Como sabes, la palabra es la unidad básica de cualquier lengua, así como el componente más importante de su medio artístico. El uso correcto del vocabulario determina en gran medida la expresividad del habla.
En contexto, una palabra es un mundo especial, un espejo de la percepción y actitud del autor ante la realidad. Tiene su propia precisión metafórica, sus propias verdades especiales, llamadas revelaciones artísticas; las funciones del vocabulario dependen del contexto;
La percepción individual del mundo que nos rodea se refleja en dicho texto con la ayuda de declaraciones metafóricas. Después de todo, el arte es, ante todo, la autoexpresión de un individuo. El tejido literario está tejido a partir de metáforas que crean una imagen emocionante y conmovedora de una obra de arte en particular. En las palabras aparecen significados adicionales, un color estilístico especial, creando un mundo único que descubrimos por nosotros mismos mientras leemos el texto.
No sólo en lo literario, sino también en lo oral, utilizamos, sin pensar, diversas técnicas de expresión artística para darle emotividad, persuasión e imaginería. Averigüemos qué técnicas artísticas existen en el idioma ruso.
El uso de metáforas contribuye especialmente a la creación de expresividad, así que comencemos por ellas.
Metáfora
Es imposible imaginar las técnicas artísticas en la literatura sin mencionar la más importante de ellas: la forma de crear una imagen lingüística del mundo a partir de significados que ya existen en el propio idioma.
Los tipos de metáforas se pueden distinguir de la siguiente manera:
- Fosilizados, desgastados, secos o históricos (proa de barco, ojo de aguja).
- Los fraseologismos son combinaciones figurativas estables de palabras que son emocionales, metafóricas, reproducibles en la memoria de muchos hablantes nativos, expresivas (agarre mortal, círculo vicioso, etc.).
- Metáfora única (por ejemplo, corazón sin hogar).
- Desplegado (corazón - “campana de porcelana en China amarilla” - Nikolay Gumilyov).
- Tradicionalmente poético (mañana de vida, fuego de amor).
- De autor individual (joroba de acera).
Además, una metáfora puede ser simultáneamente una alegoría, personificación, hipérbole, perífrasis, meiosis, litotes y otros tropos.
La palabra "metáfora" en sí misma significa "transferencia" en la traducción del griego. En este caso, estamos ante la transferencia de un nombre de un artículo a otro. Para que esto sea posible, ciertamente deben tener alguna similitud, deben ser adyacentes de alguna manera. Una metáfora es una palabra o expresión utilizada en sentido figurado debido a la similitud de dos fenómenos u objetos de alguna manera.
Como resultado de esta transferencia, se crea una imagen. Por tanto, la metáfora es uno de los medios de expresividad más llamativos del discurso artístico y poético. Sin embargo, la ausencia de este tropo no significa la falta de expresividad de la obra.
Una metáfora puede ser simple o extensa. En el siglo XX, se está reviviendo el uso de los ampliados en poesía y la naturaleza de los simples está cambiando significativamente.
Metonimia
La metonimia es un tipo de metáfora. Traducido del griego, esta palabra significa "cambiar el nombre", es decir, es la transferencia del nombre de un objeto a otro. La metonimia es la sustitución de una determinada palabra por otra basándose en la contigüidad existente de dos conceptos, objetos, etc. Se trata de la imposición de una palabra figurada al significado directo. Por ejemplo: “Me comí dos platos”. La mezcla de significados y su transferencia son posibles porque los objetos son adyacentes y la contigüidad puede ser en el tiempo, el espacio, etc.
Sinécdoque
La sinécdoque es un tipo de metonimia. Traducido del griego, esta palabra significa "correlación". Esta transferencia de significado se produce cuando se llama al menor en lugar del mayor, o viceversa; en lugar de una parte, un todo y viceversa. Por ejemplo: "Según informes de Moscú".
Epíteto
Es imposible imaginar las técnicas artísticas en la literatura, cuya lista ahora estamos compilando, sin un epíteto. Es una figura, tropo, definición figurativa, frase o palabra que denota una persona, fenómeno, objeto o acción con un carácter subjetivo.
Traducido del griego, este término significa "adjunto, aplicación", es decir, en nuestro caso, una palabra está unida a otra.
El epíteto se diferencia de una simple definición por su expresividad artística.
Los epítetos constantes se utilizan en el folclore como medio de tipificación y también como uno de los medios de expresión artística más importantes. En el sentido estricto del término, solo aquellos cuya función son palabras en sentido figurado, a diferencia de los llamados epítetos exactos, que se expresan en palabras en sentido literal (bayas rojas, hermosas flores), pertenecen a los tropos. Los figurativos se crean cuando las palabras se usan en un significado figurado. Estos epítetos suelen denominarse metafóricos. La transferencia metonímica de nombre también puede ser la base de este tropo.
Un oxímoron es un tipo de epíteto, los llamados epítetos contrastantes, que forman combinaciones con sustantivos definidos de palabras que tienen un significado opuesto (amor odioso, tristeza alegre).
Comparación
El símil es un tropo en el que un objeto se caracteriza mediante comparación con otro. Es decir, se trata de una comparación de diferentes objetos por similitud, que puede ser tanto obvia como inesperada, distante. Suele expresarse mediante determinadas palabras: “exactamente”, “como si”, “similar”, “como si”. Las comparaciones también pueden tomar la forma del caso instrumental.
Personificación
Al describir técnicas artísticas en la literatura, es necesario mencionar la personificación. Este es un tipo de metáfora que representa la asignación de propiedades de los seres vivos a objetos de naturaleza inanimada. A menudo se crea refiriéndose a fenómenos naturales como seres vivos conscientes. Personificación es también transferencia de propiedades humanas a los animales.
Hipérbole y litotes
Observemos técnicas de expresión artística en la literatura como la hipérbole y los litotes.
La hipérbole (traducida como "exageración") es uno de los medios expresivos del habla, que es una figura con el significado de exagerar lo que se está discutiendo.
Litota (traducido como "simplicidad") es lo opuesto a la hipérbole: una subestimación excesiva de lo que se está discutiendo (un niño del tamaño de un dedo, un hombre del tamaño de una uña).
Sarcasmo, ironía y humor.
Seguimos describiendo técnicas artísticas en la literatura. Nuestra lista se complementará con sarcasmo, ironía y humor.
- Sarcasmo significa "desgarrar carne" en griego. Esto es una ironía malvada, una burla cáustica, un comentario cáustico. Cuando se utiliza el sarcasmo se crea un efecto cómico, pero al mismo tiempo hay una clara valoración ideológica y emocional.
- Ironía en la traducción significa "simulación", "burla". Ocurre cuando se dice una cosa con palabras, pero se quiere decir algo completamente diferente, todo lo contrario.
- El humor es uno de los medios léxicos de expresividad, traducido como "estado de ánimo", "disposición". A veces, se pueden escribir obras enteras en un tono cómico y alegórico, en el que se puede sentir una actitud burlona y bondadosa hacia algo. Por ejemplo, la historia "Camaleón" de A.P. Chéjov, así como muchas fábulas de I.A.
Especies técnicas artísticas La literatura no termina ahí. Presentamos a su atención lo siguiente.
Grotesco
Las técnicas artísticas más importantes de la literatura incluyen lo grotesco. La palabra "grotesco" significa "intrincado", "extraño". Esta técnica artística representa una violación de las proporciones de los fenómenos, objetos y eventos representados en la obra. Se utiliza ampliamente en las obras de, por ejemplo, M. E. Saltykov-Shchedrin (“Los Golovlev”, “La historia de una ciudad”, cuentos de hadas). Esta es una técnica artística basada en la exageración. Sin embargo, su grado es mucho mayor que el de una hipérbole.
El sarcasmo, la ironía, el humor y lo grotesco son técnicas artísticas populares en la literatura. Ejemplos de los tres primeros son las historias de A.P. Chéjov y N.N. La obra de J. Swift es grotesca (por ejemplo, Los viajes de Gulliver).
¿Qué técnica artística utiliza el autor (Saltykov-Shchedrin) para crear la imagen de Judas en la novela "Lord Golovlevs"? Por supuesto que es grotesco. La ironía y el sarcasmo están presentes en los poemas de V. Mayakovsky. Las obras de Zoshchenko, Shukshin y Kozma Prutkov están llenas de humor. Estas técnicas artísticas en la literatura, de las que acabamos de dar ejemplos, como puede ver, son muy utilizadas por los escritores rusos.
Retruécano
Un juego de palabras es una figura retórica que representa una ambigüedad involuntaria o deliberada que surge cuando se usa en el contexto de dos o más significados de una palabra o cuando su sonido es similar. Sus variedades son paronomasia, falsa etimologización, zeugma y concretización.
En los juegos de palabras, el juego de palabras se basa en la homonimia y la polisemia. De ellos surgen anécdotas. Estas técnicas artísticas en la literatura se pueden encontrar en las obras de V. Mayakovsky, Omar Khayyam, Kozma Prutkov, A. P. Chekhov.
Figura retórica: ¿qué es?
La palabra "figura" en sí se traduce del latín como "apariencia, contorno, imagen". Esta palabra tiene muchos significados. ¿Qué significa este término en relación con el discurso artístico? Medios sintácticos de expresión relacionados con figuras: preguntas, apelaciones.
¿Qué es un "tropo"?
“¿Cómo se llama una técnica artística que utiliza una palabra en sentido figurado?” - preguntas. El término “tropo” combina varias técnicas: epíteto, metáfora, metonimia, comparación, sinécdoque, litotes, hipérbole, personificación y otras. Traducido, la palabra "tropo" significa "rotación". El discurso literario se diferencia del discurso ordinario en que utiliza frases especiales que embellecen el discurso y lo hacen más expresivo. Diferentes estilos usan diferentes medios de expresión. Lo más importante en el concepto de "expresividad" para el discurso artístico es la capacidad de un texto o una obra de arte de tener un impacto estético y emocional en el lector, de crear imágenes poéticas e imágenes vívidas.
Todos vivimos en un mundo de sonidos. Algunos de ellos nos causan emociones positivas, otros, por el contrario, excitan, alarman, provocan ansiedad, calman o inducen al sueño. Diferentes sonidos evocan diferentes imágenes. Usando su combinación, puedes influir emocionalmente en una persona. Al leer obras de literatura y arte popular ruso, percibimos su sonido con especial atención.
Técnicas básicas para crear expresividad sonora.
- La aliteración es la repetición de consonantes similares o idénticas.
- La asonancia es la repetición armoniosa deliberada de vocales.
La aliteración y la asonancia suelen utilizarse simultáneamente en las obras. Estas técnicas tienen como objetivo evocar diversas asociaciones en el lector.
Técnica de grabación sonora en la ficción.
La grabación sonora es una técnica artística que consiste en la utilización de ciertos sonidos en un orden específico para crear una determinada imagen, es decir, la selección de palabras que imitan sonidos. mundo real. Esta técnica en la ficción se utiliza tanto en poesía como en prosa.
