« La nature l'a doté d'un corps remarquable par sa minceur et sa posture et tout à fait conforme à son esprit noble... Il avait un visage expressif, des yeux pétillants, un nez aux formes nobles,... un cou assez long, une poitrine très large. , ventre tonique, cuisses musclées, jambes fortes et fines. Mais on dirait que vous n'avez jamais rien vu de plus gracieux que ses doigts. Son discours était si doux et plein d'esprit que rien n'a plus bouleversé ses auditeurs que sa fin. »
Joachim Camerarius, contemporain de Dürer
A. Dürer. Autoportrait. 1498
1498. Jeune et habillé à l'italienne, déjà marié à cette époque, l'artiste, de retour de son voyage en Italie, écrit sur le mur sous la fenêtre : « J'ai écrit cela de moi-même. J'avais 26 ans. Albrecht Dürer."
Musée du Prado, Madrid
Dürer a placé ses autoportraits dans de nombreux tableaux, il a signé nom et prénom Presque toutes ses œuvres portaient un monogramme sur des gravures et des dessins. Il n’était pas habituel à cette époque de signer même de grandes œuvres, car à l’époque de Dürer, l’artiste avait le statut d’artisan, d’exécuteur impersonnel des commandes. Les autoportraits pour Dürer étaient simplement un moyen naturel d'expression et de découverte de soi. Dans l'histoire de l'art, ils sont devenus événement important: a posé les bases de l'existence d'un nouveau genre en peinture et a en même temps servi d'impulsion à une réévaluation du statut de l'artiste.
Ces autoportraits de Dürer nous intriguent et nous fascinent encore aujourd'hui, car il est incompréhensible qu'un mystique sombre, l'auteur de « l'Apocalypse » et de la « Passion » avec un bel homme et une fashionista, un auteur de traités d'art avec un poète raté , et un spécialiste des fortifications qui rêvaient de cohabiter chez cet homme apprend à danser ?!
Entre-temps, l’horoscope de Dürer, compilé par un astrologue contemporain, décrivait ainsi le caractère de l’artiste : il est une proie, a un talent de peintre exceptionnel, il est un amant à succès, il est attiré par plusieurs femmes à la fois ; franc et direct, aime les armes et voyage volontiers. Il ne tombera jamais dans la pauvreté, mais il ne deviendra jamais riche non plus. Il n'aura qu'une seule femme.
En effet, Dürer n'avait qu'une seule épouse, Agnès, il possédait sa propre maison décente et il adorait voyager. A 18 ans, il effectue son premier voyage en Allemagne, puis en Italie et aux Pays-Bas. Il a toujours hésité à retourner à Nuremberg. "Oh, comme je vais geler sans le soleil!", écrit-il avec un regret amer à son ami Wilibald Pirkheimer. Trop de déceptions de Dürer étaient liées à sa ville natale, mais une reconnaissance inconditionnelle l'attendait partout à l'étranger. Partout, il fut accueilli par des admirateurs avec des cadeaux généreux, et Dürer fit de nouvelles connaissances, peint des armoiries et peint des portraits.
Il était incroyablement avide de nouvelles impressions, dont il décrivait beaucoup dans ses carnets de voyage et les utilisait ensuite dans sa peinture. Un jour, il s'est précipité en Zélande pour voir une baleine qui s'était échouée. Ce voyage s'est terminé dans les larmes : Dürer n'a jamais vu la baleine, et lui-même a failli mourir lors d'une tempête. Une autre fois, il fut témoin d'une procession festive à Antorf. Bruyamment accompagnés de tambours et de trompettes, des représentants de toutes classes et professions se déplaçaient dans la ville, et derrière eux « de nombreuses charrettes, personnages déguisés sur des navires et autres structures » avec des sages, des prophètes et des saints. À la fin suivait un grand dragon, dirigé par St. Marguerite avec ses jeunes filles ; elle était extraordinairement belle. Et à Bruxelles, Dürer a été émerveillé par l'immense lit qu'il a vu dans le palais de Heinrich von Nassau, qui servait au divertissement du propriétaire, sur lequel il avait l'habitude de coucher jusqu'à cinquante invités ivres à la fois. Partout, Dürer cherche des modèles exotiques : il peint un homme noir, la « Négresse Katherine », un rhinocéros, un « cochon monstrueux » ou des siamois.
Dürer était absolument ravi des belles choses. Mais le plus grand choc fut les trésors emportés par Cortès au Pays doré du Mexique, qu'il vit dans le palais de Bruxelles. Parmi eux se trouvaient un soleil en or pur, large d'une brasse entière, la même lune en argent pur, des armes habilement fabriquées et d'autres objets des plus habiles. "Et de toute ma vie, je n'ai jamais rien vu qui ait autant plu à mon cœur que ces choses", écrit Dürer dans son journal.
