TEATRO DEL PUEBLO- Teatro creado directamente por el propio pueblo, existente entre las grandes masas en formas orgánicamente relacionadas con el arte popular oral. En el proceso de historia desarrollo de las artes. la cultura del pueblo es el principio fundamental que da origen a toda la historia posterior del prof. teatro. reclamo-va, es adv. teatro. creación.

El teatro folclórico es la creatividad dramática tradicional del pueblo. Los tipos de entretenimiento folclórico y cultura lúdica son variados: rituales, danzas circulares, mimos, payasadas, etc. En la historia del teatro popular, se acostumbra considerar las etapas preteatrales y majestuosas de la creatividad dramática popular. Las formas preteatrales incluyen elementos teatrales en el calendario y los rituales familiares. En los rituales del calendario hay figuras simbólicas de Maslenitsa, Sirena, Kupala, Yarila, Kostroma, etc., representando escenas con ellas, disfrazándose. La magia agrícola tuvo un papel destacado, con actos mágicos y cantos destinados a promover el bienestar de la familia. Por ejemplo, durante las Navidades de invierno, arrastraban un arado por el pueblo, “sembraban” grano en la cabaña, etc. Con la pérdida del significado mágico, el ritual se convirtió en diversión. La ceremonia nupcial también representó; obra teatral: el orden de los “roles”, la secuencia de las “escenas”, la transformación de los intérpretes de canciones y lamentos en protagonista del ritual (la novia, su madre). Complejo juego psicológico hubo un cambio en el estado interno de la novia, que en casa de sus padres tenía que llorar y lamentarse, y en casa de su marido significaba felicidad y contentamiento. Sin embargo, la gente no percibió la ceremonia nupcial como una representación teatral. En el calendario y los rituales familiares, los mimos participaban en muchas escenas. Se disfrazaron de anciano, de anciana, de hombre disfrazado de ropa de mujer, y la mujer, como un hombre, disfrazado de animales, especialmente de oso y de cabra. Los trajes de los mimos, sus máscaras, maquillaje, así como las escenas que representaban se transmitieron de generación en generación. En Navidad, Maslenitsa y Pascua, los mimos representaban escenas humorísticas y satíricas. Algunos de ellos posteriormente se fusionaron en dramas populares.

balagán- edificio temporal de madera para teatro y actuaciones de circo, que se generalizó en ferias y fiestas folclóricas. A menudo también es un edificio luminoso temporal para el comercio en ferias, para alojar a los trabajadores en Hora de verano. En sentido figurado: acciones, fenómenos similares a un espectáculo de farsa (bufonesco, grosero). Los balaganes se conocen desde el siglo XVIII.

Escena de Navidad- un teatro de marionetas folclórico, que es una caja de madera de dos pisos que se asemeja a un escenario. El teatro de la Natividad entró en Rusia a finales del siglo XVII y principios del XVIII desde Polonia, pasando por Ucrania y Bielorrusia. El nombre está asociado con la representación original de escenas sobre la vida de Jesucristo en la cueva donde estuvo escondido del rey Herodes.

Entre los ucranianos, bielorrusos y rusos la actuación se dividió en dos partes: religiosa y cotidiana. Con el tiempo, la parte religiosa se redujo y adquirió un sabor local, mientras que el repertorio se amplió y el belén se convirtió en un teatro folclórico.

A diferencia del “Teatro Perejil”, los títeres se controlan desde abajo

Teatro de la escena de la natividad Era una caja grande con un escenario en su interior, normalmente de dos niveles. En el escenario superior se mostraba la adoración del niño Jesús recién nacido, en el escenario inferior, episodios de Herodes, tras cuya muerte siguió la parte cotidiana de la representación. Las muñecas de madera estaban unidas desde abajo a un alambre, con la ayuda del cual el belén las movía a lo largo de las ranuras del suelo. La decoración principal del escenario es un pesebre con un bebé. En la pared del fondo estaban las figuras del justo José de larga barba y la santa Virgen María. En el nivel superior se representaban tradicionalmente escenas del nacimiento de Cristo. El propietario del belén solía pronunciar él mismo el texto. en diferentes voces y conducía muñecas. Los niños del coro cantaron villancicos. Y si había un músico presente, acompañaba el canto y el baile con música. Los titiriteros, los músicos y el coro que los acompañaban caminaban de casa en casa o representaban representaciones en lugares de reunión públicos, en zonas comerciales.

En esencia, se trataba de una caja de dos niveles de 1x1,5 m, sobre las que se movían muñecas.

Teatro Petrushka- La mampara de perejil constaba de tres marcos, sujetos con grapas y cubiertos con chintz. Se colocó directamente en el suelo y escondió al titiritero. El organillo reunió al público y detrás de la pantalla el actor comenzó a comunicarse con el público mediante un pío (silbido). Luego, entre risas y revanchas, salió corriendo él mismo, con gorra roja y nariz larga. El organillero a veces se convertía en compañero de Petrushka: debido al chillido, el habla no siempre era inteligible, repetía las frases de Petrushka y dirigía un diálogo. La comedia con Petrushka se representó en ferias y stands.

En Rusia, sólo los hombres “conducían” a Petrushka. Para hacer la voz más fuerte y chirriante (esto era necesario tanto para la audibilidad en representaciones justas como para el carácter especial del personaje), utilizaron un chirrido especial insertado en la laringe. El discurso de Petrushka tenía que ser “penetrante” y muy rápido.

A diferencia del Belén, el biombo no es una caja, sino una ventana con “cortinas”. Y la persona que controlaba el títere en el Teatro Parsley podía aparecer él mismo ante el público y hablar con su propio títere.

rayok- un teatro folclórico que consta de un pequeño palco con dos lupas delante. En su interior se reorganizan imágenes o se rebobina de una pista a otra una tira de papel con imágenes locales de diferentes ciudades, grandes personajes y acontecimientos. Rayoshnik mueve las imágenes y cuenta dichos y chistes para cada nueva trama.

La máxima manifestación del teatro popular es teatro popular. Los primeros dramas populares se crearon en los siglos XVI y XVII. Su formación pasó de formas simples a otras más complejas. Los dramas populares más famosos y difundidos fueron "El barco" y "El zar Maximiliano". También se representaron dramas satíricos populares y cotidianos ("El Maestro", "El Maestro Imaginario", "Mavrukh", "Pakhomushka", etc.), junto a los juegos de Navidad y Maslenitsa. Se basan en escenas dramáticas interpretadas por mimos.

Algunos de los dramas populares eran de naturaleza histórica. Uno de ellos es "Cómo los franceses tomaron Moscú".

El teatro folclórico es la creatividad dramática tradicional del pueblo. Los tipos de entretenimiento folclórico y cultura lúdica son variados: rituales, danzas circulares, mimos, payasadas, etc.

En la historia del teatro popular, se acostumbra considerar las etapas preteatrales y teatrales de la creatividad dramática popular.

Las formas preteatrales incluyen elementos teatrales en el calendario y los rituales familiares.

En los rituales del calendario hay figuras simbólicas de Maslenitsa, Sirena, Kupala, Yarila, Kostroma, etc., representando escenas con ellas y disfrazándose. La magia agrícola tuvo un papel destacado, con actos mágicos y cantos destinados a promover el bienestar de la familia. Por ejemplo, en Navidad de invierno, tiraban un arado por el pueblo, “sembraban” grano en la cabaña, etc. Con la pérdida del significado mágico, el ritual se convirtió en diversión.

La ceremonia nupcial era también un juego teatral: la distribución de “roles”, la secuencia de “escenas”, la transformación de los intérpretes de canciones y lamentos en protagonistas de la ceremonia (la novia, su madre). Un complejo juego psicológico consistía en cambiar el estado interno de la novia, que debía llorar y lamentarse en casa de sus padres, y en casa de su marido debía retratar felicidad y alegría. Sin embargo, la gente no percibió la ceremonia nupcial como una representación teatral.

En el calendario y los rituales familiares, los mimos participaban en muchas escenas. Se disfrazaban de anciano o de anciana, el hombre con ropa de mujer y la mujer con ropa de hombre, se disfrazaban de animales, sobre todo de oso y de cabra. Los trajes de los mimos, sus máscaras, maquillaje, así como las escenas que representaban se transmitieron de generación en generación. En Navidad, Maslenitsa y Pascua, los mimos representaban escenas humorísticas y satíricas. Algunos de ellos posteriormente se fusionaron en dramas populares.

