Quelles œuvres sont regroupées en cycles musicaux ? Résumé : Thème : Formes cycliques. Brève description et principaux représentants des périodes culturelles

30.10.2019

Section 2 Genres de musique chorale

Thèmes 11 -12 CYCLES DE MUSIQUE VOCALE ET CHHORALE

Les compositeurs combinent souvent des œuvres vocales, chorales et instrumentales en cycles. Rappelons-nous le cycle instrumental « Le Carnaval des Animaux » de Camille Saint-Saëns. La musique de cette œuvre est pleine d'humour, elle contient des voix d'animaux.

La pièce préférée de nombreux fans de l'œuvre de K, Saint-Saëns est « Le Cygne ». DANS sujet principal Cette œuvre, interprétée par un violoncelle, représente le mouvement gracieux d'un cygne sur l'eau.

Un cycle vocal est un cycle de romances ou de chansons unies par une même idée.

Rappelez-vous quelles pièces du cycle « Le Carnaval des Animaux » de C. Saint-Saens vous avez écoutées dans les cours précédents. Qu'est-ce qui unit les œuvres de ce cycle ?

Le compositeur russe Modest Petrovich Moussorgski a créé un cycle vocal inégalé « Enfants », composé de sept miniatures musicales interprétées par un ou deux chanteurs accompagnés d'un piano. Poèmes pour chacun d'eux petites scènesécrit par le compositeur lui-même.

Une miniature est un petit morceau de musique, le plus souvent instrumental.

Dans la première pièce, intitulée « Avec Nanny », un enfant persuade sa nounou de dire différentes histoires. La particularité de cette œuvre est que le compositeur transmet l’émotion du garçon à travers un récitatif. Dans ce cas, les syllabes accentuées des mots akh coïncident avec le saut mélodique. Grâce à ces moyens musicaux, l’impression de parole vivante d’un enfant est créée.

La deuxième œuvre du cycle - « Dans le coin » commence par une note émotionnelle « haute » d'une nounou qui est en colère contre son animal de compagnie Mikhasik. Les croches continues sont une sorte d'accompagnement du vigukuvan : « Oh, espèce de farceur ! J'ai déroulé la balle et j'ai perdu les tiges ! Ouah! J'ai toutes les charnières baissées ! Le bas est tout éclaboussé d’encre ! 3 angles pour entendre la réponse réconfortante du garçon, incarnée dans des intonations mineures avec une fin descendante. Le bébé explique à la nounou que c'est le chaton qui a causé le mal, pas lui.

Couverture des partitions imprimées de la série « Enfants ». Moussorgski

Le discours de Mikhas se développe progressivement - la dynamique change, le rythme s'accélère, les intonations incertaines des excuses se transforment en cris d'enfant offensé. Dans les quatre dernières mesures, le tempo de la musique ralentit quelque peu - le garçon "menace" la nounou qu'il ne l'aimera plus à l'avenir, puisqu'elle l'a insulté.

Le cycle comprenait les pièces « Bug », « With a Doll », « Bedtime », « Sailor the Cat », « On a Stick ». D'autres, que le compositeur jouait pour ses amis, n'ont pas été conservés sous forme musicale.

Dans chaque partie, les enfants montrent leurs traits de caractère de différentes manières. situations de vie. Pour y parvenir, l’auteur associe harmonieusement paroles et musique. Grâce à cette interaction, chacune des pièces musicales et poétiques crée l'impression d'une œuvre holistique et complète, qui a droit à la vie en dehors du cycle.

Modeste Moussorgski, « Avec une nounou », « Dans le coin » du cycle vocal « Enfants ».

Quelle a été votre scène vocale préférée ? Quoi moyens musicaux le compositeur révèle-t-il le monde d'un enfant ? Faites attention à l'expressivité de la mélodie vocale et à son lien avec le texte. Quel est le rôle de l’accompagnement instrumental dans la création d’images musicales et poétiques ?

PORTRAIT D'UN COMPOSITEUR

Modeste Petrovitch Moussorgski :

"Si l'expression sonore de la pensée et des sentiments humains dans un discours simple se reflète fidèlement dans ma musique et qu'une telle reproduction est musicalement artistique, alors tout est en ordre!"

Modeste Petrovitch Moussorgski (1839-1881) - compositeur et auteur russe innovant chefs-d'œuvre d'opéra« Boris Godounov » et « Khovanshchina », dont la musique est profonde racines nationales. Il est également l'auteur d'œuvres orchestrales et instrumentales de chambre, de romances dont il s'est appuyé sur la création art folklorique. Les œuvres de l’artiste se distinguent par la profondeur, le drame et la véracité des images.