Tipos de grabación de sonido:
- Asonance significa "consonancia" en francés. La asonancia es la repetición de sonidos vocálicos iguales o similares en un texto para crear una imagen sonora específica. Favorece la expresividad del habla, lo utilizan los poetas en el ritmo y la rima de los poemas.
- Aliteración - de Esta técnica es la repetición de consonantes en texto literario crear alguna imagen sonora para hacer que el discurso poético sea más expresivo.
- Onomatopeya - transmisión en palabras especiales, que recuerda a los sonidos de los fenómenos del mundo circundante, impresiones auditivas.
Estas técnicas artísticas en poesía son muy comunes; sin ellas, el discurso poético no sería tan melódico.
Método en el sentido amplio de la palabra, su conexión con la creatividad.
Todos los grandes escritores son originales y sus palabras son únicas. Pero al mismo tiempo, a menudo se acercan entre sí no sólo ideológicamente, sino también en los principios más generales de representar la vida. Este tipo de cercanía se encuentra fácilmente entre Shelley y Byron, Dickens y Thackeray, entre Nekrasov y Shchedrin, Bryusov y Blok. Están cerca unos de otros e ideológicamente (una mirada muy crítica a sociedad moderna, protegiendo los intereses de las personas), y estéticamente (formas similares de construir una imagen). La comunidad ideológica y estética característica de varios escritores y expresada directamente en su obra se denomina método artístico.
La “metodología” característica de varios artistas sólo puede juzgarse por los resultados de su trabajo creativo. Sólo a través de un análisis comparativo de muchas obras de realistas críticos se pueden notar esas características similares que permiten reunir las obras de Balzac, Turgenev, L. Tolstoi, para ver algo en común en sus aspiraciones ideológicas y principios creativos.
Cabe destacar que el método no es un conjunto de leyes y reglas congeladas. No existe en abstracto, sino que, al estar históricamente condicionado, vive en la creatividad misma, nace y se perfecciona en el proceso de comprensión artística de la realidad. El realismo crítico no fue formulado por nadie cuando encontró su carne artística en las obras de Pushkin y Gogol. Un enfoque realista para representar la vida abrió su camino en la lucha contra el dogma racionalista del clasicismo, contra el didactismo de la Ilustración y contra la sensibilidad abstracta de los sentimentales. Con cada década que pasaba, entró cada vez más profundamente en la conciencia de los escritores avanzados y sólo entonces recibió una justificación teórica en la estética de Belinsky.
Exactamente de la misma manera, el realismo socialista fue propuesto por la vida misma. Encarnado por primera vez en las obras de M. Gorky, vivió y se desarrolló en las obras de los escritores del período posterior a octubre (Mayakovsky, Furmanov, Gladkov, Fadeev, Sholokhov, etc.), y no fue teóricamente “legalizado” hasta 1934.
Es imposible ver en el método una categoría que "habita" en algún lugar por encima de la literatura y el arte en forma de disposiciones teóricamente pulidas de una vez por todas, una vez estudiadas y dominadas, el escritor adquiere un don mágico para crear cosas perfectas. valores artísticos. El método no está desarrollado de antemano, y mucho menos decretado desde arriba, como lo pregonan sus detractores. realismo socialista. Surge en la propia práctica artística y se desarrolla junto con el desarrollo de la literatura y la sociedad. Su enriquecimiento se debe a que la vida plantea constantemente a los escritores nuevas tareas y les obliga a buscar las mejores soluciones artísticas.
La cosmovisión y el pensamiento artístico son componentes del método.
El método consta de dos componentes: las creencias ideológicas del autor y su pensamiento artístico. Además, cada uno de ellos tiene, por así decirlo, su propia esfera de influencia, se manifiesta de diferentes maneras en la creatividad, aunque, en última instancia, actúan en proceso creativo coherentemente, en su conjunto. El pensamiento artístico, expresado en la capacidad del escritor para pensar en imágenes, se refleja principalmente en la creación de una forma artística. Las opiniones ideológicas del autor se revelan más en el contenido de la obra, pero también tienen una fuerte influencia en su construcción.
La cosmovisión es la base del método. Sirve de brújula al artista en su obra, dándole la oportunidad de comprender la realidad y sus complejos procesos. Pero al mismo tiempo, el factor ideológico, por grande que sea su importancia, no cubre todos los aspectos de la actividad artística. lo mas profundo plan ideologico no se convertirá en un fenómeno del arte si no consigue su decoración. Si la ideología, en sentido figurado, constituye el alma de una obra, entonces el pensamiento artístico forma su carne, sus rasgos visibles y tangibles.
Todos los verdaderos artistas se enfrentan a la realidad. Pero resuelven el problema de su desarrollo artístico de diferentes formas. Algunos de ellos se esfuerzan por capturar la apariencia objetiva de la persona representada, otros, por expresar su actitud hacia él. Esto es fácil de ver si se compara la primera estrofa del séptimo capítulo de "Eugene Onegin" ("Impulsado por los rayos primaverales...") con el poema "Sentimiento primaveral" de Zhukovsky (1816). A. S. Pushkin creó una imagen objetiva del despertar de la naturaleza primaveral: bosques aún transparentes, como cubiertos de pelusa verde, valles secándose y vistiendo sus coloridos atuendos, rebaños susurrando, una abeja volando desde una “celda de cera” para recoger el “tributo del campo”. ”, etc. Pushkin no expresa abiertamente sus experiencias “primaverales”; su yo lírico parece haberse disuelto en el tejido artístico de la obra.
V. A. Zhukovsky toma un camino completamente diferente. Para él, lo principal es expresar el estado de ánimo que genera la primavera. En esencia, su poema no tiene ningún carácter pintoresco externo; todo tiene como objetivo revelar el mundo interior del autor. Este es un paisaje no de la naturaleza, sino del alma.
Brisa ligera, ligera, ¿por qué sopla tan dulcemente? ¿Por qué estás jugando, por qué estás iluminando, Corriente encantada? ¿De qué está llena el alma otra vez? ¿Qué ha vuelto a despertar en ella? ¿Qué ha vuelto a ella contigo, Primavera Migratoria?
El primer tipo de pensamiento artístico, característico de Pushkin y de todos los escritores realistas, es objetivo en esencia y suele denominarse realista; el segundo tipo, manifestado en la poesía de Zhukovsky y otros románticos, se caracteriza por la absorción de lo objetivo por lo subjetivo y se le llama convencionalmente romántico.
El punto de partida para dilucidar la naturaleza epistemológica de varios tipos de pensamiento artístico es la teoría de la reflexión de Lenin: proporciona la clave para revelar los rasgos de una descripción realista o romántica de la vida; El conocimiento artístico es contradictorio en esencia. Si bien absorbe las características de la “realidad objetiva”, también incluye tendencias a “alejarse” de la realidad. Una imagen artística contiene elementos tanto objetivos como subjetivos. En él se encarna no sólo la verdad objetiva, la lógica de la vida, sino también las opiniones subjetivas del escritor, su percepción de ciertos fenómenos de la vida.
Tipos de pensamiento realistas y románticos.
Un realista centra su trabajo en la vida real. Al representar la sociedad, explora profundamente las relaciones sociales de las personas. Sus generalizaciones son el resultado del estudio de un determinado entorno social. El arte realista es objetivo en su esencia y tiene una enorme importancia educativa. Las obras de un realista revelan con sinceridad personajes humanos generados por circunstancias sociales e históricas y actúan como "documentos de la época". Estos principios objetivos de descripción de la realidad unen a todos los escritores de orientación realista: son característicos de Cervantes, Fielding, Gogol y Sholokhov.
Los románticos, en sus manifiestos estéticos y discursos programáticos, enfatizan la naturaleza subjetiva del arte, defienden el derecho del "genio" a manejar libremente el material de la vida, violar sus proporciones objetivas, cambiar la vida de acuerdo con sus ideales. El acercamiento subjetivo a la realidad es el rasgo más característico del romanticismo, característico de todos los escritores románticos, independientemente de sus posiciones ideológicas. Se manifiesta en Novalis, los primeros Heine, Chateaubriand, Hugo, Shelley, Byron y los poetas decembristas rusos, a pesar de todas las diferencias en sus convicciones sociopolíticas.
En consecuencia, los tipos de pensamiento realista y romántico expresan dos facetas de un proceso esencialmente unificado de cognición artística y, por lo tanto, por regla general, se acompañan en la literatura. Es casi imposible encontrarlos en forma absolutamente pura, ya que la separación forzada conduce a la destrucción de la imagen artística (varias formas de modernismo pueden servir como ejemplo). Incluso el "realista" más objetivo es incapaz de reflejar la realidad con apática indiferencia, como un espejo, así como el "romántico" más subjetivo no puede escapar de la realidad objetiva: ésta, en un grado u otro, invade sus creaciones.
Sin embargo, en el arte realista y romántico la subjetividad vive vidas diferentes. En el realismo se manifiesta, en primer lugar, en presencia de un ideal estético, en esa forma de lucha por la belleza, sin la cual la genuina actividad artística imposible, y en segundo lugar, como la evaluación del autor de los fenómenos descritos. Los impulsos subjetivos del autor no violan aquí la lógica objetiva de la imagen. En el romanticismo, el principio subjetivo se expresa más ampliamente. Impregna todo el tejido de la obra, reflejado en los principios de generalización, en todos los elementos de la construcción de la forma artística (en la trama, la composición, los medios visuales, etc.).
El tipo de pensamiento artístico tiene estabilidad, pero dentro de él pensamiento artístico no se queda quieto. Su desarrollo está relacionado con las opiniones filosóficas y sociológicas del escritor. El hecho de que, por ejemplo, Homero o Sófocles estuvieran dominados por ideas mitológicas sobre el mundo afectó su representación de los personajes humanos. Sus personajes siguen siendo estáticos, desprovistos de inconsistencia interna. En las obras de Shakespeare, que liberó al hombre de la voluntad de los dioses, el panorama ya es diferente. Aquí el héroe se encuentra bajo la influencia de circunstancias reales y es responsable de su propio destino. Libra una lucha continua con la realidad que lo rodea, experimenta profundamente sus penas y alegrías. Su vida interior conmovedor, y esto le permite saturar el drama con un intenso psicologismo.
Del mismo modo, el pensamiento artístico de los escritores realistas de los siglos XVIII, XIX y XX lleva la huella de su época, pero en los principios de construcción de una imagen no se nota una diferencia significativa entre ellos. El desarrollo de la literatura se manifiesta no en la evolución de los tipos de pensamiento artístico, sino en la amplitud y profundidad de la reflexión de la vida, que está directamente relacionada con los cambios en la sociedad misma y la creciente comprensión de los escritores de las leyes del proceso social. El reconocimiento de la variabilidad de los tipos de pensamiento artístico conduce lógicamente a la negación de los rasgos tipológicos generales en el arte realista y romántico. diferentes eras y pueblos. Los realistas de diferentes épocas difieren significativamente entre sí en la naturaleza de sus puntos de vista ideológicos, pero aún están cerca entre sí en su visión realista del mundo. Si tal comunidad tipológica no existiera entre escritores de orientación realista, entonces la continuidad de las tradiciones se interrumpiría y sería imposible hablar de principios generales de conocimiento realista de la vida.
