Grands compositeurs classiques : une liste des meilleurs. Compositeurs classiques russes. Formes cycliques Exemples de cycles musicaux du compositeur

03.11.2019

Cycle "prélude-fugue"

Le cycle en deux parties « Prélude-fugue » est connu depuis l’époque baroque. Il s'agit de la fonctionnalisation du prélude comme introduction improvisée à une fugue.

Les cycles Prélude-fugue peuvent être combinés en cycles plus larges basés sur un principe formel ou thématique. La plupart exemple célèbre- « Le Clavier bien tempéré » de J. S. Bach, construit sur le principe d'une certaine alternance de correspondances mode-ton. Un exemple tiré de la musique du XXe siècle est « 24 Préludes et Fugues » de D. D. Chostakovitch.

Cycle de suites

Au XXe siècle, le genre de la suite a été considérablement repensé, de nouvelles techniques lui ont été appliquées (par exemple, les suites orchestrales dodécaphoniques de A. Schoenberg et A. Berg), de nouveaux matériaux ont été abordés (par exemple, dans P. Hindemith suite « 1922 », danses à la mode de l'époque correspondante : shimmy, boston, ragtime).

Certaines œuvres de musique non académique (principalement le rock progressif) gravitent également vers la forme suite. Les exemples incluent "Lizard" de l'album du même nom du groupe de rock King Crimson et "Atom Heart Mother" de l'album du même nom de Pink Floyd. Cependant, les « suites rock » sont aussi souvent appelées compositions qui gravitent davantage vers des formes libres et mixtes (dans la terminologie théorique musicale traditionnelle).

Cycle sonate-symphonique

Le cycle sonate-symphonique comprend les genres les plus abstraits de la musique académique, tels que la symphonie, la sonate, le quatuor, le concerto. Il se caractérise par :

abstraction de la nature appliquée de la musique (même si le matériel appliqué est utilisé comme matériau pour n'importe quelle partie) ;
la possibilité de contrastes figuratifs et sémantiques entre les parties individuelles (jusqu'à leur opposition directe) ;
développement tonal complexe;
fonctions et formes établies des parties individuelles (caractéristique de certains genres de musique sonate-symphonique).

La sonate classique s'est formée au XVIIIe siècle, a atteint l'apogée du développement des classiques viennois et reste, avec quelques réserves, un genre vivant. La symphonie en tant que genre s'est formée au milieu du XVIIIe siècle, elle a également atteint son apogée dans les classiques viennois et reste un genre vivant de la musique académique. (La forme symphonique ne doit pas être confondue avec le symphonisme, qui peut aussi être caractéristique d'œuvres non liées à cette forme). Le quatuor a pris la forme d'un cycle de sonates dans l'œuvre de J. Haydn et s'est développé davantage dans l'œuvre des classiques viennois. Dans la seconde moitié du XXe siècle, les principes leitmotivs et monothématiques sont devenus caractéristiques de nombreuses œuvres de ce genre. Le concerto, en tant que type d'œuvre cyclique sonate-symphonique, caractérisée par l'opposition du son de l'ensemble complet et des groupes individuels ou solistes, a pris forme sous sa forme aujourd'hui connue à la fin du XVIIIe siècle.))) ))))

Formes libres et mixtes

Une œuvre musicale peut être constituée de parties réunies selon un principe différent de ceux des genres répertoriés, tout en présentant néanmoins, à un degré ou à un autre, un caractère cyclique. Il s'agit de nombreux genres de musique sacrée appliquée (messe, concert spirituel, veillée nocturne), de cantates, de cycles vocaux et vocaux-choraux (intrigue et lyrique).

Grands cycles

Sources

G. V. Jdanova. « Symphonie » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : " Encyclopédie soviétique", 1990, p. 499.
Yu. I. Neklyudov. « Suite » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, pp. 529-530.
V. P. Fraenov. « Formes cycliques » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, p. 615.
V.P. Chinaev. « Sonate » // Dictionnaire encyclopédique musical. M. : « Encyclopédie soviétique », 1990, pp. 513-514.

voir également

Quatuor (genre)

Fondation Wikimédia.

2010.

Voyez ce que sont les « Formes cycliques (musique) » dans d'autres dictionnaires :

En musique, les formes musicales d'une œuvre présupposent la présence de parties distinctes, indépendantes dans leur structure, mais reliées par une unité de concept. Dans l'histoire de la musique académique, on connaît les cycles de « préludes de fugue », les cycles de suites, les sonates symphoniques... ... Wikipédia

I La musique (du grec musike, littéralement l'art des muses) est un type d'art qui reflète la réalité et influence une personne à travers des séquences sonores significatives et spécialement organisées, composées principalement de sons... ... Grande Encyclopédie Soviétique

Forme de variation, ou variations, un thème avec variations, un cycle de variations, une forme musicale constituée d'un thème et de ses plusieurs (au moins deux) reproductions modifiées (variations). C'est l'un des plus anciens formes musicales(connu depuis le XIIIe siècle).... ... Wikipédia

Ce terme a d'autres significations, voir Période. Une période musicale est la plus petite structure compositionnelle complète exprimant une pensée musicale plus ou moins complète. Et se compose le plus souvent de 2 phrases. Table des matières 1 Rôle dans ... ... Wikipédia

Une période musicale est la plus petite structure compositionnelle complète exprimant une pensée musicale plus ou moins complète. Peut également servir de formulaire travail indépendant. En allemand, il existe un terme musical similaire... ... Wikipédia

Œuvres musicales liées à des textes à caractère religieux, destinées à être exécutées lors service de l'Église ou dans la vie de tous les jours. La musique sacrée au sens étroit signifie la musique d'église des chrétiens ; V dans un sens large spirituel... ...Wikipédia

- (lat. forma vue, apparence, image, apparence, beauté) d'une composition, est déterminé en considérant sa conception (schéma, modèle ou structure) et son évolution au fil du temps. La forme musicale (en particulier dans la musique ancienne et religieuse) est pratiquement indissociable... Wikipédia

Les formes cycliques sont celles qui se composent de plusieurs parties thématiques et formatrices, généralement indépendantes, séparées par des pauses non régulées qui interrompent le flux du temps musical (ligne à double mesure avec une ligne droite « épaisse »). Toutes les formes cycliques incarnent un contenu plus diversifié et multiforme, uni par un concept artistique.

Certaines formes cycliques sous la forme la plus généralisée incarnent un concept de vision du monde, la messe, par exemple, est théocentrique, et plus tard le cycle sonate-symphonique est anthropocentrique.

Le principe de base de l'organisation des formes cycliques est le CONTRASTE, DONT L'EXPRESSION EST HISTORIQUEMENT VARIABLE ET AFFECTE DIFFÉRENTS MOYENS D'EXPRESSION MUSICALE.

Les formes cycliques se sont répandues à l'époque baroque (fin du XVIe - première moitié du XVIIIe siècle). Ils sont très divers : cycles en deux parties avec fugue, concerti grossi, concertos pour instrument soliste et orchestre, suites, partitas, sonates solo et d'ensemble.

Les racines de nombreuses formes cycliques résident dans deux types d'ouvertures d'opéra du XVIIe siècle, dites françaises (Lully) et italiennes (A. Stradella, A. Scarlatti), utilisant des contrastes de tempo standardisés. Dans l'ouverture française, le plus significatif était le rapport entre la première section lente (de nature solennelle-pathétique) et la seconde polyphonique rapide (généralement une fugue), se terminant parfois par un court Adagio (parfois basé sur le matériel de la première section ). Ce type de relation de tempo, lorsqu'il est répété, devient tout à fait typique des sonates d'ensemble et des Concerti grossi, généralement composés de 4 mouvements. Dans les concerti grossi de Corelli, Vivaldi et Haendel, la fonction de l’introduction s’exprime assez clairement dès les premiers mouvements. Il se développe non seulement en raison du tempo lent et de la longueur relativement courte, mais aussi en raison de l'ouverture harmonique parfois présente.

