género literario, distinguido junto con el lirismo y el drama; representado por géneros como cuento de hadas, épica, poema épico, cuento, cuento, cuento, novela y algunos tipos de ensayo. Una epopeya, como un drama, reproduce una acción que se desarrolla en el espacio y el tiempo: el curso de los acontecimientos en la vida de los personajes (ver Trama).

Una característica específica de la epopeya.

La característica específica de la epopeya es el papel organizador de la narración.: el hablante relata los acontecimientos y sus detalles como algo pasado y recordado, recurriendo simultáneamente a descripciones del escenario de la acción y la apariencia de los personajes, y en ocasiones al razonamiento. La capa narrativa del habla en una obra épica interactúa fácilmente con los diálogos y monólogos de los personajes (incluidos sus monólogos internos). La narración épica o se vuelve autosuficiente, suspendiendo temporalmente las declaraciones de los héroes, o se impregna de su espíritu en un discurso inadecuadamente directo; A veces encuadra los comentarios de los personajes, otras, por el contrario, se reduce al mínimo o desaparece temporalmente. Pero en general domina la obra y mantiene unido todo lo representado en ella. Por tanto, las características de la epopeya están determinadas en gran medida por las propiedades de la narrativa. El habla aquí actúa principalmente en la función de informar de lo sucedido anteriormente.

Existe una distancia temporal entre la conducta del habla y la acción representada en la epopeya.: el poeta épico habla “de un acontecimiento como algo separado de él mismo” (Aristóteles. Sobre el arte de la poesía). La narración épica es contada por una persona llamada narrador, una especie de intermediario entre el retratado y los oyentes (lectores), testigo e intérprete de lo sucedido. Generalmente falta información sobre su destino, sus relaciones con los personajes y las circunstancias de la “historia”. El “espíritu de contar historias” es a menudo “ingrávido, etéreo y omnipresente” (T. Mann. Collected Works). Al mismo tiempo, el narrador puede "condensarse" en una persona específica, convirtiéndose en un narrador (Grinev en "La hija del capitán", 1836, A.S. Pushkin, Ivan Vasilyevich en el cuento "Después del baile", 1903, L.N. Tolstoi). El discurso narrativo caracteriza no sólo al sujeto de la declaración, sino también al propio hablante; la forma épica capta la manera de hablar y percibir el mundo, la originalidad de la conciencia del narrador. La vívida percepción del lector está asociada con una gran atención a los comienzos expresivos de la narración, es decir, el tema de la historia, o la “imagen del narrador” (el concepto de V.V. Vinogradov, M.M. Bakhtin, G.A. Gukovskosh).

La epopeya es lo más libre posible en la exploración del espacio y el tiempo.(centímetro. tiempo artístico y espacio de arte). El escritor crea episodios escénicos, es decir. pinturas que registran un lugar y un momento en la vida de los héroes (una velada con A.P. Scherer en los primeros capítulos de "Guerra y paz", 1863-69, Tolstoi), o - en episodios descriptivos, generales, "panorámicos" - habla de largos períodos de tiempo o de lo sucedido en distintos lugares (descripción que hace Tolstoi de Moscú, vacía antes de la llegada de los franceses). En la reconstrucción cuidadosa de procesos que ocurren en un amplio espacio y durante períodos de tiempo significativos, Sólo el cine y la televisión pueden competir con la épica.. El arsenal de medios literarios y visuales se utiliza en la epopeya en su totalidad (acciones, retratos, características directas, diálogos y monólogos, paisajes, interiores, gestos, expresiones faciales), lo que da a las imágenes la ilusión de volumen plástico y visual y auditivo. autenticidad. Lo que se representa puede ser una correspondencia exacta con las “formas de vida misma” o, por el contrario, una recreación nítida de ellas. La épica, a diferencia del drama, no insiste en las convenciones de lo que se recrea. Aquí no se trata tanto de lo que se representa en sí, sino de lo que “representa”, es decir, de lo que se representa. un narrador que muchas veces tiene conocimiento absoluto de lo sucedido hasta en sus más mínimos detalles. En este sentido, la estructura de la narración épica, que suele diferir de los mensajes de no ficción (reportaje, crónica histórica), parece “revelar” el carácter ficticio, artístico e ilusorio de lo representado.

Construcciones argumentales de la epopeya.

La forma épica se basa en varios tipos de estructuras argumentales. En algunos casos, la dinámica de los acontecimientos se revela abiertamente y en detalle (novelas de F.M. Dostoievski), en otros, la descripción del curso de los acontecimientos parece ahogarse en descripciones, características psicológicas y razonamientos (prosa de A.P. Chéjov de la década de 1890, M. Proust, T. Maná); En las novelas de W. Faulkner, la tensión de los acontecimientos se logra detallando cuidadosamente no tanto los "momentos decisivos" en sí mismos, sino más bien su trasfondo cotidiano y, lo más importante, psicológico ( características detalladas, pensamientos y vivencias de los personajes). Según I.V. Goethe y F. Schiller, los motivos retardantes son una característica esencial del género épico de la literatura en su conjunto. El volumen de texto de una obra épica, que puede ser tanto en prosa como poética, es prácticamente ilimitado: desde historias en miniatura (primeros Chéjov, O. Henry) hasta largas epopeyas y novelas (Mahabharata e Ilíada, Guerra y paz de Tolstoi, "Silencio Don” de M.A. Sholokhov). Una epopeya puede concentrar en sí misma tal cantidad de personajes y acontecimientos que son inaccesibles a otros tipos de literatura y arte. Al mismo tiempo, la forma narrativa es capaz de recrear personajes complejos, contradictorios y multifacéticos que están en ciernes. Aunque las posibilidades del despliegue épico no se utilizan en todas las obras, la palabra “épica” se asocia a la idea de mostrar la vida en su integridad, revelando la esencia de toda una época y la escala del acto creativo. El alcance del género épico no se limita a ningún tipo de experiencia o cosmovisión. La naturaleza de la epopeya es el uso universal y amplio de las capacidades cognitivas y visuales de la literatura y el arte en general.

Características “localizadoras” del contenido de una obra épica (por ejemplo, la definición de épica en el siglo XIX como una reproducción del dominio de un acontecimiento sobre una persona o el juicio moderno sobre la actitud “magnánima” de la épica hacia un persona) no absorben toda la historia de los géneros épicos.

Formas de formar una epopeya La epopeya se formó de diferentes formas. Las canciones líricas-épicas y, sobre su base, las propias canciones épicas, como el drama y la letra, surgieron de representaciones rituales sincréticas, cuya base eran los mitos. La forma de arte narrativo también se desarrolló independientemente del ritual público: la tradición de la prosa oral pasó del mito (en su mayoría no ritualizado) al cuento de hadas. La creatividad épica temprana y el desarrollo posterior de la narración artística también estuvieron influenciados por la oralidad y luego registrada por escrito. leyenda historica . En la literatura antigua y medieval, el folclore fue muy influyente. epopeya heroica . Su formación marcó el uso pleno y generalizado de capacidades épicas. Cuidadosamente detallada, máximamente atenta a todo lo visible y llena de plasticidad, la narrativa superó la poética ingenua-arcaica de los mensajes breves, propia del mito, la parábola y. La epopeya tradicional (entendida como un género, no como un tipo de literatura) se caracteriza (a diferencia de la novela) por una dependencia activa de la tradición histórica nacional y su poetización, la separación del mundo artístico de la modernidad y su absoluta plenitud: “Sin incompletitud, irresolución, problemática "no hay lugar en el mundo épico" (Bajtin, 459), así como la "absolutización" de la distancia entre los personajes y quien narra; El narrador tiene el don de la calma imperturbable y "que todo lo ve" (no en vano Homero fue comparado con los dioses olímpicos en los tiempos modernos), y su imagen le da a la obra el sabor de máxima objetividad. “El narrador es ajeno a los personajes, no sólo supera a los oyentes con su contemplación equilibrada y los pone en ese estado de ánimo con su historia, sino que, por así decirlo, ocupa el lugar de la necesidad” (F. Schelling. Filosofía del arte) . Pero ya en la prosa antigua la distancia entre el narrador y los personajes deja de ser absoluta: en las novelas "El asno de oro" de Apuleyo y "Satyricon" de Petronio, los propios personajes hablan de lo que vieron y experimentaron.

En la literatura de los últimos tres siglos, marcada por el predominio de los géneros románticos (ver Novela), domina la narración “personal”, demostrativo-subjetiva. Por un lado, la “omnisciencia” del narrador se extiende a los pensamientos y sentimientos de los personajes que no se expresan en su comportamiento, por otro lado, el narrador muchas veces deja de contemplar lo que se representa desde afuera, como desde arriba, y mira el mundo a través de los ojos de uno de los personajes, imbuido de su estado de ánimo. Así, la batalla de Waterloo en “El monasterio de Parma” (1839) de Stendhal no se reproduce al estilo homérico: el autor, por así decirlo, reencarnó en el joven Fabrizio, la distancia entre ellos prácticamente desapareció, los puntos de vista de ambos. se combinaron (el método de narración inherente a L. Tolstoi. F. M. Dostoievski, Chéjov, G. Flaubert, T. Mann, Faulkner). Esta combinación se debe a un mayor interés en la singularidad del mundo interior de los héroes, que se manifiesta de forma escasa e incompleta en su comportamiento. En este sentido, también surgió un método de narración en el que la historia de lo sucedido es al mismo tiempo un monólogo del héroe (“El último día de un condenado a muerte”, 1828, V. Hugo; “El manso ”, 1876, de Dostoievski; “La caída”, 1956, A. Camus). El monólogo interno como forma narrativa está absolutizado en la literatura sobre la “corriente de conciencia” (J. Joyce, en parte Proust). Los métodos de narración a menudo se alternan; diferentes héroes, y cada uno a su manera (“Héroe de nuestro tiempo”, 1839-40, M.Yu. Lermontov; “Tener y no tener”, 1937, E. Hemingway; “Mansión”, 1959, Faulkner; “Lotga en Weimar”, 1939, T. Mann). En ejemplos monumentales de la epopeya del siglo XX (“Jean Christophe”, 1904-12, R. Rolland; “Joseph and His Brothers”, 1933-43, T. Mann; “The Life of Klim Samgin”, 1927-36, M . Gorkosh; “ Quiet Don", 1929-40, Sholokhov) sintetiza el antiguo principio de “omnisciencia” del narrador y formas personales de representación, llenas de psicologismo.

En prosa novedosa de los siglos XIX y XX. Las conexiones emocionales y semánticas entre las declaraciones del narrador y los personajes son importantes. Su interacción confiere al discurso artístico una cualidad dialógica interna; El texto de la obra captura un conjunto de conciencias de diferente calidad y en conflicto, lo que no era típico de los géneros canónicos de las épocas antiguas, donde reinaba la voz del narrador y los personajes hablaban en el mismo tono. Las "voces" de diferentes personas pueden reproducirse alternativamente o combinarse en una sola declaración: una "palabra de dos voces" (M.M. Bakhtin. Problemas de la poética de Dostoievski). Gracias a la dialogicidad interna y la polifonía del habla, ampliamente representadas en la literatura de los dos últimos siglos, se domina artísticamente el pensamiento verbal de las personas y la comunicación espiritual entre ellas (ver Polifonía).

La palabra épica proviene de Epos griego, que significa palabra, narración, historia.

El método épico de crear obras de arte es el más antiguo, el primero que apareció en la Tierra y es la forma más natural de presentar el material. Habla de los eventos y las acciones de los personajes, ya sea en orden cronológico (es decir, cómo sucedieron) o en la secuencia que el autor necesita para realizar su plan (entonces esto se llama composición en anillo rota e inversa). Por ejemplo, en la novela de M.Yu. Lermontov, primero aprendemos sobre los eventos modernos, y luego nos transportamos cinco años atrás, ya que esto es necesario para que el autor revele completamente el carácter del personaje principal, Grigory Alexandrovich Pechorin.

Obras épicas: epopeya, fábula, cuento, cuento, novela, balada, poema, ensayo, etc.

El primero de los géneros de las obras épicas debería ser la épica. Épico Aparece en la era de la formación temprana de nacionalidades y pueblos a partir de heroicos. canciones populares, contando los acontecimientos más significativos y gloriosos de la historia del pueblo. Gracias a la ciclación de estas canciones, surge una epopeya, cuyo ejemplo más sorprendente es la Ilíada y la Odisea de Homero.

La epopeya clásica sólo pudo nacer y existir en una etapa determinada. historia humana, ya que su contenido está indisolublemente ligado a las ideas mitológicas de las personas que vivieron durante el período de la "infancia de la humanidad", y está determinado relaciones públicas que existía entonces.

Tema de la epopeya - un evento del pasado reciente que es importante para la vida de todas las personas. Esta obra representaba el carácter heroico de las acciones realizadas en forma purificada, el alcance de la imagen del objeto glorificado era extremadamente amplio, reflejaba todos los aspectos de la vida del pueblo. La epopeya incluida en su marco. gran número actores.

Fábula- el tipo más antiguo de poesía épica, una pequeña historia poética alegórica con fines moralizantes (fábulas de I.A. Krylov).

Historia- una pequeña forma de obra épica, caracterizada como una obra que suele tener una trama, muestra uno o varios episodios individuales de la vida de los héroes y representa un pequeño número de personajes.

Cuento- Se encuentra solo en la literatura eslava asociada con las tradiciones de la literatura rusa antigua. A veces es lo mismo obra de arte se llama alternativamente cuento o novela (" la hija del capitan"A.S. Pushkin)

Novedoso- una gran forma épica moderna, que se caracteriza por una trama compleja y ramificada, cubre un período significativo de la vida de los héroes y tiene una gran cantidad de personajes ("Guerra y paz" de L.N. Tolstoi).

Poema - grande trabajo de trama personaje lírico-épico, que combina la exhibición de experiencias emocionales y acciones de los héroes, puede incluir la imagen del héroe lírico junto con las imágenes de los personajes de la historia ("Mtsyri" de M.Yu. Lermontov).

Balada - una pequeña obra poética argumental de contenido histórico, heroico, fantástico o cotidiano, que tiene las características de una obra lírico-épica, en la que el autor no solo transmite sus sentimientos y pensamientos, sino que también describe lo que provocó estas experiencias ("Svetlana" por V. A. Zhukovsky) .

Ensayo - pequeño trabajo épico, que narra un hecho real, hecho de la vida o cara.

La más antigua de estos tipos de creatividad artística es la épica. Las primeras formas de la epopeya surgieron incluso en las condiciones del sistema comunal primitivo y están asociadas con el trabajo humano, con la conquista de la naturaleza, con enfrentamientos tribales (por ejemplo, los cuentos de hadas de los indios norteamericanos sobre Hiowata). En su desarrollo, la epopeya experimentó grandes cambios, prosperidad y decadencia; sus tramas, héroes, géneros y estilo cambiaron; en él se depositaron estratos de diversas épocas históricas.

