4. La pièce "L'Orage"
5. La pièce "Dot"
1. Périodes et caractéristiques de l'œuvre d'A.N. Ostrovsky.
Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky (1823-1886) est l'un des plus grands dramaturges de la seconde moitié du 19ème siècle V. Il a écrit 54 pièces de théâtre, chacune reflétant la polyvalence de son talent. Le parcours créatif d’Ostrovsky peut être caractérisé comme suit :
✓ première période(1847-1860), présentant les caractéristiques suivantes :
Utilisation des traditions gogoliennes ;
Maîtriser l’esthétique avancée de son époque ;
Élargir le thème et renforcer l'urgence sociale de la pièce, comme par exemple dans les pièces « La maternelle » (1858), « Un sommeil de fête - avant le dîner » (1857), « Les personnages ne s'entremêlent pas » (1858 ), « L'Orage » (1856) ;
Création des pièces de théâtre « Votre peuple - Soyons comptés ! », « Pauvre mariée », « Ne montez pas dans votre propre traîneau », la comédie « La pauvreté n'est pas un vice », le drame « Ne vivez pas comme vous Vouloir";
✓ deuxième période(1860-1875), présentant les caractéristiques suivantes :
Appel aux traditions de la dramaturgie historique de A.S. Pouchkine, intérêt accru pour le passé du pays ;
Convaincue de l’importance de la couverture littéraire de l’histoire, car elle aide à mieux comprendre le présent ;
Révéler la grandeur spirituelle du peuple russe, son patriotisme, son ascèse ;
Création de pièces historiques : « Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk » (1862), « Voevoda » (1865), « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky » (1867), « Touchino » (1867), « Vasilisa Melentyeva » (1868) ;
L'utilisation de nouvelles images et de nouveaux motifs qui reflétaient à la fois les nouvelles relations sociales dans le pays et l'essence de la vision du monde de l'auteur lui-même ;
Développement du genre de la chronique et de la tragédie poétique ;
Poursuite des traditions de Pouchkine et de Gogol en développant le thème du petit homme dans des pièces telles que « Jokers » (1864), « The Deep », « Labor Bread » ;
Développement du genre de la comédie satirique, qui reflétait la vie russe pendant la période des réformes bourgeoises à travers le développement du motif contrasté des « loups » et des « moutons », c'est-à-dire des personnages - hommes d'affaires, prédateurs et leurs victimes défavorisées, dans des pièces telles que comme "La simplicité suffit à chaque homme sage" (1868), "Mad Money" (1869), "Forest" (1870), "Snow Maiden" (1873) et dans la comédie "Wolves and Sheep" (1875), créée dans la troisième période de l'œuvre de l'auteur ;
✓ troisième période(fin des années 70 - début des années 80 du 19ème siècle), présentant les caractéristiques suivantes :
Poursuite du développement des thèmes et motifs esquissés aux étapes précédentes : satire de la réalité bourgeoise russe, thèmes du petit homme ;
Approfondissement du psychologisme dans l'étude et la révélation des personnages et dans l'analyse de l'environnement entourant les héros des pièces d'Ostrovsky ;
Créer les bases de la dramaturgie de Tchekhov dans des pièces telles que "Dowry", "Slave Women", "It Shines, but Doesn't Warm", "Not of This World".
2. L'originalité de la créativité d'A.N. Ostrovsky.
L’originalité et l’importance de l’œuvre d’Ostrovsky sont les suivantes :
✓ innovation dans les thèmes, les genres, le style littéraire et les images des pièces de théâtre ;
✓ historicité : les événements et les intrigues de ses pièces couvrent une vaste période historique du développement de la Russie depuis Ivan le Terrible jusqu'à la seconde moitié du XIXe siècle ;
✓ la plénitude quotidienne, l'immersion de l'intrigue dans les relations familiales, privées, puisque c'est en elles que se manifestent tous les vices de la société, et en révélant l'essence de ces relations familiales, l'auteur révèle aussi les vices humains communs ;
✓ révélant le conflit entre deux « parties » : les plus âgés et les plus jeunes, les riches et les pauvres, les volontaires et les soumis, etc., et ce conflit est l’un des conflits centraux dans la dramaturgie d’Ostrovsky ;
✓ lien organique entre le drame et le principe épique ;
✓ utilisation généralisée des traditions du folklore et des contes de fées à la fois dans les titres ("Tout n'est pas Maslenitsa pour le chat", "Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau", "La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur") et dans les intrigues (" The Snow Maiden"), et un proverbe définit souvent non seulement le titre, mais l'ensemble du concept et des idées de la pièce ;
✓ l'utilisation de noms et prénoms « parlants » de héros, souvent dictés images folkloriques et les traditions littéraires des auteurs précédents (Tigry Lvovich Lyutov de la pièce « Il n'y avait pas un sou, mais tout à coup c'était altyn ») ;
✓ individualisation, richesse et luminosité du langage des personnages et des pièces elles-mêmes.
L’œuvre d’Ostrovsky et les traditions dramatiques qu’il a développées ont eu une forte influence sur les générations suivantes de dramaturges et d’écrivains des XIXe et XXe siècles, et en particulier sur des auteurs tels que L.N. Tolstoï, A.P. Tchekhov, A. I. Yujin-Sumbatov, V. I. Nemirovitch-Danchenko, E.P. Karpov, A.M. Gorki, A.S. Neverov, B.S. Romashov, B.A. Lavrenev, N.F. Pogodin, L.M. Léonov et autres.
3. La pièce "Notre peuple - nous serons numérotés !"
La pièce "Notre peuple - Soyons numérotés!", écrite dans la première période de l'œuvre d'Ostrovsky, a le texte suivant particularités:
✓ dénonciation du despotisme, de la tyrannie et de l'intérêt personnel ;
✓ l'orientation vers les traditions gogoliennes dans la littérature, qui se manifeste par la mise en avant du thème de l'argent à travers la description des relations de propriété entre les personnages avec une prédominance de leur soif de profit ;
✓ utilisation des traditions" école naturelle", qui se manifeste à travers une image ramifiée de la vie de la classe marchande ;
✓ en même temps, une rupture avec la poétique de Gogol de l’étude du caractère et des principes de l’école naturelle, qui se manifeste dans ce qui suit :
Se concentrer non seulement sur la révélation de la psychologie du héros et la description de sa vie quotidienne, mais également sur la recherche et l'analyse des caractéristiques de l'environnement social qui l'entoure ;
L'apparition de personnages qui ne sont pas liés au conflit central, mais contribuent à une représentation vivante de la vie marchande ;
Refus de considérer en profondeur les faits de la réalité et désir de les généraliser ;
Un changement dans l'essence et l'attitude envers une histoire d'amour, qui est subordonnée au thème principal - les relations monétaires de profit, et son apparition parmi les héros est dictée par l'intérêt matériel ;
✓ la nouveauté de la composition, dont l'essence est le développement d'une histoire d'un type à différentes étapes ;
✓ la nouveauté et l'originalité de l'intrigue, qui est construite sur le principe du swing, c'est-à-dire que les personnages montent et descendent alternativement dans leur position ;
✓ expressivité particulière et individualisation du langage des personnages, qui exprime très fidèlement le comique de cette pièce.
4. La pièce "L'Orage"
La pièce d'Ostrovsky "L'Orage" est l'une des pièces dramatiques russes les plus intéressantes et les plus populaires. La pièce est basée sur les impressions réelles d'Ostrovsky lors d'un voyage le long de la Haute Volga en 1856 ; les mœurs des classes marchandes, les coutumes de l'antiquité patriarcale et les paysages naturels les plus beaux et les plus riches de la Volga y étaient exprimés. L'action dramatique de la pièce se déroule dans la ville fictive de Kalinov, qui, selon le plan de l'auteur, est située sur les rives de la Volga. "Orage" a ce qui suit caractéristiques artistiques :
✓ utilisation organique et magistrale de peintures du paysage de la Volga, qui remplissent les fonctions artistiques importantes suivantes :
Ils apportent des couleurs vives à la description du lieu de la pièce, aidant le lecteur à comprendre la situation aussi clairement et clairement que possible ;
Sur le plan de la composition, ils ont grande importance, puisqu'ils rendent la structure de la pièce complète, intégrale, commençant et terminant l'action de la pièce avec une rive escarpée du fleuve ;
✓ l'originalité de l'intrigue et de la composition, qui est la suivante :
La lenteur du rythme de l'action au début, qui est due à l'exposition approfondie de la pièce, qui remplit la tâche la plus importante de l'auteur de familiariser le lecteur de manière aussi détaillée que possible avec les circonstances, la vie, la morale, les personnages et les conditions dans lequel l'action se déroulera ensuite ;
Introduction à l'exposition de plusieurs personnages « mineurs » (Shapkin, Feklusha, Kudryash, etc.), qui joueront par la suite un rôle crucial dans le déroulement du conflit de la pièce ;
L'originalité de l'intrigue de la pièce, qui réside dans diverses variantes de sa définition, et en même temps on peut appeler l'intrigue de la pièce triple, y compris les paroles de condamnation de Kulagin au début du 1er acte, qui déterminent le développement de la lutte sociale dans la pièce, le dialogue de Katerina avec Varvara (acte sept) et les derniers mots de Katerina au deuxième acte, qui déterminent finalement la nature de sa lutte ;
Développement en action d'une ligne de lutte sociale et individuelle et de deux amours parallèles (Katerina - Boris et Varvara - Kudryash) ;
La présence d'épisodes « extra-fab », par exemple la rencontre de Kabanikha avec Feklusha, qui complètent l'image du « royaume des ténèbres » ;
Développement de la tension de l'action dramatique dans chaque nouvel acte ;
Le point culminant au milieu de la pièce se situe au 4ème acte, associé à la scène du repentir, et sa fonction est d'aggraver le conflit de l'héroïne avec l'environnement ;
Le véritable dénouement se situe à l'acte 5, où les deux intrigues arrivent à leur conclusion ;
Structure en anneau de la pièce : les événements des 1er et 5ème actes se déroulent au même endroit ;
✓ l'originalité, la luminosité et l'exhaustivité des images de la pièce de Katerina, Kabanikha, Dikiy, Boris, dont chacune a un certain caractère intégral ;
✓ l'utilisation de la technique des personnages contrastés (Kabanikha et Dikoy et autres personnages), des paysages des 1er et 4e actes, etc. ;
✓ divulgation des circonstances tragiques de la vie d'une personne instruite et spirituellement remplie dans la société du « royaume des ténèbres » ;
✓ le symbolisme du titre de la pièce, qui est présent dans la pièce à la fois comme un phénomène naturel et comme une sorte de symbole exprimant l'idée de l'ensemble de l'œuvre, et ici il y a un écho avec « Malheur de l'esprit » de Griboïedov, Lermontov "Héros de notre temps", et comme ayant un sens figuré, personnifiant un orage qui fait rage dans l'âme de Katerina.
5. La pièce "Dot"
La pièce "Dowry" (1878) est la quarantième œuvre d'Ostrovsky et ouvre une nouvelle - la troisième étape de son œuvre. La pièce a ce qui suit caractéristiques artistiques:
✓ fait écho à « Orage » sur les points suivants :
Le décor se déroule dans de petites villes au bord de la Volga ;
Le thème principal et les principales caractéristiques des résidents sont les motivations monétaires, les avantages ;
Les deux héroïnes principales ne correspondent pas au monde dans lequel elles vivent, elles sont au-dessus de lui et entrent en conflit avec ce monde, et c'est leur tragédie, la fin des deux héroïnes est la même - la mort, les libérant des vices et de l'injustice. du monde qui les entoure ;
✓ présente des différences significatives par rapport à "Orage", qui consistent en un changement statut social, la morale et les personnages des héros, qui sont désormais des industriels modernes et instruits, et non des marchands ignorants, s'intéressent à l'art, sont actifs, ambitieux, s'efforcent de se développer, mais ont néanmoins leurs propres vices, quoique différents, mais aussi ;
✓ a un lien avec la "Snow Maiden", qui s'exprime dans les personnages des deux héroïnes principales - Larisa Ogudalova et Snegurochka, attirées par l'amour de la nature avec une forte volonté et avec les mêmes passions fortes, et cet amour est la cause de la mort des deux héroïnes ;
✓ En termes de genre, il s'agit d'un drame socio-psychologique ;
✓ Les techniques développées par Ostrovsky dans cette pièce ont influencé le travail d'A.P. Tchekhov, et parmi ces techniques on peut citer les suivantes :
L'élaboration de motifs tels que le pistolet auparavant accroché au mur, le dîner au cours duquel se décide le sort des héros ;
Une analyse approfondie de l'âme humaine ;
Évaluation objective et caractéristiques des héros ;
Symbolisme des images ;
Révéler le désordre de la vie en général.
Retour avant
Attention! Les aperçus des diapositives sont fournis à titre informatif uniquement et peuvent ne pas représenter toutes les fonctionnalités de la présentation. Si ce travail vous intéresse, veuillez télécharger la version complète.
"J'ai travaillé toute ma vie."
Diapositive 1 et 2.
Objectifs de la leçon: présenter aux étudiants un nouvel auteur ; déterminer l'originalité de son œuvre, exprimée en reflétant les problèmes de l'époque ; montrer l'innovation et les traditions dans le travail d'A.N. Ostrovsky, l'originalité de son style.