L'amour des choses élégantes obligeait Dürer à acheter et à échanger constamment de nouvelles acquisitions contre des gravures, qu'il envoyait constamment à Nuremberg dans des coffres entiers. Ce qui ne figurait pas parmi les trophées de Dürer : des noix de Calcutta, un ancien fouet turc, des perroquets offerts par le marchand portugais Rodrigo d'Amada, des cornes de taureau, attribut indispensable de la nature morte "Vanitas vanitatis", des bols en bois d'érable, des lunettes d'observation , des seiches séchées, de grosses écailles de poisson, un singe, un sabot d'orignal, des pipes fumantes, une grosse écaille de tortue et bien d'autres choses. Dürer apportait constamment dans la maison des objets inutiles pour le ménage. Mais plus que toute autre chose, il appréciait bien sûr les accessoires professionnels. Il n'a épargné aucune dépense pour acheter le meilleur papier allemand, hollandais et italien, des plumes d'oie et de cygne, des feuilles de cuivre, des peintures, des pinceaux, des crayons d'argent et des outils de gravure.
Il aimait offrir des cadeaux et, semble-t-il, n’aimait pas moins les recevoir. Les cadeaux que les admirateurs envoyaient à leur idole atteignaient parfois des proportions inimaginables : tantôt cent huîtres, tantôt douze cruches de vin. Il distribuait des gravures et parfois des peintures, conservait diverses raretés pour les offrir à ses amis et distribuait des conseils qu'il consignait cependant de manière très pédante dans ses carnets de voyage.
Une autre passion de Dürer était son amour des vêtements. Il a dépensé beaucoup d'argent pour acheter de nombreux manteaux de fourrure, brocart, velours et satin. Il préférait les gilets brodés blanc comme neige avec de larges manches jusqu'aux coudes et des coiffes élégantes à la mode italienne. Il a soigneusement réfléchi aux combinaisons de couleurs et au style de ses vêtements et a sélectionné les accessoires qui les accompagnaient. La coiffure n'était pas moins importante pour Dürer. Le contemporain de l'artiste, Lorenz Beheim, s'est plaint dans une lettre des retards de Dürer avec le portrait commandé, mentionnant « son garçon » qui n'aime vraiment pas la barbe de Dürer (son bouclage et son coiffage quotidiens enlèvent le temps nécessaire pour peindre le portrait), et donc « il ferait mieux de le raser.
Mais les gants n'étaient pas faciles pour Dürer accessoire de mode, destinés à protéger et décorer ses mains, les gants étaient un symbole qui marquait son choix, car ses mains n'étaient pas seulement belles, c'étaient les mains d'un génie.
La dureté et la précision de sa main étaient légendaires. Une fois à Venise, le célèbre italien Giovanni Bellini est venu voir Dürer et lui a demandé : « Je voudrais que vous me donniez un de ces pinceaux avec lesquels vous vous peignez les cheveux. » Alors Albrecht, sans aucune hésitation, lui tendit différents pinceaux, semblables à ceux que Bellini utilisait, et l'invitait à choisir celui qu'il préférait ou, si vous préférez, à tout prendre. Mais Bellini s'attendait à voir des pinceaux spéciaux. Pour convaincre Bellini du contraire, Albrecht a saisi l'un des pinceaux ordinaires et a magistralement peint de longs Cheveux ondulés, que portent habituellement les femmes. Bellini l'a regardé avec étonnement et a ensuite admis à beaucoup qu'il n'aurait cru personne au monde qui en aurait parlé s'il ne l'avait pas vu de ses propres yeux.
Le contemporain de Dürer, Christophe Scheirl, a raconté comment les servantes ont tenté à plusieurs reprises d'effacer avec diligence les toiles d'araignées peintes par Dürer, et comment le chien de Dürer a un jour léché le portrait, le prenant pour son propriétaire.
Bien que Dürer se considérait comme une personne mélancolique, son personnage ne se distinguait pas par « ni une sévérité sombre ni une importance insupportable ; et il ne croyait pas du tout que la douceur et le plaisir de la vie soient incompatibles avec l'honneur et la décence », comme l'écrit Joachim Camerari. Et en effet, les journaux d'Albrecht regorgent d'entrées similaires : « ... a dépensé 5 stivers pour nager et a bu. avec des amis », « a perdu 7 stivers au profit de M. Hans Ebner à la Mirror Tavern, etc. Dürer était un habitué de l'époque à la mode bains publics, où il a retrouvé ses modèles sans passer plus de temps à les persuader de poser. Dans l’une de ses gravures (« Le bain des hommes »), Dürer se représentait, selon les chercheurs, comme un flûtiste.
Depuis son enfance, Dürer aimait la musique et essayait même de jouer lui-même de la musique au luth. Il était ami avec les musiciens et a réalisé plusieurs de leurs portraits. Dans sa préface au « Livre de la peinture », Dürer recommandait aux jeunes gens qui apprennent le métier d'artiste de se laisser distraire par un petit jeu de instruments de musique"afin de réchauffer le sang", afin qu'ils ne deviennent pas mélancoliques à cause d'un exercice excessif. Dürer se présente souvent comme un musicien.