Además de los rituales, los elementos teatrales acompañaron la representación de muchos géneros folclóricos: cuentos de hadas, danzas circulares y canciones cómicas, etc. Aquí jugaron un papel importante las expresiones faciales, los gestos y los movimientos, cercanos a los gestos y movimientos teatrales. Por ejemplo, el narrador no solo contó un cuento de hadas, sino que de una forma u otra lo representó: cambió su voz, gesticuló, cambió su expresión facial, mostró cómo caminaba el héroe del cuento de hadas, llevaba un cubo o una bolsa. , etc. De hecho, fue la actuación de un solo actor.

Las formas teatrales actuales del arte dramático popular pertenecen a un período gradualmente posterior, cuyo comienzo los investigadores se remontan al siglo XVII.

Sin embargo, mucho antes de esta época en Rusia había comediantes, músicos, cantantes, bailarines y entrenadores. Estos son bufones. Se unieron en grupos errantes y hasta mediados del siglo XVII v. Se metio en rituales populares y vacaciones. Hay refranes sobre el arte de los bufones (todos bailarán, pero no como un bufón), canciones y epopeyas ("Vavilo y los bufones", "Invitado Terentishche"). Su creatividad se reflejó en cuentos de hadas, epopeyas, diferentes formas teatro popular. En el siglo 17 La bufonada estaba prohibida por decretos especiales. Durante algún tiempo los bufones se refugiaron en las afueras de Rusia.

Las características específicas del teatro popular son la ausencia de un escenario, la separación de los artistas y el público, la acción como forma de reflejo de la realidad, la transformación del intérprete en otra imagen objetivada, la orientación estética de la actuación. Las obras a menudo se distribuían en forma escrita y ensayadas previamente, lo que no excluía la improvisación.

Las ciudades desempeñaron un papel importante en el origen, funcionamiento y difusión de todas las formas y tipos de teatro popular. En las ciudades, el momento y el lugar favorito para los espectáculos folclóricos eran las ferias, que atraían a mucha gente, incluidos los aldeanos. No sólo comerciaron, sino que también se divirtieron.

Zueva T.V., Kirdan B.P. Folclore ruso - M., 2002

El teatro folclórico es la creatividad dramática tradicional del pueblo. Los tipos de entretenimiento folclórico y cultura lúdica son variados: rituales, danzas circulares, mimos, payasadas, etc.

El teatro folclórico es el concepto más amplio y preciso que define el teatro folclórico y el arte dramático. Incluye un conjunto de fenómenos teatrales en el folclore: la actuación. dramas folklóricos artistas folklóricos, representaciones de títeres y celestiales, frases de abuelos ridículos. Las ciudades desempeñaron un papel importante en el origen, funcionamiento y difusión de todas las formas y tipos de teatro popular. En las ciudades, el momento y el lugar favorito para los espectáculos folclóricos eran las ferias, que atraían a mucha gente, incluidos los aldeanos. No sólo comerciaron, sino que también se divirtieron.

Los principales géneros del teatro popular incluyen:

Se trata de estructuras temporales para representaciones teatrales, de variedades o de circo. En Rusia se conocen desde mediados del siglo XVIII. Los stands generalmente estaban ubicados en plazas de mercado, cerca de lugares de festividades de la ciudad. Presentaban magos, hombres fuertes, bailarines, gimnastas, titiriteros, coros folklóricos; Se representaron pequeñas obras de teatro. Frente a la caseta se construyó un balcón (raus), desde donde los artistas (normalmente dos) o el abuelo del paraíso invitaban al público a la actuación. El “abuelo” decidía el éxito del carrusel, era muy necesario para la “atracción”, por eso los operadores del carrusel siempre intentaban adquirir un “abuelo”. Pero todavía había pocos verdaderos maestros en este negocio, por lo que recurrieron a personas encontradas apresuradamente que memorizaron apresuradamente algunos chistes. De ahí el stencil, chistes poco exigentes que pasaban de uno a otro y perdían su sal.

Rayok es una parte obligatoria de las fiestas folclóricas y del entretenimiento en las ciudades rusas del siglo pasado. A finales de siglo, junto con el rayón portátil, aparecieron instalaciones estacionarias de tamaños bastante impresionantes con varios vasos. En grandes ferias y celebraciones actuaron varios raeshniks a la vez. La pertenencia a las fiestas, a la plaza festiva, determinó los rasgos principales de estas representaciones. En primer lugar, la caja estaba pintada con colores vivos, decorada con figuras, banderas y una especie de veleta con la inscripción “World Cosmorama” (así llamaba el dueño del paraíso a su teatro). En segundo lugar, la ropa del raeshnik era, por regla general, marcadamente informal, que recordaba a los ridículos "abuelos ladradores". Finalmente, el raeshnik coqueteó hábilmente con el público, invitándolos a su panorama. La cinta del distrito constaba de una serie de grabados populares. Aquí se podían ver pecadores sufriendo en el infierno, el cometa Bel, un ferrocarril, retratos de funcionarios gubernamentales y figuras públicas(Zares rusos, Napoleón, Bismarck, Lomonosov, Sultán turco) y mucho más.

Espectáculo de marionetas.

Los rusos conocían tres tipos. teatro de títeres: un teatro de marionetas (en el que los muñecos se controlaban mediante hilos), un teatro Petrushka con títeres de guante (los muñecos se colocaban en los dedos del titiritero) y un belén (en el que los muñecos se fijaban fijamente sobre varillas y se movían a lo largo de ranuras en cajas). El Teatro Parsley era popular. El belén se distribuyó principalmente en Siberia y el sur de Rusia.

El muñeco, base de la actuación, sólo se percibe cuando “cobra vida” en manos del actor. Los titiriteros populares lo sabían bien, por eso no dieron un momento de descanso a sus héroes: los muñecos gesticulaban, se inclinaban, se movían a lo largo de la pantalla, saltaban, se escondían y se perseguían unos a otros. Las palabras y los gestos de los buenos perejileros eran tan consistentes que se creaba la ilusión de que las muñecas cobraban vida. Los verdaderos maestros sabían incluso darse cuenta de que debido a una inclinación o giro apenas perceptible de la cabeza o el cuerpo, en el que la sombra caía de manera diferente, se iluminaban ojos pintados o de botones de vidrio, se delineaban las cejas y la boca, parecía que la muñeca estaba enojada. , riendo, perplejo, triste.

El Teatro Petrushka es una comedia popular rusa de marionetas. Su personaje principal era Petrushka, que dio nombre al teatro. Consistía en un biombo ligero, una caja con varios muñecos (según el número de personajes, normalmente de 7 a 20), un organillo y pequeños accesorios (palos o bastones, sonajeros, rodillos, etc.). El Teatro Parsley no conocía el escenario. El titiritero, acompañado por un músico, normalmente un organillero, caminaba de patio en patio y ofrecía representaciones tradicionales de Petrushka. Siempre se le podía ver durante las fiestas y ferias folclóricas.

Rasgos de personaje apariencia Perejil: una nariz grande y aguileña, una boca risueña, una barbilla protuberante, una joroba o dos jorobas (en la espalda y en el pecho). La ropa consistía en una camisa roja, una gorra con borla y elegantes botas en los pies; o de un traje de payaso bicolor, cuello y gorra con cascabeles. El titiritero habló en nombre de Petrushka con la ayuda de un chirrido, un dispositivo gracias al cual la voz se volvió aguda, estridente y traqueteante. La representación del Teatro Petrushka consistió en un conjunto de sketches que tenían una orientación satírica. La imagen del perejil es la personificación de la libertad festiva, la emancipación y un sentimiento alegre de vida.

Un fenómeno notable en la cultura popular de varios lugares de Rusia fueron los belenes, que originalmente tenían un propósito religioso, pero con el paso del tiempo se convirtieron en un espectáculo de feria. Después de abandonar el templo y encontrarse en manos de comediantes populares comunes, la obra dramática de la Natividad sufrió cambios significativos. La parte religiosa se redujo en todas partes a expensas de la segunda, la secular. Y los episodios que quedaron fueron repensados ​​y llenos de contenido cotidiano. No es casualidad que las obras folclóricas publicadas en esta sección se representaran con un detalle tan conmovedor e ingenuo; constituyeron el repertorio típico vivo del teatro folclórico ruso de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX.

