Quel est le mérite d'A.N. Ostrovski ? Pourquoi, selon I.A. Gontcharov, ce n'est qu'après Ostrovsky que nous avons pu dire que nous avons notre propre russe. théâtre national? (Se référer à l'épigraphe de la leçon)
Oui, il y avait « Le Mineur », « Malheur de l'esprit », « L'Inspecteur général », il y avait des pièces de Tourgueniev, A.K. Tolstoï, Sukhovo-Kobylin, mais il n'y en avait pas assez ! La plupart du répertoire des théâtres était constitué de vaudevilles vides et de mélodrames traduits. Avec l'avènement d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky, qui consacra tout son talent exclusivement au théâtre, le répertoire des théâtres changea qualitativement. Lui seul a écrit autant de pièces de théâtre que tous les classiques russes réunis : une cinquantaine ! Chaque saison depuis plus de trente ans, les théâtres reçoivent nouvelle pièce, voire deux ! Maintenant, il y avait quelque chose à jouer !
Survenu nouvelle école jeu d'acteur, nouvelle esthétique théâtrale, le Théâtre Ostrovsky est apparu, qui est devenu la propriété de toute la culture russe !
Qu’est-ce qui a déterminé l’attention d’Ostrovsky pour le théâtre ? Le dramaturge lui-même a répondu à cette question ainsi : « La poésie dramatique est plus proche du peuple que toutes les autres branches de la littérature. Toutes les autres œuvres sont écrites pour des gens instruits, mais les drames et les comédies sont écrits pour le peuple tout entier... » Écrire pour le peuple, éveiller sa conscience, façonner son goût est une tâche responsable. Et Ostrovsky l'a prise au sérieux. Sinon théâtre exemplaire, le grand public peut confondre les opérettes et les mélodrames, qui irritent la curiosité et la sensibilité, avec du véritable art.
Notons donc les principales prestations de A.N Ostrovsky au théâtre russe.
1) Ostrovsky a créé le répertoire théâtral. Il a écrit 47 pièces originales et 7 pièces en collaboration avec de jeunes auteurs. Vingt pièces ont été traduites par Ostrovsky de l'italien, de l'anglais et du français.
2) Non moins importante est la diversité des genres de sa dramaturgie : ce sont des « scènes et images » de la vie moscovite, des chroniques dramatiques, des drames, des comédies, le conte de fées printanier « La Fille des neiges ».
3) Dans ses pièces, le dramaturge a représenté diverses classes, personnages, professions, il a créé 547 personnages, du roi au serviteur de taverne, avec leurs caractères inhérents, leurs habitudes et leur discours unique.
4) Les pièces d’Ostrovsky couvrent un vaste période historique: du XVII au XΙX siècles.
5) Les pièces se déroulent dans domaines des propriétaires fonciers, dans les auberges et sur les rives de la Volga. Sur les boulevards et dans les rues des chefs-lieux.
6) Les héros d'Ostrovsky - et c'est l'essentiel - sont des personnages vivants avec leurs propres caractéristiques, leurs manières, avec leur propre destin, avec un langage vivant propre à ce héros.
Un siècle et demi s'est écoulé depuis la création de la première pièce (janvier 1853 ; « Ne montez pas dans votre propre traîneau »), et le nom du dramaturge reste sur les affiches de théâtre ; des représentations sont jouées sur de nombreuses scènes à travers le monde.
L'intérêt pour Ostrovsky est particulièrement aigu dans des temps troublés quand une personne cherche des réponses au plus questions importantes la vie : que nous arrive-t-il ? Pourquoi? comment sommes-nous ? C’est peut-être précisément dans de tels moments qu’une personne manque d’émotions, de passions et d’un sentiment de plénitude de vie. Et nous avons encore besoin de ce qu'Ostrovsky a écrit : « Et un profond soupir pour tout le théâtre, et des larmes chaleureuses non feintes, des discours brûlants qui couleraient directement dans l'âme. »
Le dramaturge n'a presque jamais inclus de politique et problèmes philosophiques, les expressions faciales et les gestes, en jouant les détails de leurs costumes et de leur mobilier. Améliorer effets comiques le dramaturge introduisait généralement dans l'intrigue des personnes mineures - parents, domestiques, parasites, passants aléatoires - et des circonstances fortuites de la vie quotidienne. Tel est, par exemple, la suite de Khlynov et le monsieur à moustache dans "Un cœur chaud", ou Apollon Murzavetsky avec son Tamerlan dans la comédie "Les loups et les moutons", ou l'acteur Schastlivtsev avec Neschastlivtsev et Paratov dans "La Forêt" et « Dot », etc. Le dramaturge a continué à s'efforcer de révéler les personnages des personnages non seulement au cours des événements, mais non moins à travers les particularités de leurs dialogues quotidiens - dialogues « caractéristiques », qu'il maîtrisait esthétiquement dans « Son Peuple ». ….”.
