Uno de los tipos aplicados de pintura de caballete es la pintura teatral y decorativa: bocetos de vestuario de personajes y puesta en escena.
Pintura monumental - pintura de edificios.
La pintura monumental no puede existir separada del lugar donde se realiza. Este tipo de pintura fue muy popular en los siglos XVI al XIX, cuando se construyeron majestuosos templos y mejores artistas Pintaron sus bóvedas. El tipo más común es el fresco, que consiste en pintar con pinturas al agua sobre yeso húmedo.La pintura sobre yeso seco (seco) también era común, pero este tipo de obras no han sobrevivido tan bien hasta el día de hoy. La pintura monumental más famosa es la pintura a gran escala de la Capilla Sixtina, en la que participó Miguel Ángel. Según los críticos, los frescos de la capilla pueden equipararse a la octava maravilla del mundo.
Las obras más antiguas de pintura monumental son las pinturas rupestres de los primeros pueblos.
Pintura decorativa - arte aplicado
La pintura decorativa está estrechamente relacionada con las artes decorativas y aplicadas. Más bien desempeña un papel de apoyo en la decoración de diversos objetos. La pintura decorativa es una variedad de patrones y adornos que decoran artículos para el hogar, muebles y arquitectura. Es posible que se desconozcan los autores de este tipo de pintura; a este tipo también pertenecen pinturas sencillas de casas y muebles campesinos.Pintura en miniatura - cositas lindas
Inicialmente, la pintura en miniatura representaba diseños de libros. Los libros antiguos se hacían con mucho cuidado y eran muy caros. Para decorarlos se contrataron artesanos especiales, quienes diseñaron bellamente las tarjetas de título, las portadas y las diademas entre capítulos. Estas publicaciones eran verdaderas obras de arte. Hubo varias escuelas que se adhirieron a estrictos cánones de pintura en miniatura.Más tarde, las miniaturas comenzaron a llamarse pinturas de pequeña escala. Fueron utilizados como souvenirs y regalos memorables. A pesar de su pequeño tamaño, este tipo de pintura requería gran precisión y habilidad. Los materiales más populares para las miniaturas de souvenirs fueron el hueso, la piedra y las placas de metal.
Consejo 2: ¿Qué tipos de caballetes existen: básicos y populares?
El dibujo es una de las áreas más interesantes de la creatividad. Pero para pintar un cuadro, es necesario elegir los pinceles y las pinturas adecuados, pero también un caballete.
Para algunas personas, la creatividad, concretamente el dibujo, es una parte integral de la vida en forma de hobby o actividad profesional. Los artistas y aficionados conceden especial importancia a los materiales y dispositivos con los que trabajan. Dado que los caballetes son una parte integral del proceso creativo, es necesario considerar estos elementos auxiliares con más detalle.
Así, por el momento existen tres tipos principales: caballetes de trípode, caballetes de panel vertical (fijos) y cuadernos de dibujo. Cada tipo de caballete tiene rasgos característicos. Por ejemplo, los trípodes son muy fáciles de montar y utilizar. Un caballete de este tipo siempre se puede desmontar y, cuando está plegado, este dispositivo ocupa muy poco espacio.
Al mismo tiempo, los caballetes de paneles verticales son muy convenientes, ya que tienen la función de ajustar la altura y el ángulo de inclinación, pero ocupan mucho espacio debido a su naturaleza estacionaria. El principio de fijación del papel o lona ajustada en este tipo de caballetes prácticamente no cambia. En la parte inferior hay un pequeño panel para guardar consumibles: lápices, pinturas, pinceles y más.
Los cuadernos de bocetos se pueden utilizar al aire libre para dibujar de la naturaleza. Al mismo tiempo, una vez ensamblado, este dispositivo se convierte en una pequeña maleta, con la que se pueden realizar largos viajes hasta el lugar donde se pinta el lienzo.
Caballetes más populares
Los caballetes trípode son los más populares. Esto se debe a su comodidad y compacidad. Además, usted mismo puede hacer un caballete de este tipo si no quiere gastar dinero en comprarlo.
Para trabajar en el estudio o en casa, se suelen utilizar caballetes de mesa, es decir, caballetes con panel vertical. Este tipo es conveniente cuando se trabaja en un solo lugar, ya que su transporte se ve dificultado por la imposibilidad de desmontar el objeto en partes más pequeñas y luego volver a montarlo. Además, cada tipo de caballete está destinado a un uso específico, pero el trípode puede considerarse con razón el más universal, ya que se puede utilizar tanto para el trabajo constante en el estudio como para trabajar desde la naturaleza en la naturaleza, por supuesto, si no es demasiado grande.
Fuentes:
- Clasificación de caballetes
El arte de decorar superficies con pinturas y pincel se llama pintura artística. El concepto mismo de pintura es seriamente diferente al de pintura, ya que es parte del espacio concebido por el artista.
La pintura artística se aplicó inicialmente a cualquier material asequible y fácil de conseguir: cuero, madera, tejidos naturales, arcilla, etc. Los maestros transmitían las habilidades de generación en generación y se técnicas artísticas, lo que ayudó a los productos. Con el tiempo, se eligió la aplicación más significativa y expresiva del adorno. En arquitectura, las pinturas se utilizaban para decorar techos, bóvedas, paredes, vigas y, en la vida cotidiana, la decoración se aplicaba a artículos del hogar.
La sistematización de varios tipos de pintura fue iniciada por primera vez en 1876 por el profesor A.A. Isaev en su libro de dos volúmenes titulado "Procesos de la provincia de Moscú". Actualmente, las empresas de pintura artística están desarrollando su negocio para satisfacer la demanda en los mercados de Rusia y del extranjero.
Pintura de Khokhloma
en los ricos adorno floral Se utilizó la técnica de la pincelada fina procedente de los monasterios. De ahí se derivó el secreto de cómo pintar platos de oro sin utilizar oro. La pintura no ha cambiado hasta nuestros días y el proceso ha sido el mismo desde la antigüedad hasta nuestros días. La pieza en bruto de la vajilla se tornea de madera en un torno y luego se imprima con una solución de arcilla especialmente preparada o se utilizan imprimaciones artificiales. Los platos están recubiertos con pintura a base de estaño o plata, con menos frecuencia, aluminio. Se pintan según el motivo deseado y se secan en el horno, luego se barnizan y se secan nuevamente en caliente.
Dado que el producto se somete varias veces a un intenso tratamiento térmico, se eligieron pinturas cuyo brillo no se viera afectado por las altas temperaturas. Es negro, dorado y cinabrio.
porcelana gzhel
Gzhel es único, ya que cada artista, utilizando motivos clásicos y familiares, crea la técnica de forma individual. El papel principal pertenece a la experiencia del maestro y al movimiento de su pincel. Al mismo tiempo, en la blancura, de un solo trazo, aparecen transiciones armoniosas del azul oscuro al azul suave. Sólo se utiliza una pintura, cobalto, y el dibujo se hace muy rápido, a la primera.
Matrioska
Estas figuras de diferentes tamaños, encajadas unas dentro de otras, son originarias de Japón. Estas muñecas adquirieron gran popularidad en 1900, después de una exposición en París. La producción principal tuvo lugar en el pueblo de Polkhovsky Maidan, famoso tanto por la pintura como por los torneros; después de todo, todavía había que tallar la forma de la muñeca rusa.
