- Μουσική της Αναγέννησης
Αναβίωση της τέχνης και της επιστήμης στους XIV-XVI αιώνες. ήταν μια εποχή μεγάλων αλλαγών, που σηματοδότησε τη μετάβαση από τον μεσαιωνικό τρόπο ζωής στη νεωτερικότητα. Η σύνθεση και η εκτέλεση μουσικής απέκτησαν ιδιαίτερη σημασία κατά την περίοδο αυτή. Οι ανθρωπιστές που μελέτησαν τους αρχαίους πολιτισμούς της Ελλάδας και της Ρώμης δήλωσαν ότι η σύνθεση μουσικής ήταν μια χρήσιμη και ευγενής δραστηριότητα. Θεωρήθηκε ότι κάθε παιδί έπρεπε να μάθει να τραγουδά και να κυριαρχεί στα μουσικά όργανα. Για το λόγο αυτό, επιφανείς οικογένειες υποδέχονταν μουσικούς στα σπίτια τους για να παραδώσουν μαθήματα στα παιδιά τους και να διασκεδάσουν τους καλεσμένους.
Η μουσική αισθητική της Αναγέννησης αναπτύχθηκε από συνθέτες και θεωρητικούς τόσο εντατικά όσο και σε άλλες μορφές τέχνης. Άλλωστε, όπως ο Giovanni Boccaccio πίστευε ότι ο Dante, μέσω του έργου του, συνέβαλε στην επιστροφή των μουσών και έδωσε ζωή στη νεκρή ποίηση, όπως ο Giorgio Vasari μίλησε για την αναβίωση των τεχνών, έτσι και ο Josepho Zarlino έγραψε στην πραγματεία του «Εγκαταστάσεις της Αρμονίας» (1588):
«Ωστόσο, είτε οφείλεται σε ύπουλο χρόνο είτε σε ανθρώπινη αμέλεια, οι άνθρωποι άρχισαν να δίνουν μικρή αξία όχι μόνο στη μουσική, αλλά και σε άλλες επιστήμες. Και υψωμένη στα μεγαλύτερα ύψη, έπεσε στα άκρα χαμηλά. και, αφού της αποδόθηκε ανήκουστη τιμή, άρχισαν να τη θεωρούν αξιολύπητη, ασήμαντη και τόσο λίγο σεβαστή, που ακόμη και λόγιοι άνθρωποι μετά βίας την αναγνώρισαν και δεν ήθελαν να της αποδώσουν την τιμητική της».
Στο γύρισμα του 13ου-14ου αιώνα, δημοσιεύτηκε στο Παρίσι η πραγματεία «Μουσική» του δασκάλου της μουσικής John de Grohe, στην οποία αναθεώρησε κριτικά τις μεσαιωνικές ιδέες για τη μουσική. Έγραψε: «Όσοι έχουν την τάση να λένε παραμύθια είπαν ότι η μουσική εφευρέθηκε από τις μούσες που ζούσαν κοντά στο νερό. Άλλοι είπαν ότι επινοήθηκε από αγίους και προφήτες. Αλλά ο Βοήθιος, ένας σημαντικός και ευγενής άνθρωπος, έχει διαφορετικές απόψεις... Λέει στο βιβλίο του ότι η αρχή της μουσικής ανακαλύφθηκε από τον Πυθαγόρα. Οι άνθρωποι τραγουδούσαν, όπως λέγαμε, από την αρχή, αφού η μουσική τους ήταν έμφυτη από τη φύση τους, όπως ισχυρίζονται ο Πλάτωνας και ο Βοήθιος, αλλά τα θεμέλια του τραγουδιού και της μουσικής ήταν άγνωστα μέχρι την εποχή του Πυθαγόρα...»
Ωστόσο, ο John de Groheo δεν συμφωνεί με τη διαίρεση της μουσικής σε τρία είδη του Boethius και των οπαδών του: παγκόσμια μουσική, ανθρώπινη μουσική, ενόργανη μουσική, επειδή η αρμονία που προκαλεί η κίνηση ουράνια σώματα, κανείς δεν άκουσε καν το τραγούδι των αγγέλων. Γενικά, «δεν είναι δουλειά ενός μουσικού να ερμηνεύει το αγγελικό τραγούδι, εκτός αν είναι θεολόγος ή προφήτης».
«Ας πούμε, λοιπόν, ότι το μουσικό ρεύμα μεταξύ των Παριζιάνων μπορεί προφανώς να περιοριστεί σε τρεις κύριες κατηγορίες. Ένα τμήμα είναι η απλή, ή η αστική (civilis) μουσική, την οποία ονομάζουμε επίσης λαϊκή. η άλλη είναι σύνθετη μουσική (composed - composita), ή σωστή (learned - regularis), ή κανονική, που ονομάζεται mensural. Και η τρίτη ενότητα, που προκύπτει από τα δύο παραπάνω και στην οποία συνδυάζονται και οι δύο σε κάτι καλύτερο, είναι η εκκλησιαστική μουσική, που έχει σκοπό να υμνήσει τον δημιουργό».
Ο John de Grohe ήταν μπροστά από την εποχή του και δεν είχε οπαδούς. Η μουσική, όπως η ποίηση και η ζωγραφική, απέκτησαν νέες ιδιότητες μόλις τον 15ο και ιδιαίτερα τον 16ο αιώνα, που συνοδεύτηκε από την εμφάνιση ολοένα και περισσότερων νέων πραγματειών για τη μουσική.
Ο Glarean (1488 - 1563), συγγραφέας του δοκιμίου για τη μουσική "The Twelve-Stringed Man" (1547), γεννήθηκε στην Ελβετία, σπούδασε στο Πανεπιστήμιο της Κολωνίας στην καλλιτεχνική σχολή. Ο Master of Liberal Arts ασχολείται με τη διδασκαλία ποίησης, μουσικής, μαθηματικών, ελληνικών και λατινικών στη Βασιλεία, γεγονός που μιλά για τα πιεστικά ενδιαφέροντα της εποχής. Εδώ έγινε φίλος με τον Έρασμο του Ρότερνταμ.
Ο Glarean προσεγγίζει τη μουσική, ιδιαίτερα την εκκλησιαστική μουσική, όπως οι καλλιτέχνες που συνέχισαν να ζωγραφίζουν πίνακες και τοιχογραφίες στις εκκλησίες, δηλαδή η μουσική, όπως η ζωγραφική, θα έπρεπε, πέρα από τη θρησκευτική διδακτική και τον προβληματισμό, πρώτα απ' όλα να δίνει ευχαρίστηση, να είναι η «μητέρα του ευχαρίστηση."
Ο Glarean τεκμηριώνει τα πλεονεκτήματα της μονοφωνικής μουσικής έναντι της πολυφωνίας, ενώ μιλά για δύο τύπους μουσικών: τους φθόγγους και τους συμφωνιστές: οι πρώτοι έχουν μια φυσική τάση να συνθέτουν μια μελωδία, οι δεύτεροι - να αναπτύσσουν μια μελωδία για δύο, τρεις ή περισσότερες φωνές.
Ο Glarean, εκτός από την ανάπτυξη της θεωρίας της μουσικής, εξετάζει επίσης την ιστορία της μουσικής, την ανάπτυξή της, όπως αποδεικνύεται, στα πλαίσια της Αναγέννησης, αγνοώντας εντελώς τη μουσική του Μεσαίωνα. Τεκμηριώνει την ιδέα της ενότητας μουσικής και ποίησης, ενόργανης απόδοσης και κειμένου. Στην ανάπτυξη της μουσικής θεωρίας, ο Glarean νομιμοποίησε, με τη χρήση δώδεκα τόνων, τον αιολικό και τον ιωνικό τρόπο, τεκμηριώνοντας έτσι θεωρητικά τις έννοιες του μείζονα και του ελάσσονος.
Ο Glarean δεν περιορίζεται στην ανάπτυξη της μουσικής θεωρίας, αλλά εξετάζει το έργο των σύγχρονων συνθετών Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue. Μιλάει για τον Josquin Despres με αγάπη και χαρά, όπως ο Vasari για τον Michelangelo.
Ο Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), η δήλωση του οποίου γνωρίζουμε ήδη, εντάχθηκε στο τάγμα των Φραγκισκανών για 20 χρόνια στη Βενετία με τις μουσικές συναυλίες και την άνθηση της ζωγραφικής, που αφύπνισε την κλίση του ως μουσικού, συνθέτη και θεωρητικού της μουσικής. Το 1565 ηγήθηκε του παρεκκλησίου του Αγ. Μάρκα. Πιστεύεται ότι στο δοκίμιο «Εγκατάσταση της Αρμονίας» ο Ζαρλίνο εξέφρασε τις βασικές αρχές σε κλασική μορφή μουσικής αισθητικήςΑναγέννηση.
Ο Ζαρλίνο, που μίλησε για την παρακμή της μουσικής, φυσικά, στον Μεσαίωνα, βασίζεται στην αρχαία αισθητική για την ανάπτυξη του δόγματος του για τη φύση της μουσικής αρμονίας. «Το πόσο δοξαζόταν και σεβόταν η μουσική ως ιερή αποδεικνύεται ξεκάθαρα από τα γραπτά των φιλοσόφων και ιδιαίτερα των Πυθαγορείων, αφού πίστευαν ότι ο κόσμος δημιουργήθηκε σύμφωνα με τους μουσικούς νόμους, ότι η κίνηση των σφαιρών είναι η αιτία της αρμονίας και ότι Η ψυχή χτίζεται σύμφωνα με τους ίδιους νόμους, ξυπνά από τραγούδια και ήχους και φαίνεται να έχουν ζωογόνο επίδραση στις ιδιότητές της».
Ο Ζαρλίνο τείνει να θεωρεί τη μουσική την κύρια μεταξύ των φιλελεύθερων τεχνών, καθώς ο Λεονάρντο ντα Βίντσι εξύψωσε τη ζωγραφική. Αλλά αυτή η γοητεία με ορισμένα είδη τέχνης δεν πρέπει να μας μπερδεύει, γιατί μιλάμε για την αρμονία ως μια ολοκληρωμένη αισθητική κατηγορία.
«Και αν η ψυχή του κόσμου (όπως νομίζουν μερικοί) είναι αρμονία, δεν μπορεί η ψυχή μας να είναι η αιτία κάθε αρμονίας μέσα μας και το σώμα μας να μην ενωθεί με την ψυχή σε αρμονία, ειδικά όταν ο Θεός δημιούργησε τον άνθρωπο με την ομοιότητα του μεγαλύτερος κόσμος, που οι Έλληνες τον έλεγαν σύμπαν, δηλαδή στολίδι ή στολισμένο, και όταν δημιούργησε μια όψη μικρότερου όγκου, σε αντίθεση με αυτόν που ονομάζεται μικρόκοσμος, δηλαδή μικρός κόσμος? Είναι σαφές ότι μια τέτοια υπόθεση δεν είναι αβάσιμη».
Στο Τσαρλίνο Χριστιανική θεολογίαμετατρέπεται σε αντίκα αισθητική. Η ιδέα της ενότητας του μικρο- και του μακρόκοσμου γεννά μια άλλη ιδέα σε αυτόν - σχετικά με την αναλογικότητα της αντικειμενικής αρμονίας του κόσμου και την υποκειμενική αρμονία που είναι εγγενής στην ανθρώπινη ψυχή. Αναδεικνύοντας τη μουσική ως τις κύριες φιλελεύθερες τέχνες, ο Ζαρλίνο μιλά για την ενότητα μουσικής και ποίησης, την ενότητα μουσικής και κειμένου, μελωδίας και λέξεων. Σε αυτό προστίθεται η «ιστορία», η οποία προβλέπει ή δικαιολογεί την προέλευση της όπερας. Και αν υπάρξει χορός, όπως θα γίνει στο Παρίσι, θα δούμε τη γέννηση του μπαλέτου.
Πιστεύεται ότι ήταν ο Ζαρλίνο που έδωσε τα αισθητικά χαρακτηριστικά του μείζονα και του ελάσσονος, ορίζοντας τη μείζονα τριάδα ως χαρούμενη και φωτεινή και τη δευτερεύουσα ως λυπημένη και μελαγχολική. Ορίζει επίσης την αντίστιξη ως «ένα αρμονικό σύνολο που περιέχει διάφορες αλλαγές στους ήχους ή τις φωνές τραγουδιού σε ένα συγκεκριμένο μοτίβο συσχέτισης και με ένα συγκεκριμένο μέτρο του χρόνου, ή ότι είναι ένας τεχνητός συνδυασμός διαφορετικών ήχων που έχουν επιτευχθεί σε συνοχή».
Ο Τζόζεφφο Ζαρλίνο, όπως και ο Τιτσιάν, με τον οποίο συνδέθηκε, απέκτησε μεγάλη φήμη και εξελέγη μέλος της Ενετικής Ακαδημίας της Δόξας. Η αισθητική ξεκαθαρίζει την κατάσταση των πραγμάτων στη μουσική κατά την Αναγέννηση. Ιδρυτής Ενετικό σχολείοΗ μουσική ήταν ο Adrian Willaert (μεταξύ 1480/90 - 1568), Ολλανδός εκ γενετής. Ο Τσαρλίνο σπούδασε μουσική μαζί του. Η βενετσιάνικη μουσική, όπως και η ζωγραφική, διακρίθηκε από μια πλούσια ηχητική παλέτα, η οποία σύντομα απέκτησε χαρακτηριστικά μπαρόκ.