No se debe exagerar el papel del pensamiento artístico en el proceso creativo. Es sólo un requisito previo necesario, una condición necesaria para lograr la veracidad artística, pero no determina el grado de penetración del escritor en las profundidades de la vida, la amplitud de sus generalizaciones, todas esas cualidades que dan a la obra del escritor rasgos de grandeza. e inmortalidad. "Hablando de Shakespeare", escribió Belinsky, "sería extraño admirar su capacidad para presentar todo con asombrosa fidelidad y verdad, en lugar de sorprenderse del significado y el significado que su mente creativa da a las imágenes de su fantasía".
* (V. G. Belinsky. Escuela politécnica. recopilación soch., vol. 6, págs.)
Es bien sabido que escritores pertenecientes a un mismo tipo de pensamiento artístico y poseedores de igual talento; lograr diferentes resultados en su práctica creativa. Los mayores éxitos los logran quienes penetran más profundamente en los misterios de la vida y comprenden mejor la tendencia del desarrollo social.
Interacción del pensamiento artístico con la cosmovisión. Definición de método artístico
El pensamiento artístico se combina históricamente con diversas formas de ideología. Los románticos y los realistas, similares en su talento y enfoque creativo de la vida, pueden expresar las opiniones de diferentes clases de la sociedad. Por ejemplo, los ilustradores del siglo XVIII. - Diderot y Lessing - estaban asociados con la burguesía progresista, que actuó en la lucha contra el feudalismo en nombre del pueblo; L. Tolstoi reflejó los sentimientos del campesinado patriarcal; M. Gorky era portavoz de los intereses del proletariado, pero todos apoyaban principios realistas de representación de la realidad.
Un tipo de pensamiento artístico, combinado con diferentes visiones del mundo, puede formar varios métodos artísticos. Sobre la base del enfoque realista de la representación de la realidad surgieron como métodos separados el realismo renacentista, el realismo educativo, el realismo crítico y el realismo socialista. El pensamiento romántico dio origen no solo al romanticismo de finales del siglo XVIII y principios del XIX, sino también a diversas formas de arte decadente que se desarrollaron durante la era del imperialismo (simbolismo, acmeísmo, surrealismo, etc.).
El método artístico conlleva características estables (tipológicas) e históricamente cambiantes. Por ejemplo, el realismo crítico tiene características que lo hacen similar al realismo educativo y socialista; esto es, ante todo, principios generales construyendo una imagen, pero al mismo tiempo se diferencia significativamente de ellos en su orientación ideológica. Si los realistas críticos persiguen objetivos críticos y acusatorios con su trabajo, entonces los educadores y escritores de mentalidad socialista consideran la realidad desde el punto de vista de la ideología educativa y socialista.
Las transiciones de un método a otro dentro del tipo de pensamiento realista constituyen la historia del realismo que, teniendo en cuenta los principios comunes de representación de la vida, característicos de los realistas. diferentes eras, se centra en la originalidad ideológica y estética de su trabajo, en las cosas nuevas que aportaron al arte, en formas realistas de luchar por la realización de los ideales humanos.
El método artístico es una de las categorías más importantes de la estética. De ahí la gran atención que le prestaron filósofos y eruditos literarios. La esencia de la metodología artística se ilumina en muchos trabajos de investigadores soviéticos. A menudo hay imprecisiones en la interpretación de esta cuestión. Hay dos principales: algunos teóricos reducen el método a una forma de reproducción artística de la vida, otros lo identifican con la posición de cosmovisión del escritor.
El método artístico es una categoría estética y profundamente significativa. No puede reducirse ni a métodos formales de construcción de una imagen ni a la ideología del escritor. Representa un conjunto de principios ideológicos y artísticos para representar la realidad a la luz de un determinado ideal estético. La cosmovisión entra orgánicamente en el método cuando se fusiona con el talento del artista, con su pensamiento poético, y no existe en la obra sólo como una tendencia sociopolítica.
Dirección literaria, movimiento, escuela.
Los escritores que están relacionados en el método de su creatividad no siempre son realmente conscientes de su cercanía. Muchos de ellos crearon con cierto grado de inconsciencia, sin ser conscientes de sus actitudes creativas. Sólo en una etapa posterior del desarrollo histórico, cuando la teoría estética logró un gran éxito, comenzaron a crearse movimientos literarios que unieron a grupos de escritores similares en el tipo de pensamiento artístico, pero no siempre coincidentes en sus puntos de vista ideológicos. Así, por ejemplo, el romanticismo de finales del siglo XVIII y primer cuarto del siglo XIX. Extremadamente contradictorio en su naturaleza ideológica, unió a escritores que eran diferentes en sus puntos de vista sociales, pero que sin embargo estaban relacionados en sus aspiraciones estéticas. Los románticos (tanto progresistas como conservadores), ya sea contra la imitación de modelos extranjeros, defendieron los principios del arte original. Todos ellos afirmaron el papel principal del "genio", la inspiración y la fantasía en el proceso creativo, y lucharon contra el dogma racionalista y la estética normativa de los clasicistas.
Podemos hablar de dirección donde los escritores se dan cuenta. fundamentos teóricos sus actividades, proclamarlo en sus manifiestos, programar discursos y defenderlos en la lucha contra los partidarios de otras convicciones estéticas. Hubo realistas, por ejemplo, tanto en la Edad Media (autores de fabliaux, Schwanks, cuentos, etc.) como en el Renacimiento (Boccaccio, Rabelais, Cervantes, Shakespeare, etc.), pero el realismo como dirección comenzó a surgir por primera vez. tomar forma en la Ilustración. literatura XVIII siglo, cuando los principios del arte realista se formularon en las obras de Diderot, Lessing y otros educadores. De la misma manera, los románticos siempre han existido, pero el romanticismo con su programa, ambos lemas, no se formó hasta finales de los siglos XVIII y XIX.
En determinadas circunstancias, en el marco de un movimiento literario, a menudo se forman grupos de escritores, relacionados tanto en puntos de vista estéticos como sociopolíticos. Esta comunidad ideológica y estética suele denominarse movimiento literario. Así, por ejemplo, en el romanticismo francés estaban, por un lado, V. Hugo, J. Sand, que defendían posiciones progresistas, y por el otro, Chateaubriand, Vigny, Lamartine, que se adherían a convicciones políticas conservadoras. Este tipo de diferenciación se puede hacer en la literatura romántica de cualquier país.
Entre representantes de diferentes movimientos dentro de la misma dirección suele haber una lucha que involucra no cuestiones estrechas de poética y estilística, sino problemas fundamentales de estética, relacionados principalmente con el contenido del arte, sus ideales y su propósito social. Son bien conocidas las actuaciones de los poetas decembristas, que lucharon por el arte de las elevadas ideas y sentimientos cívicos, contra la poesía elegíaca de Zhukovsky, o la lucha de Byron y Shelley contra Coleridge y especialmente Southey.
Un movimiento literario, que incluye a los seguidores creativos más cercanos de un escritor destacado, suele denominarse escuela literaria. Sus representantes tienen ideas afines en todos los temas importantes. creatividad artística. Tal unidad de puntos de vista sobre las tareas del arte se distinguió, por ejemplo, por los partidarios de la "escuela natural" (Turgenev, Panaev, Grigorovich, V. Sollogub, etc.), un movimiento realista que surgió en Rusia en los años 40 del siglo pasado. Siglo XIX. Desarrollando las tradiciones de su maestro Gogol, lucharon por la orientación crítica de la literatura, por su democratización, por investigación artística relaciones públicas, para la representación de una persona, que además representa la “masa”, en unidad con el entorno social.
Las obras literarias que surgieron sobre la base del mismo tipo de pensamiento artístico, en la misma o incluso diferente atmósfera ideológica, contienen una serie de características comunes que se manifiestan en los principios de la creación de una forma artística. Esta comunidad estética se llama estilo.
Estilo en el sentido amplio de la palabra.
Es bien sabido que las obras de Byron y Shelley, por un lado, y Wordsworth y el sentido de la palabra Coleridge, por el otro, difieren significativamente entre sí en su orientación ideológica, el contenido de sus ideales sociales y estéticos. Pero al mismo tiempo tienen algo en común, que se hace sentir en modos similares de construcción de imágenes, en la similitud del lenguaje poético, etc.
Byron, Shelley y los poetas de la “Escuela del Lago” están unidos por un tipo de pensamiento artístico que se revela específicamente en la conocida unidad estilística de estos románticos con diferentes visiones del mundo. El estilo es una expresión de la cercanía de los escritores en sus aspiraciones artísticas, a menudo alejados unos de otros en sus posiciones ideológicas. Es la similitud estilística la que nos permite hablar del romanticismo como un determinado fenómeno tipológico.
¿Cómo se manifiesta exactamente esta similitud estilística? No es típico que un romántico se esfuerce por crear objetivamente, de acuerdo con las cualidades internas de los fenómenos representados. Para él, algo más es mucho más importante: expresar al mundo sus sentimientos e ideales subjetivos.
En las obras de escritores de carácter romántico no hay una descripción objetiva del personaje. Una imagen romántica siempre está estrechamente fusionada con el alma del autor y lleva la huella de su percepción personal de la vida. Los colores subjetivos también son artes visuales en la literatura romántica: metáforas, comparaciones, epítetos, etc.
El pensamiento artístico de los románticos se caracteriza por una tendencia a los contrastes, a representar héroes excepcionales con pasiones inusualmente fuertes y que actúan en circunstancias de vida inusuales. El estilo romántico está repleto de símbolos, alogismos, hipérboles y otras formas convencionales de imaginería poética.
Del mismo modo, los realistas, a pesar de todas sus diferencias individuales tienen mucho en común en su trabajo. Todos ellos representan a una persona no en abstracto, sino en unidad con el entorno social, considerándola como producto de determinadas circunstancias sociales. Sus héroes no son portavoces de ideas, sino individuos humanos, con su propio comportamiento, su propia apariencia, sus propios hábitos, su propio andar, su propio lenguaje, etc. Los acontecimientos en las obras realistas no se desarrollan según un patrón preconcebido, suceden como suceden en la realidad: sin querer, a menudo por accidente. Las acciones de los personajes aquí están motivadas objetivamente, explicadas por la lógica del desarrollo del carácter y las condiciones de vida.
Método individual y estilo individual.