Les 6 Concertos brandebourgeois de J.S. Bach (1721), dans lequel tous les premiers mouvements sont non seulement écrits à un rythme rapide, mais sont les plus développés, les plus étendus, déterminant le développement ultérieur des cycles. Cette fonction des premiers mouvements (avec des différences dans la formation interne) anticipe la fonction du 1er mouvement dans le cycle sonate-symphonique ultérieur.

L’influence de ce type de relations de tempo est un peu moins perceptible dans les suites et partitas qui leur sont proches. Dans le rapport des danses « obligatoires », il y a un contraste tempo-rythmique répétitif et intensifié : une allemande à deux temps moyennement lente est remplacée par un carillon à trois temps moyennement rapide, une sarabande à trois temps très lente est remplacée par un très gigue rapide (généralement en six ou douze mesures, combinant deux et trois temps). Ces cycles sont cependant assez libres en nombre de pièces. Il y a souvent des mouvements d'introduction (prélude, prélude et fugue, fantaisie, sinphonie), et entre la sarabande et la gigue il y avait des mouvements dits « insérés », plus danse moderne(gavotte, menuet, bourre, rigaudon, leurre, musette) et airs. Souvent, il y avait deux danses insérées (particulièrement typiques des menuets et des gavottes), à la fin de la seconde il y avait une instruction de répéter la première. Bach a conservé toutes les danses « obligatoires » dans ses suites, d'autres compositeurs les ont traitées plus librement, dont seulement une ou deux d'entre elles.

Dans les partitas, où toutes les danses « obligatoires » sont souvent conservées, la gamme de genres de numéros d'insertion est beaucoup plus large, par exemple rondo, capriccio, burlesque.

En principe, dans une suite (rangée) les danses sont égales, il n'y a pas de diversité fonctionnelle. Toutefois, certaines caractéristiques commencent à apparaître. Ainsi, la sarabande devient le centre lyrique de la suite. Il est très différent du prototype sobre, dur, lourd et solennel du quotidien avec sa tendresse sublime, sa sophistication, sa grâce texturée et son son dans le registre médium-aigu. Souvent, ce sont les sarabandes qui comportent des doubles ornementaux, ce qui renforce leur fonction de centre lyrique. Dans la gigue (la plus « commune » à l'origine - la danse des marins anglais), la plus rapide en tempo, grâce à son énergie, son caractère de masse et sa polyphonie active, se forme la fonction du finale.

Les relations de tempo de l'OUVERTURE ITALIENNE, qui comprenait trois sections (extrême - rapide, polyphonique, moyenne - lente, mélodieuse), se transforment en cycles de concertos en trois parties pour un instrument soliste (moins souvent, pour deux ou trois solistes) avec un orchestre . Malgré les changements de forme, le cycle de concerts en trois parties est resté stable dans sa forme générale du XVIIe siècle jusqu'à l'époque romantique. Le caractère actif et compétitif des premiers mouvements est sans doute très proche de l’allegro de la sonate classique.

Une place particulière est occupée par les cycles en deux parties avec fugue, où le contraste fondamental se situe dans différents types pensée musicale: plus libre, improvisé, parfois plus homophonique dans les premiers mouvements (prélude, toccata, fantaisies) et plus strictement logique dans les fugues. Les relations de tempo sont très diverses et défient toute typification.

La formation du cycle sonate-symphonique a été fortement influencée par les premières parties de concerts pour instrument soliste et orchestre (futures sonates Allegri symphonies), les sarabandes lyriques de suites (prototypes d'Andanti symphonique), les concerts actifs et énergiques (prototype de finales). Dans une certaine mesure, les symphonies révèlent aussi l'influence des Concerti grossi avec leurs mouvements initiaux lents. De nombreuses symphonies des classiques viennois commencent par des introductions lentes de durées variables (notamment Haydn). L'influence des suites est également évidente dans la présence d'un menuet avant le finale. Mais le concept de fond et la définition fonctionnelle des parties du cycle sonate-symphonique sont différents. Le contenu de la suite, qui a été défini comme DIVERSITÉ DE L'UNITÉ, dans le cycle sonate-symphonique peut être formulé comme UNITÉ DE DIVERSITÉ. Les parties du cycle sonate-symphonique sont coordonnées fonctionnellement de manière beaucoup plus rigide. Le genre et les rôles sémantiques des parties reflètent les principales facettes de l'existence humaine : action (Homo agens), contemplation, réflexion ( Homo sapiens), le repos, le jeu (Homo ludens), l'homme en société (Homo communis).

Le cycle symphonique a un profil de tempo fermé basé sur le principe du JUMP WITH FILLING. L'opposition sémantique entre l'Allegri des premiers mouvements et l'Andanti est soulignée non seulement par la relation nette du tempo, mais aussi, en règle générale, par le contraste tonal.

Les cycles symphoniques et de chambre avant Beethoven étaient nettement différents les uns des autres. Grâce à ses moyens d'exécution (orchestre), la symphonie a toujours assumé une sorte de « publicité » semblable à une représentation théâtrale. Les œuvres de chambre se distinguent par une plus grande variété et une plus grande liberté, ce qui les rapproche des genres littéraires narratifs (sous réserve, bien sûr), d'une plus grande « intimité » personnelle et d'un plus grand lyrisme. Les quatuors sont les plus proches d'une symphonie ; les autres ensembles (trios, quintettes de compositions différentes) sont moins nombreux et, souvent, plus proches d'une suite plus libre, ainsi que les divertissements, sérénades et autres genres de musique orchestrale.

Les sonates pour piano et ensemble comportent généralement 2 à 3 mouvements. Dans les premiers mouvements, la forme sonate est la plus courante (toujours dans les symphonies), mais on retrouve également d'autres formes (trois parties complexes, variations, rondo chez Haydn et Mozart, variations chez Beethoven par exemple).

Les sections principales des premiers mouvements des symphonies sont toujours au tempo Allegro. Dans les sonates de chambre, la désignation de tempo Allegro est également assez courante, mais on trouve également des désignations de tempo plus tranquilles. Dans les sonates solo et de chambre, il n'est pas rare de combiner des rôles de genre fonctionnel au sein d'un même mouvement (lyrique et danse, danse et finale par exemple). En termes de contenu, ces cycles sont plus diversifiés ; ils deviennent en quelque sorte un « laboratoire » pour le développement ultérieur des cycles. Par exemple, le genre scherzo apparaît pour la première fois dans les sonates pour piano de Haydn. Plus tard, le scherzo deviendra une partie à part entière du cycle sonate-symphonique, remplaçant quasiment le menuet. Le scherzo incarne l’élément sémantique plus large du jeu (du jeu quotidien au jeu des forces cosmiques, comme dans la Neuvième Symphonie de Beethoven, par exemple). Si Haydn et Mozart n’avaient pas de sonates en quatre mouvements, les premières sonates pour piano de Beethoven utilisent des relations de tempo et de genre typiques des symphonies.

Dans le développement historique ultérieur du cycle sonate-symphonique (à partir de Beethoven), une « ramification » se produit (avec des « racines communes ») en une branche « traditionnelle », qui met à jour le contenu de l'intérieur et est plus radicale, « innovante ». ». Dans le « traditionnel », les images lyriques et épiques sont renforcées, des détails de genre sont souvent introduits (romance, valse, élégie, etc.), mais le nombre traditionnel de parties et de rôles sémantiques sont préservés. En raison du nouveau contenu (lyrique, épique), les premières parties perdent leur rythme rapide, conservant l'intensité du déroulement procédural et l'importance de la partie qui détermine l'ensemble du cycle. Le scherzo devient ainsi la deuxième partie, déplaçant le contraste général plus profondément dans le cycle, entre la partie lente (la plus personnelle) et le finale de masse rapide, ce qui donne au développement du cycle une plus grande aspiration (la relation entre le menuet et le le final, souvent aussi dansé, est plus unidimensionnel, réduisant l'attention des auditeurs).