Ainsi, dans la nouvelle période de créativité, Ostrovsky apparaît comme un maître établi, possédant un système complet d'art dramatique. Sa renommée et ses relations sociales et théâtrales ne cessent de croître et de se complexifier. L'abondance des pièces créées au cours de la nouvelle période était le résultat d'une demande toujours croissante pour les pièces d'Ostrovsky de la part des magazines et des théâtres. Au cours de ces années, le dramaturge a non seulement travaillé sans relâche, mais a trouvé la force d'aider les écrivains moins doués et débutants, et parfois de participer activement avec eux à leur travail. Ainsi, dans le cadre d'une collaboration créative avec Ostrovsky, un certain nombre de pièces de théâtre ont été écrites par N. Solovyov (les meilleures d'entre elles sont « Le Mariage de Belugin » et « Savage »), ainsi que par P. Nevezhin.
Promouvoir constamment la production de ses pièces sur les scènes du Maly de Moscou et de Saint-Pétersbourg Théâtres d'Alexandrie, Ostrovsky connaissait bien l'état des affaires théâtrales, qui relevaient principalement de la juridiction de l'appareil bureaucratique d'État, et était amèrement conscient de leurs lacunes flagrantes. Il a constaté qu’il ne représentait pas l’intelligentsia noble et bourgeoise dans ses quêtes idéologiques, comme le faisaient Herzen, Tourgueniev et en partie Gontcharov. Dans ses pièces, il a montré la vie sociale quotidienne des représentants ordinaires des marchands, des bureaucrates et de la noblesse, une vie où les conflits personnels, notamment amoureux, révélaient des conflits d'intérêts familiaux, monétaires et patrimoniaux.
Mais la conscience idéologique et artistique d’Ostrovsky de ces aspects de la vie russe avait une profonde signification historique nationale. A travers les relations quotidiennes de ces personnes qui étaient les maîtres et maîtres de la vie, leur condition sociale générale s'est révélée. Tout comme, selon la remarque pertinente de Tchernychevski, le comportement lâche du jeune libéral, le héros de l'histoire de Tourgueniev « Asya », lors d'un rendez-vous avec une fille était un « symptôme de la maladie » de tout noble libéralisme, sa faiblesse politique, ainsi la tyrannie et la prédation quotidiennes des marchands, des fonctionnaires et des nobles sont apparues comme le symptôme d'un mal plus terrible : leur incapacité totale à donner, au moins d'une manière ou d'une autre, à leurs activités une signification progressiste nationale.
C’était tout à fait naturel et logique avant la réforme. À l’époque, la tyrannie, l’arrogance et la prédation des Voltov, des Vyshnevsky et des Oulanbekov étaient une manifestation du « royaume des ténèbres » du servage, déjà voué à la destruction. Et Dobrolyubov a souligné à juste titre que, même si la comédie d'Ostrovsky « ne peut pas fournir la clé pour expliquer nombre des phénomènes amers qui y sont décrits », elle peut néanmoins « suggérer facilement de nombreuses considérations analogues liées à la vie quotidienne qu'elle ne concerne pas directement ». Et le critique a expliqué cela par le fait que les « types » de tyrans dessinés par Ostrovsky « ne le sont pas. contiennent rarement non seulement des caractéristiques exclusivement marchandes ou bureaucratiques, mais aussi des caractéristiques nationales (c'est-à-dire nationales). En d’autres termes, les pièces d’Ostrovsky des années 1840-1860. a indirectement exposé tous les « royaumes sombres » du système autocratique et serf.