Né au village. Karevo, province de Pskov. Il a étudié et travaillé à Saint-Pétersbourg et a servi dans l'armée. Professionnel éducation musicale le compositeur ne l'a pas reçu et a commencé à créer de la musique en tant qu'amateur (amateur).

Cependant, il décide par la suite de consacrer sa vie à l'art et quitte le service.

Il a commencé son activité créatrice active dans les rangs du célèbre cercle national-patriotique des compositeurs russes " Puissant groupe". Les nécessités matérielles l'obligent cependant à travailler à nouveau comme fonctionnaire dans diverses institutions, ce qui le détourne de sa créativité.

En 1879, avec chanteur d'opéra Daria Leonova a fait une tournée de concerts dans les villes d'Ukraine. Les motivations ukrainiennes se reflètent dans son opéra inachevé « La Foire de Sorochinskaya », basé sur œuvre du même nom Nicolas Gogol.

Monument à N. Moussorgski près de l'école de musique de Krivoï Rog (Ukraine)

1. Quelles œuvres sont regroupées en cycles musicaux ? Quelle est la base du cycle vocal ?

2. Donnez des exemples de musiques dans l'œuvre : instrumentales, vocales, écrites sous forme de cycle.

Projet musical. Accédez à la section « Musique pour enfants » de la bibliothèque scolaire. Sélectionnez des images sur les enfants qui peuvent servir d'illustrations d'épigraphe pour chaque cycle de votre bibliothèque musicale. Affectation à volonté. Créez un cycle de plusieurs chansons célèbres sur un sujet précis, donnez-lui un nom. Pensez à la construction du cycle vocal, à l'évolution de la musique en fonction de l'intrigue choisie de l'œuvre et du contenu des chansons environnantes.

Les cycles musicaux comprennent des recueils de chansons ou de pièces de théâtre, créés selon un thème précis ou conclus avec les auteurs de fragments de leurs propres opéras, ballets, symphonies.

L’un des thèmes les plus appréciés qui a toujours inspiré les compositeurs à créer de la musique « magique » est la fête de Noël. Ainsi, le cycle pour piano de miniatures sur la mélodie des chants de Noël, courant dans la vie quotidienne des Ukrainiens, appartient à l'œuvre de Vasily Barvinsky.

Les artistes étrangers ne sont pas restés à l’écart non plus, dont beaucoup ont offert aux auditeurs de joyeux moments de musique de Noël. Par exemple, Compositeur britannique Benjamin Britten a créé un cycle choral de chants de Noël que l'on peut entendre pendant les vacances de Noël à salles de concert différents pays.

Je suis dans le monde de la musique : je perçois, je comprends

Benjamin Britten, « Wreath of Carols » ou « Wreath of Christmas Carols » pour chœur, solistes aigus et harpe (n° 2, 5, 10).

Décrire l'ambiance générale du travail et de l'individu miniatures chorales. Quelles couleurs de timbre apporte le son d’une harpe ?

PORTRAIT D'UN COMPOSITEUR

Benjamin Britten :

"N'abandonnez pas la première fois que vous écoutez un nouveau morceau et que vous ne le comprenez pas... N'oubliez pas que la musique n'est pas un divertissement, même si c'est à cela que sert la musique légère."

Benjamin Britten (1913-1976) - pianiste, chef d'orchestre britannique, l'un des les plus grands compositeurs XXe siècle, dont les œuvres représentent presque tous les genres musicaux.

Né dans le Suffolk, dans la famille d'un médecin. J'ai découvert étant enfant capacités musicales et commence à étudier la musique sous la direction de sa mère, pianiste amateur et membre active de la chorale locale. Les premières petites pièces inspirées des impressions la vie de famille, est apparu tôt - à l'âge de 8 ans. A l'âge de 12 ans, Benjamin écrit "Simple Symphony" pour orchestre à cordes, et à 16 ans il entre au Royal College of Music (Conservatoire). Au cours de ses études, il a écrit de nombreuses œuvres chorales, symphoniques et de chambre, dont plusieurs chansons pour enfants. Depuis, l’auteur ne cesse de se tourner vers la musique pour enfants.

Le jeune compositeur a obtenu son premier emploi dans une société de cinéma documentaires, où se trouvait un petit ensemble instrumental. Grâce à son travail au cinéma, Britten a appris à écrire de la musique rapidement, même en l'absence d'inspiration, et sur des sujets variés, souvent pas du tout poétiques (par exemple, sur le déchargement d'un navire).