Dans les symphonies classiques, les premiers mouvements sont les plus typiques en termes de forme (la forme sonate et ses variétés ; la plus grande variété de formes des premiers mouvements des sonates de chambre a été évoquée plus haut). Dans les menuets et les scherzos, la forme tripartite complexe prédomine de manière décisive (non sans exceptions bien sûr). Les mouvements les plus lents (formes simples et complexes, variations, rondo, sonate dans toutes les variétés) et les finales (sonate avec variations, variations, rondo, rondo sonate, parfois trois mouvements complexes) se distinguent par la plus grande variété de formation.

Dans la musique française du XIXe siècle, un type de symphonie en trois mouvements s'est développé, où les seconds mouvements combinent les fonctions de lent (sections extérieures) et de danse-scherzo (milieu). Telles sont les symphonies de David, Lalo, Franck, Bizet.

Dans la branche « innovante » (encore une fois, il faut rappeler le caractère commun des « racines »), les changements sont extérieurement plus visibles. Ils se produisent souvent sous l'influence de la programmation (la Sixième Symphonie de Beethoven, « Fantastique », « Harold en Italie », la Symphonie « Deuil et Triomphe » de Berlioz), des compositions et des idées d'exécution inhabituelles (Neuvième Symphonie de Beethoven, Deuxième, Troisième, Quatrième Symphonies de Mahler) . Il peut y avoir un « dédoublement » de parties, à la suite ou symétriquement (certaines symphonies de Mahler, la Troisième Symphonie de Tchaïkovski, la Deuxième Symphonie de Scriabine, certaines symphonies de Chostakovitch), une synthèse de genres différents (symphonie de cantate, symphonie de concert).

Au milieu du XIXe siècle, le cycle sonate-symphonique acquiert l'importance du genre le plus conceptuel, suscitant le respect de lui-même, ce qui conduit à une certaine diminution quantitative des cycles sonate-symphonique. Mais il existe une autre raison liée à l’esthétique romantique, qui cherchait à capturer le caractère unique de chaque instant. Cependant, la polyvalence de l’être ne peut s’incarner que par une forme cyclique. Cette fonction est remplie avec succès par la nouvelle suite, caractérisée par une flexibilité et une liberté extraordinaires (mais pas d'anarchie), capturant les contrastes dans toute la diversité de leurs manifestations. Très souvent, les suites sont créées à partir de musiques d'autres genres (pour des représentations dramatiques, d'opéra et de ballet, puis à partir de musiques de films). Les nouvelles suites sont diverses en termes de compositions performatives (orchestre, solo, ensemble) et peuvent être programmatiques ou non programmatiques. La nouvelle suite s'est répandue dans la musique des XIXe et XXe siècles. Le mot « suite » ne peut pas être utilisé dans le titre (« Papillons », « Carnaval », Kreisleriana, Pièces fantastiques, Carnaval de Vienne, Album pour la jeunesse et autres œuvres de Schumann, Les Saisons de Tchaïkovski, Tableaux d'une exposition de Moussorgski). De nombreuses œuvres de miniatures (préludes, mazurkas, nocturnes, études) sont pour l'essentiel similaires à la nouvelle suite.

La nouvelle suite gravite autour de deux pôles : un cycle de miniatures et une symphonie (les deux suites de Grieg depuis la musique du drame d'Ibsen Peer Gynt, Shéhérazade et Antar de Rimski-Korsakov, par exemple).

Les cycles vocaux sont proches dans leur organisation de la nouvelle suite, à la fois « intrigues » (« La belle femme de Miller » de Schubert, « L'amour et la vie d'une femme » de Schumann) et généralisés (« Winter Reise » de Schubert, « L'Amour d'un poète » de Schumann), ainsi que des cycles choraux et quelques cantates.

Souvent, dans la musique baroque, ainsi que dans la musique classique et ultérieure, il n'est pas toujours possible de déterminer le nombre de parties, car la mise en scène d'attaque, qui se produit assez souvent, n'interrompt pas le flux du temps musical perceptuel. En outre, il arrive souvent que la musique, indépendante dans son thème et, dans une large mesure, dans sa forme, soit divisée par deux lignes de mesures subtiles (Sinphonie de la Partita en do mineur de Bach, Sonate pour violon et piano en la mineur de Mozart /K-402 /, Fantaisie en do mineur /K -457/, Sonates pour violoncelle et piano de Beethoven op. 69, op. 102 n° 1 et bien d'autres œuvres de différents auteurs), ce qui conduit à la formation de formes individuelles (libres). Ils peuvent être appelés composites de contraste (terme de V.V. Protopopov) ou continus-cycliques.

L'exécution de parties individuelles d'œuvres cycliques est autorisée, mais les cycles dans leur ensemble sont unis par un CONCEPT ARTISTIQUE DONT LA MISE EN ŒUVRE EST RÉALISÉE PAR DES MOYENS MUSICAUX.

L'unité peut se manifester de manière générale : à travers le tempo, les appels figuratifs des parties, les principes harmoniques similaires, le plan tonal, la structure, l'organisation métro-rythmique, les connexions intonationnelles dans toutes les parties et, surtout, dans les extrêmes. Ce type d'unité est COMMUN MUSICAL. IL S'EST DÉVELOPPÉ DANS LES FORMES CYCLIQUES DU BAROQUE et est une condition nécessaire à l'utilité artistique des formes cycliques de toute époque.

Mais l'unité du cycle peut être réalisée de manière plus claire et plus spécifique : à l'aide de thèmes musicaux, des réminiscences ou, beaucoup moins souvent, des signes avant-coureurs. Ce type d'unité est apparu dans le processus de développement et de complexité des formes de musique instrumentale, apparaissant pour la première fois chez Beethoven (dans les Cinquième, Neuvième Symphonies, certaines sonates et quatuors). D'une part, le principe THÉMATIQUE d'unité (discuté en détail par M.K. Mikhailov dans l'article « Sur l'unification thématique du cycle sonate-symphonique » // Questions de théorie et d'esthétique de la musique : numéro 2. - M. : S.K. , 1963) apparaît comme une « condensation », un concentré de connexions intonales ; d'autre part, on y décèle l'influence de la musique à programme et, en partie, le leitmotiv de la dramaturgie lyrique ;

Le principe thématique de l'unité viole dans une certaine mesure une caractéristique des formes cycliques telle que l'indépendance de la thématicité des parties, sans affecter l'indépendance de la construction de la forme (le transfert des thèmes, en règle générale, se produit dans des sections non réglementées des formes - dans les introductions et codas, principalement). Au cours du développement historique ultérieur, le principe thématique de l'unité est devenu un principe DÉDUCTIF, dans lequel la formation des parties individuelles dépend plus directement du concept général figuratif, de contenu et de composition du cycle. Le caractère thématique des parties précédentes influence activement la formation des suivantes, participant à leurs sections principales (aux développements, par exemple), ou provoque une modulation dans la forme, une transformation du stéréotype.

Littérature principale :

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Littérature supplémentaire :

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6. Medushevsky V.V. À propos des universaux musicaux. Composition et dramaturgie / S.S. Skrebkov : Articles et mémoires. M. : compositeur soviétique, 1979.