La característica principal de la epopeya es que reproduce la realidad externa al autor, generalmente sin la intervención de este, cuya identidad está en gran medida oculta a los lectores. Sólo en los géneros autobiográficos y en la literatura del siglo XX se viola esta regla.

La narración en la epopeya se lleva a cabo en nombre de un narrador, testigo, participante de los hechos y, con menos frecuencia, héroe de los hechos, real o ficticio. La epopeya utiliza una variedad de métodos de presentación (narración, descripción, diálogo, monólogo, digresiones del autor), el discurso del autor y el discurso de los personajes, a diferencia del drama, donde un método de presentación (diálogo) y una forma de discurso. (el discurso de los personajes) se utilizan. La epopeya presenta grandes oportunidades para una descripción multifacética de la realidad y la descripción de una persona en el desarrollo de su carácter, las circunstancias, la motivación de los eventos y el comportamiento de los personajes. La narración en la epopeya suele realizarse en tiempo pasado, como sobre hechos que ya sucedieron, y solo en nueva literatura La epopeya incluye tanto el tiempo presente como una combinación de tiempos pasado, presente y futuro. El lenguaje de la epopeya es en gran medida figurativo y plástico, a diferencia de la letra, donde domina el discurso emocionalmente expresivo.

Los tipos específicos de epopeya son épica, epopeya, cuento de hadas, novela, cuento, poema, cuento, ensayo, fábula, anécdota.

La épica es la forma más grande y monumental de literatura épica. La epopeya heroica antigua y la epopeya moderna difieren significativamente entre sí.

Las epopeyas antiguas tienen sus raíces en el folclore, la mitología y la memoria legendaria de los tiempos prehistóricos. La característica más importante de las epopeyas antiguas es que en ellas todo lo maravilloso e increíble se convierte en objeto de fe inmediata y en la única forma posible de exploración del mundo. La antigua epopeya inevitablemente se extingue junto con el fin de la "infancia de la sociedad humana". Es artísticamente necesario sólo mientras la conciencia mitológica viva y determine la percepción humana del mundo.

La epopeya de los tiempos modernos se basa en una conciencia del mundo realista (como, por ejemplo, en Guerra y paz, Los hermanos Karamazov, La calma fluye) o romántica (como, por ejemplo, en la epopeya de Proust En busca de Tiempo perdido) ). La característica principal de la epopeya moderna es que encarna el destino de los pueblos, el proceso histórico mismo.

Al clasificar formas de especies en la epopeya. gran valor Las diferencias en el volumen de obras influyen.

Hay una forma pequeña (cuento), una forma mediana (cuento) y una forma épica grande: la novela. A diferencia de un cuento y una novela, una historia no se caracteriza por un sistema desarrollado de personajes, no tiene una evolución compleja de los personajes y su individualización detallada;

Una historia con una trama dinámica, giros inesperados y bruscos y un desenlace se suele denominar cuento.

Una historia descriptiva-narrativa se llama ensayo. La trama del ensayo juega un papel menor que el diálogo, las digresiones del autor y la descripción de la situación. Un rasgo característico del ensayo es documental. A menudo los ensayos se combinan en ciclos.

Principal vista épica es una novela. La palabra “novela” en sí misma inicialmente significaba, en la Europa medieval, obras narrativas en lenguas romances.

En la historia de la novela europea podemos distinguir varias etapas de su desarrollo.

novela antigua(“etíope” por Heliodoro y otros). Una novela así se construyó según un patrón determinado: la inesperada separación de los amantes, sus desventuras y una feliz unión al final de la obra.

Un romance de caballerías que también combina elementos de amor y aventuras. El caballero fue retratado como un amante ideal, dispuesto a soportar cualquier desafío por el bien de su dama.

Ya en el siglo XVIII la novela picaresca tomó forma. Su tema es el ascenso de una persona emprendedora de las clases bajas a la escala social. La novela picaresca refleja ampliamente los elementos de la vida y es interesante por su recreación concreta de situaciones cotidianas cotidianas.

El verdadero apogeo de la novela se produjo en el siglo XIX. En la literatura rusa, la novela recibió su color específico. Los artistas rusos de la palabra en sus manifestaciones representan la discordia entre las aspiraciones del individuo por el ideal y la imposibilidad de alcanzarlo. Aparece la llamada galería de personas “extra”.

En el siglo XX apareció una novela decadente que describe un conflicto entre el individuo y el medio ambiente, a menudo este conflicto es insoluble. Un ejemplo de esta novela es El castillo de Kafka.

Entonces, descubrimos que los tipos de epopeya son novela, cuento, cuento, ensayo, etc. Pero los tipos aún no son las formas finales de las obras literarias. Siempre manteniendo lo mismo características de nacimiento y características estructurales del tipo, cada obra literaria también contiene características únicas dictadas por las características del material y las características del talento del escritor, es decir, tiene una forma de "género" única.

Por ejemplo, los géneros novelescos son novela filosófica(por ejemplo, "La peste" de A. Camus), una novela de previsión ("Nosotros" de E. Zamyatin), una novela de advertencia ("El cadalso" de Ch. Aitmatov), ​​​​una novela de guerra ("Star " de E. Kazakevich), una novela de fantasía (" Hiperboloide del ingeniero Garin" de A. Tolstoi), novela autobiográfica ("La vida de Arsenyev" de I. Bunin), novela psicológica(“Crimen y castigo” de F. Dostoievski), etc.

La historia tiene los mismos géneros que la novela. Lo mismo ocurre con la historia. Las historias estan encendidas cuestiones filosóficas, en el ámbito militar, los escritores de ciencia ficción crean historias fantásticas, los escritores satíricos crean historias satíricas y humorísticas. Un ejemplo de historia humorística es "El aristócrata" de M. Zoshchenko.

Pregunta # 1. El concepto de mito. La evolución de las ideas mitológicas como movimiento del caos al espacio. Mitología olímpica.

Definiciones de mito (del taller):

Forma oral (en variabilidad de movimiento) que expresa la actitud de una persona hacia algo.

exploración del mundo en la etapa inicial de la historia

La cultura de un pueblo comienza con un mito según la arqueología de la conciencia, ya que toda nación pasa por una etapa de conciencia mitológica, cuyos rasgos son:

Aislamiento débil de una persona del mundo circundante.

Mal desarrollo del concepto abstracto => antinomia

! Un rasgo característico de los mitos es metamorfosis(transformación de lo vivo en no vivo y viceversa).

Mitología griega antigua, características principales:

Ctonismo (etapa temprana): una persona se considera a sí misma como compuesta de la tierra y sus productos.

Fetichismo (vivir en un objeto, no estar de ninguna manera separado del objeto mismo y ser adorado)

Animismo (mixantropía, una combinación de rasgos humanos y animales)

Olímpico (heroico): localización (Olimpo), más fe en la propia fuerza, estabilidad, riqueza, armonía, belleza (espacio), orden (de HS a KSMS), el deseo de Zeus de establecer el orden, el poder se comparte juntos.

heroísmo temprano (la transición al patriarcado, héroes que luchan contra monstruos, salvando a las personas de criaturas peligrosas (la victoria del cap. sobre la naturaleza))

La mitología de los griegos se conservó abundantemente gracias a la conversión. cultura antigua a ello, por ejemplo, la inserción de mitos en las obras de Homero.

Movimientos del caos al espacio

La evolución de las ideas mitológicas jugó un papel importante en el desarrollo de la civilización. El movimiento hacia el espacio fue la primera etapa de la transición hacia conocimiento científico paz. El cosmos es un mundo no mitológico en el que existen procesos naturales, independientes de las personas y los dioses. Vale la pena prestar atención a los mitos teocosmogónicos posteriores, en los que las relaciones sociales, comunitarias, tribales y consanguíneas entre personas se transfieren a procesos naturales. La cuestión del origen del mundo se interpretó desde el punto de vista del origen de la comunidad, clan, tribu, pueblo, ideas sobre el cambio de generaciones dentro del clan, y sobre la familia y las relaciones cotidianas en él. Y las imágenes de dioses, héroes y otras personificaciones generalizaron ciertos aspectos de la vida de la comunidad tribal (primero matrilineal y luego patrilineal). El contenido de los mitos teocosmogónicos eran imágenes del origen de los dioses, el cambio de generaciones de dioses y su lucha entre ellos, sus conexiones y relaciones naturalmente determinadas con los mortales, etc. Los mitos teocosmogónicos son la forma más elevada de creación de mitos, que ya contiene los rudimentos de una reflexión científica del mundo. Estos mitos racionalizaron la mitología a través de su historización (mejorando conceptos que reproducen la historia del mundo) y sistematización.

Así, el mérito histórico de las mitologías teocosmogónicas griegas antiguas fue el desarrollo de una idea general del Cosmos, que sirvió como un requisito previo importante para el surgimiento del conocimiento científico del mundo.

mitología olímpica

Los mitos de este ciclo hablan de la vida de los dioses olímpicos (panteón de dioses).

La composición del panteón ha ido cambiando a lo largo de los siglos, por lo que hay más de 12 dioses.

Lista: Hades, Apolo, Ares, Artemisa, Atenea, Afrodita, Hera, Hermes, Hestia, Hefesto, Deméter, Dioniso, Zeus, Poseidón. Todos los mitos sobre estos dioses pertenecen al ciclo de la mitología olímpica.

Boleto #2. Poesía de Catulo. Poemas a Lesbia.

Poesía de Catulo

Guy Valery Catulo (nacido en los años 80 del siglo I, fallecido alrededor de los 54 años) era de Verona. La parte de la “Galia Cisalpina” a la que pertenecía Verona aún no formaba parte de Italia y se consideraba una “provincia”, pero el padre de Catulo era un hombre rico con conexiones en Roma, y ​​su hijo tuvo acceso a la noble sociedad romana. Al principio, el joven "provincial" se mostraba completamente indiferente a las cuestiones políticas, pasaba su tiempo entre jóvenes disolutos y se comunicaba con representantes de los círculos literarios.

Era uno de los neotéricos. Los neotéricos realizaron un programa literario repitiendo los principios de Calímaco (poeta griego antiguo que vivió en esta época: 310-240 a. C. Escribió principalmente himnos, elegías y epigramas). Abandonaron las grandes formas, la épica y el drama, y ​​desarrollaron pequeños géneros: epillium, epigrama, elegía. Afirmando ser "eruditos", ellos, siguiendo a los alejandrinos, eligieron mitos raros, variantes poco conocidas e imbuyeron sus obras de indicios oscuros, citas ocultas y préstamos de otros autores; tales citas se consideraban un cumplido literario, un reconocimiento a la habilidad estilística del escritor citado, pero sólo un lector muy sofisticado, bien familiarizado con ambas literaturas, la griega y la romana, podía comprender y apreciar todo esto. Los neoteristas a menudo expresaban confianza en que sus obras “sobrevivirían siglos”; de hecho, este destino le tocó sólo a uno de ellos, quien fue reconocido por sus contemporáneos como el representante más talentoso de la escuela. Este es Guy Valery Catulo.

La herencia literaria de Catulo consta de tres partes. Se trata, por un lado, de grandes obras de estilo "erudito", por el otro, pequeños poemas, "chistes", que, a su vez, se dividen en dos categorías, similares en contenido, pero diferentes en estilo y forma métrica: en poemas compuestos en dísticos elegíacos (epigramas, elegías), y los llamados “polímetros”, es decir, poemas de tal estructura métrica que no permite dividir el verso en pies o metros similares. El lugar predominante entre los “polímetros” lo ocupa el “once sílaba” (verso de 11 sílabas) o “verso falekiano”:

¡Vivamos y amemos, amigo mío!

En la colección que nos ha llegado, los poemas de Catulo están ordenados de tal manera que el comienzo son “polímetros” y el final son epigramas; En el centro se colocan grandes poemas. El autor, por supuesto, concedió gran importancia a sus obras "eruditas", pero su fama posterior se basó principalmente en poemas de formato pequeño.

Los "Polímetros" de Catulo se distinguen por un color subjetivo claramente expresado: el poeta no está interesado en el mundo exterior en sí mismo, sino sólo como agente causante de emociones subjetivas. Un poema lírico se presenta con mayor frecuencia como una reacción dinámica a un evento pequeño, incluso el más pequeño, de orden cotidiano o biográfico, real o ficticio, pero supuestamente experimentado por el autor. Un amigo regresó a su tierra natal: asombro por la sorpresa, alegría, anticipación del encuentro, júbilo. El compañero de bebida se robó el manto: abuso selectivo, exigencia de retorno, amenazas de muerte. Lo principal es la ruidosa vibración de los sentimientos, la alegría física de vivir. De acuerdo con la antigua tradición lírica, los “polímetros” de Catulo casi siempre están dirigidos a alguien: a amigos o enemigos, a un ser amado, a un objeto inanimado y, finalmente, al propio autor.

Pequeños poemas en métrica elegíaca, epigramas y elegías breves, están diseñados en tonos más tranquilos. En la representación de los sentimientos subjetivos, hay una diferencia notable con los "polímetros": allí predominaban las reacciones instantáneas en su formación inmediata, mientras que en los epigramas el centro de gravedad se traslada a los estados mentales a largo plazo, que el poeta afirma pasivamente y sobre que ya puede reflejar.

Poemas a Lesbia

Un acontecimiento significativo en la vida personal de Catulo fue su amor por una mujer, que estuvo acompañada de experiencias difíciles, que aparece en sus poemas bajo el nombre ficticio de "Lesbia". Uno de los temas más importantes de la letra es el amor; Se trata, ante todo, de poemas de amor por Lesbia. En la colección superviviente se encuentran intercalados con otros poemas y sin ningún orden particular, pero podrían formar un ciclo completo. El seudónimo elegido por Catulo para su amada debería recordar a Safo. De hecho, el ciclo comienza con una traducción del famoso poema de Safo en la antigüedad, que describe los síntomas de la locura amorosa. Catulo transfiere los sentimientos que Safo experimentó al ver a su amada amiga casándose con sus experiencias al ver a Lesbia. No hay información fiable sobre ella excepto la que se puede encontrar en los poemas de Catulo. La imagen de Lesbia se da sólo en trazos separados que no forman una imagen completa: el poeta está principalmente ocupado consigo mismo y sus sentimientos. Los poemas demuestran la más amplia gama de sentimientos que el poeta experimenta por su amada: desde el tierno amor pasando por la tristeza y la decepción hasta el amargo sarcasmo. El poema más famoso de Catulo dedicado a Lesbia es “Odio y amo” (“Odi et amo”):

Odio y amo. Quizás te preguntes por qué hago esto.

No lo sé, pero siento que esto está pasando y salgo atormentado.

Pregunta #3. EL CONCEPTO DE ÉPICA. AQUILO Y HECTOR COMO HÉROES ÉPICOS.

1.épico (griego antiguoἔπος - “palabra”, “narración”) - una narrativa heroica sobre el pasado, que contiene una imagen holística de la vida de las personas y representa en una unidad armoniosa un cierto mundo épico y héroes heroicos.