Polkhovskaya tiene características distintivas por las que se la puede reconocer entre otras. Tiene la cara pintada con pequeños trazos y en la frente hay una flor de rosa de abeto. El color de la bufanda contrasta con el color del vestido de verano, y desde atrás la muñeca matrioska es 2/3 de escarlata o verde. El delantal es ovalado y va desde el cuello hasta el suelo.
La muñeca matrioska con incrustaciones de paja de Vyatka, la más difícil de procesar.
Casi todas las chicas, si ella tiempo libre no sobrecargado de estudios o citas, tiene uno o más pasatiempos. Algunos de ellos la cautivan por su originalidad por un corto tiempo, otros son compañeros de por vida.
Instrucciones
El tipo más común de pasatiempo femenino se puede llamar todo tipo de costura: crochet, macramé, costura, bordado. Esta afición no surge de la nada; tradicionalmente proviene de madres y abuelas que la practican en presencia de sus hijas y nietas. La niña se interesa y pide a los adultos que le muestren bucles, nudos, puntos o puntos de cadeneta. Al principio no funciona, e incluso puede que abandone su nuevo hobby por un tiempo, pero después de unos años la naturaleza seguirá su curso y ahora la adolescente coserá sus primeros vaqueros o tejerá una boina.
La floricultura no consume tanto tiempo y deja las tardes libres para otras actividades. A todas las mujeres les encantan las flores, y las que ellas mismas cultivan son las de mayor interés. Controlar la apariencia de los brotes, su aumento de tamaño y la posterior floración es similar a la maternidad, por lo que es un placer para muchos representantes del sexo justo. Si no tienes paciencia para cuidar rosas y violetas, puedes empezar con clorofito o simples cactus.
Los primeros pasatiempos que desarrolla un niño pequeño incluyen dibujar y moverse con música. Si tiene talento para ello, sus empresas no se perderán, sino que se desarrollarán en la capacidad de mostrarse externamente y mundo interior s a través de la pintura y el baile. Si no hay talento, pero el alma exige persistentemente la expresión de todos sus impulsos, entonces la niña se convierte en una buena fotógrafa. Sus fotografías suelen representar a familiares y amigos, lugares importantes y rincones de la naturaleza que capturan la imaginación.
Otro método para aprovechar su potencial es hacer manualidades con diversos materiales. Esto incluye modelado en arcilla y fabricación, tallado y diseño de jabón. Esto último puede convertirse en una profesión y convertirse en una buena forma de ganar dinero. Y el tallado se puede llamar una variedad de un pasatiempo común, pero lejos de abarcarlo todo: cocinar. Casi todas las chicas saben cocinar las gachas y sopas más simples, hornear pizza con todo lo que hay en el refrigerador, pero solo unas pocas tienen el arte de preparar platos originales.
Y finalmente, la pasión generalizada de mujeres de todas las edades y categorias sociales- esto es adivinación. La mayoría de las veces en tarjetas, pero para lograr resultados también se utilizan. granos de café, quiromancia y otros métodos de adivinación. Aprender sobre el pasado y el futuro nunca resulta aburrido, y especializarse en un tipo particular puede convertir a una chica en una verdadera maestra.
Redondo y plano, con mango de madera y otro de plástico, marta y poni. Una variedad de formas y tipos de pinceles ayudan al artista a crear obras maestras sobre lienzo o papel. Por ejemplo, un pincel de ardilla se usa principalmente para trabajar con pintura de acuarela y un pincel lineal para aplicar inscripciones.
Formas de pincel
Una de las formas de pincel más comunes y versátiles es la redonda. El paquete de dicho cepillo se fija en un clip redondo, generalmente de metal. Los cepillos pueden ser diferentes tamaños. La viga pequeña se utiliza para crear miniaturas y la viga grande se utiliza para paisajes grandes. Un pincel redondo produce una línea uniforme de igual grosor, aunque un artista experto puede variar esto.
Los pinceles planos son buenos para trabajar en áreas grandes de una composición; retienen mucha pintura. Los trazos con un pincel de este tipo son suaves y amplios.
Un pincel llamado " ojo de gato"Tiene forma ovalada o de cúpula. Este cepillo es de uso muy individual y se puede utilizar del mismo modo que uno redondo o plano.
Un subtipo de pinceles planos son los pinceles para contorno; tienen una forma similar, pero el haz es más corto y, en consecuencia, más elástico. Estos pinceles se utilizan para técnicas de pintura al óleo; con ellos es fácil realizar trazos planos y contornos claros.
Los pinceles tipográficos tienen un pincel largo y redondo con una punta delgada y afilada, que le permite hacer inscripciones y aplicar contornos. Estos pinceles se utilizan con pinturas líquidas.
Los pinceles de retoque también son un tipo de pincel plano; su peculiaridad es la punta cortada en ángulo. Estos pinceles se utilizan para crear trazos muy finos y una transición suave y precisa de un color a otro. Esto se crea gracias a la punta fina y afilada.
Los pinceles lineales, al igual que los pinceles para fuentes, tienen una forma larga y redonda y se utilizan para aplicar inscripciones y crear líneas largas. lineas rectas. Los pinceles lineales son más cortos que los pinceles tipográficos, pero más largos y delgados que los redondos.
Además de pintar, los pinceles de flauta se utilizan para aplicar maquillaje, es decir, polvos o rubor. Estos pinceles suaves están diseñados para pintar a mano alzada con acuarelas. Retienen mucha agua, por lo que pueden dibujar líneas largas, continuas y uniformes sin interrupción.
Los cepillos abanico tienen un mechón delgado en forma de abanico. Se utilizan para crear sutiles extensiones de color, transiciones de color y contrastes.
tipos de cepillos
Además de las formas y tamaños, existe una diferencia significativa entre los tipos de cepillos, es decir, de qué tipo de cabello está hecho el mechón. El tipo de cepillo más común es la ardilla. Estos cepillos están hechos de pelos procesados de cola de ardilla, ya que la cola contiene el pelo más largo. Los cepillos de ardilla son muy suaves y delicados, por lo que requieren un cuidado especial. Se utilizan para trabajar con pintura de acuarela u otra pintura a base de agua.
Los cepillos Kolinsky están hechos de pelo de cola Kolinsky procesado. Estos cepillos son bastante suaves y al mismo tiempo elásticos. Por eso se usan
La pintura se distingue por una variedad de géneros y tipos. Cada género se limita a su propia gama de temas: la imagen de una persona (retrato), el mundo circundante (paisaje), etc.
Las variedades (tipos) de pintura difieren en su finalidad.
En este sentido, existen varios tipos de pintura, de los que hablaremos hoy.
pintura de caballete
Los más populares y especies conocidas pintura – pintura de caballete. Se llama así porque se realiza en una máquina: un caballete. La base es madera, cartón, papel, pero la mayoría de las veces lienzo tensado sobre una camilla. La pintura de caballete es un trabajo independiente hecho en un determinado género. Tiene una riqueza de color.
Pinturas de aceite
La mayoría de las veces, la pintura de caballete se realiza con pinturas al óleo. Puedes utilizar pinturas al óleo sobre lienzo, madera, cartón, papel y metal.
Pinturas de aceite
Las pinturas al óleo son suspensiones de pigmentos inorgánicos y cargas al secarse. aceites vegetales o aceites secantes o a base de resinas alquídicas, a veces con la adición de sustancias auxiliares. Se utiliza para pintar o para pintar madera, metal y otras superficies.
V. Perov “Retrato de Dostoievski” (1872). lienzo, óleo
Pero también se puede crear una imagen pintoresca utilizando témpera, gouache, pasteles y acuarelas.