La obra del belén fue representada no sólo por muñecos, sino también por aficionados en vivo; entonces se le llamó "belén viviente". El belén interactuaba con el teatro folclórico de actores en vivo. Como resultado de la “secularización” del belén, los titiriteros tomaron prestados personajes, escenas y obras cortas del teatro de actores vivos. El teatro en vivo, a su vez, tomó prestadas algunas obras del belén (por ejemplo

dramas populares

El drama popular de la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX era un repertorio vivo y típico del teatro popular ruso. Durante mucho tiempo se consideró atípico para el folclore, ya que "descendió" al entorno popular. Pero según la estabilidad de las tramas y medios poéticos, esfera y naturaleza de la existencia, así como métodos de transmisión, los dramas populares son un fenómeno del folclore tradicional.

De hecho, el drama popular es un género folclórico relativamente “joven” y muy singular, y es necesario adentrarse en su mundo poético, para comprender por qué era querido por la gente y por qué podría resultar interesante para nosotros.

La estructura del drama fue vista como un montón de interludios, escenas y episodios intercalados, una combinación de piezas dispares. En otras palabras, el drama popular no se percibía como un fenómeno estético holístico de la cultura popular.

Poco a poco, bajo la influencia de los teatros aficionados, cortesanos y profesionales, la literatura y los grabados populares, los dramas populares se enriquecieron con nuevos temas, personajes y se mejoraron las características de sus imágenes.

Los dramas satíricos populares y cotidianos han desarrollado su propio sistema de imágenes, y se han desarrollado textos y técnicas de representación relativamente estables. Dramas folklóricos heroicos-románticos.

Los dramas populares heroico-románticos, a diferencia de los satíricos cotidianos, surgieron y se formaron no solo sobre una base folclórica. Usaron activamente canciones. origen literario, así como libros lubok y populares (novelas lubok e imágenes sobre ladrones, novelas de caballeros). Algunos dramas heroico-románticos se conocen en una sola versión (por ejemplo, la obra patriótica sobre la guerra de 1812, "Cómo los franceses tomaron Moscú"). Los más populares fueron "El Barco" y "El Zar Maximiliano".

El antagonismo social también fue un tema relevante en el drama popular, que se desarrolló tanto en un aspecto satírico (burla de un maestro empobrecido) como romántico (el amor no correspondido del atamán por un cautivo).

En el centro de la trama de cada drama está su personaje principal, quien generalmente determina el título de la obra. Todos los eventos del drama están relacionados con este personaje, su afiliación social, pública o privada, su familia, su vida.

Junto con el concepto de "teatro folclórico", el término "teatro folclórico" se encuentra a menudo e incluso predomina en la literatura. Sin embargo, su uso está menos justificado por diversos motivos.

El teatro popular, tanto en el pasado como en la actualidad, se refiere no sólo al teatro popular que es específico en cuanto a las condiciones de su origen, existencia y repertorio. Se sabe que en la Rusia posterior a la reforma, y ​​especialmente en finales del XIX- A principios del siglo XX surgieron por todas partes compañías de teatro de aficionados formadas por trabajadores, soldados y campesinos. Los representantes competentes del pueblo se familiarizaron con el drama clásico y representaron a Ostrovsky, Chéjov y Schiller. Durante estos años, existían entre la intelectualidad grupos de aficionados, e incluso grupos profesionales del mismo carácter educativo. Ambos fueron llamados “teatros para el pueblo” o teatros folclóricos.

En la historia del teatro popular, se acostumbra considerar las etapas preteatrales y teatrales de la creatividad dramática popular.

Las formas preteatrales (u orígenes populares) incluyen elementos teatrales en el calendario y los rituales familiares. En los rituales del calendario hay figuras simbólicas de Maslenitsa, Sirena, Kupala, Yarila, Kostroma, etc., representando escenas con ellas, disfrazándose. La magia agrícola tuvo un papel destacado, con actos mágicos y cantos destinados a promover el bienestar de la familia. Por ejemplo, en Navidad de invierno, tiraban un arado por el pueblo, “sembraban” grano en la cabaña, etc. Con la pérdida del significado mágico, el ritual se convirtió en diversión.

Además de los rituales, los elementos teatrales acompañaron la representación de muchos géneros folclóricos: cuentos de hadas, danzas circulares y canciones cómicas, etc. Aquí jugaron un papel importante las expresiones faciales, los gestos y los movimientos, cercanos al gesto y el movimiento teatrales. Por ejemplo, el narrador no solo contó un cuento de hadas, sino que de una forma u otra lo representó: cambió su voz, gesticuló, cambió su expresión facial, mostró cómo caminaba el héroe del cuento de hadas, llevaba un cubo o una bolsa. , etc. De hecho, fue la actuación de un solo actor.

Por tanto, los juegos dramáticos rituales y no rituales son los predecesores más cercanos de las representaciones teatrales populares.

Las formas teatrales actuales del arte dramático popular pertenecen a un período gradualmente posterior, cuyo comienzo los investigadores se remontan al siglo XVII.

Sin embargo, mucho antes de esa época, en Rusia había comediantes, músicos, cantantes, bailarines y entrenadores. Estos son bufones. Se unieron en grupos errantes y hasta mediados del siglo XVII participaron en rituales y fiestas populares.

Estudios culturales e historia del arte.

Durante muchos siglos, el teatro popular ha desempeñado un papel importante en la vida espiritual del pueblo ruso; respondía al tema del día, era una parte integral de las festividades populares y es, sin duda, el espectáculo favorito. Características generales de los teatros folclóricos nacionales. Aplicación de bifuncionalidad historias mitologicas La colectividad es la principal comunicación con el público. Carácter nacional y originalidad. Convencionalidad del teatro popular; ausencia de escenografía;

El concepto de teatro popular: tipos y géneros de teatro popular tradicional.

Durante muchos siglos, el teatro popular jugó un papel importante en la vida espiritual del pueblo ruso, respondió al tema del día, fue una parte integral de las festividades populares y, sin duda, su espectáculo favorito.

Características generales de los teatros folclóricos nacionales.

improvisación y variación.

Elemento múltiple: disfraz, danza, canción, etc.

Uso bifuncional de sujetos mitológicos.

Colectividad lo principal comunicación con el espectador.

Carácter nacional y originalidad.

Carácter convencional del teatro popular: ausencia de escenario, escenografía, desplazamiento del tiempo y del espacio.

El detalle del hogar utiliza la representación de objetos cotidianos, la precisión de la reproducción de los procesos laborales, enfatizando los defectos físicos a través de la técnica de la hiperbolización (ampliada a tallas grandes y viceversa).

Democracia, expresión de los intereses del pueblo, sus normas estéticas y épicas.

Optimista. La afirmación del bien es la desgracia del mal. Fuerza que afirma la vida.

Dirección satírica aguda, burla de la injusticia social. Recuperación a través del ridículo.

La similitud de las tramas errantes y su originalidad en las intrusiones nacionales.

Festividad (debido a fecha específica calendario), alegría, risa.

Conexión con acciones rituales y anuales, que son las antecesoras del teatro dramático popular.

El teatro folclórico es el concepto más amplio y preciso que define el teatro folclórico y el arte dramático. Incluye un conjunto de fenómenos teatrales en el folclore: la representación de dramas folclóricos por artistas folclóricos, representaciones de títeres y celestiales, y los veredictos de abuelos ridículos.

Junto con el concepto de "teatro folclórico", el término "teatro folclórico" se encuentra a menudo e incluso predomina en la literatura. Sin embargo, su uso está menos justificado por diversos motivos.

El teatro popular, tanto en el pasado como en la actualidad, se refiere no sólo al teatro popular que es específico en cuanto a las condiciones de su origen, existencia y repertorio. Se sabe que en la Rusia posterior a la reforma, y ​​especialmente a finales del siglo XIX y principios del XX, surgieron por todas partes compañías de teatro de aficionados compuestas por trabajadores, soldados y campesinos. Los representantes competentes del pueblo se familiarizaron con el drama clásico y representaron a Ostrovsky, Chéjov y Schiller. Durante estos años, existían entre la intelectualidad grupos de aficionados, e incluso grupos profesionales del mismo carácter educativo. Ambos fueron llamados “teatros para el pueblo” o teatros folclóricos.