7. Mikhaïlov M.K. Sur l'unification thématique du cycle sonate-symphonique // Questions de théorie et d'esthétique de la musique. Vol. 2. M. : Compositeur soviétique, 1963.

8. Nazaikinsky E.V. La logique de la composition musicale. M. : Muzyka, 1982.

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10. Rythme. Espace et temps dans la littérature et l'art : Sat. articles - L. : Nauka, 1974.

11. Sokolov O.V. A propos de deux principes de base de la formation en musique. // À propos de la musique. Problèmes d'analyse. – M. : Compositeur soviétique, 1974.

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14. Kholopova V.N. Rythme national russe. M. : Compositeur soviétique, 1982.

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17. Tsukkerman V.A. Analyse d'œuvres musicales. Formes complexes. M. : Muzyka, 1983.

18. Tsukkerman V.A. Analyse d'œuvres musicales. Formulaire de variation. M. : Muzyka, 1974.

19. Tsukkerman V.A. Analyse d'œuvres musicales. Rondo dans son développement historique. Parties 1, 2. M. : Muzyka, 1988.

Section 2 Genres de musique chorale

Thèmes 11 -12 CYCLES DE MUSIQUE VOCALE ET CHORALE

Les compositeurs combinent souvent des œuvres vocales, chorales et instrumentales en cycles. Rappelons le cycle instrumental « Le Carnaval des Animaux » de Camille Saint-Saëns. La musique de cette œuvre est pleine d'humour, elle contient des voix d'animaux.

La pièce préférée de nombreux fans de l'œuvre de K, Saint-Saëns est « Le Cygne ». DANS sujet principal Cette œuvre, interprétée par un violoncelle, représente le mouvement gracieux d'un cygne sur l'eau.

Un cycle vocal est un cycle de romances ou de chansons unies par une même idée.

Rappelez-vous quelles pièces du cycle « Le Carnaval des animaux » de C. Saint-Saëns vous avez écoutées dans les cours précédents. Qu'est-ce qui unit les œuvres de ce cycle ?

Le compositeur russe Modest Petrovitch Moussorgski a créé le cycle vocal inégalé « Enfants », composé de sept miniatures musicales interprétées par un ou deux chanteurs accompagnés d'un piano. Le compositeur a lui-même écrit les poèmes de chacune de ces petites scènes.

Une miniature est un petit morceau de musique, le plus souvent instrumental.

Dans la première pièce, intitulée « Avec la nounou », un enfant persuade sa nounou de raconter différentes histoires. La particularité de cette œuvre est que le compositeur transmet l’émotion du garçon à travers un récitatif. Dans ce cas, les syllabes accentuées des mots akh coïncident avec le saut mélodique. Grâce à ces moyens musicaux, l’impression de parole vivante d’un enfant est créée.

La deuxième œuvre du cycle - « Dans le coin » commence par une note émotionnelle « haute » d'une nounou qui est en colère contre son animal de compagnie Mikhasik. Les croches continues sont une sorte d'accompagnement du vigukuvan : « Oh, espèce de farceur ! J'ai déroulé la balle et j'ai perdu les tiges ! Ouah! J'ai toutes les charnières baissées ! Le bas est tout éclaboussé d’encre ! 3 angles pour entendre la réponse réconfortante du garçon, incarnée dans des intonations mineures avec une fin descendante. Le bébé explique à la nounou que c'est le chaton qui a causé le mal, pas lui.

Couverture des partitions imprimées de la série « Enfants ». Moussorgski

Le discours de Mikhas se développe progressivement - la dynamique change, le rythme s'accélère, les intonations incertaines des excuses se transforment en cris d'enfant offensé. Dans les quatre dernières mesures, le tempo de la musique ralentit quelque peu - le garçon "menace" la nounou qu'il ne l'aimera plus à l'avenir, puisqu'elle l'a insulté.

Le cycle comprenait les pièces « Bug », « With a Doll », « Bedtime », « Sailor the Cat », « On a Stick ». D'autres, que le compositeur jouait pour ses amis, n'ont pas été conservés sous forme musicale.

Dans chaque partie, les enfants montrent leurs traits de caractère de différentes manières. situations de vie. Pour y parvenir, l’auteur associe harmonieusement paroles et musique. Grâce à cette interaction, chacune des pièces musicales et poétiques crée l'impression d'une œuvre holistique et complète, qui a droit à la vie en dehors du cycle.

Modeste Moussorgski, « Avec une nounou », « Dans le coin » du cycle vocal « Enfants ».

Quelle a été votre scène vocale préférée ? Quoi moyens musicaux le compositeur révèle-t-il le monde d'un enfant ? Faites attention à l'expressivité de la mélodie vocale et à son lien avec le texte. Quel est le rôle de l’accompagnement instrumental dans la création d’images musicales et poétiques ?

PORTRAIT D'UN COMPOSITEUR

Modeste Petrovitch Moussorgski :

"Si l'expression sonore de la pensée et des sentiments humains dans un discours simple se reflète fidèlement dans ma musique et qu'une telle reproduction est musicalement artistique, alors tout est en ordre!"

Modeste Petrovitch Moussorgski (1839-1881) - compositeur et auteur russe innovant chefs-d'œuvre d'opéra« Boris Godounov » et « Khovanshchina », dont la musique a de profondes racines nationales. Il est également l'auteur d'œuvres orchestrales et instrumentales de chambre, de romances dont il s'est appuyé sur la création art folklorique. Les œuvres de l’artiste se distinguent par la profondeur, le drame et la véracité des images.

Né au village. Karevo, province de Pskov. Il a étudié et travaillé à Saint-Pétersbourg et a servi dans l'armée. Le compositeur n'a pas reçu de formation musicale professionnelle et a commencé à créer de la musique en tant qu'amateur (amateur).

Cependant, il décide par la suite de consacrer sa vie à l'art et quitte le service.

Il a commencé son travail de création actif dans les rangs du célèbre cercle national-patriotique de compositeurs russes « The Mighty Handful ». Les besoins matériels l'obligent cependant à travailler à nouveau comme fonctionnaire dans diverses institutions, ce qui le détourne de sa créativité.

En 1879, avec la chanteuse d'opéra Daria Leonova, il effectue une tournée de concerts dans les villes d'Ukraine. Les motivations ukrainiennes se reflètent dans son opéra inachevé « La Foire Sorochinskaya », basé sur œuvre du même nom Nicolas Gogol.

Monument à N. Moussorgski à proximité école de musiqueà Krivoï Rog (Ukraine)

1. Quelles œuvres sont regroupées en cycles musicaux ? Quelle est la base du cycle vocal ?

2. Donnez des exemples de musiques dans l'œuvre : instrumentales, vocales, écrites sous forme de cycle.

Projet musical. Accédez à la section « Musique pour enfants » de la bibliothèque scolaire. Sélectionnez des images sur les enfants qui peuvent servir d'illustrations d'épigraphe pour chaque cycle de votre bibliothèque musicale. Affectation à volonté. Créez un cycle de plusieurs chansons célèbres sur un sujet précis, donnez-lui un nom. Pensez à la construction du cycle vocal, à l'évolution de la musique en fonction de l'intrigue choisie de l'œuvre et du contenu des chansons environnantes.

DANS cycles musicaux appartiennent à des recueils de chansons ou de pièces de théâtre, créés selon un thème précis ou conclus avec les auteurs de fragments de leurs propres opéras, ballets, symphonies.

L’un des thèmes les plus appréciés qui a toujours inspiré les compositeurs à créer de la musique « magique » est la fête de Noël. Ainsi, le cycle pour piano de miniatures sur la mélodie des chants de Noël, courant dans la vie quotidienne des Ukrainiens, appartient à l'œuvre de Vasily Barvinsky.