En 1939 p., lorsque le Deuxième Guerre mondiale, Britten est allé en Amérique. En réponse aux événements tragiques survenus en Europe, est née la cantate « Ballade des héros », dédiée à la lutte contre le fascisme en Espagne. Trois ans plus tard, le compositeur retourne dans son pays natal et s'installe dans la ville balnéaire d'Aldbour. Là, plusieurs opéras ont vu le monde, notamment « Peter Grimes ».

L'artiste a aussi beaucoup écrit œuvres musicales pour les enfants et les jeunes. Les jeunes spectateurs participent eux-mêmes au spectacle « Créons un opéra ».

MINERAI DE CHARRUE OH U POLI

Oh, il y a une charrue dans le champ.

Bonne soirée, bonsoir,

Bonne santé aux bonnes personnes !

(Répétez après chaque ligne.)

Là, Vasilko marche avec une charrue.

Sa mère lui apporte à manger.

Ori, fils, thuyu nivka.

Oui, et nous semerons du blé.

1. Nommez les cycles vocaux-choraux que vous connaissez ainsi que leurs auteurs.

2. Rappelez-vous et expliquez quand, pendant les vacances de Noël et du Nouvel An, les chants de Noël sont chantés et quand les šedrivkas sont chantées.

Projet musical. Découvrez quels chants de Noël et schedrivkas sont courants dans votre région. Notez les titres et les paroles de vos chansons préférées. Si possible, enregistrez des mélodies. Avec vos parents ou adultes, créez une « Couronne de chants de Noël et de cadeaux pour ma famille » ou une « Couronne de Noël de chants de ma terre ».

Les formes cycliques sont celles qui se composent de plusieurs parties, généralement indépendantes dans leurs parties thématiques et formatrices, séparées par des pauses non régulées qui interrompent le flux du temps musical (ligne à double mesure avec un « gras » ligne droite). Toutes les formes cycliques incarnent un contenu plus diversifié et multiforme, uni par un concept artistique.

Certaines formes cycliques sous la forme la plus généralisée incarnent un concept de vision du monde, la messe, par exemple, est théocentrique, et plus tard le cycle sonate-symphonique est anthropocentrique.

Le principe de base de l'organisation des formes cycliques est le CONTRASTE, DONT L'EXPRESSION EST HISTORIQUEMENT VARIABLE ET AFFECTE DIFFÉRENTS MOYENS D'EXPRESSION MUSICALE.

Les formes cycliques se sont répandues à l'époque baroque (fin du XVIe - première moitié du XVIIIe siècle). Ils sont très divers : cycles en deux parties avec fugue, concerti grossi, concertos pour instrument soliste et orchestre, suites, partitas, sonates solo et d'ensemble.

Les racines de nombreuses formes cycliques résident dans deux types d'ouvertures d'opéra du XVIIe siècle, dites françaises (Lully) et italiennes (A. Stradella, A. Scarlatti), utilisant des contrastes de tempo standardisés. Dans l'ouverture française, le plus significatif était le rapport entre la première section lente (de nature solennelle-pathétique) et la seconde polyphonique rapide (généralement une fugue), se terminant parfois par un court Adagio (parfois basé sur le matériel de la première section ). Ce type de relation de tempo, lorsqu'il est répété, devient tout à fait typique des sonates d'ensemble et des Concerti grossi, généralement composés de 4 mouvements. Dans les concerti grossi de Corelli, Vivaldi et Haendel, la fonction de l’introduction s’exprime assez clairement dès les premiers mouvements. Il se développe non seulement en raison du tempo lent et de la longueur relativement courte, mais aussi en raison de l'ouverture harmonique parfois présente.

Les 6 Concertos Brandebourgeois de J.S. Bach (1721), dans lequel tous les premiers mouvements sont non seulement écrits à un rythme rapide, mais sont les plus développés, les plus étendus, déterminant le développement ultérieur des cycles. Cette fonction des premiers mouvements (avec des différences dans la formation interne) anticipe la fonction du 1er mouvement dans le cycle sonate-symphonique ultérieur.

L’influence de ce type de relations de tempo est un peu moins perceptible dans les suites et partitas qui leur sont proches. Dans le rapport des danses « obligatoires », il y a un contraste tempo-rythmique répétitif et intensifié : une allemande à deux temps moyennement lente est remplacée par un carillon à trois temps moyennement rapide, une sarabande à trois temps très lente est remplacée par un très gigue rapide (généralement en six ou douze mesures, combinant deux et trois temps). Ces cycles sont cependant assez libres en nombre de pièces. Il y a souvent des mouvements d'introduction (prélude, prélude et fugue, fantaisie, sinphonie), et entre la sarabande et la gigue il y avait des mouvements dits « insérés », plus danse moderne(gavotte, menuet, bourre, rigaudon, leurre, musette) et airs. Souvent, il y avait deux danses insérées (particulièrement typiques des menuets et des gavottes), à la fin de la seconde il y avait une instruction de répéter la première. Bach a conservé toutes les danses « obligatoires » dans ses suites, d'autres compositeurs les ont traitées plus librement, dont seulement une ou deux d'entre elles.