Εκτός από τη βενετική σχολή, η μεγαλύτερη και η μεγαλύτερη επιρροή ήταν η Ρωμαϊκή και η Φλωρεντινή. Επικεφαλής της ρωμαϊκής σχολής ήταν ο Giovanni Palestrina (1525 - 1594).
Η κοινότητα των ποιητών, ανθρωπιστών επιστημόνων, μουσικών και μουσικόφιλων στη Φλωρεντία ονομάζεται Καμεράτα. Επικεφαλής της ήταν ο Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Σκεπτόμενοι την ενότητα μουσικής και ποίησης, και ταυτόχρονα με το θέατρο, με δράση επί σκηνής, τα μέλη της Καμεράτας δημιούργησαν ένα νέο είδος - όπερα.
Οι πρώτες όπερες θεωρούνται η «Daphne» του J. Peri (1597) και η «Eurydice» βασισμένες σε κείμενα του Rinuccini (1600). Εδώ έγινε μια μετάβαση από το πολυφωνικό ύφος σε ένα ομοφωνικό. Το ορατόριο και η καντάτα παρουσιάστηκαν εδώ για πρώτη φορά.
Η μουσική της Ολλανδίας του 15ου - 16ου αιώνα είναι πλούσια σε ονόματα μεγάλων συνθετών, ανάμεσά τους και ο Josquin Despres (1440 - 1524), για τον οποίο έγραψε ο Ζαρλίνο και υπηρέτησε στη γαλλική αυλή, όπου αναπτύχθηκε η γαλλο-φλαμανδική σχολή. Πιστεύεται ότι το υψηλότερο επίτευγμα των Ολλανδών μουσικών ήταν η χορωδιακή μάζα a capella, που αντιστοιχεί στην ανοδική ώθηση των γοτθικών καθεδρικών ναών.
Η οργανική τέχνη αναπτύσσεται στη Γερμανία. Στη Γαλλία δημιουργήθηκαν παρεκκλήσια στην αυλή και οργανώθηκαν μουσικά φεστιβάλ. Το 1581, ο Ερρίκος Γ' καθιέρωσε τη θέση του "Επικεφαλής Μουσικής" στο δικαστήριο. Ο πρώτος «αρχηγός της μουσικής» ήταν ο Ιταλός βιολονίστας Baltazarini de Belgioso, ο οποίος ανέβασε το «The Queen's Comedy Ballet», μια παράσταση στην οποία η μουσική και ο χορός παρουσιάστηκαν ως σκηνική δράση για πρώτη φορά. Έτσι προέκυψε το δικαστικό μπαλέτο.
Ο Clément Janequin (περ. 1475 - περ. 1560), εξαιρετικός συνθέτης της Γαλλικής Αναγέννησης, είναι ένας από τους δημιουργούς του είδους του πολυφωνικού τραγουδιού. Αυτά είναι έργα 4-5 φωνών, σαν τραγούδια φαντασίας. Το κοσμικό πολυφωνικό τραγούδι - chanson - διαδόθηκε ευρέως εκτός Γαλλίας.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η οργανική μουσική αναπτύχθηκε ευρέως. Ανάμεσα στα κύρια μουσικά όργανα είναι το λαούτο, άρπα, φλάουτο, όμποε, τρομπέτα, όργανα διαφόρων τύπων (θετικά, φορητά), ποικιλίες τσέμπαλου. το βιολί ήταν λαϊκό όργανο, αλλά με την ανάπτυξη νέων εγχόρδων τοξωτά όργαναΌπως το βιολί, έτσι και το βιολί γίνεται ένα από τα κορυφαία μουσικά όργανα.
Αν η νοοτροπία της νέας εποχής αφυπνιστεί πρώτα στην ποίηση και λάβει λαμπρή ανάπτυξη στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική, τότε η μουσική, ξεκινώντας από παραδοσιακό τραγούδι, διαπερνά όλους τους τομείς της ζωής. Ακόμη και η εκκλησιαστική μουσική γίνεται πλέον αντιληπτή σε μεγαλύτερο βαθμό, όπως πίνακες ζωγραφικής καλλιτεχνών με βιβλικά θέματα, όχι ως κάτι ιερό, αλλά κάτι που φέρνει χαρά και ευχαρίστηση, για το οποίο νοιάζονταν οι ίδιοι οι συνθέτες, οι μουσικοί και οι χορωδίες.
Με μια λέξη, όπως στην ποίηση, στη ζωγραφική, στην αρχιτεκτονική, σημειώθηκε μια καμπή στην ανάπτυξη της μουσικής, με την ανάπτυξη της μουσικής αισθητικής και θεωρίας, με τη δημιουργία νέων ειδών, ιδιαίτερα συνθετικών μορφών τέχνης, όπως η όπερα και η το μπαλέτο, που θα έπρεπε να εκληφθεί ως Αναγέννηση, μεταδόθηκε αιώνες. Η μουσική της Αναγέννησης ακούγεται στην αρχιτεκτονική ως μια αρμονία των μερών και του συνόλου, εγγεγραμμένη στη φύση και στους εσωτερικούς χώρους των ανακτόρων και σε πίνακες, στους οποίους βλέπουμε πάντα μια παράσταση, ένα σταματημένο επεισόδιο, όταν οι φωνές σιωπούσαν, και οι χαρακτήρες άκουγαν όλοι τη ξεθωριασμένη μελωδία, που σαν να μπορούσα να την ακούσω...
- Μουσικά όργανα
Για πολύ καιρό, ο ήχος του βιολιού θεωρούνταν πρότυπο επιτήδευσης στη μουσική. Υπάρχουν τρεις κύριοι τύποι στην οικογένεια της βιόλας. Η βιόλα ντα γκάμπα είναι ένα μεγάλο όργανο που ο ερμηνευτής το τοποθετούσε κάθετα και το πίεζε από τα πλάγια με τα πόδια του (η ιταλική λέξη gamba σημαίνει «γόνατο»). Δύο άλλες ποικιλίες - viola da braccio (από τα ιταλικά braccio - "αντήχηση") και viol d'amour (γαλλικά viole d'amour - "βιόλα της αγάπης") ήταν προσανατολισμένες οριζόντια και όταν παίζονταν πιέζονταν στον ώμο. Η βιόλα ντα γκάμπα είναι κοντά σε ηχητικό εύρος με το τσέλο, η βιόλα ντα μπράτσιο είναι κοντά στο βιολί και η βιόλα ντ'αμούρ είναι κοντά στη βιόλα.
Ανάμεσα στα μαδημένα όργανα της Αναγέννησης, την κύρια θέση κατέχει το λαούτο (πολωνικά lutnia, από το αραβικό "alud" - "δέντρο"). Ήρθε στην Ευρώπη από τη Μέση Ανατολή στα τέλη του 14ου αιώνα, και στις αρχές του 16ου αιώνα υπήρχε ένα τεράστιο ρεπερτόριο για αυτό το όργανο. Πρώτα απ' όλα τραγουδούσαν τραγούδια με τη συνοδεία λαούτου. Το λαούτο έχει κοντό σώμα. το πάνω μέρος είναι επίπεδο και το κάτω μέρος μοιάζει με ημισφαίριο. Ένας λαιμός είναι στερεωμένος στον φαρδύ λαιμό, χωρισμένος με τάστα και η κεφαλή του οργάνου είναι λυγισμένη προς τα πίσω σχεδόν σε ορθή γωνία. Αν θέλετε, μπορείτε να δείτε την ομοιότητα με μπολ στην εμφάνιση του λαούτου. Δώδεκα χορδές ομαδοποιούνται σε ζευγάρια και ο ήχος παράγεται τόσο με τα δάχτυλα όσο και με μια ειδική πλάκα - μεσολαβητή.
Τον 15ο-16ο αιώνα εμφανίστηκαν διάφορα είδη πληκτρολογίων. Οι κύριοι τύποι τέτοιων οργάνων - τσέμπαλο, clavichord, cymbal, virginel - χρησιμοποιήθηκαν ενεργά στη μουσική της Αναγέννησης, αλλά η πραγματική τους άνθηση ήρθε αργότερα.
- Δημοφιλή εργαλεία
Εκείνη την εποχή, πολλοί άνθρωποι αγαπούσαν να παίζουν ηχογράφηση, φλάουτα και κόρνα. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοδημιουργημένο τσέμπαλο, το virginel (ένα αγγλικό τσέμπαλο που χαρακτηρίζεται από το μικρό του μέγεθος) και το όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξέχασαν να συνθέσουν πιο απλή μουσική που δεν απαιτούσε υψηλές εκτελεστικές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, έγιναν αλλαγές στη μουσική γραφή: βαριά ξύλινα τυπογραφικά μπλοκ αντικαταστάθηκαν από κινητούς μεταλλικούς τύπους που εφευρέθηκαν από τον Ιταλό Ottaviano Petrucci. Τα δημοσιευμένα μουσικά έργα εξαντλήθηκαν γρήγορα, όλα περισσότεροι άνθρωποιάρχισε να ασχολείται με τη μουσική.
Τον 16ο αιώνα εμφανίστηκαν νέα μουσικά όργανα. Τα πιο δημοφιλή ήταν αυτά που παίζονταν εύκολα και απλά για τους μουσικόφιλους, χωρίς να απαιτούνται ιδιαίτερες δεξιότητες.
Τα πιο συνηθισμένα ήταν οι βιόλες και τα σχετικά μαδημένα λουλούδια. Η βιόλα ήταν ο πρόδρομος του βιολιού και ήταν εύκολο να παίξεις χάρη στα τάστα (ξύλινες λωρίδες στο λαιμό) που σε βοηθούσαν να χτυπήσεις τις σωστές νότες. Ο ήχος της βιόλας ήταν ήσυχος, αλλά ακουγόταν καλός σε μικρές αίθουσες. Με τη συνοδεία ενός άλλου μαδημένου οργάνου -του λαούτου- τραγούδησαν, όπως και τώρα με μια κιθάρα.
Εκείνη την εποχή, πολλοί άνθρωποι αγαπούσαν να παίζουν ηχογράφηση, φλάουτα και κόρνα. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοδημιουργημένο τσέμπαλο, το virginel (ένα αγγλικό τσέμπαλο, που διακρίνεται για το μικρό του μέγεθος) και το όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξέχασαν να συνθέσουν πιο απλή μουσική που δεν απαιτούσε υψηλές ερμηνευτικές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, έγιναν αλλαγές στη μουσική γραφή: βαριά ξύλινα τυπογραφικά μπλοκ αντικαταστάθηκαν από κινητούς μεταλλικούς τύπους που εφευρέθηκαν από τον Ιταλό Ottaviano Petrucci. Τα δημοσιευμένα μουσικά έργα εξαντλήθηκαν γρήγορα και όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να ασχολούνται με τη μουσική.
- Σύντομη περιγραφή της εποχής ανά χώρα
Η Ολλανδία είναι μια ιστορική περιοχή στη βορειοδυτική Ευρώπη που περιλαμβάνει περιοχές του σύγχρονου Βελγίου, της Ολλανδίας, του Λουξεμβούργου και της βορειοανατολικής Γαλλίας. Μέχρι τον 15ο αιώνα Η Ολλανδία έχει φτάσει σε υψηλό οικονομικό και πολιτιστικό επίπεδο και έχει γίνει μια ευημερούσα ευρωπαϊκή χώρα.
Εδώ εμφανίστηκε η ολλανδική πολυφωνική σχολή - ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα στη μουσική της Αναγέννησης. Για την ανάπτυξη της τέχνης τον 15ο αιώνα, η επικοινωνία μεταξύ μουσικών από διαφορετικές χώρες, αμοιβαία επιρροή δημιουργικών σχολείων. Το ολλανδικό σχολείο απορρόφησε τις παραδόσεις της Ιταλίας, της Γαλλίας, της Αγγλίας και της Ολλανδίας.