Las palabras "método" y "estilo", además de su significado amplio, que se discutió anteriormente, también tienen un significado más restringido, que expresa la originalidad de la cosmovisión y el pensamiento artístico de un autor en particular. Es bien sabido que Pushkin, Turgenev, L. Tolstoi, como representantes del método del realismo crítico y del estilo realista, no sólo tienen puntos en común. Al mismo tiempo, se diferencian significativamente entre sí y son personalidades artísticas únicas. ¿Cuál es la diferencia entre método y estilo en su sentido amplio y estricto? Al identificar los puntos en común "metodológicos" y estilísticos inherentes a varios escritores, ya sean realistas o románticos, sólo se tiene en cuenta el tipo de su cosmovisión y su tipo de pensamiento. Y esto es bastante natural, ya que si la generalización capta sus características individuales, entonces no se puede hablar de ninguna similitud tipológica entre ellos. Cuando A. S. Pushkin, I. S. Turgenev y L. N. Tolstoi se reúnen bajo un mismo “techo metodológico”, sólo se tienen en cuenta los rasgos típicos de su ideología y de los principios de representación de la realidad. Todo lo individual en su creatividad se omite, ya que conduce a su separación y no a la unificación.
Para realistas críticos de los siglos XIX y XX. Se caracteriza por una aguda mirada crítica a la sociedad contemporánea, la simpatía por el pueblo y la altura del ideal moral y estético. Como artistas de la palabra, crean sus obras basadas en la vida, revelando profunda y objetivamente conexiones extremadamente complejas una persona con un entorno social. Éstos son los rasgos típicos de la cosmovisión y del pensamiento artístico de los escritores que nos permiten clasificarlos como maestros del método del realismo crítico.
Sin embargo, cada uno de los realistas críticos también tiene su propia y única visión del mundo, en cuestiones sociales, morales, etc. Del mismo modo, cada uno de ellos, aunque mantiene una comunidad tipológica, es muy original en la reproducción de la realidad.
A.S. Pushkin, exponiendo a la "nobleza salvaje", creía en el progresismo de la nobleza ilustrada, que, en su opinión, estaba llamada a liderar la lucha del pueblo por su emancipación. Pushkin cree firmemente en el poder de la razón, el ejemplo moral y las palabras. Es un exponente característico de las ideas de los nobles revolucionarios.
I. S. Turgenev está cerca de Pushkin tanto en su negación de la servidumbre como en su reconocimiento del papel civilizador de las personas avanzadas de la nobleza. En gran medida conserva una visión brillante de la vida, del futuro de Rusia y cree en el papel transformador de la belleza y los principios morales. Pero al mismo tiempo, la visión del mundo de Turgenev, especialmente en sus últimos años, se complica por pensamientos ansiosos sobre el trágico destino del hombre, de todos los seres vivos de la tierra.
L.N. Tolstoi es el crítico más despiadado del sistema feudal y burgués. Habiendo pasado a la posición del campesinado patriarcal, arranca “todas y cada una de las máscaras” de su sociedad contemporánea, rechazando la cultura de los amos, la iglesia oficial y las instituciones legales. Sin embargo, la crítica de Tolstoi se ve debilitada por la idea de la no resistencia al mal mediante la violencia y por la incredulidad en la fecundidad de los métodos revolucionarios para cambiar la vida.
Del mismo modo, en la representación artística de la realidad existen diferencias significativas entre Pushkin, Turgenev y L. Tolstoi. Se sabe que los "Cuentos de Belkin" le parecieron "desnudos" a Tolstoi, no lo suficientemente complejos psicológicamente. Turgenev, a su vez, no aceptó el psicologismo de Tolstoi, su deseo de estudiar el proceso psicológico (“dialéctica del alma”). El propio Turgenev reveló la psicología de sus héroes principalmente a través de acciones. Estos escritores no estaban de acuerdo en todo ni en cómo crear una imagen. Turgenev concentró los rasgos de muchas personas en un solo personaje. L. Tolstoi solía elegir como prototipo a una persona, la mayoría de las veces familiar para él. Muchos de sus héroes encarnan las búsquedas morales y las características del propio autor. Se podría continuar la comparación de Pushkin, Turgenev y L. Tolstoi para identificar la singularidad de sus puntos de vista y pensamiento artístico, porque las posiciones ideológicas y artísticas de estos escritores, a pesar de todos sus puntos en común tipológicos, son profundamente individuales y únicas.
Los artistas soviéticos en este caso no son una excepción. Se enfrentan entre sí sólo en el tipo de su cosmovisión y en los principios generales de representar la realidad dictados por el método artístico, divergiendo al mismo tiempo en su compromiso de representar las diversas esferas de la vida. Naturalmente, se diferencian entre sí. escritores soviéticos según las características y el grado del talento de cada uno, profundidad de comprensión procesos sociales y personajes humanos. Las diferencias de este tipo se explican por muchas razones (nivel de talento e ideología, conocimiento del mundo, estructura mental, etc.), pero el hecho mismo de su existencia está fuera de toda duda. ¿Es idéntica la obra de los prosistas Fadeev y Paustovsky, los poetas Mayakovsky, Tvardovsky, Mezhelaitis, los dramaturgos Pogodin, Arbuzov y Vishnevsky? Cada uno de ellos, siendo marxista-leninista, todavía tiene sus áreas favoritas de la vida, su propio ángulo de visión, lo que deja una huella en características artísticas sus obras.
Por tanto, la metodología individual de un escritor es un fenómeno más rico que un método en un sentido amplio. Al absorber la tipología de cosmovisión y pensamiento artístico inherente a los autores de un movimiento literario, al mismo tiempo incluye todo lo individual en su cosmovisión y forma de reproducir la vida. El método individual asegura polifonía y creatividad artística multicolor. Sin originalidad individual, la literatura y el arte serían tediosamente monótonos y eventualmente perderían su impacto emocional.
Los métodos individuales de nuestros escritores son la fuente de la multiplicidad del realismo socialista. Es en las peculiaridades de la cosmovisión y el reflejo de la vida, características de los realistas socialistas, donde se debe buscar la razón de las diferencias ideológicas y diversidad artística Arte realista de nuestros días. Es extremadamente diverso no sólo en forma, sino también en contenido. Sus obras no se repiten en absoluto, como dicen los detractores de la cultura socialista en el extranjero.
En consecuencia, el método individual se basa en toda la riqueza de la cosmovisión del escritor, que, junto con las características tipológicas, contiene una serie de características individualmente únicas. La certeza tipológica estable inherente a las opiniones de tal o cual autor se expresa precisamente en el estilo de su obra. Al analizar el estilo, la atención del investigador no está en la plataforma ideológica del artista, ni en el contenido de sus ideales, sino sólo en el principio mismo de su enfoque para resolver ciertos problemas sociales y estéticos *.
* (Para obtener más detalles sobre esto, consulte el trabajo de A. N. Sokolov "Teoría del estilo" (M., 1968, p. 105, etc.))
El estilo es una expresión artística de un tipo de cosmovisión, que se manifiesta en la forma de construir una imagen, todos elementos de una forma artística. La "caligrafía" estilística no está determinada por el talento de la interpretación, sino por el punto de vista especial desde el cual el escritor ve los problemas sociales y estéticos. Con razón hablan, por ejemplo, de un tipo de composición realista o romántica, de una composición realista o personaje romantico uno u otro género (novela, poema, cuento, etc.), lenguaje poético, etc. El estilo indica mediante qué principio (realista, romántico) se crea una forma de arte, pero no refleja en absoluto su orientación ideológica: qué propósitos sirve? Todas estas cuestiones están directamente bajo la jurisdicción del método, cuya base son las opiniones del escritor, consideradas en toda la riqueza de sus características individualmente únicas y tipológicas.
Estilo de la obra
La visión del mundo del escritor suele ser muy compleja y, a menudo, contradictoria. Al ser, por ejemplo, realista en su esencia, puede incluir elementos románticos y, a la inversa, pueden estar presentes tendencias realistas en las opiniones románticas. En este sentido, en la obra de un mismo escritor conviven obras que difieren en estilo. Por ejemplo, N.V. Gogol crea "Los terratenientes del Viejo Mundo" en un estilo realista y "Taras Bulba" en un sentido romántico. Ambos cuentos están incluidos en la misma colección. El primero niega la vulgar existencia de los “fumadores del cielo”; el segundo, en nombre de objetivos patrióticos más elevados, idealiza la vida de los cosacos libres que luchaban contra los señores polacos. Sin embargo, en este caso, ambas obras son fruto de una misma cosmovisión. La misma diversidad de estilos se encuentra en las obras de Turgenev, Dostoievski, Garshin y varios otros escritores. Escribieron cosas que no sólo eran realistas, sino también de contenido romántico. La cosmovisión romántica aparece claramente en "Tres Encuentros", "Fantasmas" de Turgenev, en "El sueño de un hombre divertido" de Dostoievski, en algunas de las historias de Garshin, etc. Sucede que incluso una obra contiene diferentes capas estilísticas: realista, donde la vida se representa como realmente es, y romántica, donde viven naturalezas románticas o los sueños del autor de “otro mundo” se hacen realidad. Muchas novelas y poemas románticos se basan en el principio de antítesis, por ejemplo, "El molinero de Anjibo" de J. Sand (el burgués del pueblo Bricolin, los soñadores románticos Marcel Blanchemony y Henri Lemore), etc. Pero todos se basan en el principio de antítesis. espíritu del concepto romántico de la realidad.
Por lo tanto, pueden existir varios estilos dentro de un método. Esto se explica por la naturaleza contradictoria de la visión del mundo del artista, las tareas que se propone en cada caso concreto, las peculiaridades de su estructura mental y otras razones.
método artístico- esta es una forma de dominar y mostrar el mundo, un conjunto de principios creativos básicos para el reflejo figurativo de la vida. Se puede hablar de método como la estructura del pensamiento artístico del escritor, que determina su acercamiento a la realidad y su reconstrucción a la luz de un determinado ideal estético. A través del método comprendemos aquellos principios creativos, gracias a lo cual el escritor reproduce la realidad: selección, evaluación, tipificación (generalización), encarnación artística personajes, fenómenos de la vida en refracción histórica. El método se manifiesta en la estructura de pensamientos y sentimientos de los personajes. obra literaria, en las motivaciones de su comportamiento, acciones, en la relación de personajes y eventos, de acuerdo camino de la vida, el destino de los personajes y las circunstancias sociohistóricas de la época.