Dans les partitas, où toutes les danses « obligatoires » sont souvent conservées, la gamme de genres de numéros insérés est beaucoup plus large, par exemple le rondo, le capriccio, le burlesque.

En principe, dans une suite (rangée) les danses sont égales, il n'y a pas de diversité fonctionnelle. Toutefois, certaines caractéristiques commencent à apparaître. Ainsi, la sarabande devient le centre lyrique de la suite. Il est très différent du prototype sobre, dur, lourd et solennel du quotidien avec sa tendresse sublime, sa sophistication, sa grâce texturée et son son dans le registre médium-aigu. Souvent, ce sont les sarabandes qui comportent des doubles ornementaux, ce qui renforce leur fonction de centre lyrique. Dans la gigue (la plus « commune » à l'origine - la danse des marins anglais), la plus rapide en tempo, grâce à son énergie, son caractère de masse et sa polyphonie active, se forme la fonction du finale.

Les relations de tempo de l'OUVERTURE ITALIENNE, qui comprenait trois sections (extrême - rapide, polyphonique, moyenne - lente, mélodieuse), se transforment en cycles de concertos en trois parties pour un instrument soliste (moins souvent, pour deux ou trois solistes) avec un orchestre . Malgré les changements de forme, le cycle de concerts en trois parties Plan général a maintenu la stabilité du 17ème siècle au époque romantique. Le caractère actif et compétitif des premiers mouvements est sans doute très proche de l’allegro de la sonate classique.

Une place particulière est occupée par les cycles en deux parties avec fugue, où le contraste fondamental est dans différents types pensée musicale: plus libre, improvisé, parfois plus homophonique dans les premiers mouvements (prélude, toccata, fantaisies) et plus strictement logiquement organisé dans les fugues. Les relations de tempo sont très diverses et défient toute typification.

La formation du cycle sonate-symphonique a été fortement influencée par les premières parties de concerts pour instrument soliste et orchestre (futures sonates Allegri symphonies), les sarabandes lyriques de suites (prototypes d'Andanti symphonique), les concerts actifs et énergiques (prototype de finales). Dans une certaine mesure, les symphonies révèlent également l'influence des Concerti grossi avec leurs mouvements initiaux lents. De nombreuses symphonies des classiques viennois commencent par des introductions lentes de durées variables (notamment Haydn). L'influence des suites est également évidente dans la présence d'un menuet avant le finale. Mais le concept de fond et la définition fonctionnelle des parties du cycle sonate-symphonique sont différents. Le contenu de la suite, qui a été défini comme DIVERSITÉ DE L'UNITÉ, dans le cycle sonate-symphonique peut être formulé comme UNITÉ DE DIVERSITÉ. Les parties du cycle sonate-symphonique sont coordonnées fonctionnellement de manière beaucoup plus rigide. Le genre et les rôles sémantiques des parties reflètent les principales facettes de l'existence humaine : action (Homo agens), contemplation, réflexion ( Homo sapiens), le repos, le jeu (Homo ludens), l'homme en société (Homo communis).

Le cycle symphonique a un profil de tempo fermé basé sur le principe du JUMP WITH FILLING. L'opposition sémantique entre l'Allegri des premiers mouvements et l'Andanti est soulignée non seulement par la relation nette du tempo, mais aussi, en règle générale, par le contraste tonal.

Les cycles symphoniques et de chambre avant Beethoven étaient nettement différents les uns des autres. Grâce aux moyens d'exécution (orchestre), la symphonie a toujours assumé une sorte de « publicité », semblable à performance théatrale. Les œuvres de chambre se distinguent par une grande variété et une grande liberté, ce qui les rapproche des œuvres narratives. genres littéraires(sous condition, bien sûr), à plus d’« intimité » personnelle et de lyrisme. Les quatuors sont les plus proches d'une symphonie ; les autres ensembles (trios, quintettes de compositions différentes) sont moins nombreux et, souvent, plus proches d'une suite plus libre, ainsi que les divertissements, sérénades et autres genres de musique orchestrale.

Les sonates pour piano et ensemble comportent généralement 2 à 3 mouvements. Dans les premiers mouvements, la forme sonate est la plus courante (toujours dans les symphonies), mais on retrouve également d'autres formes (trois parties complexes, variations, rondo chez Haydn et Mozart, variations chez Beethoven par exemple).