Οι εξέχοντες εκπρόσωποί του: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (περίπου 1400 - 27/11/1474, Cambrai), Γαλλο-Φλαμανδός συνθέτης, ένας από τους ιδρυτές της ολλανδικής σχολής. Τα θεμέλια της πολυφωνικής παράδοσης στην ολλανδική μουσική έθεσε ο Guillaume Dufay (περίπου 1400 - 1474). Γεννήθηκε στην πόλη Cambrai της Φλάνδρας (επαρχία στα νότια της Ολλανδίας) και από μικρός τραγουδούσε σε εκκλησιαστική χορωδία. Ταυτόχρονα, ο μελλοντικός μουσικός παρακολούθησε ιδιαίτερα μαθήματα σύνθεσης. Σε νεαρή ηλικία, ο Dufay πήγε στην Ιταλία, όπου έγραψε τις πρώτες του συνθέσεις - μπαλάντες και μοτέτες. Το 1428-1437 Υπηρέτησε ως τραγουδιστής στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. Τα ίδια χρόνια ταξίδεψε στην Ιταλία και τη Γαλλία. Το 1437 χειροτονήθηκε ο συνθέτης. Στην αυλή του δούκα της Σαβοΐας (1437-1439), συνέθεσε μουσική για τελετές και γιορτές. Ο Dufay απολάμβανε μεγάλο σεβασμό από τους ευγενείς - μεταξύ των θαυμαστών του ήταν, για παράδειγμα, το ζεύγος των Μεδίκων (ηγεμόνες της ιταλικής πόλης της Φλωρεντίας). [Εργάστηκε σε Ιταλία και Γαλλία. Το 1428-37 ήταν ψάλτης παπικών παρεκκλησιών στη Ρώμη και σε άλλες ιταλικές πόλεις και το 1437-44 υπηρέτησε με τον δούκα της Σαβοΐας. Από το 1445, κανών και διευθυντής μουσικών δραστηριοτήτων στον καθεδρικό ναό στο Cambrai. Δάσκαλος των ιερών (3-, 4-φωνών μαζών, μοτέτες), καθώς και των κοσμικών (3-, 4-φωνών γαλλικά chansons, Ιταλικά τραγούδια, μπαλάντες, ρόντο) είδη που συνδέονται με τη λαϊκή πολυφωνία και την ουμανιστική κουλτούρα της Αναγέννησης. Η δανική τέχνη, που απορρόφησε τα επιτεύγματα της ευρωπαϊκής μουσικής τέχνης, είχε μεγάλη επιρροή στην περαιτέρω ανάπτυξη της ευρωπαϊκής πολυφωνικής μουσικής. Ήταν επίσης αναμορφωτής της μουσικής σημειογραφίας (ο Δ. πιστώνεται ότι εισήγαγε νότες με λευκά κεφάλια). Τα πλήρη έργα του D. δημοσιεύτηκαν στη Ρώμη (6 τόμοι, 1951-66).] Ο Dufay ήταν ο πρώτος μεταξύ των συνθετών που άρχισε να συνθέτει τη μάζα ως αναπόσπαστη μουσική σύνθεση. Η δημιουργία εκκλησιαστικής μουσικής απαιτεί ένα εξαιρετικό ταλέντο: την ικανότητα να εκφράζονται αφηρημένες, άυλες έννοιες με συγκεκριμένα, υλικά μέσα. Η δυσκολία είναι ότι μια τέτοια σύνθεση, αφενός, δεν αφήνει τον ακροατή αδιάφορο, και αφετέρου, δεν αποσπά την προσοχή από τη λειτουργία και βοηθά στη βαθύτερη συγκέντρωση στην προσευχή. Πολλές από τις μάζες του Dufay είναι εμπνευσμένες, γεμάτες εσωτερική ζωή. φαίνεται να βοηθούν για μια στιγμή να σηκωθεί το πέπλο της Θείας αποκάλυψης.
Συχνά, όταν δημιουργούσε μια μάζα, ο Dufay έπαιρνε μια γνωστή μελωδία στην οποία πρόσθετε τη δική του. Τέτοιοι δανεισμοί είναι χαρακτηριστικός της Αναγέννησης. Θεωρήθηκε πολύ σημαντικό η μάζα να βασίζεται σε μια γνώριμη μελωδία που οι θαυμαστές θα μπορούσαν εύκολα να αναγνωρίσουν ακόμη και σε ένα πολυφωνικό έργο. Συχνά χρησιμοποιήθηκε ένα κομμάτι από το Γρηγοριανό άσμα. Δεν αποκλείστηκαν ούτε τα κοσμικά έργα.
Εκτός από την εκκλησιαστική μουσική, ο Dufay συνέθεσε μοτέτα βασισμένα σε κοσμικά κείμενα. Σε αυτά χρησιμοποιούσε και πολύπλοκες πολυφωνικές τεχνικές.
Josquin Despres (1440-1521). Εκπρόσωπος της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής του δεύτερου μισού του 15ου αιώνα. Υπήρξε ο Josquin Despres (περίπου 1440-1521 ή 1524), ο οποίος είχε μεγάλη επιρροή στο έργο των συνθετών της επόμενης γενιάς. Στα νιάτα του υπηρέτησε ως εκκλησιαστικός χοράρχης στο Cambrai. πήρε μαθήματα μουσικήςστο Okegem. Σε ηλικία είκοσι ετών, ο νεαρός μουσικός ήρθε στην Ιταλία, τραγούδησε στο Μιλάνο με τους Sforza Dukes (αργότερα υπηρέτησε εδώ ο μεγάλος Ιταλός καλλιτέχνης Leonardo da Vinci) και στο παπικό παρεκκλήσι της Ρώμης. Στην Ιταλία, ο Despres μάλλον άρχισε να συνθέτει μουσική. Στις αρχές κιόλας του 16ου αι. μετακόμισε στο Παρίσι. Μέχρι εκείνη την εποχή, ο Despres ήταν ήδη διάσημος και προσκλήθηκε στη θέση του μουσικού της αυλής από τον Γάλλο βασιλιά Λουδοβίκο XII. Από το 1503, ο Ντεσπρέ εγκαταστάθηκε ξανά στην Ιταλία, στην πόλη της Φεράρα, στην αυλή του Δούκα ντ' Έστε, και η μουσική του κέρδισε γρήγορα την αναγνώριση στους ευρύτερους κύκλους: αγαπήθηκε τόσο από τους ευγενείς όσο και από τους ευγενείς. Ο συνθέτης δημιούργησε όχι μόνο εκκλησιαστικά έργα, αλλά και κοσμικά, ειδικότερα, στράφηκε στο είδος του ιταλικού λαϊκού τραγουδιού - frottola (ιταλικό frottola, από το "πλήθος"), το οποίο χαρακτηρίζεται από έναν χορευτικό ρυθμό. Ο γρήγορος ρυθμός εισήγαγε χαρακτηριστικά κοσμικών έργων στην εκκλησιαστική μουσική: ο φρέσκος, ζωηρός τόνος έσπασε το αίσθημα χαράς και πληρότητας της ζωής, ωστόσο, η πολυφωνική τεχνική του συνθέτη , αλλά αυτό είναι το μυστικό της δημοτικότητας των δημιουργιών του .
Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Οι νεότεροι σύγχρονοι του Guillaume Dufay ήταν ο Johannes (Jean) Okeghem (περίπου 1425-1497) και ο Jacob Obrecht. Όπως ο Dufay, έτσι και ο Okegem ήταν από τη Φλάνδρα. Δούλεψε σκληρά όλη του τη ζωή. Εκτός από τη σύνθεση μουσικής, υπηρέτησε ως επικεφαλής του παρεκκλησίου. Ο συνθέτης δημιούργησε δεκαπέντε μάζες, δεκατρία μοτέτες και περισσότερα από είκοσι chansons. Τα έργα του Okegöm χαρακτηρίζονται από αυστηρότητα, συγκέντρωση και μακρά ανάπτυξη ομαλών μελωδικών γραμμών. Έδωσε μεγάλη προσοχή στην πολυφωνική τεχνική, επιδιώκοντας όλα τα μέρη της μάζας να γίνουν αντιληπτά ως ένα ενιαίο σύνολο. Το δημιουργικό στυλ του συνθέτη μπορεί επίσης να διακριθεί στα τραγούδια του - στερούνται σχεδόν κοσμικής ελαφρότητας, στον χαρακτήρα θυμίζουν περισσότερο μοτέτες και μερικές φορές θραύσματα μαζών. Ο Johannes Okegem ήταν σεβαστός τόσο στην πατρίδα του όσο και στο εξωτερικό (διορίστηκε σύμβουλος του βασιλιά της Γαλλίας). Ο Jacob Obrecht ήταν χοράρχης σε καθεδρικούς ναούς διαφόρων πόλεων στην Ολλανδία και οδήγησε παρεκκλήσια. Υπηρέτησε για αρκετά χρόνια στην αυλή του Duke d'Este στη Φεράρα (Ιταλία). η πολυφωνική παράδοση είναι γεμάτη αντιθέσεις, τολμηρή, ακόμη και όταν ο συνθέτης στρέφεται στα παραδοσιακά εκκλησιαστικά είδη.
Η ευελιξία και το βάθος της δημιουργικότητας του Ορλάντο Λάσο. Η ιστορία της ολλανδικής αναγεννησιακής μουσικής ολοκληρώνεται με το έργο του Orlando Lasso (πραγματικό όνομα Roland de Lasso, περίπου 1532-1594), που αποκαλείται από τους συγχρόνους του ο «Βέλγος Ορφέας» και ο «Πρίγκιπας της Μουσικής». Ο Λάσο γεννήθηκε στο Μονς (Φλάνδρα). Από μικρός τραγουδούσε στην εκκλησιαστική χορωδία, καταπληκτικοί ενορίτες με την υπέροχη φωνή του. Ο Γκονζάγκα, δούκας της ιταλικής πόλης Μάντοβα, άκουσε κατά λάθος τον νεαρό τραγουδιστή και τον κάλεσε στο δικό του παρεκκλήσι. Μετά τη Μάντοβα, ο Λάσο εργάστηκε για λίγο στη Νάπολη και στη συνέχεια μετακόμισε στη Ρώμη - εκεί έλαβε τη θέση του διευθυντή του παρεκκλησίου ενός από τους καθεδρικούς ναούς. Μέχρι την ηλικία των είκοσι πέντε ετών, ο Λάσο ήταν ήδη γνωστός ως συνθέτης και τα έργα του ήταν περιζήτητα μεταξύ των μουσικών εκδοτών. Το 1555 εκδόθηκε η πρώτη συλλογή έργων που περιείχε μοτέτες, μαδριγάλους και chansons. Ο Λάσο μελέτησε ό,τι καλύτερο δημιούργησαν οι προκάτοχοί του (Ολλανδοί, Γάλλοι, Γερμανοί και Ιταλοί συνθέτες) και χρησιμοποίησε την εμπειρία τους στη δουλειά του. Όντας ένας εξαιρετικός άνθρωπος, ο Λάσο προσπάθησε να ξεπεράσει την αφηρημένη φύση της εκκλησιαστικής μουσικής και να της δώσει ατομικότητα. Για το σκοπό αυτό, ο συνθέτης χρησιμοποιούσε μερικές φορές είδη και καθημερινά μοτίβα (θέματα δημοτικών τραγουδιών, χορών), συνδυάζοντας έτσι εκκλησιαστικές και κοσμικές παραδόσεις. Ο Λάσο συνδύασε την πολυπλοκότητα της πολυφωνικής τεχνικής με τη μεγάλη συναισθηματικότητα. Ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένος στα μαδριγάλια, τα κείμενα των οποίων αποκάλυψαν την ψυχική κατάσταση των χαρακτήρων, για παράδειγμα, τα «Δάκρυα του Αγίου Πέτρου» (1593) βασισμένα σε ποιήματα του Ιταλού ποιητή Luigi Tranzillo Ο συνθέτης έγραψε συχνά για μεγάλο αριθμό φωνών (πέντε έως επτά), επομένως τα έργα του είναι δύσκολο να ερμηνευτούν.
Από το 1556, ο Ορλάντο Λάσο ζούσε στο Μόναχο (Γερμανία), όπου ήταν επικεφαλής του παρεκκλησίου. Μέχρι το τέλος της ζωής του, η εξουσία του στους μουσικούς και καλλιτεχνικούς κύκλους ήταν πολύ υψηλή και η φήμη του εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Η ολλανδική πολυφωνική σχολή είχε μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής μουσικής κουλτούρας. Οι αρχές της πολυφωνίας που αναπτύχθηκαν από Ολλανδούς συνθέτες έγιναν καθολικές και πολλές καλλιτεχνικές τεχνικές χρησιμοποιήθηκαν στο έργο τους από συνθέτες ήδη από τον 20ο αιώνα.
Γαλλία.
Για τη Γαλλία, ο 15ος-16ος αιώνας έγινε μια εποχή σημαντικών αλλαγών: ο Εκατονταετής Πόλεμος(1337-1453) με την Αγγλία, στα τέλη του 15ου αι. ολοκληρώθηκε η ενοποίηση του κράτους. τον 16ο αιώνα η χώρα γνώρισε θρησκευτικούς πολέμους μεταξύ Καθολικών και Προτεσταντών. Σε ισχυρή κατάσταση με απόλυτη μοναρχίαΑυξήθηκε ο ρόλος των δικαστικών εορτών και των λαϊκών εορτών. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της τέχνης, ιδιαίτερα της μουσικής που συνόδευε τέτοιες εκδηλώσεις. Αυξήθηκε ο αριθμός των φωνητικών και οργανικών συνόλων (παρεκκλήσια και σύζυγοι), που αποτελούνταν από σημαντικό αριθμό ερμηνευτών. Κατά τη διάρκεια στρατιωτικών εκστρατειών στην Ιταλία, οι Γάλλοι γνώρισαν τα επιτεύγματα του ιταλικού πολιτισμού. Ένιωσαν βαθιά και αποδέχθηκαν τις ιδέες της ιταλικής Αναγέννησης - τον ουμανισμό, την επιθυμία για αρμονία με τον περιβάλλοντα κόσμο, για απόλαυση της ζωής.
Αν στην Ιταλία η μουσική Αναγέννηση συνδέθηκε κυρίως με τη μάζα, τότε οι Γάλλοι συνθέτες, μαζί με την εκκλησιαστική μουσική Ιδιαίτερη προσοχήαφιερωμένο στο κοσμικό πολυφωνικό τραγούδι - chanson. Το ενδιαφέρον για αυτό στη Γαλλία προέκυψε στο πρώτο μισό του 16ου αιώνα, όταν δημοσιεύτηκε μια συλλογή μουσικών θεατρικών έργων του Clément Janequin (περίπου 1485-1558). Αυτός ο συνθέτης θεωρείται ένας από τους δημιουργούς του είδους.