Sans aucun doute, Dürer était fasciné par son propre reflet dans le miroir et se considérait comme un homme séduisant, comme il le mentionnait dans ses lettres à son ami Willibald Pirkheimer. Et rien n'en parle avec plus d'éloquence que les autoportraits que Dürer a réalisés tout au long de sa vie. Même malade et émacié, Dürer est toujours beau.
Tout au long de sa vie, Dürer a essayé de manière obsessionnelle de trouver une formule de beauté avec une règle et un compas. Dans ses premiers traités de peinture, il écrivait : « …ce qui est beau – je ne le sais pas… Personne, sauf Dieu, ne peut juger du beau. » Mais peu importe le temps qu'il a passé à chercher proportions parfaites corps humain, la formule de la beauté lui était connue sous d’autres formes, « impénétrables ». Ce n’est pas en vain qu’il a survécu à quinze de ses frères et sœurs, et deux épidémies de peste ne l’ont pas touché de leur souffle mortel, et la beauté de Dürer était la preuve de son choix et l’expression de son propre désir éternel d’harmonie.
Le tout premier autoportrait de Dürer, 13 ans, qu'il a dessiné avec un crayon d'argent alors qu'il était apprenti chez son père, l'orfèvre Albrecht Dürer Sr. On y lit : « C'est moi qui me suis dessiné dans le miroir en 1484, alors que j'étais encore enfant. Albrecht Dürer"
3. "Autoportrait au chardon" (au début du nouvel allemand, cette plante était appelée "fidélité conjugale") Il existe également une version de "Autoportrait au houx" que Dürer a créé en 1493 à Bâle, où il travaillait dans un atelier artiste inconnu. Il s'agit du premier autoportrait peint à l'huile, mais pas sur carton, comme c'était courant à l'époque parmi les Artistes allemands, mais sur parchemin collé sur toile. Il envoya ce portrait chez lui, en l'accompagnant du couplet « Mon travail continue, comme le ciel l'a ordonné ». L'autoportrait est au Louvre
Autoportrait de 1500. L'artiste se peignait strictement de face, ce qui n'était autorisé que dans les images du Christ. «Moi, Albrecht Dürer, Nuremberger, je me suis peint ainsi avec des couleurs éternelles à l'âge de 28 ans», peut-on lire sur l'inscription. L'identification de Dürer au Christ dans ce portrait a prédéterminé les images ultérieures du Christ qu'il a créées ; elles ont toujours eu des similitudes avec l'artiste lui-même ; Le portrait se trouve à l'Alte Pinakothek de Munich
Adoration des Mages (1504). L'artiste s'est représenté comme l'un des mages. La plaque est conservée à la Galerie des Offices à Florence
A Venise, dans l'église de San Bartolomeo, Dürer a peint le tableau « La Fête du Rosaire », où, selon la coutume, Maîtres italiens, a placé son image à un endroit bien en vue : du fond, l'élégant Dürer surveille de près le spectateur. Dans ses mains, il tient une feuille de papier dépliée avec l'inscription en latin : « Fait en cinq mois. Albrecht Dürer, allemand, 1506"
Le tableau est conservé à la Galerie nationale de Prague
Qté 406 | Format JPG | Résolution ~800x1000 | Taille 82 Mo
Albrecht Dürer(Allemand) Albrecht Dürer, 21 mai 1471, Nuremberg - 6 avril 1528, Nuremberg) - peintre allemand et graphiste, l'un des plus grands maîtres de l'art d'Europe occidentale de la Renaissance.
Dürer est né le 21 mai 1471 à Nuremberg, dans la famille d'un bijoutier venu de Hongrie dans cette ville allemande au milieu du XVe siècle. Cette famille a grandi avec 8 enfants, dont le futur Grand artisteétait le troisième enfant et le deuxième fils. Son père, Alberecht Durer Sr., était orfèvre ; il traduisit littéralement son nom de famille hongrois Aitoshi en allemand par Thurer, plus tard il commença à s'écrire Durer. Au début, le père a essayé d’intéresser son fils aux bijoux, mais il a découvert le talent d’artiste de son fils.
À l'âge de 15 ans, Albrecht est envoyé étudier dans l'atelier du principal artiste de Nuremberg de l'époque, Michael Wolgemut. Là, Dürer maîtrisait non seulement la peinture, mais aussi la gravure sur bois et sur cuivre. Ses études en 1490 se terminaient traditionnellement par un voyage - pendant quatre ans, le jeune homme voyagea dans plusieurs villes d'Allemagne, de Suisse et des Pays-Bas, continuant à se perfectionner beaux-Arts et le traitement des matériaux.
Empereur Maximillien Ier, 1519 Kunsthistorisches Museum, Vienne
En 1494, Dürer retourna à Nuremberg et se maria peu après. Puis, la même année, il entreprend un voyage en Italie, où il découvre les œuvres de Mantegna, Polaiolo, Lorenzo di Credi et d'autres maîtres. En 1495, Dürer revint à ville natale et au cours des dix années suivantes, il réalise une partie importante de ses gravures, devenues aujourd'hui célèbres.