Les artistes étrangers ne sont pas restés à l’écart non plus, dont beaucoup ont offert aux auditeurs de joyeux moments de musique de Noël. Par exemple, le compositeur britannique Benjamin Britten a créé un cycle choral de chants de Noël que l'on peut entendre pendant les vacances de Noël à salles de concert différents pays.

Je suis dans le monde de la musique : je perçois, je comprends

Benjamin Britten, « Wreath of Carols » ou « Wreath of Christmas Carols » pour chœur, solistes aigus et harpe (n° 2, 5, 10).

Décrire l'ambiance générale du travail et de l'individu miniatures chorales. Quelles couleurs de timbre apporte le son d’une harpe ?

PORTRAIT D'UN COMPOSITEUR

Benjamin Britten :

"N'abandonnez pas la première fois que vous écoutez un nouveau morceau et que vous ne le comprenez pas... N'oubliez pas que la musique n'est pas un divertissement, même si c'est à cela que sert la musique légère."

Benjamin Britten (1913-1976) - Pianiste et chef d'orchestre britannique, l'un des plus grands compositeurs du XXe siècle, dont l'œuvre représente presque tous les genres musicaux.

Né dans le Suffolk, dans la famille d'un médecin. Enfant, il découvre des capacités musicales et commence à étudier la musique sous la direction de sa mère, pianiste amateur et membre active de la chorale locale. Les premières petites pièces inspirées des impressions la vie de famille, est apparu tôt - à l'âge de 8 ans. À l'âge de 12 ans, Benjamin écrit une « Symphonie simple » pour orchestre à cordes et à 16 ans il entre au Royal Collège de musique(conservatoire). Au cours de ses études, il a écrit de nombreuses œuvres chorales, symphoniques et de chambre, dont plusieurs chansons pour enfants. Depuis, l’auteur ne cesse de se tourner vers la musique pour enfants.

Le jeune compositeur a obtenu son premier emploi dans une société de cinéma documentaires, où se trouvait un petit ensemble instrumental. Grâce à son travail au cinéma, Britten a appris à écrire de la musique rapidement, même en l'absence d'inspiration, et sur des sujets variés, souvent pas du tout poétiques (par exemple, sur le déchargement d'un navire).

En 1939, lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, Britten part pour l’Amérique. En réponse aux événements tragiques survenus en Europe, est née la cantate « Ballade des héros », dédiée à la lutte contre le fascisme en Espagne. Trois ans plus tard, le compositeur retourne dans son pays natal et s'installe dans la ville balnéaire d'Aldbour. Là, plusieurs opéras ont vu le monde, notamment « Peter Grimes ».

L'artiste a également écrit de nombreuses œuvres musicales pour les enfants et les jeunes. Les jeunes spectateurs participent eux-mêmes au spectacle « Créons un opéra ».

MINERAI DE CHARRUE OH U POLI

Oh, il y a une charrue dans le champ.

Bonne soirée, bonsoir,

Bonne santé aux bonnes personnes !

(Répétez après chaque ligne.)

Là, Vasilko marche avec une charrue.

Sa mère lui apporte à manger.

Ori, fils, thuyu nivka.

Oui, et nous semerons du blé.

1. Nommez les cycles vocaux-choraux que vous connaissez ainsi que leurs auteurs.

2. Rappelez-vous et expliquez quand, pendant les vacances de Noël et du Nouvel An, les chants de Noël sont chantés et quand les šedrivki sont exécutés.

Projet musical. Découvrez quels chants de Noël et schedrivkas sont courants dans votre région. Notez les titres et les paroles de vos chansons préférées. Si possible, enregistrez des mélodies. Avec vos parents ou adultes, créez une « Couronne de chants de Noël et de cadeaux pour ma famille » ou une « Couronne de Noël de chants de ma terre ».

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Type de cours : Une leçon d'étude et de consolidation primaire de nouvelles connaissances et méthodes d'activité (organiser les activités des étudiants dans la perception, la compréhension et la mémorisation primaire de nouvelles connaissances et méthodes d'activité).

Objectif didactique : créer les conditions pour comprendre et appréhender un bloc de nouvelles informations sur les formes cycliques de musique, en les appliquant dans une nouvelle situation éducative, en vérifiant le niveau d'assimilation du système de connaissances et de compétences,

Objectifs de contenu :

Éducatif:

présenter aux élèves des exemples de formes cycliques de musique à l'aide de l'exemple d'un concert instrumental ;
présenter aux étudiants les caractéristiques de la forme d'un concert instrumental basé sur les caractéristiques du style musical de A. Schnittke ;
développer de nouvelles compétences, capacités et connaissances sur la dramaturgie musicale d'un concert ;
consolider les connaissances sur les concepts : polystylistique, stylisation.
initier les élèves aux techniques de composition qui leur permettent de combiner passé et présent dans une œuvre musicale.

Du développement:

être capable d'établir toutes les connexions possibles entre une œuvre et les phénomènes de l'art et de la vie (connexions méta-sujets : formes cycliques dans la musique, collage dans les beaux-arts modernes) ;
sur la base de toutes ces connexions, développer propre attitudeÀ ce travail par une incarnation créative et productive ;
la capacité d'identifier des liens entre les œuvres du présent et du passé, caractéristiques de la musique ancienne dans travail moderne;
être capable d'identifier des liens entre les œuvres culture musicale, beaux-arts et cinéma ;
développer la capacité des enfants à distinguer à l'oreille le son d'un instrument soliste et d'un orchestre, leurs relations ;
poursuivre la formation de l'expérience d'écoute dans le processus de connaissance des œuvres de musique instrumentale ;

Éducatif:

cultiver l'amour et le respect pour l'héritage musical des compositeurs russes et les traditions italiennes et allemandes musique classique;
encourager les étudiants à respecter soigneusement et attentivement les traditions du passé, la saveur nationale ou historique ;
développer les capacités de communication, pratiquer le principe de l'apprentissage par la coopération (activité créative en binôme) ;
développer la capacité de réalisation de soi et d'autodétermination à travers des activités créatives et productives ;
créer les conditions pour impliquer chaque étudiant dans une activité processus cognitif prendre en compte les qualités psychologiques et personnelles des étudiants ;
accroître la motivation à apprendre en s'impliquant dans un seul processus créatif(travailler sur une tâche créative).

Méthodes : approche partiellement de recherche, reproductive, méta-sujet.

Informations et accompagnement méthodologique : PC, projecteur multimédia, tableau blanc interactif, matériel pédagogique édité par E. D. Kritskaya.

Logiciels utilisés : Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic.

Moyens techniques: enregistrements « La nuit est passée » sur les paroles. R. Rozhdestvensky, musique. A. Rybnikova, « Concerto grosso » de A. Schnittke (5ème mouvement, rondo), « Chaconne » de I. Bach, extrait du film « Les jeunes dans l'univers » de Richard Viktorov, présentation de la forme cyclique et du concert, présentation vidéo pour La chanson de Rybnikov, des diapositives avec des reproductions de P. Filonov « Tête », I. Levitan « Lac Rus », Alfred Sisley « Chemin solitaire », Niccolo Poussin « Paysage avec deux nymphes ».

Compétences utilisées : valeur-sémantique, culturelle générale, éducative et cognitive, amélioration personnelle, recherche.

Types et formes de contrôle : corriger les réponses orales des élèves, observer le processus créatif en travaillant en binôme.

Problème de cours : identifier les contradictions de la musique moderne à travers les liens entre les phénomènes de la vie et les phénomènes de l'art, ainsi qu'établir des liens entre différentes époques historiques.

Résultat prévu :

être capable de percevoir à l'oreille et de comprendre la structure des formes cycliques de musique ;
la capacité de comprendre les raisons de l'attrait des compositeurs modernes pour les formes de musique classique du passé à travers l'incarnation moderne des concerts.