Κύρια χορωδιακά έργα του Clément Janequin (1475-1560). Ως παιδί, ο Janequin τραγούδησε σε μια εκκλησιαστική χορωδία στη γενέτειρά του Chatellerault (Κεντρική Γαλλία). Στη συνέχεια, όπως προτείνουν οι ιστορικοί της μουσικής, σπούδασε με τον Ολλανδό δεξιοτέχνη Josquin Despres ή με έναν συνθέτη από τον κύκλο του. Αφού έλαβε την ιεροσύνη, η Janequin εργάστηκε ως αντιβασιλέας (διευθυντής χορωδίας) και οργανίστας. τότε προσκλήθηκε να υπηρετήσει από τον δούκα του Γκίζ. Το 1555, ο μουσικός έγινε τραγουδιστής του Βασιλικού Παρεκκλησιού και το 1556-1557. - συνθέτης της βασιλικής αυλής. Ο Clément Janequin δημιούργησε διακόσια ογδόντα chansons (δημοσιεύτηκαν μεταξύ 1530 και 1572). έγραφε εκκλησιαστική μουσική - Λειτουργίες, μοτέτες, ψαλμούς. Τα τραγούδια του είχαν συχνά παραστατικό χαρακτήρα. Μπροστά από το μάτι του ακροατή περνούν εικόνες από μάχες ("Battle of Marignano", "Battle of Renta", "Battle of Metz"), σκηνές κυνηγιού ("The Hunt"), εικόνες της φύσης ("Birdsong", "Nightingale" ", "Lark" ), καθημερινές σκηνές ("Women's Chat"). Με εκπληκτική σαφήνεια, ο συνθέτης κατάφερε να μεταφέρει την ατμόσφαιρα της καθημερινής ζωής στο Παρίσι στο chanson "Cries of Paris": εισήγαγε στο κείμενο τα επιφωνήματα των πωλητών ("Γάλα!" - "Πίτες!" - "Αγκινάρες!" - "Ψάρια!" - "Περιστέρια") - "Παλιά παπούτσια!" - "Κρασί!"). Ο Janequin σχεδόν δεν χρησιμοποιούσε μεγάλα και ομαλά θέματα για μεμονωμένες φωνές και περίπλοκες πολυφωνικές τεχνικές, προτιμώντας ονομαστικές κλήσεις, επαναλήψεις και ονοματοποιίες.
Μια άλλη κατεύθυνση της γαλλικής μουσικής συνδέεται με το πανευρωπαϊκό κίνημα της Μεταρρύθμισης.
Στις εκκλησιαστικές λειτουργίες, οι Γάλλοι Προτεστάντες (Ουγενότες) εγκατέλειψαν τα λατινικά και την πολυφωνία. Η ιερή μουσική έχει αποκτήσει έναν πιο ανοιχτό, δημοκρατικό χαρακτήρα. Ένας από τους λαμπρότερους εκπροσώπους αυτής της μουσικής παράδοσης ήταν ο Claude Gudimel (μεταξύ 1514 και 1520-1572), ο συγγραφέας ψαλμών που βασίζονται σε βιβλικά κείμενα και προτεσταντικά χορικά.
Chanson. Ένα από τα κύρια μουσικά είδη της Γαλλικής Αναγέννησης είναι το chanson (γαλλικό chanson - "τραγούδι"). Οι ρίζες του είναι στη λαϊκή τέχνη (μελοποιήθηκαν στίχοι επικών παραμυθιών με ομοιοκαταληξία), στην τέχνη των μεσαιωνικών τροβαδούρων και τρουβέρ. Όσον αφορά το περιεχόμενο και τη διάθεση, το chanson θα μπορούσε να είναι πολύ διαφορετικό - υπήρχαν τραγούδια αγάπης, καθημερινά τραγούδια, χιουμοριστικά τραγούδια, σατιρικά τραγούδια κ.λπ. Οι συνθέτες έπαιρναν τα δημοτικά ποιήματα και τη σύγχρονη ποίηση ως κείμενα.
Ιταλία.
Με την έλευση της Αναγέννησης, η καθημερινή μουσική που παίζει σε διάφορα όργανα εξαπλώθηκε στην Ιταλία. δημιουργήθηκαν κύκλοι μουσικόφιλων. Στον επαγγελματικό τομέα προέκυψαν δύο από τις πιο δυνατές σχολές: η ρωμαϊκή και η βενετσιάνικη.
Μαδριγάλιο. Κατά την Αναγέννηση, ο ρόλος των κοσμικών ειδών αυξήθηκε. Τον XIV αιώνα. το μαδριγάλιο εμφανίστηκε στην ιταλική μουσική (από την παλιά λατ. matricale - «τραγούδι στη μητρική γλώσσα»). Δημιουργήθηκε με βάση τα δημοτικά (ποιμενικά) τραγούδια. Τα Madrigals ήταν τραγούδια για δύο ή τρεις φωνές, συχνά χωρίς συνοδεία οργάνων. Γράφτηκαν σε ποιήματα σύγχρονων Ιταλών ποιητών, που μιλούσαν για την αγάπη. υπήρχαν τραγούδια με καθημερινά και μυθολογικά θέματα.
Κατά τον 15ο αιώνα, οι συνθέτες σχεδόν δεν στράφηκαν σε αυτό το είδος. Το ενδιαφέρον για αυτό αναζωπυρώθηκε μόλις τον 16ο αιώνα. Χαρακτηριστικό γνώρισμα του μαδριγάλου του 16ου αιώνα είναι η στενή σύνδεση μουσικής και ποίησης. Η μουσική ακολουθούσε ευέλικτα το κείμενο και αντανακλούσε τα γεγονότα που περιγράφονται στην ποιητική πηγή. Με την πάροδο του χρόνου, αναπτύχθηκαν μοναδικά μελωδικά σύμβολα, που υποδηλώνουν απαλούς αναστεναγμούς, δάκρυα κ.λπ. Στα έργα ορισμένων συνθετών, ο συμβολισμός ήταν φιλοσοφικός, για παράδειγμα, στο μαδριγάλιο του Gesualdo di Venosa «I Am Dying, Unfortunate» (1611).
Το είδος άκμασε στις αρχές του 16ου-17ου αιώνα. Μερικές φορές, ταυτόχρονα με την εκτέλεση ενός τραγουδιού, παιζόταν η πλοκή του. Το μαδριγάλιο έγινε η βάση της κωμωδίας του μαδριγάλου (χορωδιακή σύνθεση βασισμένη στο κείμενο μιας κωμωδίας), η οποία προετοίμασε την εμφάνιση της όπερας.
Ρωμαϊκή πολυφωνική σχολή. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Επικεφαλής της ρωμαϊκής σχολής ήταν ο Giovanni Pierluigi da Palestrina, ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες της Αναγέννησης. Γεννήθηκε στην ιταλική πόλη Palestrina, από την οποία πήρε και το επώνυμό του. Από την παιδική του ηλικία, ο Palestrina τραγούδησε στην εκκλησιαστική χορωδία και μόλις ενηλικιώθηκε προσκλήθηκε στη θέση του μαέστρου (αρχηγός χορωδίας) στη Βασιλική του Αγίου Πέτρου στη Ρώμη. αργότερα υπηρέτησε στην Καπέλα Σιξτίνα (το αυλικό παρεκκλήσι του Πάπα).
Η Ρώμη, το κέντρο του Καθολικισμού, προσέλκυσε πολλούς κορυφαίους μουσικούς. ΣΕ διαφορετική ώραΟι Ολλανδοί πολυφωνιστές Guillaume Dufay και Josquin Despres εργάστηκαν εδώ. Η ανεπτυγμένη συνθετική τους τεχνική μερικές φορές δυσκόλευε την αντίληψη του κειμένου της υπηρεσίας: χανόταν πίσω από την εξαίσια συνένωση των φωνών και οι λέξεις, στην πραγματικότητα, δεν ακούγονταν. Ως εκ τούτου, οι εκκλησιαστικές αρχές ήταν επιφυλακτικές για τέτοια έργα και υποστήριξαν την επιστροφή της μονοφωνίας με βάση τα Γρηγοριανά άσματα. Το ζήτημα του παραδεκτού της πολυφωνίας στην εκκλησιαστική μουσική συζητήθηκε ακόμη και στη Σύνοδο του Τρεντ της Καθολικής Εκκλησίας (1545-1563). Κοντά στον Πάπα, η Palestrina έπεισε τους ηγέτες της Εκκλησίας για τη δυνατότητα δημιουργίας έργων στα οποία η τεχνική της σύνθεσης δεν θα παρεμπόδιζε την κατανόηση του κειμένου. Ως απόδειξη, συνέθεσε τη «Λειτουργία του Πάπα Μαρτσέλο» (1555), η οποία συνδυάζει την περίπλοκη πολυφωνία με έναν καθαρό και εκφραστικό ήχο κάθε λέξης. Έτσι, ο μουσικός «έσωσε» την επαγγελματική πολυφωνική μουσική από τις διώξεις των εκκλησιαστικών αρχών. Το 1577, ο συνθέτης κλήθηκε να συζητήσει τη μεταρρύθμιση της σταδιακής - συλλογής ιερών ύμνων της Καθολικής Εκκλησίας. Στη δεκαετία του '80 Ο Palestrina έλαβε ιερές εντολές και το 1584 έγινε μέλος της Εταιρείας των Δασκάλων της Μουσικής, μιας ένωσης μουσικών που ανέφερε απευθείας στον Πάπα.
Το έργο της Palestrina είναι εμποτισμένο με μια φωτεινή κοσμοθεωρία. Τα έργα που δημιούργησε κατέπληξαν τους συγχρόνους του τόσο με την υψηλότερη δεξιοτεχνία όσο και με την ποσότητα (περισσότερες από εκατό μάζες, τριακόσια μοτέτες, εκατό μαδριγάλια). Η πολυπλοκότητα της μουσικής δεν λειτούργησε ποτέ ως εμπόδιο στην αντίληψή της. Ο συνθέτης ήξερε πώς να βρει μια μέση λύση μεταξύ της πολυπλοκότητας των συνθέσεων του και της προσβασιμότητάς τους στον ακροατή. Ο Palestrina είδε το κύριο δημιουργικό του καθήκον να αναπτύξει ένα ολοκληρωμένο καταπληκτική δουλειά. Κάθε φωνή στα άσματα του αναπτύσσεται ανεξάρτητα, αλλά ταυτόχρονα σχηματίζει ένα ενιαίο σύνολο με τις άλλες και συχνά οι φωνές σχηματίζουν εντυπωσιακούς συνδυασμούς συγχορδιών. Συχνά η μελωδία της κορυφαίας φωνής φαίνεται να επιπλέει πάνω από τις υπόλοιπες, σκιαγραφώντας έναν «τρούλο» πολυφωνίας. Όλες οι φωνές διακρίνονται από ομαλότητα και ανάπτυξη.
Η επόμενη γενιά μουσικών θεώρησε την τέχνη του Giovanni da Palestrina υποδειγματική και κλασική. Πολλοί εξέχοντες συνθέτες του 19ου-8ου αιώνα μελέτησαν από τα έργα του.
Μια άλλη κατεύθυνση της αναγεννησιακής μουσικής συνδέεται με το έργο των συνθετών της βενετικής σχολής, ιδρυτής της οποίας ήταν ο Adrian Willart (περίπου 1485-1562). Μαθητές του ήταν ο οργανίστας και συνθέτης Andrea Gabrieli (μεταξύ 1500 και 1520 - μετά το 1586), ο συνθέτης Cyprian de Pope (1515 ή 1516-1565) και άλλοι μουσικοί. Ενώ τα έργα του Palestrina χαρακτηρίζονται από σαφήνεια και αυστηρή αυτοσυγκράτηση, ο Willaert και οι ακόλουθοί του ανέπτυξαν ένα πλούσιο χορωδιακό στυλ. Για να επιτύχουν ήχο surround και να παίξουν ηχοχρώματα, χρησιμοποίησαν αρκετές χορωδίες στις συνθέσεις, που βρίσκονταν σε διαφορετικά σημεία του ναού. Η χρήση ονομαστικών κλήσεων μεταξύ χορωδιών επέτρεψε να γεμίσει ο χώρος της εκκλησίας με πρωτόγνωρα εφέ. Αυτή η προσέγγιση αντανακλούσε τα ουμανιστικά ιδεώδη της εποχής στο σύνολό τους - με τη χαρά, την ελευθερία και την ίδια την βενετική καλλιτεχνική παράδοση - με την επιθυμία της για οτιδήποτε φωτεινό και ασυνήθιστο. Στο έργο των Βενετών δασκάλων, η μουσική γλώσσα έγινε επίσης πιο περίπλοκη: γέμισε με τολμηρούς συνδυασμούς συγχορδιών και απροσδόκητες αρμονίες.
Εξέχουσα προσωπικότητα της Αναγέννησης ήταν ο Carlo Gesualdo di Venosa (περίπου 1560-1613), πρίγκιπας της πόλης Venosa, ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους του κοσμικού μαδριγάλιου. Απέκτησε φήμη ως φιλάνθρωπος, λαούτο και συνθέτης. Ο πρίγκιπας Gesualdo ήταν φίλος με τον Ιταλό ποιητή Torquato Tasso. Έχουν μείνει μερικές ενδιαφέρουσες επιστολές στις οποίες και οι δύο καλλιτέχνες συζητούν θέματα λογοτεχνίας, μουσικής και καλών τεχνών. Ο Gesualdo di Venosa μελοποίησε πολλά από τα ποιήματα του Tasso - έτσι εμφανίστηκαν μια σειρά από εξαιρετικά καλλιτεχνικά μαδριγάλια. Ως εκπρόσωπος της ύστερης Αναγέννησης, ο συνθέτης αναπτύχθηκε νέου τύπουμαδριγάλιου, όπου τα συναισθήματα ήταν πρώτα - θυελλώδη και απρόβλεπτα. Ως εκ τούτου, τα έργα του χαρακτηρίζονται από αλλαγές στον όγκο, τονισμούς παρόμοιους με αναστεναγμούς και ακόμη και λυγμούς, ακραίες συγχορδίες και αντίθετες αλλαγές στον ρυθμό. Αυτές οι τεχνικές έδωσαν στη μουσική του Gesualdo έναν εκφραστικό, κάπως περίεργο χαρακτήρα που εξέπληξε και ταυτόχρονα προσέλκυσε τους συγχρόνους του. Η κληρονομιά του Gesualdo di Venosa αποτελείται από επτά συλλογές πολυφωνικών μαδριγάλων. Μεταξύ των πνευματικών έργων - "Ιεροί Ύμνοι". Η μουσική του ακόμα και σήμερα δεν αφήνει αδιάφορο τον ακροατή.