La esencia del estilo épico. Lo más importante en todo el problema del estilo épico es la relación entre lo general y lo individual. El estilo épico es un estilo artístico que Nos representa la vida de tal o cual colectivo humano, subordinando absolutamente cada vida personal a sus leyes., y por lo tanto cualquier vida personal individual recibirá interés para nosotros sólo en relación con la vida general de su colectivo. Cada vida personal en la epopeya recibe su significado y su desarrollo natural sólo del grupo al que pertenece. Esta vida personal puede estar llena de los sentimientos más profundos y ardientes. Pero estos sentimientos, si hablamos de la epopeya, son provocados por las tareas vitales del colectivo y obtienen su satisfacción sólo en relación con la vida de este colectivo. Los sentimientos y comportamientos no colectivistas son algo secundario y terciario para el sujeto épico y no desempeñan ningún papel en su vida. papel decisivo, aunque pueden aportar contenidos muy diversos al mismo.

La posición media de la epopeya.

a) Entre el salvajismo primitivo y la civilización. Lugar sociohistórico de estilo épico.

En rigor, todo el arte de la formación comunal-tribal tiene un estilo épico, ya que se trata de un colectivismo primitivo, espontáneamente indiferenciado, en el que se ahoga cada individuo. Por otro lado, podemos hablar de épica en un sentido más estricto de la palabra, es decir, canciones heroicas y otros géneros relacionados.

b) Patriarcado en ascenso .

El verdadero lugar de la epopeya es el patriarcado ascendente, cuando una persona domina tanto las fuerzas de la naturaleza que puede luchar heroicamente con ellas y subyugarlas heroicamente a sí mismo. En esta época, la comunidad del clan se volvió sedentaria y aquí, utilizando racionalmente los recursos naturales, comienza a realizarse como un todo, comienza a recordar su historia y esos grandes héroes que lo crearon y organizaron, que lo protegieron y lo hicieron avanzar. Aquí es donde aparece el héroe épico, que ya no se disuelve completamente en la comunidad del clan, sino que ya es consciente de su fuerza y ​​de su poder organizador, aunque al darse cuenta de sí mismo, sigue estando en completa unidad con su comunidad del clan y sigue viviendo sólo en eso y solo para ella.

2. La objetividad de la epopeya.

a) Características .

El primer principio que surge de la esencia del estilo épico es su objetividad . De hecho, la épica es la primacía de lo general sobre lo individual. El artista épico no parece utilizar en absoluto su imaginación. Dioses, incluso demonios, incluso milagros y eventos increíbles: todo esto se considera en la epopeya como realmente existente, y no como resultado de la imaginación creativa o la invención ociosa del poeta.

b) Narración . Lo que hoy llamamos objetividad de la epopeya suele denominarse narración.

El tipo narrativo de poesía se caracteriza por la posición básica del poeta, por lo que dirige su atención a la descripción de hechos y acontecimientos como si el propio poeta no tuviera nada que ver con ello y como si fuera suyo. vida interior era completamente carente de interés para él. Por supuesto, la exclusión de los propios intereses del poeta es ficticia, ya que la objetividad y la narración son también una determinada posición de la personalidad creativa y, por tanto, expresan en un grado u otro su estado de ánimo subjetivo. Homero no fue ni indiferente ni apolítico, y no siempre mantuvo su objetividad épica como método artístico.

c) El surgimiento del subjetivismo . Por supuesto, esto se aplica principalmente al estilo épico estricto. Y en Homero hay numerosos acontecimientos de este tipo descritos objetivamente. Son ellos quienes llenan principalmente la poesía de Homero. Pero Homero no es sólo una epopeya estricta. No sólo nos describe ciertos acontecimientos relacionados con la Guerra de Troya, que fue pensada de una manera histórica muy real. Homero, sin duda, saca mucho de sí mismo, crea todo tipo de detalles decorativos y, a menudo, crea simplemente basándose en su propia imaginación. En el futuro encontraremos muchos ejemplos de este estilo no épico.

Ahora señalaremos sólo una técnica de Homero, habitualmente ignorada en las características de su estilo. Esta técnica radica en el hecho de que Homero no sólo da una imagen objetiva de la vida, sino que muy a menudo la comenta él mismo, expresando diversos tipos de explicaciones, sentimientos, preguntas retóricas, etc.

3. Pintoresco y plasticidad de la epopeya. Este interminable y amoroso examen de las cosas externas llevó también al hecho de que en ellas siempre quedó registrado todo lo que era brillante para la sensación y todo lo agudo y expresivo para la percepción sensorial ordinaria.

a) Luz y sol . El mundo de Homero está lleno sveta , y los acontecimientos que se desarrollan en él se desarrollan en su mayor parte a la luz del sol. El sol y sus rayos son una verdadera alegría para el griego homérico. Cuando Zeus comenzó a ayudar a los troyanos y a arrojar oscuridad en el campo de batalla, Ayax le reza a Zeus para que disipe la oscuridad, y si van a morir, que mueran a la luz del día (Il., XVII.644-647) . A Aquiles, por supuesto, se le compara con el sol (Il., XXII.134 y sigs.); La diadema de Hera también se compara con el sol (Il., XIV.184 ss.); los maravillosos caballos de Res también se comparan con el sol (Ill., X.547). Está claro que el sol y la luz en Homero son una especie de criterio universal para la vida y la belleza.

A menudo esta iluminación se da en contraste con elementos de oscurecimiento. A Héctor (Ill., XV.604-610) se le compara con un incendio forestal en las montañas; sus ojos también brillan con fuego enojado. De su boca brota espuma, un casco terrible, también brillante, se balancea sobre su cabeza y el propio Héctor vuela a través de la batalla como una tormenta. Desde el escudo de Aquiles también se esparce por todas partes una luz maravillosa, como un faro para los que mueren en las olas (Ill., XIX.375-381). Fuegos, relámpagos, brillo de armas: estas son imágenes comunes en Homero.

b) Colores y pinturas . Pero no sólo todo está lleno de luz en Homero. Todo esta completo tambien pinturas . El Dawn "de dedos de rosa" tiene un peplos "azafrán". Afrodita tiene una túnica "dorada". Apolo tiene el pelo “rubio dorado”. Deméter tiene un velo “azul oscuro”. Latona tiene rizos "dorados". Iris también tiene "alas doradas". Tetis - "de pies plateados". Zeus tiene cejas de “acero oscuro” y Poseidón tiene el mismo cabello. Los dioses beben néctar rojo.

Pongamos otro ejemplo, pero no de poemas homéricos, sino de himnos homéricos, muchos de los cuales se remontan a la antigüedad homérica. En el VII himno homérico, el dios Dioniso, con sus ojos de “acero oscuro” o “azul oscuro” y el mismo cabello en un manto “violeta”, está sentado en medio del mar “color vino”, en un barco. Y los barcos de Homero son "negros" (Il., I.300), y con una proa "azul oscuro" (Il., XXIII.878), y "de mejillas moradas" (Od., XI.124), y " mejillas carmín "(Ill., II.637), las velas son “blancas” (Od., II.425, XV.291). En todas estas imágenes, sin duda, se refleja la infancia de la humanidad, ya que los niños, como sabemos, aman los colores brillantes, la diversidad y el brillo de los objetos. Asimismo, los griegos homéricos encontraron colores excepcionalmente brillantes, abigarrados y brillantes en la naturaleza y la vida que los rodeaba.

c) Plástico . De este pintoresquismo pasemos a la plasticidad. Tanto Homero como los griegos en general siempre han sido elogiados por la naturaleza plástica de las imágenes artísticas que creaban. Sin embargo, esta plasticidad rara vez se entendió específicamente y, en su mayor parte, se entendió de manera demasiado amplia, expandiéndola hasta convertirla en algo generalmente hermoso y expresivo.

5. Períodos de la cosmovisión plástica en Homero. Incluso el análisis más detallado revela que en Homero no todo es plástico, como piensan la mayoría de los críticos. El problema de la plasticidad en Homero resulta extremadamente complejo. Aparentemente, aquí, como en Homero en general, debemos encontrar un reflejo de la evolución centenaria del pensamiento y la percepción humana, comenzando con la total incapacidad de representar el espacio tridimensional y terminando con la plasticidad y escultura muy reales de la imagen.

a) La ley de incompatibilidad cronológica o ley de imagen plana . Si planteamos la cuestión del método más antiguo de presentación de una imagen en Homero, entonces probablemente será lo que F. F. Zelinsky llamó la ley de incompatibilidad cronológica en su artículo "La ley de incompatibilidad cronológica y la composición de la Ilíada". 4) El propio Zelinsky saca conclusiones de esta ley sólo para la composición de la Ilíada. Sin embargo, esto puede tener una importancia aún mayor para el análisis de la imagen del tiempo y el espacio en Homero.

2 .Tanto Héctor como Aquiles son los mejores de los mejores entre los participantes. Guerra de Troya. Ambos son fuertes, valientes, resistentes, verdaderos guerreros y dominan todo tipo de armas de esa época. No es casualidad que Homero los llame alternativamente "iguales a Dios". Pero la principal diferencia es la extrema humanidad y decencia de Héctor y la excesiva ira y crueldad de Aquiles.

Los investigadores de la epopeya griega antigua han notado durante mucho tiempo que el nombre de Héctor no está asociado con ningún otro evento de la Guerra de Troya, excepto los descritos en la Ilíada. La tumba de Héctor no se mostró en Troas, sino en Tebas (Paus. IX 18, 5); Esto permite suponer que Héctor es un héroe beocio por origen, y que su batalla con Aquiles tuvo lugar originalmente en suelo griego. Sólo relativamente tarde se incluyó la imagen de Héctor en el círculo de cuentos sobre la guerra de Troya, en los que Héctor, más que cualquier otro héroe, personifica la idea del deber patriótico. Probablemente por eso la imagen de Héctor goza de gran simpatía por parte del autor de la Ilíada. Héctor está representado con particular calidez en la famosa escena de despedida de su esposa Andrómaca (VI 370-502).

Pregunta #4. "Epístola a Pisón" o "La ciencia de la poesía" de Horacio. Las opiniones de Horacio sobre la poesía y la creatividad.

El libro de la "Epístola" es un importante paso adelante en el sentido del arte de representar la vida interior de un individuo; El propio Horacio apenas era consciente del significado pleno de su colección, que ni siquiera clasificó como poesía.

La explicación más completa de las opiniones teóricas de Horacio sobre la literatura y los principios que siguió en su práctica poética la encontramos en la tercera carta, en la “Epístola a los Pisones”, que más tarde, allá por la antigüedad, recibió el nombre de “Ciencia de la literatura”. Poesía." El mensaje poético de Horacio no representa un estudio teórico, como lo fue en su momento la Poética de Aristóteles, y no se basa en ningún fundamento filosófico profundo. La obra de Horacio pertenece al tipo de poética “normativa”, que contiene “prescripciones” dogmáticas desde el punto de vista de un determinado movimiento literario.

Según el comentarista antiguo, la fuente teórica de Horacio fue el tratado de Neoptólemo de Parion, que sigue en la disposición del material y en las ideas estéticas básicas. La poesía en general, una obra poética, un poeta: Horacio conserva este curso de la presentación de Neopthelemus. Pero el poeta romano no se propone dar un tratado exhaustivo. La forma libre del “mensaje” le permite detenerse sólo en algunas cuestiones, más o menos relevantes, desde el punto de vista de la lucha de las corrientes literarias en Roma. "La ciencia de la poesía" es, por así decirlo, un manifiesto teórico del clasicismo romano de la época de Augusto.

La estética de “La ciencia de la poesía” es clasicista. El trabajo debe ser sencillo, holístico y armonioso. Asimetría, digresiones, excursiones descriptivas, manierismos: todo esto son violaciones del canon de belleza. Sin nombrar nombres ni direcciones, Horacio vuelve simultáneamente su polémica contra los neoteristas (con este nombre Cicerón designó a un grupo de jóvenes poetas romanos del siglo I a.C. que, rompiendo con las tradiciones de la gran epopeya histórica (Ennia y Lucilio), tomaron el Helenística como poesía modelo, profesando los principios poéticos de Calímaco), y contra el estilo declamatorio asiático que emerge en la poesía romana, y contra los aticistas arcaizantes. Para la poética normativa del clasicismo europeo, la Epístola a Pisón no tenía menos significado canónico que la Poética de Aristóteles. Código de clasicismo, “Arte poético” (L'art poetique, 1674) Boileau reproduce no sólo el título tradicional del mensaje horaciano, sino también todo el curso de la presentación, con la misma disposición del material y con numerosos préstamos de detalles, que A menudo se dan en una traducción casi literal. Muy pronto Horacio fue reconocido como un “clásico” como él mismo previó (Epístola I, 20), sus obras se convirtieron en tema de lectura y comentario en la escuela romana.

Pregunta # 5. Rasgos del estilo homérico.

Estilo épico: temprano (estricto) y posterior (gratuito). En los poemas de Homero hay signos tanto del primero como del segundo.

La singularidad del estilo homérico radica en:

Objetividad. Homero da una imagen objetiva del mundo, sin perseguir detalles ni detalles de la imagen. Lo único que importa es que el acontecimiento haya ocurrido realmente; todo lo demás tiene una importancia secundaria. Incluso todo lo maravilloso y fantástico (dioses y demonios) es representado por Homero como si realmente existiera.

Una descripción “material” de la vida. Homero se centra en el lado externo de los acontecimientos que describe.

Sensaciones visuales, auditivas y motoras, como resultado de las cuales a menudo sólo se puede adivinar la psicología de los personajes. Tradiciones.

Homero describe todo lo que es constante, estable, antiguo, obvio para todos y reconocido por todos en el pasado, y obligatorio para todos en el presente. monumentalidad,

aquellos. sublimidad, solemnidad. a lo que recurre Homero, queriendo explicar algo menos comprensible con algo más comprensible (por ejemplo, la Ilíada, en la que casi todas las imágenes del ámbito militar se comparan con la vida mundana).

Imágenes de héroes, que no se limitan a “héroes” épicos.

En casi cada uno de los personajes principales se puede ver el surgimiento de una característica individual. La base de la originalidad de la apariencia de un héroe épico es la gradación, el grado de una cualidad particular. Así, por ejemplo, Agamenón supera a todos en la potencia del poder que se le ha confiado, París - en su amor por las mujeres, Odiseo - en su ingenio, etc. Podemos decir que ninguno de los héroes está privado de destacarse en una cualidad particular e inferior en otras propiedades. Imágenes de dioses . que juegan un papel importante. El desarrollo de los acontecimientos se desarrolla en 2 planos paralelos: en el Olimpo y en la Tierra. El primer plano es el más alto, ya que el curso de los acontecimientos que luego se desarrollan en la Tierra a menudo está predeterminado allí. Originalidad homérico gallinero es que ellos dotado de muchas características y debilidades humanas

: se pelean, se regañan, se conspiran, etc. Homero los representa a menudo en situaciones reducidas y humorísticas (por ejemplo, Ares y Afrodita son alcanzados durante una cita y cubiertos por la red de Hefesto). Pathos pacifistas. Con dolor y asombro, Homero transmite el proceso de destrucción y destrucción de los cuerpos humanos, la melancolía del alma que vuela al Hades. Ninguna de las partes en conflicto recibe elevación moral sobre la otra en Homero. El autor es querido. la idea de lo común de la suerte humana

, difícil y triste, dependiendo de poderes superiores. . Múltiples géneros épicos disponibles.