Diapositive 3.
Pendant les cours
je. Conférence du professeur avec présentation.
Diapositive 4.
1. Pages de l'histoire du théâtre russe avant A.N. Ostrovski (informations). Originalité des sujets œuvres dramatiques; caractéristiques des héros (classe) ; principes de développement du caractère. Prédécesseurs de A. Ostrovsky : D.I. Fonvizine, A.S. Griboïedov, A.S. Pouchkine, N.V. Gogol.
Diapositive 5.
2. Caractéristiques des pièces d'Ostrovsky. Un nouveau héros que la littérature russe n’avait jamais connu auparavant. « Il a révélé au monde un homme d'une nouvelle formation : un marchand-vieux croyant et un marchand-capitaliste, un marchand en manteau militaire et un marchand en costume trois pièces, voyageant à l'étranger et faisant ses propres affaires. ouvre grand la porte à un monde jusqu'ici enfermé derrière de hautes clôtures, à l'abri des regards indiscrets des autres » - a écrit V.G. Marantzman. Le nouveau héros d'Ostrovsky détermine le caractère unique des problèmes et des thèmes des pièces, ainsi que les caractéristiques des personnages des personnages.
Diapositives 6 à 13
3. Pages de la biographie du dramaturge : famille, Zamoskvorechye, étude, service. La vie à Zamoskvorechye, le travail dans les tribunaux consciencieux et commerciaux, où les principaux « clients » sont des marchands, ont permis au dramaturge d'observer la vie des marchands. Tout cela se reflétait dans les pièces d’Ostrovsky, dont les personnages semblaient tirés de la réalité. L’incroyable capacité de travail de l’écrivain a contribué à la naissance de 48 œuvres, dans lesquelles jouent 547 personnages.
Diapositives 14 à 19
4. Début de l'activité littéraire.
Le parcours créatif d'A. Ostrovsky.
La première œuvre - la pièce "Le débiteur insolvable" - est parue en 1847 dans le journal "Moscow City Listok". En 1850, le même ouvrage, révisé par l'auteur, fut publié dans la revue "Moskvityanin". Ensuite, il a été arrêté pendant 10 ans, car, selon Dobrolyubov, "... la dignité humaine, la liberté personnelle, la foi en l'amour et le bonheur et le sanctuaire du travail honnête ont été jetés en poussière et effrontément piétinés par les tyrans".
"C'est ce que je fais maintenant, combiner le sublime avec le comique", écrivait Ostrovsky en 1853, définissant l'émergence d'un nouveau héros, un héros au "cœur chaleureux", honnête, direct. L'une après l'autre, les pièces « La pauvreté n'est pas un vice », « Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau », « Lieu rentable », « Forêt », « Cœur chaleureux », « Talents et admirateurs », « Coupable sans culpabilité » et d'autres sont apparus. "Et un tel esprit est devenu en moi : je n'ai peur de rien ! On dirait que si on me coupe en morceaux, je tiendrai toujours debout", dit l'héroïne de la pièce "L'Élève". "Je n'ai peur de rien" - c'est l'essentiel du nouveau héros d'Ostrovsky.
Diapositive 20
"L'Orage" (1860) est une pièce de théâtre sur un individu éveillé et protestataire qui ne veut plus vivre selon des lois qui répriment l'individu.
Diapositive 21
"La Forêt" (1870) - la pièce soulève des questions éternelles sur les relations humaines, tente de résoudre le problème du moral et de l'immoral.
Diapositive 22
"La Fille des Neiges (1873) est un regard sur le monde antique, patriarcal et féerique, dans lequel dominent également les relations matérielles (Bobyl et Bobylikha).
Diapositive 23
"Dot" (1879) - le point de vue du dramaturge 20 ans plus tard sur les problèmes soulevés dans le drame "L'Orage".
II. Spectacles étudiants. Devoirs individuels pour la leçon.
Diapositives 24 à 38
1. Caractéristiques du style d'Ostrovsky (tâches individuelles)
- Noms de famille parlants ;
- La présentation inhabituelle des personnages dans l'affiche, qui détermine le conflit qui va se développer dans la pièce ;
- Remarques spécifiques de l'auteur ;
- Le rôle du décor présenté par l'auteur dans la détermination de l'espace du drame et du temps de l'action
- L'originalité des noms (souvent issus de proverbes et de dictons russes) ;
- Moments folkloriques;
- Considération parallèle de héros comparables ;
- La signification de la première remarque du héros ;
- « Apparition préparée », les personnages principaux n'apparaissent pas immédiatement, d'autres en parlent en premier ;
- Originalité caractéristiques de la parole héros.
Questions finales
Diapositive 39
- Peut-on parler de la modernité des pièces d’Ostrovsky ? Prouvez votre point de vue.
- Pourquoi les théâtres modernes se tournent-ils constamment vers les pièces du dramaturge ?
- Pourquoi est-il si difficile de « moderniser » les pièces de A. N. Ostrovsky ?
III. Résumé de la leçon.
Diapositives 40 à 42
UN. Ostrovsky a tourné une page inconnue du spectateur, faisant entrer sur scène un nouveau héros - un marchand. Avant lui, l’histoire du théâtre russe ne comptait que quelques noms. Le dramaturge a grandement contribué au développement du théâtre russe. Son œuvre, poursuivant les traditions de Fonvizine, Griboïedov, Pouchkine, Gogol, se distingue par son innovation dans la représentation des héros, dans le langage des personnages et dans les problèmes sociaux et moraux soulevés.
Devoirs:
Drame "Orage". Histoire de la création, système d'images, techniques de révélation des caractères des personnages. L'originalité du conflit. La signification du nom.
Groupe 1. L'histoire de la pièce. Rapports des élèves (devoirs avec lectures complémentaires).
Groupe 2. La signification du titre de la pièce "L'Orage".
Groupe 3. Système personnages pièces
Groupe 4. Caractéristiques de révélation des personnages des personnages.
Ostrovsky est le premier dramaturge classique russe. Il y a eu des poètes avant lui. Des écrivains... mais pas des dramaturges
Ostrovsky a écrit 48 de ses propres pièces, plusieurs avec ses étudiants, et a traduit plusieurs pièces (La Mégère apprivoisée et Goldoni's Coffee House). Au total, il a donné au théâtre 61 pièces.
Avant Ostrovsky, deux enfants de ses parents sont morts en bas âge. Toute leur famille était spirituelle. Mon oncle est prêtre, mon père est également diplômé du séminaire et de l'académie théologique, mais est devenu avocat. Et mère et fille, préparez du pain. Mon oncle m'a conseillé d'appeler l'enfant Alexandre (défenseur de la vie). Tous les héros des pièces d'Ostrovsky ont des noms emblématiques ! Il y en a des inventés, et il y en a aussi des ordinaires. Katerina (éternellement pure, immaculée) il croit en son innocence ! Bien qu'elle commette 2 péchés mortels. Et dans la dot, il nommera l'héroïne Larisa (la mouette). Ce n’est qu’à travers les noms que l’on peut comprendre le caractère des personnages et l’attitude de l’auteur à son égard.
Un autre moment important de sa vie fut son travail devant les tribunaux. Il n'a pas obtenu de diplôme universitaire et a lutté pour une vie libre. Le père a protesté. Il était riche, achetait des maisons et voulait que son fils suive ses traces. Mais Ostrovsky ne rêvait que de théâtre. Et quand il a quitté l'université, son père ne l'a pas laissé inactif et lui a trouvé un emploi de scribe dans un tribunal (d'arbitrage) consciencieux (celui qui a payé le plus a gagné.) Et puis comme petit commis dans un bureau commercial. Il avait vu assez de choses différentes et cela l'a poussé à la créativité. «Faillite» est une pièce née de cette manière.
"L'image du bonheur familial" - la première pièce publiée en 1847
C'est une esquisse de la vie marchande. Un monde de tromperie et d’hypocrisie sur lequel est construite la société entière. Après la série de pièces en deux volumes, Dobrolyubov dira que toutes les relations dans les pièces d'Ostrovsky sont construites sur deux principes - le principe familial (le chef est l'oppresseur) et le principe matériel (celui qui possède l'argent).
fin du cours 56.41
Ostrovsky n'est pas la façon dont nous avons l'habitude de l'imaginer dans une robe avec de la fourrure. Ils étaient constitués d'un groupe de 5 personnes (Apollo Grigoriev - poète, prosateur, théoricien ; Tertsy Filippov, Almazov, Edelson). Ils travaillaient tous pour Pogodine (un professeur d'université) dans la revue « Moskvitianin ». Apollon Grigoriev écrivit une épigramme à Ostrovsky : Moitié Falstaff, moitié Shakespeare, la dissipation et le génie sont une combinaison aveugle.
Il était très affectueux. Agafya Ivanovna, une épouse célibataire et analphabète, ne voulait pas l'épouser, pour ne pas le déshonorer. Ils ont eu des enfants. Mais à cette époque, il tomba amoureux de l'actrice Nikulina-Kositskaya. Et il lui a même proposé, mais elle a refusé. Puis il entame une liaison avec la jeune actrice Vasilyeva. Et elle a aussi eu des enfants. Agafya Ivanovna n'a pas pu supporter cela et est décédée, puis il a épousé Vasilyeva.
Et il aimait boire avec ses amis et chanter ensemble. J'ai eu du succès avec ça
En 1849, il écrit « Bankrupt », une pièce difficile dans la tradition de l’école naturelle. C'est plus terrestre que les pièces de Gogol. On l’a lu chez Pogodine. Cette lecture a été organisée par la comtesse Rostopchina et Gogol y a été invité. Il existe une légende selon laquelle Gogol a dit plus tard que le talent pouvait être ressenti dans tout. Il y a eu quelques lacunes techniques, mais cela viendra avec la pratique, mais en général, ils sont tous talentueux. Mais la censure n'a pas permis à la pièce de passer, invoquant le fait qu'il n'y avait pas une seule personne positive. Tous sont des canailles. dit Pogodine. Pour qu'Ostrovsky le modifie un peu, le renomme et le soumette à nouveau. C’est exactement ce qu’il a fait. l'a rebaptisé « Notre peuple, nous serons numérotés » et a finement signé Faillite, et en effet la pièce a été autorisée. Et en 1950, dans le 5ème numéro du magazine Moskvityanin, il a été publié. Ils ont immédiatement commencé à le mettre en scène dans le petit théâtre. Shumsky - Podkholuzin, Prov Sadovsky - Bolshov. Mais avant la première, une interdiction de production est intervenue. Cela a été retardé de 11 ans ! Sa première création remonte à 1961. La composition a changé. Prov Sadovsky a joué Podkholuzin (Shumsky est tombé malade), Tishka a été joué par son fils Michal Provovich, Shchepkin a joué le Bolchoï.
Trois images de Podkholuzin, Bolshov et Tishka - trois étapes différentes du développement du capitalisme en Russie
Bolchov, semi-alphabète, gris, ne pensant à personne, s'avère victime de sa noirceur
Podkholuzin comprend qu'on ne peut pas simplement voler (comme le Bolchov) et il arrange un mariage avec Lipochka et s'approprie légalement la capitale du Bolchoï.
Tishka est un garçon serviteur. Il a 3 pièces. Et il gère ces pièces. Un pour les bonbons, un pour prêter à intérêt, le troisième pour se cacher au cas où. Ce type d'élimination des pièces de monnaie est déjà un avenir lointain pour la Russie
Cette pièce se démarque. C'est le seul épicé où tout le monde est mauvais. La vie a brisé l'auteur et il a écrit diverses pièces de théâtre. Il a compris qu'une personne contient à la fois du bien et du mal et a commencé à écrire de manière plus volumineuse, faisant ressortir les personnages de la vie. Il vous le dira plus tard. Il n’est pas nécessaire d’inventer des histoires, elles sont partout autour de nous. Ses pièces seront basées sur des histoires d'acteurs, d'amis, de procédures judiciaires au cinéma e Tribunal de Moscou où se trouve sa succession Shchelyk Ô dans. C'est là qu'il écrit toutes ses pièces.
L'hiver, c'est quand je conçois l'intrigue, le printemps et l'été, c'est quand je la traite, et à l'automne, je l'amène au théâtre. Parfois plus d'une pièce par an. Burdin, son ami de lycée, devenu mauvais acteur mais bon homme politique, a soumis ses pièces à la censure à Saint-Pétersbourg, y a joué Le rôle principal puis la pièce a été diffusée gratuitement à Moscou. S'il s'est déroulé à Saint-Pétersbourg, il n'est pas nécessaire d'obtenir la censure à Moscou.
La deuxième pièce, « The Poor Bride », a également été interdite par la censure. Il l'a écrit pendant 2 ans.
Après l'interdiction de « nous compterons notre propre peuple », Ostrovsky fut soumis à une double tutelle (3 départements - le Comité Buturlinsky - la supervision politique et la supervision policière - surveillaient la moralité d'Ostrovsky). C'était l'époque du règne de Nicolas 1er. C'étaient difficiles années et ses pièces ne sont pas apparues sur scène.