Au cours des décennies qui ont suivi la réforme, la situation a changé. Puis « tout a basculé » et un nouveau système bourgeois de la vie russe a progressivement commencé à « s’établir ». Et la question de savoir comment cela était exactement « adapté » était d’une énorme importance nationale. nouveau système, dans quelle mesure la nouvelle classe dirigeante, la bourgeoisie russe, pourrait participer à la lutte pour la destruction des restes du « royaume des ténèbres » du servage et de l'ensemble du système autocratique de la propriété foncière.
Près d'une vingtaine de nouvelles pièces d'Ostrovsky sur thèmes modernes a donné une réponse clairement négative à cette question fatale. Le dramaturge, comme auparavant, a dépeint le monde des relations privées sociales, domestiques, familiales et patrimoniales. Tout n'était pas clair pour lui sur les tendances générales de leur développement, et sa « lyre » ne faisait parfois pas tout à fait les « bons sons » à cet égard. Mais en général, les pièces d'Ostrovsky contenaient une certaine orientation objective. Ils ont exposé à la fois les vestiges de l’ancien « royaume des ténèbres » du despotisme et le nouveau « royaume des ténèbres » royaume des ténèbres« Prédation bourgeoise, ruée vers l'argent, mort de tous » valeurs morales dans une atmosphère d'achat et de vente générale. Ils ont montré que les hommes d'affaires et les industriels russes ne sont pas capables de prendre conscience des intérêts du développement national, que certains d'entre eux, comme Khlynov et Akhov, ne sont capables que de s'adonner à des plaisirs grossiers, d'autres, comme Knurov et Berkutov. , ne peuvent que subjuguer tout ce qui les entoure avec leurs intérêts prédateurs de « loups », et pour d'autres encore, comme Vasilkov ou Frol Pribytkov, les intérêts du profit ne sont masqués que par la décence extérieure et des exigences culturelles très étroites. Les pièces d'Ostrovsky, outre les plans et les intentions de leur auteur, décrivaient objectivement une certaine perspective de développement national - la perspective de la destruction inévitable de tous les vestiges de l'ancien « royaume des ténèbres » du despotisme autocratique et serf, non seulement sans la participation de la bourgeoisie, non seulement au-dessus de sa tête, mais en même temps que la destruction de son propre « royaume des ténèbres » prédateur
La réalité représentée dans les pièces quotidiennes d'Ostrovsky était une forme de vie dépourvue de contenu progressiste au niveau national et révélait donc facilement une incohérence comique interne. Ostrovsky a consacré son talent dramatique exceptionnel à sa divulgation. S’appuyant sur la tradition des comédies et des récits réalistes de Gogol, en la reconstruisant conformément aux nouvelles exigences esthétiques mises en avant par « école naturelle» des années 1840 et formulé par Belinsky et Herzen, Ostrovsky retrace l'incohérence comique de la vie sociale et quotidienne des couches dirigeantes de la société russe, fouillant dans le « monde des détails », examinant fil à fil le « réseau des relations quotidiennes ». » Ce fut la principale réalisation du nouveau style dramatique créé par Ostrovsky.
Essai sur la littérature sur le thème : L'importance de l'œuvre d'Ostrovsky pour le développement idéologique et esthétique de la littérature
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Quelle est l'importance de l'œuvre de A. N. Ostrovsky dans le drame mondial.
- L'importance de A. N. Ostrovsky pour le développement du théâtre et de la scène russes, son rôle dans les réalisations de toute la culture russe sont indéniables et énormes. Il a fait pour la Russie autant que Shakespeare pour l’Angleterre ou Molière pour la France.
Ostrovsky a écrit 47 pièces originales (sans compter les deuxièmes éditions de Kozma Minin et Voevoda et sept pièces en collaboration avec S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Soloviev (Happy Day, Le mariage de Belugin, Savage, It Shines, but Doesn 't Warm) et P. M. Nevezhin (Blazh, Old in new way). Selon les mots d'Ostrovsky lui-même, c'est un tout. théâtre folklorique.
Mais la dramaturgie d'Ostrovsky est pure Phénomène russe, bien que son travail,
certainement influencé le drame et le théâtre des peuples frères,
inclus dans l'URSS. Ses pièces ont été traduites et mises en scène
scènes d'Ukraine, de Biélorussie, d'Arménie, de Géorgie, etc.Les pièces d'Ostrovsky ont gagné des fans à l'étranger. Ses pièces sont mises en scène
dans les théâtres des anciennes démocraties populaires, notamment sur les scènes
États slaves(Bulgarie, Tchécoslovaquie).