La Ilíada y la Odisea son generalmente poemas heroicos. Pero la epopeya de Homero también contiene los inicios de otros géneros épicos, por ejemplo:

Elementos de un cuento de hadas. El cuento de hadas se muestra bastante escéptico respecto a lo que se representa, considerándolo como el tema de una historia divertida y entretenida. "Odisea": la historia de la transformación del dios del mar Proteo en varios animales y cómo Menelao lo atrapó en el momento en que Proteo era un hombre y lo obligó a contar el futuro. Elementos de una novela

: la historia sobre la búsqueda de Telémaco de su padre en la Odisea contiene elementos de una novela de aventuras, y toda la segunda parte del mismo poema, comenzando con el Canto XIII, contiene elementos de una novela familiar. Elementos líricos

: “La Ilíada” es el escenario de la despedida de Héctor de su esposa Andrómaca antes de la batalla. con todos los conflictos dramáticos inherentes a ellos. Casi todos los personajes principales de ambos poemas son trágicos. Aquiles es trágico. condenado a muerte en su juventud, y él sabe de su destino. La muerte de Patroclo es trágica. También es trágico el destino de todos los líderes troyanos, cuya muerte también está predeterminada desde arriba.

Elementos cómicos - una pelea entre Odiseo y el mendigo Ir en el umbral del palacio donde los pretendientes están festejando. Esta comedia alcanza el nivel del burlesco, cuando lo sublime se presenta como algo básico. Las escenas olímpicas casi siempre las presenta Homero en estilo burlesco. Un ejemplo bien conocido de esto es la canción de la Ilíada, que describe los celos matrimoniales de Hera. Zeus quiere golpear a su esposa y el monstruo de piernas arqueadas, Hefesto, intenta hacer reír a los dioses con bromas.

elementos de humor . Afrodita se presenta con humor cuando entra en batalla y es herida por el héroe mortal Diomedes, por lo que los dioses del Olimpo la ridiculizan.

Elementos de ironía muy notable en los poemas de Homero. Agamenón en la Ilíada ordena a su ejército que regrese a casa, pero en realidad este ejército tiene que tomar las armas nuevamente y luchar.

Elementos de la sátira. Los cíclopes son representados como una caricatura y una sátira de personas que viven sin leyes. Fersit, representado como un fenómeno, es una parodia del ciudadano, soldado y aristócrata. Hay muchos rasgos satíricos en Agamenón, que sorprende con su avaricia, despotismo, cobardía y muchos otros vicios.

Pregunta #6. El tema de Dido y Eneas en la Eneida de Virgilio

La leyenda de Dido y Eneas fue descrita por primera vez por Nevio en los siglos III-II a.C. Virgilio lo incluyó más tarde en su epopeya "Eneida" (escrita aproximadamente en el 29 a. C.). La obra de Virgilio fue tan popular que los habitantes de Pompeya decoraron sus hogares con citas de ella. Los autores rusos abordaron a menudo este tema (A. Akhmatova "No tengas miedo, sigo siendo similar"; Brodsky " gran hombre miró por la ventana...")

Después de una terrible tormenta, el barco de Eneas (un viudo que perdió a su esposa en el incendio de Troya) aterriza en las costas de África (la tormenta y la dirección del barco están dispuestas por los dioses), donde gobierna Dido (que también perdió a su cónyuge y no ha conocido la felicidad familiar, pero se niega constantemente a cortejar a pretendientes). Eneas habla de guerras, aventuras y viajes, y Dido se enamora de un hombre valiente y ama con amor maternal al hijo de su primera esposa. Encontró la felicidad femenina y en parte incluso se olvidó del Estado que fundó. El amor recíproco de Eneas no se expresa con tanta fuerza, y la expresividad artística de la imagen de Dido es tal que en el cuarto libro ella, como personaje, prácticamente eclipsa al personaje principal. En este libro hay un alto temporal en el camino de Eneas, una “deserción” que supera (el mensajero de Júpiter predice su destino: tendrá un reino y una tercera esposa) y él, habiéndose explicado de algún modo a su amada, continúa su camino. manera, pero a costa de la vida de este último, quien no pudo sobrevivir a la separación y se suicidó, lo que deja dolor en el alma del héroe (como lo demuestra su encuentro en el reino de los muertos).

Dido entró en el círculo de imágenes femeninas mundiales que encarnan el heroísmo y el sacrificio del amor, y la historia de amor con Eneas en la historia de la cultura adquirió un cierto valor intrínseco (por ejemplo, la ópera "Dido y Eneas" de Purcell, "La tragedia de Dido" de Marlowe ”)

El tema de Dido y Eneas es el tema del amor sacrificial, la búsqueda de la felicidad femenina y la amarga decepción (la muerte del primer marido, la fuga del segundo), el tema del enfrentamiento entre el deseo, los sueños, lo que QUIERES (Dido) y el destino, lo que NECESITAS (Eneas). Esta es la parte más dramáticamente intensa del poema y artísticamente la más poderosa. Desde el punto de vista del trasfondo ideológico de la epopeya, también es importante: en la trágica ruptura de Eneas y Dido, los romanos vieron un prototipo de la enemistad mortal entre Roma y Cartago, que terminó con tres guerras púnicas y la destrucción. de este último.

PAG. S.: Correlaciona el carácter y las acciones de Eneas con la pregunta 12: Eneas como hombre de destino.

A las letras declamatorias pertenecían los siguientes géneros:

1. epigrama,

1 .Se consideró el género principal. elegía . este es un poema

duración media, moral y política, posteriormente contenido amoroso, sin

composición distinta. Se considera el tipo de elegía más antiguo.

heroico militar , que se acerca mucho a la epopeya. El héroe de esta elegía.

realiza hazañas conscientemente, no por el bien de la familia, sino por el estado (Kallin, Tyrtey). Otro tipo de elegía - elegía del destino personal . Estas elegías representan reflexiones sobre uno mismo, sobre el lugar del hombre en el mundo, sobre las normas morales (Arquíloco). El tercer tipo de elegía es Elegía filosófica y política. Representa la expresión del pensamiento político en forma semimitológica. En este tipo de elegía predominan las reflexiones. el autor sobre la estructura estatal de la polis, sobre la interacción de varias fuerzas en el estado.

2.Epigrama – un poema corto de cualquier contenido,

que se remonta a inscripciones antiguas. Los epigramas estaban escritos en dístico elegíaco y se distinguían por su brevedad y precisión.

3.Gnomo – Esta es una breve declaración poética con contenido instructivo y filosófico. Los enanos formulan proposiciones generalmente aceptadas y se acercan a los aforismos. El enano también destacó por su brevedad y precisión. El pensamiento enano se refiere a las cuestiones básicas de la vida humana. Este tipo de poesía era muy popular entre los antiguos griegos.

4.yámbico - un género de poesía griega antigua predominantemente acusatorio

personaje. Una característica de la poesía yámbica es la risa, así como

un cierto tamaño y pie con acento en la segunda sílaba. Los griegos creían en

el poder limpiador de la risa, por lo que todo fue ridiculizado.

Había dos tipos de yámbico:

ridículo personal;

ridículo de las relaciones sociales.

Los yambs se distinguían por una libertad extraordinaria; no había restricciones para ellos.

Yámbicos de Arquíloco.

La poesía yámbica no es una invención de Arquíloco, como muchos pensaban: surgió mucho antes, probablemente en relación con el culto a Deméter (la doncella del rey de Eleusis llamada Iamba decidió hacer reír a la afligida Deméter con chistes obscenos), es decir, se remonta a las raíces del folclore. Como dice el himno homérico, la sirvienta del rey de Eleusis, Kelei, llamada Yamba, hacía reír a la afligida Deméter con bromas obscenas. Los yámbicos también se utilizaban en determinados momentos de la procesión festiva de Atenas a Edeusis, cuando la costumbre exigía expresiones de carácter burlón y lúdico.

La palabra "yamb" entre los griegos, en general, se asociaba con la idea del carácter cómico de la obra, mientras que en la nueva literatura yámbico es un concepto exclusivamente métrico. El yámbico es una combinación de una sílaba corta y otra larga. Archilochus (Ar.) expresó más abiertamente las tendencias individualistas de la época: el individuo, habiendo roto los estrechos lazos de la antigua moral tribal, aquí se opone claramente al colectivo como una persona libre y autosuficiente, no sujeta a las opiniones de nadie y cualquier ley. Arkansas. Vivió a principios del siglo VII y se hizo famoso por sus yámbicos. En sus yámbicos nos contó cómo, como mercenario, arrojó su escudo en una batalla con los bárbaros tracios. Es conocido su romance con Neobula, hija de Licambus, que se oponía a este matrimonio. Arkansas. se vengó de él con yámbicos y lo llevó al suicidio (!). En sus yámbicos Ar. También expresó su amor por Neobula, también hay yámbicos dedicados a amigos que discuten la filosofía de vida de Ar. (filosofía del optimismo). En yámbico Ar. encontramos una moral libre de todo aburrimiento, una confianza clara y tranquila en el fluir de la vida, empezando por Ares, el dios de la guerra, hasta las musas, las diosas del arte; comenzando con humor sobre su propia traición y terminando con una maldición amenazadora sobre un amigo traidor. Ar.-guerrero, amante del vino, amante de las mujeres y misógino, poeta, “juerguista ocioso”, moralmente inestable y apasionado amante de la vida, incluso filósofo, que nos recuerda la fugacidad de la vida, pero también nos consuela con la enseñanza de su eterna devolver.

Pregunta # 8. El arte de la comedia de Plauto.

Titus Maccus, apodado Plauto ("pies planos"), fue el comediante romano más destacado (mediados del siglo III - 184 a. C.). Se atribuyeron a Plauto unas 130 comedias, pero 21 se consideraron genuinas, entre ellas “El tesoro”, “Los trucos del parásito”, “El guerrero jactancioso” y “El esclavo embaucador”. Plauto trabajó en el campo de la palliata, comedia con argumento griego, adaptando obras griegas para la escena romana.

Plauto retrata en sus comedias principalmente a jóvenes comerciantes, que a menudo comercian en tierras de ultramar, mostrando conflictos entre los niños con sus padres que interfieren en sus vidas personales, conflictos con proxenetas de cuyas manos necesitan arrebatar a sus amadas hijas y con prestamistas a quienes han para pedir prestado dinero. En las comedias, el odio de Plauto hacia los prestamistas y los proxenetas se siente en todas partes. Las imágenes más llamativas son las de esclavos inteligentes, diestros y enérgicos. Ayudan a sus jóvenes dueños a organizar su vida personal. Lenguaje cercano al público. Los personajes principales son grotescos, sus rasgos hiperbólicos. El hexámetro yámbico coloquial se reemplaza por un troquee de dos metros o un anapesto de dos metros y medio. No hay coro, como en la comedia neoática.

Plauto conocía muy bien la literatura y el teatro griegos y utilizó los argumentos del neoático. comedia domestica, ya que en las condiciones de su época, cuando el senado aristocrático estaba a la cabeza del estado, el poeta no pudo evitar contar historias de la vida italiana y representar satíricamente a sus contemporáneos directamente.

Plauto utilizó las tramas de la comedia neoática de Difilo, Demófilo, Filemón y Menandro, pero no las de Aristófanes, porque las comedias de Aristófanes eran demasiado agudas políticamente y los problemas planteados en ellas no eran relevantes para Roma. Plauto utilizó con éxito las tramas de la comedia neoática cotidiana y, al revelarlas, pudo resolver problemas que interesaban a sus contemporáneos. Una de las comedias más agudas: "El guerrero jactancioso"

La novelización de las historias griegas es que Plauto a menudo introduce en sus comedias características del modo de vida romano, la cultura romana, las cortes romanas y el autogobierno romano. Entonces habla mucho de los pretores, y estos son los funcionarios de Roma, del Senado. Ingresar los nombres de las ciudades romanas y representar las nacionalidades. aduanas Tomó argumentos de las comedias griegas que estaban en sintonía con la vida romana y en ellos resolvió problemas relevantes para su sociedad.

La figura favorita de Plauto, el esclavo, representa la máscara más dinámica de la comedia, la menos limitada en sus acciones, palabras y gestos por las exigencias de tranquilidad y decencia impuestas a los libres. El esclavo no es sólo el portador de la intriga, sino también el foco del elemento bufón. Divierte al público con bufonadas y parodias del alto estilo, con “filosofar” y adoración, corriendo por el escenario y movimientos corporales frenéticos y, finalmente, con el hecho de que lo azotan o pueden golpearlo a cada minuto. Desde la altura de exigencias estéticas más estrictas, la crítica romana posterior (por ejemplo, Horacio) reprochó a Plauto la caricatura y la falta de coherencia en sus imágenes. El objetivo de Plauto es provocar risas continuamente con cada escena, frase y gesto.

Boleto # 9. Makarova Ekaterina.

El origen de las letras y sus tipos. Safo como representante del lirismo monódico.

Letras – un tipo de literatura donde se escucha claramente la voz del poeta, transmitiendo sus sentimientos y pensamientos en poemas breves. Proviene de la palabra griega "lyricos", que significa "interpretado con la lira" o "cantando con la lira". Los griegos usaban esta palabra no para llamar poesía en absoluto, sino a canciones que se cantaban al son de la lira.

La aparición de obras del género lírico se remonta a los siglos VII-VI. ANTES DE CRISTO y están determinados, en primer lugar, por cambios significativos que se han producido en la vida de la mayoría de las comunidades griegas.

Las letras griegas suelen dividirse en tres géneros:elegía, yámbico y melica (letra de la canción). No todos estos géneros se interpretaban al son de la lira: para la elegía y los yambos no era necesario el acompañamiento musical; a veces, los yámbicos iban acompañados de los sonidos de una flauta, y se podían interpretar obras mélicas con los sonidos tanto de una lira como de una flauta.

Las letras se basan principalmente en canciones folclóricas rituales y de culto. A cada tipo de poesía lírica, así como a cada género de poesía griega, se le asignó una métrica poética determinada; sólo los poetas mélicos podían utilizar diferentes metros incluso dentro del mismo verso.

La característica principal del género lírico. , meliks, es su conexión con el acompañamiento musical, que era más visible que en la elegía y el yámbico. Pero poco a poco la melika perdió su conexión orgánica con la música y se convirtió en un género puramente literario. Su principal diferencia con los yambos y la elegía, donde se alternan versos o coplas del mismo tamaño, es que Los poemas mélicos se construyeron principalmente sobre estrofas alternas, complejas y de tamaño variado.