53-55, c'est 3 ans quand Ostrovsky a fait un certain geste tactique qui l'a sauvé en tant que dramaturge. Il a écrit 3 pièces avec une telle orientation slavophile (Slavophiles (Aksakov, Pogodine) et Occidentaux (Herzen, Ogarev, Raevsky) - deux mouvements qui se sont battus dans la 1ère moitié du 19ème siècle pour l'avenir de la Russie.)
« Ne montez pas dans votre propre traîneau », « La pauvreté n’est pas un vice », « ne vivez pas comme vous le souhaitez ». Ces 3 pièces ne sont pas très profondes, mais elles donnent à l'auteur un chemin vers la scène.
Ostrovsky a 2 types pièces de théâtre - titres des proverbes et puis il est clair comment ils vont évoluer et comment les choses vont se terminer et avec un titre imprévisible, par lequel il est difficile de comprendre la pièce tout de suite (Orage, Dot, Mad Money)
"La pauvreté n'est pas un vice"
Gordey Tortsov (fier) - honte de son frère
Nous aimons Tortsov (bien-aimé) - un ivrogne, un gardien de clôture, il n'a nulle part où vivre.
La pièce est jouée pendant la période de Noël. Korshunov arrive pour épouser la fille de Gordey et Lyubim aide Lyubushka à éviter ce terrible sort (Korshunov a tué sa précédente épouse, qui a ruiné ?) Gordey est un tyran. A la question : à qui donnerez-vous votre fille ? Il répond - Oui, au moins pour Mitka ! (C'est un employé qui a un amour mutuel avec Lyubushka) Cela semble être une blague, mais Lyubim aide les jeunes à trouver le bonheur. Cette pièce a connu un franc succès.
« Ne montez pas dans votre propre traîneau » est la première pièce à paraître. Ils ont joué dans un grand théâtre avec un grand rassemblement. Nikulina-Kositskaya a joué Avdotya Maksimovna, Prov Sadovsky a joué le Bolchoï.
Il était inhabituel de voir l'actrice dans une simple robe en chintz. Habituellement, les actrices portaient des tenues luxueuses. C'était un succès complet.
La première suivante fut « La pauvreté n'est pas un vice » (1854) et ce fut une première assourdissante. Le public a tellement aimé P. Sadovsky qu'Apollo Grigoriev a écrit dans son article : Plus large la route, Love Tortsov arrive !
Mais il a également écrit tout un poème sur Sadovsky dans ce rôle.
Dans la littérature, vous pouvez trouver une déclaration. Que Shchepkin n'a pas accepté Ostrovsky. Ils avaient relations difficiles. Ivanova n'y croit pas. Chtchepkine ne pouvait être en mauvais termes avec personne. Ici, deux époques se sont heurtées. Herzen a écrit que Shchepkin n'était pas théâtral au théâtre. Nous devons comprendre. Que le degré de non-théâtralité est dialectique et flexible. Aujourd’hui, lorsque nous écoutons les enregistrements du Théâtre d’art de Moscou, nous entendons de la théâtralité et de l’exagération. Chaque génération propose sa propre mesure de simplicité. Shchepkin, bien que n'étant pas un personnage de théâtre, vit toujours à une époque romantique. Et sa façon de percevoir la vie est romantique.
P. Sadovsky crée Tortsov d'une manière très naturaliste (sale, ivre, pas bon) et Apollo Grigoriev le félicite pour cela. Mais Shchepkin n'accepte pas un tel Tortsov.
En 1954, Chtchepkine est au pouvoir et pourrait bien dire à un jeune acteur : bougez, je jouerai moi-même Lyubim Tortsov. Mais il ne le fait pas. Il écrit à Nijni Novgorod et demande de l'emmener à vélo. Postez la pièce d'Ostrovsky, apprenez-la et je viendrai jouer Lyubim Tortsov. C'est ce qui se passe. Il va et joue. Pour P. Sadovsky, le social est important. La position de Tortsov, sa saleté, pour Shchepkin sa hauteur morale et sa pureté intérieure sont importantes. Il joue ce personnage de manière romantique. Il l'élève au-dessus du monde révélé par Sadovsky.
Shchepkin a également joué au Bolchoï. Il l'adoucit et le justifie. Dans la finale, je me sens désolé pour lui. En 1961, la censure qui a permis la production exige la punition des personnages négatifs et le théâtre introduit un policier qui, en finale, vient arrêter Podkholuzin. Et Sadovsky prend le policier par le coude, le conduit sur le devant de la scène et lui donne une liasse d'argent. Il s’agit d’une mise en scène d’acteur, mais ce faisant, il corrige les ingérences de la censure, du gouvernement et de la direction des théâtres impériaux, qui voulaient réduire le son de la pièce.
En 1855, Nikolai-1 mourut et Ostrovsky en profita. Et l'oppression de son règne de 25 à 55 s'atténuera. Après le soulèvement des décembristes, il a vu une conspiration partout et en tout. Les arrestations et la surveillance stricte seront désormais terminées. Son fils Alexandre -2 arrive au pouvoir. Beaucoup de choses changent. Ostrovsky est libéré de sa surveillance et se rend à Saint-Pétersbourg. Il est accueilli par tous les écrivains (parmi lesquels Tolstoï, Kraevski, Nekrassov et Saltykov-Shchedrin) et un dîner de gala est organisé. Ils déposent une couronne dont les rubans sont détenus par Gontcharov et Tourgueniev. On lui propose de publier dans Otechestvennye zapiski et Sovremennik. Ensuite, Ostrovsky part en expédition le long de la Volga, organisée par la Société géographique russe (il a compilé un dictionnaire des mots de la Volga, rassemblé des intrigues et conçu une trilogie, mais il n'écrira qu'une seule pièce, "Rêve sur la Volga") En général, dans de nombreuses pièces d'Ostrovsky, il y a la Volga (fiction de M. Kalinov dans Orage, dot et cœur chaud).
Au XIXe siècle, de nombreux dramaturges et modèles dramatiques composaient une certaine intrigue autour de triangle amoureux. Toutes ces pièces étaient du même type. Ils étaient composés.
Ostrovsky a donné au matériel la possibilité de se développer, a donné un volume qui vient de la vie, même dans les pièces de proverbes.
Dans la pièce « Ce n'est pas que Maslenitsa pour chats », l'auteur achèvera le développement de l'image d'un tyran marchand. Il révèle un tel trait de caractère. La première fois qu'il parle d'elle, c'est dans la pièce "Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois" de Tit Titovich Bruskov - personnage principal Un marchand illettré devenu riche ne permet pas à son fils Andrei d'étudier, car il n'en voit pas la nécessité. O1.28.31 c'est dans cette pièce que ce concept même surgira : le tyran. Ensuite Ostrovsky utilise ce thème de la tyrannie dans diverses groupes sociaux. Dans "L'Élève", la noble tyran Ulanbekova, dans "La Forêt" de Gurmyzhskaya, dans "Lieu rentable" de Yusov, dans "L'Orage" de Dikaya. Mais les principaux tyrans sont les marchands. Dans « Warm Heart », Kuroslepov et Khlynov sont des personnages merveilleux. Kuroslepov - vengeance contre Prov Sadovsky. Dans "Rêve sur la Volga", il y a un endroit où le gouverneur s'endort. Et un jour, Sadovsky s'est endormi à cet endroit. Ostrovsky l'a ridiculisé dans Kuroslepov et lui a confié ce rôle. Kuroslepov ne fait que dormir et manger.
Khlynov est un homme riche, boit, organise des jeux. Il déguise son peuple en voleurs et sort sur l'autoroute pour effrayer les passants.
Développer cette image d'un tel marchand revient à la pièce "Tout n'est pas Maslenitsa pour le chat" 31.01.54
Il y a un tyran marchand Akhov. C'est le dernier marchand tyran d'Ostrovsky.
Il courtise la pauvre dot Agnia, elle refuse et épouse son neveu Hippolyte. Et son neveu, le menaçant d'un couteau, prend l'argent pour épouser Agnia. Et son colocataire et femme de chambre dit qu'il s'est perdu dans sa propre chambre et qu'il a commencé à se comporter mal. C’est une telle hyperbole, très importante. Il semble être le dirigeant et ne peut rien réaliser. Il demande aux jeunes de balayer la cour. Il est prêt à payer pour le mariage, soumettez-vous à moi. Mais ils refusent. Et il est confus...
La pièce suivante est "Mad Money" et le marchand Vasilkov, qui combine son amour pour Lydia Cheboksarova avec le profit. Il est important pour lui de l'épouser afin de s'élever dans un autre cercle social (c'est une noble).
Knurov et Vozhevatov dans « La dot » incarnent Larisa au tirage au sort pour l'emmener à Paris. Ce ne sont plus des commerçants analphabètes. Ce ne sont plus des tyrans, mais des capitalistes. Ils vont à une exposition industrielle à Paris.
« La dernière victime » est le marchand-capitaliste Pribytkov. Il collectionne les tableaux. Ioulia Tukina.
Ses tableaux ne sont que des originaux ; il va écouter Pati (superstar de la soprano calarature italienne) à l'opéra. Dans les années 1980, ce niveau était déjà familier à la Russie. 01.35.50
Tretiakov collectionne les peintures russes. Chtchoukine collectionne les peintures impressionnistes. Ryabushinsky publie le magazine « Golden Fleece » 1.36.51 Pour cette publication russe. les artistes peignent des portraits de dramaturges et d'acteurs (Serov - un portrait de Blok, Oulianov - Meyerhold dans le rôle de Pierrot de «Balaganchik»). Bakhrushin collectionne des reliques théâtrales. Mamontov créera un opéra russe privé et éduquera Chaliapine. Morozov est associé au théâtre d'art. Il est actionnaire du théâtre qui vient de naître en 1998. En 1902, il leur construisit un bâtiment sur Kamergersky Lane.
Dans Pribytkov, Ostrovsky a décrit les caractéristiques de ces marchands et mécènes des arts. Ils dépensent leur argent à bon escient. Ils créent la Russie. En fin de compte, tout cela revient à l’État.
La plupart des pièces d'Ostrovsky concernent les marchands. Mais il accorde une grande attention au sujet : le sort d'une jeune femme. En commençant par The Poor Bride, Ostrovsky explore la position des femmes dans la société russe. Marya Andreevna est si pauvre qu'elle perdra à tout moment son abri et sa nourriture. Elle est amoureuse de Méric. Il est faible, manque d'initiative, il l'aime, mais il ne peut pas l'aider, il n'a pas d'argent. Et en conséquence, elle épouse Benivalyavsky, qui choisit comme épouse une fille qui n'a rien. Cela signifie qu'elle sera complètement dépendante de lui et qu'il la tyrannisera. Marya Andreevna le comprend, mais elle n'a pas le choix.
Nadya à la maternelle est également obligée de se marier. Oulanbekova lui a tout donné et s'en est donc débarrassée comme un bien. Tyranille. Elle la destine à devenir l’épouse d’un monstre ivre et pense que la haute moralité de Nadya lui sera bénéfique et le corrigera. Mais Nadya court vers l'île avec le fils d'Ulanbekova et y passe la nuit. Puis elle dit : il n'y aura plus de vie. Tout est fini.
La prochaine sur cette liste est Katerina dans The Thunderstorm. Elle est née de l'amitié avec Nikulina-Kositskaya (sur la façon dont elle a navigué sur un bateau sans rames et comment elle a vu des anges dans une colonne de lumière - ce sont les histoires de N-Kositskaya). Mais l'actrice elle-même a plus de multiples facettes que Katerina. Il y a beaucoup de Varvara en elle. Elle chante et a de l'humour et un énorme talent. Ostrovsky a écrit Katerina pour elle. Varvara et Katerina sont les deux faces d'un même personnage. Katerina a été abandonnée sans amour. Et il lui est difficile d'aimer son mari. Tikhon sous le règne de Kaban Et hé sans voix. S'il y avait eu un enfant, Boris ne serait pas apparu dans sa vie. Mais elle ne pouvait pas tomber enceinte d'un ivrogne et d'un faible. Et Boris apparaît à cause des ennuis et du désespoir. Les Kabanikhs étaient le nom donné aux énormes pierres placées aux carrefours. Pour que les triplés n'entrent pas en collision. La belle-mère de Katerina aussi. Sur le chemin, vous ne pouvez pas contourner tout le monde, vous ne pouvez pas les contourner. Elle appuie avec son poids. Katerina se jette à l'eau non pas sous la pression de sa belle-mère, mais à cause de la trahison de Boris. Il la quitte, ne peut rien faire, ne l'aime pas.
Qui, amoureux, souhaiterait une mort rapide à sa bien-aimée ? Et il dit qu’elle devrait mourir vite, pour qu’elle ne souffre pas autant.
Katerina est une personne pieuse. Elle tombe à genoux devant la fresque du Jugement dernier lors d'un orage et se repent. Et peut-être qu'après avoir commis le premier péché mortel, elle se punit en commettant le deuxième péché mortel, afin de recevoir le plein châtiment de Dieu. Bien qu'Ostrovsky lui donne un nom qui signifie pureté.
L'orage est un nom multifonctionnel. Elle est présente en tout. Pas seulement dans la nature.