Après la Seconde Guerre mondiale, les pièces du dramaturge attirent de plus en plus l'attention des éditeurs et des théâtres des pays capitalistes.
Ici, ils s'intéressaient principalement aux pièces L'Orage, Il y a assez de simplicité pour chaque sage, La Forêt, La Fille des neiges, Les loups et les moutons, La dot.
Mais une telle popularité et une telle reconnaissance que Shakespeare ou Molière, le russe
le dramaturge n'a reçu aucune distinction dans la culture mondiale. - Tout ce que j'ai décrit grand dramaturge, n’a pas été éradiquée à ce jour.
Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky (1823-1886) occupe à juste titre une place digne parmi les plus grands représentants drame mondial.
L'importance des activités d'Ostrovsky, qui, pendant plus de quarante ans, a publié chaque année dans les meilleurs magazines de Russie et mis en scène des pièces de théâtre sur les scènes des théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg et de Moscou, dont beaucoup étaient des événements de la vie littéraire et théâtrale de l'époque, est décrit brièvement mais avec précision dans la célèbre lettre de I.A. Gontcharov, adressée au dramaturge lui-même.
« Vous avez fait don de toute une bibliothèque d'œuvres d'art à la littérature et vous avez créé votre propre monde spécial pour la scène. Vous seul avez achevé l'édifice dont les fondations ont été posées par Fonvizine, Griboïedov, Gogol. Mais ce n’est qu’après vous que nous, Russes, pouvons dire avec fierté : « Nous avons notre propre théâtre national russe ». En toute honnêteté, il devrait s'appeler le Théâtre Ostrovsky.
Ostrovsky a commencé son chemin créatif dans les années 40, du vivant de Gogol et Belinsky, et l'acheva dans la seconde moitié des années 80, à une époque où A.P. Tchekhov était déjà solidement implanté dans la littérature.
La conviction que le travail d’un dramaturge créant un répertoire théâtral est un service public de haut niveau imprègne et dirige les activités d’Ostrovsky. Il était organiquement lié à la vie de la littérature.
Dans sa jeunesse, le dramaturge a écrit articles critiques et a participé aux affaires éditoriales de Moskvityanin, essayant de changer l'orientation de ce magazine conservateur, puis, publiant dans Sovremennik et Otechestvennye Zapiski, il s'est lié d'amitié avec N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoï, I. S. Tourgueniev, I. A. Goncharov et d'autres écrivains. Il suivait leur travail, discutait avec eux de leurs œuvres et écoutait leurs opinions sur ses pièces.
À une époque où théâtres d'État officiellement considéré comme « impérial » et sous le contrôle du ministère de la Cour, et les institutions de divertissement provinciales ont été mises à l'entière disposition des entrepreneurs et des entrepreneurs, Ostrovsky a avancé l'idée d'une restructuration complète de l'activité théâtrale en Russie . Il a plaidé en faveur de la nécessité de remplacer le théâtre judiciaire et commercial par un théâtre populaire.
Sans se limiter au développement théorique de cette idée dans des articles et des notes spéciales, le dramaturge pendant pendant de longues années pratiquement lutté pour sa mise en œuvre. Les principaux domaines dans lesquels il a réalisé sa vision du théâtre étaient sa créativité et son travail avec des acteurs.
Drame, base littéraire Ostrovsky considérait la performance comme son élément déterminant. Le répertoire du théâtre, qui donne au spectateur la possibilité de « voir la vie russe et l'histoire russe sur scène », selon ses concepts, s'adressait principalement au public démocrate, « pour qui il veut écrire et est obligé d'écrire ». écrivains populaires" Ostrovsky a défendu les principes du théâtre d'auteur.
Il considérait les théâtres de Shakespeare, Molière et Goethe comme des expériences exemplaires de ce genre. Connexion chez un seul auteur œuvres dramatiques et leur interprète sur scène - le professeur d'acteurs, le metteur en scène - semblait à Ostrovsky une garantie intégrité artistique, activité organique du théâtre.
Cette idée, en l’absence de mise en scène, avec l’accent traditionnel de la représentation théâtrale sur la performance d’acteurs individuels « solos », était innovante et fructueuse. Son importance n'est pas épuisée encore aujourd'hui, lorsque le metteur en scène est devenu la figure principale du théâtre. Il suffit de rappeler le théâtre « Berliner Ensemble » de B. Brecht pour s’en convaincre.