El método artístico es un sistema de principios para la selección del material de la vida, su evaluación, principios y formas predominantes de generalización y replanteamiento artístico. Caracteriza un complejo de factores: ideológico holístico, evaluativo, individualmente único, actitud social el artista a la realidad, a las necesidades reflejadas consciente o espontáneamente, a las tradiciones ideológicas y artísticas. El método artístico determina en gran medida la especificidad de la imagen artística.
estilo artístico- Un sistema de medios e ideas lingüísticas característico de una determinada obra literaria, género, autor o movimiento literario (estilo de Gogol. Estilo romántico, en este estilo afecta la imaginación y los sentimientos del lector, transmite los pensamientos y sentimientos del lector). autor, utiliza toda la riqueza del vocabulario, las posibilidades de diferentes estilos, se caracteriza por la imaginería, la emotividad del habla. En una obra de arte, la palabra no solo transmite cierta información, sino que también sirve para tener un impacto estético en el lector. ayuda imagenes artisticas. Cuanto más brillante y veraz sea la imagen, más fuerte será su impacto en el lector. En sus obras, los escritores utilizan, cuando es necesario, no sólo palabras y formas. lenguaje literario, pero también dialectos obsoletos y palabras coloquiales. Los medios de expresión artística son variados y numerosos. Se trata de tropos: comparaciones, personificaciones, alegorías, metáforas, metonimia, sinécdoque, etc. Y figuras estilísticas: epíteto, hipérbole, litotes, anáfora, epífora, gradación, paralelismo, pregunta retórica, silencio, etc. Tropo(del griego antiguo τρόπος - volumen de negocios): en una obra de arte, palabras y expresiones utilizadas en sentido figurado para realzar las imágenes del lenguaje, la expresividad artística del habla.
dirección literaria Es un conjunto de principios espirituales y estéticos fundamentales de muchos escritores, así como de varios grupos y escuelas. Existen las siguientes tendencias literarias:
1. Barroco(port. perola barrocco - una perla de forma irregular).
Aparece con gris Siglos XVI-XVII en el arte de muchos países europeos (especialmente Italia y España). Sobre todo, se manifiesta en la forma de escribir o en una imagen pictórica. Se destacan las siguientes características importantes del Barroco:
vistosidad,
Pomposidad,
Decorativo,
Tendencia a la alegoría, alegorismo,
Metáforas complejas
Una combinación de cómico y trágico.
Abundancia de decoraciones estilísticas en el discurso artístico.
Un destacado representante del barroco fue P. Calderón. En Rusia, las características de este estilo aparecieron en la poesía de S. Polotsky, S. Medvedev, K. Istomin. Las principales obras del Barroco: E. Tesauro “El catalejo de Aristóteles”, B. Gracián “El ingenio o el arte de una mente sofisticada”.
2.Clasicismo-(Latín classicus - ejemplar) movimiento literario que se desarrolló en literatura europea Siglo XVII, que se basa (según S.P. Belokurova (3)):
1. Reconocimiento del arte antiguo como máximo ejemplo, ideal y de las obras de la antigüedad como norma artística.
2. El principio de racionalismo e “imitación de la naturaleza”.
3. Culto a la razón.
4. Apelación activa a las cuestiones sociales y civiles.
5. Enfatizó la objetividad de la narrativa.
6. Estricta jerarquía de géneros
3.Sentimentalismo- (del sentimiento francés - sentimiento, sensibilidad) - movimiento literario de la segunda mitad del siglo XVIII. - comienzo siglo XIX (3). Los principales géneros son novela sentimental, cuento, diario, viajes, carta, elegía, mensaje.
En las obras de esta dirección, la personalidad humana fue interpretada como receptiva, capaz de compasión, humana, amable, poseedora de un alto principios morales. Los mayores representantes de la literatura europea son L. Stern ("Viaje sentimental por Francia e Italia"), J.-J. Rousseau ("Julia o la nueva Eloísa"), S. Richardson ("Ppamela o la virtud recompensada", "Clarissa o la historia de una joven"), I.-V. Goethe (“Las penas del joven Werther”) y otros; en la literatura rusa de la segunda mitad del siglo XVIII. -M.N. Muravyov, N.M. Karamzin, V.V. Kapnist, N.A. Lvov, A.N. Radishchev, principios de V.A. Zhukovski.
Con su propia sílaba en un tono importante, solía ser que un creador ardiente nos mostraba a su héroe como modelo de perfección.
("Eugene Onegin" Capítulo 3 Estrofa 11)
4. Romanticismo(del francés romano - una obra en lenguas romances). El romanticismo se remonta al primer tercio del siglo XIX. Alemania se convirtió en la cuna del romanticismo (hermanos F. y A. Schlegel, L. Tieck, Novalis). El romanticismo se caracteriza por “la atención al individuo como ser espiritual, poseedor de un mundo interior soberano, independiente de las condiciones de existencia y circunstancias históricas” (1).
5. Realismo- "(del latín realis - material) - un método artístico en la literatura y el arte, tras el cual el escritor representa la vida de acuerdo con realidad objetiva"(3). El foco del realismo son los hechos, los acontecimientos, las personas y las cosas, los patrones que operan en la vida, la relación entre el hombre y el medio ambiente, el héroe y la época en la que vive. El escritor no rompe con la realidad. , selecciona los rasgos inherentes a la vida y así enriquece al lector con el conocimiento de la vida.
6. Simbolismo"- (fr. simbolismo< от греч. symbolon - знак, опознавательная примета) - явление художественной культуры последней tercios del XIX- comienzo siglo XX, que se opuso al realismo e hizo de la base de su sistema artístico el concepto filosófico de la incognoscibilidad fundamental del mundo y del hombre por medio de experiencia científica, análisis lógico y representación realista" (3). Como señaló D.S. Merezhkovsky, los tres elementos principales del simbolismo son contenido místico, símbolos, expansión de la impresionabilidad artística.
7. Modernismo- (del francés moderne - moderno, más nuevo). El modernismo se caracteriza por el “antihistoricismo del pensamiento (la historia es reemplazada por un cierto modelo del mundo en el que nada cambia, por la mitificación del pasado, presente y futuro), el interés por el hombre en general, y no por el hombre como producto de su época (la situación histórica específica en las obras del modernismo no tiene significado, porque “una persona, como un caballo, siempre camina con los ojos cerrados en los mismos círculos” (D. Joyce)), falta de tipificación social .”
8. posmodernismo(del francés post - after y moderne - moderno, más nuevo) - una dirección en la literatura del siglo XX. Esta dirección se caracteriza por la percepción del mundo como caos, la manifestación del inconsciente, la casualidad en el comportamiento de los personajes, la abundancia de ironía (ironía) y parodia. Una característica de las obras posmodernistas es que a menudo consisten en palabras y situaciones que el autor presenta al lector en una parodia. Por ejemplo, estos incluyen las obras de V. Pelevin y D. Prigov.
Un movimiento literario es un conjunto de individuos creativos que se caracterizan por una afinidad ideológica y artística y una unidad programática y estética. En pocas palabras, un movimiento literario es un tipo de movimiento literario. Por ejemplo, en el romanticismo ruso existen movimientos como el “filosófico”, el “psicológico” y el “civil”, y en el realismo ruso algunos distinguen entre movimientos “psicológicos” y “sociológicos”, etc. etc...
Desde el punto de vista de la comprensión literaria.“El estilo es un sistema de medios de expresión y encarnación verbal y estética, cerrado y delineado individualmente. realidad artística. Una definición literaria amplia del estilo de un artista como “las principales características ideológicas y artísticas inherentes a su obra (posiciones ideológicas, variedad de personajes y tramas, originalidad del lenguaje). Según G.N. Pospelov, el estilo incluye tres elementos principales: el lenguaje”. , composición, detalles del tema figurativo. El lenguaje es el elemento de estilo más obvio y tangible. Esto incluye ritmo, entonación, vocabulario y tropos. . Desde el punto de vista de la comprensión lingüística: El estilo es una variedad de lengua, asignada en una sociedad determinada por tradición a una de las esferas más generales de la vida social y se diferencia parcialmente de otras variedades de la misma lengua en todos los parámetros básicos: vocabulario, gramática, fonética;
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El método artístico (literalmente “methodos” del griego - el camino de la investigación) es un conjunto de los principios más generales del desarrollo estético de la realidad, que se repite constantemente en la obra de uno u otro grupo de escritores, formando una dirección. , tendencia o escuela. Existen dificultades objetivas para aislar el método. “El método artístico es una categoría estética y profundamente significativa. No puede reducirse ni a métodos formales de construcción de una imagen ni a la ideología del escritor. Representa un conjunto de principios ideológicos y artísticos para representar la realidad a la luz de un determinado ideal estético. La cosmovisión entra orgánicamente en el método cuando se fusiona con el talento del artista, con su pensamiento poético, y no existe en la obra sólo como una tendencia sociopolítica” (N.A. Gulyaev). El método no es sólo un sistema de algunas opiniones, al menos las más estéticas. De manera muy convencional, podemos hablar de un método como una visión, pero no abstracta, inicial, sino que ya se ha encontrado en un determinado material de un arte determinado. Se trata de un pensamiento artístico o concepto artístico de estos fenómenos en relación con el concepto general de vida. El método es una categoría principalmente de la creatividad artística y, por tanto, de la conciencia artística. El método es un método de reflexión implementado consistentemente, que presupone la unidad de la recreación artística del material de la realidad, realizada en la unidad de la visión imaginativa de la vida, subordinada a los objetivos de revelar y comprender las tendencias principales de la época del escritor. vida y la encarnación de sus ideales sociales.
La categoría de método está relacionada con la categoría de tipo de creatividad, por un lado, y la categoría de estilo, por el otro. Ya en el siglo V a.C. mi. Sófocles esbozó aforísticamente dos tipos opuestos de pensamiento artístico: "Él (Eurípides) describe a las personas como realmente son y a mí como deberían ser". Bajo estilo Por lo general, se entiende como la singularidad individual de la escritura creativa, el conjunto de técnicas preferidas, la unidad de los rasgos individuales y típicos de la creatividad común a muchos individuos. Los factores formadores de estilo más activos en la estructura artística de una obra se relacionan con el plano de expresión. Pero al mismo tiempo, el estilo es también “una unidad completa y directamente percibida de diferentes aspectos y elementos de una obra, correspondiente al contenido expresado en ella” (G.N. Pospelov). La diferencia entre el estilo y otras categorías de poética, en particular del método artístico, está en su implementación concreta inmediata: los rasgos estilísticos parecen aparecer en la superficie de la obra como una unidad visible y tangible de todos los aspectos principales de la forma artística. .
El estilo “absorbe el contenido y la forma del arte sin dejar rastro, une y guía todo en una obra, desde la palabra hasta el pensamiento central” (Benedetto Croce). El enfoque lingüístico del estilo supone que el principal objeto de estudio es el lenguaje, el lenguaje como primera y claramente distinguible apariencia y materialidad de una obra literaria. Esto significa que las leyes lingüísticas internas pasan a primer plano. El estilo, el tejido artístico se considera como una combinación de diferentes estilos que existen además de él en el lenguaje y los predeterminados: clerical-burocrático, epistolar, arcaico, empresarial, estilo de presentación científica, etc. Pero este enfoque no explica el cambio de estilos literarios. Además, el estilo de una obra de arte no puede reducirse a una combinación mecánica. El estilo es una comunidad estable de sistema figurativo, medio de expresión artística, que caracteriza la originalidad de la obra de un escritor, una obra individual, un movimiento literario o la literatura nacional. El estilo en un sentido amplio es un principio transversal de construir una forma artística, dando a la obra una integridad tangible, un tono y color uniformes.