Suivant Larisa. Elle est incapable de se suicider. Elle choisit entre mourir ou devenir une chose. Karandyshev veut se marier pour s'élever aux yeux de la société. Knurov et Vozhevatov y jouent comme une chose. Et à la fin, elle prendra une décision - si c'est une chose, alors chose chère. Ostrovsky sauve Larisa en mourant aux mains de Karandyshev. Et quand il la tue, il la traite comme une chose (donc ne l’obtenez de personne).
Yulia Tugina est une veuve qui épouse Pribytkov.
19ème siècle - une femme doit se marier pour survivre. A la fin du XIXème siècle, elle a l'opportunité de devenir gouvernante et de devenir compagne. Mais ce n'est pas bon non plus... une existence misérable. Dépendance... ce sont déjà des thèmes tchékhoviens.
Ostrovsky trouve une autre issue pour théâtre de femmes. Au XIXe siècle, les actrices apparaissaient déjà au théâtre. Mais il existe une telle loi : si un noble devient acteur, il perd son affiliation à la noblesse. Et le marchand quitte la guilde des marchands. Et la vie d’une actrice est toujours sujette à caution. Vous pouvez l'acheter. Dans « Talents et admirateurs », Ostrovsky montrera ainsi la vie de Negina.
Certes, dans sa dernière pièce, « Coupable sans culpabilité », il écrit un mélodrame avec une fin heureuse. Là, l'actrice s'élève au-dessus de tout le monde. devient grand et dicte ses propres règles. Mais c'est 84 fin de l'année 19ème siècle.
« La Fille des Neiges » est née à Shchelykovo. Il y a la nature, la forêt intacte. C'est une pièce sur la joie de vivre. À propos de l'harmonie dans la vie. À propos du flux objectif de la vie. L'harmonie devrait égayer toutes les tragédies. À la fin, les héros meurent. La Snow Maiden a fondu, Mizgir s'est jeté dans le lac, la disharmonie vient de quitter cette colonie. La Fille des Neiges était un début étranger et inhabituel qui a envahi la colonie à partir d'un conte de fées. Et Mizgir est un traître, il a abandonné Kupava. Et quand ils meurent, l'harmonie, la paix et le bonheur arrivent. La pièce a été écrite pour Fedotova. Ostrovsky écrivait souvent des pièces pour certains acteurs. Tolstoï s'est moqué de lui, puis il a commencé à faire de même lui-même.
Il a également écrit « Vasilisa Milentyev » pour Fedotova le 58/01/26
Cette pièce a été inventée par Gedeonov Jr. (directeur des théâtres impériaux). Ostrovsky l'a aidé à penser à cette pièce. Tout comme dans « Le Mariage de Belugin » et « Savage », il devrait y avoir 2 noms d'auteurs. Ce sont des pièces écrites avec des étudiants. Surtout avec Soloviev.
Ostrovsky a une ligne un jeune homme avec une formation universitaire. Ce qui prend vie. C'est Zhadov dans "Profitable Place". Dans « The Poor Bride », Ostrovsky a tenté de créer une telle image de Merich. Mais c'est son échec. Ostrovsky a essayé à un moment donné de vivre dans deux projections du théâtre réaliste qu'il a créé et s'est tourné vers le théâtre romantique, à travers Merich. Deux directions se sont heurtées dans la pièce et c'est devenu lourd.
Zhadov est un homme sans argent, il suit un chemin pur. Ostrovsky dit de lui qu'il est comme un sapin de Noël décoré. Il n'a rien à lui. Il a apporté tous ces idéaux de l'université, mais n'a pas souffert pour eux. C'est pour ça qu'il fait des bêtises. Premièrement, il épouse Polina sans dot, n'ayant rien à son nom. Au XIXe siècle, c'était même un crime. Les fonctionnaires étaient autorisés à se marier. Le mari doit assumer la responsabilité de sa femme. Et Zhadov dit honnêtement à Polina qu'ils gagneront honnêtement leur pain, mais elle ne sait pas comment. Elle s'efforce de quitter rapidement la protection de sa mère et se marie. Et de là naît toute la tragédie.
Chernyshevsky et Dobrolyubov ont reproché à Ostrovsky d'avoir sauvé Zhadov en écrivant une telle fin - l'arrestation de Yusov et Vyshnevsky.
Dans la pièce « The Deep », Ostrovsky poursuit le thème d'un si jeune homme. Kiselnikov, contrairement à Zhadov, qui a réussi à se marier et à avoir des enfants, est contraint de se sacrifier pour le bien-être de sa famille. Il commet un crime pour lequel il reçoit de l'argent. Il mourra, il sera emprisonné.
Poursuivant le thème de Glumov de « La simplicité suffit à tout homme sage », l'homme est un protée - intelligent, méchant. Il sait se défendre. Mais dans ce cas, une formation universitaire lui fera une cruelle blague. S'il avait été plus simple, comme Zhadov, ni si méchant ni si intelligent, il n'aurait pas écrit ce journal. Et Glumov, comprenant sa situation et voulant s'en sortir, prend soin de sa tante, le flatte, etc., et finit par se faire percer. Et il abandonne pour toujours ses rêves d’une vie meilleure. Il ne recommencera plus jamais cette arnaque.
Ostrovsky nous montrera Glumova de retour dans « Mad Money » et on comprend qu'il n'a rien accompli.
Ostrovsky a une pièce de théâtre intitulée «Les personnages ne se sont pas mêlés», dans laquelle un jeune homme, Paul, épouse la femme d'un riche marchand dans l'espoir de gérer sa richesse. Mais elle fait vite comprendre qu’il ne recevra pas l’argent. Et ils s'enfuient.
Et pour que Glumov ait ce bonheur, il doit être Balzaminov et épouser la folle Belotelova, qui accepte de le baigner dans l'or. Mais c'est du vaudeville. Jeu fantastique. Et ce n'est pas un hasard si Ostrovsky introduit Glumov dans « Mad Money » pour montrer qu'il ne sera pas content. Et contrairement à Vasilkov, qui propose de multiplier l'argent et de le faire fonctionner, Glumov va épouser l'argent et bien sûr rien de bon ne l'attend.
Et il y a un autre jeune homme, Petya Meluzov dans « Talents et admirateurs » - le professeur de Negina. Il se retrouve sans rien et repart donc invincible. Déclarer aux fans. Que tu corrompts, et j'éclaire.
En parlant de Meluzov, je me souviens de Petya Trofimov. Ils sont très similaires et c'est l'impression. Que Tchekhov cite Ostrovsky. Petya Trofimov est comme l'avenir de Petya Meluzov. Il est idéaliste et n'obtiendra donc jamais un résultat positif
Ostrovsky joue avec les images et, à mesure qu'il écrit de nouvelles pièces, on peut retracer l'évolution de ces images.
"Loups et moutons" (1868) est une pièce de théâtre tirée de la vie. Ostrovsky l'a transporté hors de la salle du tribunal, où le cas de l'abbesse Mitrophania, née baronne Rosen, était en cours de décision. Comme Murzavetskaya, elle était impliquée dans des faux et volait pratiquement des marchands stupides. Cette affaire a été jugée par un tribunal civil, même si généralement le clergé n'a pas permis que le sien soit porté devant le tribunal d'État. Ils avaient leur propre cour spirituelle. Mais l'affaire était si bruyante qu'il était impossible de faire autrement. Ostrovsky rêvait d'écrire sur le monastère, mais la censure ne le permettait pas. Le clergé ne peut pas être amené sur scène. Et il fonde un tel monastère au sens figuré. Murzavetskaya elle-même est en noir, tout comme ses parasites. Et les conditions y sont si strictes et monastiques.
C'est la loi de la vie. Quelqu'un est un loup, quelqu'un est un mouton. Et à un moment donné, ils peuvent changer de rôle (changements dialectiques). Glafira passe du statut de mouton à celui de loup. Nous considérons Lynyaev comme un mouton, mais à la fin, il dévoile tous les crimes de Murzavetskaya et trouve la source de tous les attentats qui se produisent autour de Kupavina. Pour tous les loups présents dans la pièce, apparaît le loup le plus important, les Aigles royaux. Murzavetskaya comprend qu'elle est devenue une brebis et demande à Berkutov de la quitter, même si elle est un loup inférieur.
Ostrovsky a de nombreux thèmes. Il existe de nombreuses pièces sur le théâtre. A partir de ces pièces, nous pouvons juger du théâtre du XIXe siècle. Comment est le théâtre en province (« Forêt », « Talents et fans », « Coupable sans culpabilité »)
Le talent ne peut pas percer, car les fans l'achètent et essaient de l'humilier et de le rendre dépendant, et ce n'est que dans le mélodrame "Coupable sans culpabilité" que Kruchinin passe d'une jeune femme souffrante, Lyubov Ivanovna Otradina, à une brillante actrice, car passera par le chemin de la perte et de la tragédie et acquerra finalement le talent d'une actrice pour qui rien ne fait peur. Et à la fin, il retrouvera son fils. Ostrovsky comprend que le théâtre est dans un état déplorable, que trois répétitions ne suffisent pas pour une représentation. Il a essayé de l'aider d'une manière ou d'une autre. Faites des commentaires, mais ce ne sont que des miettes. Un jour, il a demandé à remplacer un fond déchiré pour la pièce « Rêve sur la Volga » et le jour de la première, il a vu un fond avec un paysage hivernal, et dans sa pièce, c'était l'été...
Martynov (le premier interprète de Tikhon Kabanova), Prov Sadovsky (l'ami le plus proche d'Ostrovsky) et Nikulina-Kositskaya sont des acteurs formés dans la première moitié du XIXe siècle et arrivés au théâtre avant Ostrovsky. Ils l'idolâtraient pour ses pièces de théâtre.
Savina, Strepetova, Davydov, Varlamov, Lensky, Yuzhin, Shchepkin - deviennent acteurs dans les théâtres impériaux, après avoir été acteurs provinciaux. Ensuite, ils ont demandé des débuts au théâtre (ils n’ont pas payé pour les débuts) et sont restés dans les capitales.
Ostrovsky n'aime pas cette situation. Les personnes sans école ne sont même pas formées pour ce rôle. En 1738, une école (ballet et chorale) fut ouverte. De telles écoles apparaissent à Moscou et à Saint-Pétersbourg. Des enfants à partir de 8,9 ans y ont été emmenés et ont enseigné le ballet. Le ballet est devenu la base de l'école impériale (cette voie a été suivie par Ermolova, Fedotova, Semenova, Martynov). Ensuite, vous pouviez choisir 3 voies : le ballet, le théâtre ou devenir artiste de théâtre (il y avait des cours de peinture).
La tuberculose était une maladie courante chez les acteurs du XIXe siècle. Poussière, feu ouvert. Danser au vaudeville... les acteurs meurent à 40 ans.
Ostrovsky l'a observé et a consacré ses articles aux actrices. Dans l'un d'eux, il compare Savina et Strepetova et écrit que Savina, qui peut jouer jusqu'à 15 rôles par saison, est assez rentable pour le théâtre, tandis que Strepetova, qui vit sur scène et après la représentation, s'emballe puis prend 2 des semaines pour reprendre ses esprits, ce n'est pas bénéfique pour le théâtre impérial. Le public du XIXème siècle allait voir l'acteur. Et quand l'acteur est tombé malade, la pièce a été filmée. Il n’y a eu aucun remplacement. En 1865, Ostrovsky crée un cercle artistique. Le député Sadovsky et son épouse Olga Osipovna Lazareva (Sadovskaya) seront élevés dans ce cercle. Il essaiera d'enseigner aux acteurs qui ont été élevés dans sa dramaturgie. Ostrovsky combat le monopole théâtral. Il participe à des réunions et devient vite convaincu que tout ne sert à rien. Là-bas, chacun cherche son propre bénéfice et ne se soucie pas du théâtre. Et il a l'idée de créer son propre théâtre.
En 1881, il reçut l'autorisation de créer un théâtre folklorique. Théâtre privé ne peut pas être créé. Le monopole théâtral ne le permet pas à Moscou. Il recherche un sponsor. Et en 1982, le monopole a été aboli et les théâtres privés se sont multipliés et sont devenus des concurrents d'Ostrovsky, il a donc abandonné l'idée d'un théâtre folklorique. Et la seule façon pour lui d’aider le théâtre était d’y aller travailler. Il devient la tête du répertoire et école de théâtre. Mais c'est dur pour lui. Ils ne l’aiment pas, il n’est pas à l’aise, il n’est pas affectueux, il n’a pas de principes. Mais il commence encore à reconstruire le théâtre, mais à l'été 86 il meurt subitement et le théâtre reprend ses vieilles habitudes. Et le Théâtre d'art de Moscou, né 12 ans plus tard, s'appuiera largement sur les réformes qu'Ostrovsky entendait mettre en œuvre. Tout d’abord, il rêvait d’un théâtre de répertoire. Il voulait créer un théâtre national russe parce que c'est le signe de la maturité de la nation.