Autel Paumgartner. Partie gauche, 1500-1504
Autel Paumgartner. Côté droit, 1500-1504
En 1505, Dürer se rend à nouveau en Italie. En 1520, l'artiste se rend aux Pays-Bas, où il est victime d'une maladie inconnue qui le tourmentera ensuite pour le reste de sa vie. DANS dernières années Au cours de sa vie, Albrecht Dürer a accordé une grande attention à l'amélioration des fortifications défensives, provoquée par le développement armes à feu. Dans son ouvrage « Guide pour le renforcement des villes, châteaux et gorges », publié en 1527, Dürer décrit notamment les principes fondamentaux nouveau genre fortifications, qu'il appela bastea.
Albrecht Dürer est décédé le 6 avril 1528 dans son pays natal de Nuremberg.
Carré magique Dürer
Dürer a composé le premier carré magique d'Europe, représenté dans sa gravure « Mélancolie ». Le mérite de Dürer réside dans le fait qu'il a pu insérer les nombres de 1 à 16 dans le carré dessiné de telle manière que la somme 34 a été obtenue non seulement en additionnant les nombres verticalement, horizontalement et en diagonale, mais également dans les quatre quarts. , dans le quadrilatère central, et même en ajoutant quatre cellules de coin. Dürer a également réussi à inclure dans le tableau l'année de création de la gravure « Mélancolie » (1514).
Mélancolie, 1514
Mélancolie. Carré Magique (Fragment), 1514
Autoportraits de Dürer
Dans l'œuvre de Dürer, une image majestueuse et courageuse, véritablement humaniste, d'un homme d'une époque difficile a été créée. "Autoportrait" (1500. Alte Pinakothek. Munich) occupe une place particulière non seulement en allemand, mais dans tout art européen, reflétant la profondeur et l'incohérence de la conscience créatrice qui se tenait à la frontière de deux époques.
L'autoportrait de Dürer années de maturité, 1500
Dans cet autoportrait, l'artiste a tenté de relier l'ancien système de proportions au nouvel enseignement de la Renaissance sur les proportions du corps humain. S'efforçant de dépasser les conventions de l'art ancien, Dürer fut le premier des artistes allemands à maîtriser les techniques avancées réalisations artistiques Italie de la Renaissance. Comme Léonard, il incarnait le type typique de l'artiste-scientifique de la Renaissance, combinant le rationnel, savoir scientifique monde réel avec sa profondeur compréhension philosophique et l'imagination transformatrice, dynamique et passionnée de l'artiste.
Autoportrait (dessin au crayon argenté, 1484), Albertina, Vienne
Autoportrait, 1493, Louvre, Paris
Autoportrait, 1498, Prado, Madrid
Gravures
Dürer fut le premier artiste allemand à travailler simultanément les deux types de gravure : sur bois et sur cuivre. Il atteint une expressivité extraordinaire dans la gravure sur bois, réformant la manière traditionnelle de travailler et utilisant des techniques de travail développées dans la gravure sur métal. A la fin des années 90. Dürer a créé un certain nombre d'excellentes gravures sur bois, dont l'un de ses chefs-d'œuvre - une série de gravures sur bois "Apocalypse" (1498), qui sont une combinaison réussie du gothique tardif langage artistique et la stylistique de la Renaissance italienne.
Série "Apocalypse", 1498
Série "Apocalypse", 1498
En 1513-1514. Dürer a créé trois feuilles graphiques qui sont entrées dans l'histoire de l'art sous le titre « Gravures de maîtrise » : « Le Chevalier, la Mort et le Diable », « Saint Jérôme dans la cellule » et « Mélancolie ». La gravure « Adam et Eve » (1504) est considérée comme un chef-d’œuvre de la gravure sur métal de Dürer.
Dürer est né à Nuremberg, principal centre de l'humanisme allemand. Son talent artistique qualités commerciales et sa vision du monde se sont formées sous l'influence de trois personnes qui ont joué le rôle le plus important dans sa vie : son père, un bijoutier hongrois ; le parrain Koberger, qui a abandonné la joaillerie et s'est lancé dans l'édition ; et son ami le plus proche, Wilibald Pirkheimer, un humaniste hors pair qui a introduit jeune artiste avec de nouvelles idées de la Renaissance et des œuvres de maîtres italiens. Dürer maîtrise les bases de la peinture et de l'impression sur bois dans l'atelier de l'artiste Michael Wolgemut. Après plusieurs années d'études, il se rend à Colmar pour rencontrer le grand graveur Martin Schongauer, mais ne le retrouve pas vivant. Il passa de 1492 à 1494 à Bâle, le plus grand centre de production de livres illustrés. Ici, le jeune artiste s'intéresse aux gravures sur bois et sur cuivre. Enfin, après avoir également visité Strasbourg, Dürer retourne dans son pays natal, mais se rend bientôt à Venise. En chemin, le maître a réalisé plusieurs remarquables paysages à l'aquarelle, qui comptent parmi les premières œuvres de ce genre en Art d'Europe occidentale. Mais l'artiste, apparemment, n'était pas attiré par la technique du « sfumato », qui s'est répandue au tout début du XVIe siècle - la vague douceur des contours de la peinture, et il a continué à peindre dans un style linéaire rigide.