Acuarela
Pinturas de acuarela
La acuarela (francés Aquarelle - acuosa; italiano acquarello) es una técnica de pintura que utiliza pinturas especiales de acuarela. Cuando se disuelven en agua, forman una suspensión transparente de pigmento fino, que crea el efecto de ligereza, ligereza y sutiles transiciones de color.
J. Turner “Lago Firvaldstät” (1802). Acuarela. Tate Britain (Londres)
Gouache
Gouache (gouache francés, pintura al agua guazzo italiana, salpicadura) es un tipo de pintura adhesiva soluble en agua, más densa y mate que la acuarela.
pinturas gouaches
Las pinturas gouache están hechas de pigmentos y pegamento con la adición de blanco. La mezcla de blanco le da al gouache una calidad mate aterciopelada, pero cuando se seca, los colores se vuelven algo blanqueados (aclarados), lo que el artista debe tener en cuenta durante el proceso de dibujo. Con pinturas gouache puedes cubrir los tonos oscuros con los claros.
Vincent Van Gogh "Corredor de Asulum" (tiza negra y gouache sobre papel rosa)
pastel [e]
El pastel (del latín pasta - masa) es un material artístico utilizado en gráfica y pintura. La mayoría de las veces se presenta en forma de crayones o lápices sin montura, con forma de barras con una sección transversal redonda o cuadrada. Hay tres tipos de pasteles: secos, al óleo y a la cera.
I. Levitan “River Valley” (pastel)
Pintura al temple
Tempera (tempera italiana, del latín temperare - mezclar pinturas): pinturas a base de agua preparadas a base de pigmentos en polvo seco. El aglutinante para las pinturas al temple es la yema de un huevo de gallina diluida con agua o un huevo entero.
Las pinturas al temple son una de las más antiguas. Antes de la invención y difusión de las pinturas al óleo hasta los siglos XV-XVII. Las pinturas al temple eran el material principal para la pintura de caballete. Se utilizan desde hace más de 3 mil años. Las famosas pinturas de los sarcófagos de los antiguos faraones egipcios fueron realizadas con pinturas al temple. La pintura al temple fue realizada principalmente por maestros bizantinos. En Rusia, la técnica de la pintura al temple dominó hasta finales del siglo XVII.
R. Streltsov “Manzanillas y violetas” (tempera)
Encáustico
La encáustica (del griego antiguo ἐγκαυστική, el arte de quemar) es una técnica de pintura en la que la cera es el aglutinante de las pinturas. La pintura se realiza con pinturas derretidas. Muchos iconos cristianos primitivos se pintaron utilizando esta técnica. Se originó en la Antigua Grecia.
"Ángel". técnica encáustica
Llamamos su atención sobre el hecho de que puede encontrar otra clasificación, según la cual se clasifican como gráficos la acuarela, el gouache y otras técnicas que utilizan papel y pinturas al agua. Combinan los rasgos de la pintura (riqueza tonal, construcción de la forma y del espacio con el color) y de la gráfica (el papel activo del papel en la construcción de la imagen, la ausencia del relieve específico de la pincelada característico de la superficie pictórica).
Pintura monumental
La pintura monumental es la pintura sobre estructuras arquitectónicas u otros cimientos. Se trata del tipo de pintura más antiguo, conocido desde el Paleolítico. Gracias a su estacionariedad y durabilidad, quedan numerosos ejemplos de casi todas las culturas que crearon una arquitectura desarrollada. Las principales técnicas de la pintura monumental son el fresco, el seco, el mosaico y las vidrieras.
Fresco
Fresco (del italiano fresco - fresco): pintura sobre yeso húmedo con pinturas al agua, una de las técnicas de pintura mural. Cuando se seca, la cal contenida en el yeso forma una fina película de calcio transparente, lo que hace que el fresco sea duradero.
El fresco tiene una agradable superficie mate y es duradero en interiores.
Monasterio de Gelati (Georgia). Iglesia Santa Madre de Dios. Fresco en el lado superior y sur del Arco de Triunfo
un segundo
Y secco (del italiano a secco - seco) es pintura mural realizada, a diferencia de los frescos, sobre yeso duro y seco, rehumedecido. Se utilizan pinturas molidas sobre cola vegetal, huevo o mezcladas con cal. Secco permite pintar una superficie mayor en una jornada laboral que con la pintura al fresco, pero no es una técnica tan duradera.
La técnica del a secco se desarrolló en la pintura medieval junto con el fresco y estuvo especialmente extendida en Europa en los siglos XVII y XVIII.
Leonardo da Vinci "La Última Cena (1498). Técnica en seco
Mosaico
El mosaico (mosaïque francés, mosaico italiano del latín (opus) musivum – (obra dedicada a las musas) es un arte decorativo, aplicado y monumental de diversos géneros. Las imágenes de un mosaico se forman disponiendo, colocando y fijando piedras multicolores, esmalte, baldosas cerámicas y otros materiales en la superficie.
Panel mosaico "Gato"
Vitral
Las vidrieras (francés vitre - vidrio de ventana, del latín vitrum - vidrio) son una obra de vidrio coloreado. Las vidrieras se han utilizado en las iglesias desde hace mucho tiempo. Durante el Renacimiento, las vidrieras existían como pintura sobre vidrio.
Vidriera del Palacio de la Cultura Mezhsoyuzny (Murmansk)
Los tipos de pintura también incluyen diorama y panorama.
Diorama
La construcción del diorama “Tormenta de la montaña Sapun el 7 de mayo de 1944” en Sebastopol
Diorama: en forma de cinta, curvado en semicírculo. pintura escénica con un tema en primer plano. Se crea la ilusión de la presencia del espectador en el espacio natural, que se logra mediante una síntesis de medios artísticos y técnicos.
Los dioramas están diseñados para iluminación artificial y están ubicados principalmente en pabellones especiales. La mayoría de los dioramas están dedicados a batallas históricas.
Los dioramas más famosos: "Tormenta de la montaña Sapun" (Sebastopol), "Defensa de Sebastopol" (Sebastopol), "Batallas por Rzhev" (Rzhev), "Rompiendo el asedio de Leningrado" (San Petersburgo), "Tormenta de Berlín". "(Moscú), etc.
Panorama
En pintura, un panorama es un cuadro con una vista circular, en el que se combina un fondo pictórico plano con un primer plano tridimensional. Panorama crea la ilusión de un espacio real que rodea al espectador en un círculo completo del horizonte. Las panorámicas se utilizan principalmente para representar eventos que cubren un área grande y Número grande Participantes.
Museo Panorama "Batalla de Borodino" (edificio del museo)
En Rusia, los panoramas más famosos son el Museo Panorama “Batalla de Borodino”, “Batalla de Volochaev”, “La derrota de las tropas nazis en Stalingrado” en el Museo Panorama “ Batalla de Stalingrado", "Defensa de Sebastopol", panorama del Ferrocarril Transiberiano.
Franz Roubo. Cuadro panorámico “Batalla de Borodino”
Pintura teatral y decorativa.
La escenografía, el vestuario, el maquillaje y la utilería ayudan a revelar aún más el contenido de la actuación (película). La escenografía da una idea del lugar y el momento de la acción, y activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. El artista teatral se esfuerza en los bocetos de vestuario y maquillaje por expresar claramente el carácter individual de los personajes, su estatus social, estilo de la época y mucho más.