Ανάπτυξη ειδών και μορφών ενόργανης μουσικής. Η ενόργανη μουσική σηματοδοτείται επίσης από την εμφάνιση νέων ειδών, κυρίως του οργανικού κοντσέρτο. Το βιολί, το τσέμπαλο και το όργανο μετατράπηκαν σταδιακά σε σόλο όργανα. Η μουσική που γράφτηκε γι 'αυτούς έδωσε την ευκαιρία να επιδείξουν το ταλέντο όχι μόνο του συνθέτη, αλλά και του ερμηνευτή. Αυτό που εκτιμήθηκε πάνω από όλα ήταν η δεξιοτεχνία (η ικανότητα αντιμετώπισης τεχνικών δυσκολιών), που σταδιακά έγινε αυτοσκοπός και καλλιτεχνική αξία για πολλούς μουσικούς. Οι συνθέτες του 17ου-18ου αιώνα συνήθως όχι μόνο συνέθεταν μουσική, αλλά και έπαιζαν αριστοτεχνικά όργανα και ασχολούνταν με δραστηριότητες διδασκαλίας. Η ευημερία του καλλιτέχνη εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό από τον συγκεκριμένο πελάτη. Κατά κανόνα, κάθε σοβαρός μουσικός επιδίωκε να αποκτήσει μια θέση είτε στην αυλή ενός μονάρχη είτε ενός πλούσιου αριστοκράτη (πολλά μέλη των ευγενών είχαν δικές τους ορχήστρες ή όπερες) είτε σε ναό. Επιπλέον, οι περισσότεροι συνθέτες συνδύασαν εύκολα την εκκλησιαστική μουσική με την υπηρεσία για έναν κοσμικό προστάτη.
Αγγλία.
Η πολιτιστική ζωή της Αγγλίας κατά την Αναγέννηση ήταν στενά συνδεδεμένη με τη Μεταρρύθμιση. Τον 16ο αιώνα ο προτεσταντισμός εξαπλώθηκε στη χώρα. Η Καθολική Εκκλησία έχασε την κυρίαρχη θέση της, η Αγγλικανική Εκκλησία έγινε η κρατική εκκλησία, η οποία αρνήθηκε να αναγνωρίσει ορισμένα από τα δόγματα (θεμελιώδεις διατάξεις) του Καθολικισμού. Τα περισσότερα μοναστήρια έπαψαν να υπάρχουν. Αυτά τα γεγονότα επηρέασαν την αγγλική κουλτούρα, συμπεριλαμβανομένης της μουσικής. Μουσικά τμήματα άνοιξαν στα πανεπιστήμια της Οξφόρδης και του Κέμπριτζ. Τα πλήκτρα παίζονταν σε ευγενή σαλόνια: virginel (είδος τσέμπαλου), φορητό (μικρό) όργανο κ.λπ. Οι μικρές συνθέσεις που προορίζονταν για οικιακή μουσική ήταν δημοφιλείς. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος της μουσικής κουλτούρας εκείνης της εποχής ήταν ο William Bird (1543 ή 1544-1623), εκδότης παρτιτούρας, οργανίστας και συνθέτης. Ο Bird έγινε ο ιδρυτής του αγγλικού μαδριγάλιου. Τα έργα του διακρίνονται από απλότητα (απέφυγε τις πολύπλοκες πολυφωνικές τεχνικές), πρωτοτυπία φόρμας που ακολουθεί το κείμενο και αρμονική ελευθερία. Όλα τα μουσικά μέσα έχουν σχεδιαστεί για να επιβεβαιώνουν την ομορφιά και τη χαρά της ζωής, σε αντίθεση με τη μεσαιωνική αυστηρότητα και εγκράτεια. Ο συνθέτης είχε πολλούς οπαδούς στο είδος του madrigal.
Ο Bird δημιούργησε επίσης πνευματικά έργα (λειτουργία, ψαλμοί) και οργανική μουσική. Στις συνθέσεις του για παρθενικά, χρησιμοποιούσε μοτίβα δημοτικών τραγουδιών και χορών.
Ο συνθέτης ήθελε πολύ η μουσική που έγραψε να «φέρει ευτυχώς τουλάχιστον λίγη τρυφερότητα, χαλάρωση και ψυχαγωγία», όπως έγραψε ο William Byrd στον πρόλογο μιας από τις μουσικές του συλλογές.
και τα λοιπά.................
, μαδριγάλιο, παρθενικός, βιόλα, βόλτ, παβάνα, γαλιάρδος, Φλωρεντινή Καμεράτα, Gesualdo di Venosa, Jacopo Peri
Παρουσίαση για το μάθημα
Πίσω μπροστά
Προσοχή! Οι προεπισκοπήσεις διαφανειών είναι μόνο για ενημερωτικούς σκοπούς και ενδέχεται να μην αντιπροσωπεύουν όλα τα χαρακτηριστικά της παρουσίασης. Αν ενδιαφέρεσαι αυτή η δουλειά, κατεβάστε την πλήρη έκδοση.
Το μάθημα διεξάγεται για μαθητές της Ε' τάξης του 2ου έτους σπουδών μουσικής φιλολογίας.
Σκοπός του μαθήματος: εκπαίδευση αισθητική κουλτούραμαθητές μέσα από την έκθεση στη μουσικήΑναγέννηση.
Στόχοι μαθήματος:
- Να δώσει μια ιδέα για το ρόλο της μουσικής και της δημιουργίας μουσικής στη ζωή των ανθρώπων της Αναγέννησης.
- Γνωριμία με μουσικά όργανα, είδη, συνθέτες της Αναγέννησης.
- Εισαγωγή στα μουσικά έργα της Ευρωπαϊκής Αναγέννησης.
- Ανάπτυξη βασικών δεξιοτήτων ακουστικής μουσικής ανάλυσης.
- Ανάπτυξη κατανόησης της σχέσης ΔΙΑΦΟΡΕΤΙΚΟΙ ΤΥΠΟΙτέχνες?
- Καλλιέργεια συναισθηματικής αντίληψης έργων τέχνης.
- Ανάπτυξη της σκέψης και του λόγου των μαθητών.
- Διευρύνοντας τους ορίζοντές σας.
Τύπος μαθήματος:μάθημα για την εκμάθηση ενός νέου θέματος.
Εξοπλισμός μαθήματος:παρουσίαση πολυμέσων, υπολογιστής.
Μουσικό υλικό:
- W. Bird's piece για παρθενική "Volta"?
- F. da Milano “Fantasia” Νο. 6 για λαούτο.
- Σκηνή από την ταινία "Elizabeth": Η βασίλισσα χορεύει το volta (βίντεο);
- I. Alberti “Pavane and Galliard” (βίντεο);
- Αγγλικό λαϊκό τραγούδι "Greensleeves"?
- J.P. Palestrina "Mass of Papa Marcello", μέρος του "Agnus Dei";
- O. Lasso “Echo”;
- G. di Venosa madrigal “Moro, lasso, al mio duolo”;
- J. Peri Σκηνή από την όπερα «Ευρυδίκη».
Κατά τη διάρκεια των μαθημάτων
Ι. Οργανωτική στιγμή
II. Ενημέρωση γνώσεων
Στο τελευταίο μάθημα μιλήσαμε για τον πολιτισμό και τη ζωγραφική της Αναγέννησης.
– Ποιο είναι το άλλο όνομα αυτής της εποχής («Αναγέννηση» στα γαλλικά);
– Ποιους αιώνες καλύπτει η Αναγέννηση; Ποια εποχή αντικατέστησε;
– Από πού προέρχεται το όνομα αυτής της εποχής; Τι ήθελαν να «αναβιώσουν»;
– Σε ποια χώρα ξεκίνησε η Αναγέννηση νωρίτερα από άλλες;
- Οι οποίες Ιταλική πόληπου ονομάζεται «το λίκνο της Αναγέννησης»; Γιατί;
– Ποιοι μεγάλοι καλλιτέχνες έζησαν στη Φλωρεντία; Θυμηθείτε τη δουλειά τους.
– Σε τι διαφέρουν οι δημιουργίες τους από τη μεσαιωνική τέχνη;
III. Μαθαίνοντας ένα νέο θέμα
Σήμερα επιστρέφουμε στην εποχή της Αναγέννησης. Θα μάθουμε πώς ήταν η μουσική αυτή τη στιγμή. Ας γνωρίσουμε τα μουσικά όργανα της Αναγέννησης, να τα δούμε και να ακούσουμε τον αυθεντικό ήχο τους. Έχουμε επίσης μια συνάντηση με εξαιρετικοί συνθέτεςτην Αναγέννηση και τα αριστουργήματά τους.
IV. Εργασία με μια παρουσίαση
Διαφάνεια 1.Τίτλος σελίδας.
Διαφάνεια 2.Το θέμα του μαθήματός μας είναι «Μουσική της Αναγέννησης». Χρονικό πλαίσιο: XIV–XVI αιώνες.
Διαφάνεια 3.Επίγραφο του μαθήματος. Πώς καταλαβαίνετε αυτές τις λέξεις;
... Δεν υπάρχει ζωντανό πλάσμα στη γη
Τόσο σκληρός, κουλ, κολασμένος κακός,
Έτσι που δεν μπορούσα ούτε για μια ώρα
Σε αυτό η μουσική κάνει επανάσταση.
(Γουίλιαμ Σαίξπηρ)
Διαφάνεια 4.Κατά την Αναγέννηση, ο ρόλος της τέχνης στο πολιτιστική ζωήκοινωνία. Η καλλιτεχνική παιδεία αναγνωρίζεται ως σημαντική πτυχή της ανάπτυξης ενός ευγενούς ανθρώπου, προϋπόθεση για μια καλή ανατροφή.
Ο έλεγχος της εκκλησίας στην κοινωνία αποδυναμώνεται, οι μουσικοί λαμβάνουν μεγαλύτερη ελευθερία. Η προσωπικότητα και η δημιουργική ατομικότητα του συγγραφέα γίνονται όλο και πιο εμφανείς στα γραπτά του. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η ίδια η έννοια του « συνθέτης».
Έγινε πολύ σημαντικό για την ανάπτυξη της μουσικής εφεύρεση της μουσικής εκτύπωσηςστα τέλη του 15ου αιώνα. Το 1501, ο Ιταλός εκδότης Ottaviano Petrucci δημοσίευσε την πρώτη συλλογή για οικιακή αναπαραγωγή μουσικής. Νέα έργα εκδόθηκαν και διανεμήθηκαν πολύ γρήγορα. Τώρα κάθε κάτοικος της πόλης με μεσαίο εισόδημα μπορούσε να αγοράσει παρτιτούρες. Ως αποτέλεσμα, η δημιουργία αστικής μουσικής αρχίζει να αναπτύσσεται ραγδαία, αγγίζοντας όλο και περισσότερους ανθρώπους.
Διαφάνεια 5. Μουσικά όργαναΑναγέννηση. Πνέες, έγχορδα, πλήκτρα.
Διαφάνεια 6. Λαούτο- το πιο αγαπημένο όργανο της Αναγέννησης. Αναφέρεται σε έγχορδα μαδημένα όργανα. Στην αρχή το λαούτο παιζόταν με πλέγμα, αλλά από τον 15ο αιώνα άρχισαν να παίζουν με τα δάχτυλά τους.
Διαφάνεια 7.Το σώμα του μοιάζει με αχλάδι κομμένο στη μέση. Το λαούτο έχει κοντό λαιμό με τάστα, λυγισμένο σε ορθή γωνία.
Διαφάνεια 8.Το λαούτο προήλθε από Αραβικό όργανοπου ονομάζεται Al-ud (αραβικά σημαίνει «δέντρο»). Τον 8ο αιώνα το ούτι εισήλθε στην Ευρώπη από Βόρεια Αφρικήκατά την αραβική κατάκτηση της Ισπανίας και ρίζωσε στην αυλή πολλών Ισπανών ευγενών. Με την πάροδο του χρόνου, οι Ευρωπαίοι πρόσθεσαν τάστα (διαιρέσεις στην ταστιέρα) στο ούτι και το ονόμασαν «λαούτο».
Διαφάνεια 9.Λαούτο έπαιζαν και άντρες και γυναίκες.
Διαφάνεια 10.Το λαούτο ήταν συμπαγές, ελαφρύ και μπορούσες να το πάρεις μαζί σου παντού.
Διαφάνεια 11.Η μουσική λαούτου ηχογραφήθηκε όχι με νότες, αλλά με τη βοήθεια ταμπλατούρα. Κοίτα: η ταμπλατούρα λαούτου αποτελείται από 6 γραμμές που υποδεικνύουν χορδές. Οι αριθμοί δείχνουν τα τάστα, οι διάρκειες είναι στην κορυφή.