Surmontant l'inertie de l'administration bureaucratique, les intrigues littéraires et théâtrales, Ostrovsky a travaillé avec des acteurs, dirigeant constamment les productions de ses nouvelles pièces dans les théâtres Maly de Moscou et Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg.
L'essence de son idée était de mettre en œuvre et de consolider l'influence de la littérature sur le théâtre. Il condamne fondamentalement et catégoriquement ce qui devient de plus en plus apparent depuis les années 70. la subordination des écrivains dramatiques aux goûts des acteurs - favoris de la scène, à leurs préjugés et caprices. Dans le même temps, Ostrovsky ne pouvait imaginer le drame sans théâtre.
Ses pièces ont été écrites en pensant à de vrais interprètes et artistes. Il a souligné : pour écrire Bien joué, l'auteur doit avoir une parfaite connaissance des lois de la scène, du côté purement plastique du théâtre.
Il n'était pas prêt à donner le pouvoir sur les artistes de scène à tous les dramaturges. Il était sûr que seul un écrivain qui a créé sa propre dramaturgie, son propre monde sur scène, a quelque chose à dire aux artistes, a quelque chose à leur apprendre. L'attitude d'Ostrovsky envers théâtre moderne déterminé par son système artistique. Le héros de la dramaturgie d'Ostrovsky était le peuple.
La société entière et, en outre, la vie socio-historique du peuple étaient représentées dans ses pièces. Ce n’est pas sans raison que les critiques N. Dobrolyubov et A. Grigoriev, qui ont abordé l’œuvre d’Ostrovsky à partir de positions mutuellement opposées, ont vu dans ses œuvres une image holistique de l’existence du peuple, bien qu’ils aient évalué différemment la vie décrite par l’écrivain.
L'orientation de cet écrivain vers les phénomènes de masse de la vie correspondait au principe du jeu d'ensemble qu'il défendait, à la conscience inhérente au dramaturge de l'importance de l'unité, à l'intégrité des aspirations créatrices du groupe d'acteurs participant à la pièce.
Dans ses pièces, Ostrovsky dépeint phénomènes sociaux, qui ont des racines profondes - des conflits dont les origines et les causes remontent souvent à des époques historiques lointaines.
Il a vu et montré les aspirations fructueuses qui surgissaient dans la société et le nouveau mal qui y surgissait. Les porteurs de nouvelles aspirations et idées dans ses pièces sont obligés de mener une lutte difficile contre d'anciennes coutumes et opinions conservatrices traditionnellement sanctifiées, et le nouveau mal se heurte à l'idéal éthique du peuple qui a évolué au fil des siècles, avec de fortes traditions. de résistance à l’injustice sociale et à l’injustice morale.
Chaque personnage des pièces d'Ostrovsky est organiquement lié à son environnement, à son époque, à l'histoire de son peuple. En même temps, une personne ordinaire, dans les concepts, les habitudes et le discours même de laquelle sa parenté avec le monde social et paix nationale, est au centre de l'intérêt des pièces d'Ostrovsky.
Le destin individuel de l'individu, le bonheur et le malheur de l'individu, d'une personne ordinaire, ses besoins, sa lutte pour son bien-être personnel excitent le spectateur des drames et comédies de ce dramaturge. La position d'une personne y sert de mesure de l'état de la société.
De plus, la personnalité typique, l'énergie avec laquelle caractéristiques individuelles une personne est « affectée » par la vie du peuple, dans la dramaturgie d'Ostrovsky, elle a une importance éthique et valeur esthétique. Le personnage est merveilleux.
Comme dans le drame de Shakespeare héro tragique, qu’il soit beau ou terrible en termes d’évaluation éthique, appartient à la sphère de la beauté dans les pièces d’Ostrovsky héros de personnage dans la mesure de sa typicité, il est l'incarnation de l'esthétique, et dans nombre de cas, de la richesse spirituelle, vie historique et la culture du peuple.
Cette caractéristique de la dramaturgie d’Ostrovsky a prédéterminé son attention à la performance de chaque acteur, à la capacité de l’interprète à présenter un type sur scène, à recréer de manière vivante et captivante un personnage social individuel et original.