En Rusia, el florecimiento del arte teatral y decorativo se produjo a finales del siglo XIX y XX. En este momento, los destacados artistas M.A. comenzaron a trabajar en el teatro. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.
M. Vrubel “Ciudad de Lollipop”. Escenografía para la ópera de N.A. "El cuento del zar Saltan" de Rimsky-Korsakov para la Ópera Privada Rusa de Moscú. (1900)
Miniatura
Una miniatura es una obra pictórica de pequeñas formas. Particularmente popular fue el retrato en miniatura, un retrato de pequeño formato (de 1,5 a 20 cm), que se distingue por una sutileza especial de la escritura, una técnica de ejecución única y el uso de medios inherentes únicamente a esta forma pictórica.
Los tipos y formatos de las miniaturas son muy diversos: fueron pintadas sobre pergamino, papel, cartón, marfil, metal y porcelana, utilizando acuarela, gouache, esmaltes artísticos especiales o pinturas de aceite. El autor puede inscribir la imagen, según su decisión o a petición del cliente, en un círculo, óvalo, rombo, octógono, etc. Se considera retrato en miniatura clásico una miniatura realizada sobre una fina placa de marfil.
Emperador Nicolás I. Fragmento de una miniatura de G. Morselli
Hay varias técnicas en miniatura.
Miniatura lacada (Fedoskino)
Miniatura con retrato de la princesa Zinaida Nikolaevna (joyería Jusupov)
En los siglos XVII-XVIII. El proceso de desarrollo de la pintura europea se volvió más complicado. Se formaron escuelas nacionales en Francia (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), España (El Greco, D. Velázquez, F. Zurbarán, B. E. Murillo, F. Goya), Flandes (P. P . Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holanda ( F. Hals, Rembrandt, J. Wermer 
, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Gran Bretaña (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky) . La pintura proclamó nuevos ideales sociales y civiles, recurrió a una imagen más detallada y precisa de la vida real en su movimiento y diversidad, especialmente el entorno cotidiano de una persona (paisaje, interior, artículos del hogar); Los problemas psicológicos se profundizaron, se encarnó el sentimiento de una relación conflictiva entre el individuo y el mundo circundante. En el siglo 17 El sistema de géneros se expandió y tomó forma claramente. En los siglos XVII-XVIII. Junto con el florecimiento de la pintura monumental y decorativa (especialmente en estilo barroco), que existía en estrecha unión con la escultura y la arquitectura y creaba un ambiente emocional que afectaba activamente a las personas, la pintura de caballete jugó un papel importante. Se formaron varios sistemas pictóricos, ambos con rasgos estilísticos comunes (pintura barroca dinámica con su característica composición abierta y en forma de espiral; pintura clasicista con un diseño claro, estricto y claro; pintura rococó con un juego de exquisitos matices de color, claros y descoloridos). tonos), y no encajan en ningún marco de estilo específico. Esforzándose por reproducir el colorido del mundo, el ambiente luminoso, muchos artistas mejoraron el sistema de pintura tonal. Esto provocó la individualización de las técnicas técnicas de la pintura al óleo multicapa. El crecimiento del arte de caballete y la mayor necesidad de obras diseñadas para la contemplación íntima llevaron al desarrollo de técnicas de pintura de cámara, sutiles y luminosas: pasteles, acuarelas, tintas y varios tipos de retratos en miniatura.
En el siglo 19 En Europa y América estaban surgiendo nuevas escuelas nacionales de pintura realista. Se ampliaron las conexiones entre la pintura en Europa y otras partes del mundo, donde la experiencia de la pintura realista europea recibió una interpretación original, a menudo basada en tradiciones antiguas locales (en India, China, Japón y otros países); La pintura europea estuvo influenciada por el arte de los países del Lejano Oriente (principalmente Japón y China), lo que se reflejó en la renovación de las técnicas de organización decorativa y rítmica del plano pictórico. En el siglo 19 la pintura resolvió problemas complejos y apremiantes de la cosmovisión y desempeñó un papel activo en la vida pública; La crítica aguda de la realidad social cobró importancia en la pintura. Durante todo el siglo XIX. en la pintura también se cultivaron los cánones del academicismo, alejado de la vida, y la idealización abstracta de las imágenes; Surgieron tendencias del naturalismo. En la lucha contra la abstracción del clasicismo tardío y el academicismo de salón, la pintura del romanticismo se desarrolló con su interés activo por los acontecimientos dramáticos de la historia y la modernidad, la energía del lenguaje pictórico, el contraste de luces y sombras, la riqueza del color (T Géricault, E. Delacroix en Francia; F. O. Runge y K. D. Friedrich en Alemania; en muchos sentidos O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov en Rusia). La pintura realista, basada en la observación directa de los fenómenos característicos de la realidad, llega a una descripción de la vida más completa, concretamente fiable y visualmente convincente (J. Constable en Gran Bretaña; C. Corot, maestros de la escuela de Barbizon, O. Daumier en Francia ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov en Rusia). Durante el auge del movimiento revolucionario y de liberación nacional en Europa, la pintura del realismo democrático (G. Courbet, J. F. Millet en Francia; M. Munkacsi en Hungría, N. Grigorescu y I. Andreescu en Rumania, A. Menzel, V. Leibl en Alemania, etc.) mostró la vida y obra del pueblo, su lucha por sus derechos y abordó los acontecimientos más importantes historia nacional, creado imágenes vívidas la gente común y avanzado figuras públicas; En muchos países surgieron escuelas de paisajes nacionales realistas. Las pinturas de los Itinerantes y de artistas cercanos a ellos, estrechamente relacionados con la estética de los demócratas revolucionarios rusos: V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, se distinguieron por su agudeza social-crítica.
Llegó a la encarnación artística del mundo circundante en su naturalidad y constante variabilidad a principios de la década de 1870. Pintura impresionista (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas en Francia), que actualizó la técnica y los métodos de organización de la superficie pictórica, revelando la belleza del color puro y la textura. efectos. En el siglo 19 en Europa dominó la pintura al óleo de caballete, su técnica en muchos casos adquirió un carácter individual y libre, perdiendo gradualmente su estricta sistematicidad inherente (que también fue facilitada por la difusión de nuevas pinturas producidas en fábrica); la paleta se amplió (se crearon nuevos pigmentos y aglutinantes); en lugar de suelos de color oscuro a principios del siglo XIX. Se reintrodujeron suelos blancos. Pintura monumental y decorativa, utilizada en el siglo XIX. casi exclusivamente pegamento o pinturas al óleo se deterioraron. A finales del siglo XIX - principios del XX. Se está intentando revivir la pintura monumental y fusionar varios tipos de pintura con obras de arte y arquitectura decorativas y aplicadas en un solo conjunto (principalmente en el arte "moderno"); los medios técnicos se están actualizando monumentalmente pintura decorativa, se está desarrollando la técnica de pintura al silicato.