La poesía mélica en la Antigua Grecia suele dividirse en solista (monódico) y coral.

El lirismo solista recibió un desarrollo particular en la isla de Lesbos, lugar de nacimiento de dos poetas importantes: Alcaeus y Safo.

Safo(finales del siglo VII - primera mitad del siglo VI aC) pertenecía a la aristocracia familiar, vivió durante mucho tiempo en el exilio (en la isla de Sicilia), pero al final de su vida regresó a su tierra natal, donde Murió arrojándose, según la leyenda, desde un acantilado en el mar a causa de un amor no correspondido por el joven Faón. Esta leyenda refleja la naturaleza de las letras de Safo, cuyo tema principal era el amor.

La mayoría de los poemas de Safo están dedicados a sus amigos, muchos de los cuales, como sabemos, también escribieron poesía. Esto sería imposible si vivieran, por ejemplo, en Atenas, donde la mujer era una reclusa y su búsqueda de la literatura sólo causaría condena.

Safo miró atentamente el mundo del alma humana.. A ella se le ocurrió tres maneras hablar de él. El primero es transmitir confusión mental mediante la representación de estados corporales, la psicología a través de la fisiología.

Otra técnica es más compleja y sutil. Safo describe la deidad que envía amor: Eros(Erotá). Pero es interesante que elija epítetos que puedan aplicarse a una persona, o más bien, al estado en el que se encuentra cuando se enamora. Está contento y triste al mismo tiempo, está confundido, como árboles bajo una ráfaga de viento: “Eros me atormenta otra vez, cansado - / Amargamente dulce...”; “como el viento que vuela desde la montaña hasta las encinas, / El Eros del alma nos sacudió…”

Safo tiene Tercera forma de contar tus sentimientos.. Su confusión en el “Himno a Afrodita” se la ve con los ojos y se la describe con los labios de la diosa que se le apareció.

Hay muchas canciones rituales en la obra de Safo. Esto aumenta el valor de su herencia, ya que el folclore griego "en su forma pura" no nos ha llegado, y sólo podemos juzgarlo por los poemas de aquellos poetas que, consciente o inconscientemente, imitaron el arte popular.

Boleto #10. Novela romana.

Depende del griego, pero se diferencia de él tanto en la técnica y la estructura como en su carácter descriptivo cotidiano; (Petronia y Apuleia tienen detalles y personajes históricamente precisos).

Lucius Apuleius (c. 125 d. C. - después de 170 d. C.) - antiguo escritor romano, filósofo platónico, retórico y autor novela famosa"Burro dorado"

El estilo de “ZO” es enfáticamente irónico, excéntrico, repleto de juegos de palabras y montones de epítetos.

La novela es un tratado esotérico velado: los primeros 10 libros están llenos de sentimientos. placeres y tentaciones de la vida, que conducen a la degradación y transición a un estado “bestial”, y este último demuestra la elevación del hombre a través de la familiarización con los secretos divinos.

La novela “cifra” la vida del propio Apuleyo, el gato. Fue iniciado en diversas enseñanzas místicas y fue juzgado por brujería.

La obra es una sátira sobre todos los aspectos de la vida en la Roma tardía, incluida la religión. Las notas irónicas en la descripción de los ritos iniciáticos por los que pasa Lucio hablan del escepticismo religioso de Apuleyo.

Siempre estamos hablando de transformaciones, incluidas las espirituales.

El héroe de la novela, Lucio (¡coincidencia con el nombre del autor!), viaja por Tesalia. - era famosa por ser la cuna del arte mágico, Lucius está convencido de ello por su propia y triste experiencia.

En su sed de unirse a la misteriosa magia, Lukiy entabla una relación con una doncella que participa en la adoración de la amante, pero ella por error lo convierte en un burro en lugar de un pájaro. Una persona conserva su mente y sus gustos. Conoce una manera de liberarse del hechizo: masticar rosas es suficiente. Pero la transformación inversa se retrasa mucho tiempo. “Burro” es secuestrado por ladrones esa misma noche, vive diversas aventuras, pasa de un dueño a otro, sufre golpizas por todas partes y se encuentra repetidamente al borde de la muerte. Cuando un animal extraño llama la atención, está destinado a una exhibición pública vergonzosa. Todo esto constituye el contenido de los diez primeros libros de la novela.

EN último momento Lukiy logra escapar costa, y en el último libro 11 hace una súplica a la diosa Isis. La diosa se le aparece en un sueño, le promete la salvación, pero para que él vida posterior se dedicó a servirla. De hecho, al día siguiente el burro se encuentra con la procesión sagrada de Isis, mastica rosas de la corona de su sacerdote y se convierte en hombre. El resucitado Lucio adquiere ahora los rasgos del propio Apuleyo: resulta ser originario de Madaura, acepta la iniciación en los misterios de Isis y, por inspiración divina, va a Roma, donde recibe los más altos grados de iniciación.

11 libros, una novela picaresca, “ZO”, nombre que le dio Agustín.

transformación del hombre en animal a nivel internacional

una serie de cuentos insertados, sin relación con la trama y presentados como historias sobre lo que se vio y escuchó antes y después de la transformación.

Los finales también son diferentes: intervención de Isis, final religioso y solemne.

Los objetivos de A. son entretener y moralizar.

inserto (4,5 libros) – cuento de hadas “Cupido y Psique”

Libro 11 – extraño, religioso, algunos creen que no pertenece a A.. Invención:

El burro se mueve > ve cosas nuevas todo el tiempo.

con él todo el mundo dice todo, no se “avergüenzan” de lo inesperado, folklórico, neologismos, palabras inventadas y muchos préstamos griegos.

Es conocida la alta valoración del libro de Agustín el Bendito. También informa sobre su segundo nombre, "El burro dorado", el epíteto "dorado" indicaba la admiración de los lectores.

Una posible fuente es la historia satírica “Luky o Donkey, quizás una imitación. Esta es la historia de un joven, gato. Debido a su apasionado deseo de aprender los secretos de la magia, por error se convirtió en un burro en lugar de un pájaro.

Hoy en día se considera muy probable que las Metamorfosis de Lucio de Patras sirvieran de modelo general para la obra de PseudoLuciano y para la novela de Apuleyo. Una de las pruebas indirectas de la conexión directa entre Apuleyo y Lucio también se ve en el hecho de que la obra de Apuleyo lleva el mismo nombre que la obra de Lucio de Patras.

Pregunta #11. La estructura del teatro griego y las representaciones teatrales.

Durante el apogeo de la sociedad griega, las representaciones teatrales formaban parte del culto a Dioniso y tenían lugar exclusivamente durante las fiestas dedicadas a este dios.

El orden se estableció alrededor de 501 - 500. para El gran Dionisio, preveía tres autores en una competición trágica, cada uno de los cuales representaba tres tragedias y un drama de sátiros. En los concursos de comedia, los poetas debían presentar una obra cada uno. El poeta no sólo compuso el texto, sino también las partes musicales y de ballet del drama; también fue director, coreógrafo y, a menudo, sobre todo en épocas anteriores, actor. La admisión del poeta al concurso dependía del arconte (miembro del gobierno) que estaba a cargo del festival; De esta forma también se ejercía el control ideológico sobre las obras. El Estado asignaba los gastos de puesta en escena de los dramas de cada poeta a algún ciudadano rico, que era designado choreg(director del coro). El coreg reclutó un coro de 12 personas, y luego 15 personas para la tragedia, 24 para la comedia, pagó los miembros del coro, la sala en la que se preparaba el coro, los ensayos, el vestuario, etc. El esplendor de la producción dependió de la generosidad del choreg. Los gastos de los coreógrafos fueron muy importantes y las victorias en el concurso fueron otorgadas conjuntamente al coreógrafo y al director-poeta. Con el aumento en el número de actores y la separación del actor del poeta, el tercer participante independiente en el concurso se convirtió en el actor principal (“protagonista”), quien seleccionó asistentes para él: uno para los segundos papeles, el otro. para los terceros roles (“deuteragonista” y “tritagonista”). El nombramiento de su poeta para el coregus y de su actor principal para el poeta se hacía por sorteo en la asamblea popular presidida por el arconte. En el siglo IV, cuando el coro perdió importancia en el teatro y el centro de gravedad se desplazó hacia la interpretación, este orden se consideró inconveniente, ya que hacía depender excesivamente el éxito del coreógrafo y del poeta de la actuación del actor que se les asignaba y el éxito del actor depende de la calidad de la obra y de la producción. Luego se estableció que cada protagonista debía aparecer por cada poeta en una de sus tragedias. El Estado ateniense confió el cuidado de los locales para espectadores y artistas, primero con la construcción de estructuras temporales de madera y luego con el mantenimiento y reparación del teatro permanente, a empresarios privados que alquilaban los locales. Por tanto, se pagó la entrada al teatro. Sin embargo, para garantizar que todos los ciudadanos, independientemente de su situación financiera, tengan la oportunidad de asistir al teatro, la democracia desde la época de Pericles ha proporcionado a cada ciudadano interesado una subvención equivalente a la entrada de un día, y en el caso de Siglo IV. y durante los tres días de representaciones teatrales.

Una de las diferencias más importantes entre el teatro griego y el teatro moderno era que la obra se desarrollaba al aire libre, a la luz del día. La ausencia de techo y el uso de luz natural se relacionaron, entre otras cosas, con el enorme tamaño de los teatros griegos, que superaban significativamente incluso a los teatros modernos más grandes. Dada la rareza de las representaciones teatrales, hubo que construir locales de teatro antiguos teniendo en cuenta a las masas de ciudadanos que celebraban la festividad.

Debido a los orígenes corales del drama ático, una de las partes principales del teatro es orquesta(“plataforma de baile”), donde actuaron coros dramáticos y líricos. La orquesta más antigua del teatro ateniense era un patio de armas redondo y compactado, de 24 metros de diámetro, con dos entradas laterales; el público pasó a través de ellos y luego entró el coro. En medio de la orquesta estaba altar de dionisio. Con la introducción de un actor que actuaba en diferentes papeles, se necesitaba un vestuario. Esta habitación es la llamada skena (“escenario”, es decir, tienda de campaña), fue de naturaleza temporal y estuvo inicialmente en esos campos de visión del público; pronto comenzaron a construirlo detrás de la orquesta y a diseñarlo artísticamente como fondo decorativo para el juego. El skene ahora representaba la fachada de un edificio, generalmente un palacio o un templo, frente a cuyos muros se desarrolla la acción (en el drama griego la acción nunca tiene lugar dentro de una casa). fue erigido frente a ella columnata(prosquenio); Entre las columnas se colocaron tableros pintados que sirvieron como una especie de decoración convencional: representaban algo que recordaba el escenario de la obra. Con esta estructura del teatro, una pregunta muy importante para el negocio teatral sigue sin estar clara: ¿dónde actuaron los actores? Sólo se dispone de información precisa sobre esto en la antigüedad tardía; los actores actuaron entonces en el escenario , elevándose muy por encima de la orquesta, por lo que quedaron separados del coro. El tercer componente del teatro, además de la orquesta y el skene, fue asientos para espectadores . En el siglo quinto Se trataba de bancos de madera, que luego fueron sustituidos por asientos de piedra. Dispositivos mecánicos en el teatro del siglo V. había muy poco. Cuando fue necesario mostrar al espectador lo que sucedía dentro de la casa, una plataforma sobre ruedas de madera salió de las puertas de la pantalla.(ekkyclema),

junto con los actores o muñecos que se le colocaban, para luego ser retirado. Para levantar a los personajes (por ejemplo, a los dioses) en el aire se utilizaba la llamada "máquina", algo así como una grúa. Los participantes del juego realizaron. usando mascaras . teatro griego periodo clasico preservado plenamente esta herencia de drama ritual, aunque significado mágico ya no lo era. La máscara correspondía a la directiva del arte griego de presentar imágenes generalizadas, y no ordinarias, sino heroicas, que se elevan por encima del nivel cotidiano, o grotesco-cómicas. Con un cambio repentino El actor usó distintas máscaras en sus distintas parroquias. Gracias a la máscara, el actor podía interpretar fácilmente varios papeles durante una obra. En la mente de los griegos, los héroes míticos excedían a la gente común en altura y ancho de hombros. Por eso los actores trágicos vestían borceguíes(zapatos con suela alta en forma de zancos), un tocado alto del que descendían largos rizos y se colocaban almohadas debajo del traje. Actuaban con ropas largas y solemnes, las antiguas vestimentas de los reyes, que sólo los sacerdotes seguían usando.

Pregunta # 12. “Eneida” de Virgilio. Eneas como hombre de destino (Toporov)

La Eneida es la epopeya patriótica inacabada de Virgilio, que consta de 12 libros escritos entre el 29 y el 19. Después de la muerte de Virgilio, la Eneida fue publicada por sus amigos Vario y Plocio sin cambios, pero con algunas abreviaturas.

Virgilio abordó este tema a petición de Augusto para despertar el orgullo nacional de los romanos con relatos de los grandes destinos de sus antepasados ​​y, por otro lado, para proteger los intereses dinásticos de Augusto, supuestamente descendiente de Eneas a través de su hijo Yulus o Ascanius. Virgilio en la Eneida se alinea estrechamente con Homero; En la Ilíada, Eneas es el héroe del futuro. El poema comienza con la última parte de las andanzas de Eneas, su estancia en Cartago, y luego cuenta episódicamente los acontecimientos anteriores, la destrucción de Ilión (párrafo II), las andanzas de Eneas posteriores (párrafo III), la llegada a Cartago (párrafos I y IV). ), viaje a través de Sicilia (V p.) hasta Italia (VI p.), donde comienza una nueva serie de aventuras de carácter romántico y bélico. La ejecución misma de la trama adolece de un defecto común en las obras de Virgil: la falta de creatividad original y personajes fuertes. El héroe, el "piadoso Eneas", fracasa especialmente, privado de cualquier iniciativa, controlado por el destino y las decisiones de los dioses, que lo patrocinan como fundador de una familia noble y ejecutor de la misión divina: trasladar a Lar a una nueva patria. Además, la Eneida lleva la impronta de la artificialidad; a diferencia de la epopeya homérica, que surgió del pueblo, la Eneida fue creada en la mente del poeta, sin conexión con la vida y las creencias populares; Los elementos griegos se confunden con los itálicos, los cuentos míticos con la historia, y el lector siente constantemente que el mundo mítico sirve sólo como expresión poética de la idea nacional. Pero Virgilio utilizó todo el poder de sus versos para decorar episodios psicológicos y puramente poéticos, que constituyen la gloria inmortal de la epopeya.