Le summum du drame russe de la période considérée est l'œuvre d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky (1823-1886). La première « grande » comédie d'Ostrovsky « Notre propre peuple - nous serons numérotés ! (1850) a donné une idée précise d'un nouveau théâtre original, le Théâtre Ostrovsky. En évaluant cette comédie, les contemporains ont invariablement rappelé les classiques de la comédie russe - "Le Mineur" de Fonvizine, "Malheur de l'esprit" de Griboïedov, "L'Inspecteur général" de Gogol. Avec ces œuvres « emblématiques » du drame russe, ils ont mis à égalité la comédie « En faillite (« Notre propre peuple - nous serons comptés ! »).
Acceptant le point de vue de Gogol sur le sens de la comédie sociale, étant attentif à l'éventail des thèmes qu'il a posés dans la dramaturgie et aux intrigues qu'il a introduites dans ce genre, Ostrovsky dès les premiers pas de son parcours littéraire a fait preuve d'une totale indépendance dans l'interprétation des conflits modernes. Les motifs que Gogol interprétait déjà comme secondaires dans les premières œuvres d’Ostrovsky deviennent le nerf qui détermine l’action et passent au premier plan.
Au début des années 50, le dramaturge pensait que les conflits sociaux modernes étaient à leur paroxysme.
les diplômes se font sentir dans le milieu marchand. Cette classe lui semblait être une couche dans laquelle le passé et le présent de la société se fondaient en une unité complexe et contradictoire. La classe marchande, qui a longtemps joué un rôle important dans la vie économique du pays et a parfois pris part à des conflits politiques, est liée par de nombreux liens de relations familiales et commerciales, d'une part, avec les couches inférieures de la société ( paysannerie, philistins), d'autre part, avec les classes supérieures, dans la seconde moitié du XIXe siècle changé d'apparence. Il analyse les vices qui gangrènent le milieu marchand et que l'écrivain expose dans ses pièces, révélant leurs racines historiques et anticipant leurs possibles manifestations dans le futur. Déjà dans le titre de la comédie "Notre propre peuple - nous serons comptés !" le principe d'homogénéité de ses héros s'exprime. Les oppresseurs et les opprimés dans la comédie non seulement forment un système unique, mais y changent souvent de place. Un riche marchand, habitant de Zamoskvorechye (la partie la plus patriarcale du Moscou patriarcal), convaincu de son droit de contrôler de manière inexplicable le sort des membres de sa famille, tyrannise sa femme, sa fille et les employés de ses « institutions ». Cependant, sa fille Lipochka et son mari Podkhalyuzin, ancien employé et favori de Bolchov, le « récompensent » intégralement. Ils s'approprient son capital et, après avoir ruiné son petit frère, l'envoient cruellement et de sang-froid en prison. Podkhalyuzine dit à propos des Bolchov : "Cela leur suffira - ils ont fait des merveilles au cours de leur vie, maintenant c'est notre tour !" C’est ainsi que se développent les relations entre générations, entre pères et enfants. Le progrès est ici moins perceptible que la continuité, et d'ailleurs, Bolchov, malgré toute sa simplicité grossière, se révèle psychologiquement moins primitif que sa fille et son gendre. Incarnant avec précision et vivacité dans ses personnages l'apparition des « vices et défauts modernes constatés au cours du siècle », le dramaturge a cherché à créer des types ayant une dimension humaine universelle. signification morale. « Je voulais, expliqua-t-il, que le public marque le vice du nom de Podkhalyuzine, de la même manière qu'il marque du nom d'Harpagon, Tartuffe, Minor, Khlestakov et d'autres. » Les contemporains comparaient Bolchov au roi Lear et Podkhalyuzin était surnommé le « Tartuffe russe ».
Étranger à toute forme d'exagération, évitant toute idéalisation, l'auteur dessine clairement les contours des personnages qu'il représente et détermine leur échelle. Les horizons de Bolchov se limitent à Zamoskvorechye ; dans son monde limité, il éprouve tous les sentiments qu'un dirigeant dont le pouvoir est illimité éprouve à une autre échelle. Le pouvoir, la force, l'honneur, la grandeur satisfont non seulement son ambition, mais submergent également ses sentiments et le fatiguent. Il s'ennuie, accablé par son pouvoir. Cet état d'esprit, combiné à une profonde croyance dans la solidité des fondements familiaux patriarcaux, dans son autorité en tant que chef de famille, donne lieu à un soudain élan de générosité de Bolchov, qui donne tout ce qu'il a acquis « jusqu'à la chemise » à sa fille. et Podkhalyuzin, qui est devenu son mari.
Dans ce rebondissement, la comédie sur un failli malveillant et un employé rusé se rapproche de la tragédie de Shakespeare "Le Roi Lear" - le conflit de la recherche du profit se transforme en un conflit de confiance trahie. Cependant, le spectateur ne peut pas sympathiser avec la déception de Bolchov, la vivre comme tragique, tout comme il ne peut pas sympathiser avec la déception de l'entremetteur et de l'avocat, qui ont revendu leurs services à Podkhalyuzin et se sont trompés dans leurs calculs. La pièce s'inscrit dans le genre de la comédie.
La première comédie d'Ostrovsky a joué un rôle particulier à la fois dans le destin créatif de l'auteur et dans l'histoire du drame russe. Soumis à une stricte interdiction de censure après sa publication dans la revue Moskvityanin (1850), il ne fut pas représenté pendant de nombreuses années. Mais c’est cette comédie qui a ouvert une nouvelle ère dans la compréhension des « lois de la scène » et a annoncé l’émergence d’un nouveau phénomène de la culture russe : le théâtre d’Ostrovsky. Objectivement, il contenait l'idée d'un nouveau principe d'action scénique, le comportement d'un acteur, nouvelle forme recréer la vérité de la vie sur scène et dans le divertissement théâtral. Ostrovsky s'adressait principalement au public de masse, au « public frais », « qui exige un drame fort, une comédie majeure, provoquant des rires francs et bruyants, chauds, sentiments sincères, vivant et personnages forts" La réaction immédiate du spectateur démocrate a servi de critère au dramaturge pour le succès de sa pièce.
La première comédie frappait par sa nouveauté plus que les pièces ultérieures d'Ostrovsky, qui firent leur chemin sur la scène théâtrale et forcèrent Ostrovsky à être reconnu comme un « dramaturge de répertoire » : « La pauvre mariée » (1852), « Don' Montez dans votre propre traîneau » (1853) et « La pauvreté n'est pas un vice » (1854).
"The Poor Bride" reflétait, sinon un changement dans la position idéologique de l'écrivain, du moins une volonté d'aborder le problème de la comédie sociale sous un nouveau jour. L'unité dramatique de la pièce est créée par le fait qu'en son centre se tient une héroïne dont la position est socialement typique. Elle semble incarner l'idée générale de la situation d'une jeune femme sans dot. Chaque "ligne" d'action démontre l'attitude de l'un des prétendants à la main et au cœur de Marya Andreevna.
envers elle et représente une variante de l'attitude d'un homme envers une femme et le résultat d'une telle attitude destin féminin. Les formes traditionnelles de relations familiales généralement acceptées sont inhumaines. Le comportement des « prétendants » et leur vision de la belle sans dot ne lui promettent pas une vie heureuse.
Ainsi, « La Pauvre Mariée » appartient également à la direction accusatrice de la littérature, qu'Ostrovsky considérait comme la plus cohérente avec le caractère et la mentalité de la société russe. Si Gogol croyait que « l'étroitesse » de « l'intrigue amoureuse » contredit les tâches de la comédie sociale, alors Ostrovsky évalue sa condition précisément à travers la représentation de l'amour dans la société moderne.
Dans « La Pauvre Mariée », tout en travaillant sur lequel Ostrovsky, de son propre aveu, a éprouvé de grandes difficultés de création, il a réussi à maîtriser de nouvelles techniques de construction d'action dramatique, qu'il a ensuite appliquées principalement dans des pièces à contenu dramatique ou tragique. Le pathétique de la pièce est enraciné dans les expériences de l'héroïne, douée de la capacité de ressentir avec force et subtilité, et dans sa position dans un environnement qui ne peut pas la comprendre. Cette construction du drame a nécessité un développement minutieux personnage féminin et une représentation convaincante des circonstances typiques dans lesquelles se trouve le héros. Dans The Poor Bride, Ostrovsky n'a pas encore réussi à résoudre ce problème créatif. Cependant, dans la ligne secondaire de la comédie, une image originale a été trouvée, indépendante des stéréotypes littéraires, incarnant les spécificités de la position et de la mentalité d'une simple femme russe (Dunya). Le caractère vaste et varié de cette héroïne a ouvert dans l’œuvre d’Ostrovsky une galerie d’images de femmes simples d’esprit, dont la richesse du monde spirituel « vaut beaucoup ».
Donner la parole à un représentant des couches sociales inférieures, « non européanisées », en faire un héros dramatique voire tragique, exprimer en son nom le pathos des expériences sous une forme qui répond aux exigences du style réaliste, c'est-à-dire pour que son discours, ses gestes et son comportement soient reconnaissables et typiques, telle était la tâche difficile à laquelle l'auteur était confronté. Dans les œuvres de Pouchkine, de Gogol et surtout des écrivains des années 40, en particulier Dostoïevski, se sont accumulés des éléments artistiques qui pourraient être utiles à Ostrovsky pour résoudre ce problème spécifique.
Au début des années 50, un cercle d'écrivains, fervents admirateurs de son talent, se forme autour d'Ostrovsky. Ils sont devenus des employés, et au fil du temps, la « jeune rédaction » du magazine Moskvityanin. Les théories néo-slavophiles de ce cercle ont contribué à l’intérêt accru du dramaturge pour les formes traditionnelles de vie et de culture nationales et l’ont incité à idéaliser les relations patriarcales. Ses idées sur comédie sociale, ses moyens et sa structure. Ainsi, déclarant dans une lettre à Pogodine : « Il vaut mieux pour un Russe se réjouir de se voir sur scène que d'être triste. On trouvera des correcteurs même sans nous », l'écrivain a en effet formulé une nouvelle attitude face aux tâches de la comédie. La tradition mondiale de la comédie, qu'Ostrovsky a soigneusement étudiée, a offert de nombreux exemples de comédies humoristiques joyeuses qui affirmaient les idéaux de sentiments immédiats et naturels, de jeunesse, de courage, de démocratie et parfois de libre pensée.
Ostrovsky voulait baser une comédie vivifiante sur des motifs folkloriques et des traditions de jeux folkloriques. La fusion de la poésie folklorique, de la ballade et des intrigues sociales peut déjà être notée dans la comédie « Don't Get in Your Own Sleigh ». L'intrigue sur la disparition, la « disparition » d'une fille, le plus souvent la fille d'un marchand, et son enlèvement par un séducteur cruel était empruntée au folklore et populaire parmi les romantiques. En Russie, il a été développé par Joukovski (« Lyudmila », « Svetlana »), Pouchkine (« Le Marié », le rêve de Tatiana dans « Eugène Onéguine », « Chef de gare"). La situation de « l'enlèvement » d'une simple fille par une personne issue d'un environnement social différent - un noble - a été interprétée de manière aiguë en termes sociaux par les écrivains de « l'école naturelle ». Ostrovsky a tenu compte de cette tradition. Mais l’aspect folklorique et ballade légendaire n’était pas moins important pour lui que l’aspect social. Dans les pièces ultérieures des cinq premières années des années 50, l'importance de cet élément augmente. Dans « La pauvreté n'est pas un vice » et « Ne vis pas comme tu veux », l'action se déroule pendant les jours fériés, accompagnée de nombreux rituels dont l'origine remonte à d'anciennes croyances païennes, et le contenu est nourri de mythes. , légendes et contes de fées.
Et pourtant, dans ces pièces d'Ostrovsky, le légendaire ou intrigue de conte de fées« germé » avec les problèmes modernes. Dans "Don't Get in Your Own Sleigh", une collision survient à la suite d'une invasion extérieure dans un environnement patriarcal, conçu comme ignorant des contradictions internes importantes, un noble - un "chasseur" d'épouses marchandes avec un riche dot. Dans « La pauvreté n'est pas un vice », le dramaturge dessine déjà environnement marchand comme un monde non exempt de graves conflits internes.
À côté de la poésie des rituels et des fêtes populaires, il voit la pauvreté désespérée des ouvriers, l’amertume de la dépendance de l’ouvrier à l’égard du propriétaire, des enfants à l’égard de leurs parents, du pauvre instruit à l’égard du sac d’argent ignorant. Ostrovsky note également des changements socio-historiques qui menacent la destruction de la structure patriarcale. Dans « La pauvreté n'est pas un vice », la génération plus âgée est déjà critiquée, exigeant une obéissance inconditionnelle de la part des enfants ; son droit à une autorité incontestée est remis en question. La jeune génération agit en tant que représentante de la tradition vivante et toujours renouvelée de la vie populaire, de son esthétique et de son éthique, et du vieux pécheur repentant, perturbateur de la paix dans la famille, qui a dilapidé le capital « météore » au nom expressif « Amour ». », agit comme le héraut de la justesse de la jeunesse. Le dramaturge « charge » ce personnage de dire la vérité à l'indigne chef de famille ; il lui assigne le rôle de celui qui dénoue miraculeusement tous les nœuds serrés des conflits.