Slide 12. Έγχορδα με τόξο. Αν το λαούτο παιζόταν από άτομα διαφορετικών τάξεων, τότε μόνο ένας πολύ πλούσιος μπορούσε να αγοράσει ένα όργανο από την οικογένεια της βιολιάς. Οι βιόλες ήταν ακριβές, ήταν φτιαγμένες από πολύτιμο ξύλο και διακοσμημένες με κομψά σχέδια και κοσμήματα. Οι βιόλα ήταν διαφορετικά μεγέθη. Σε αυτόν τον πίνακα, οι άγγελοι παίζουν τα πιο δημοφιλή είδη βιόλων - da gamba και da braccia.
Διαφάνεια 13. Βιόλαστα ιταλικά - "ιώδες". Ο ήχος της βιόλας ήταν πολύ ευχάριστος: απαλός, απαλός και ήσυχος.
Διαφάνειες 14, 15.Το όνομα viola da braccia μεταφράζεται από τα ιταλικά ως "χέρι, ώμος". Αυτό είναι το όνομα που δίνεται στα μικρά βιολιά που κρατούνταν στον ώμο όταν παίζονταν.
Διαφάνεια 16. Viola da gamba - "πόδι". Ήταν μεγάλο σε μέγεθος και έπρεπε να κρατιέται ανάμεσα στα γόνατα ή να τοποθετείται στον μηρό όταν παίζει. Αυτές οι βιόλες παίζονταν συνήθως από άντρες.
Διαφάνεια 17.Έχετε παρατηρήσει με ποια κλασικά όργανα μοιάζουν πολύ οι βιόλες; Βιολί, τσέλο. Ας συγκρίνουμε τη βιόλα ντα γκάμπα με το τσέλο.
Θα ακούσουμε τον ήχο των βιόλων λίγο αργότερα.
Διαφάνεια 18.Virginel. Ένα ορθογώνιο πληκτρολόγιο, συνήθως χωρίς πόδια. Σύμφωνα με την αρχή της συσκευής, ήταν ένας από τους προκατόχους του πιάνου. Αλλά όσον αφορά την ποιότητα του ήχου ήταν πιο κοντά στην άρπα και το λαούτο. Η χροιά του διακρινόταν από απαλότητα και τρυφερότητα.
Διαφάνεια 19.Ποιος ξέρει τι σημαίνει η αγγλική λέξη; παρθένα? Παρθένε, κορίτσι. Μαντέψτε γιατί αυτό το όργανο ονομάστηκε «κοριτσίστικο»;Τις περισσότερες φορές, η παρθενιά παιζόταν από νεαρά κορίτσια ευγενούς καταγωγής. Είναι γνωστό ότι ακόμη και η βασίλισσα Ελισάβετ Α' της Αγγλίας αγαπούσε πολύ την παρθένα και την έπαιζε καλά.
Διαφάνεια 20. William Bird- το μεγαλύτερο Άγγλος συνθέτης, οργανίστας και τσέμπαλο της εποχής της Ελισάβετ. Γεννήθηκε το 1543, πέθανε το 1623. Υπηρέτησε ως οργανίστας του δικαστηρίου. Συνέθεσε πολλά ιερά έργα, μαδριγάλια και κομμάτια για παρθενικά.
Ας ακούσουμε: W. Bird κομμάτι για παρθενικό "Volta"
Διαφάνεια 21-24.Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης συχνά απεικόνιζαν αγγέλους να παίζουν μουσική στους πίνακές τους. Γιατί; Τι σημαίνει αυτό; Γιατί οι άγγελοι χρειάζονται τη μουσική; Τι γίνεται με τους ανθρώπους;
Διαφάνεια 25.Κοίτα τι μεγάλη εταιρίαμουσικούς. Τι παίζουν; Πως νιώθουν; Είναι καλά μαζί; Ταιριάζουν τα λόγια του W. Shakespeare σε αυτή την εικόνα; Ποια είναι η λέξη κλειδί σε αυτούς τους στίχους; Ενότητα, συμφωνία.
Ακούστε πόσο φιλικές είναι οι χορδές
Μπαίνουν σε σχηματισμό και δίνουν τη φωνή τους, -
Σαν μάνα, πατέρας και μικρό αγόρι
Τραγουδούν με χαρούμενη ενότητα.
Η συμφωνία των εγχόρδων σε μια συναυλία μας λέει,
Ότι το μοναχικό μονοπάτι μοιάζει με θάνατο.
Διαφάνεια 26. Ορχηστρικά είδη Η Αναγέννηση χωρίστηκε σε 3 τύπους: μεταγραφές φωνητικών έργων, βιρτουόζικα έργα αυτοσχεδιαστικής φύσης (ricercar, πρελούδιο, φαντασία), χορευτικά έργα (pavane, galliard, volta, moresca, saltarella).
Διαφάνεια 27. Francesco da Milano- διάσημος Ιταλός λαουτενίστας και συνθέτης του 16ου αιώνα, τον οποίο οι σύγχρονοί του αποκαλούσαν «The Divine». Κατέχει πολλά κομμάτια για λαούτο, συνδυασμένα σε τρεις συλλογές.
Ας ακούσουμε: F. da Milano “Fantasia” για λαούτο
Διαφάνεια 28. Χοροί της Αναγέννησης. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η ίδια η στάση απέναντι στον χορό άλλαξε. Από αμαρτωλή, ανάξια δραστηριότητα, ο χορός μετατρέπεται σε υποχρεωτικό εξάρτημα. κοινωνική ζωήκαι γίνεται μια από τις πιο απαραίτητες δεξιότητες ενός ευγενούς ανθρώπου. Οι μπάλες έχουν εδραιωθεί σταθερά στη ζωή της ευρωπαϊκής αριστοκρατίας. Τι είδους χοροί ήταν στη μόδα;
Διαφάνεια 29. Βόλτα– Λαϊκός χορός του 16ου αιώνα ιταλικής καταγωγής. Το όνομα volta προέρχεται από την ιταλική λέξη voltare, που σημαίνει «στροφή». Ο ρυθμός του volta είναι γρήγορος, το μέγεθος είναι τριών παλμών. Η κύρια κίνηση του χορού: ο κύριος σηκώνεται απότομα ψηλά και γυρίζει την κυρία να χορεύει μαζί του στον αέρα. Επιπλέον, αυτή η κίνηση πρέπει να εκτελείται καθαρά και με χάρη. Και μόνο εκπαιδευμένοι άνδρες μπορούσαν να αντεπεξέλθουν σε αυτόν τον χορό.
Ας κοιτάξουμε:απόσπασμα της βιντεοταινίας "Elizabeth"
Slide 30. Pavana– πανηγυρική ένας αργός χορόςισπανικής καταγωγής. Το όνομα pavana προέρχεται από το λατινικό pavo - παγώνι. Το μέγεθος του pavan είναι δύο παλμών, ο ρυθμός είναι αργός. Το χόρεψαν για να δείξουν στους άλλους το μεγαλείο και την πολυτελή τους φορεσιά. Ο λαός και η αστική τάξη δεν έκαναν αυτόν τον χορό.
Διαφάνεια 31.Galliard(από τα ιταλικά - χαρούμενος, χαρούμενος) - ενεργός χορός. Ο χαρακτήρας του γαλιάρδου διατηρεί τη μνήμη της λαϊκής καταγωγής του χορού. Χαρακτηρίζεται από άλματα και απότομες κινήσεις.
Το Pavane και το Galliard εκτελούνταν συχνά το ένα μετά το άλλο, σχηματίζοντας ένα είδος σουίτας.
Τώρα θα δείτε ένα κομμάτι από τη συναυλία του συνόλου αρχαίας μουσικής «Hesperion XXI». Ο αρχηγός του είναι Τζόρντι Σαβάλ- Ισπανός τσελίστας, τζογαδόρος και μαέστρος, ένας από τους πιο έγκυρους μουσικούς σήμερα που ερμηνεύει την αρχαία μουσική αυθεντικά (όπως ακουγόταν την εποχή της δημιουργίας της).
Διαφάνεια 32. Δείτε:Ι. Αλμπέρτη «Παβάνε και γαλιάρδος».
Ερμηνεύει το σύνολο αρχαίας μουσικής «Hespèrion XXI», σε σκηνοθεσία. J. Saval.
Διαφάνεια 33. Φωνητικά είδηΗ Αναγέννηση χωρίστηκε σε εκκλησιαστική και κοσμική. Τι σημαίνει «κοσμικός»; Στην εκκλησία έγινε λειτουργία και μοτέτο. Έξω από την εκκλησία - caccia, ballata, frottola, villanelle, chanson, madrigal.
Διαφάνεια 34.Το εκκλησιαστικό τραγούδι φτάνει στο απόγειο της ανάπτυξής του. Είναι η εποχή της πολυφωνίας της «αυστηρής γραφής».
Ο πιο εξέχων συνθέτης-πολυφωνιστής της Αναγέννησης ήταν ο Ιταλός Giovanni Pierluigi da. η Παλαιστίνη. Πήρε το παρατσούκλι του - Palestrina - από το όνομα της πόλης στην οποία γεννήθηκε. Εργάστηκε στο Βατικανό, ψηλά μουσικές θέσειςκάτω από τον παπικό θρόνο.
Μάζα – μουσική σύνθεση, που αποτελείται από προσευχές στα λατινικά, που ακούγονται κατά τη διάρκεια των ακολουθιών στην Καθολική Εκκλησία.
Ας ακούσουμε: J.P. da Palestrina "Mass of Papa Marcello", μέρος του "Agnus Dei"
Διαφάνεια 35.Κοσμικά τραγούδια. Αγγλικά μπαλάντα "Πράσινα μανίκια"– πολύ δημοφιλές σήμερα. Τα λόγια αυτού του τραγουδιού αποδίδονται στον Άγγλο βασιλιά Ερρίκο VIII. Απηύθυνε αυτούς τους στίχους στην αγαπημένη του Anne Boleyn, η οποία αργότερα έγινε η δεύτερη σύζυγός του. Ξέρεις τι είναι αυτό το τραγούδι;
Διαφάνεια 36.Στίχοι του τραγουδιού "Green Sleeves" σε μετάφραση S.Ya.
Ας ακούσουμε:Αγγλική μπαλάντα "Greensleeves"
Διαφάνεια 37. Ορλάντο Λάσο- ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους της ολλανδικής πολυφωνικής σχολής. Γεννήθηκε στο Βέλγιο, έζησε στην Ιταλία, την Αγγλία και τη Γαλλία. Τα τελευταία 37 χρόνια της ζωής του, όταν το όνομά του ήταν ήδη γνωστό σε όλη την Ευρώπη, διηύθυνε το δικαστικό παρεκκλήσι του Μονάχου. Δημιούργησε περισσότερα από 2.000 φωνητικά έργα θρησκευτικής και κοσμικής φύσης.
Διαφάνεια 38.Το Chanson "Echo" γράφτηκε για δύο τετράφωνες χορωδίες. Η πρώτη χορωδία κάνει ερωτήσεις, η δεύτερη χορωδία του απαντά σαν ηχώ.
Ας ακούσουμε: O. Lasso Chanson “Echo”
Διαφάνεια 39. Μαδριγάλη(από την ιταλική λέξη madre - "μητέρα") - ένα τραγούδι στη μητρική, μητρική γλώσσα. Το Madrigal είναι ένα πολυφωνικό (για 4 ή 5 φωνές) τραγούδι με στιχουργικό περιεχόμενο και υπέροχο χαρακτήρα. Η ακμή αυτού φωνητικό είδοςέρχεται τον 16ο αιώνα.
Διαφάνεια 40.Gesualdo di Venosa – Ιταλός συνθέτης XVI αιώνα, ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους του κοσμικού μαδριγάλιου. Αυτός ήταν μυστηριώδες άτομο. Ένας πλούσιος πρίγκιπας, ηγεμόνας της πόλης Venosa. Έχοντας πιάσει την όμορφη γυναίκα του να απατά, ο Gesualdo, σε κρίση ζήλιας, της αφαίρεσε τη ζωή. Περιοδικά έπεφτε σε μελαγχολία και κρυβόταν από όλους στο κάστρο του. Πέθανε σε ηλικία 47 ετών, με θολό μυαλό...
Κατά τη διάρκεια της ζωής του εξέδωσε 6 συλλογές με πεντάφωνους μαδριγάλους. Χαρακτηριστικό του ύφους του G. di Venosa είναι ο κορεσμός της μουσικής, μοναδικός για την εποχή του, με χρωματισμούς και πολύχρωμες αντιπαραθέσεις παράφωνων συγχορδιών. Έτσι ο Gesualdo μετέφρασε το τρομερό του πόνος στην καρδιάκαι πόνους συνείδησης.
Οι σύγχρονοί του δεν καταλάβαιναν τη μουσική του τη θεωρούσαν τρομερή και σκληρή. Οι μουσικοί του 20ου αιώνα τον εκτίμησαν, γυρίστηκε μια ταινία για τον G. di Venosa, γράφτηκαν βιβλία και ο συνθέτης A. Schnittke του αφιέρωσε την όπερα «Gesualdo».
Διαφάνεια 41.Το Madrigal “Moro, lasso, al mio duolo” είναι μια από τις τελευταίες δημιουργίες του G. di Venoz. Του ανήκει τόσο η μουσική όσο και οι στίχοι:
Ω! Πεθαίνω από θλίψη
Αυτός που υποσχέθηκε την ευτυχία
Με σκοτώνει με τη δύναμή του!