“Eneas como hombre de destino” Según Toporov(Vladimir Nikolaevich Toporov (5 de julio de 1928, Moscú - 5 de diciembre de 2005, ibid.) - filólogo ruso) : “El significado de la hazaña de la vida de Eneas es aún mayor porque se creó a sí mismo y preparó su futuro teniendo en cuenta, por supuesto, todos esos signos que el destino le envió y que sólo una persona como Eneas podría haber notado y comprendido su significado. y sólo en las circunstancias que le sucedieron. En Virgilio, Eneas se encuentra principalmente en la mitad de su camino, en el período más incierto e inestable de su vida, entre vagabundeos que más parecen lanzamientos caóticos que un camino, aunque todavía está presente un objetivo lejano y al principio completamente confuso. pero su realidad misma aún no es completamente aceptada por la conciencia. Eneas está vitalmente conectado con su pasado, pero en realidad este pasado ya no existe y sólo puede tocarlo en la memoria. El recuerdo de Troya es a la vez consuelo y amarga tristeza. Es doloroso y tiene un efecto destructivo, si ves a Troya como un apoyo real, y en tu experiencia personal troyana como una especie de espacio cerrado, autosuficiente, completo y, por tanto, agotado después de su muerte. Pero esta memoria también es creativa si esta experiencia se comprende al nivel de una idea y en ella se ve el recurso que se lleva consigo en el viaje y, en cierto sentido, controla este camino. Pero el pasado, sea como fuere, entró en la memoria y enriqueció a Eneas con experiencia. Es aún peor con el futuro: no lo tiene (o mejor dicho, en sus circunstancias no hay manera de ver este futuro o siquiera reflexionar sobre él), no puede convertirse en parte de la experiencia integral y en un recurso vital. Sólo existe el presente, que amenaza con la muerte, y en realidad no es vida. Encerrado tanto por el pasado como por el presente en el espacio de la destrucción, Eneas, al menos sólo teóricamente, sólo puede esperar la salvación del futuro, que, afortunadamente para Eneas, se le revela, notificándole de sí mismo con diversos signos, e incluso en las circunstancias que vive hay en sí mismo una cierta última reserva que le permite notar estos signos y responder a ellos, es decir, entrar en contacto salvador con el futuro -y precisamente con su futuro-. La memoria del pasado y la atención a los signos del futuro, garantía de esperanza: estos son los dos dones que determinan el camino de Eneas hacia el futuro y al mismo tiempo lo controlan.

Sin entrar en detalles, Eneas en este camino tiene que lidiar con tres series de factores de los que depende el éxito del camino y, en consecuencia, una solución positiva al problema, que pone a Eneas a la par de su destino. Estos tres círculos de factores (el azar, la voluntad de los dioses y el destino) son, por naturaleza, externos al hombre. Su papel en el desarrollo de la estrategia conductual de Eneas es diferente, del mismo modo que la naturaleza misma de estos factores es diferente. De hecho, el caso es "aleatorio", y esto es importante en el sentido de que prácticamente coincide con su propio signo, tanto en el tiempo como en el material. De esto se sigue que el aspecto signo del caso juega un papel mínimo, ya que la “víctima” del caso trata el caso mismo como tal y únicamente; el signo del caso antes de que el caso se descubra, por regla general, no es fijo y, por lo tanto, es prácticamente inútil para cambiar el comportamiento con el fin de prepararse para el caso en sí. Por las mismas razones, la búsqueda de la causa de un caso carece de sentido, o mejor dicho, carece de conveniencia práctica: causa y efecto parecen coincidir en la unidad del caso mismo, así como el significante y el significado coinciden en él. Finalmente, la mayoría de las veces el caso no tiene una fuerza “perturbadora” muy significativa: más bien, es como un paso que provoca tropiezos y dilación, alteración del ritmo y desviación, pero no la cancelación del camino elegido por el viajero. Pero en un mal momento, la escalada de “incidentes” en la parte anterior del viaje puede producir un efecto deprimente, provocar una reacción de arrepentimiento, desaliento incluso en Eneas, que controla estrictamente sus emociones y no está dispuesto a relajarse.

El destino en esta triple serie aparece en la Eneida como un macrofactor. como tribunal supremo y final de lo “impersonal” de una persona. Aquí ella no depende de una persona, y su comportamiento no puede cambiar su última palabra, aunque la persona misma, como Mahoma en la montaña, puede ir hacia el destino. Dado que el destino se revela obviamente sólo en su última palabra sobre una persona, y (al menos en Virgilio) no acumula su decisión, no se desarrolla de manera gradual, consistente, sumativa: está inmóvil y también se revela de una vez y por completo, en un cronotopo de un solo punto. En este sentido, el destino resulta, en esencia, independiente de la dependencia de causa y efecto (en otra versión, la situación se parece a lo que describe el tercer postulado de Bohr), pero al mismo tiempo, el destino es el probador de una persona, y cómo resiste esta prueba determina. No es la palabra del destino en sí lo que depende, sino la disposición de una persona para enfrentarla. En el caso extremo (y el ejemplo de Eneas de esta categoría), tal disposición hace que una persona sea amigable con su destino, le permite entrar en contacto con él y crea una situación fundamentalmente nueva: la última palabra del destino sobre una persona no es Ya no es una sentencia, no un acto de determinación rígida, subordinación, esencialmente violencia o - más cuidadosamente - no sólo una sentencia, sino dar a una persona el derecho y la oportunidad de elegir libremente su destino”.

Pregunta #13. Esquilo como "padre de la tragedia". La contribución de Esquilo al desarrollo del drama.

Esquilo, el poeta de la época de la formación del Estado ateniense y de las guerras greco-persas, es el fundador de la tragedia antigua en sus formas establecidas. Esquilo, quien presentó al segundo actor, fue reconocido como el "padre de la tragedia". El dramaturgo, que estuvo en los orígenes del género, logró crear obras que han sobrevivido durante siglos. Los antiguos eruditos contaron 90 obras dramáticas (tragedias y dramas sátiros) en la herencia literaria de Esquilo; Sólo se han conservado íntegramente siete tragedias, incluida una trilogía completa. Además, conocemos 72 obras por sus títulos, de los que suele quedar claro qué material mitológico se desarrolló en la obra; sus fragmentos, sin embargo, son pocos y de pequeño tamaño. En Esquilo, los elementos de la cosmovisión tradicional están estrechamente entrelazados con las actitudes generadas por el Estado democrático. Cree en la existencia real de fuerzas divinas que influyen en el hombre y a menudo le tienden trampas insidiosas. Esquilo se adhiere a la antigua idea de responsabilidad ancestral hereditaria: la culpa del antepasado recae sobre los descendientes, los enreda con sus fatales consecuencias y les conduce a la muerte inevitable. Por otro lado, los dioses de Esquilo se convierten en guardianes de los fundamentos legales de la nueva estructura estatal, y él propone enérgicamente momento de responsabilidad personal por su comportamiento libremente elegido. En este sentido, se están modernizando las ideas religiosas tradicionales. Desarrollando pensamientos ya esbozados por Solón, Esquilo describe cómo la retribución divina se introduce en el curso natural de las cosas. Relación entre La influencia divina y el comportamiento consciente de las personas, el significado de los métodos y objetivos de esta influencia, la cuestión de su justicia y bondad constituyen la principal problemática de Esquilo, que despliega en la descripción del destino y el sufrimiento humanos. Según él mismo admite, los cuentos heroicos (por ejemplo, Homero) sirven como material para Esquilo. El destino del héroe o familia heroica de Esquilo representado con mayor frecuencia en tres tragedias sucesivas, conformando una trilogía argumental e ideológicamente integral; le sigue un drama sátiro basado en una trama del mismo ciclo mitológico al que pertenecía la trilogía. Sin embargo, tomando prestados argumentos de la epopeya, Esquilo no sólo dramatiza las leyendas, sino que también las reinterpreta y las imbuye de sus propios problemas. A la luz de esta problemática, queda clara la dirección de las dramáticas innovaciones de Esquilo. Aristóteles, en el ya citado capítulo 4 de la Poética, los resume así: “Esquilo fue el primero en aumentar el número de actores de uno a dos, reducir las partes del coro y dar primacía al diálogo”. Es decir, la tragedia dejó de ser una cantata, una de las ramas del lirismo coral mimético, y pasó a convertirse en drama. En la tragedia anterior a Esquilo, la historia del único actor sobre lo que sucedía detrás del escenario y su diálogo con la luminaria sirvió sólo como pretexto para las efusiones líricas del coro. Gracias a la introducción de un segundo actor, fue posible realzar la acción dramática., oponiendo fuerzas en competencia entre sí, y caracterizan a un actor por su reacción a los mensajes o acciones de otro. Sin embargo, Esquilo llegó al uso generalizado de estas posibilidades sólo en período posterior tu creatividad; en sus primeras obras las partes del coro todavía prevalecen sobre el diálogo actores.

Llena de movimientos dramáticos e imágenes vívidas, la Oresteia es también extremadamente rica en contenido ideológico. Esta trilogía es extremadamente importante para comprender la cosmovisión de Esquilo. Poeta de la era del crecimiento de la democracia ateniense, Esquilo está convencido del significado y la bondad del orden mundial. Por boca del coro de Agamenón, polemiza contra la idea de que la felicidad y la infelicidad se alternan mecánicamente en la vida de las personas y proclama la inviolabilidad de la ley de la justa retribución. El sufrimiento le parece una de las herramientas para una gestión justa del mundo: “el conocimiento se adquiere a través del sufrimiento”. Las opiniones políticas de Esquilo también se expresan claramente en la Orestíada. Exalta el Areópago, antigua institución aristocrática, en torno a cuyas funciones se desarrolló la lucha política en estos años, y considera la "anarquía" no menos peligrosa que el despotismo. Esquilo ocupa así Posición conservadora hacia las reformas democráticas., llevada a cabo por el grupo de Pericles, pero su conservadurismo también se dirige contra aquellos lados de la democracia ateniense que son su reverso. El poder del dinero, el trato inhumano a los esclavos, las guerras de conquista: todo esto encuentra la condena incondicional del artista, cuya dura cosmovisión se basa en una profunda simpatía por el sufrimiento humano. Las tragedias supervivientes nos permiten esbozar tres etapas en la obra de Esquilo, que al mismo tiempo son etapas en la formación de la tragedia como género dramático. Las primeras obras (“Suplicantes”, “Persas”) se caracterizan por un predominio de partes corales, poco uso de un segundo actor, pobre desarrollo del diálogo e imágenes abstractas. El período medio incluye obras como "Siete contra Tebas" y "Prometeo atado". Aquí aparece una imagen central del héroe, caracterizada por varios rasgos principales; el diálogo se desarrolla, se crean prólogos; Las imágenes de figuras episódicas (“Prometeo”) también se vuelven más claras. La tercera etapa está representada por la Orestíada, con su composición más compleja, dramatismo creciente, numerosos personajes secundarios y el uso de tres actores.

Muchas de las técnicas de Esquilo, incluso poco después de su muerte, parecían arcaicas y poco dramáticas; Estos incluyen, por ejemplo, dolor silencioso, silencio prolongado de los personajes. Así, Prometeo guarda silencio cuando está encadenado; Casandra también guarda silencio durante mucho tiempo en "Agamenón", a pesar de los discursos que se le dirigen: como ejemplo más sorprendente, las fuentes antiguas citan la tragedia "Niobe", cuya heroína permaneció inmóvil y en silencio ante la tumba de sus hijos durante una parte importante de la acción. El arte de dirigir un diálogo dramático todavía está en proceso de formación en Esquilo, desarrollándose de un drama a otro, y el lirismo sigue siendo uno de los medios más importantes de influencia artística. El coro que predominó en “Los Suplicantes” y “Los Persas” juega un papel importante en tragedias posteriores, como portador del estado de ánimo(“Agamenón”, “Choephori”) y, a veces, como personaje (“Euménides”).

El poder emocional de la tragedia de Esquilo también se ve respaldado por el poderoso patetismo de su lenguaje, que se caracteriza por cierta solemnidad y majestuosidad, especialmente en las partes líricas, que, unidas a un escaso dinamismo, ya a finales del siglo V. Parecía algo arcaico. La antigüedad tardía recurrió a Esquilo con menos frecuencia que a Sófocles y Eurípides; A Esquilo se leía menos y se le citaba menos. Lo mismo sucedió en los siglos XVI al XVIII. El impacto de Esquilo en la literatura mundial fue mucho mayor en mayor medida indirecta, a través de los antiguos sucesores de Esquilo, que directa. De las imágenes creadas por Esquilo, Prometeo fue la más importante, pero no todos los autores que desarrollaron el mito de Prometeo recurrieron a Esquilo. El poder y la grandeza de las tragedias de Esquilo no recibieron la debida apreciación hasta finales del siglo XVIII; Sin embargo, los investigadores burgueses todavía distorsionan la imagen del fundador de la tragedia, enfatizando el lado exclusivamente conservador, religioso y mitológico de su obra e ignorando su esencia profundamente progresista.

Pregunta #14. “Idilio” de Teócrito y “Bucólicas” de Virgilio.

El creador del idilio fue un poeta. Teócrito (Teócrito) poeta del siglo III. ANTES DE CRISTO mi. El término idilio significa, según una interpretación, "cuadro", y según otra, más plausible, "canción". Así se llamaba en la antigüedad a los pequeños poemas que no encajaban en ninguno de los géneros habituales.

Escribió idilios bucólicos: canciones de pastores. El género bucólico tenía su base en el folclore griego. Fuentes antiguas informan sobre las canciones de los pastores tocando la flauta, sus competiciones rituales durante la "limpieza" de rebaños y prados, así como en las fiestas de la "dueña de las bestias" Artemisa. La competencia en los cantos de los pastores ("bucoliasmo"), tal como se presenta en los poemas de Teócrito, tiene una estructura típica que se parece mucho a las escenas de "contienda" de la antigua comedia ática. Dos pastores se encuentran y comienzan una pelea, que termina en un desafío a un concurso de canto; Se elige un juez, éste determina el orden de la competición y al final pronuncia su veredicto. La competición en sí consiste en que los competidores interpreten secuencialmente una canción larga y coherente o intercambien canciones cortas, que deben tener un tema similar y ser idénticas en tamaño.

Teócrito contra la civilización urbana. Te acerca a lo natural. Sus idilios son escenas con botas que compiten en canciones (normalmente canciones de amor). Teócrito los trata con ironía: es un residente de la ciudad, no pobre, y juega con el lector. Intercalado con el estilo sentimental, a menudo dentro del mismo poema, hay un estilo irónico, a veces incluso paródico, con esbozos de supersticiones y rasgos cotidianos.

IDILO I tirsis

"Tyrsis" es un ejemplo típico de idilio pastoral rural, en el que

Se inserta un hermoso canto pastoril sobre la muerte del mítico pastor Dafnis. A continuación se muestra un ejemplo del diseño literario de una canción popular de pastor como género. Un pastor con un cabrero. La pastora Tirsis le dice al cabrero que canta bien. El cabrero dice que tiene una copa muy bonita y le pide que cante. Regala una taza por una canción.

Aparece un paisaje conmovedor que tiene una gran influencia en toda la literatura posterior. Teócrito siempre tiene un clima maravilloso. El anhelo del amor solitario es un área en la que Teócrito es un maestro en representar.