Dürer parlait de sa vie avec enthousiasme, peut-être motivé par la vanité ; il en décrit divers aspects dans une chronique familiale, dans un journal consacré à un voyage aux Pays-Bas et dans plusieurs lettres personnelles. Les autoportraits de Dürer, plus encore que ses propres mots, révèlent un désir constant de connaissance de soi et de formation de sa propre personnalité.
Dürer a créé « Autoportrait au chardon » en 1493 à Bâle, où il a travaillé dans l'atelier d'un artiste inconnu. Il s'agit du premier autoportrait peint à l'huile, mais non sur carton, comme c'était courant chez les artistes allemands de l'époque, mais sur parchemin collé sur toile. Ici l'artiste a vingt-deux ans. Les contours gracieux et sinueux de ses vêtements élégants font écho lignes ondulées de longs cheveux blonds. Il envoya ce portrait chez lui, en l'accompagnant du couplet « Mon travail continue, comme le ciel l'a ordonné ». L'autoportrait est au Louvre.
Autoportrait, 1493. Persienne, Paris
Dans l'Autoportrait de Madrid (1498, Prado), Dürer apparaît comme un homme à succès. Ses mains reposent sur le parapet, la vue depuis la fenêtre s'ouvre derrière lui. Ici, il est déjà représenté avec une barbe, vêtu de l'habit d'un riche bourgeois. Ce portrait reflète l'approche de la Renaissance dans l'interprétation de la personnalité de l'artiste, qui doit désormais être considéré non pas comme un humble artisan, mais comme une personne dotée d'un statut intellectuel et professionnel élevé.
Autoportrait, 1498. Jeune et habillé à la mode, de retour d'un voyage en Italie, l'artiste écrit sur le mur sous la fenêtre : « J'ai peint cela de moi-même. J'avais 26 ans. Albrecht Dürer." Musée du Prado, Madrid
En 1500, ces tendances culminent avec l'Autoportrait en Christ. Ici, l’apparence idéalisée, connue dans les autoportraits antérieurs, a été remplacée par une image sévère et perçante. La silhouette est strictement frontale, les yeux attirent l'attention, les tons d'œillet sont complétés par diverses nuances de brun, le fond est sombre. Dans cette œuvre, Dürer a évidemment cherché à transmettre l'idée que l'artiste, comme Dieu, est un créateur.
L'artiste se peignait strictement de face, ce qui n'était autorisé que dans les images du Christ. «Moi, Albrecht Dürer, Nuremberger, je me suis peint avec des couleurs éternelles à l'âge de 28 ans», peut-on lire sur l'inscription. L'auto-identification de Dürer avec le Christ dans ce portrait a prédéterminé les images ultérieures du Christ qu'il a créées ; elles ont toujours eu des similitudes avec l'artiste lui-même ;
Autoportrait, 1500. Alte Pinakothek, Munich
« Dürer est malade », écrivait l'artiste en 1510, se représentant nu. Il a dessiné un cercle jaune sur son ventre et a donné une explication : « Là où est la tache jaune et là où mon doigt pointe, c’est là que ça fait mal. »
"Dürer - Malade", 1510. Kunsthalle, Brême
Toute sa vie, Dürer, tel un homme obsessionnel, a essayé de trouver une formule de beauté avec une règle et un compas. Dans ses premiers traités de peinture, il écrivait : « …ce qui est beau – je ne le sais pas… Personne, sauf Dieu, ne peut juger du beau. » Mais peu importe le temps qu’il passait à rechercher les proportions idéales du corps humain, la formule de la beauté lui était connue sous d’autres formes, « impénétrables ». Ce n’est pas en vain qu’il a survécu à quinze de ses frères et sœurs, et deux épidémies de peste ne l’ont pas touché de leur souffle mortel, et la beauté de Dürer était la preuve de son choix et l’expression de son propre désir éternel d’harmonie.
Texte : Maria Grinfeldt
Titan de la Renaissance d'Europe occidentale, génie de la Renaissance, Albrecht Dürer fut l'un des les étoiles les plus brillantesà l'horizon de la peinture allemande. Le plus grand artiste du tournant des XVe-XVIe siècles est devenu célèbre pour ses gravures sur bois et sur cuivre ; paysages réalisés à l'aquarelle et à la gouache, portraits vivants réalistes. Il est devenu le premier théoricien de l’art de l’histoire. Étant une personne polyvalente, Albrecht Dürer a créé non seulement des œuvres exceptionnelles, mais aussi des chefs-d'œuvre intellectuels. Parmi eux, la gravure « Mélancolie » avec son carré magique.