Augmentation des connaissances, de la créativité :

la capacité d’incarner sa perception d’une œuvre musicale à travers des formes plastiques (sculpter, créer une œuvre unique) image holistique– collages) ;
la capacité de participer à des performances communes, des éléments d'improvisation et de créativité ;
connaissance d'œuvres de musique, de beaux-arts, de cinéma en dehors du programme donné.

Raisonnement.

Cette leçon fait partie de la section du second semestre « Caractéristiques de la dramaturgie de la musique de chambre et symphonique ». Ici, grâce à la connaissance d'œuvres d'art de styles et d'époques différents, les adolescents ont la possibilité d'entrer en dialogue avec leurs pairs et avec des personnes d'un passé lointain (comme pour visiter des époques différentes). Ainsi, les élèves ont la possibilité d'établir un lien entre le monde qui les entoure et l'apparition d'œuvres qui reflètent ce qui se passe dans ce monde (la nature méta-sujet des objets d'art). C'est aussi une version d'une leçon de préservation de la santé, résultat de la recherche de solutions aux problèmes par la créativité, l'incarnation indépendante dans les images de ce qui a été entendu (écouter de la musique classique sérieuse - créer des parties d'un collage).

Temps d’organisation : les élèves entrent dans la classe sur la musique de A. Rybnikov, la présentation vidéo n°1 de la chanson est à l'écran (immersion auditive), des feuilles d'album sont pré-fixées sur les pupitres, des boîtes de pâte à modeler sont disposées. Diapositive n°1.

Structure et contenu de la leçon

Une partie de la leçon, le temps	Contenu de l'activité	Remarques
1. Partie introductive.	Vérifier l'état de préparation des élèves pour la leçon. Diapositive numéro 2.	La séquence vidéo s'arrête. Nous indiquons le sujet de la leçon, les buts et les objectifs.
2. Étape de mise à jour connaissance. Partie préparatoire.	Professeur:"Comment pensez-vous, comment imaginez-vous l'ensemble le monde les auteurs de la chanson que vous avez entendue en entrant dans le bureau ? (nous rappelons aux enfants que les auteurs de la musique sont A. Rybnikov et que les paroles ont été écrites par R. Rozhdestvensky). « Quand, à quelle heure cette chanson a-t-elle été créée ? Pourquoi avez-vous décidé ainsi ? Exprimez l’idée principale énoncée par les auteurs. Les étudiants déterminent que cette chanson a peut-être été créée au 20e siècle, en temps de paix, puisque les auteurs partent de l'idée du monde comme un tout harmonieux et harmonieux (cela ressort clairement des mots « Je vais prendre ceci Grand monde	», quand une personne rêvait de voler dans l'espace, d'explorer l'espace stellaire.
	Le récit du professeur est accompagné d'un diaporama. Professeur commente : « Le tournage du film en 1975, à l’époque où l’homme est allé pour la première fois dans l’espace. Diapositive n°3. D'où le caractère de la chanson - mélodieuse - ambiance lyrique, traits de caractère russes - romance, rêverie, capacité à surmonter les difficultés, écrite sous la forme d'une valse (orientation romantique). La première personne à faire un pas dans l’espace fut le cosmonaute soviétique Alexei Leonov. Diapositive numéro 4. Il a non seulement ressenti à quel point notre planète est petite, mais a également réalisé la responsabilité de chacun dans le sort du monde.	Regardons notre planète à nouveau, mais uniquement à travers les yeux d’artistes de différentes époques.<Приложения №1>
	« La nuit est passée » (séquence vidéo du film). Séquence vidéo n°2 de Quelle image choisiriez-vous pour cette chanson ? Pourquoi? Diapositives n°5,6,7. Étudiants : « Ce choix a été fait parce que l’homme et le monde sont en harmonie, dans une unité intégrale. » Alfred Schnittke Diapositive n° 12. (1934 - 1998) a vécu dans ce monde contradictoire, et lorsqu'il a voulu transmettre l'idée dela relation entre le monde et l'homme (l'homme est volontaire, déterminé, le monde est maléfique, hostile, il se tourne encore vers la forme Concerto grosso (XVII – XVIII siècle) On connaît les concerts instrumentaux d'Antonio Vivaldi n°6.<Приложения №1> Pourquoi compositeur contemporain adresses donc genre ancien?” Étudiants : « Le compositeur veut représenter la confession d'un homme des temps modernes, qui a absorbé l'expérience des siècles, l'homme fait partie du monde et de la culture humaine, ils ne peuvent être séparés les uns des autres, ils sont unis, bien qu'ils se contredisent. l'un l'autre."	Nous montrons des diapositives avec des reproductions de P. Filonov « Tête », I. Levitan « Lac Rus », Alfred Sisley « Chemin solitaire », Niccolo Poussin « Paysage avec deux nymphes ». Les étudiants choisissent « Lake Rus » ou « Lonely Path » de Sisley, car ils sont similaires en termes de caractère, d'ambiance et de technique d'interprétation.
	Professeur:"Tu as raison. Mais il s’avère que la musique a aussi des formes dans lesquelles des parties individuelles constituent une œuvre plus vaste. Ils s’inscrivent dans le projet unique du compositeur et ne peuvent être séparés les uns des autres. Souvenons-nous de ces œuvres ensemble. Ce sont : la sonate, la symphonie, la suite, le concerto. Et ce n'est pas une coïncidence langage musical Le concert de Schnittke fait écho à la mélodie de « Chaconne » de J. Bach. Il contient la voix d'un violon, comme la voix d'une personne, avec toutes ses quêtes, ses doutes et ses aspirations. Soit il demande, puis il appelle, puis il raisonne... Diapositive n°14.<Приложения №1>	Écoutons un extrait d'une œuvre du grand compositeur allemand. #4 de
	Professeur: Diapositive numéro 13. «Rappelons-nous comment se construit le genre Concerto grosso.» Les étudiants rappellent : « Il s'agit d'un genre musical instrumental basé sur l'alternance et l'opposition du son de l'ensemble des interprètes et d'un groupe de solistes (concerto italien, littéralement - accord, du latin concerto - rivaliser). Il s'agit d'une forme de musique cyclique. FORMES CYCLIQUES, formes musicales constituées de plusieurs parties relativement indépendantes, qui révèlent ensemble un concept artistique unique. Enseignant : « C'est vrai. De telles formes existent également dans les beaux-arts. Les artistes ont également tenté d'exprimer la confrontation entre le monde et l'homme, mais uniquement en couleur. Dans le monde moderne, de nombreuses personnes s’intéressent à la création de collages. Savez-vous ce que cela est?"	Après écoute, les élèves se voient à nouveau proposer les images Diapositive n°15, et ils choisissent une reproduction sous forme de collage, expliquant leur choix avec les contradictions du nouveau siècle, contradictions de la musique : l'opposition du son d'un violon solo ( comme la voix d'une personne) et de tout l'orchestre (le son du monde entier). Un extrait de Rondo 5 est en cours de diffusion - partie I. #5 de<Приложения №1>
3. Écouter de la musique. Accomplir une tâche créative.	Professeur:« Essayons d'unir le monde de la musique et le monde des beaux-arts. Puisqu’une personne entre en interaction constante avec le monde qui l’entoure, maintenant, en écoutant la musique de Schnittke, vous êtes invité à créer un collage. Vous diviserez la feuille en deux parties, et, à l'aide du modelage, l'un de vous incarnera sur la première partie de la feuille condition humaine, et l'autre - sur la deuxième partie de la feuille - transmettra l'attitude du monde environnant envers une personne. Diapositive n° 17, 18. La musique de Schnittke vous racontera comment se terminera la confrontation entre le monde et l'homme. N'oubliez pas que toutes vos œuvres, faisant partie d'un même monde, seront combinées dans un collage commun. Et rappelez-vous que chaque couleur incarne l’humeur, les pensées et les émotions d’une personne » Diapositive n° 19. Extrait n°5 de<Приложения №1>	Après le discours introductif du professeur, les enfants se mettent au travail. Nous vous rappelons le tableau de classification des couleurs et leur correspondance avec l’humeur d’une personne.<Приложение 2>.
4. Analysez un morceau de musique.	Le récit du professeur est accompagné d'un diaporama. demande de finir travail créatif, signez-le sur des petites feuilles de papier posées sur le bureau. Les gars expriment l'idée de leur travail par écrit et répondent aux questions. Diapositive numéro 20. On note la particularité de la musique de Schnittke – la combinaison du passé et du présent (polystylistique). La forme ancienne du Concerto grosso aide le compositeur à transmettre la relation entre le monde moderne en évolution rapide et l'homme. (contradiction et, en même temps, unité). Tout cela était typique et Pour, époque baroque au cours de laquelle surgit la forme du concert. Dans un concert, la relation entre le soliste et l'orchestre est subordonnée à un ordre supérieur, une idée unique.
On répète ce que sont les formes cycliques en musique, on fait des analogies dans les arts visuels (collage), au cinéma (principe du montage d'un film, changements fréquents d'images dans une vidéo).	5. Étape finale. En bout de ligne.Étudiants comparer les images artistiques de leur œuvre avec la musique de Schnittke et Bach. Conclusion : à notre époque, de nouvelles opportunités se présentent pour incarner les thèmes de la guerre et de la paix, de la vie et de la mort, de l'amour et de la haine. Attraction dans un morceau de musique différents styles
6. Évaluation des travaux des étudiants.	Les réponses orales et le travail créatif, y compris la capacité à travailler en binôme, sont évalués.
7. Devoirs à la maison.	Répétez les notions de « formes cycliques », de « Concerto grosso ». "collage". «Baroque», «polystylistique». Écrivez votre définition du concept « concert instrumental ». Trouvez des définitions sur les sites Web d’art. Comparez votre définition et la définition scientifique, souvenez-vous-en. Diapositive numéro 21.<Приложениe №4>	S'ils le souhaitent, les élèves peuvent réaliser une tâche créative, incarnant la relation entre l'homme et le monde dans un dessin. Les gars nettoient le lieu de travail et partent au son de la chanson « The Night Has Passed » (séquence vidéo du film).<Приложения №1>
Séquence vidéo n°2 de	Réflexion.<Приложение №3>