IDILO XV Siracusanos o mujeres en el festival de Adonis

Ante nosotros hay una escena vívida de la vida real; Teócrito muestra una gran habilidad en este género. El escenario es Alejandría, en Egipto; Los personajes son dos chismosos conversadores de la ciudad. Dos mujeres provinciales (de Sicilia) asistieron a la fiesta, rodeadas de una multitud de espectadores, soldados y caballería. Se dirigen al palacio donde actúa el cantante. Después de un himno exquisitamente solemne al rey Ptolomeo, llega un final cotidiano: una de las amigas recuerda que su marido gruñón aún no ha desayunado y es hora de volver a casa.

IDILO XI Cíclope

El erotismo recorre como un hilo rojo toda la obra de Teócrito. El amor es una enfermedad;

La mejor cura para ello es derramar tu pasión en una canción. En este idilio, Teócrito, de acuerdo con el género principal de su poesía, pone tal canción de amor en boca del mítico pastor cíclope Polifemo. Este pastor gigante tuerto es extremadamente cómico y expresa su amor por la ninfa Galatea.

invitándola a chamuscarlo si le parece demasiado peludo, y dispuesta a dar incluso su único ojo por el bien de su amada. (70 – 19 Publio Virgilio Maro

) esencialmente escribe sus tres poemas por orden de Augusto. Los “bucólicos” son poemas de pastores, los “geórgicos” son poemas agrícolas. La Eneida es una epopeya heroica. Lo que los une a todos es una idea diferente de la griega: Virgilio renunció al pasado y pidió un renacimiento en el futuro.

1. "Bucólicos"

2. poesía del pastor incluye 10 poemas -

3. églogas

4. El pasado siempre es feliz, el presente es triste.

fuentes – poesía idílica de Teócrito, casi un recuento

1. Diferencias con Teócrito: Los héroes llevan máscaras convencionales de pastores, pero en realidad son poetas educados. Teócrito enfatizó la aspereza externa y un cierto primitivismo. mundo espiritual

2. sus héroes y describió con entusiasmo los detalles cotidianos de la vida rural. Virgilio crea en sus "Bucólicas" un mundo ideal habitado por personas moralmente puras y al mismo tiempo sensibles y poéticamente dotadas, que visten, en esencia, sólo máscaras de pastores.

3. El mundo natural no es sólo un fondo, está lleno de vida misteriosa.

4. Las imágenes son ambiguas, como en la poesía helenística.

Composición discordante: las églogas resuenan en pares

Pregunta # "Bucólicos", compilado durante uno de los momentos más agudos de la guerra civil, marcó un escape de la realidad a un mundo ideal.

15. Epopeya didáctica de Hesíodo.

La comunidad de clanes se estaba desintegrando rápidamente, y si Homero fue la víspera de la sociedad de clases, Hesíodo ya refleja la orientación del hombre dentro de la sociedad de clases. El didactismo de sus obras fue provocado por las necesidades de la época, el fin de la era épica, cuando los ideales heroicos se secaron en su brillante espontaneidad y se convirtieron en enseñanza, instrucción y moralidad. En una sociedad de clases, las personas estaban unidas por una u otra actitud hacia el trabajo. La gente pensaba en sus ideales, pero... Si bien las relaciones puramente comerciales e industriales aún no habían madurado y las antiguas relaciones domésticas aún no habían muerto, la conciencia de la gente convirtió estas últimas en moralidad, un sistema de enseñanzas e instrucciones. La sociedad de clases dividió a las personas en ricos y pobres. Hesíodo es el cantante de una población arruinada que no se beneficia del colapso de la antigua comunidad. De ahí la abundancia de colores oscuros.

“Trabajos y días” fue escrito como una instrucción para el hermano Persa, quien, a través de jueces injustos, le quitó a Hesíodo la tierra que le pertenecía, pero luego quebró. El poema es un ejemplo de epopeya didáctica y desarrolla varios temas. primer tema construido sobre la predicación de la verdad, con episodios insertados sobre Prometeo y el mito de los cinco siglos. El segundo está dedicado. trabajo de campo, implementos agrícolas, ganado, ropa, alimentos y otros atributos del hogar. El poema está salpicado de diversas instrucciones que pintan la imagen de un campesino que sabe cómo y cuándo puede arreglar sus asuntos de manera rentable, que es astuto, previsor y prudente. Hesíodo también quiere ser rico, porque... "Los ojos de los ricos son audaces". La moral de Hesíodo siempre se reduce a las autoridades divinas y no va más allá de la organización de los asuntos económicos. Hesíodo es muy conservador y muy estrecho en su horizonte mental. El estilo de Hesíodo es lo opuesto al lujo, la verbosidad y la amplitud de la epopeya homérica. Llama la atención por su sequedad y brevedad. En general, el estilo es épico con todas sus características distintivas (hexámetro, expresiones estándar, dialecto jónico). Pero la epopeya no es heroica, sino didáctica, la suave narración épica se ve interrumpida por el drama de episodios mitológicos desconocidos para Homero, y el lenguaje está repleto de expresiones comunes, fórmulas tradicionales de oráculos y moralidad bastante prosaica. El moralismo es tan fuerte e intenso que produce una impresión muy aburrida y monótona. Pero Hesíodo es observador y a veces dibuja cuadros muy vívidos de la vida antigua. También tiene los rasgos de cierta poesía, pero la poesía está llena de instrucciones morales y económicas.

Usando el ejemplo de su trabajo, se pueden observar cambios y contradicciones sociales. Los poemas de Hesíodo sorprenden por la abundancia de contradicciones de diversa índole, que, sin embargo, no nos impiden percibir su epopeya como un todo orgánico. Después de la llegada del sistema esclavista, Hesíodo, por un lado, es un hombre pobre, por el otro, sus ideales están asociados con el enriquecimiento, ya sea en el sentido antiguo o en el nuevo. Su valoración de la vida está llena de pesimismo, pero al mismo tiempo de optimismo laboral, esperanzas de que gracias a la actividad constante llegará una vida feliz. La naturaleza para él es ante todo una fuente de beneficios, pero Hesíodo es un gran amante de sus bellezas. En general, Hesíodo fue el primer poeta históricamente real de la antigua Grecia, lo que refleja la era turbulenta del colapso de la comunidad tribal.

Pregunta # 16. Fábulas de Fedro. Esopo y Fedro.

Aparte de las tendencias literarias de la élite, tuvieron lugar las actividades del fabulista Fedro, esclavo y luego liberto del emperador Augusto. Originario de la provincia de Macedonia, mitad griego, Fedro entró en contacto con la cultura romana y la lengua latina desde pequeño. Desde los años 20. Siglo I, publica cinco colecciones de Fábulas de Esopo. Como género independiente, la fábula no había estado representada en la literatura romana hasta ese momento, aunque los escritores (especialmente los satíricos) a veces introducían tramas de fábula en su presentación (las obras del poeta Horacio, el historiador Plutarco y el ya familiar "maestro de la literatura"). el género coloquial” Dion Crisóstomo, el satírico, están repletos de fábulas (Luciano, Josefo, Apio y Eliano, Aquiles Tacio). Sin embargo, el término “fábula” no debe entenderse en un sentido demasiado restringido; Fedro incluye en sus colecciones no sólo "fábulas", sino también entretenidas historias anecdóticas.

Las fábulas griegas aparecieron bajo el nombre "Esopo" (el idioma en el que se escribieron las fábulas de la colección de Esopo es el idioma hablado habitual de los griegos de los siglos I-II d.C.), pero al compilador no le importaban las habilidades literarias: pensó sólo de sencillez, claridad y accesibilidad pública), quien al mismo tiempo fue héroe de numerosos chistes; Fedro traduce este material en verso latino. Al principio se limita a tramas prestadas, pero luego intenta pasar a la creatividad original. El título "Fábulas de Esopo", según explica el autor, en libros posteriores sirve sólo como una característica del género y no como una indicación de que las tramas pertenezcan a Esopo. La forma en verso de las fábulas de Fedro es la antigua métrica yámbica del drama republicano, algo desviada del tipo griego y ya en desuso en la literatura "alta", pero familiar para el visitante masivo del teatro romano.

Fedro es un poeta plebeyo. Al elegir el género “Esopo”, es consciente de su carácter “popular”. Fedro cree que la fábula fue creada por esclavos que no se atrevían a expresar libremente sus sentimientos y encontró para ellos una forma alegórica de invención lúdica. El elemento de sátira social se nota especialmente en las dos primeras colecciones, en las que predomina el tipo tradicional de fábula de animales. La elección de las tramas (aunque tradicionales), la naturaleza de su tratamiento, la formulación de la enseñanza moral: todo indica la dirección de la fábula de Fedro contra los "fuertes".

El primer libro comienza con "El lobo y el cordero". La cooperación con los “fuertes” es imposible (“vaca, cabra, oveja y león”). Los desacuerdos entre los “fuertes” traen nuevo sufrimiento a los “bajos” (“Ranas asustadas por la lidia de toros”). El único consuelo es que el poder y la riqueza a menudo conducen a más peligros que la pobreza (“Dos mulas y ladrones”). Fedro no cree en mejorar la situación de los pobres; cuando cambian los líderes del gobierno, “los pobres no cambian nada excepto el nombre del amo” (“El burro al viejo pastor”). Esto ya es una fábula con tintes políticos. Fedro también da una interpretación política a la fábula de “Las ranas pidiendo rey”; se refiere, es cierto, a la tiranía de Peisistratus en Atenas, pero está redactado en términos que son mucho más aplicables a la pérdida de la libertad republicana en Roma. La fábula finaliza con un llamado a la humildad: “ciudadanos, soportad este mal para que no suceda algo peor”. En algunos de los poemas, los contemporáneos probablemente pudieron discernir alusiones de actualidad, aunque el poeta asegura que su sátira no está dirigida contra individuos. Por ejemplo: Helios (Sol) quiere casarse; las ranas gritan: “Ya está secando todos los pantanos, ¿qué pasará cuando dé a luz niños?”

Después de la publicación de las dos primeras colecciones, el autor sufrió por su valentía: fue víctima de la persecución de Sejano, un servidor temporal del emperador Tiberio, y se encontró en una situación difícil. En sus próximos libros busca el patrocinio de libertos influyentes. La sátira se vuelve mucho más inocente. "Hacer un chillido en público es un crimen para un plebeyo", cita Fedro a Ennio. Cada vez más, aparecen fábulas de tipo abstracto, anécdotas: historias históricas de la vida moderna, cuentos cotidianos, como la trama de la "viuda inconsolable" ("La matrona de Éfeso" de Petronio), aretalogías, incluso poemas sin fábulas descriptivos o Contenido instructivo, y el autor muestra una gran tendencia a la moralización filosófica popular.

Fedro se atribuye el mérito de la "brevedad". Su narración no se detiene en detalles y va acompañada únicamente de explicaciones lacónicas de carácter moral y psicológico. Los personajes se expresan en fórmulas concisas y claras. El lenguaje es simple y limpio. El resultado sigue siendo cierta sequedad y, a veces, una especificidad insuficiente de la presentación. La moraleja no siempre se desprende de la historia. Los contemporáneos ya reprochaban al fabulista su “excesiva brevedad y oscuridad”; el delicado autor polemiza duramente con estas "personas envidiosas" y inclinado a valorar mucho sus méritos literarios como creador de un nuevo género de poesía romana.

La “gloria” que esperaba Fedro no llegó pronto. La literatura de élite lo ignoró. Séneca en los años 40 también llama a la fábula “un género no probado por los talentos romanos”; O no conoce a Fedra o no lo reconoce. En la antigüedad tardía, las fábulas de Fedro, presentadas en prosa, se incluyeron en la colección de fábulas (las llamadas "Rómulo"), que durante muchos siglos sirvieron para enseñanza y fue una de las fuentes más importantes de fábulas medievales. El verdadero Fedro no se hizo ampliamente conocido hasta finales del siglo XVI. Tanto el Fedro original como el revisado fueron un vínculo intermedio entre el “Esopo” griego y la fábula europea moderna. Tramas tan conocidas como "El lobo y el cordero", "Las ranas preguntando por el zar", "El cuervo y el zorro", "El lobo y la grulla", "La rana y el buey", "El gallo y el grano de perlas" y muchas otras. Encontró en la literatura rusa una expresión poética clásica de Krylov, tomada por él del fabulista francés La Fontaine, quien utilizó directamente la colección de Fedro.

Nota: En la literatura griega, la autoría de varias fábulas ya se atribuye a Hesíodo (ca. 800 a. C.) y Estesacor (siglo VI a. C.), pero el fabulista más famoso es Esopo, de origen frigio; sus fábulas (todas contadas en prosa) se distinguen por su extraordinaria claridad, claridad, sencillez, tranquilidad e ingenio, por lo que no es de extrañar que muy pronto se hayan extendido ampliamente por todo el entonces mundo civilizado y hayan sido reelaboradas durante muchos siglos hasta nuestros días. y ahora están en modificaciones y las traducciones constituyen propiedad de toda literatura, aunque sea muy poco desarrollada.

Ejemplos de fábulas (creo que te serán útiles):

Esopo (aquí http://lib.ru/POEEAST/EZOP/aesop.txt - más).

Comadreja y Afrodita

Weasel se enamoró de un apuesto joven y le rezó a Afrodita para que la convirtiera en mujer. La diosa se apiadó de su sufrimiento y la transformó en una hermosa niña. Y el joven se enamoró tanto de ella de un vistazo que inmediatamente la llevó a su casa. Y así, cuando estaban en el dormitorio, Afrodita quiso saber si la caricia, junto con su cuerpo, había cambiado su carácter, y dejó entrar un ratón en medio de la habitación. Entonces la comadreja, olvidando dónde estaba y quién era, salió corriendo de la cama hacia el ratón para devorarlo. La diosa se enojó con ella y nuevamente la devolvió a su apariencia anterior.

Del mismo modo, las personas que son malas por naturaleza, por mucho que cambien su apariencia, no pueden cambiar su carácter.

Un hombre de pelo gris y sus amantes.

El hombre de pelo gris tenía dos amantes, una joven y la otra vieja.

La anciana se avergonzaba de vivir con un hombre más joven que ella, y por eso cada vez

Él se acercó a ella y ella le arrancó el pelo negro. Y la joven quería

para ocultar que su amante era un anciano, y le arrancó las canas. Así se arrancaron

fueron uno tras otro, y al final quedó calvo.

Por tanto, la desigualdad es perjudicial en todas partes.

Fedro (más aquí: http://grigam.narod.ru/verseth/vers1/vers19.htm)

Prólogo

Esopo eligió el tema de las fábulas y lo pulí con versos en hexámetros. El libro tiene un doble beneficio: provoca risas y enseña a vivir con consejos sensatos. Y si me reprochan que aquí no sólo hablan los animales, sino también los árboles, que lo recuerden: todo esto es una fantasía divertida.

Los conceptos de “género”, tipo”, “género”

Un género literario es una serie de obras literarias que son similares en el tipo de organización del habla y enfoque cognitivo sobre un objeto o sujeto, o el acto de expresión artística en sí.