Le brillant artiste est devenu célèbre pour ses autoportraits, qui contenaient à la fois le savoir-faire et l'idée unique de l'auteur. Au cours de sa vie, Albrecht Dürer a créé au moins 50 œuvres de ce type, mais seules quelques-unes ont survécu à ce jour. Qu'y a-t-il de remarquable dans les autoportraits de Dürer ? Pourquoi font-ils encore trembler les admirateurs enthousiastes de son œuvre ?
Autoportraits comme biographie d'Albrecht Dürer
Les biographes disent que le maître Albrecht Dürer était un jeune homme extrêmement séduisant et que son amour pour les autoportraits était en partie dû à un vain désir de plaire aux gens. Cependant, ce n’était pas leur véritable objectif. Les autoportraits de Dürer sont le reflet de son monde intérieur et de sa vision de l'art, de l'histoire de l'évolution de l'intelligence et du développement. goût artistique. Ils permettent de retracer toute la vie de l’artiste. Chaque étape est nouveau travail, remarquablement différent du précédent. Dürer a réalisé un autoportrait un genre à part aux beaux-arts, et ses œuvres dans leur ensemble sont devenues une biographie vivante de l'artiste. Ils peuvent parfois en dire plus que n’importe quel livre.
Le premier autoportrait du grand artiste
Le premier autoportrait d'Albrecht Dürer a été réalisé en 1484. A cette époque, l'artiste n'avait que treize ans, mais il savait déjà transmettre correctement les proportions et maîtrisait parfaitement une épingle en argent. Pour la première fois, le jeune Albrecht l'utilisa pour dessiner les contours de son visage. Cet outil laisse une marque argentée sur le papier apprêté. Au fil du temps, il acquiert une teinte brune. Il est presque impossible de l'effacer de la feuille sans endommager le sol. Albrecht, alors âgé de treize ans, en a cependant peint un portrait dont la réalisation aurait posé des difficultés même à un artiste chevronné de l'époque.
Dans le dessin, le jeune Dürer a l'air à la fois réfléchi et strict. Son regard est rempli de tristesse et de détermination. Le geste de la main témoigne d’un désir irréconciliable d’atteindre son objectif : devenir un grand maître dans son métier. Un jour, le père d'Albrecht vit le travail de son fils. Le premier autoportrait de Dürer a émerveillé le talentueux joaillier. Le père a toujours voulu que son fils suive ses traces, mais appréciant le travail d’Albrecht, il l’envoya étudier dans l’atelier de l’artiste Michael Wolgemut. Là, le jeune Dürer apprend les bases de la peinture et de la gravure.
Premier autoportrait à la plume
A l'issue de sa formation, chaque artiste, selon la tradition de l'époque, partait en voyage. Au cours de ses voyages, il a dû acquérir l'expérience de maîtres venus de pays lointains. Albrecht Dürer a également suivi cette voie. L'autoportrait qu'il a peint lors de son voyage en Europe a été exécuté d'une manière complètement différente. Cela montre la capacité du jeune artiste à refléter sur papier l’état intérieur de l’âme d’une personne. Cette fois, Dürer a utilisé un stylo et son humeur était différente. Dans le dessin « Autoportrait au pansement », le visage d’Albrecht est plein de tourment et de douleur non dissimulée. Il est couvert de rides qui rendent l'image plus sombre. La cause du tourment n’est pas connue avec certitude, mais il ne fait aucun doute qu’il a eu lieu.
Autoportrait, 1493
Vers la fin des pérégrinations d'Albrecht, la nouvelle de son mariage imminent le rattrapa. Puis, au XVe siècle, les parents choisissaient eux-mêmes un couple pour leurs enfants. Le père d'Albrecht a trouvé une épouse issue d'une famille noble de Nuremberg. Le jeune artiste ne s'est pas opposé à épouser Agnès Frey. Il existe un point de vue selon lequel c'est à l'occasion d'un tel événement que Dürer a écrit "Autoportrait au chardon". À cette époque, il était considéré comme la norme que les futurs époux se rencontrent dès le mariage. Le jeune artiste a donc décidé de créer future femme cadeau spécial.
Dans le portrait, Albrecht a 22 ans. Le jeune homme regarda au loin. Il est concentré et réfléchi. Les yeux d’Albrecht sont un peu louches car il a travaillé sur le portrait en se regardant dans le miroir. L'artiste tient un chardon dans ses mains. C'est devenu un sujet de controverse entre les fans de l'œuvre de Dürer.