Les œuvres individuelles des étudiants sont combinées en un seul collage pendant les heures extrascolaires, et une œuvre d'exposition est créée avec les commentaires et annotations des étudiants.

Nous consolidons les connaissances sur les formes cycliques dans la musique, les beaux-arts et le cinéma.

Les compositeurs classiques sont connus dans le monde entier. Chaque nom d'un génie musical est une individualité unique dans l'histoire de la culture.

Qu'est-ce que la musique classique

La musique classique est constituée de mélodies enchanteresses créées par des auteurs talentueux, appelés à juste titre compositeurs classiques. Leurs œuvres sont uniques et seront toujours recherchées par les interprètes et les auditeurs. Le classique, d'une part, est généralement appelé une musique stricte et profondément significative qui n'est pas liée aux genres : rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. D'autre part, dans le développement historique de la musique, il y a une période de la fin du XIIIe au début du XXe siècle, appelé classicisme.

Les thèmes classiques se distinguent par une intonation sublime, une sophistication, une variété de nuances et une harmonie. Ils ont un effet positif sur la vision émotionnelle du monde des adultes et des enfants.

Étapes de développement de la musique classique. Leur brève description et leurs principaux représentants
Dans l'histoire du développement de la musique classique, on peut distinguer les étapes suivantes :
Renaissance ou Renaissance - début XIVe - dernier quart du XVIe siècle. En Espagne et en Angleterre, la période de la Renaissance dure jusqu'au début du XVIIe siècle. Baroque - a remplacé la Renaissance et a duré jusqu'au début du XVIIIe siècle. Le centre du style était l’Espagne. Le classicisme - une période de développement
culture européenne
du début du XVIIIe au début du XIXe siècle.

Le romantisme est une direction opposée au classicisme. A duré jusqu'au milieu du 19e siècle.

Classiques du 20ème siècle - ère moderne.

2. Baroque - à cette époque de nouvelles formes musicales apparaissent : polyphonie, opéra. C’est durant cette période que Bach, Haendel et Vivaldi créent leurs œuvres célèbres. Les fugues de Bach sont construites selon les exigences du classicisme : respect obligatoire des canons.

3. Classicisme. Compositeurs classiques viennois qui ont créé leurs créations immortelles à l'ère du classicisme : Haydn, Mozart, Beethoven. La forme sonate apparaît et la composition de l'orchestre s'agrandit. et Haydn se distinguent des œuvres lourdes de Bach par la simplicité de construction et l'élégance des mélodies. C'était encore un classique, une recherche de perfection. Les œuvres de Beethoven sont à la limite du contact entre le romantique et styles classiques. Dans la musique de L. van Beethoven, il y a plus de sensualité et d'ardeur que de canon rationnel. Ce qui suit s'est démarqué genres importants, en symphonie, sonate, suite, opéra. Beethoven a donné naissance à la période romantique.

4. Romantisme. Les œuvres musicales sont caractérisées par la couleur et le drame. Différents genres de chansons se forment, par exemple les ballades. Les œuvres pour piano de Liszt et Chopin ont été reconnues. Les traditions du romantisme ont été héritées par Tchaïkovski, Wagner et Schubert.

5. Classiques du XXe siècle - caractérisés par le désir des auteurs d'innover dans les mélodies ; les termes aléatoires, atonalisme sont apparus. Les œuvres de Stravinsky, Rachmaninov, Glass sont classées dans le format classique.

Compositeurs classiques russes

Tchaïkovski P.I. - compositeur russe, critique musical, personnalité publique, enseignant, chef d’orchestre. Ses compositions sont les plus interprétées. Ils sont sincères, faciles à percevoir, reflètent l'originalité poétique de l'âme russe, peintures scéniques Nature russe. Le compositeur a créé 6 ballets, 10 opéras, plus d'une centaine de romances, 6 symphonies. Le ballet de renommée mondiale « Le Lac des Cygnes », l'opéra « Eugène Onéguine », « Album pour enfants ».

Rachmaninov S.V. - travaux compositeur exceptionnelémouvants et joyeux, et certains ont un contenu dramatique. Leurs genres sont variés : des petites pièces de théâtre aux concerts et opéras. Les œuvres généralement reconnues de l'auteur : les opéras" Chevalier avare", "Aleko" d'après le poème de Pouchkine "Les Tsiganes", "Francesca da Rimini" d'après une intrigue empruntée à " Comédie divine» Dante, poème « Les Cloches » ; suite « Danses Symphoniques » ; concerts de piano; vocalise pour voix avec accompagnement au piano.

Borodine A.P. était compositeur, professeur, chimiste et médecin. La création la plus significative est l'opéra « Prince Igor » de travail historique«Le Conte de la campagne d'Igor», que l'auteur a écrit pendant près de 18 ans. De son vivant, Borodine n'a pas eu le temps de le terminer ; après sa mort, l'opéra a été achevé par A. Glazunov et N. Rimsky-Korsakov. Grand compositeur est le fondateur de quatuors et de symphonies classiques en Russie. La Symphonie « Bogatyr » est considérée comme la couronne de la symphonie héroïque mondiale et nationale russe. Les quatuors instrumentaux de chambre, les premier et deuxième quatuors, ont été reconnus comme exceptionnels. L'un des premiers à introduire des figures héroïques de la littérature russe ancienne dans les romans.