A finales de los siglos XIX - XX. el desarrollo de la pintura se vuelve especialmente complejo y contradictorio; Varios movimientos realistas y modernistas coexisten y luchan. Inspirado por ideales revolución de octubre 1917, armado con método realismo socialista, la pintura se está desarrollando intensamente en la URSS y otros países socialistas. Están surgiendo nuevas escuelas de pintura en países de Asia, África, Australia y América Latina.
pintura realista finales del siglo XIX - XX. se distingue por el deseo de comprender y mostrar el mundo en todas sus contradicciones, de revelar la esencia de los procesos profundos que ocurren en la realidad social, que a veces no tienen una apariencia suficientemente visual; La reflexión y la interpretación de muchos fenómenos de la realidad adquirieron a menudo un carácter subjetivo y simbólico. Pintura del siglo XX. Junto con el método de representación volumétrico-espacial visualmente visible, utiliza ampliamente nuevos principios convencionales de interpretación del mundo visible (así como los que se remontan a la antigüedad). Ya en la pintura del postimpresionismo (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) y en parte en la pintura de lo “moderno”, surgieron rasgos que determinaron las características de algunos movimientos del siglo XX. siglo. (expresión activa de la actitud personal del artista hacia el mundo, la emocionalidad y la asociatividad del color, que tiene poca conexión con las relaciones coloridas naturales, las formas exageradas y la decoración). El mundo fue interpretado de una manera nueva en el arte de los pintores rusos de finales del siglo XIX y principios del XX, en las pinturas de V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.
En el siglo 20 la realidad es contradictoria y, a menudo, profundamente subjetivamente realizada y traducida en las pinturas de los artistas más importantes de los países capitalistas: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain en Francia; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros en México; R. Guttuso en Italia; J. Bellows, R. Kent en Estados Unidos. En pinturas, murales y paneles pintorescos, se expresó una comprensión veraz de las trágicas contradicciones de la realidad, que a menudo se convirtió en una exposición de las deformidades del sistema capitalista. Asociado a la comprensión estética de la nueva era "técnica" está el reflejo del patetismo de la industrialización de la vida, la penetración en la pintura de formas geométricas, "máquinas", a las que a menudo se reducen las formas orgánicas, la búsqueda de aquellas que corresponden a la cosmovisión hombre moderno nuevas formas que se pueden utilizar en Artes Decorativas, arquitectura e industria. Muy extendido en la pintura, principalmente en los países capitalistas, desde principios del siglo XX. recibió varios movimientos modernistas, reflejando la crisis general de la cultura de la sociedad burguesa; sin embargo, la pintura modernista también refleja indirectamente los problemas “enfermos” de nuestro tiempo. En las pinturas de muchos movimientos modernistas(Fauvismo, cubismo, futurismo, dadaísmo y más tarde surrealismo) elementos individuales más o menos fácilmente reconocibles del mundo visible están fragmentados o geometrizados, aparecen en combinaciones inesperadas, a veces ilógicas, dando lugar a muchas asociaciones y se fusionan con formas puramente abstractas. Mayor evolución Muchos de estos movimientos llevaron a un abandono total de la representación, al surgimiento de la pintura abstracta (ver Arte abstracto), que marcó el colapso de la pintura como medio para reflejar y comprender la realidad. Desde mediados de los años 60. En Europa occidental y América, la pintura a veces se convierte en uno de los elementos del arte pop.
En el siglo 20 Está aumentando el papel de la pintura monumental y decorativa, tanto figurativa (por ejemplo, la pintura monumental democrática revolucionaria en México) como no figurativa, generalmente plana, en armonía con las formas geometrizadas de la arquitectura moderna.
En el siglo 20 Existe un interés creciente por la investigación en el campo de las técnicas pictóricas (incluidas la cera y la tempera; se están inventando nuevas pinturas para la pintura monumental: silicona, resinas de silicona, etc.), pero la pintura al óleo sigue predominando.
Multinacional pintura soviética está estrechamente relacionado con la ideología comunista, con los principios del espíritu de partido y la nacionalidad del arte, representa cualitativamente nueva fase Desarrollo de la pintura, que está determinado por el triunfo del método del realismo socialista. En la URSS, la pintura se está desarrollando en todas las repúblicas unidas y autónomas y están surgiendo nuevas escuelas nacionales de pintura. La pintura soviética se caracteriza por un agudo sentido de la realidad, la materialidad del mundo y la riqueza espiritual de sus imágenes. El deseo de abrazar la realidad socialista en toda su complejidad y plenitud ha llevado al uso de muchas formas de género que están llenas de contenido nuevo. Ya desde los años 20. El tema histórico-revolucionario adquiere un significado especial (lienzos de M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Luego aparecen pinturas patrióticas que hablan del pasado heroico de Rusia, que muestran el drama histórico de la Gran Guerra Patria de 1941-45, la fortaleza espiritual del hombre soviético.
El retrato juega un papel importante en el desarrollo de la pintura soviética: imagenes colectivas gente del pueblo, participantes en la reorganización revolucionaria de la vida (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky, etc.); retratos psicológicos, mostrando el mundo interior, la estructura espiritual del hombre soviético (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin, etc.).
El modo de vida típico del pueblo soviético se refleja en pintura de género, dando una imagen poéticamente vívida de gente nueva y una nueva forma de vida. La pintura soviética se caracteriza por grandes lienzos imbuidos del patetismo de la construcción socialista (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya, etc.). La afirmación estética de las formas únicas de vida de las repúblicas unidas y autónomas subyace a las escuelas nacionales que se han desarrollado en la pintura soviética (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A . Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, etc.), que representan los componentes de un solo cultura artística Sociedad socialista soviética.
En pintura de paisaje, como en otros géneros, las tradiciones artísticas nacionales se combinan con la búsqueda de algo nuevo, con un sentido moderno de la naturaleza. La línea lírica de la pintura de paisajes rusa (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, etc.) se complementa con el desarrollo del paisaje industrial con sus ritmos rápidos, con motivos de naturaleza transformada (B.N. Yakovlev, G.G. Nyssky). Nivel alto logró pintar naturalezas muertas (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).
Evolución funciones sociales La pintura va acompañada del desarrollo general de la cultura pictórica. Dentro de los límites de un único método realista, la pintura soviética logra una variedad de formas artísticas, técnicas y estilos individuales. El amplio alcance de la construcción, la creación de grandes edificios públicos y conjuntos conmemorativos contribuyeron al desarrollo. monumental y decorativa pintura (obras de V. A. Favorsky, E. E. Lansere, P. D. Korin), el resurgimiento de la técnica de la pintura al temple, frescos y mosaicos. En los años 60 y principios de los 80. ha aumentado la influencia mutua de la pintura monumental y de caballete, el deseo de aprovechar y enriquecer al máximo Medios de expresión pintura (ver también Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas y artículos sobre las repúblicas de la Unión Soviética).
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). Sin embargo, a los efectos de este artículo sólo consideraremos el objeto art.
Históricamente, todos los géneros se dividieron en altos y bajos. A genero alto o la pintura histórica incluía obras de carácter monumental, que conllevaban algún tipo de moralidad, idea significativa, demostrando eventos históricos, militares relacionados con la religión, la mitología o la ficción.
A genero bajo incluía todo lo relacionado con la vida cotidiana. Son naturalezas muertas, retratos, pintura del hogar, paisajes, animalismo, imágenes de personas desnudas, etc.
Animalismo (lat. animal - animal)
El género animal surgió en la antigüedad, cuando los primeros pueblos pintaban animales depredadores en las rocas. Poco a poco, esta dirección se convirtió en un género independiente, que implica una representación expresiva de cualquier animal. Los animalistas suelen tener un gran interés por el mundo animal, por ejemplo, pueden ser excelentes jinetes, tener mascotas o simplemente estudiar sus hábitos durante mucho tiempo. Como resultado de las intenciones del artista, los animales pueden aparecer realistas o en forma de imágenes artísticas.