Mayoría característica distintiva el teatro popular (así como el arte popular en general) es la convención abierta de vestuario y utilería, movimientos y gestos; Durante las representaciones, los actores se comunicaban directamente con el público, quien podía dar pistas, intervenir en la acción, dirigirla y en ocasiones tomar parte en ella (cantar con el coro de intérpretes, interpretar personajes secundarios V escenas de multitud). El teatro popular, por regla general, no tenía escenario ni decoración. El principal interés en él no se centra en la profundidad de la revelación de los personajes de los personajes, sino en la naturaleza trágica o cómica de situaciones y situaciones.

El teatro popular nace en el momento en que se aísla del ritual y se convierte en un reflejo de la vida del pueblo.

El teatro folclórico tiene sus raíces en antiguos rituales y representaciones ceremoniales. Disfrazarse era una parte indispensable del calendario y de las vacaciones familiares, especialmente disfrazarse en Navidad.

Los personajes más antiguos de las momias son animales y monstruos, además de un anciano y una anciana. Era típico que los rusos se disfrazaran de oso, cabra, caballo, grulla, shilikun, kulaknik, muerte, hombre muerto.

Los muchachos se envolvían en abrigos de piel de oveja; bozales, cuernos y picos eran de madera. Intentaron lastimar, pinchar y “angrear” a las chicas que asistieron a la fiesta. Los mimos iban de casa en casa donde los jóvenes se reunían y representaban escenas sencillas.

El caballo y la cabra bailaron y luego cayeron. El “dueño” anunció que estaban “enfermos”, que los “trataron”, que se levantaron de un salto, que “revivieron”. El significado de estas acciones era el matrimonio antiguo y la magia agrícola.

Obras satíricas populares, cuya apariencia los investigadores atribuyen a siglo XVII, se basaban a menudo en el desarrollo de situaciones de vestimenta ritual. Incluso en situaciones tan relativamente historias posteriores, como "Maestro", "Mavrukh", "Pakhomushka", aparecen los mismos personajes originales y favoritos de la momia: un anciano y una anciana, un gitano, un caballo, un toro, un sacerdote y cantantes, un hombre muerto.

Los juegos rituales del calendario popular fueron objeto de una severa persecución por parte de la iglesia, que prohibió disfrazarse, ponerse máscaras, "disfraces", exigió que quienes se disfrazaran para la Navidad tuvieran un baño expiatorio en el "Jordán", un agujero de hielo consagrado, y amenazaba con el castigo de Dios.

A pesar de estas prohibiciones, los juegos de calendario fueron ampliamente utilizados entre la gente, se enriquecieron con nuevos personajes y poco a poco se incluyeron vida real. Los mimos representaban disputas entre cónyuges, regateos o intercambios de caballos entre un hombre y un gitano, un reclutamiento, un tribunal señorial o una auditoría.

Incluso hoy en día, disfrazarse es casi universalmente una parte obligatoria de una boda en un pueblo. Una parte importante de los personajes y episodios del juego de la boda están genéticamente relacionados con la magia de la ceremonia nupcial y su simbolismo.

Las primeras menciones del teatro en Rusia se remontan generalmente al siglo XI, cuando entre los participantes en juegos y representaciones folclóricas surgían divertidos bufones. La creatividad de los bufones expresaba los pensamientos, aspiraciones y estados de ánimo de la gente, en la mayoría de los casos ideas rebeldes. Durante mucho tiempo en Rusia hubo bufones: comediantes, músicos, cantantes, bailarines, entrenadores. Participaron en rituales populares y fiestas. Hay refranes sobre el arte de los bufones (“Todos bailarán, pero no como un bufón”), canciones y epopeyas. Su trabajo se reflejó en cuentos de hadas, epopeyas y diversas formas de teatro popular. Actuaron en lugares de espectáculos folclóricos y en ferias.

Por tanto, los juegos dramáticos rituales y no rituales son los predecesores más cercanos de las representaciones teatrales populares.

V. I. Chicherov examinó el proceso de transformación de algunos juegos rituales en obras dramáticas. Continuando con el estudio de este fenómeno, V. E. Gusev señaló acertadamente la necesidad de distinguir entre “antes del teatro, tipos de juegos folklore (disfraces, acciones rituales, juegos festivos folclóricos, juegos folklóricos) y representaciones dramáticas reales basadas en folklore o texto dramático folclorizado. Sólo este último, estrictamente hablando, puede atribuirse al concepto de “teatro folclórico”.

Desde finales del siglo XVII, los grabados populares seculares se hicieron cada vez más populares, entre los cuales una proporción significativa eran hojas "divertidas" de Europa occidental, grabados populares rusos que representaban bufones, bufones, días festivos nacionales y festividades, héroes de cuentos de hadas. En el siglo XIX, fueron reemplazados por libros impresos populares con textos de cuentos, cuentos de hadas y sátiras, que tenían una gran demanda entre el público democrático lector.

Característica distintiva Rusia XVIII En el siglo XIX también hubo una afluencia de extranjeros al país, incluidos actores viajeros, que introdujeron a la población (principalmente urbana) en el arte ferial europeo.

El folclore urbano emergente también incluyó espectáculos folclóricos tradicionales: actuaciones de titiriteros, líderes de osos, músicos y bromistas. La plaza de la ciudad absorbió, seleccionó y procesó todo el variado material que se derramó aquí en vacaciones, lo adaptó a los requerimientos de su espectador principal, moldeando al mismo tiempo sus gustos y necesidades.

Están surgiendo nuevos géneros de teatro popular. Una parte indispensable de la diversión navideña con principios del XIX siglo, se ha convertido en un paraíso (o un panorama divertido), que ha ganado popularidad entre los espectadores con sus pinturas de temas históricos y de cuentos de hadas épicos. El alegre discurso de los raeshniks se escuchó tanto en el Campo de Marte de San Petersburgo como en las ferias. Nizhny Novgorod, Saratov, Yaroslavl, Odessa y otras ciudades y pueblos grandes. Y en el segundo cuarto del siglo XIX, los propietarios de grandes casetas soltaron a los bromistas más famosos en sus balcones exteriores y crearon genero especial chistes folclóricos de “abuelos” ridículos.

Desde mediados del siglo XVIII, la caseta se convirtió en el alma de todas las fiestas de la ciudad.

El repertorio de casetas siguió los gustos del siglo. “Northern Bee” de 1839, en la sección “Mezcla”, informó: “Aquí veremos en el escenario todo lo que nos ocupó en la infancia, todo el juego de la mente y la imaginación rusas. Bova Korolevich, Nightingale the Robber, Kashchei the Immortal, Serpent Gorynych, Yaga Baba, Firebird, Mermaids, Polkan the Hero y la encantadora Militrisa Kirbityevna aparecerán en el escenario, en jardines con manzanas doradas, en las orillas de arroyos con vivos y muertos. agua.<...>Nos parece que este nuevo espectáculo debería despertar la curiosidad general: ¡la nuestra! ¡Estimado!"

Una página especial y extremadamente brillante de la cultura del entretenimiento teatral popular estuvo representada por ferias y festividades en las ciudades con motivo de los principales días festivos (Navidad, Maslenitsa, Pascua, Trinidad, etc.) o eventos de importancia nacional. El apogeo de las fiestas se remonta al siglo XVIII y principios del XIX, aunque especies individuales y los géneros de arte popular se crearon y existieron activamente mucho antes de la época señalada, algunos, en una forma transformada, continúan existiendo hasta el día de hoy; Por ejemplo, el teatro de marionetas, la diversión con los osos, las bromas de los comerciantes y numerosos espectáculos de circo. Las ferias y festividades siempre se han percibido como un evento brillante, como una fiesta general. En las ferias se concedió un lugar especial al teatro de marionetas, que en Rusia tenía varias variedades: “Petrushka”, “Belén”, “Rayok”.

El Teatro Parsley es un teatro de marionetas de dedo. Un teatro así probablemente existió en el pasado. Rus de Kiev, prueba de ello es el fresco de la Catedral de Santa Sofía en Kiev.

En San Petersburgo, a mediados del siglo XIX, Petrushka actuó con el italiano Pulcinello e, incluso convirtiéndose en Pyotr Ivanovich Uksusov o simplemente Vanya, durante mucho tiempo conservó el traje de sus hermanos europeos, títeres bufones y tontos, sabios y matones: una gorra puntiaguda, cascabeles, un caftán rojo, la joroba obligatoria y una nariz enorme.