Les sections principales des premiers mouvements des symphonies sont toujours au tempo Allegro. Dans les sonates de chambre, la désignation de tempo Allegro est également assez courante, mais on trouve également des désignations de tempo plus tranquilles. Dans les sonates solo et de chambre, il n'est pas rare de combiner des rôles de genre fonctionnel au sein d'un même mouvement (lyrique et danse, danse et finale par exemple). En termes de contenu, ces cycles sont plus diversifiés ; ils deviennent en quelque sorte un « laboratoire » pour la poursuite du développement cycles. Par exemple, le genre scherzo apparaît pour la première fois dans les sonates pour piano de Haydn. Plus tard, le scherzo deviendra une partie à part entière du cycle sonate-symphonique, remplaçant quasiment le menuet. Le scherzo incarne l’élément sémantique plus large du jeu (du jeu quotidien au jeu des forces cosmiques, comme dans la Neuvième Symphonie de Beethoven, par exemple). Si Haydn et Mozart n’avaient pas de sonates en quatre mouvements, les premières sonates pour piano de Beethoven utilisent des relations de tempo et de genre typiques des symphonies.

Plus loin développement historique Le cycle sonate-symphonique (à partir de Beethoven) « se ramifie » (avec des « racines » communes) en une branche « traditionnelle », actualisant le contenu de l'intérieur et plus radicale, « innovante ». Dans le « traditionnel », les images lyriques et épiques sont renforcées, des détails de genre sont souvent introduits (romance, valse, élégie, etc.), mais le nombre traditionnel de parties et de rôles sémantiques sont préservés. En raison du nouveau contenu (lyrique, épique), les premières parties perdent leur rythme rapide, conservant l'intensité du déroulement procédural et l'importance de la partie qui détermine l'ensemble du cycle. Le scherzo devient ainsi la deuxième partie, déplaçant le contraste général plus profondément dans le cycle, entre la partie lente (la plus personnelle) et le finale de masse rapide, ce qui donne au développement du cycle une plus grande aspiration (la relation entre le menuet et le le final, souvent aussi dansé, est plus unidimensionnel, réduisant l'attention des auditeurs).

Dans les symphonies classiques, les premiers mouvements sont les plus typiques en termes de forme (la forme sonate et ses variétés ; la plus grande variété de formes des premiers mouvements des sonates de chambre a été évoquée plus haut). Dans les menuets et les scherzos, la forme complexe à trois voix prédomine de manière décisive (non sans exceptions bien entendu). Les mouvements les plus lents (formes simples et complexes, variations, rondo, sonate dans toutes les variétés) et les finales (sonate avec variations, variations, rondo, rondo sonate, parfois trois mouvements complexes) se distinguent par la plus grande variété de formation.

Dans musique française Au XIXe siècle, un type de symphonie en trois mouvements est apparu, où les seconds mouvements combinent les fonctions de lent (sections extérieures) et de danse-scherzo (milieu). Telles sont les symphonies de David, Lalo, Franck, Bizet.

Dans la branche « innovante » (encore une fois, il faut rappeler le caractère commun des « racines »), les changements sont extérieurement plus visibles. Ils se produisent souvent sous l'influence de la programmation (la Sixième Symphonie de Beethoven, « Fantastique », « Harold en Italie », la Symphonie « Deuil et Triomphe » de Berlioz), des compositions et des idées d'exécution inhabituelles (Neuvième Symphonie de Beethoven, Deuxième, Troisième, Quatrième Symphonies de Mahler) . Il peut y avoir un « dédoublement » de parties, à la suite ou symétriquement (certaines symphonies de Mahler, la Troisième Symphonie de Tchaïkovski, la Deuxième Symphonie de Scriabine, certaines symphonies de Chostakovitch), une synthèse de genres différents (symphonie de cantate, symphonie de concert).

Au milieu du XIXe siècle, le cycle sonate-symphonique acquiert l'importance du genre le plus conceptuel, suscitant le respect de lui-même, ce qui conduit à une certaine diminution quantitative des cycles sonate-symphonique. Mais il existe une autre raison liée à l’esthétique romantique, qui cherchait à capturer le caractère unique de chaque instant. Cependant, la polyvalence de l’être ne peut s’incarner que par une forme cyclique. Cette fonction est remplie avec succès par la nouvelle suite, caractérisée par une flexibilité et une liberté extraordinaires (mais pas d'anarchie), capturant les contrastes dans toute la diversité de leurs manifestations. Très souvent, les suites sont créées à partir de musiques d'autres genres (pour des représentations dramatiques, d'opéra et de ballet, et plus tard à partir de musique de film). Les nouvelles suites sont diverses en termes de compositions performatives (orchestre, solo, ensemble) et peuvent être programmatiques ou non programmatiques. La nouvelle suite s'est répandue dans la musique des XIXe et XXe siècles. Le mot « suite » ne peut pas être utilisé dans le titre (« Papillons », « Carnaval », Kreisleriana, Pièces fantastiques, Carnaval de Vienne, Album pour la jeunesse et autres œuvres de Schumann, Les Saisons de Tchaïkovski, Tableaux d'une exposition de Moussorgski). De nombreuses œuvres de miniatures (préludes, mazurkas, nocturnes, études) sont pour l'essentiel similaires à la nouvelle suite.

