Lagarto.
Vampilov A. Hijo mayor. El verano pasado en Chulimsk. Caza de patos.
Goethe I.-G. Fausto. (“El drama eterno” o el “juego para leer” ideal)
Gógol N.V. Inspector. Casamiento. Jugadores. (Simbolismo místico del fantasma de la realidad)
Gorin G. Una plaga en tus dos casas. La casa que construyó Swift. (Recuerdo del juego)
Gorki m. En el fondo. Burgués. ( drama social)
Griboedov A.¡Ay de la mente! (El canon ideal del clasicismo)
Eurípides. Medea. (Tema de mujeres)
Ibsen H. Fantasmas. Casa de muñecas. Compañero Gynt. ("Nuevo drama")
Ionesco E. Cantante calvo. (Anti-juego y anti-teatro)
Calderón. Adoración de la cruz. La vida es un sueño. Príncipe firme.
Cornel P. Sid. (Tragedia héroe ideal)
Lérmontov M.Yu. Mascarada. (Drama de tragedia romántica)
Lope de Vega. Perro en el pesebre. Fuente de ovejas. (Polifonismo de género)
Maeterlinck M. Ciego. Milagro de San Antonio. Pájaro azul.
Moliere J.-B. Un comerciante entre la nobleza. Tartufo. Don Juan. Los trucos de Scapin.
Ostrovsky A.N. Sin dote. Doncella de la nieve. Bosque. Culpable sin culpa. Corazón cálido. (“Pueblo superfluo de Rusia” en el escenario del teatro ruso)
Pushkin A.S. Borís Godunov. Pequeñas tragedias.
Radzinsky E. Teatro de la época de Nerón y Séneca. Conversaciones con Sócrates.
Racine J. Fedra. ("Tragedia psicológica")
Rozov V.S. Por siempre vivo. (“Patetismo sin patetismo”)
Pirandello L. Seis personajes en busca de un autor. (“Teatralidad de la obra”)
Sófocles Edipo Rey. Edipo en Colono. Antígona. (" proporción áurea"dramas)
Stoppard T. Rosencrantz y Guildenstern están muertos. (Tragedia hombrecito)
Sukhovo-Kobylin A.V. La boda de Krechinsky. Caso. Muerte de Tarelkin. (Dramaturgia del cosmismo ruso)
Turgenev I.S. Un mes en el pueblo. Aprovechador. (Matices del psicologismo)
Chéjov A.P. Gaviota. Tres hermanas. Tío Iván. El huerto de cerezos. (Comedia vida humana)
Shakespeare W. Aldea. Rey Lear. Macbeth. Un sueño en una noche de verano.
Shaw B. Pigmalión. La casa que rompe corazones.
Esquilo. Persas. Prometeo encadenado. ("mito trágico")
V. TEMAS Y PREGUNTAS DEL CURSO “TEORÍA DEL DRAMA”
(indicando personalidades)
1. El equilibrio de los principios figurativos y expresivos en el drama: la dialéctica de “épica” y “lyros” (“musicalidad” como ritmo y polifonía). Personalidades: Hegel, Belinsky, Wagner, Nietzsche.
2. La acción como forma interna y externa de drama: “imitación de acción por acción”. Personalidades: Aristóteles, Brecht.
3. Arquitectura exterior e interior de una obra dramática: acto-cuadro-fenómeno; monólogo-diálogo-comentario-pausa.
5. Modelado imaginativo y basado en eventos de la acción en el drama. Personalidades: Esquilo, Sófocles, Shakespeare, Pushkin, Chéjov.
6. La naturaleza del conflicto dramático: conflicto externo e interno.
7. Tipología de conflicto dramático.
8. Formas de organizar un conflicto dramático según la línea: imagen - idea - personaje ( actor).
9. Colisión e intriga en el desarrollo argumental de la obra.
10. Elementos formadores de estructura y estructuralmente significativos de la trama: “vicisitudes”, “reconocimiento”, “motivo de elección” y “motivo de decisión”.
11. Personaje dramático: imagen - héroe - personaje - personaje - rol - imagen.
12. Carácter y niveles profundos de desarrollo de la acción: “motivo”, “modelos actantes”, “típico” y “arquetípico”.
13. Discurso y carácter: niveles y zonas de expresión dramática.
14. Poéticas de la composición dramática: análisis estructural.
15. El problema de la relación entre los elementos compositivos del drama y el análisis eficaz (basado en eventos) de la obra.