La acción en el Teatro Petrushka fue comentada en forma de una conversación entre el titiritero y el propio héroe; el texto constaba de varios chistes groseros, a menudo rimados, que podían aplicarse a acontecimientos y personas locales. Pero Petrushka no siempre fue sólo la diversión de las multitudes que se reunían en ferias y plazas. Era un teatro de sátira de actualidad, por lo que los titiriteros a menudo terminaban en prisión. A pesar del carácter primitivo del Teatro Petrushka, su imagen tiene profundas raíces en el folclore ruso. El perejil es la encarnación del ingenio popular, los chistes, el ingenio casual y la risa sincera. La comedia sobre Petrushka expresó el estado de ánimo rebelde del pueblo, su optimismo y su fe en su victoria.

Escena de Navidad clase especial teatro de marionetas, llegó a Rusia desde Europa. El belén está asociado a la costumbre de instalar en la iglesia un pesebre con figuras de la Virgen María, el niño, los pastores y los animales en Navidad; países eslavos de la Europa medieval.

El drama del belén se representó en caja especial, dividido en dos plantas, que era transportado por dos personas. Los portadores del belén eran sacerdotes y monjes errantes, estudiantes y, más tarde, campesinos y habitantes del pueblo. Los belenes están asociados con los llamados "dramas escolares", que fueron compuestos y representados por estudiantes de escuelas, "colegios" y "academias" de la iglesia. Los dramas escolares consistían en dramatizaciones del nacimiento de Cristo y otras historias bíblicas. Estas escenas deben su nombre al hecho de que la escena del nacimiento de Cristo se representó en una cueva, escondida de la gente. En el nivel superior se representaban los acontecimientos relacionados con el nacimiento de Cristo, en el nivel inferior se representaban los episodios con Herodes y la parte cómica cotidiana. El piso superior generalmente estaba cubierto con papel azul, en el centro había un pesebre con un bebé y sobre el pesebre estaba dibujada una estrella. El piso inferior estaba cubierto con papel de colores brillantes; a derecha e izquierda había puertas por las que aparecían y salían los muñecos. Se hacían muñecos de madera de quince a veinte centímetros de altura, se pintaban o se vestían con ropa de tela, se unían a varillas con las que se movían a lo largo de las ranuras del piso de la caja. El propio titiritero habló por todos los personajes,

Rayok es un teatro cinematográfico que se extendió por toda Rusia en los siglos XVIII y XIX. Rayok es una caja, caja, bastante. talla grande. En su pared frontal había dos agujeros con lupas; dentro de la caja había una cinta de papel con dibujos (estaba enrollada de rodillo en rodillo). Raeshnik movió las fotografías y dio explicaciones sobre ellas. El interés del barrio no radicaba tanto en las imágenes como en las explicaciones, que se caracterizaban por el ingenio y una manera única de hablar. Las imágenes de la cinta inicialmente tenían contenido religioso y eclesiástico, pero gradualmente fueron reemplazadas por varias Imágenes de seculares: incendios, ciudades extranjeras, coronaciones reales, etc. Mostrando fotografías, el raeshnik les dio una descripción larga y ruidosa, a menudo de naturaleza satírica. Por ejemplo, “Aquí está la ciudad de París, apenas entres te irás, nuestros nobles vienen aquí a gastar dinero, salen con un saco de oro, y regresan en un palo a caballo”. Aunque el rayok surgió más tarde que muchas otras formas de teatro popular, su influencia penetró en el drama oral, y la influencia del "estilo raesh" en el lenguaje del drama popular fue especialmente grande.

Drama popular. Los temas y problemas de los grandes dramas populares son similares a los de otros géneros folclóricos. Esto se evidencia, en primer lugar, por sus personajes principales: el cacique amante de la libertad, el ladrón, el guerrero valiente, el rebelde hijo real Adolf. En ellos, la gente encarnaba sus ideas sobre héroes positivos, con rasgos profundamente atractivos para sus creadores: audacia y coraje, intransigencia, el deseo de libertad y justicia.

Las obras dramáticas populares, desarrolladas sobre la base de una rica tradición teatral, se pueden dividir ideológica y temáticamente en tres grupos: 1) obras heroicas, historias sobre rebeldes, exponentes de protesta espontánea ("Barco", "Barco", "Banda de ladrones ”, “Ataman” Tormenta”, etc.), 2) obras históricas y patrióticas que expresan el patriotismo del pueblo ruso (“Cómo el francés tomó Moscú”, “El zar Maximiliano”, “Sobre el héroe y el guerrero ruso”, etc. .), 3) juega con temas de la vida cotidiana (“El maestro y Afonka”, “El maestro y el dependiente”, “El maestro imaginario”, etc.).

"Bote" trabajo central El primer grupo, en cuanto al número de registros y publicaciones pertenece a los más famosos. Por lo general, "El Barco" se atribuye al folklore llamado "ladrón".

La trama de la obra es simple: una banda de ladrones liderada por un atamán y una esaul navega por el Volga. Esaul mira alrededor del área a través de un telescopio e informa al jefe lo que ve. Cuando un gran pueblo cruza la costa, los ladrones desembarcan y atacan la propiedad del terrateniente. Una de las versiones de la obra termina con el grito: "¡Quema, quema al rico terrateniente!"

En el centro de la obra está la imagen. noble ladrón atamán, que a veces no tiene nombre, pero en algunas versiones se llama Ermak o Stepan Razin. Es la imagen de Razin la que expresa más plenamente el principal significado ideológico obras de teatro: descontento social de las masas, su protesta.

La obra "Cómo el francés tomó Moscú" puede clasificarse como un drama histórico-patriótico. Esta obra en un acto, originaria de los soldados, tiene lugar en el cuartel general de Napoleón. En esta obra se muestra satíricamente al líder francés; los planes de aventuras militares lo mantienen despierto. Napoleón está rodeado de un séquito engañoso y servil; no puede comprender el levantamiento nacional en Rusia. La obra muestra la unanimidad del pueblo ruso; Se trata de mujeres rusas que renunciaron a sus joyas por la defensa del país y de un campesino que se cortó la mano para no servir a Napoleón.

La obra favorita del teatro popular es "El zar Maximiliano" (30 versiones). Varios investigadores (I.L. Shcheglov, D.D. Blagoy) sostienen que esta obra refleja la historia de la relación entre Pedro I y su hijo Alexei. Históricamente, esta suposición está justificada. "Zar Maximiliano" es una obra que expone el "esplendor" externo del zarismo y muestra su crueldad y crueldad. La obra probablemente tomó forma entre los soldados; representa personajes militares (guerreros y un mariscal ambulante), refleja el orden militar, se utiliza fraseología militar en el discurso de los personajes y se citan canciones militares y de marcha. Las fuentes de la obra fueron varias obras: vidas de santos, dramas escolares, donde hay imágenes de reyes y perseguidores de cristianos, espectáculos secundarios.

Dramas sobre temas cotidianos. Estas obras ridiculizan principalmente la imagen de un caballero de manos blancas, un fanfarrón arrogante (“estuve en Italia, estuve otra vez, estuve en París, estuve más cerca”), su afectación, sus gestos y su frivolidad. Protagonista una de ellas es la sirvienta alegre, inteligente, práctica e ingeniosa Afonka Maly (Afonka Novy, Vanka Maly, Alyoshka). El sirviente se burla del amo, inventa fábulas y lo sume en el horror y la desesperación. Un hombre, un soldado, Petrushka ridiculiza y adora al bar por todo lo extranjero.

La diestra e independiente Afonka es una de las imágenes más poderosas y vívidas del drama popular satírico. Es importante señalar que los representantes de las clases dominantes siempre se encontraban en una posición cómica y absurda: caballero, sacerdote, comerciante, farmacéutico, médico. La interpretación de los héroes negativos y positivos del drama popular coincide con los cuentos de hadas cotidianos.

Poética de los dramas populares. Generaciones de creadores e intérpretes de dramas populares también han desarrollado ciertas técnicas para trazar tramas, caracterizar personajes y estilos. Los dramas populares desarrollados se caracterizan por fuertes pasiones y conflictos insolubles, continuidad y velocidad de acciones sucesivas.