Polémique autour de l’Autoportrait au chardon
Équivalent au mot « chardon » dans Allemand est männertreu, qui se traduit littéralement par « fidélité masculine ». Cela indique clairement que l'autoportrait était destiné à Agnès Frey. Cependant, les opposants à ce point de vue soutiennent que le chardon est un symbole de la passion du Christ et que les épines de la plante représentent le tourment de Jésus. En outre, Dürer a écrit sur l’autoportrait : « Mes affaires sont contrôlées par le Tout-Puissant. » Et cela indique aussi clairement que ce tableau est une expression de la soumission et de la dévotion de l’artiste à Dieu, et non un cadeau à sa future épouse. Cependant, seul Dürer lui-même connaissait la vérité.
Travail italien, 1498
L'œuvre suivante du maître Albrecht dans le genre de l'autoportrait a été achevée en Italie. L'artiste a toujours voulu aller dans ce pays et se familiariser avec la tradition unique Peinture italienne. La jeune épouse et sa famille n'étaient pas favorables à l'idée de voyager, mais l'épidémie de peste qui a balayé Nuremberg a rendu possible le voyage souhaité. Dürer a été frappé par l'éclatante palette de couleurs des paysages italiens. Il a représenté la nature avec une clarté incroyable pour l’époque. Dürer est devenu le premier peintre paysagiste de l’histoire de l’art. Son idéal était désormais une image correcte, correspondant à la nature et à la géométrie. L'atmosphère créative de l'Italie l'a aidé à s'accepter comme un artiste innovant. Et cela se reflète pleinement dans son autoportrait italien.
Il représente une personne sûre d'elle qui a réalisé sa vocation, la mission de créateur de beauté et le credo d'un penseur. C'est ainsi qu'est devenu Dürer. L’autoportrait, dont la description permet de juger des changements dans sa conscience de soi, devient l’une des œuvres les plus célèbres de l’artiste. Dürer y est plein de dignité. Sa posture est droite et son regard exprime la confiance. Albrecht est richement habillé. Ses cheveux soigneusement bouclés tombent sur ses épaules. Et en arrière-plan de l’autoportrait, on peut voir le paysage italien, pure inspiration de l’artiste.
Quatre tempéraments
L'œuvre suivante de Dürer reflète pleinement sa nature de penseur, ainsi que son désir de connaissance de soi. L'autoportrait est dédié à la doctrine grecque des quatre tempéraments. Selon lui, les gens sont divisés en mélancoliques et flegmatiques. Dans la gravure « Men's Bath », le grand artiste a incarné chaque type de tempérament chez un individu. Dürer se considérait comme mélancolique. Un astrologue inconnu lui en a parlé un jour. On peut supposer que c'est dans ce rôle qu'il est représenté sur la gravure. L'artiste s'est représenté comme un flûtiste divertissant ses amis.
"Autoportrait en Christ", 1500
Dürer revint d'Italie, non plus un étudiant timide, mais un maître dans son métier. Chez lui, Albrecht a reçu de nombreuses commandes qui lui ont valu la renommée. Son travail était déjà connu en dehors de sa ville natale de Nuremberg, et l'artiste lui-même a mis son entreprise sur une base commerciale. Dans le même temps, un nouveau siècle approchait, dont le début devait être marqué par la fin du monde. La période intense d’anticipation eschatologique a eu un impact significatif sur le maître Albrecht. Et en 1500 le plus œuvre célèbre, que Dürer a créé, «Autoportrait à l'image du Christ».
Il s'est photographié de front, ce qui était un courage impensable au XVIe siècle. Tous les portraits de cette époque se distinguaient par un caractéristique commune: des gens ordinaires Ils étaient toujours représentés à moitié tournés, et seul Jésus faisait exception. Dürer est devenu le premier artiste à violer cette interdiction tacite. les cheveux ondulés parfaits le font vraiment ressembler au Christ. Même la main, représentée au bas de la toile, est pliée dans un geste typique du Saint-Père. Les couleurs de l'image sont tamisées. Sur fond de noir, rouge, blanc et nuances brunes Le visage de l'artiste ressort clairement. Vêtu de robes garnies de fourrure, maître Albrecht semblait se comparer à un créateur qui crée son propre monde spécial, mystérieux et unique avec un ciseau et un pinceau.
Autoportraits religieux
Les autoportraits ultérieurs de Dürer avaient un caractère religieux prononcé. Le XVIe siècle est riche en bouleversements liés à la prise de conscience du rôle de Dieu dans la vie. homme ordinaire. Martin Luther a apporté une forte contribution à cette question, en essayant de transmettre l'essence Enseignement chrétien aux personnes. Et Dürer a écrit de nombreuses compositions religieuses. Parmi elles figurent la « Fête du Rosaire » et « l’Adoration de la Sainte Trinité ». Pour eux, Dürer n'est pas seulement un maître, mais aussi un participant à des actions sacrées. Il rendait ainsi hommage à la dévotion à Dieu.
L'autoportrait le plus franc
L’une des œuvres les plus controversées et mystérieuses de l’artiste, « Nude Self-Portrait », a des connotations religieuses. Albrecht Dürer s'est représenté à l'image du Christ martyr. Ils en parlent visage mince, corps émacié, pose rappelant Jésus lors de la flagellation. Même le pli de peau représenté par l'artiste au-dessus de la cuisse droite peut avoir signification symbolique. C'était une des blessures reçues par le Christ.