Grands musiciens

Le député Moussorgski, dont on peut dire, est un grand compositeur réaliste, un innovateur courageux qui aborde des problèmes sociaux aigus, un excellent pianiste et un excellent chanteur. Le plus significatif œuvres musicales sont les opéras "Boris Godounov" de œuvre dramatique COMME. Pouchkine et "Khovanshchina" - drame musical folklorique, principal personnage agissant ces opéras sont un peuple rebelle issu de différentes couches sociales ; cycle créatif « Tableaux d'une exposition », inspiré des œuvres de Hartmann.

Glinka M.I. - célèbre compositeur russe, fondateur du mouvement classique dans la culture musicale russe. Il a achevé le processus de création d'une école de compositeurs russes, basée sur la valeur de la musique folklorique et professionnelle. Les œuvres du maître sont empreintes d’amour pour la patrie et reflètent l’orientation idéologique du peuple de cette patrie. époque historique. Mondialement célèbre drame populaire« Ivan Susanin » et l'opéra-conte « Ruslan et Lyudmila » sont devenus de nouvelles tendances dans l'opéra russe. Les œuvres symphoniques « Kamarinskaya » et « Ouverture espagnole » de Glinka constituent les fondements du symphonisme russe.

Rimsky-Korsakov N.A. est un talentueux compositeur, officier de marine, professeur et publiciste russe. Deux courants peuvent être tracés dans son œuvre : historique (« La fiancée du tsar", "Pskovite") et les contes de fées ("Sadko", "Snow Maiden", suite "Scheherazade"). Un trait distinctif des œuvres du compositeur : originalité fondée sur des valeurs classiques, homophonie dans la structure harmonique des premières œuvres. Ses compositions ont le style de l'auteur : des solutions orchestrales originales avec des partitions vocales inhabituellement construites, qui sont les principales.

Les compositeurs classiques russes ont tenté de refléter dans leurs œuvres la pensée cognitive et le folklore caractéristiques de la nation.

culture européenne

Les célèbres compositeurs classiques Mozart, Haydn et Beethoven vivaient dans la capitale de la culture musicale de l'époque - Vienne. Les génies sont unis par des performances magistrales, d'excellentes solutions de composition et l'utilisation de différents styles musicaux: des airs folkloriques aux développements polyphoniques de thèmes musicaux. Les grands classiques se caractérisent par une activité mentale créative complète, une compétence et une clarté dans la construction des formes musicales. Dans leurs œuvres, l'intelligence et les émotions, les composantes tragiques et comiques, l'aisance et la prudence sont organiquement liées.

Beethoven et Haydn se tournaient vers les compositions instrumentales, Mozart réussissait magistralement dans les compositions d'opéra et d'orchestre. Beethoven était un créateur inégalé œuvres héroïques Haydn appréciait et utilisait avec succès les genres humoristiques et folkloriques dans son œuvre ; Mozart était un compositeur universel.

Mozart est le créateur de la forme instrumentale sonate. Beethoven l'a amélioré et l'a amené à des sommets inégalés. La période est devenue une période d’apogée du quatuor. Haydn, suivi de Beethoven et Mozart, ont apporté une contribution significative au développement de ce genre.

Maîtres italiens

Giuseppe Verdi - un musicien exceptionnel du 19ème siècle, a développé l'opéra traditionnel italien. Il avait un talent impeccable. Le point culminant de son activité de compositeur fut les œuvres d'opéra "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - né à Nice, l'une des personnalités musicales les plus douées des XVIIIe et XIXe siècles. Il était un maître du violon. Il compose des caprices, des sonates, des quatuors pour violon, guitare, alto et violoncelle. Il a écrit des concertos pour violon et orchestre.

Gioachino Rossini - a travaillé au 19ème siècle. Auteur de musique sacrée et de chambre, a composé 39 opéras. Les œuvres remarquables sont « Le Barbier de Séville », « Othello », « Cendrillon », « La Pie voleuse », « Semiramis ».

Antonio Vivaldi est l'un des plus grands représentants de l'art violonistique du XVIIIe siècle. A acquis une renommée grâce à ses plus œuvre célèbre- 4 concerts de violon "Les Saisons". A vécu une vie incroyablement fructueuse vie créative, composé 90 opéras.

De célèbres compositeurs classiques italiens ont laissé un héritage musical éternel. Leurs cantates, sonates, sérénades, symphonies, opéras feront le plaisir de plus d'une génération.

Particularités de la perception de la musique par un enfant

Écouter de la bonne musique a un effet positif sur le développement psycho-émotionnel d'un enfant, selon les psychologues pour enfants. La bonne musique introduit l'art et les formes goût esthétique, les enseignants le pensent.

De nombreuses créations célèbres ont été créées par des compositeurs classiques pour les enfants, en tenant compte de leur psychologie, de leur perception et des spécificités de leur âge, c'est-à-dire pour l'écoute, tandis que d'autres ont composé diverses pièces pour les petits interprètes, facilement perçues à l'oreille et techniquement accessibles pour eux.

«Album pour enfants» de P.I. Tchaïkovski. pour les petits pianistes. Cet album est une dédicace à mon neveu qui aimait la musique et était un enfant très doué. La collection contient plus de 20 pièces de théâtre, certaines basées sur des éléments folkloriques : motifs napolitains, danses russes, mélodies tyroliennes et françaises. Collection « Chansons pour enfants » de P.I. Tchaïkovski. conçu pour la perception auditive des enfants. Chansons d'humeur optimiste sur le printemps, les oiseaux, un jardin fleuri (« Mon jardin »), sur la compassion pour le Christ et Dieu (« Le Christ avait un jardin lorsqu'il était enfant »).

Classiques pour enfants

De nombreux compositeurs classiques ont travaillé pour les enfants, dont la liste des œuvres est très diversifiée.

Prokofiev S.S. "Pierre et le loup" - conte symphonique pour les enfants. Grâce à ce conte de fées, les enfants font connaissance instruments de musique orchestre symphonique. Le texte du conte de fées a été écrit par Prokofiev lui-même.

Schumann R. « Scènes d'enfants » sont de courtes histoires musicales avec une intrigue simple, écrites pour des interprètes adultes, des souvenirs d'enfance.

Le cycle pour piano de Debussy "Le coin des enfants".

Ravel M. « Mother Goose » d'après les contes de C. Perrault.

Bartok B. « Premiers pas au piano. »

Cycles pour enfants Gavrilova S. « Pour les plus petits » ; « Héros des contes de fées » ; "Les gars, à propos des animaux."

Chostakovitch D. «Album de pièces pour piano pour enfants».

Bakh I.S. "Le livre de musique d'Anna Magdalena Bach." Tout en enseignant la musique à ses enfants, il a créé des pièces et des exercices spéciaux pour leur permettre de développer leurs compétences techniques.

Haydn J. est l'ancêtre de la symphonie classique. Il a créé une symphonie spéciale appelée « Enfants ». Les instruments utilisés : un rossignol en argile, un hochet, un coucou – lui confèrent une sonorité insolite, enfantine et ludique.

Saint-Saëns K. a imaginé une fantaisie pour orchestre et 2 pianos intitulée « Carnaval des animaux », dans laquelle il a rendu magistralement le rire des poules, le rugissement d'un lion, la complaisance d'un éléphant et sa manière de se déplacer, et le cygne d'une grâce touchante par des moyens musicaux.

Lors de la composition de compositions pour enfants et jeunes, les grands compositeurs classiques ont veillé aux intrigues intéressantes de l'œuvre, à l'accessibilité du matériel proposé, en tenant compte de l'âge de l'interprète ou de l'auditeur.