Las características de la estructura de la trama y las imágenes de los héroes están asociadas con las características específicas de la representación popular. Se llevó a cabo sin escenario, telón, alas, accesorios y accesorios, componentes indispensables del teatro profesional. La acción se desarrollaba a menudo en una choza, entre la gente; Los actores que no participaban en la escena se paraban en semicírculo, avanzaban según era necesario y se presentaban al público. No hubo interrupciones en la actuación. La convencionalidad del tiempo y el espacio es la característica más llamativa de la representación teatral popular.

En los dramas populares no se suele determinar ni el lugar ni el momento de la acción, a excepción de "El barco", donde los acontecimientos tienen lugar en el Volga, en la finca de un terrateniente. Esto le permite organizar libremente episodios y escenas.

El principal medio para caracterizar a los personajes, como siempre en obras dramáticas, sirve como discurso directo en forma de monólogo y diálogo. Los personajes de los dramas populares no cambian durante la acción; se basan en resaltar un rasgo que se revela en el comportamiento, en las acciones, en los discursos.

El estilo y el lenguaje del drama popular se caracterizan por la presencia de diferentes capas, cada una de las cuales se relaciona a su manera con la trama y el sistema de personajes. Así, los personajes principales se expresan en un solemne discurso ceremonial, dan órdenes e instrucciones. En momentos de agitación emocional, los personajes del drama pronuncian largos monólogos.

El discurso de los personajes de los dramas populares es expresivo, original e ingenioso. Combina folk y los elementos literarios: vocabulario y fraseología. Son frecuentes los juegos de palabras, los alogismos cómicos, las repeticiones tradicionales del folclore y las fórmulas estables. En el lenguaje dramático se utilizaban a menudo proverbios, dichos y acertijos.

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Introducción

Elegí este tema porque quería aprender más sobre el folclore ruso, sus características y costumbres festivas. Este tema permite revelar los medios expresivos de la mayoría de las representaciones folclóricas, las fiestas y el teatro folclórico en general.

El folklore es la creatividad de cualquier pueblo, que se transmite de generación en generación. caracteristica principal- esta es la ausencia de un autor famoso.

El teatro (del griego - miro, veo) es un tipo de arte; el lugar donde se desarrolla la acción; la actuación en sí, el escenario o escenario; un conjunto de obras dramáticas.

Originalidad artística del teatro popular.

El teatro ruso se originó en la antigüedad. El terreno para la aparición de sus elementos iniciales fue la actividad productiva de nuestros lejanos ancestros eslavos. Numerosos rituales, acciones rituales y fiestas populares desempeñaron un papel importante en los elementos del desarrollo del teatro en un sistema complejo de creatividad dramática popular.

Después de haber recorrido un camino de desarrollo independiente que duró siglos, el teatro popular ruso tuvo una gran influencia en el teatro profesional. Se puede decir que sin tener en cuenta la experiencia del teatro popular, sin contar con ella como una base sólida, el teatro profesional ruso no podría Período histórico de tu existencia para elevarte a las alturas del mundo. Sólo esto hace que uno trate a los rusos teatro folklórico con mucha atención, hace necesario estudiarlo.

Elementos comprensión artística Apareció en la era del sistema comunal primitivo. El arte en esa época lejana estaba “directamente entretejido en la actividad material y en la comunicación material de las personas”.

El lugar principal en el arte del hombre primitivo lo ocupaba la bestia, el objeto de la caza, del que dependía en gran medida toda la vida. En los rituales previos al inicio de una caza o después de su finalización exitosa, también había elementos dramáticos que reproducían elementos de la caza. Quizás ya entonces uno o más participantes se vestían con pieles y representaban animales, otros eran “cazadores”.

Con el desarrollo de la agricultura aparecen acciones similares que reproducen la siembra, cosecha y procesamiento de plantas útiles. Estas acciones duraron muchos siglos. Algunos de ellos, en forma de bailes circulares o juegos infantiles, han sobrevivido hasta nuestros días.

Cada nación tiene su propio arte; Se trata de leyendas, epopeyas, canciones, danzas, el arte de las encajeras, tejedoras, talladores de madera, cazadores de metales y el arte de tejer productos con corteza de abedul, ramitas y el arte de los alfareros y el tejido.

Muchos tipos de arte popular dieron origen a la artesanía popular en la antigüedad. Hay muchos lugares en Rusia donde nacieron y aún viven las artesanías artísticas. ¿Quién no conoce la famosa pintura de los platos Gzhel, las bandejas Zhostovo, los juguetes Vyatka, las cajas Palekh y X? oh¿Luya, cucharones de madera de Khokhloma, pintura de Gorodets en las tablas? ¿Qué pasa con el esmalte de Rostov? ¿Qué pasa con el bordado de Vladimir? ¿Qué pasa con el encaje de Vologda? Y aunque no todas las artesanías populares han sobrevivido a lo largo del tiempo, los centros de muchas artes populares todavía están vivos y todavía hay maestros brillantes en Rusia, gracias a cuyo arte antigua tradición artes y oficios populares.

Sin embargo, no todo arte popular debería llamarse folklore. Investigación últimas décadas condujo a una comprensión del folclore como arte popular oral, expresado en formas verbales, musicales, coreográficas y dramáticas. Esto significa que el folclore incluye epopeyas, cuentos populares, Canciones folk(juegos, rituales, etc.), el arte de los bufones, escenas de farsas populares. Rituales, rituales, juegos y diversiones populares, festivales populares: todo esto también es folklore. Pero artesanía popular y las artesanías no pertenecen al folclore, aunque representan el arte popular que realmente existe en la vida popular.

El folklore se caracteriza por la bifuncionalidad y el sincretismo. Estas propiedades lo hacen similar al arte primitivo. Folclore, como arte primitivo, sincrético: en su origen y existencia no hubo división en tipos de arte. Las epopeyas eran contadas por narradores con el acompañamiento del gusli; las canciones solían ir acompañadas de bailes y contenían elementos de juego dramático; y el arte de los bufones a menudo combinaba actuación, canto, baile, malabarismo y acrobacia.

La bifuncionalidad del folclore significa que es a la vez arte y no arte, es decir. parte de la vida cotidiana. Esto se manifestó especialmente en el folclore ritual, que se distinguía por su entretenimiento.

La bifuncionalidad también caracteriza un rasgo del folclore como la ausencia de división entre intérpretes y público (que es un rasgo importante del arte establecido); aquí están todos los participantes y espectadores al mismo tiempo.

Pero además de estas importantes propiedades del folclore, también tiene características especiales. Las características del folclore incluyen las siguientes: oralidad, colectividad, anonimato, tradicionalidad, variabilidad, creatividad artística.

Estos signos en diferentes eras tenía significado diferente, pero su complejo siempre ha sido importante; Esto significa que es imposible determinar el folclore que tenemos ante nosotros o no basándose en uno, dos o tres signos.

La oralidad de la creatividad significa que las obras folclóricas existen en forma oral, es decir, en transmisión “de boca a boca”. La naturaleza oral de la creatividad no está asociada con la alfabetización de la población y no tanto con el proceso de creación, como se pensaba anteriormente, sino con la necesidad psicológica de comunicación.

La colectividad y el anonimato de la creatividad significan que las obras folclóricas no tienen autores, que fueron creadas durante décadas, y tal vez siglos, colectivamente, transmitidas de boca en boca, complementadas, pero al mismo tiempo no se violaron las tradiciones centenarias establecidas.

La creatividad tradicional significa ciertos cánones de contenido, formas y técnicas de creatividad. A lo largo de los siglos, se han desarrollado ciertas “reglas” que no se pueden romper. Así, por ejemplo, en los cuentos de hadas siempre hay un comienzo. Esta es una tradición, un canon. En el contenido, el héroe pasa por tres pruebas, esto también es canon. Al final, el mal es derrotado, el bien triunfa; esto también es canon. También se suponía que los cuentos de hadas debían contarse de cierta manera, y los narradores y narradores maravillosos sabían cómo hacerlo. Lamentablemente, hoy en día esta tradición de contar cuentos de hadas no se ha conservado. También se han perdido detalles incluidos en muchos ritos y rituales; significado simbolico, significado.