L'apothéose de Lyubim Tortsov à la fin de la pièce, qui a suscité la joie du public, a suscité de nombreux reproches et même des moqueries de la part des critiques littéraires. Le dramaturge a confié le rôle de porteur de nobles sentiments et de prédicateur du bien à un homme non seulement déchu aux yeux de la société, mais aussi un « clown ». Pour l'auteur, le trait de « bouffonnerie » de Lyubim Tortsov était extrêmement important. Dans l'action de Noël, qui se déroule sur scène au moment où se déroule la tragique confrontation du méchant riche qui sépare les amants, Lyubim Tortsov joue le rôle d'un grand-père farceur traditionnel. Au moment où les mamans apparaissent dans la maison et où l'ordre de vie ordonné du nid fermé et imperméable aux regards indiscrets du nid du commerçant est perturbé, Lyubim Tortsov, un représentant de la rue, monde extérieur, la foule, devient maître de la situation.
L'image de Lyubim Tortsov combine deux éléments drame populaire- la comédie, avec sa bouffonnerie, son esprit, ses techniques farfelues - les « genoux », la bouffonnerie, d'une part, et la tragédie, générant une explosion émotionnelle, permettant des tirades pathétiques adressées au public, l'expression directe et ouverte du chagrin et de l'indignation - de l'autre autre.
Plus tard, dans plusieurs de ses œuvres, Ostrovsky a incarné les éléments contradictoires, le drame interne du principe moral et la vérité populaire dans des personnages « jumelés » menant une dispute, un dialogue ou simplement « en parallèle » exposant les principes d'une morale dure. et l'ascétisme (Ilya - « Ne vis pas comme tu veux » ; Afonya - « Le péché et le malheur ne vivent sur personne ») et les préceptes de l'humanisme populaire, la miséricorde (Agathon - « Ne vis pas comme ça... ", grand-père Arkhip - "Péché et malheur..."). Dans la comédie « La Forêt » (1871), le principe moral universel de gentillesse, de créativité, de fantaisie, d'amour de la liberté apparaît également sous une double forme : sous la forme d'un idéal tragique élevé, porteur de manifestations réelles et « fondées » dont le tragédien provincial Neschastlivtsev, et sous ses formes traditionnellement comiques - dénis, travestissements, parodies, qui sont incarnés dans le comédien provincial Schastlivtsev. L’idée que la morale populaire elle-même, les conceptions morales les plus élevées du bien, sont sujettes à controverse, qu’elles sont mobiles et que, existant pour toujours, elles sont constamment mises à jour, détermine les caractéristiques fondamentales de la dramaturgie d’Ostrovsky.
L'action dans ses pièces se déroule généralement dans une seule famille, parmi des parents ou dans un cercle restreint de personnes associées à la famille à laquelle appartiennent les personnages. Parallèlement, depuis le début des années 50, dans les œuvres du dramaturge, les conflits sont déterminés non seulement par les relations intrafamiliales, mais aussi par l'état de la société, de la ville et du peuple. L’action de nombreuses pièces, peut-être de la plupart, se déroule dans le pavillon d’une pièce ou d’une maison (« Nous compterons nos propres gens ! », « Pauvre mariée »). Mais déjà dans la pièce « Pas sur mon traîneau… » l'un des épisodes les plus dramatiques est transféré dans un décor différent, se déroulant dans une auberge, comme s'il incarnait la route, l'errance à laquelle Dunya s'est vouée après avoir quitté son pays natal. maison. L’auberge dans « Ne vivez pas comme vous le souhaitez » a la même signification. Ici, vous rencontrez des vagabonds venant à Moscou et quittant la capitale, qui sont « chassés » de chez eux par le chagrin, l'insatisfaction face à leur situation et le souci de leurs proches. Cependant, l’auberge est représentée non seulement comme un refuge pour les voyageurs, mais aussi comme un lieu de tentation. Il y a ici des réjouissances, des divertissements imprudents, qui s'opposent à l'ennui d'une maison familiale de marchands convenable. À la méfiance des habitants de la ville et à l'isolement impénétrable de leurs foyers et de leurs familles s'opposent une liberté ouverte, balayée par le vent et festive. Le « cercle » de Maslenitsa dans « Ne vis pas comme ça... » et la divination de Noël dans « La pauvreté n'est pas un vice » prédéterminent le développement de l'intrigue. Le conflit entre antiquité et nouveauté, qui constitue un aspect important du conflit dramatique dans les pièces d'Ostrovsky du début des années 50, est interprété de manière ambiguë par lui. Les formes de vie traditionnelles sont considérées comme éternellement renouvelées, et c’est seulement en cela que le dramaturge voit leur viabilité. Dès qu’une tradition perd sa capacité à « se renier », à réagir
Illustration:
Illustrations de P. M. Boklevsky pour les comédies de A. N. Ostrovsky
Lithographies. 1859
besoins vitaux des hommes modernes, il se transforme donc en une forme morte et contraignante et perd son propre contenu vivant. L'ancien entre dans le nouveau, dans la vie moderne, dans laquelle il peut jouer le rôle soit d'un élément « d'entrave », opprimant son développement, soit d'un élément stabilisant, assurant la force de la nouveauté émergente, selon le contenu de l'ancien qui préserve la vie des gens.
Le choc entre les militants défenseurs des formes de vie traditionnelles et les porteurs de nouvelles aspirations, la volonté de s'exprimer librement, d'affirmer sa propre conception de la vérité et de la moralité, développée personnellement et durement gagnée, constitue le cœur du conflit dramatique dans « Le Orage» (1859), un drame qui a été considéré par les contemporains comme un chef-d'œuvre de l'écrivain et l'incarnation la plus vivante du sentiment public de l'époque de la chute du servage.
Dobrolyubov, dans son article « Le Royaume des Ténèbres » (1859), décrit Ostrovsky comme un disciple de Gogol, un écrivain à l'esprit critique qui montrait objectivement tous les côtés sombres de la vie dans la Russie moderne : le manque de conscience juridique, le pouvoir illimité des anciens dans le la famille, la tyrannie des riches et des puissants, le silence de leurs victimes, et a interprété cela comme une image de l'esclavage universel comme le reflet du système politique dominant dans le pays. Après la parution de « L'Orage », le critique a complété son interprétation de l'œuvre d'Ostrovsky par un point important sur l'éveil de la protestation et de l'indépendance spirituelle parmi le peuple comme motif important pour le travail du dramaturge à une nouvelle étape (« Un rayon de lumière dans royaume des ténèbres", 1860). Il a vu l'incarnation du peuple en éveil dans l'héroïne de "L'Orage" Katerina - une nature créative, émotionnelle et organiquement incapable de supporter l'asservissement des pensées et des sentiments, l'hypocrisie et les mensonges.
Les différends sur la position d'Ostrovsky, sur son attitude envers la vie patriarcale, envers l'Antiquité et les nouvelles tendances de la vie populaire ont commencé lors de la collaboration de l'écrivain à Moskvityanin et ne se sont pas arrêtés après qu'Ostrovsky soit devenu un contributeur permanent à Sovremennik en 1856. Cependant, même un partisan ardent et constant de la vision d'Ostrovsky en tant que chanteur de la vie ancienne et des relations familiales patriarcales, A. Grigoriev, dans l'article « Art et moralité », a admis que « l'artiste, répondant aux questions de l'époque, se tourna d'abord brusquement vers son ancien
de manière négative... Il y avait maintenant un pas vers la protestation. Et la protestation pour un nouveau départ dans la vie des gens, pour la liberté d’esprit, de volonté et de sentiments… cette protestation a éclaté avec audace avec « l’Orage ».
Dobrolyubov, comme A. Grigoriev, a souligné la nouveauté fondamentale de "L'Orage", l'intégralité de son incarnation des caractéristiques du système artistique de l'écrivain et le caractère organique de l'ensemble de son parcours créatif. Il définissait les drames et les comédies d'Ostrovsky comme des « pièces de théâtre de la vie ».
Ostrovsky lui-même, ainsi que les désignations traditionnelles des genres de ses pièces comme « comédie » et « drame » (contrairement à son contemporain Pisemsky, n'a pas utilisé la définition de « tragédie ») ont donné des indications sur le caractère unique de leur nature de genre : « images de la vie de Moscou » ou « images de la vie de Moscou », « scènes de la vie du village », « scènes de la vie de l'outback ». Ces sous-titres signifiaient que le sujet de l'image n'était pas l'histoire d'un personnage, mais un épisode de la vie de tout un environnement social, déterminé historiquement et territorialement.
Dans « L'Orage », l'action principale se déroule entre les membres de la famille marchande Kabanov et leur entourage. Cependant, les événements ici sont élevés au rang de phénomènes d'ordre général, les héros sont typifiés, les personnages centraux reçoivent des personnages brillants et individuels et de nombreuses personnes participent aux événements du drame. personnages secondaires, créant un large milieu social.
Caractéristiques de la poétique du drame : l'ampleur des images de ses héros, animés par des convictions, des passions et catégoriques dans leur manifestation, l'importance du « principe choral » dans l'action, les opinions des habitants de la ville, leurs conceptions morales et les préjugés, les associations symboliques et mythologiques, le cours fatal des événements - donnez "L'Orage" caractéristiques du genre la tragédie.
L'unité et la dialectique du rapport entre la maison et la ville s'expriment plastiquement dans le drame, par le changement, l'alternance des scènes se déroulant sur la haute rive de la Volga, d'où sont visibles les champs lointains de la Trans-Volga, sur le boulevard, et des scènes véhiculant la vie de famille fermée, enfermée dans les pièces étouffantes de la maison Kabanovsky, les réunions de héros dans un ravin près du rivage, sous le ciel étoilé - et aux portes fermées de la maison. Des portes fermées, qui ne permettent pas aux étrangers, et la clôture du jardin des Kabanov derrière le ravin séparent le monde libre du monde libre. la vie de famille maison du marchand.
L'aspect historique du conflit, sa corrélation avec le problème des traditions culturelles nationales et du progrès social dans « L'Orage » sont exprimés avec une intensité particulière. Deux pôles, deux tendances opposées dans la vie des gens, entre lesquelles courent les « lignes de force » du conflit dans le drame, sont incarnés par l'épouse du jeune commerçant Katerina Kabanova et sa belle-mère, Marfa Kabanova, surnommée Kabanikha pour son caractère dur. et un caractère sévère. Marfa Kabanova est une gardienne convaincue et fondée sur des principes de l'Antiquité, une fois pour toutes des normes et règles de vie trouvées et établies. Elle légitime les formes de vie coutumières comme une norme éternelle et considère comme son droit le plus élevé de punir ceux qui ont violé les coutumes comme les lois de l'existence, car pour elle il n'y a rien de grand ou de petit dans cette structure parfaite, unique et immuable. Ayant perdu un attribut indispensable de la vie - la capacité de changer et de mourir, toutes les coutumes et rituels selon l'interprétation de Kabanova se sont transformés en une forme éternelle, figée et dénuée de sens. Sa belle-fille Katerina, au contraire, est incapable de percevoir une quelconque action en dehors de son contenu. La religion, les relations familiales et de parenté, même une promenade sur la Volga - tout ce qui chez les Kalinovites, et surtout dans la maison des Kabanov, s'est transformé en un rituel extérieurement observé, pour Katerina, c'est soit plein de sens, soit insupportable. Katerina porte en elle le début créatif du développement. Il est accompagné du motif du vol et de la conduite rapide. Elle veut voler comme un oiseau, et elle rêve de voler, elle a essayé de naviguer en bateau le long de la Volga, et dans ses rêves, elle se voit courir dans une troïka. Ce désir d'évoluer dans l'espace exprime sa volonté de prendre des risques et d'accepter avec audace l'inconnu.
Les vues éthiques du peuple dans "L'Orage" apparaissent non seulement comme une sphère spirituelle dynamique et intérieurement contradictoire, mais comme une division, tragiquement déchirée par l'antagonisme, d'une zone de lutte irréconciliable, entraînant des sacrifices humains, suscitant une haine qui ne donne pas lieu à des sacrifices humains. s'apaiser même sur la tombe (Kabanova prononce sur le cadavre de Katerina : « C'est un péché de pleurer pour elle ! »).
Monologue du commerçant Kuligin à propos de morale cruelle précède la tragédie de Katerina, et ses reproches aux Kalinovites et son appel à une miséricorde supérieure lui servent d'épitaphe. A lui font écho le cri désespéré de Tikhon, le fils de Kabanova, mari de Katerina, qui a réalisé trop tard le drame de la situation de sa femme et sa propre impuissance : « Maman, tu l'as ruinée !.. Tant mieux pour toi, Katya ! Pourquoi suis-je resté dans le monde et a-t-il souffert ! »
La dispute entre Katerina et Kabanikha dans le drame s'accompagne d'une dispute entre le scientifique autodidacte Kuligin et le riche tyran marchand Dikiy. Ainsi, la tragédie de la profanation de la beauté et de la poésie (Katerina) est complétée par la tragédie de l'esclavage.
la science à la recherche de pensées. Le drame de la position servile d'une femme dans la famille, le piétinement de ses sentiments dans le monde du calcul (le thème constant d'Ostrovsky - « Pauvre mariée », « Cœur chaud », « Dot ») dans « L'Orage » est accompagné d'une représentation de la tragédie de l’esprit dans le « royaume des ténèbres ». Dans « L'Orage », ce thème est porté par l'image de Kuligin. Avant "L'Orage", on l'entendait dans "La pauvreté n'est pas un vice" dans le portrait du poète autodidacte Mitia, dans "Un endroit rentable" - dans l'histoire de Zhadov et des histoires dramatiques sur la chute de l'avocat Dosuzhev , la pauvreté du professeur Mykin, la mort de l'intellectuel Lyubimov, et plus tard dans la comédie "La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur" dans la situation tragique de l'honnête comptable Platon Zybkin.