¿Cuáles son los mecanismos de formación de estilos? D.S. Likhachev parte del hecho ("El hombre en la literatura de la antigua Rusia") que el estilo artístico combina tanto la percepción general de la realidad característica del escritor como el método artístico del escritor, determinado por las tareas que se propone. Es decir, el estilo no es lo que el escritor eligió en su obra, sino cómo lo expresó, desde qué ángulo.
Es imposible explicar el estilo sin considerar su conexión con el método artístico. El concepto de método artístico expresa el hecho de que la realidad histórica determina no sólo el contenido del arte, sino también sus leyes estéticas más íntimas. El método creativo resume estéticamente la actitud práctica de las personas hacia sus tareas históricas y su comprensión de la vida, y crea esa relación especial entre ideales y realidad que determina la estructura de las imágenes artísticas. Así, la visión mitológica de la naturaleza y las relaciones sociales subyace a la fantasía y al arte griegos. El método creativo del arte clásico requería que el artista adivinara lo perfecto en lo imperfecto, para que mostrara realizada toda la plenitud armoniosa de las posibilidades del espíritu humano. El método creativo del arte clásico indicaba al artista un ángulo más o menos constante de elevación obligatoria de la imagen sobre la realidad, una dirección más o menos establecida en la expresión artística de un fenómeno de la vida. Así, dio el inicio del estilo. La relación entre ideal y realidad, inherente al arte clásico, resultó ser la clave para comprender el estilo clásico con su claridad y transparencia, normatividad, belleza, orden estricto, con su inherente equilibrio armonioso de las partes y la paz de la plenitud interna, la conexión obvia de forma y función, la importancia primordial del ritmo, con su laconismo ingenuo y su sorprendente sentido de la proporción.
El estilo es un patrón en la construcción, conexión y similitud de formas, que permite que estas formas expresen no sólo el contenido particular de una obra determinada, sino también reproducir los signos más generales de la relación del hombre con la naturaleza y la sociedad. El estilo es el carácter general de la expresividad de diversas formas. El estilo es una conexión de formas que revela la unidad del contenido artístico (estilo gótico, estilo barroco, estilo falso clásico, estilo rococó, etc.). Hay grandes estilos, los llamados estilos de la época (renacentista, barroco, clasicismo), estilos de diversas direcciones y tendencias y estilos personalizados artistas.
El estilo era un palo de escribir puntiagudo con una bola en el otro extremo, que se usaba para borrar lo escrito. De ahí el eslogan: "¡Cambia tu estilo más a menudo!"
“El estilo es una persona” (J. Buffon).
“El estilo embalsama una obra literaria” (A. Daudet).
“El estilo se puede definir de la siguiente manera: las palabras apropiadas en el lugar apropiado” (J. Swift).
“El estilo es la cara de la mente, menos engañosa que la cara real. Imitar el estilo de otra persona es como llevar una máscara. La pomposidad del estilo es como hacer una mueca” (A. Schopenhauer).
La propia relación entre método y estilo resulta diferente en las diferentes etapas del desarrollo artístico. Como regla general, en los primeros períodos del desarrollo del arte, el estilo era unificado, integral, estrictamente subordinado a normas religiosas y dogmáticas, con el desarrollo de la sensibilidad estética, la necesidad de que cada época tuviera un estilo singular (el estilo de; la época, el código estético de la cultura) se debilita notablemente.
En el arte prerrealista observamos el predominio de un estilo general, y en el arte realista observamos el predominio de estilos individuales. En el primer caso, el método parece fusionarse con un determinado estilo, y en el segundo, cuanto más abundantes y diferentes son los estilos que crecen sobre su base, más plenamente se implementa. En el primer caso, el método aporta uniformidad; en el segundo, variedad de estilos. El predominio del estilo general corresponde al contenido artístico relativamente simple. En la sociedad antigua, las relaciones entre las personas todavía eran claras y transparentes. Los mismos motivos y temas mitológicos se repiten en todo tipo de arte. El alcance del contenido artístico sigue siendo bastante limitado. La diferencia de puntos de vista personales encaja dentro de los límites de una única tradición estética. Todo ello conduce a la unificación de contenidos artísticos, lo que determinó la formación de un estilo común.
El predominio de un estilo general está decisivamente relacionado con el predominio de la idealización como método de generalización artística y el predominio de estilos individuales con la tipificación. La idealización conecta más fácilmente fenómenos heterogéneos en un solo estilo. En el arte clásico la forma es inevitablemente más coherente, rígida y estable que en una imagen realista. El estilo general subordina la individualidad del artista. Sólo aquellos talentos personales que cumplen con los requisitos del estilo general tienen alcance y pueden desarrollarse. Así, al discutir el estilo general de la literatura rusa antigua, D.S. Likhachev escribe que los rasgos del colectivismo popular todavía están vivos en la literatura rusa antigua. Esta es una literatura en la que el elemento personal está silenciado. Muchas obras incorporan obras anteriores y siguen tradiciones de etiqueta literaria creadas por varios autores, que posteriormente fueron corregidas y complementadas mediante correspondencia. Gracias a esta característica, la literatura de la antigua Rusia contiene un principio épico monumental. Esta monumentalidad se ve reforzada por el hecho de que las obras en la antigua Rusia están dedicadas principalmente a temas históricos. Contienen menos ficción, imaginaria, diseñada para el entretenimiento y el entretenimiento. La seriedad de esta literatura se debe también a que sus principales obras son cívicas en el más alto sentido de la palabra. Los autores perciben sus escritos como un servicio a la Patria. Cuanto más elevados eran los ideales de los autores rusos antiguos, más difícil les resultaba aceptar las deficiencias de la realidad (monumentalismo histórico).
En el clasicismo de los siglos XVII y XVIII, la obligatoriedad del estilo general está respaldada por la autoridad establecida e indiscutible de la antigüedad, el reconocimiento de la importancia decisiva de sus imágenes artísticas como objetos de imitación. El autoritarismo religioso-mitológico es reemplazado por el autoritarismo estético (reglas). Es necesario considerar si una obra determinada pertenece al estilo general y luego descubrir aquellas modificaciones, enriquecimientos e innovaciones que dependen del estilo individual. El estilo general subyuga al artista y determina su gusto estético. El realismo cambia el tipo mismo de gusto estético e incluye su capacidad de desarrollarse de forma natural. El método realista está asociado a una nueva era en la que las relaciones entre las personas adquieren un aspecto extremadamente confuso.
En la era capitalista se desarrolla un complejo mecanismo de relaciones sociales, políticas e ideológicas, las cosas se personifican, las personas se cosifican. Las capacidades cognitivas del arte se están expandiendo. El análisis está profundamente arraigado en la descripción, el alcance del contenido artístico se amplía y se abre un área enorme de la prosa de la vida. El artista ya no trabaja con el proceso de la vida, que anteriormente fue reelaborado por la fantasía popular e incluía una evaluación colectiva de los fenómenos de la realidad. A partir de ahora, deberá encontrar de forma independiente una imagen de la realidad. Gracias a esto, incluso un pequeño cambio en el ángulo de visión, en la posición del observador, es suficiente para que el contenido artístico cambie dramática y significativamente. Anteriormente, este cambio condujo a la formación de matices personales dentro de los límites de un solo estilo; ahora se ha convertido en la base para el surgimiento de estilos individuales; De gran importancia es la diversidad de valoraciones, aspectos, visiones, enfoques y grados de actividad histórica entre los artistas. Actitud individual ante la realidad y formas individuales de expresión.
– Selección
Dirección de Arte – Calificación
– Generalización
– Encarnación artística
Clasicismo– estilo artístico y dirección estética en la literatura europea en el arte del siglo XVII – principios. Siglo XVIII, una de cuyas características importantes fue la apelación a las imágenes y formas de la literatura y el arte antiguos como estándar estético ideal. Como sistema artístico integral, el clasicismo se formó en Francia durante el período de fortalecimiento y florecimiento del absolutismo. El clasicismo recibe una expresión sistemática completa en “El arte poético” (1674) de N. Boileau, quien resume la experiencia artística de la literatura francesa del siglo XVII. La estética del clasicismo se basa en los principios del racionalismo, correspondientes a las ideas filosóficas del cartesianismo. Afirman la visión de una obra de arte como una creación artificial: creada conscientemente, organizada inteligentemente y construida lógicamente. Habiendo propuesto el principio de "imitación de la naturaleza", los clasicistas consideran que su condición indispensable es el estricto cumplimiento de las reglas inquebrantables del arte que se derivan de la poética antigua (Aristóteles, Horacio) y determinan las leyes de la forma artística, transformando la vida. material en una obra de arte hermosa, lógicamente armoniosa y clara.
La transformación artística de la naturaleza, la transformación de la naturaleza en bella y ennoblecida es al mismo tiempo un acto de su más alto conocimiento: el arte está llamado a revelar el modelo ideal del universo, a menudo oculto detrás del caos externo y el desorden de la realidad. La mente, al comprender el patrón ideal, actúa como un principio "arrogante" en relación con las características individuales y la diversidad viviente de la vida. La imagen clásica gravita hacia el modelo, es un espejo especial, donde el individuo se convierte en genérico, lo temporal en eterno, lo real en ideal, la historia en mito, es el triunfo de la razón y el orden sobre el caos y empíricos fluidos de la vida. Esto también correspondía a la función social y educativa del arte, a la que la estética del clasicismo concedía gran importancia.
La estética del clasicismo establece una estricta jerarquía de géneros, que se dividen en "altos" (tragedia, epopeya, oda, su ámbito es la vida pública, acontecimientos históricos, mitos, sus héroes: monarcas, generales, personajes mitológicos, devotos religiosos) y “bajo” (comedia, sátira, fábula), que describe la vida cotidiana privada de las personas de clase media. Cada género tiene límites estrictos y características formales claras; no se permite mezclar lo sublime y lo bajo, lo trágico y lo cómico, lo heroico y lo ordinario. El género principal del clasicismo fue la tragedia, dirigida a los problemas sociales y morales más importantes del siglo. Los conflictos sociales aparecen en él reflejados en el alma de los héroes, ante la necesidad de elegir entre el deber moral y las pasiones personales. En esta colisión surgió una polarización de la existencia humana pública y privada, que también determinó la estructura de la imagen.
Romanticismo – una de las tendencias más importantes de la literatura europea y americana de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX, que adquirió importancia y distribución mundial. El romanticismo fue el punto más alto del movimiento anti-Ilustración. Sus principales prerrequisitos socioideológicos son la decepción por los resultados de la Gran Revolución Francesa y por la civilización burguesa en general. El rechazo del estilo de vida burgués, la protesta contra la vulgaridad y la prosaicidad, la falta de espiritualidad y el egoísmo de las relaciones burguesas, que encontraron su expresión inicial en el sentimentalismo y el prerromanticismo, adquirieron una intensidad particular entre los románticos. La realidad de la historia resultó estar más allá del control de la "razón", irracional, llena de secretos y acontecimientos imprevistos, y el orden mundial moderno resultó ser hostil a la naturaleza humana y su libertad personal.