Ω, κακιά ανεμοστρόβιλος θλίψης!
Αυτός που υποσχέθηκε ζωή
Ο θάνατος μου έδωσε.
Ας ακούσουμε: G. di Venosa “Moro, lasso, al mio duolo”
Διαφάνεια 42.Στα τέλη του 16ου αιώνα, εμφανίστηκε στη Φλωρεντία Φλωρεντινή Καμεράτα- ένας κύκλος μουσικών και ποιητών που ήθελαν να αναβιώσουν αρχαία ελληνική τραγωδίαμε τον εγγενή της ιδιαίτερο τρόπο προφοράς του κειμένου (κάτι μεταξύ λόγου και τραγουδιού).
Διαφάνεια 43. Η γέννηση της όπερας.Ως αποτέλεσμα αυτών των πειραμάτων, γεννήθηκε η όπερα. Στις 6 Οκτωβρίου 1600, η πρώτη όπερα που έχει διασωθεί μέχρι σήμερα, η Ευρυδίκη, έκανε πρεμιέρα στη Φλωρεντία. Συγγραφέας του είναι ο συνθέτης και τραγουδιστής Jacopo Peri.
Ας ακούσουμε: J. Peri Σκηνή από την όπερα «Ευρυδίκη»
V. Περίληψη μαθήματος
– Τι νέο μάθατε σήμερα για την Αναγέννηση;
– Ποιου οργάνου σας άρεσε ο ήχος; Πως;
- Ποια από όλα; σύγχρονα όργαναΕίναι παρόμοια το λαούτο, η βιόλα και η παρθένα;
– Τι τραγουδούσε ο κόσμος την εποχή της Αναγέννησης; Οπου; Πως;
– Γιατί οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης απεικόνιζαν τόσο συχνά μουσικούς;
– Ποια μουσική έπαιξε σήμερα στην τάξη σου άρεσε και θυμάσαι;
VI. Εργασία για το σπίτι (προαιρετικά):
- Τραγουδήστε το τραγούδι "Green Sleeves" από τις νότες όσοι επιθυμούν μπορούν να επιλέξουν μια συνοδεία για αυτό.
- Βρείτε μουσικούς πίνακες καλλιτεχνών της Αναγέννησης και μιλήστε γι' αυτούς.
Αρκετά καθοριστικά καινοτόμα χαρακτηριστικά μπορούν να εντοπιστούν στη μουσική κουλτούρα της Αναγέννησης.
Πρώτον, η ραγδαία ανάπτυξη της κοσμικής τέχνης, που εκφράζεται με την ευρεία διάδοση πολλών ειδών κοσμικού τραγουδιού και χορού. Αυτά είναι ιταλικάφροτόλα («λαϊκά τραγούδια, από λέξεις φροτόλα - πλήθος), βιλανέλλες («χωριάτικα τραγούδια»),Caccia , canzone (κυριολεκτικά - τραγούδια) και μαδριγάλια, ισπανικάVillancico (από βίλα - χωριό), γαλλικά τραγούδια chanson, γερμανικάΨέματα , Αγγλικά μπαλάντες και άλλοι. Όλα αυτά τα είδη, δοξάζοντας τη χαρά του να είσαι, ενδιαφέρονται εσωτερικός κόσμοςοι άνθρωποι που αγωνίζονταν για την αλήθεια της ζωής αντανακλούσαν άμεσα μια καθαρά αναγεννησιακή κοσμοθεωρία. Τα εκφραστικά τους μέσα χαρακτηρίζονται χαρακτηριστικά από εκτεταμένη χρήση τονισμών και ρυθμών της δημοτικής μουσικής.
Το αποκορύφωμα της κοσμικής γραμμής στην τέχνη της Αναγέννησης -μαδριγάλιο . Το όνομα του είδους σημαίνει «τραγούδι στη μητρική (δηλαδή, ιταλική) γλώσσα». Τονίζει τη διαφορά μεταξύ της μαδριγαλίας και της ιερής μουσικής που εκτελείται στα Λατινικά. Η εξέλιξη του είδους πήγε από ένα απλό μονόφωνο ποιμενικό τραγούδι σε ένα φωνητικό-οργανικό κομμάτι 5-6 φωνών με ένα εκλεπτυσμένο λυρικό κείμενο. Μεταξύ των ποιητών που στράφηκαν στο είδος του μαδριγάλου είναι ο Πετράρχης, ο Μποκάτσιο, ο Τάσο. Αξιόλογοι δάσκαλοι του μαδριγάλιου ήταν οι συνθέτες A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Με καταγωγή από την Ιταλία, το μαδριγάλιο εξαπλώθηκε γρήγορα σε άλλα δυτικά ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣ.
Η γαλλική ποικιλία του πολυφωνικού τραγουδιού λέγεταιchanson . Διακρίνεται από το μαδριγάλιο για τη μεγαλύτερη εγγύτητα με την πραγματική, καθημερινή ζωή, δηλαδή τη ειδυλλιακή φύση του. Μεταξύ των δημιουργών του chanson -Κλεμέν Ζανεκέν , ένα από τα πιο γνωστά Γάλλοι συνθέτεςΑναγέννηση.
Δεύτερον, η υψηλότερη ανθοφορία της χορωδιακής πολυφωνίας, η οποία έγινε η κορυφαία μουσικό στυλεποχή. Μεγαλοπρεπές και ηχηρό, ταίριαζε απόλυτα με την επισημότητα της εκκλησιαστικής λειτουργίας. Παράλληλα, η πολυφωνική πολυφωνία ήταν η κυρίαρχη μορφή έκφρασης όχι μόνο στα πνευματικά είδη, αλλά και στα κοσμικά.
Η ανάπτυξη της χορωδιακής πολυφωνίας συνδέθηκε, πρώτα απ 'όλα, με το έργο των συνθετών της ολλανδικής (γαλλο-φλαμανδικής) σχολής: Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.
Ορλάντο Λάσο (περίπου 1532-1594) εργάστηκε σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Το ταλέντο του, πραγματικά εκπληκτικό, καθήλωσε και χαροποίησε τους πάντες. Όλοι εκπροσωπούνται στην τεράστια δημιουργικότητα του Orlando Lasso μουσικά είδηΑναγέννηση (με την επικράτηση της κοσμικής μουσικής έναντι της ιερής). Τα πιο δημοφιλή έργα του περιλαμβάνουν το "Echo", γραμμένο στο είδος ενός ιταλικού καθημερινού τραγουδιού. Το έργο βασίζεται σε μια πολύχρωμη αντιπαράθεση δύο χορωδιών, δημιουργώντας ένα εφέ ηχούς. Το κείμενό του ανήκει στον ίδιο τον συνθέτη.
Μαζί με τον Ορλάντο Λάσο, τον μεγαλύτερο εκπρόσωπο Υψηλή Αναγέννησηυπήρχε ένας Ιταλός στη μουσικήη Παλαιστίνη (πλήρες όνομα Giovanni Pierlui da Palestrina, περίπου 1525-1594). Το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του Palestrina πέρασε στη Ρώμη, όπου συνδέθηκε συνεχώς με την εργασία στην εκκλησία, ειδικότερα, ήταν επικεφαλής του παρεκκλησίου του καθεδρικού ναού του St. Πέτρα. Ο κύριος όγκος της μουσικής του είναι ιερά έργα, κυρίως μάζες (υπάρχουν περισσότερα από εκατό από αυτά, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζει η περίφημη «Λειτουργία του Πάπα Μαρτσέλο») και μοτέτες. Ωστόσο, η Palestrina συνέθεσε πρόθυμα και κοσμική μουσική - madrigals, canzonettas. Έργα της Palestrina για χορωδία a sarrellaέγινε κλασικό παράδειγμα αναγεννησιακής πολυφωνίας.
Το έργο των πολυφωνικών συνθετών έπαιξε πρωταγωνιστικό ρόλο στην ανάπτυξη του κύριου είδους μουσικής της Αναγέννησης -μάζες . Με καταγωγή από τον Μεσαίωνα, το είδος της μάζας σεXIV- XVIαιώνες, μεταμορφώνεται γρήγορα, μεταβαίνοντας από δείγματα που παρουσιάζονται σε ξεχωριστά, ανόμοια μέρη σε έργα αρμονικής κυκλικής μορφής.
Εξαρτάται από εκκλησιαστικό ημερολόγιοστη μουσική της μάζας κάποια μέρη παραλείφθηκαν και άλλα μέρη μπήκαν. Τα υποχρεωτικά μέρη που υπάρχουν συνεχώς σε ΕΚΚΛΗΣΙΑΣΤΙΚΗ ΛΕΙΤΟΥΡΓΙΑ, πέντε. ΣΕΕγώΚαι V - « Kyrieeleison» («Κύριε ελέησον») και« ΆγκνουςDei» (« Αμνός του Θεού") - εκφράστηκε έκκληση για συγχώρεση και συγχώρεση. ΣεIIΚαι IV - « Γκλόρια"("Δόξα") και " Sanctus» (« Ιερό") - έπαινος και ευγνωμοσύνη. Στο κεντρικό τμήμα, "Πίστη» (« Πιστεύω»), καθόρισε τις βασικές αρχές του χριστιανικού δόγματος.
Τρίτον, ο αυξανόμενος ρόλος της οργανικής μουσικής (με σαφή υπεροχή των φωνητικών ειδών). Αν ο ευρωπαϊκός Μεσαίωνας δεν γνώριζε σχεδόν κανέναν επαγγελματικό οργανισμό, τότε στην Αναγέννηση δημιουργήθηκαν πολλά έργα για το λαούτο (το πιο κοινό μουσικό όργανο εκείνης της εποχής), το όργανο, τη βιόλα, τη βιχουέλα, τα παρθενικά και τα διαμήκη φλάουτα. Εξακολουθούν να ακολουθούν φωνητικά πρότυπα, αλλά το ενδιαφέρον τους για το οργανικό παίξιμο έχει ήδη καθοριστεί.
Τέταρτον, κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης υπήρξε ένας ενεργός σχηματισμός εθνικών μουσικών σχολείων (Ολλανδοί πολυφωνιστές, Άγγλοι παρθενικοί, Ισπανοί βιουελιστές και άλλοι), των οποίων η δημιουργικότητα βασίστηκε στη λαογραφία της χώρας τους.
Τέλος, η θεωρία της μουσικής έχει προχωρήσει πολύ μπροστά, βάζοντας μπροστά ολόκληρη γραμμήυπέροχοι θεωρητικοί. Αυτό είναι γαλλικόPhilippe de Vitry , συγγραφέας της πραγματείας " Arsnova» (« Νέα τέχνη», όπου δίνεται μια θεωρητική αιτιολόγηση για το νέο πολυφωνικό ύφος). ιταλικόςΤζόζεφφο Ζαρλίνο , ένας από τους δημιουργούς της επιστήμης της αρμονίας. ΕλβετόςGlarean , ιδρυτής του δόγματος της μελωδίας.
Η Αναγέννηση, ή Αναγέννηση, είναι μια περίοδος στην πολιτιστική ιστορία της Δυτικής και Κεντρικής Ευρώπης, που εκτείνεται περίπου στους XIV-XVI αιώνες. Αυτή η περίοδος έλαβε το όνομά της σε σχέση με την αναβίωση του ενδιαφέροντος για την αρχαία τέχνη, η οποία έγινε ιδανική για πολιτιστικές προσωπικότητες της σύγχρονης εποχής. Συνθέτες και θεωρητικοί της μουσικής - Ι. Τιντώρης, Γ. Τσαρλίνο και άλλοι - μελέτησαν αρχαίες ελληνικές μουσικές πραγματείες. στα έργα του Josquin Despres, που συγκρίθηκε με τον Μιχαήλ Άγγελο, σύμφωνα με τους σύγχρονους, «αναβίωσε η χαμένη τελειότητα της μουσικής των αρχαίων Ελλήνων»: που εμφανίστηκε στα τέλη του 16ου και στις αρχές του 17ου αιώνα. η όπερα καθοδηγούνταν από τους νόμους του αρχαίου δράματος.
Μαθήματα θεωρίας της μουσικής. Από γκραβούρα του 16ου αιώνα.
J. P. Palestrina.
Η ανάπτυξη του πολιτισμού της Αναγέννησης συνδέεται με την άνοδο όλων των πτυχών της κοινωνίας. Μια νέα κοσμοθεωρία γεννήθηκε - ο ανθρωπισμός (από το λατινικό humanus - "humane"). Η χειραφέτηση των δημιουργικών δυνάμεων οδήγησε στη ραγδαία ανάπτυξη της επιστήμης, του εμπορίου, της βιοτεχνίας και νέες, καπιταλιστικές σχέσεις διαμορφώθηκαν στην οικονομία. Η εφεύρεση της τυπογραφίας συνέβαλε στη διάδοση της εκπαίδευσης. Εξαιρετική γεωγραφικές ανακαλύψειςκαι το ηλιοκεντρικό σύστημα του κόσμου του Ν. Κοπέρνικου άλλαξε τις ιδέες για τη Γη και το Σύμπαν.