Entre los artistas rusos, muchos conocían bien los caballos, por ejemplo, y. Así, en el famoso cuadro "Bogatyrs" de Vasnetsov, los caballos heroicos están representados con la mayor habilidad: los colores, el comportamiento de los animales, las bridas y su conexión con los jinetes están cuidadosamente pensados. A Serov no le gustaban las personas y consideraba que un caballo era en muchos sentidos mejor que una persona, por lo que a menudo lo representaba en una variedad de escenas. aunque pintaba animales, no se consideraba animalista, por lo que los osos eran su pintura famosa"Mañana en bosque de pinos”fue creado por el animalista K. Savitsky.
En la época zarista, los retratos con mascotas, queridas por el hombre, se hicieron especialmente populares. Por ejemplo, en el cuadro aparecía la emperatriz Catalina II con su amado perro. Los animales también estuvieron presentes en los retratos de otros artistas rusos.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género cotidiano.
pintura de historia
Este género involucra pinturas monumentales que están diseñadas para transmitir a la sociedad un plan grandioso, alguna verdad, moralidad o demostrar eventos importantes. Incluye obras sobre temas históricos, mitológicos, religiosos, folclore y escenas militares.
En los estados antiguos, los mitos y leyendas se consideraban durante mucho tiempo acontecimientos del pasado, por lo que a menudo se representaban en frescos o jarrones. Posteriormente, los artistas comenzaron a separar los hechos ocurridos de la ficción, que se expresaba principalmente en la imagen. escenas de batalla. EN Antigua Roma En Egipto y Grecia, a menudo se representaban escenas de batallas heroicas en los escudos de los guerreros victoriosos para demostrar su triunfo sobre el enemigo.
En la Edad Media, debido al predominio de los dogmas de la iglesia, prevalecieron los temas religiosos; en el Renacimiento, la sociedad volvió al pasado principalmente con el propósito de glorificar a sus estados y gobernantes, y desde el siglo XVIII se ha recurrido a menudo a este género. con el propósito de educar a los jóvenes. En Rusia, el género se generalizó en el siglo XIX, cuando los artistas a menudo intentaban analizar la vida de la sociedad rusa.
En las obras de artistas rusos se presentaron pinturas de batalla, por ejemplo, y. Tocó temas mitológicos y religiosos en sus pinturas. Entre ellos predominaba la pintura histórica, entre el folclore.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos en el género de la pintura histórica.
Naturaleza muerta (naturaleza francesa - naturaleza y muerte - muertos)
Este género de pintura está asociado con la representación de objetos inanimados. Pueden ser flores, frutas, platos, juegos, utensilios de cocina y otros objetos, a partir de los cuales el artista suele crear una composición según su plan.
Las primeras naturalezas muertas aparecieron en países antiguos. EN Antiguo Egipto Era costumbre representar ofrendas a los dioses en forma de diversos platos. Al mismo tiempo, el reconocimiento del objeto era lo primero, por lo que a los artistas antiguos no les importaba especialmente el claroscuro o la textura de los objetos de naturaleza muerta. En la antigua Grecia y Roma, se encontraban flores y frutas en pinturas y en casas para la decoración de interiores, por lo que se representaban de manera más auténtica y pintoresca. La formación y florecimiento de este género se produjo en los siglos XVI y XVII, cuando las naturalezas muertas comenzaron a contener significados religiosos y de otro tipo ocultos. Al mismo tiempo, aparecieron muchas variedades de ellos, según el tema de la imagen (floral, frutal, científico, etc.).
En Rusia, la pintura de naturalezas muertas floreció recién en el siglo XX, ya que antes se usaba principalmente con fines educativos. Pero este desarrollo fue rápido y capturado, incluido el arte abstracto en todas sus direcciones. Por ejemplo, creó hermosas composiciones florales, prefirió, trabajó y, a menudo, “revitalizó” sus naturalezas muertas, dando al espectador la impresión de que los platos estaban a punto de caerse de la mesa o que todos los objetos estaban a punto de empezar a girar.
Los objetos representados por los artistas estaban, por supuesto, influenciados por sus puntos de vista teóricos o su visión del mundo y su estado de ánimo. Se trataba, pues, de objetos representados según el principio de perspectiva esférica descubierto por él, y de naturalezas muertas expresionistas que asombraban por su dramatismo.
Muchos artistas rusos utilizaron la naturaleza muerta principalmente con fines educativos. Así, no sólo perfeccionó sus habilidades artísticas, sino que también realizó muchos experimentos, disponiendo objetos de diferentes maneras, trabajando con luz y color. Experimentó con la forma y el color de la línea, a veces alejándose del realismo hacia el puro primitivismo, a veces mezclando ambos estilos.
Otros artistas combinaron en naturalezas muertas lo que habían representado previamente con sus cosas favoritas. Por ejemplo, en las pinturas se puede encontrar su jarrón favorito, partituras y un retrato de su esposa que él mismo había creado previamente, y representó sus flores favoritas de la infancia.
En el mismo género trabajaron muchos otros artistas rusos, por ejemplo, y otros.
Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género de naturalezas muertas.
Desnudo (nudite francés - desnudez, abreviado como nu)
Este género pretende representar la belleza del cuerpo desnudo y apareció antes de nuestra era. EN mundo antiguo gran atención Se prestó especial atención al desarrollo físico, ya que de él dependía la supervivencia de toda la raza humana. Así, en la Antigua Grecia, los deportistas tradicionalmente competían desnudos para que los niños y jóvenes pudieran ver sus cuerpos bien desarrollados y luchar por la misma perfección física. Alrededor de los siglos VII-VI. antes de Cristo mi. También aparecieron estatuas masculinas desnudas, personificando el poder físico de un hombre. Las figuras femeninas, por el contrario, siempre aparecían ante el público en túnicas, ya que para exponer Cuerpo de mujer no fue aceptado.
En épocas posteriores, las actitudes hacia la desnudez cambiaron. Así, durante el helenismo (desde finales del siglo VI a. C.), la resistencia pasó a un segundo plano, dando paso a la admiración por la figura masculina. Al mismo tiempo comenzaron a aparecer las primeras figuras femeninas desnudas. En la época barroca, las mujeres con figuras curvilíneas se consideraban ideales; en la época rococó, la sensualidad se volvió primordial y, en los siglos XIX y XX, las pinturas o esculturas con cuerpos desnudos (especialmente los masculinos) a menudo estaban prohibidas.
Los artistas rusos han recurrido repetidamente al género del desnudo en sus obras. Entonces, se trata de bailarinas con atributos teatrales, son niñas o mujeres que posan en el centro de escenas monumentales. Tiene muchas mujeres sensuales, incluso en parejas, tiene toda una serie de pinturas que representan mujeres desnudas en diversas actividades, y tiene chicas llenas de inocencia. Algunas, por ejemplo, representaban a hombres completamente desnudos, aunque este tipo de pinturas no fueron bien recibidas por la sociedad de su época.
Ejemplos de pinturas de famosos artistas rusos del género del desnudo.
Paisaje (paisaje francés, de pays - terreno)
En este género, la prioridad es la representación del entorno natural o creado por el hombre: espacios naturales, vistas de ciudades, pueblos, monumentos, etc. Dependiendo del objeto elegido se distinguen paisajes naturales, industriales, marinos, rurales, líricos y otros.