Incredulidad en el progreso social, industrial, político y científico, que trajo nuevos contrastes y antagonismos, así como “fragmentación”, nivelación y devastación espiritual del individuo, decepción en la sociedad, que fue presagiada, justificada y predicada por las mejores mentes (como el más “natural” y “razonable”) de Europa, creció gradualmente hasta convertirse en un pesimismo cósmico. Al adquirir un carácter universal, universal, estuvo acompañado de estados de ánimo de desesperanza, desesperación, “dolor mundial” (“la enfermedad del siglo”, inherente a los héroes de Chateaubriand, Musset, Byron). El tema del "mundo terrible" "que yace en el mal" (con su poder ciego de las relaciones materiales, la irracionalidad de los destinos, la melancolía de la eterna monotonía de la vida cotidiana) ha pasado por toda la historia de la literatura romántica, encarnado más claramente. en el “drama del rock”, en las obras de J. Byron, E. . Hoffman, E. Poe y otros. Al mismo tiempo, el romanticismo se caracteriza por un sentido de pertenencia a un mundo que se renueva y se desarrolla rápidamente, la inclusión en el flujo de la vida, en el proceso histórico mundial, un sentido de riqueza oculta y posibilidades ilimitadas de existencia. El "entusiasmo", basado en la fe en la omnipotencia del espíritu humano libre, una sed apasionada y omnipresente de renovación es uno de los rasgos característicos de la cosmovisión romántica (ver la obra de N.Ya. Berkovsky "Romanticismo en Alemania" sobre esto, págs. 25-26).
La profundidad y universalidad de la decepción en la realidad, en las posibilidades de la civilización y el progreso es el polo opuesto al anhelo romántico de lo “infinito”, de ideales absolutos y universales. Los románticos no soñaban con una mejora parcial de la vida, sino con una resolución holística de todas sus contradicciones. La discordia entre ideal y realidad, característica de movimientos anteriores, adquiere extraordinaria agudeza e intensidad en el romanticismo, que es la esencia del llamado romántico. dos mundos. Rechazando la vida cotidiana de la sociedad civilizada moderna por considerarla incolora y prosaica, los románticos lucharon por todo lo inusual. Se sintieron atraídos por la ciencia ficción. leyendas populares, arte popular, épocas históricas pasadas, imágenes exóticas de la naturaleza, la vida, la forma de vida y las costumbres de países y pueblos lejanos. Contrastaban la práctica material básica con las pasiones sublimes (el concepto romántico del amor) y la vida del espíritu, cuyas manifestaciones más elevadas para los románticos eran el arte, la religión y la filosofía.
Los románticos descubrieron la extraordinaria complejidad, profundidad y antinomia del mundo espiritual humano, la infinidad interior de la individualidad humana. Para ellos, el hombre es un pequeño universo, un microcosmos. El intenso interés por los sentimientos fuertes y vívidos, por los movimientos secretos del alma, por su lado "nocturno", el anhelo por lo intuitivo y lo inconsciente son las características esenciales de la cosmovisión romántica. Igualmente característico de los románticos es la defensa de la libertad, la soberanía, la autoestima del individuo, una mayor atención al individuo, lo único en el hombre y el culto al individuo. Una apología del individuo sirvió, por así decirlo, como autodefensa contra el avance despiadado de la historia y la creciente nivelación del hombre mismo en la sociedad burguesa.
La exigencia del historicismo y del arte popular (principalmente en el sentido de recrear fielmente el color del lugar y el tiempo) es uno de los logros duraderos de la teoría romántica del arte. La infinita variedad de características locales, de época, nacionales, históricas e individuales tenía un cierto significado filosófico a los ojos de los románticos: era el descubrimiento de la riqueza de un único mundo: el universo. En el campo de la estética, el romanticismo opuso la “imitación de la naturaleza” clasicista a la actividad creativa del artista con su derecho a transformar el mundo real: el artista crea su propio mundo especial, más bello y verdadero, y por tanto más real que el empírico. realidad, ya que el arte mismo es la realidad más elevada. Los románticos defendieron ferozmente la libertad creativa de los artistas y rechazaron la normatividad en la estética, lo que, sin embargo, no excluía la creación de sus propios cánones románticos.
Desde el punto de vista de los principios de la representación artística, los románticos gravitaron hacia la fantasía, lo grotesco satírico, la convencionalidad demostrativa de la forma, la fragmentación, la fragmentación, la composición máxima, mezclaron audazmente lo ordinario y lo inusual, lo trágico y lo cómico;
Realismo, una dirección artística en el arte, tras la cual el artista representa la vida en imágenes que corresponden a la esencia de los fenómenos de la vida misma y se crean a través de la tipificación de los hechos de la realidad. Al afirmar la importancia del realismo como medio para que una persona se comprenda a sí misma y al mundo que la rodea, el realismo se esfuerza por lograr una comprensión profunda de la vida, una amplia cobertura de la realidad con sus contradicciones inherentes y reconoce el derecho del artista a iluminar todos los aspectos de vida sin restricciones. El arte del realismo muestra la interacción del hombre con el medio ambiente, el impacto de las condiciones sociales en el destino humano, la influencia de las circunstancias sociales en el mundo moral y espiritual de las personas. En un sentido amplio, la categoría de realismo sirve para determinar la relación de las obras literarias con la realidad, independientemente de la afiliación del escritor a un movimiento u otro. Los orígenes del realismo en Rusia fueron I.A Krylov, A.S. Griboédov, A.S. Pushkin (en la literatura occidental, el realismo apareció algo más tarde; sus primeros representantes fueron Stendhal y Balzac).
Principales rasgos del realismo. 1. El principio de la verdad de la vida, que guía al artista realista en su obra, esforzándose por dar el reflejo más completo de la vida en sus propiedades típicas. La fidelidad de la imagen de la realidad, reproducida en las formas de la vida misma, es el principal criterio del arte. 2. Análisis social, historicismo del pensamiento. Es el realismo el que explica los fenómenos de la vida, establece sus causas y consecuencias sobre una base sociohistórica. En otras palabras, el realismo es impensable sin el historicismo, que presupone la comprensión de un fenómeno determinado en su condicionalidad, desarrollo y conexión con otros fenómenos. El historicismo es la base de la cosmovisión y el método artístico de un escritor realista, una especie de clave para comprender la realidad, que permite conectar el pasado, el presente y el futuro. En el pasado, el artista busca respuestas a cuestiones acuciantes de nuestro tiempo e interpreta la modernidad como resultado de un desarrollo histórico previo. EN literatura realista El mundo interior y el comportamiento de los personajes suelen llevar la marca indeleble del tiempo. El escritor a menudo muestra la dependencia directa de sus ideas sociales, morales y religiosas de las condiciones de existencia en una sociedad determinada y presta gran atención al trasfondo social y cotidiano de la época. Al mismo tiempo, en el arte realista maduro, las circunstancias se representan sólo como un requisito previo necesario para revelar el mundo espiritual de las personas. 3. Retrato crítico de la vida. Los escritores muestran profunda y sinceramente los fenómenos negativos de la realidad y se centran en exponerlos. Pero al mismo tiempo, el realismo no está exento de patetismo que afirma la vida, porque se basa en ideales positivos: simpatía por las masas, la búsqueda de un héroe positivo en la vida, la fe en las posibilidades inagotables del hombre. 4. La representación de personajes típicos en circunstancias típicas, es decir, los personajes se representan en estrecha conexión con el entorno social que los crió y formó en determinadas condiciones sociohistóricas. 5. La relación entre el individuo y la sociedad es el principal problema que plantea la literatura realista. El dramatismo de estas relaciones es importante para el realismo. Como regla general, el foco de las obras realistas está en individuos extraordinarios, insatisfechos con la vida, que rompen con su entorno, pero esto no significa que los realistas no estén interesados en personas invisibles, fusionándose con su entorno, representantes de las masas (el tipo del hombrecito de Gogol y Chéjov). 6. La versatilidad de los personajes de los personajes: sus acciones, hechos, discursos, estilo de vida y mundo interior, la "dialéctica del alma", que se revela en los detalles psicológicos de sus experiencias emocionales. Así, el realismo amplía las posibilidades de los escritores en la exploración creativa del mundo, en la creación de una estructura de personalidad contradictoria y compleja como resultado de una penetración sutil en las profundidades de la psique humana. 7. Expresividad, brillo, imaginería, precisión del lenguaje literario ruso, enriquecido con elementos del habla coloquial que los escritores realistas extraen del lenguaje común. 8. Una variedad de géneros (épico, lira-épico, dramático, satírico). 9. El reflejo de la realidad no excluye la ficción y la fantasía, aunque estos medios artísticos no determinan el tono principal de la obra.
Cada escritor tiene características creativas específicas (en la elección de temas, la descripción de individuos, grupos sociales individuales, en la originalidad de las técnicas artísticas y el lenguaje de la obra). Por ejemplo, la forma de expresar pensamientos de A.S. Pushkin y L.N. Es difícil confundir a Tolstoi. De aquí surgió el concepto estilo del autor(el estilo es un palo puntiagudo y una espátula en el otro extremo para escribir sobre una tablilla encerada).
Estilo Se llama originalidad ideológica y artística de la obra del escritor, que se manifiesta en las peculiaridades de los temas, significado ideológico, sistema de imágenes, métodos de su construcción, en la composición y lenguaje de la obra. Esta unidad de los principales rasgos ideológicos y artísticos (temas, ideas, personajes, trama, lenguaje), revelada a lo largo de toda la obra creativa del escritor, está determinada por la época, la experiencia de vida, las opiniones del artista y las características de su talento. El estilo de un mismo autor puede desarrollarse y cambiar con el tiempo (los primeros y últimos años de A.S. Pushkin difieren significativamente entre sí tanto en su método creativo, romántico y realista, como en la forma de sus obras, poeta y prosista. ).
En el estilo de varios escritores se pueden encontrar las mismas características: temas generales, cerca estatus social y las opiniones de los héroes (por ejemplo, el tema de las personas "superfluas" en la primera mitad del siglo XIX en Rusia, sobre el trágico destino de los jóvenes nobles que fueron incomprendidos por la sociedad).
De esta manera se forma escuela literaria, dirección, grupo, movimiento.- unidad de forma y contenido, unidad de método, acercando a los escritores entre sí. Dependiendo de las particularidades de la situación histórica, recibe ciertas connotaciones políticas y un propósito político (por ejemplo, la escuela natural de los seguidores de N.V. Gogol en Rusia).
Un nivel más alto de generalidad es método artístico creativo. El método artístico son los principios comunes a los escritores para seleccionar los fenómenos de la vida y representarlos. Depende principalmente de los cambios. vida pública(realismo, clasicismo, sentimentalismo, romanticismo, modernismo, posmodernismo).