La nouvelle suite gravite autour de deux pôles : un cycle de miniatures et une symphonie (les deux suites de Grieg depuis la musique du drame d'Ibsen Peer Gynt, Shéhérazade et Antar de Rimski-Korsakov, par exemple).

Les cycles vocaux sont proches dans leur organisation de la nouvelle suite, à la fois « intrigues » (« La belle femme de Miller » de Schubert, « L'amour et la vie d'une femme » de Schumann) et généralisés (« Winter Reise » de Schubert, « L'Amour d'un poète » de Schumann), ainsi que des cycles choraux et quelques cantates.

Souvent, dans la musique baroque, ainsi que dans la musique classique et ultérieure, il n'est pas toujours possible de déterminer le nombre de parties, car la mise en scène d'attaque, qui se produit assez souvent, n'interrompt pas le flux du temps musical perceptuel. En outre, il arrive souvent que la musique, indépendante dans sa thématique et, dans une large mesure, dans sa forme, soit divisée par deux lignes de mesure subtiles (Sinphonie de la Partita en do mineur de Bach, Sonate pour violon et piano en la mineur de Mozart /K-402 /, Fantaisie en do mineur /K -457/, Sonates pour violoncelle et piano de Beethoven op. 69, op. 102 n° 1 et bien d'autres œuvres de différents auteurs), ce qui conduit à la formation de formes individuelles (libres). Ils peuvent être appelés composites de contraste (terme de V.V. Protopopov) ou continus-cycliques.

Exécution pièces détachéesà partir d'œuvres cycliques est autorisé, mais les cycles dans leur ensemble sont unis par un CONCEPT ARTISTIQUE DONT LA MISE EN ŒUVRE EST RÉALISÉE PAR DES MOYENS MUSICAUX.

L'unité peut se manifester de manière générale : à travers le tempo, les appels nominaux figuratifs des parties, semblables principes harmoniques, plan tonal, structure, organisation métro-rythmique, connexions intonatives dans toutes les parties et, surtout, dans les extrêmes. Ce type d'unité est COMMUN MUSICAL. IL S'EST DÉVELOPPÉ DANS LES FORMES CYCLIQUES DU BAROQUE et est une condition nécessaire à l'utilité artistique des formes cycliques de toute époque.

Mais l'unité du cycle peut être réalisée de manière plus claire et plus spécifique : à l'aide de thèmes musicaux, des réminiscences ou, beaucoup moins souvent, des signes avant-coureurs. Ce type d'unité est apparu dans le processus de développement et de complexité des formes musique instrumentale, apparaissant pour la première fois chez Beethoven (dans les Cinquième, Neuvième Symphonies, quelques sonates et quatuors). D'une part, le principe THÉMATIQUE d'unité (discuté en détail par M.K. Mikhailov dans l'article « Sur l'unification thématique du cycle sonate-symphonique » // Questions de théorie et d'esthétique de la musique : numéro 2. - M. : S.K. , 1963) apparaît comme une « condensation », un concentré de connexions intonales ; on y décèle en revanche l'influence de la musique à programme et, en partie, le leitmotiv de la dramaturgie lyrique ;

Le principe thématique de l'unité viole dans une certaine mesure une caractéristique des formes cycliques telle que l'indépendance de la thématicité des parties, sans affecter l'indépendance de la construction de la forme (le transfert des thèmes, en règle générale, se produit dans des sections non réglementées des formes - dans les introductions et codas, principalement). Au cours du développement historique ultérieur, le principe thématique de l'unité est devenu un principe DÉDUCTIF, dans lequel la formation des parties individuelles dépend plus directement du concept général figuratif, de contenu et de composition du cycle. Le caractère thématique des parties précédentes influence activement la formation des suivantes, participant à leurs sections principales (aux développements, par exemple), ou provoque une modulation dans la forme, une transformation du stéréotype.