Los primeros paisajes de artistas antiguos fueron descubiertos en arte roquero Era neolítica y eran imágenes de árboles, ríos o lagos. Posteriormente, el motivo natural se utilizó para decorar el hogar. En la Edad Media, el paisaje fue reemplazado casi por completo por temas religiosos, mientras que en el Renacimiento, por el contrario, pasó a primer plano la relación armoniosa entre el hombre y la naturaleza.
En Rusia, la pintura de paisajes se desarrolló a partir del siglo XVIII y al principio fue limitada (los paisajes, por ejemplo, se crearon en este estilo), pero más tarde toda una galaxia de talentosos artistas rusos enriqueció este género con técnicas de diferentes estilos y movimientos. Creó el llamado paisaje discreto, es decir, en lugar de perseguir vistas espectaculares, representó los momentos más íntimos de la naturaleza rusa. y llegó a un paisaje lírico que asombró al público por su estado de ánimo sutilmente transmitido.
Y este es un paisaje épico, cuando al espectador se le muestra toda la grandeza del mundo circundante. Volviendo sin cesar a la antigüedad, E. Volkov supo convertir cualquier paisaje discreto en una imagen poética, asombró al espectador con su maravillosa luz en los paisajes y pudo admirar sin cesar los rincones del bosque, los parques, las puestas de sol y transmitir este amor al espectador.
Cada uno de los paisajistas centró su atención en el paisaje que le fascinaba especialmente. Muchos artistas no pudieron ignorar los proyectos de construcción a gran escala y pintaron muchos paisajes industriales y urbanos. Entre ellos se encuentran obras,
La esencia de la pintura.
Las pinturas rupestres más antiguas, según los científicos, se realizaron hace unos 40 mil años. Las galerías de arte de la época prehistórica son cuevas con paredes pintadas con tintes naturales: arcilla, carbón, tiza, etc. Estos "museos" se encuentran en Europa, Asia, América y Australia.
Los dibujos de artistas antiguos tienen todas las características de verdaderas obras de arte. Se puede sentir la mirada aguda del observador, la mano firme del dibujante y la expresividad de las combinaciones de colores. Los géneros pictóricos creados hace un número inimaginable de años serán relevantes a lo largo de la historia de la humanidad, y siguen siendo significativos incluso ahora: imágenes de personas y animales, escenas de paz y guerra...
La esencia de las bellas artes tampoco ha cambiado durante muchos siglos: la creación de imágenes visuales que reflejan la impresión del creador humano desde mundo objetivo y fenómenos orden espiritual, crónica artística eventos históricos de diferentes escalas, un juego de fantasía e imaginación, basado en el trabajo y el talento. Para resolver estos problemas, los artistas han desarrollado varios estilos y géneros de pintura durante mucho tiempo. Su número es grande y sus características están determinadas por la creatividad de maestros específicos.
Pintura monumental y de caballete.
La fuerza del impacto artístico de una pintura depende de factores que muchas veces no tienen una definición clara. El tamaño de una pintura es uno de los criterios más convencionales a la hora de evaluar la escala de una obra de arte. Una acuarela del tamaño de una postal puede decir más sobre el mundo que paneles de varios metros con miles de caracteres.
La división de la pintura en monumental y de caballete no habla de la grandeza de las tareas creativas que resuelve el artista, sino que determina el método de exposición; Los frescos en las paredes de palacios y catedrales, las pinturas de enormes salones ocupan un lugar importante en la obra de los titanes del Renacimiento: el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel, es monumental en todos los sentidos. Pero ¿quién dirá que el retrato de una mujer florentina llamada Mona Lisa, pintado sobre una tabla de álamo de 70 x 53 cm, es menos significativo para el arte mundial?
Las pinturas creadas sobre lienzos, láminas y tableros separados, que tienen "movilidad", se suelen denominar obras de pintura de caballete. La pintura monumental siempre está relacionada con la arquitectura, con el diseño de interiores, por lo que para ver el fresco de Leonardo "La Última Cena" en la pared del refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, tendrás que ir a Milán.
Principales géneros de pintura.
Cada nueva era histórica da lugar a imágenes visibles típicas, los maestros aparecen con una forma única de mostrarlas, por lo que la cantidad de "ismos" en la historia del arte es enorme.
Los géneros de pintura se definen en un número ligeramente menor: la división de obras. Bellas Artes dependiendo del tema que interesara al artista-pintor. El paisaje, la naturaleza muerta, el retrato, la pintura narrativa o figurativa y la abstracción son los géneros más importantes de las bellas artes.
Vida de géneros
Todo está claramente relacionado con el período de la historia, y también con los géneros: nacen, se mezclan, cambian o desaparecen. Por ejemplo, sólo los especialistas conocen géneros pictóricos del siglo XVIII como la veduta, la rossica o la anterior vanitas. De hecho, estas son solo variedades de paisajes, retratos y naturalezas muertas.
Veduta (italiano veduta - "vista"): una vista del paisaje de la ciudad con detalles detallados, nacida en Venecia; el maestro vedutista más brillante es Canaletto (1697-1768). Rossika es el nombre que reciben los retratos creados por pintores de Europa occidental que llegaron a San Petersburgo.
Vanitas es una naturaleza muerta alegórica (en francés: Nature Morte - “naturaleza muerta”), en cuyo centro siempre hay una imagen de un cráneo humano. Este nombre proviene de la palabra latina vanitas, que significa vanidad, vanidad.
A menudo los temas de las pinturas están aislados. caracter nacional. Por ejemplo, hua-nyao (“imágenes de flores y pájaros”) y sus movimientos estilísticos: mo-zhu (“bambú pintado con tinta”) y mo-mei (“ciruela floreciente, pintada con tinta”) son todos géneros. pintura china teniendo importancia global. Sus mejores ejemplos pueden deleitar a cualquier espectador con su magistral precisión de dibujo y su especial espiritualidad, pero sólo podían nacer en la atmósfera. cultura antigua Imperio Celeste.
Escenario
Traducido del francés, pays es un país, una localidad. De aquí proviene el nombre de uno de los géneros pictóricos más populares: el paisaje. Aunque los primeros intentos de transmitir la naturaleza circundante se encuentran en las pinturas rupestres, y los maestros de Japón y China alcanzaron alturas inimaginables en la representación del cielo, el agua y las plantas mucho antes de nuestra era, paisaje clasico Puede considerarse un género relativamente joven.
Esto se debe a sutilezas tecnológicas. La posibilidad de salir al aire libre con un cuaderno de bocetos y pinturas en tubos, pintar de la naturaleza con luz natural, influyó en todos los géneros de la pintura. Se pueden encontrar ejemplos de florecimiento del paisaje sin precedentes al estudiar la obra de los impresionistas. Fue el cuadro del amanecer en el río cerca de Le Havre, pintado por Claude Monet (1840-1926), - "Impresión" ("Impresión") - el que dio nombre a un movimiento en la pintura que cambió radicalmente la visión de la fines y medios del arte.
Pero la historia posterior también conserva los nombres de grandes paisajistas. Si en los iconos y pinturas de la Edad Media la naturaleza es un fondo esquemático y plano para la imagen principal, desde principios del Renacimiento el paisaje ha sido un medio activo de conversación con el espectador. Giorgione ("La tormenta"), Tiziano ("La huida a Egipto"), El Greco ("Vista de Toledo"): en las pinturas de estos maestros, las vistas de la naturaleza se convierten en el contenido principal del lienzo, y en los paisajes de La comprensión de Pieter Bruegel el Viejo (1525-1569) sobre el lugar del ser humano en el mundo circundante alcanza una escala cósmica.