Variabilidad de la creatividad. Esta característica está asociada al carácter anónimo de su creatividad y significa que la misma obra folclórica existe en decenas de variantes, dependiendo de la localidad de su existencia. Pero es necesario distinguir la variabilidad de una obra folclórica de la obra de un autor distorsionado, a lo largo de su existencia el texto (o la melodía) ha cambiado. Por ejemplo, algunos autores tienen muchas obras que "han ido a la gente": "¿Por qué miras la carretera con avidez?", "Buhoneros" de N.A. Nekrasov, algunos poemas de S.A. Yesenin, que se convirtieron en canciones, etc. Si en diferentes zonas encontramos texto diferente En una melodía diferente, entonces esto no es una manifestación de variabilidad, sino una distorsión del texto del autor y la melodía compuesta por el compositor.

La creatividad artística es una característica muy importante del folclore. En la ciencia prerrevolucionaria se creía que todo aquel arte que no es reconocido por la sociedad, porque no se corresponde con los criterios estéticos imperantes en la sociedad en tiempo dado, debería clasificarse como folclore. Sin embargo, esta es una afirmación profundamente errónea, porque cada tipo de arte y folklore tiene “su propia” imaginería, “su propio” sistema. medios expresivos, su propia estética. Por tanto, deberíamos hablar de la estética del folclore, que difiere de la estética del arte “científico” que nos resulta familiar.

El folclore floreció en el siglo XVII. El inicio de las reformas de Pedro 1, el desarrollo de fundiciones, fábricas, etc. implicó la destrucción gradual del modo de vida patriarcal en el que se desarrolló y vivió con éxito el folclore. Su base social era la comunidad campesina, que recibió un golpe por las reformas económicas de Peter. En consecuencia, el folclore comenzó a colapsar. Este proceso se desarrolló de manera desigual en diferentes regiones: en algunas regiones los procesos económicos estaban activos, destruyendo economía natural y, en consecuencia, la base del folclore. En otros, estos procesos tuvieron lugar lentamente (en el "interior" ruso, en las provincias del norte, oeste y sur de Siberia), y allí se conservaron muchos tipos de folclore.

Actualmente, las formas de canto y danza del folclore están vivas en aldeas alejadas de los centros industriales. Los narradores son cosa del pasado; En muchos ritos y rituales se ha perdido el significado de sus detalles individuales, se han perdido las tradiciones de muchas fiestas y juegos populares, porque todo esto hace tiempo que desapareció de la vida de las personas. Pérdida del folclore - objetivo proceso historico. Los intentos de preservar algunas de sus formas son encomiables, pero, lamentablemente, no se llevan a cabo en nombre del folclore mismo; En la mayoría de los casos, esto se ve facilitado por el interés comercial. Por eso hoy en día hay tanto pseudofolclore.

Entre las muchas formas de folclore había una: el teatro folclórico.

El teatro folclórico es un fenómeno único en el folklore ruso. cultura artística, un fenómeno que combina los conceptos de “folclore” y “teatro”. Hasta ahora los expertos no están de acuerdo sobre la definición de “teatro folclórico”. Algunos creen que el teatro popular es todo aquello que tiene valor de entretenimiento en el folclore: ceremonias, rituales, juegos, eventos masivos, festivales, etc. Otros clasifican como teatro popular las representaciones basadas en el drama folclórico oral. ¿Quién tiene razón? Para responder a esta pregunta, recordemos las características específicas del arte teatral. Entre ellos habrá entretenimiento, efectividad, juego, creatividad colectiva y arte (y muchos otros), es decir. signos característicos tanto del teatro como folklore ritual. Pero el contenido de estos signos será diferente.

El entretenimiento ritual es un elemento necesario del ritual en sí y existe principalmente para sus participantes.

Este tipo de entretenimiento es tradicional, canónico y no puede contener un elemento individual. El espectáculo de una representación teatral existe para el público. Está indisolublemente ligado a expresión artística actuación. Está concebido y encarnado en una acción dramática. El valor de entretenimiento de cada actuación es individual.

La eficacia puede verse en toda una serie de ritos, rituales, celebraciones, etc. Pero, a diferencia de la eficacia de una representación teatral, en la eficacia ritual no hay drama, ni lucha dramática, ni conflicto. El teatro es impensable sin conflicto, sin lucha dramática. En consecuencia, la eficacia en el arte teatral presupone drama y conflicto dramático.

El juego en la vida es un medio para satisfacer la necesidad de juego de sus participantes.

Tocar en el teatro es una forma que tiene un actor de crear. imagen artística, la naturaleza de un personaje particular. Es una manera de expresar el conflicto. Un juego así es un medio para satisfacer las necesidades estéticas del público.

La colectividad de la creatividad en el folclore significa impersonalidad, anonimato y falta de autoría. En el arte teatral, se trata de un enorme equipo de actores, un artista, un compositor, vestuaristas, maquilladores, diseñadores de iluminación, diseñadores de sonido, trabajadores escénicos, etc., organizados y dirigidos por el director hacia un único objetivo: el creación de una actuación. Al mismo tiempo, la creatividad de cada participante es profundamente individual. Y la autoría se manifiesta en la creatividad de cada participante en la actuación.

La imagen es un rasgo característico del arte. En el teatro popular se trata de una imagen de máscara, es decir. una imagen tradicional y canónica de un personaje folclórico particular, indicada por ciertos detalles de vestuario, maquillaje y utilería. Crear tal imagen no requiere la individualización de los rasgos de su carácter; por el contrario, aquí se debe observar la ejecución tradicional; Ésta es una característica esencial del arte folclórico. (Así, por ejemplo, se expresa el traje de algunos héroes folclóricos: Dama - gorra, paraguas y abanico; Gitano - camisa roja, botas; Pop - barba de estopa, cruz de madera en mano; Cabra - el artista está cubierto con abrigo de piel de oveja, al revés, etc.).

El arte del teatro se caracteriza por un comienzo individual en la creación de la imagen de un personaje; la imagen creada en sí está dotada de muchos rasgos de carácter individuales. La interpretación tradicional y canónica es inapropiada aquí. Sería triste ver Hamlets idénticos y otros héroes en los escenarios de los teatros de todo el mundo. obras de shakespeare, reconocible por el vestuario, detalles de utilería, maquillaje. A lo largo de varios cientos de años, se han creado grandes obras de diversos actores en los escenarios teatrales de todo el mundo; La historia del teatro mundial incluye a los famosos creadores de la imagen de Hamlet: el inglés David Garrick, la italiana Eleonora Duse, la alemana Devrient y muchos otros, así como los actores de teatro rusos Mochalov, Karatygin y, en nuestro tiempo, el famoso Laurence. Olivier, Innokenty Smoktunovsky y muchos otros grandes actores. Cada uno de ellos tiene su propio Hamlet.

El teatro folclórico, por supuesto, ha perdido propiedades del folclore como el sincretismo y la bifuncionalidad: ya tiene una división clara entre “artistas” y “público” (aunque los “artistas” eran vecinos de los “espectadores”); y él mismo gravita claramente hacia el arte del teatro (es decir, rompe con el sincretismo folclórico). A lo largo de muchas décadas de su existencia, también desarrolló su propia dramaturgia, que, por cierto, no ha perdido el contacto con la tradición popular. Por tanto, podemos decir que el teatro popular es un teatro de drama popular oral. Hay principalmente tres dramas principales: "El zar Maximiliano", "El barco", "La banda de ladrones", así como otros más pequeños: "El cuervo negro", "Ermak", "Cómo el francés tomó Moscú", "Parasha". También se conocen sus variantes. También hay dramas satíricos: "El Maestro", "El Maestro Imaginario", "Mavrukh", "Pakhomushka". Los coleccionistas de folclore ruso los escribieron. El zar Maximiliano se registró por primera vez en 1818, y más tarde se grabaron otros dramas. Esto significa que a principios del siglo XIX todavía existía un teatro folclórico. Pero, aparentemente, su apogeo tuvo lugar antes. Vivía en pueblos. Las representaciones se preparaban con antelación y normalmente tenían lugar durante la época navideña o Semana Santa. En las representaciones participaban actores itinerantes (antiguos bufones) y los muchachos más “pobres” del pueblo, aquellos que se distinguían por su ingenio, sentido del humor y eran considerados artistas reconocidos que conocían las tradiciones de interpretar determinados papeles.