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Cycle "prélude-fugue"

Le cycle en deux parties « Prélude-fugue » est connu depuis l’époque baroque. Il s’agit de fonctionnaliser le prélude comme introduction improvisée à une fugue.

Les cycles Prélude-fugue peuvent être combinés en cycles plus larges basés sur un principe formel ou thématique. La plupart exemple célèbre- « Le Clavier bien tempéré » de J. S. Bach, construit sur le principe d'une certaine alternance de correspondances mode-ton. Un exemple tiré de la musique du XXe siècle est « 24 Préludes et Fugues » de D. D. Chostakovitch.

Cycle de suites

Au XXe siècle, le genre de la suite est considérablement repensé, de nouvelles techniques lui sont appliquées (comme par exemple les suites orchestrales dodécaphoniques de A. Schoenberg et A. Berg), couvertes nouveau matériel(par exemple, dans la suite « 1922 » de P. Hindemith, on utilisait des danses à la mode de l'époque correspondante : shimmy, boston, ragtime).

Certaines œuvres de musique non académique (principalement le rock progressif) gravitent également vers la forme suite. Les exemples incluent "Lizard" de l'album du même nom du groupe de rock King Crimson et "Atom Heart Mother" de l'album du même nom de Pink Floyd. Cependant, les « suites rock » sont aussi souvent appelées compositions qui gravitent davantage vers des formes libres et mixtes (dans la terminologie théorique musicale traditionnelle).

Cycle sonate-symphonique

Le cycle sonate-symphonique comprend les genres les plus abstraits de la musique académique, tels que la symphonie, la sonate, le quatuor, le concerto. Il se caractérise par :

abstraction de la nature appliquée de la musique (même si le matériel appliqué est utilisé comme matériau pour n'importe quelle partie) ;
la possibilité de contrastes figuratifs et sémantiques entre les parties individuelles (jusqu'à leur opposition directe) ;
développement tonal complexe;
fonctions et formes établies des parties individuelles (caractéristique de certains genres de musique sonate-symphonique).

La sonate classique s'est formée au XVIIIe siècle, a atteint l'apogée du développement des classiques viennois et reste, avec quelques réserves, un genre vivant. La symphonie en tant que genre s'est formée au milieu du XVIIIe siècle, elle a également atteint son apogée dans les classiques viennois et reste un genre vivant de la musique académique. (La forme symphonique ne doit pas être confondue avec le symphonisme, qui peut aussi être caractéristique d'œuvres non liées à cette forme). Le quatuor a pris la forme d'un cycle de sonates dans l'œuvre de J. Haydn et s'est développé davantage dans l'œuvre des classiques viennois. Dans la seconde moitié du XXe siècle, les principes leitmotivs et monothématiques sont devenus caractéristiques de nombreuses œuvres de ce genre. Concert comme type d'œuvre cyclique sonate-symphonique, caractérisée par des sons contrastés composition complète ensemble et groupes individuels ou solistes, formés sous sa forme aujourd'hui connue à la fin du XVIIIe siècle.)))))))

Formes libres et mixtes

Une œuvre musicale peut être constituée de parties unies selon un principe différent de celles des genres répertoriés, tout en ayant un caractère cyclique à un degré ou à un autre. Il s'agit de nombreux genres de musique sacrée appliquée (messe, concert spirituel, veillée nocturne), de cantates, de cycles vocaux et vocaux-choraux (intrigue et lyrique).

Grands cycles

Sources

G. V. Jdanova. « Symphonie » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : " Encyclopédie soviétique", 1990, p. 499.
Yu. I. Neklyudov. « Suite » // Musicale Dictionnaire encyclopédique. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, pp. 529-530.
V. P. Fraenov. " Formes cycliques» // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, p. 615.
V.P. Chinaev. « Sonate » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, pp. 513-514.

voir également

Quatuor (genre)

Fondation Wikimédia.

2010.

En musique, les formes musicales d'une œuvre présupposent la présence de parties distinctes, indépendantes dans leur structure, mais reliées par une unité de concept. Dans l'histoire de la musique académique, on connaît les cycles de « préludes de fugue », les cycles de suites, les sonates symphoniques... ... Wikipédia

Formes musicales d'une œuvre qui présupposent la présence de parties distinctes, indépendantes dans leur structure, mais reliées par une unité de concept. Dans l'histoire de la musique académique, les cycles de « prélude de fugue », les cycles de suites et les cycles sonates-symphoniques sont connus.... ... Wikipédia

I La musique (du grec musike, littéralement l'art des muses) est un type d'art qui reflète la réalité et influence une personne à travers des séquences sonores significatives et spécialement organisées, composées principalement de sons... ... Grande Encyclopédie Soviétique