Dans « A Profitable Place » (1857), comme dans « The Thunderstorm », le conflit surgit comme une conséquence de l'incompatibilité, du rejet mutuel total de deux forces inégales dans leurs capacités et leur potentiel : une force établie dotée du pouvoir officiel, d'une part d'une part, et une force méconnue, mais exprimant, d'autre part, les nouveaux besoins de la société et les exigences des personnes intéressées à répondre à ces besoins.
Le héros de la pièce « Profitable Place » Zhadov, un étudiant universitaire qui s'immisce dans l'environnement des fonctionnaires et nie, au nom de la loi et, surtout, de son propre sens moral, les relations établies depuis longtemps dans cet environnement , devient l'objet de la haine non seulement de son oncle, un bureaucrate important, mais aussi du chef du bureau, Yusov, du petit fonctionnaire Belogubov et de la veuve de l'assesseur collégial Kukushkina. Pour tous, il est un fauteur de troubles audacieux, un libre penseur qui empiète sur leur bien-être. Les abus à des fins égoïstes, la violation de la loi sont interprétés par les représentants de l'administration comme activité gouvernementale, et l'exigence de se conformer à la lettre de la loi est une manifestation de manque de fiabilité.
Le principal adversaire du héros, Yusov, oppose la définition « scientifique » universitaire du sens des lois dans la vie politique de la société, assimilée par Zhadov, ainsi que son sens moral, à la connaissance de l'existence réelle de la loi. dans la société russe d'alors et l'attitude envers la loi, « sanctifiée » par une vie quotidienne séculaire et une « morale pratique » . La «moralité pratique» de la société s'exprime dans la pièce dans les révélations naïves de Belogubov et Yusov, la confiance de ce dernier dans son droit à l'abus. Le fonctionnaire apparaît en réalité non comme un exécuteur testamentaire ou même comme un interprète de la loi, mais comme un détenteur d'un pouvoir illimité, bien que partagé entre plusieurs. Dans sa pièce ultérieure « Cœur ardent » (1869), Ostrovsky, dans la scène de la conversation entre le maire Gradoboev et les gens ordinaires, a démontré l'originalité d'une telle attitude envers la loi : « Gradoboev : C'est haut pour Dieu, mais c'est loin du Tsar... Et je suis proche de toi, donc je suis de toi et du juge... Si nous te jugeons selon les lois, nous avons beaucoup de lois... et les lois sont toutes strictes.. . Alors, chers amis, comme vous le souhaitez : dois-je vous juger selon les lois ou selon mon âme, comme Dieu est dans mon cœur, le déposer ?..
En 1860, Ostrovsky conçut la comédie poétique historique « La Voevoda », qui, selon son plan, devait être incluse dans le cycle d'œuvres dramatiques « Les Nuits sur la Volga », combinant des pièces de la vie populaire moderne et des chroniques historiques. « La Voevoda » montre les racines des phénomènes sociaux modernes, y compris l'attitude « pratique » à l'égard du droit, ainsi que les traditions historiques de résistance à l'anarchie.
Dans les années 60 et 70, l’élément satirique s’est intensifié dans l’œuvre d’Ostrovsky. Il crée un certain nombre de comédies dans lesquelles prévaut une approche satirique de la réalité. Les plus significatifs d'entre eux sont « La simplicité suffit à tout sage » (1868) et « Les loups et les moutons » (1875). Revenant au principe gogolien de la « comédie pure », Ostrovsky fait revivre et repense certaines caractéristiques structurelles de la comédie de Gogol. Dans la comédie, les caractéristiques de la société et de l'environnement social revêtent une grande importance. Un « étranger » qui pénètre moralement et socialement dans ce milieu ne peut s'opposer à la société dans laquelle il aboutit par incompréhension ou tromperie (« Pour tout sage… » cf. « L'Inspecteur général »). L'auteur utilise une intrigue sur les « coquins », trompés par le « coquin » ou induits en erreur par lui (« Joueurs » de Gogol - cf. « Pour chaque sage... », « Loups et moutons »).
« Pour tout homme sage... » dépeint l'époque des réformes, où les innovations timides dans le domaine de l'administration publique et l'abolition même du servage s'accompagnaient d'un confinement, d'un « gel » du processus progressiste. Dans un climat de méfiance à l’égard des forces démocratiques et de persécution des personnalités radicales qui défendaient les intérêts du peuple, le renégadisme est devenu courant. Un renégat et un hypocrite devient personnage central La comédie sociale d'Ostrovsky. Le héros est un carriériste qui s'infiltre dans l'entourage des grands responsables, Glumov. Il se moque de la stupidité, de la tyrannie et de l’obscurantisme des « hommes d’État », du vide des phrasésiens libéraux, ainsi que de l’hypocrisie et de la débauche des femmes influentes. Mais il trahit et abuse des siens
croyances, déforme son sens moral. Pour tenter de faire une brillante carrière, il s'incline devant les « maîtres de la société » qu'il méprise.
Système artistique Ostrovsky a assumé un équilibre entre principes tragiques et comiques, négation et idéal. Dans les années 50, un tel équilibre a été atteint en représentant, à côté des porteurs de l'idéologie du « royaume des ténèbres », des tyrans, des jeunes au cœur pur et chaleureux et des vieillards blonds - porteurs de la morale populaire. Au cours de la décennie suivante, à une époque où la représentation de la tyrannie acquiert dans un certain nombre de cas un caractère satirique-tragique, le pathétique d'un désir désintéressé de volonté, d'un sentiment libéré des conventions, du mensonge et de la coercition s'intensifie (Katerina - « La "Orage", Paracha - "Cœur chaud" , Aksyusha - "Forêt"), le fond poétique de l'action a acquis une signification particulière : images de la nature, des étendues de la Volga, l'architecture des anciennes villes russes, des paysages forestiers, des routes de campagne ("Orage », « Voevoda », « Cœur chaleureux », « Forêt »).
La manifestation dans l’œuvre d’Ostrovsky d’une tendance à intensifier la satire et à développer des intrigues purement satiriques a coïncidé avec la période où il s’est tourné vers des thèmes historiques et héroïques. Dans des chroniques et des drames historiques, il a montré la formation de nombreux phénomènes sociaux et institutions étatiques, qu'il considérait comme un vieux mal de la vie moderne et qu'il poursuivait dans des comédies satiriques. Cependant, le contenu principal de ses pièces historiques est la représentation des mouvements de masse pendant les périodes de crise de la vie du pays. Dans ces mouvements, il voit un drame profond, une tragédie et une haute poésie d'exploit patriotique, des manifestations massives d'altruisme et d'altruisme. Le dramaturge exprime le pathos de la transformation d'un « petit homme », immergé dans les préoccupations prosaïques ordinaires concernant son bien-être, en un citoyen commettant consciemment des actions d'importance historique.
Le héros des chroniques historiques d'Ostrovsky, qu'il s'agisse de « Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk » (1862, 1866), « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky » (1867), « Touchino » (1867), ce sont les masses populaires, souffrant, cherchant la vérité, craignant de tomber dans le « péché » et le mensonge, défendant leurs intérêts et leur indépendance nationale, combattant et se révoltant, sacrifiant leurs biens au nom des intérêts communs. «Le désordre du pays», la discorde et les défaites militaires, les intrigues des aventuriers et des boyards avides de pouvoir, les abus des commis et des gouverneurs - tous ces désastres affectent avant tout le sort du peuple. En créant des chroniques historiques décrivant « les destinées du peuple », Ostrovsky s'est inspiré des traditions dramaturgiques de Shakespeare, Schiller et Pouchkine.
A la veille des années 60, l'œuvre d'Ostrovsky apparaît nouveau sujet, ce qui augmentait la tension dramatique de ses pièces et changeait la motivation même de l'action. C'est un thème de passion. Dans les drames "L'orage", "Le péché et le malheur", Ostrovsky a fait du personnage central un porteur d'un personnage à part entière, une personne profondément sensible, capable d'atteindre des sommets tragiques dans sa réponse émotionnelle aux mensonges, à l'injustice, à l'humiliation de la dignité humaine, tromperie en amour. Au début des années 70, il crée le conte de fées dramatique «La Fille des neiges» (1873), dans lequel, décrivant diverses manifestations et «formes» de passion amoureuse sur fond de circonstances fantastiques, il la compare à la vie vivifiante et destructrice. forces de la nature. Cet ouvrage était une tentative de l'écrivain - expert en folklore, ethnographie et folkloristique - de baser un drame sur des intrigues reconstituées d'anciens mythes slaves. Les contemporains ont noté que dans cette pièce, Ostrovsky suit consciemment la tradition du théâtre shakespearien, en particulier des pièces telles que « Le Songe d'une nuit d'été », « La Tempête », dont l'intrigue est de nature symbolique et poétique et est basée sur des motifs de contes populaires et légendes.
Dans le même temps, « La Fille des neiges » d’Ostrovsky fut l’une des premières œuvres dramatiques européennes de la fin du XIXe siècle. tente d'interpréter les problèmes psychologiques modernes dans une œuvre dont le contenu véhicule des idées populaires anciennes et dont la structure artistique prévoit la synthèse de mots poétiques, de musique et d'arts plastiques, de danse folklorique et de rituels (cf. Peer Gynt d'Ibsen, les drames musicaux de Wagner , La Cloche engloutie de Hauptmann).
Ostrovsky a éprouvé un besoin urgent d'élargir l'image de la vie en société, de mettre à jour « l'ensemble » des types modernes et des situations dramatiques du début des années 70, lorsque la réalité post-réforme elle-même a changé. À cette époque, dans le travail du dramaturge, on avait tendance à compliquer la structure des pièces et les caractéristiques psychologiques des personnages. Avant cela, les héros des œuvres d’Ostrovsky se distinguaient par leur intégrité ; il préférait les personnages bien établis de personnes dont les croyances correspondaient à leur pratique sociale. Dans les années 70-80, ces personnes ont été remplacées dans ses œuvres par des natures contradictoires et complexes, subissant des influences hétérogènes, déformant parfois leur apparence intérieure. Pendant les événements décrits dans la pièce
ils changent d’avis, sont déçus par leurs idéaux et leurs espoirs. Restant comme auparavant impitoyable envers les partisans de la routine, les décrivant de manière satirique aussi bien lorsqu'ils font preuve d'un conservatisme stupide que lorsqu'ils revendiquent une réputation de personnalités mystérieuses et originales, le « titre » des libéraux, Ostrovsky dépeint avec une profonde sympathie les véritables porteurs de l'idée de Lumières et humanité. Mais dans ses pièces ultérieures, il dépeint souvent ces héros bien-aimés sous un jour ambivalent. Ces héros expriment des sentiments élevés « chevaleresques », « Schiller » sous une forme comique « abaissée », et leur situation réelle et tragique est adoucie par l'humour de l'auteur (Neschastlivtsev - « Forêt », Korpelov - « Pain du travail », 1874 ; Zybkin - "La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur", 1877 - "Talents et admirateurs", 1882). La place principale dans les pièces ultérieures d'Ostrovsky est occupée par l'image d'une femme, et si auparavant elle était dépeinte comme une victime de la tyrannie familiale ou des inégalités sociales, elle est désormais une personne qui présente ses revendications à la société, mais partage ses illusions et ses ours. sa part de responsabilité dans l’état des mœurs publiques. La femme de l’ère post-réforme a cessé d’être une recluse du « temple ». En vain les héroïnes des pièces « Le Dernier Sacrifice » (1877) et « Le cœur n'est pas une pierre » (1879) tentent de « s'isoler » dans le silence de leur maison, et les voici rattrapées par la vie moderne dans la forme d'hommes d'affaires et d'aventuriers prudents et cruels qui considèrent la beauté et la personnalité même d'une femme comme une « application » au capital. Entourée d'hommes d'affaires prospères et de perdants rêvant de succès, elle ne parvient pas toujours à distinguer les vraies valeurs des valeurs imaginaires. La dramaturge regarde avec une sympathie condescendante les nouvelles tentatives de ses contemporains pour accéder à l'indépendance, notant leurs erreurs et leur inexpérience quotidienne. Cependant, il est particulièrement cher aux natures subtiles et spirituelles, aux femmes en quête de créativité, de pureté morale, fières et volontaire Kruchinina - « Coupable sans culpabilité », 1884).