Ostrovsky appréciait particulièrement cette capacité chez les meilleurs artistes de son temps, l'encourageant et aidant à la développer. S'adressant à A.E. Martynov, il a déclaré : « … à partir de plusieurs traits esquissés par une main inexpérimentée, vous avez créé des types finaux pleins de vérité artistique. C’est ce qui vous rend si cher aux auteurs.
Ostrovsky a terminé sa discussion sur la nationalité du théâtre, sur le fait que les drames et les comédies sont écrits pour le peuple tout entier, par ces mots : "... les écrivains dramatiques doivent toujours s'en souvenir, ils doivent être clairs et forts."
La clarté et la force de la créativité de l'auteur, en plus des types créés dans ses pièces, s'expriment dans les conflits de ses œuvres, construites sur des incidents simples de la vie, qui reflètent cependant les principaux conflits de la vie sociale moderne.
Dans son premier article, évaluant positivement l’histoire d’A.F. Pisemsky « Le Matelas », Ostrovsky a écrit : « L’intrigue de l’histoire est simple et instructive, comme la vie. A cause des personnages originaux, à cause du caractère naturel et plus haut degré Le déroulement dramatique des événements révèle une pensée noble, issue de l'expérience quotidienne.
Cette histoire est vraie œuvre d'art" Le cours dramatique naturel des événements, les personnages originaux, la représentation de la vie des gens ordinaires - en énumérant ces signes du véritable talent artistique dans l'histoire de Pisemsky, le jeune Ostrovsky est sans aucun doute issu de ses réflexions sur les tâches de la dramaturgie en tant qu'art.
Il est caractéristique qu'Ostrovsky attache une grande importance au caractère instructif Travail littéraire. Le caractère instructif de l'art lui donne la base pour comparer et rapprocher l'art de la vie.
Ostrovsky croyait que le théâtre, rassemblant dans ses murs un public nombreux et diversifié, l'unissant à un sentiment de plaisir esthétique, devait éduquer la société, aider les spectateurs simples et non préparés à « comprendre la vie pour la première fois » et donner aux instruits « tout un perspective de pensées auxquelles on ne peut échapper. » (ibid.).
Dans le même temps, la didactique abstraite était étrangère à Ostrovsky. « Tout le monde peut avoir de bonnes pensées, mais le contrôle des esprits et des cœurs est réservé à quelques privilégiés », a-t-il rappelé, ironisant sur les écrivains qui remplacent les écrivains sérieux. questions artistiques tirades édifiantes et tendance nue. Connaissance de la vie, sa représentation fidèle et réaliste, réflexion sur les plus pertinentes pour la société et problèmes complexes- c'est ce que le théâtre doit présenter au public, c'est ce qui fait de la scène une école de vie.
L'artiste apprend au spectateur à penser et à ressentir, mais ne lui donne pas solutions prêtes à l'emploi. La dramaturgie didactique, qui ne révèle pas la sagesse et le caractère instructif de la vie, mais la remplace par des truismes exprimés de manière déclarative, est malhonnête, car elle n'est pas artistique, alors que c'est précisément pour des impressions esthétiques que les gens viennent au théâtre.
Ces idées d'Ostrovsky trouvèrent une réfraction particulière dans son attitude envers le drame historique. Le dramaturge a soutenu que « les drames et chroniques historiques<...>développer la connaissance de soi des gens et cultiver l’amour conscient pour la patrie.
En même temps, il a souligné qu'il ne s'agit pas d'une déformation du passé au profit de telle ou telle idée tendancieuse, ni d'un effet scénique extérieur du mélodrame sur des sujets historiques, ni de la transposition de monographies savantes sous une forme dialogique, mais une recréation véritablement artistique de la réalité vivante des siècles passés sur scène peut constituer la base d'une performance patriotique.
Un tel spectacle aide la société à se comprendre, encourage la réflexion, donnant un caractère conscient au sentiment direct d'amour pour la patrie. Ostrovsky a compris que les pièces qu'il créait chaque année constituaient la base du répertoire théâtral moderne.
Définissant les types d'œuvres dramatiques, sans lesquelles un répertoire exemplaire ne peut exister, il, en plus des drames et des comédies illustrant la vie russe moderne, et des chroniques historiques, nommées extravagances, des pièces de contes de fées pour des spectacles festifs, accompagnées de musique et de danse, conçues comme un spectacle folklorique haut en couleur.