La división de la literatura en géneros se basa en la distinción de las funciones de la palabra: la palabra representa el mundo objetivo, expresa el estado del hablante o reproduce el proceso. comunicación verbal.

Tradicionalmente se distinguen tres tipos literarios, cada uno de los cuales corresponde a una función específica de la palabra:
épico (función visual);
letras (función expresiva);
drama (función comunicativa).

Objetivo:
La representación de la personalidad humana es objetiva, en interacción con otras personas y acontecimientos.
Artículo:
mundo exterior en su volumen plástico, extensión espacio-temporal e intensidad del acontecimiento: personajes, circunstancias, entorno social y natural en el que interactúan los personajes.
Contenido:
El contenido objetivo de la realidad en sus aspectos materiales y espirituales, presentado en personajes y circunstancias artísticamente tipificados por el autor.
El texto tiene una estructura predominantemente descriptiva-narrativa; El sistema de detalles visuales del objeto juega un papel especial.

Objetivo:
Expresión de pensamientos y sentimientos del autor-poeta.
Artículo:
El mundo interior del individuo en su impulsividad y espontaneidad, la formación y cambio de impresiones, sueños, estados de ánimo, asociaciones, meditaciones, reflexiones provocadas por la interacción con el mundo exterior.
Contenido:
El mundo interior subjetivo del poeta y la vida espiritual de la humanidad.
Características de la organización artística. discursos:
El texto se caracteriza por una mayor expresividad; un papel especial lo juegan las capacidades figurativas del lenguaje, su organización rítmica y sonora.

Objetivo:
Una representación de la personalidad humana en acción, en conflicto con otras personas.
Artículo:
El mundo exterior, presentado a través de los personajes y las acciones decididas de los personajes, y el mundo interior de los héroes.
Contenido:
El contenido objetivo de la realidad, presentado en personajes y circunstancias artísticamente tipificados por el autor y que presuponen una encarnación escénica.
Características de la organización artística. discursos:
El texto tiene una estructura predominantemente dialógica, que incluye monólogos de los personajes.
Tipo literario - tipo estable estructura poética dentro del género literario.

Género es un grupo de obras dentro de un tipo literario, unidas por características formales, de contenido o funcionales comunes. Cada época y movimiento literario tiene su propio sistema específico de géneros.

Épica: tipos y géneros.

Formas grandes:
Épico;
Novela (Géneros de novela: Familiar-doméstica, Social-psicológica, Filosófica, Histórica, Fantástica, Novela utópica, Novela educativa, Novela romántica, Novela de aventuras, Novela de viajes, Lírico-épica (novela en verso))
Novela épica;
Poema épico.

Formas medias:
Cuento (géneros de cuento: familiar, sociopsicológico, filosófico, histórico, fantástico, cuento de hadas, aventuras, cuento en verso);
Poema (géneros de poemas: épico, heroico, lírico, lírico-épico, dramático, irónico-cómico, didáctico, satírico, burlesco, lírico-dramático (romántico));

Pequeñas formas:
Cuento (géneros narrativos: Ensayo (descriptivo-narrativo, “moral-descriptivo”), Novelístico (conflicto-narrativo);
Novela;
Cuento de hadas (géneros de cuentos de hadas: mágico, social, satírico, sociopolítico, lírico, fantástico, animal, científico y educativo);
Fábula;
Ensayo (géneros de ensayo: Ficción, Periodístico, Documental).

Una epopeya es una obra épica de forma monumental sobre cuestiones nacionales.

Una novela es una gran forma de epopeya, una obra con una trama detallada, en la que la narración se centra en los destinos de varios individuos en el proceso de su formación, desarrollo e interacción, desplegada en un espacio y tiempo artístico suficiente para transmitir la “organización” del mundo y analizar su esencia histórica. Como epopeya de la vida privada, la novela representa individual y vida social como elementos relativamente independientes, no exhaustivos y que no se absorben entre sí. La historia del destino individual en la novela adquiere un significado general y sustancial.

Una historia es la forma intermedia de una epopeya, una obra con una trama crónica, por regla general, en la que la narrativa se centra en el destino de un individuo en el proceso de su formación y desarrollo.

Poema: una obra poética de tamaño grande o mediano con una trama narrativa o lírica; en diferentes modificaciones de género revela su carácter sintético, combinando principios morales descriptivos y heroicos, experiencias íntimas y grandes convulsiones históricas, tendencias lírico-épicas y monumentales.

Una historia corta es una pequeña forma épica de ficción, pequeña en términos del volumen de fenómenos de la vida representados y, por tanto, en términos del volumen de texto, una obra en prosa.

Un cuento es un pequeño género en prosa comparable en volumen a un cuento, pero se diferencia de él por su aguda trama centrípeta, a menudo paradójica, su falta de descriptividad y rigor compositivo.

Un cuento de hadas literario es la prosa artística o la obra poética de un autor, basada en fuentes folclóricas o puramente original; La obra es predominantemente fantástica, mágica y representa maravillosas aventuras de personajes ficticios o de cuentos de hadas tradicionales, en las que la magia, el milagro desempeña el papel de factor formador de la trama y sirve como principal punto de partida para caracterizar a los personajes.

La fábula es una pequeña forma de epopeya de carácter didáctico, cuento corto en verso o prosa con una conclusión moral expresada directamente, dando a la historia un significado alegórico. La existencia de la fábula es universal: es aplicable a diferentes ocasiones. Mundo del arte Las fábulas incluyen una gama tradicional de imágenes y motivos (animales, plantas, figuras esquemáticas de personas, tramas instructivas), a menudo coloreadas con tonos de comedia y crítica social.

Un ensayo es un tipo de pequeña forma de literatura épica, que se diferencia de un cuento y un cuento por la ausencia de un conflicto único y de rápida resolución y el mayor desarrollo de una imagen descriptiva. El ensayo no aborda tanto los problemas del desarrollo del carácter de un individuo en sus conflictos con el entorno social establecido, sino más bien los problemas del estado civil y moral del "medio ambiente" y tiene una gran diversidad cognitiva.

Letras: grupos temáticos y géneros.

Grupos temáticos:
Letras meditativas
letras íntimas
(amigable y letras de amor)
Letras de paisaje
Letras civiles (sociopolíticas)
Letras filosóficas

Géneros:
Oda
Himno
Elegía
Idilio
Soneto
Canción
romance
Ditirambo
Madrigal
Pensamiento
Mensaje
Epigrama
Balada

La oda es el género líder del alto estilo, característico principalmente de la poesía del clasicismo. La oda se distingue por temas canónicos (glorificación de Dios, la patria, sabiduría de vida, etc.), técnicas (ataque “tranquilo” o “rápido”, presencia de digresiones, “desorden lírico permitido”) y tipos (odas espirituales, solemnes odas - "pindáricas", moralizantes - "horatianas", amor - "anacreónticas").

El himno es un canto solemne basado en versos programáticos.

La elegía es un género de poesía lírica, un poema de extensión media, de contenido meditativo o emocional (generalmente triste), generalmente en primera persona, sin una composición definida”.

Idilio es un género de poesía lírica, una pequeña obra que representa una naturaleza eternamente bella, a veces en contraste con una persona inquieta y viciosa, una vida pacífica y virtuosa en el seno de la naturaleza, etc.

Un soneto es un poema de 14 versos que forman 2 cuartetos y 2 tercetos o 3 cuartetos y 1 copla. Se conocen los siguientes tipos de sonetos:
Soneto “francés” - abba abba ccd eed (o ccd ede);
Soneto “italiano” - abab abab cdc dcd (o cde cde);
“Soneto inglés” - abab cdcd efef gg.

La Corona de Sonetos es un ciclo de 14 sonetos, en el que el primer verso de cada uno repite el último verso del anterior (formando una “guirnalda”), y juntos estos primeros versos forman el decimoquinto soneto “principal” (formando un glosa).

Romance es un poema corto escrito para canto solista con acompañamiento instrumental, cuyo texto se caracteriza por una melodía melodiosa, sencillez y armonía sintáctica, integridad de la oración dentro de los límites de la estrofa.

El ditirambo es un género de poesía lírica antigua que surgió como un canto coral, un himno en honor al dios Dioniso o Baco, y más tarde en honor a otros dioses y héroes.

Madrigal es un poema corto de contenido predominantemente amoroso y elogioso (menos a menudo abstracto y meditativo), generalmente con una agudización paradójica al final.

Duma es una canción lírico-épica, cuyo estilo se caracteriza por imágenes simbólicas, paralelismos negativos, retraso, frases tautológicas y unidad de mando.

Una epístola es un género de lirismo, una carta poética, cuyo signo formal es la presencia de un llamamiento a un destinatario concreto y, en consecuencia, motivos como peticiones, deseos, exhortaciones, etc. El contenido del mensaje según la tradición. (de Horacio) es principalmente moral, filosófico y didáctico, pero había numerosos mensajes: narrativos, panegíricos, satíricos, amorosos, etc.

Un epigrama es un poema satírico breve, generalmente con una punta afilada al final.

Una balada es un poema con un desarrollo dramático de la trama, que se basa en una historia extraordinaria que refleja los momentos esenciales de las interacciones entre una persona y la sociedad o las relaciones interpersonales. Características baladas: volumen pequeño, trama intensa, generalmente llena de tragedia y misterio, narración abrupta, diálogo dramático, melodía y musicalidad.

Síntesis de letras con otros tipos de literatura.

Géneros (tipos) lírico-épicos: obras literarias y artísticas que combinan las características de la poesía épica y lírica; en ellos la narración argumental de los acontecimientos se combina con declaraciones emocionales y meditativas del narrador, creando una imagen del “yo” lírico. La conexión entre los dos principios puede actuar como unidad del tema, como autorreflexión del narrador, como motivación psicológica y cotidiana de la historia, como participación directa del autor en el desarrollo de la trama, como exposición del autor de sus propias técnicas. , convirtiéndose en un elemento del concepto artístico. Composicionalmente, esta conexión a menudo se formaliza en forma de digresiones líricas.

poema en prosa - obra lírica en forma de prosa, que posee características de un poema lírico como un volumen pequeño, mayor emotividad, generalmente una composición sin trama y un enfoque general en la expresión de una impresión o experiencia subjetiva.

héroe lírico- la imagen de un poeta en la letra, una de las formas de revelar la conciencia del autor. Un héroe lírico es un "doble" artístico del autor-poeta, que surge del texto de las composiciones líricas (un ciclo, un libro de poemas, un poema lírico, todo el cuerpo de la letra) como una figura o papel de vida claramente definido. , como una persona dotada de la certeza del destino individual, claridad psicológica del mundo interior y, en ocasiones, de rasgos de apariencia plástica.

Formas de expresión lírica:
monólogo en primera persona (A.S. Pushkin - “Te amaba...”);
letras de juegos de rol: un monólogo en nombre del personaje introducido en el texto (A.A. Blok - “Soy Hamlet, / La sangre se enfría...”);
expresión de los sentimientos y pensamientos del autor a través de la imagen del objeto (A.A. Fet - “El lago se quedó dormido...”);
expresión de los sentimientos y pensamientos del autor a través de reflexiones en las que las imágenes objetivas juegan un papel subordinado o son fundamentalmente condicionales (A.S. Pushkin - “Echo”);
expresión de los sentimientos y pensamientos del autor a través del diálogo de héroes convencionales (F. Villon - “La disputa entre Villon y su alma”);
dirigirse a una persona no identificada (F.I. Tyutchev - "Silentium");
trama (M.Yu. Lermontov - "Tres palmas").

Tragedia - "Tragedia del rock", "Gran tragedia";
Comedia - Comedia de personajes, Comedia de la vida cotidiana (moraleja), Comedia de situaciones, Comedia de máscaras (commedia del’arte), Comedia de intriga, Comedia-slapstick, Comedia lírica, Comedia satírica, Comedia social, “Alta comedia”;
Drama (tipo): “drama pittiano”, drama psicológico, drama lírico, drama narrativo (épico);
Tragicomedia;
Misterio;
Melodrama;
Vodevil;
Farsa.

La tragedia es un tipo de drama basado en el conflicto insoluble de personajes heroicos con el mundo y su trágico desenlace. La tragedia está marcada por una severa seriedad, describe la realidad de la manera más nítida, como un coágulo de contradicciones internas, revela los conflictos más profundos de la realidad en una forma extremadamente intensa y rica que adquiere significado. símbolo artístico.

La comedia es un tipo de drama en el que los personajes, situaciones y acciones se presentan de forma divertida o imbuidas de lo cómico. La comedia tiene como objetivo principal ridiculizar a los feos (contrariamente a un ideal o norma social): los héroes de la comedia están internamente en bancarrota, incongruentes, no corresponden a su posición, propósito y, por lo tanto, son sacrificados a la risa, lo que los desacredita, por lo tanto cumpliendo su misión “ideal”.

El drama (tipo) es uno de los principales tipos de drama como género literario, junto con la tragedia y la comedia. Al igual que la comedia, reproduce principalmente la vida privada de las personas, pero su principal objetivo no es ridiculizar la moral, sino representar al individuo en su dramática relación con la sociedad. Al igual que la tragedia, el drama tiende a recrear contradicciones agudas; al mismo tiempo, sus conflictos no son tan intensos e ineludibles y, en principio, permiten la posibilidad de una resolución exitosa, y los personajes no son tan excepcionales.

La tragicomedia es un tipo de drama que tiene características tanto de tragedia como de comedia. La actitud tragicómica que subyace a la tragicomedia está asociada con un sentido de relatividad de los criterios de vida existentes y el rechazo del absoluto moral de la comedia y la tragedia. La tragicomedia no reconoce en absoluto lo absoluto; lo subjetivo aquí puede considerarse objetivo y viceversa; un sentido de relatividad puede conducir a un relativismo total; la sobreestimación de los principios morales puede conducir a la incertidumbre en su omnipotencia o al rechazo final de una moral sólida; una comprensión poco clara de la realidad puede provocar un interés ardiente en ella o una total indiferencia, puede dar lugar a una menor certeza en la manifestación de las leyes de la existencia o a una indiferencia hacia ellas e incluso a su negación, hasta el reconocimiento de la falta de lógica del mundo.

El misterio es un género del teatro de Europa occidental de finales de la Edad Media, cuyo contenido era historias bíblicas; Las escenas religiosas se alternaban con interludios, el misticismo se combinaba con el realismo, la piedad con la blasfemia.

El melodrama es un tipo de drama, una obra de intriga aguda, emotividad exagerada, un marcado contraste entre el bien y el mal y una tendencia moral e instructiva.

El vodevil es un tipo de drama, una obra ligera con intriga entretenida, con coplas y bailes.

Farsa - ver teatro folklórico y la literatura de los países de Europa occidental de los siglos XIV-XVI, principalmente Francia, que se distinguía por una orientación cómica, a menudo satírica, una concreción realista, un librepensamiento y estaba llena de bufonadas.