16. Género del drama: cómico y trágico.
17. Evolución del género: comedia. Personalidades: Aristófanes, Dante, Shakespeare, Moliere, Chéjov.
18. Evolución del género: tragedia. Personalidades: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca, Shakespeare, Calderón, Corneille, Racine, Schiller.
19. Procesos de integración en mixto. géneros dramáticos: melodrama, tragicomedia, farsa trágica.
20. Evolución del género: drama - de “sátira” y “naturalista” a “épico”. Personalidades: Diderot, Ibsen, Chéjov, Shaw, Brecht.
21. Evolución del género: drama simbolista - del “litúrgico” al “místico”. Personalidades: Ibsen, Maeterlinck, Andreev.
22. Evolución general del género: del drama al “antidrama” del existencialismo y el absurdo. Personalidades: Sartre, Anouilh, Beckett, Ionesco, Pinter, Mrozhek.
23. Forma, estilo y estilización en el arte dramático: época - dirección - autor.
24. Texto, subtexto, contexto en el drama. Personalidades: Chéjov, Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Butkevich.
25. Principio “monodramático” del desarrollo de la acción en una tragedia clásica. Personalidades: Sófocles (“Edipo Rey”), Shakespeare (“Hamlet”), Calderón (“El Príncipe Inquebrantable”), Corneille (“Cid”), Racine (“Fedra”).
26. El principio libre de la acción autodesarrollada en una obra dramática. Personalidades: Shakespeare (“El rey Lear”), Pushkin (“Boris Godunov”).
27. Personaje dramático en situación cómica: sitcoms, comedias de errores, comedias de personajes. Personalidades: Menandro, Terencio, Shakespeare, Moliere, Gozzi, Goldoni, Beaumarchais.
28. Principios del desarrollo de la acción en la comedia: organización tempo-rítmica de la obra. Personalidades: Shakespeare (“La fierecilla domada”), Moliere (“Los trucos de Scapin”), Beaumarchais (“Las bodas de Fígaro”).
29. Paradojas y contradicciones en el drama del romanticismo (Musset).
30. “Realismo fantástico” en el drama ruso: de lo grotesco a la fantasmagoría del “cosmos”. Personalidades: Gogol (“El inspector general”), Sukhovo-Kobylin (“La muerte de Tarelkin”).
31. Análisis comparativo método de investigación naturalismo (Zola, Daudet, Boborykin) y método artístico Ruso " escuela natural"(Gogol, Turgenev, Sukhovo-Kobylin).
32. Organización de la acción en el drama simbolista. Personalidades: Maeterlinck (“La hermana Beatriz”), Andreev (“La vida de un hombre”).
33. Organización retrospectiva de la acción en el drama analítico. Personalidades: Sófocles (“Edipo Rey”), Ibsen (“Fantasmas”).
34. Principios de la construcción de un drama épico (el concepto de sistema doble). Personalidades: Brecht (“Madre Coraje y sus hijos”).
35. La relación entre tema e idea en el drama intelectual. Usando el ejemplo de análisis obras del mismo nombre: “Medea” de Eurípides y Anouilh; "Antígona" de Sófocles y Anouilh.
37. Principios de interacción entre trama y trama en la comedia de Griboedov "Ay de Wit". (Usando el ejemplo de la producción de V.E. Meyerhold de “Woe to Wit”).
38. Principios compositivos en el drama del absurdo. Personalidades: Beckett (“Esperando a Godot”), Ionesco (“El cantante calvo”).
39. Mito, cuento de hadas, realidad en las obras de Schwartz. "Dragón", "Milagro ordinario".
40. Mito, historia, realidad y personalidad en las obras de Radzinsky (“Teatro de la época de Nerón y Séneca”, “Conversaciones con Sócrates”).
41. El conflicto interno como forma de poetizar el heroísmo y la vida cotidiana en el drama soviético. Personalidades: Vishnevsky ("La tragedia optimista"), Volodin ("Cinco noches"), Vampilov ("La caza de patos").
42. Jugar teatro en las obras de Gorin ("La casa que construyó Swift", "Una plaga en ambas casas", "El bufón Balakirev").
43. Transformaciones dramáticas " tema femenino"(desde la tragedia de Eurípides hasta las obras de Petrushevskaya, Razumovskaya, Sadur).