Si leemos el texto de cualquiera de los dramas populares orales, no tendremos idea de la interpretación, porque la trama, por ejemplo, de "Barcos" o "Banda de ladrones" es bastante primitiva, inspirada en las "hazañas". del atamán Stenka Razin. Contiene préstamos de Canciones folk, y de leyendas populares y de fuentes literarias. La trama en sí es muy incompleta. Todos los espectadores conocían de antemano el contenido de la próxima actuación. Pero toda la dignidad presentación teatral No se trataba de presentar al público la trama, sino de qué tipo de interludios de improvisación entre escenas “trágicas” surgirían hoy. Estos interludios ridículos no tenían ninguna relación con la trama principal del drama oral, y el público podía dirigirse a los "artistas" directamente desde el "audiencia", y por lo general estos desviaban hábilmente todos los ataques del público. Ése era el principal placer de semejante juego de espectáculo. Pero fue precisamente esta capacidad de improvisar la que se perdió en primer lugar.

Las reformas económicas en Rusia, iniciadas por Pedro, marcaron el comienzo de la destrucción de esa forma de vida (es decir, comunidad campesina), que alimentó el folclore y contribuyó a su florecimiento. Mayor desarrollo Las relaciones entre productos y dinero afectaron cada vez más el estado de la comunidad de la aldea y el estado del folclore. En el siglo XX se perdieron muchos tipos de folclore. Las actuaciones de aficionados modernas son un fenómeno cualitativamente nuevo. Algunos estudiosos intentan presentar esto como folklore moderno. Pero tal afirmación, desde un punto de vista científico, no es cierta. Las representaciones de aficionados modernas no corresponden a ninguna de las características del folclore; Este es un arte popular cualitativamente nuevo.

Ha habido intentos de invitar a representaciones teatrales modernas de aficionados a seguir el camino creatividad folklórica: para revivir el drama folclórico oral. Pero muy pronto quedó claro que el teatro folclórico no era viable y su resurgimiento en el teatro de aficionados era inútil y no podía conducir al éxito creativo; A veces, algunos directores se jactaban de haber recurrido al teatro popular y cosechado éxitos. Sin embargo, en realidad se trataba de actuaciones en las que sólo se utilizaron algunos elementos de la expresividad folclórica, lo cual es bastante apropiado. Aquí se podría citar un ejemplo brillante de representación folclórica: fue una representación del teatro Skomorokh en los años 70. siglo pasado, puesta en escena por Gennady Yudenich. Era la historia de nuestro país, presentada en la estética y la expresividad del folclore. Pero este éxito creativo es, desgraciadamente, el único ejemplo.

El drama popular ruso y el arte teatral popular en general son un fenómeno muy interesante y significativo. Cultura nacional. Ya a principios del siglo XX, los juegos y representaciones teatrales formaban parte orgánica de la vida popular festiva, ya fueran reuniones de pueblo, escuelas religiosas, cuarteles de soldados y fábricas o puestos de feria.

El drama popular es una creación natural. tradición folklórica. Estaba comprimido en él. experiencia creativa, acumulado por decenas de generaciones de los más amplios estratos del pueblo. En épocas posteriores, esta experiencia se enriqueció con préstamos de la literatura popular y profesional y del teatro democrático.

Los actores populares en su mayoría no eran profesionales, eran un tipo especial de aficionados, expertos. tradición popular, que fue heredado de padre a hijo, de abuelo a nieto, de generación en generación de jóvenes del pueblo en edad previa al reclutamiento. Un hombre volvía a casa del trabajo o de un oficio y traía a su pueblo natal su obra favorita, memorizada de memoria o copiada en un cuaderno. Aunque al principio era solo un extra: un guerrero o un ladrón, se sabía todo de memoria. Y ahora un grupo de jóvenes se reúne y, en un lugar apartado, adopta el “truco” y aprende el papel. Y en Navidad hay “estreno”.

La geografía de distribución del drama popular es extensa. Los coleccionistas de nuestros días han descubierto "hogares" teatrales únicos en las regiones de Yaroslavl y Gorky, en los pueblos rusos de Tataria, en Vyatka y Kama, en Siberia y los Urales.

La formación de las obras folclóricas más famosas tuvo lugar en la era de transformaciones sociales y culturales en Rusia a finales del siglo XVIII. Desde entonces, han aparecido y se han difundido ampliamente grabados e imágenes populares, que eran a la vez información "periódico" de actualidad para el pueblo (informes sobre acontecimientos militares, sus héroes) y una fuente de conocimientos sobre historia, geografía y un entretenimiento ". teatro” con héroes cómicos: Petrukha Farnos, panqueque roto, Maslenitsa.

Se publicaron muchos grabados populares sobre temas religiosos: sobre los tormentos de los pecadores y las hazañas de los santos, sobre Anika la guerrera y la Muerte. Más tarde, ganaron extrema popularidad en grabados y libros populares. cuentos de hadas, tomado de novelas traducidas e historias sobre ladrones: Black Raven, Fadey Woodpecker, Churkin. Se publicaron cancioneros baratos en grandes ediciones, incluidas obras de Pushkin, Lermontov, Zhukovsky, Batyushkov, Tsyganov, Koltsov.

En las zonas urbanas, y posteriormente ferias rurales Se instalaron carruseles y casetas, en cuyo escenario se representaron representaciones nacionales y de cuentos de hadas. temas historicos, que reemplazó gradualmente a las obras traducidas anteriores. Durante décadas, las representaciones que se remontan a la dramaturgia de principios del siglo XIX no han abandonado el escenario público: "Ermak, el conquistador de Siberia" de P. A. Plavilshchikov, "Natalia, la hija del boyardo" de S. N. Glinka, "Dmitry Donskoy" de A. A. Ozerov, "El bígamo" de A. A. Shakhovsky, más tarde - obra sobre Stepan Razin de S. Lyubitsky y A. Navrotsky.

En primer lugar, la limitación de las ideas populares era tradicional. En todas partes se instalaron para Navidad y Maslenitsa. Estas dos breves “temporadas” teatrales contenían un programa muy rico. Los antiguos rituales, que a finales del siglo XIX y principios del XX ya se percibían como entretenimiento y, además, como travesuras, eran realizados por mimos. actor de teatro de performance artística

El antiguo significado de murmurar es el efecto mágico de las palabras y el comportamiento sobre la preservación, restauración y aumento de las fuerzas vitales y fructíferas de las personas, los animales y la naturaleza. Esto se asocia con la aparición de personas desnudas o semidesnudas en las reuniones, “picoteos” de las niñas con una grúa, golpes con torniquete, espátula, zapatos de líber o palo al “vender” kvas, telas, telas estampadas, etc.

Los juegos de mimos de Navidad y Maslenitsa van acompañados de pequeñas obras satíricas "El Maestro", "El Maestro Imaginario", "Mavrukh", "Pakhomushka". Se convirtieron en un “puente” entre las pequeñas formas dramáticas y las grandes. La popularidad de los diálogos cómicos entre amo y jefe, amo y sirviente fue tan grande que invariablemente se incluyeron en muchos dramas.

El estilo del drama popular se caracteriza por la presencia de diferentes capas o secuencias estilísticas, cada una de las cuales a su manera se relaciona con la trama y el sistema de personajes.

Así, los personajes principales se expresan en un solemne discurso ceremonial, se presentan, dan órdenes e instrucciones. En momentos de agitación emocional, los personajes del drama pronuncian sinceros monólogos líricos (a veces son reemplazados por la interpretación de una canción). En los diálogos y escenas de multitudes se escucha el discurso de acontecimientos cotidianos, en los que se aclaran las relaciones y se definen los conflictos. Los personajes de cómic se caracterizan por un discurso humorístico y paródico. Los actores que interpretaban los papeles de un anciano, un sirviente o un médico recurrían a menudo a la improvisación basada en técnicas folclóricas tradicionales para representar la sordera, los sinónimos y los homónimos.

En el drama popular, un papel especial lo desempeñan las canciones interpretadas por los héroes en momentos críticos para ellos o por el coro, un comentarista de los acontecimientos que tienen lugar. Se requerían canciones al principio y al final de la actuación. repertorio de canciones Los dramas populares consisten principalmente en canciones originales populares en todos los estratos de la sociedad de los siglos XVIII y XIX. Estas son las canciones de los soldados "El zar blanco ruso cabalgó", "Malbrouk se fue de campaña", "Alabado sea, alabanza, héroe", y los romances "Caminé por los prados por la noche", "Me dirijo hacia el desierto”, “Lo nublado, el claro amanecer” y muchos otros.