Le dramaturge a créé un chef-d'œuvre de ce genre - conte de fée du printemps«The Snow Maiden», dans lequel la fantaisie poétique et les décors pittoresques se combinent avec un contenu lyrique et philosophique profond.
Histoire de la littérature russe : en 4 volumes / Edité par N.I. Prutskov et autres - L., 1980-1983.
son. Ce n'est pas pour rien qu'Innokenty Annensky l'a qualifié de réaliste auditif. Sans mettre en scène ses œuvres, c'était comme si ses œuvres n'étaient pas achevées, c'est pourquoi Ostrovsky a si durement pris l'interdiction de ses pièces par la censure théâtrale. La comédie «Nous serons numérotés par notre propre peuple» n'a été autorisée à être jouée au théâtre que dix ans après que Pogodin ait réussi à la publier dans le magazine.
"J'ai déjà lu ma pièce à Moscou cinq fois, parmi les auditeurs il y avait des gens hostiles à moi, et tout le monde a unanimement reconnu "Dowry" comme la meilleure de toutes mes œuvres." Ostrovsky vivait avec la « dot », parfois seulement sur elle, sa quarantième chose consécutive, il dirigeait « son attention et sa force », voulant la « finir » de la manière la plus prudente. En septembre 1878, il écrit à une de ses connaissances : « Je travaille de toutes mes forces à ma pièce ; Il semble que cela ne se passera pas mal. Déjà un jour après la première, le 12 novembre, Ostrovsky pouvait apprendre, et il a sans aucun doute appris de Russkiye Vedomosti, comment il avait réussi à « fatiguer tout le public, jusqu'aux spectateurs les plus naïfs ». Car elle – le public – est clairement « devenue trop grande » pour les spectacles qu’il lui propose. Dans les années 70, les relations d'Ostrovsky avec les critiques, les théâtres et le public sont devenues de plus en plus complexes. La période où il jouissait d'une reconnaissance universelle, qu'il conquit à la fin des années cinquante et au début des années soixante, fut remplacée par une autre, grandissant de plus en plus dans différents cercles de refroidissement envers le dramaturge.
La censure théâtrale était plus stricte que la censure littéraire. Ce n'est pas une coïncidence. Par essence, l’art théâtral est démocratique ; il s’adresse au grand public plus directement que la littérature. Ostrovsky, dans sa « Note sur l'état de l'art dramatique en Russie à l'heure actuelle » (1881), a écrit que « la poésie dramatique est plus proche du peuple que les autres branches de la littérature. Toutes les autres œuvres sont écrites pour des personnes instruites, et les drames. et les comédies sont écrites pour le peuple tout entier ; les écrivains d'œuvres dramatiques doivent toujours s'en souvenir, ils doivent être clairs et forts. Cette proximité avec le peuple ne dégrade en rien la poésie dramatique, mais, au contraire, en double la force et ne la dégrade pas. laissez-le devenir vulgaire et écrasé. Ostrovsky parle dans sa « Note » de la façon dont le public des théâtres en Russie s'est élargi après 1861. A un nouveau spectateur, peu expérimenté en art, Ostrovsky écrit : « La belle littérature est encore pour lui ennuyeuse et incompréhensible, la musique aussi, seul le théâtre lui procure un plaisir complet, là il vit tout ce qui se passe sur scène comme un enfant, sympathise avec le bien et reconnaît le mal, clairement présenté. » Pour un public « frais », écrit Ostrovsky, « il faut un drame fort, une comédie majeure, des rires provocateurs, francs et bruyants, des sentiments chauds et sincères. »
à propos de la poésie, il écrira que son essence réside dans l'essentiel des vérités « ambulantes », dans la capacité du théâtre à les transmettre au cœur du lecteur :
Allez-y, bourrins en deuil !
Acteurs, maîtrisez votre métier,
Pour que de la vérité ambulante
Tout le monde a ressenti de la douleur et de la lumière !