Proceso literario - el proceso de interacción de estilos, tendencias, métodos, direcciones de la ficción en un mismo período histórico. El método más antiguo y famoso de representar la realidad en la ficción es el realismo. fue de el proceso literario Comenzó en la Antigua Grecia y la Antigua Roma, con la formación del llamado realismo antiguo, luego en la Edad Media podemos hablar de realismo medieval, el Renacimiento da impulso al desarrollo de ideas de renacimiento en la obra realista de ese período. El Siglo de las Luces, por primera vez, nos permite hablar sobre el surgimiento de un movimiento literario maduro con leyes de creatividad claramente formuladas: el clasicismo.
Clasicismo(del latín classicus - primera clase): un movimiento en la literatura de Europa occidental y Rusia (siglos 17-18) después del final de las guerras religiosas. El clasicismo surgió como una imitación de ejemplos del arte antiguo (clásico). Sus representantes son Racine, Corneille, Boileau, Moliere, Sumarokov, Kheraskov, Kantemir, Lomonosov, Trediakovsky, Derzhavin. Intentaron llamar la atención sobre el sentido del deber y el patriotismo de los héroes al representar los conflictos de la vida.
El clasicismo es un ejemplo de literatura creada según principios normativos. Básico ideas El clasicismo está asociado con la idea de un poder real absolutista progresista, que expresaba en Francia, donde se originó el clasicismo, los ideales civiles, nacionales, la idea de la razón civil, que el héroe debería preferir a otros sentimientos humanos. El pensamiento racional-civil del clasicismo se asoció con el periodismo, el didactismo y los sentimientos periodísticos expresados en las obras.
El clasicismo se asoció con la cultura cortesana noble, aristocrática. Esto llevó a una cierta limitación de clase: no se permitía la representación de la gente, la vida popular, la naturaleza, los temas se tomaban principalmente de la historia antigua griega o romana.
Todas las obras se dividieron claramente en altas y bajas, al igual que los géneros, se introdujo la regla de las "tres unidades": la unidad de tiempo (todo el conflicto debe resolverse en 24 horas), lugar (la acción tuvo lugar en un solo lugar) , acción (una trama, los héroes son portadores de una cualidad, el papel de los actores). Todo esto condujo a una violación de la verdad de la vida, a la creación de imágenes convencionales, inverosímiles, personajes esquemáticos y un lenguaje complejo.
El clasicismo ruso luchó por la originalidad de la cultura rusa, la pureza de la lengua rusa y reflejó momentos importantes del desarrollo de Rusia.
Sentimentalismo(del francés sentimental - sensible) - un movimiento literario en la literatura rusa y occidental de finales del siglo XVIII y principios del XIX, que surgió inicialmente en Inglaterra y reflejó la lucha de la burguesía con los señores feudales. El sentimentalismo contenía una protesta contra la moral corrupta de la noble aristocracia; se oponía a la vida de los artesanos, comerciantes, campesinos y simpatía por las personas oprimidas por los señores feudales.
Como dirección, se oponía completamente a la racionalidad de las obras del clasicismo, contenía una protesta contra los ideales abstractos de la razón, oponiéndolos a sentimientos sinceros, tratando de representar las peculiaridades de la psicología humana.
La glorificación de los principios y sentimientos patriarcales llevó a la idea de que las personas sólo pueden ser de naturaleza natural. ciudad y cultura urbana Se oponían a la naturaleza, al campo y estaban dotados de todos los rasgos negativos (depravación, avaricia, falta de principios morales). A su vez, el pueblo, representado de forma idílica y patriarcal, se presentó sólo con lado positivo sin ninguna crítica.
El sentimentalismo también se caracterizó por otros rasgos. Por ejemplo, el deseo de historicismo, la glorificación del pasado de su país, los personajes de los héroes fueron retratados principalmente a través de características emocionales y psicológicas, eliminando cualquier situación real, fuera de los acontecimientos reales.
En el sistema lingüístico se ha desarrollado un estilo especial de sentimentalismo: un estilo de naturaleza sensible a la entonación (con abundancia de llamamientos y exclamaciones).
En la literatura rusa, el sentimentalismo tenía un significado diferente. base social a finales del siglo XVIII (Karamzin, Bogdanovich, Dmitriev, Shalkov, principios de Zhukovsky) - expresó los sentimientos de la nobleza en la era del creciente desarrollo burgués de Rusia y la intensificación del movimiento campesino de liberación. Los rasgos característicos de esta corriente rusa son una imagen falsa del campesinado, las aldeas, la idealización servidumbre. El deseo de silenciar el hecho de la explotación de los siervos, la imagen convencional de la aldea rusa como un lugar de juego para los aldeanos felices, la imagen de un padre mecenas y benefactor, un terrateniente, lleno de preocupación por sus siervos ("Tú Seré mi hijo para siempre, seré tu padre para siempre") - todo esto rasgos característicos El sentimentalismo ruso.
También hubo momentos positivos. Por primera vez, se representaron los siervos y sus sentimientos junto con los sentimientos de los terratenientes ("Y las campesinas saben amar" - N.M. Karamzin). Esto tuvo un gran impacto en el desarrollo de la literatura rusa, ya que se prestó atención a los sentimientos. gente común, una descripción de la psicología humana.
Romanticismo- un método creativo que apareció en Europa occidental a finales del siglo XVIII y principios del XIX - suele considerarse como una reacción a revoluciones burguesas en Inglaterra y Francia, mientras expresaba el descontento de amplios círculos públicos con la nueva realidad burguesa. En lugar del reino de la libertad, la igualdad y la hermandad, por el cual se hicieron enormes sacrificios, en la sociedad burguesa comienzan a dominar el espíritu de lucro, el poder del dinero y una nueva opresión del individuo. Por tanto, el principio fundamental de este movimiento es la oposición a la vida real de otro mundo creado por la imaginación creativa del escritor. Para trabajo romantico Característica: un héroe extraordinario, abrumado por pasiones violentas, circunstancias extraordinarias en las que se desarrolla la acción, un velo de eufemismo y misterio que envuelve el pasado del héroe.
Hay dos direcciones principales del romanticismo: pasiva (conservadora) y revolucionaria (progresista).
Romanticismo conservador(Novalis, Uhland, Chateaubriand, Vigny, Wordsworth, Heine, Schiller, Zhukovsky, Batyushkov, Delvig) pretendían llevar al lector al mundo de los sueños, la fantasía, el misticismo o el pasado histórico (la Edad Media). En las obras de estos románticos, había dos tipos de héroes: los soñadores, que vivían sólo en el mundo de sus sentimientos y almas personales, y las naturalezas activas, que se esforzaban por revivir los sentimientos caballerescos y los nobles principios de la vida.
Romanticismo revolucionario(Byron, Hugo, Pushkin, Lermontov, Ryleev, Odoevsky)) retrató la protesta, las pasiones de una persona excepcional que no se resigna a las circunstancias. realidad circundante, luchando, luchando por la libertad, la acción, por una futura vida libre.
En la literatura rusa, el romanticismo, que surgió a principios del siglo XIX (especialmente extendido después de la Guerra Patriótica de 1812), reflejó el descontento de la nobleza rusa con los dos problemas principales de esa época: la autocracia y la servidumbre.
Realismo- implica mostrar la realidad, la vida real de una persona, una imagen históricamente específica veraz de una persona y una sociedad, una imagen de las conexiones e interacciones entre una persona y la sociedad (“la veracidad de la imagen de personajes típicos en circunstancias típicas” - F .Engels).
Héroes típicos reflejar los personajes y rasgos colectivos de muchas personas, grupos sociales (o héroes e imágenes que reflejan tendencias típicas en el desarrollo de la sociedad). Circunstancias típicas- una descripción de las peculiaridades de la vida, las costumbres de esa sociedad y el momento histórico en que se formaron los héroes.
Este es el método creativo más antiguo y poderoso de representar la realidad conocido en la historia de la literatura. Elementos seleccionados de realismo. ya nos conocimos en literatura antigua Siglos V-III a.C. A pesar de que su héroe aún no se ha destacado entre la multitud, piensa como toda la sociedad (Aquiles en Homero).
A continuación, en Renacimiento(siglos XIII-XVI), durante el crecimiento de la autoconciencia pública, el héroe ya se ha destacado de la sociedad, tiene un sentido de justicia y responsabilidad (Hamlet, Don Quijote), aunque todavía no se guía por la clase, sino por criterios morales (defensores de la humanidad de las imperfecciones).
en la era Ilustración(Siglo XVIII) se fortaleció el principio crítico del realismo. La joven burguesía revolucionaria se opone al feudalismo y a la ideología eclesiástica con críticas al derecho, la moral y la religión (Voltaire, Diderot, D.I. Fonvizin). Las deficiencias de la sociedad se explican por las deficiencias del sistema de costumbres políticas y puntos de vista morales.
Realismo crítico Comenzó a tomar forma en las obras de Balzac y Pushkin debido al descontento de las ideas románticas sobre las formas de cambiar la vida y la decepción con la realidad burguesa. La aspiración analítica y el fortalecimiento del principio crítico estuvieron asociados con la exposición y negación de los fundamentos de la sociedad feudal y burguesa a través de la descripción del hombre en sus diversas conexiones con la sociedad. Una persona fue retratada de esta manera como parte y producto del entorno (el carácter, las opiniones, el comportamiento, el estilo de vida están formados por la sociedad), pero al mismo tiempo se esforzó por el futuro, por el ideal.
En la historia del realismo sucedió que, junto con una comprensión históricamente incorrecta y abstracta de los personajes de los personajes, se llevó a cabo una reproducción correcta, concreta y realista de ellos (N.V. Gogol “ almas muertas") - es necesario distinguir entre la cosmovisión del artista y sus puntos de vista teóricos.
Modernismo(del francés moderne - nuevo, moderno) - varias tendencias en literatura moderna siglo 20 ( simbolismo, acmeísmo, futurismo, imagismo), oponiéndose al realismo. No están satisfechos con el principio básico del realismo: un reflejo de la realidad objetiva; lo consideran una copia naturalista de la vida.
La base del arte debería ser la producción del yo interior del héroe, de su mundo interior, hacia el exterior. Características del modernismo.- la autorrevelación más abierta y libre de los autores, su persistente deseo de actualizar el lenguaje artístico, de centrarse más en lo universal y cultural-históricamente distante que en la realidad cercana.
posmodernismo como movimiento literario formado en la segunda mitad del siglo XX y representa un intento de los autores modernos, liderados por J. Derrida, de comprender filosóficamente la historia de la literatura y la cultura en general desde la posición deconstrucción(es decir, rechazo) de todo lo estable, estable, incondicional que hay en él. Concepto simulacro y el concepto posmoderno del desorden total del mundo encuentra en ocasiones formas de expresión afines a lo arcaico mitológico, lo que permite transformar tramas, imágenes, circunstancias en nuevas obras, utilizándolas de acuerdo con las condiciones modernas.