En la pintura rusa, las obras maestras de los maestros del paisaje son bien conocidas. "Mañana en un bosque de pinos" de I. I. Shishkin, "Above Eternal Peace" de I. I. Levitan, "Noche de luna en el Dnieper" de A. I. Kuindzhi, "Las torres han llegado" de A. K. Savrasov y muchas otras pinturas, no solo hermosas vistas o diferentes condiciones climáticas. Al igual que la música, pueden evocar nuevos pensamientos, emociones y sentimientos fuertes en el espectador y conducir a elevadas generalizaciones y verdades.
Tipos de paisaje: urbano, pintura marina.
El paisaje urbano (veduta, más tarde industrial) son géneros pictóricos con ejemplos de adeptos activos tanto entre los artistas como entre los amantes de esta dirección artística. ¿Cómo no admirar “Vista de la ciudad de Delft” de John Vermeer (1632-1675)?
El elemento agua siempre ha fascinado a la gente, especialmente a los artistas. Marinas, es decir, variedades de pinturas donde tema principal es el mar, empezó a separarse de los paisajes habituales a principios del siglo XVII en Holanda. Al principio eran simplemente “retratos de barcos”, pero luego el mar mismo se convirtió en el objeto principal que fascinó tanto a realistas como a románticos. Comenzó a complementar otros géneros de pintura. Se pueden encontrar ejemplos del uso del tema marino observando las pinturas religiosas y mitológicas de Rembrandt, los pintores de batallas holandeses, Delacroix y los impresionistas. El gran maestro pintor marino fue el inglés William Turner (1775-1851).
Nunca engañado tema marino I.K. Aivazovsky (1817-1900), quien se convirtió en el mayor artista y poeta del mar. “La Novena Ola”, “El Mar Negro” y más de 6.000 pinturas siguen siendo ejemplos insuperables de puertos deportivos.
Retrato
La imagen de la apariencia externa de una persona específica, existente o existente, y a través de la apariencia, la expresión de su contenido interno, así es como se puede determinar la esencia de uno de los géneros pictóricos más importantes. Esta esencia se mantuvo, aunque la moda cambió, aparecieron nuevos estilos de pintura y los obsoletos quedaron en el pasado, porque lo principal seguía siendo la individualidad, la singularidad del individuo. Al mismo tiempo, el género del retrato no tiene fronteras férreas, puede ser un elemento de pinturas narrativas y figurativas y tiene muchos subtipos de género.
El retrato de un gran hombre es un género histórico en la pintura. “¿Cómo es esto?”, preguntará el lector. Un héroe que tiene un parecido externo e interno con una persona específica está dotado de un entorno correspondiente al género "alto". Otros subtipos de retratos incluyen retratos disfrazados (mitológicos, alegóricos), típicos, familiares y de grupo.
Uno de mayores obras maestras, que durante tres siglos y medio no ha revelado completamente sus misterios, es La ronda de noche de Rembrandt. Este cuadro es un retrato grupal de un destacamento de policía militar, donde cada personaje tiene nombre específico y carácter. Entran en una interacción que da origen a una historia que emociona a cualquiera que comienza a mirar los rostros de la gente del siglo XVII.
Rembrandt Harmensz van Rijn (1608-1669) es también conocido como el autor de numerosos autorretratos, en los que se puede rastrear el destino del artista, lleno de golpes trágicos y breves períodos felices. En muchos de ellos se puede ver género cotidiano en la pintura, si se da importancia a un entorno y una vestimenta deliberadamente sencillos. Pero el genio del maestro llena los autorretratos de contenido cósmico. Este variedad de género está lleno de ejemplos de las mayores cumbres de habilidad y talento, porque ¿quién mejor que el autor¿Conoce a la persona retratada en este caso?
Naturaleza muerta
Otro de los géneros más populares es la expresión de la comprensión individual y social del mundo a través de la descripción del contenido temático. Para un verdadero artista, la elección de los componentes de la naturaleza muerta es importante hasta el más mínimo detalle: aquí comienza una historia fascinante, complementada exclusivamente medios artísticos: composición, diseño, color, etc. La originalidad estilística se expresa con especial claridad en el género de la naturaleza muerta: se trata de un trabajo cuidadosamente pensado sobre una naturaleza muerta con iluminación seleccionada, etc.
Habiendo comenzado su historia como parte integral de las composiciones religiosas y de género, la naturaleza muerta rápidamente se convirtió en un género valioso por derecho propio. Naturaleza muerta holandesa (vida de acero - « vida tranquila") es una página especial en la historia del arte. Lujosas composiciones de flores y comida o alegorías ascéticas de carácter intelectual, “trucos”... Sí, Naturaleza muerta holandesa Siglo XVII hay subespecies establecidas.
Se pueden encontrar obras maestras de este género en las obras de artistas de todos los estilos y movimientos importantes. Entre ellos se encuentran pinturas decorativas académicas de I. F. Khrutsky (1810-1885), producciones profundas y significativas de Cézanne (1839-1906) y los impresionistas, "Los girasoles" de Van Gogh y la abundante "Comida de Moscú" de I. I. Mashkov (1881). -1944 ) de "Jota de Diamantes", búsquedas figurativas de los cubistas y la lata de sopa de Andy Warhol.
Tipos de pintura altos y bajos.
Durante el período del clasicismo, la Academia Francesa de Bellas Artes consolidó la división en géneros altos y bajos en la pintura. En la jerarquía a la que gradualmente comenzaron a adherirse todas las principales academias de arte, el principal fue declarado el género histórico: el Gran Género. Incluía no sólo imágenes de batallas y otros acontecimientos del pasado, sino también pinturas sobre temas alegóricos y literarios, así como género mitológico cuadro. Fueron precisamente estos temas los que se consideraron dignos de los verdaderos maestros de las bellas artes.
El pequeño género, "género bajo", incluía (en orden descendente): retrato, género cotidiano en la pintura, paisaje, marinas, imágenes de animales (pintura de animales) y naturaleza muerta.
Viejos y nuevos géneros.
Lienzos sobre tema historico, que representan principalmente batallas militares, composiciones de varias figuras sobre temas religiosos y historias mitologicas Fueron fruto de la formación en numerosas academias de arte hasta finales del siglo XIX. Pinturas como "El último día de Pompeya" de K. P. Bryullov (1799-1852) fueron un acontecimiento mundial; sorprendieron por el alcance de su concepto y la habilidad de su implementación.
A la división académica en géneros se opusieron quienes abrieron nuevos horizontes: los impresionistas. Fueron ellos quienes crearon lienzos en los que escenas de vida ordinaria, las escenas de trabajo y ocio de ciudadanos y campesinos corrientes adquirieron el significado de un objeto de arte elevado.
Posteriormente aparecieron maestros que no necesitaban sujetos ni siquiera objetos para expresar sus ideas. mundo real, y las pinturas de artistas abstractos que no contienen objetos materiales o incluso referencias a ellos pueden clasificarse como un tipo de género separado.
Diversidad de estilos y géneros.
Un verdadero artista siempre busca su propio estilo, su propio rostro, su propia paleta. A menudo, para definir los estilos de pintura, los historiadores del arte tienen que inventar nuevos términos. Pero la correcta aplicación de estos conceptos y la correcta clasificación de género no puede superar la novedad y originalidad del talento artístico, la importancia de la contribución única de cada artista a la cultura mundial, al desarrollo de la comprensión del mundo con la ayuda de imágenes visuales.