(«Balagan», 1906)
L'énorme importance qu'Ostrovsky attachait au théâtre, ses réflexions sur arts du théâtre, sur la situation du théâtre en Russie, sur le sort des acteurs - tout cela se reflétait dans ses pièces. Les contemporains percevaient Ostrovsky comme le successeur de l'art dramatique de Gogol. Mais la nouveauté de ses pièces fut immédiatement remarquée. Déjà en 1851, dans l'article « Un rêve à l'occasion d'une comédie », le jeune critique Boris Almazov soulignait les différences entre Ostrovsky et Gogol. L'originalité d'Ostrovsky ne résidait pas seulement dans le fait qu'il représentait non seulement les oppresseurs, mais aussi leurs victimes, non seulement dans le fait que, comme l'écrivait I. Annensky, Gogol était avant tout un poète du « visuel » et Ostrovsky du « auditif ». impressions.
L'originalité et la nouveauté d'Ostrovsky se sont également manifestées dans le choix du matériau de la vie, dans le sujet de l'image - il a maîtrisé de nouvelles couches de réalité. C'était un pionnier, un Colomb non seulement de Zamoskvorechye - que nous ne voyons pas, dont nous n'entendons pas les voix dans les œuvres d'Ostrovsky ! Innokenty Annensky a écrit : "... C'est un virtuose des images sonores : marchands, vagabonds, ouvriers d'usine et professeurs de latin, Tatars, gitans, acteurs et travailleuses du sexe, bars, employés et petits bureaucrates - Ostrovsky a donné une immense galerie de discours typiques ... " Acteurs, L'environnement théâtral est aussi un nouveau matériau vital qu'Ostrovsky maîtrisait - tout ce qui touche au théâtre lui paraissait très important.
Dans la vie d'Ostrovsky lui-même, le théâtre a joué un rôle important. Il participe à la production de ses pièces, travaille avec les comédiens, se lie d'amitié avec nombre d'entre eux et correspond avec eux. Il a déployé beaucoup d'efforts pour défendre les droits des acteurs, cherchant à créer en Russie école de théâtre, propre répertoire. L'artiste du Théâtre Maly, N.V. Rykalova, se souvient : Ostrovsky, « ayant mieux connu la troupe, est devenu notre homme. La troupe l'aimait beaucoup. Alexandre Nikolaïevitch était exceptionnellement affectueux et courtois avec tout le monde. Sous le régime de servage qui régnait à cette époque, lorsque les supérieurs de l’artiste disaient « vous », alors que la plupart de la troupe était des serfs, le comportement d’Ostrovsky apparaissait à tous comme une sorte de révélation. Habituellement, Alexandre Nikolaïevitch lui-même mettait en scène ses pièces... Ostrovsky rassemblait la troupe et leur lisait la pièce. Il pouvait lire avec une habileté incroyable. Tous personnages sortaient de lui comme s'ils étaient vivants... Ostrovsky connaissait bien l'intérieur, caché aux yeux du public, la vie dans les coulisses théâtre En commençant par la forêt" (1871), Ostrovsky développe le thème du théâtre, crée des images d'acteurs, dépeint leur destin - cette pièce est suivie de "Comédien XVIIe siècle" (1873), " Talents et admirateurs " (1881), " Coupable sans culpabilité " (1883).
La position des acteurs dans le théâtre et leur succès dépendaient de l'appréciation ou non du riche public qui donnait le ton dans la ville. Après tout, les troupes provinciales vivaient principalement des dons des mécènes locaux, qui se sentaient maîtres du théâtre et pouvaient dicter leurs conditions. De nombreuses actrices vivaient des cadeaux coûteux de leurs riches fans. L'actrice, qui prenait soin de son honneur, a connu des moments difficiles. Dans « Talents et admirateurs », Ostrovsky dépeint de tels situation de vie. Domna Panteleevna, la mère de Sasha Negina, se lamente : « Il n'y a pas de bonheur pour ma Sasha ! Il s'entretient avec beaucoup de soin, et il n'y a aucune bonne volonté entre le public : pas de cadeaux spéciaux, rien comme les autres, qui... si... »
Mais malgré la vie difficile, l'adversité et les griefs décrits par Ostrovsky, de nombreuses personnes qui ont consacré leur vie à la scène et au théâtre conservent dans leur âme la gentillesse et la noblesse. Tout d’abord, ce sont des tragédiens qui doivent vivre sur scène dans un monde de hautes passions. Bien entendu, la noblesse et la générosité d’esprit ne se limitent pas aux tragédiens. Ostrovsky montre que le véritable talent, amour désintéressé ils élèvent et élèvent les gens vers l’art et le théâtre. Ce sont Narokov, Negina, Kruchinina.