Le dessin a été réalisé à la plume et au pinceau sur du papier teinté vert. Heure exacte La création de l'autoportrait est inconnue, mais sur la base de l'âge de l'artiste sur le tableau, on peut supposer qu'il l'a peint dans la première décennie du XVIe siècle. On sait de manière fiable que l'auteur a conservé l'œuvre chez lui et ne l'a pas présentée au grand public. Aucun artiste avant ou après lui ne s'est représenté complètement nu. Le dessin, choquant par sa franchise, est difficilement trouvable dans les publications dédiées à l'art.
Les derniers autoportraits d'Albrecht Dürer
Les autoportraits ultérieurs de Dürer prédisaient son mort imminente. Aux Pays-Bas, il fut frappé par une étrange maladie dont personne n’avait alors la moindre idée. Aujourd’hui, les historiens ne peuvent que supposer qu’il s’agissait du paludisme. L'artiste avait des problèmes de rate, qu'il a clairement indiqués dans l'autoportrait «Dürer - Sick» par une tache jaune. Il a envoyé ce dessin à son médecin et lui a écrit message court. On dit que l'endroit où la tache jaune est représentée provoque de la douleur. Un reflet de la condition physique de l’artiste et une continuation du thème religieux étaient « Autoportrait à l’image du Christ souffrant ». Il représente Dürer, tourmenté par une maladie inconnue et une discorde spirituelle, dont la cause était peut-être la Réforme et les événements qui y sont liés.
Il mourut peu après, laissant à ses descendants le plus grand héritage de son temps. Les autoportraits de Dürer, conservés dans les galeries les plus célèbres du monde, comme le Louvre à Paris et le Prado à Madrid, étonnent encore par leur force intérieure et une beauté presque mystique.
Albrecht Dürer(Allemand Albrecht Dürer, 21 mai 1471, Nuremberg - 6 avril 1528, Nuremberg) - Peintre et graphiste allemand, l'un des plus grands maîtres de la Renaissance d'Europe occidentale. Reconnu comme le plus grand maître européen de l'impression sur bois, qui l'a élevé au rang d'art véritable. Le premier théoricien de l'art parmi les artistes d'Europe du Nord, auteur guide pratique en beaux-arts et arts décoratifs en allemand, qui a promu la nécessité d'un développement diversifié des artistes. Fondateur de l'anthropométrie comparée. Le premier artiste européen à écrire une autobiographie. L'émergence de l'autoportrait d'Europe du Nord en tant que genre indépendant est associée au nom de Dürer. L'un des meilleurs portraitistes de son époque, il valorise la peinture car elle permet de préserver l'image d'une personne en particulier pour les générations futures.
Le parcours créatif de Dürer a coïncidé avec le point culminant Renaissance allemande, dont le caractère complexe et largement disharmonieux a marqué l'ensemble de son art. Il accumule la richesse et l'originalité de l'allemand traditions artistiques, se manifeste constamment dans l’apparence des personnages de Dürer, loin de l’idéal classique de beauté, dans la préférence pour le caractère pointu, dans l’attention aux détails individuels. Parallèlement, contactez art italien, dont il essayait de comprendre le secret de l'harmonie et de la perfection. Il est le seul maître de la Renaissance nordique qui, par l'orientation et la polyvalence de ses intérêts, le désir de maîtriser les lois de l'art, le développement des proportions parfaites de la figure humaine et les règles de construction de la perspective, peuvent être comparés avec les plus grands maîtres Renaissance italienne.
Albrecht Durer « Autoportrait », Huile sur bois, 67 × 49 cm, 1500 g.
Cet autoportrait a fait une impression inoubliable sur ceux qui l'ont vu. Déjà au stade initial du travail sur le portrait, Albrecht a commis, du point de vue des canons médiévaux de l'art, un véritable blasphème : il a commencé à se peindre de face - dans une perspective impensable pour représenter de simples mortels, même un grand peintre. Seul Dieu pouvait être écrit de cette façon. Mais Dürer est allé plus loin : il a donné à son apparence les traits de Jésus-Christ. Accident? C'est peu probable, car on sait que dans ses œuvres ultérieures, l'artiste s'est utilisé à plusieurs reprises comme modèle pour l'image du Christ.
La rumeur sur la nouvelle création de l'artiste, même si elle n'a jamais été exposée publiquement et est toujours restée la propriété du maître, s'est répandue dans toute la ville et s'est rapidement répandue au-delà de ses frontières. Il y avait toutes les raisons de reprocher à Dürer son orgueil exorbitant, surtout en cette époque terrible (1500 - anticipation de la fin du monde). Mais même sa fierté était pardonné. La photo révèle non seulement nouvelle étape en allemand peinture de portrait. Elle semblait dire que l'homme avait créé Dieu à son image.