Έφτασε σε πρωτοφανή ευημερία τέχνη, αρχιτεκτονική, λογοτεχνία. Η νέα στάση αντικατοπτρίστηκε στη μουσική και άλλαξε την εμφάνισή της. Σταδιακά απομακρύνεται από τους κανόνες του μεσαιωνικού κανόνα, το στυλ εξατομικεύεται και η ίδια η έννοια του «συνθέτη» εμφανίζεται για πρώτη φορά. Η υφή των έργων αλλάζει, ο αριθμός των φωνών αυξάνεται σε τέσσερις, έξι ή περισσότερες (για παράδειγμα, ο κανόνας 36 φωνών που αποδίδεται στον μεγαλύτερο εκπρόσωπο Ολλανδικό σχολείο J. Okegem). Σε αρμονία, κυριαρχούν οι συμφωνίες, η χρήση των παραφωνιών περιορίζεται αυστηρά από ειδικούς κανόνες (βλ. Σχηματίζονται μείζονες και ελάσσονες λειτουργίες και ένα σύστημα ρυθμού ρολογιού, χαρακτηριστικό της μεταγενέστερης μουσικής.
Όλα αυτά τα νέα μέσα χρησιμοποιήθηκαν από τους συνθέτες για να μεταδώσουν την ιδιαίτερη δομή των συναισθημάτων του ανθρώπου της Αναγέννησης - υψηλές, αρμονικές, ήρεμες και μεγαλειώδεις. Η σύνδεση μεταξύ κειμένου και μουσικής γίνεται πιο στενή, η μουσική αρχίζει να μεταφέρει τη διάθεση ή, όπως έλεγαν τότε, οι επιδράσεις του κειμένου, όπως «ζωή», «θάνατος», «αγάπη» κ.λπ συχνά εικονογραφείται με ειδικά μουσικά μέσα.
Η μουσική της Αναγέννησης αναπτύχθηκε σε δύο κατευθύνσεις - εκκλησιαστική και κοσμική. Τα κύρια είδη της εκκλησιαστικής μουσικής είναι μαζικά και μοτέτα - πολυφωνικά πολυφωνικά έργα για χορωδία, ασυνόδευτα ή συνοδευόμενα από οργανικό σύνολο (βλ. Χορωδιακή μουσική, Πολυφωνία). Μεταξύ των οργάνων, προτιμήθηκε το όργανο.
Η ανάπτυξη της κοσμικής μουσικής διευκολύνθηκε από την ανάπτυξη της ερασιτεχνικής μουσικής. Η μουσική ακουγόταν παντού: στους δρόμους, στα σπίτια των πολιτών, στα παλάτια των ευγενών. Οι πρώτοι βιρτουόζοι ερμηνευτές της συναυλίας εμφανίστηκαν στο λαούτο, το τσέμπαλο, το όργανο, τη βιόλι και διάφορα είδη διαμήκων φλάουτων. Σε πολυφωνικά τραγούδια (μαδριγάλι στην Ιταλία, chanson στη Γαλλία), οι συνθέτες μιλούσαν για την αγάπη και όλα όσα συμβαίνουν στη ζωή. Εδώ είναι οι τίτλοι μερικών από τα τραγούδια: “Stag Hunt”, “Echo”, “Battle of Marignano”.
Στους XV-XVI αιώνες. Η σημασία της τέχνης του χορού αυξάνεται, εμφανίζονται πολυάριθμες πραγματείες και πρακτικά εγχειρίδια για τη χορογραφία, συλλογές χορευτικής μουσικής, που περιλαμβάνουν λαϊκούς χορούςεκείνης της εποχής - μπάσο χορός, μπράνλε, παβάνε, γκαλιάρ.
Κατά την Αναγέννηση δημιουργήθηκαν εθνικά μουσικά σχολεία. Η μεγαλύτερη από αυτές είναι η ολλανδική (γαλλο-φλαμανδική) πολυφωνική σχολή. Εκπρόσωποί της είναι οι G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Άλλα εθνικά σχολεία περιλαμβάνουν τα ιταλικά (J.P. Palestrina), τα ισπανικά (T.L. de Victoria), τα αγγλικά (W. Bird) και τα γερμανικά (L. Senfl).
Το ζήτημα της μουσικής πλευράς της Αναγέννησης είναι αρκετά περίπλοκο. Στη μουσική εκείνης της εποχής είναι πιο δύσκολο να εντοπιστούν νέα, θεμελιωδώς διαφορετικά στοιχεία και τάσεις σε σύγκριση με τον Μεσαίωνα παρά σε άλλους τομείς της τέχνης - στη ζωγραφική, τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική, τις καλλιτεχνικές τέχνες κ.λπ. Γεγονός είναι ότι η μουσική, τόσο στον Μεσαίωνα όσο και σε όλη την Αναγέννηση, διατήρησε τον ποικιλόμορφο χαρακτήρα της. Υπήρχε σαφής διαχωρισμός μεταξύ εκκλησιαστικής-πνευματικής μουσικής και κοσμικών συνθέσεων, τραγουδιών και χορών. Ωστόσο, η αναγεννησιακή μουσική έχει τον δικό της πρωτότυπο χαρακτήρα, αν και στενά συνδεδεμένη με προηγούμενα επιτεύγματα.
Μουσική κουλτούραΑναγέννηση
Χαρακτηριστικό της μουσικής της Αναγέννησης, που περιλαμβάνει τη μουσική εποχή του 15ου-16ου αιώνα, είναι ο συνδυασμός διαφόρων εθνικών σχολών, που ταυτόχρονα είχαν κοινή αναπτυξιακή τάση. Οι ειδικοί εντοπίζουν τα πρώτα στοιχεία που χαρακτηρίζουν την εποχή της διάθεσης στο ιταλικό στυλ μουσικής. Επιπλέον, στην πατρίδα της Αναγέννησης» νέα μουσική«άρχισε να εμφανίζεται στα τέλη του 14ου αιώνα. Τα χαρακτηριστικά του αναγεννησιακού στυλ εκδηλώθηκαν πιο ξεκάθαρα στους Ολλανδούς Μουσική Σχολή, ξεκινώντας από τα μέσα του 15ου αι. Ένα χαρακτηριστικό της ολλανδικής μουσικής ήταν η αυξημένη προσοχή στις φωνητικές συνθέσεις με την κατάλληλη συνοδεία οργάνων. Επιπλέον, οι φωνητικές πολυφωνικές συνθέσεις ήταν χαρακτηριστικές τόσο της εκκλησιαστικής μουσικής της ολλανδικής σχολής όσο και της κοσμικής της διεύθυνσης.
Έτσι, ήδη τον 16ο αιώνα εξαπλώθηκε στη Γαλλία, τη Γερμανία και την Αγγλία. Επιπλέον, εκτελέστηκαν φωνητικές κοσμικές συνθέσεις σε ολλανδικό στυλ διαφορετικές γλώσσες: για παράδειγμα, οι ιστορικοί της μουσικής βλέπουν την προέλευση του παραδοσιακού γαλλικού chanson σε αυτά τα τραγούδια. Όλη η ευρωπαϊκή μουσική της Αναγέννησης χαρακτηρίζεται από δύο φαινομενικά πολυκατευθυντικές τάσεις. Ένα από αυτά οδήγησε σε μια σαφή εξατομίκευση των συνθέσεων: στα κοσμικά έργα η καταγωγή του συγγραφέα είναι όλο και πιο ορατή, εμφανίζονται πιο προσωπικοί στίχοι, εμπειρίες και συναισθήματα ενός συγκεκριμένου συνθέτη.
Μια άλλη τάση αντικατοπτρίστηκε στην αυξανόμενη συστηματοποίηση της μουσικής θεωρίας. Τα έργα, εκκλησιαστικά και κοσμικά, γίνονταν όλο και πιο περίπλοκα, η μουσική πολυφωνία βελτιωνόταν και αναπτύχθηκε. Πρώτα απ 'όλα, στην εκκλησιαστική μουσική, συντάχθηκαν σαφείς κανόνες σχηματισμού, αρμονικές ακολουθίες, φωνητική καθοδήγηση και άλλα παρόμοια.
Θεωρητικοί ή συνθέτες της Αναγέννησης;
Σχετικό με αυτή τη σύνθετη φύση της ανάπτυξης της μουσικής κατά την Αναγέννηση είναι το γεγονός ότι αυτή τη στιγμή υπάρχει συζήτηση για το αν οι κορυφαίες μουσικές μορφές εκείνης της εποχής θα έπρεπε να θεωρούνται συνθέτες, θεωρητικοί ή επιστήμονες. Τότε δεν υπήρχε σαφής «καταμερισμός εργασίας», έτσι οι μουσικοί συνδυάστηκαν διάφορες λειτουργίες. Έτσι, ο Ελβετός Glarean, που έζησε και εργάστηκε στο πρώτο μισό του 16ου αιώνα, ήταν περισσότερο θεωρητικός. Έκανε σημαντικές συνεισφορές σε θεωρία μουσικής, δημιουργώντας τη βάση για την εισαγωγή εννοιών όπως μείζονα και ελάσσονα. Ταυτόχρονα, έβλεπε τη μουσική ως πηγή ευχαρίστησης, δηλαδή υποστήριζε τον κοσμικό της χαρακτήρα, απορρίπτοντας ουσιαστικά την ανάπτυξη της μουσικής στη θρησκευτική πτυχή του Μεσαίωνα. Επιπλέον, ο Glarean είδε τη μουσική μόνο σε άρρηκτη σύνδεση με την ποίηση, επομένως μεγάλη προσοχήαφιερωμένο στα είδη τραγουδιών.
Ο Ιταλός Josephfo Zarlino, του οποίου η δημιουργική δραστηριότητα σημειώθηκε το δεύτερο τέταρτο - το τέλος του 16ου αιώνα, ανέπτυξε και συμπλήρωσε σε μεγάλο βαθμό τις θεωρητικές εξελίξεις που παρουσιάστηκαν παραπάνω. Συγκεκριμένα, πρότεινε αρχικά να συσχετιστούν οι ήδη διατυπωμένες έννοιες του μείζονα και του ελάσσονος με τη συναισθηματική διάθεση ενός ατόμου, ο συσχετισμός του ελάσσονος με τη μελαγχολία και τη λύπη και του μείζονα με τη χαρά και υπέροχα συναισθήματα. Επιπλέον, ο Ζαρλίνο συνέχισε την αρχαία παράδοση της ερμηνείας της μουσικής: γι' αυτόν, η μουσική ήταν μια απτή έκφραση της αρμονίας στην οποία έπρεπε να υπάρχει το σύμπαν. Κατά συνέπεια, η μουσική, κατά τη γνώμη του, ήταν την υψηλότερη εκδήλωσηδημιουργική ιδιοφυΐα και η πιο σημαντική από τις τέχνες.
Από πού προήλθε η αναγεννησιακή μουσική;
Η θεωρία είναι θεωρία, αλλά στην πράξη η μουσική είναι αδιανόητη χωρίς μουσικά όργανα - φυσικά, με τη βοήθειά τους δόθηκε στη ζωή μουσική τέχνηΑναγέννηση. Το κύριο όργανο που «μετανάστευσε» στην Αναγέννηση από την προηγούμενη, μεσαιωνική μουσική περίοδο ήταν το όργανο. Αυτό το πληκτρολόγιο-πνευστό χρησιμοποιήθηκε ενεργά στην εκκλησιαστική μουσική και δεδομένης της σημαντικότερης θέσης των ιερών συνθέσεων στη μουσική της Αναγέννησης, η σημασία του οργάνου παρέμεινε. Αν και, σε γενικές γραμμές, το «ειδικό βάρος» αυτού του οργάνου έχει ίσως μειωθεί - τα τόξα και τα μαδημένα έγχορδα όργανα έχουν πάρει το προβάδισμα. Ωστόσο, το όργανο σηματοδότησε την αρχή μιας ξεχωριστής κατεύθυνσης οργάνων με πλήκτρα που είχαν υψηλότερο και πιο κοσμικό ήχο. Το πιο συνηθισμένο από αυτά ήταν το τσέμπαλο.
Τα έγχορδα όργανα με τοξό έχουν αναπτύξει μια ολόκληρη ξεχωριστή οικογένεια - τα βιολιά. Τα βιολιά ήταν όργανα παρόμοια σε μορφή και λειτουργία με τα σύγχρονα όργανα βιολιού (βιολί, βιόλα, τσέλο). Πιθανότατα υπάρχουν οικογενειακοί δεσμοί μεταξύ των βιολιών και της οικογένειας του βιολιού, αλλά οι βιόλες έχουν Χαρακτηριστικά. Έχουν μια πολύ πιο έντονη ατομική «φωνή», η οποία έχει μια βελούδινη απόχρωση. Τα βιόλια έχουν ίσο αριθμό κύριων και ηχητικών χορδών, γι' αυτό και είναι πολύ λεπτές και δύσκολα κουρδίζονται. Ως εκ τούτου, οι βιόλες είναι σχεδόν πάντα ένα σόλο όργανο, σπάνια είναι δυνατόν να επιτευχθεί η αρμονική χρήση τους σε μια ορχήστρα.
Όσο για τα μαδημένα έγχορδα όργανα, την κύρια θέση ανάμεσά τους κατά την Αναγέννηση κατείχε το λαούτο, που εμφανίστηκε στην Ευρώπη γύρω στον 15ο αιώνα. Το λαούτο ήταν ανατολικής προέλευσης και είχε συγκεκριμένη δομή. Το όργανο, ήχοι από τους οποίους μπορούσαν να παραχθούν τόσο με τα δάχτυλα όσο και με τη βοήθεια ειδικής πλάκας (ανάλογης με έναν σύγχρονο διαμεσολαβητή), πολύ γρήγορα κέρδισε δημοτικότητα στον Παλαιό Κόσμο.
Αλεξάντερ Μπαμπίτσκι