Forme de variation, ou variations, un thème avec variations, un cycle de variations, une forme musicale constituée d'un thème et de ses plusieurs (au moins deux) reproductions modifiées (variations). C'est l'une des formes musicales les plus anciennes (connue depuis le XIIIe siècle).... ... Wikipédia

Ce terme a d'autres significations, voir Période. Une période musicale est la plus petite structure compositionnelle complète exprimant une pensée musicale plus ou moins complète. Et se compose le plus souvent de 2 phrases. Table des matières 1 Rôle dans ... ... Wikipédia

Une période musicale est la plus petite structure compositionnelle complète exprimant une pensée musicale plus ou moins complète. Cela peut également constituer une forme de travail indépendant. En allemand, il existe un terme musical similaire... ... Wikipédia

Œuvres musicales liées à des textes à caractère religieux, destinées à être exécutées lors service de l'Église ou dans la vie de tous les jours. La musique sacrée au sens étroit signifie la musique d'église des chrétiens ; V dans un sens large spirituel... ... Wikipédia

- (lat. forma vue, apparence, image, apparence, beauté) d'une composition, est déterminé en considérant sa conception (schéma, modèle ou structure) et son évolution au fil du temps. La forme musicale (en particulier dans la musique ancienne et religieuse) est pratiquement indissociable... Wikipédia

7e année
Sujet : Formes cycliques

Les formes cycliques en musique sont des œuvres qui présupposent la présence de parties distinctes, indépendantes dans leur structure, mais reliées par une unité de concept.

Dans l'histoire de la musique académique, on connaît les cycles « prélude-fugue », les cycles de suites et les cycles sonate-symphonique.

Un cycle peut également être appelé une série d'œuvres interconnectées (dont chacune peut ou non avoir une forme cyclique) ou programmes de concerts.

Dans la musique non académique (jazz, rock), les albums concepts et les grandes œuvres individuelles peuvent graviter vers des formes cycliques.

^ Cycle "Prélude-Fugue"

Le cycle en deux parties « prélude-fugue » est connu depuis l'époque baroque

Le prélude fait office d’introduction improvisée à la fugue.

Les cycles Prélude-fugue peuvent être combinés en cycles plus larges basés sur un principe formel ou thématique. L’exemple le plus célèbre est « Le Clavier bien tempéré » de J. S. Bach.

Suite (du français Suite - « rangée », « séquence ») est une forme musicale cyclique composée de plusieurs parties contrastées indépendantes, unies par un concept commun.

La suite, connue depuis le XVIe siècle, se caractérise par :

le lien des parties individuelles de l'œuvre avec les genres appliqués traditionnels (chant, danse), la simplicité de la structure des parties ;

comparaison contrastée des pièces;

une tendance à l'unité ou à une similitude étroite dans la tonalité des parties.

Cycle sonate-symphonique

Le cycle sonate-symphonique comprend les genres les plus abstraits de la musique académique, tels que la symphonie, la sonate, le quatuor et le concerto.

Il se caractérise par :

abstraction de la nature appliquée de la musique (même si le matériel appliqué est utilisé comme matériau pour n'importe quelle partie) ;

la possibilité de contrastes figuratifs et sémantiques entre les parties individuelles (jusqu'à leur opposition directe) ;

développement tonal complexe;

fonctions et formes établies des parties individuelles (caractéristique de certains genres de musique sonate-symphonique).

La sonate classique a été créée au XVIIIe siècle et a atteint son apogée dans les classiques viennois (Haydn, Mozart, Beethoven).

La symphonie en tant que genre s'est formée au milieu du XVIIIe siècle et a également atteint son apogée dans les classiques viennois.

La symphonie (du grec συμφονία - « consonance ») est un genre de musique instrumentale symphonique d'une forme canonisée en plusieurs parties au contenu idéologique fondamental.

Formes libres et mixtes

Grands cycles

Des œuvres entières peuvent également être combinées en un cycle (chacun d’entre eux pouvant à son tour avoir ou non un caractère cyclique).

Il s’agit notamment des cycles de préludes et de fugues mentionnés ci-dessus, de la tétralogie de R. Wagner « L’Anneau du Nibelung », des albums concepts de musique non académique, ainsi que de certaines œuvres majeures du jazz et du rock.

La forme sonate est une forme musicale composée de trois sections principales :

Exposition – contraste entre thèmes principaux et secondaires

Développement - développement de ces sujets

Reprise - répétition de ces thèmes avec quelques changements

Écoutons:

J.S.Bach, Prélude et Fugue n°6, ré mineur, 1er volume du KhTK

L. van Beethoven, Sonate n° 1, fa mineur