DANS meilleur drameécrivain de cette période « Dot » (1878), une femme moderne, qui se sent comme un individu, prend de manière indépendante des décisions de vie importantes, est confrontée aux lois cruelles de la société et ne peut ni se réconcilier avec elles ni leur opposer de nouveaux idéaux. Sous le charme d'un homme fort, à la personnalité brillante, elle ne se rend pas immédiatement compte que son charme est indissociable du pouvoir que lui confère la richesse, et de la cruauté impitoyable du « collectionneur de capitaux ». La mort de Larisa est une issue tragique aux contradictions morales insolubles de l'époque. La tragédie de la situation de l’héroïne est aggravée par le fait qu’au cours des événements décrits dans le drame, connaissant d’amères déceptions, elle change elle-même. La fausseté de l'idéal, au nom duquel elle était prête à tous les sacrifices, lui est révélée. Dans toute sa laideur, la position à laquelle il est voué est révélée - le rôle d'une chose coûteuse. Les riches se battent pour sa possession, convaincus que la beauté, le talent, une personnalité spirituellement riche - tout peut être acheté. La mort de l'héroïne de « La Dot » et de Katerina dans « L'Orage » marque un verdict sur une société incapable de préserver le trésor d'une personnalité inspirée, de beauté et de talent ; elle est vouée à l'appauvrissement moral, au triomphe de ; vulgarité et médiocrité.
Dans les pièces ultérieures d'Ostrovsky, les couleurs comiques qui contribuaient à recréer des sphères sociales séparées les unes des autres, la vie de différentes classes, différant par leur mode de vie et leur mode de discours, se sont progressivement estompées. Les riches marchands, les industriels et les représentants du capital commercial, les nobles propriétaires terriens et les fonctionnaires influents forment une seule société dans fin XIX V. Notant cela, Ostrovsky voit en même temps la croissance de l'intelligentsia démocratique, qui est présentée dans ses dernières œuvres non plus sous la forme de rêveurs solitaires et excentriques, mais comme un certain environnement établi avec son propre mode de vie professionnelle, ses propres idéaux. et intérêts. Ostrovsky attachait une grande importance à l'influence morale des représentants de ce milieu sur la société. Il considérait que servir l’art, la science et l’éducation était la haute mission de l’intelligentsia.
La dramaturgie d'Ostrovsky contredisait à bien des égards les clichés et les canons de la dramaturgie européenne, en particulier française moderne, avec son idéal d'une pièce « bien faite », d'une intrigue complexe et d'une solution tendancieusement sans ambiguïté à des problèmes d'actualité directement posés. Ostrovsky avait une attitude négative envers les pièces sensationnelles et « d'actualité », envers les déclarations oratoires de leurs héros et les effets théâtraux.
Tchekhov considérait à juste titre que les intrigues caractéristiques d'Ostrovsky étaient « une vie régulière, douce et ordinaire, telle qu'elle est réellement ». Ostrovsky lui-même a soutenu à plusieurs reprises que la simplicité et la vitalité de l'intrigue sont le plus grand mérite de toute œuvre littéraire. L'amour des jeunes, leur désir d'unir leurs destins, le dépassement des calculs matériels et des préjugés de classe, la lutte pour l'existence et la soif de spiritualité
l’indépendance, la nécessité de protéger sa personnalité des empiétements du pouvoir et des affres de l’orgueil des humiliés »
1. Brèves informations biographiques.
2. Les pièces les plus célèbres d'Ostrovsky ; personnages et conflits.
3. L’importance de la créativité d’Ostrovsky.
Le futur dramaturge A. N. Ostrovsky est né en 1823. Son père siégeait au tribunal de la ville. À l'âge de huit ans, Ostrovsky a perdu sa mère. Le père s'est marié pour la deuxième fois. Livré à lui-même, le garçon s’intéresse à la lecture. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, A. N. Ostrovsky a étudié plusieurs années à la Faculté de droit de l'Université de Moscou, puis a exercé ses fonctions dans la magistrature. Il convient de noter que l’expérience professionnelle acquise a joué un rôle important dans l’œuvre littéraire ultérieure d’Ostrovsky. La connaissance approfondie de la vie populaire que l’on retrouve dans les pièces d’Ostrovsky est associée aux impressions de l’enfance ; Apparemment, le dramaturge doit une grande partie de son expansion d'idées sur la vie des Moscovites à son épouse célibataire Agafya Ivanovna, qu'il a rencontrée au milieu des années 50. Après sa mort, Ostrovsky se remarie (1869).
Au cours de sa vie, Ostrovsky a acquis non seulement la gloire, mais aussi la richesse matérielle. En 1884, il est nommé chef du département du répertoire des théâtres de Moscou. A. N. Ostrovsky est décédé en 1886 dans son domaine de Shchelykovo. Cependant, l'intérêt pour les œuvres d'Ostrovsky ne s'est pas estompé après sa mort. Et à ce jour, nombre de ses pièces sont jouées avec succès sur les scènes des théâtres russes.
Quel est le secret de la popularité des pièces d'Ostrovsky ? Le fait est probablement que les personnages de ses héros, malgré le goût d'une certaine époque, restent à tout moment modernes dans leur essence, dans leur essence profonde. Regardons cela avec des exemples.
L'une des premières pièces qui ont fait la renommée d'Ostrovsky est la pièce "Notre peuple - Nous serons numérotés", qui s'appelait à l'origine "Faillite". Comme déjà mentionné, Ostrovsky a déjà servi devant le tribunal. L'intrigue de "Faillite" a été développée sur la base de cas réels de pratique judiciaire: la fraude du marchand Bolchov, qui s'est déclaré insolvable pour ne pas payer ses dettes, et la fraude réciproque de son gendre et de sa fille, qui ont refusé de racheter son « papa » par dette. Ostrovsky dans cette pièce montre clairement la vie patriarcale et les mœurs des marchands de Moscou : « Maman a sept vendredis par semaine ; Papa, même s’il n’est pas ivre, reste silencieux, mais s’il est ivre, il le tuera quoi qu’il arrive. Le dramaturge révèle une profonde connaissance de la psychologie humaine : les portraits du tyran Bolchov, de l'escroc Podkhalyuzin, de Lipochka, qui se présente comme une « jeune femme instruite », et d'autres personnages sont très réalistes et convaincants.
Il est important de noter que dans la pièce « Notre peuple - Nous serons numérotés », Ostrovsky a évoqué un thème qui est devenu transversal à l'ensemble de son œuvre : c'est le thème de la destruction du mode de vie patriarcal traditionnel, un un changement dans l'essence des relations humaines, un changement dans les priorités de valeurs. L'intérêt pour la vie populaire s'est également manifesté dans un certain nombre de pièces d'Ostrovsky : « Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice », « Ne vivez pas comme vous le souhaitez ».
Il convient de noter que toutes les pièces d'Ostrovsky n'ont pas une fin plausible et réaliste. La résolution heureuse d’un conflit semble parfois délibérée, pas tout à fait cohérente avec les personnages des personnages, comme par exemple dans les pièces « La pauvreté n’est pas un vice » et « Pourable Apples ». Cependant, ces « fins heureuses » utopiques ne diminuent en rien le haut niveau artistique des pièces d’Ostrovsky. Cependant, l’une des œuvres les plus célèbres d’Ostrovsky est le drame « L’Orage », que l’on peut qualifier de tragédie. En fait, cette pièce est profondément tragique non seulement à cause de la mort du personnage principal dans le final, mais aussi à cause de l'insoluble du conflit montré par Ostrovsky dans L'Orage. On pourrait même dire que dans « L’Orage », il n’y a pas un, mais deux conflits : l’antagonisme de Katerina et de sa belle-mère Marfa Ignatievna (Kabanikha), ainsi que le conflit interne de Katerina. Habituellement, les érudits littéraires, à la suite de N.A. Dobrolyubov, appellent Katerina « un rayon de lumière dans un royaume sombre », en la comparant à Kabanikha et à d'autres personnages de la pièce. Il ne fait aucun doute que le personnage de Katerina possède des qualités dignes. Cependant, ces qualités deviennent la cause du conflit interne de l’héroïne d’Ostrovsky. Katerina n'est capable ni d'accepter son sort avec résignation, attendant patiemment le moment où elle pourrait devenir la deuxième Kabanikha et laisser libre cours à son personnage, ni de profiter de rencontres secrètes avec sa bien-aimée, montrant extérieurement un exemple d'obéissance à son mari et à sa mère. -en droit. Le personnage principal de « L’Orage » s’abandonne à ses sentiments ; cependant, dans son cœur, elle considère cela comme un péché et est tourmentée par le remords. Katerina n'a pas la force de résister à une démarche qu'elle considère elle-même comme un péché, mais l'aveu volontaire de ses actes répréhensibles aux yeux de sa belle-mère ne réduit en rien sa culpabilité.
Mais les personnages de Katerina et de sa belle-mère sont-ils vraiment si différents ? Kabanikha, bien sûr, est une sorte de tyran absolu qui, malgré sa piété ostentatoire, ne reconnaît que sa propre volonté. Cependant, on peut dire de Katerina que dans ses actions, elle ne tient compte de rien - ni la décence, ni la prudence, ni même les lois de la religion. « Eh, Varya, tu ne connais pas mon personnage ! Bien sûr, Dieu nous préserve que cela arrive ! Et si j’en ai marre d’être ici, ils ne me retiendront sous aucun prétexte », avoue-t-elle sincèrement à la sœur de son mari. La principale différence entre Katerina est qu'elle ne veut pas cacher ses actions. « Tu es un peu délicat, que Dieu soit avec toi ! Mais à mon avis : faites ce que vous voulez, pourvu que ce soit cousu et recouvert », s'étonne Varvara. Mais il est peu probable que la fille ait inventé cela elle-même. De toute évidence, elle a capté cette « sagesse » mondaine dans l’atmosphère hypocrite de la maison de sa mère. Le thème de l'effondrement du mode de vie traditionnel dans "L'Orage" semble particulièrement poignant - à la fois dans les pressentiments inquiétants de Katerina et dans les soupirs mélancoliques de Kabanikha dédiés au "vieux temps" qui passe, et dans les prophéties menaçantes de la folle, et dans les sombres histoires du vagabond Feklushi sur la fin imminente du monde. Le suicide de Katerina est aussi une manifestation de l’effondrement des valeurs patriarcales qu’elle a trahies.
Le thème de l’effondrement des valeurs des « temps anciens » dans de nombreuses pièces d’Ostrovsky se réfracte dans le thème du carriérisme et de la soif de profit. Le héros de la pièce «La simplicité suffit à tout sage», le rusé cynique Glumov, est même charmant à sa manière. De plus, on ne peut manquer de reconnaître son intelligence et son ingéniosité, qui, bien entendu, l'aideront à sortir de la situation désagréable résultant de la révélation de ses machinations. Des images d’hommes d’affaires calculateurs apparaissent plus d’une fois dans les pièces d’Ostrovsky. Il s'agit de Vasilkov de "Mad Money" et de Berkutov de "Wolves and Sheep".
Dans la pièce « La Forêt », le thème du déclin est à nouveau entendu, mais pas du mode de vie marchand patriarcal, mais de la destruction progressive des fondements de la vie des nobles. Nous voyons le noble Gurmyzhsky à l'image du tragédien provincial Neschastlivtsev, et sa tante, au lieu de s'occuper du sort de son neveu et de sa nièce, dépense inconsidérément de l'argent au sujet de son amour tardif.
Il est nécessaire de noter les pièces d'Ostrovsky, qui peuvent à juste titre être qualifiées de drames psychologiques, par exemple « Dot », « Talents et admirateurs », « Coupable sans culpabilité ». Les personnages de ces œuvres sont des personnalités ambiguës et aux multiples facettes. Par exemple, Paratov de « La dot » est un gentleman brillant, un homme laïc qui peut facilement faire tourner la tête d'une jeune femme romantique, « l'homme idéal » aux yeux de Larisa Ogudalova, mais en même temps il est un calculateur. homme d'affaires et cynique pour qui rien n'est sacré : « Moi, Mokiy Parmenych, je n'ai rien de chéri ; Si je trouve un profit, je vendrai tout, n’importe quoi. Karandyshev, le fiancé de Larisa, n'est pas seulement un petit fonctionnaire, un « petit homme », une « paille » à laquelle Larisa a désespérément essayé de s'accrocher, mais aussi une personne à la fierté douloureusement blessée. Et à propos de Larisa elle-même, on peut dire qu'elle est une personne subtile et douée, mais elle ne sait pas comment évaluer sobrement les gens et les traiter avec calme et pragmatisme.
Enfin, il convient de noter qu'Ostrovsky s'est solidement établi dans la littérature et les arts du spectacle en tant qu'écrivain qui a posé des traditions réalistes dans le théâtre russe, maître de la prose quotidienne et psychologique du XIXe siècle. Les pièces « Colomb de Zamoskvorechye », comme les critiques appelaient Ostrovsky, sont depuis longtemps devenues des classiques de la littérature et du théâtre russes.
A.N. Ostrovsky considérait l'émergence du théâtre national comme un signe de la maturité de la nation. Ce n'est pas un hasard si ce « passage à l'âge adulte » se produit au milieu du XIXe siècle, lorsque, grâce aux efforts du dramaturge national et de ses compagnons, le répertoire national a été créé et le terrain a été préparé pour l'émergence d'un théâtre national. , qui ne pouvait exister, n'ayant en réserve que quelques drames de Fonvizine, Griboïedov, Pouchkine et Gogol.
Ostrovsky s'est retrouvé au centre de l'art dramatique de cette époque. Il a donné le ton et a tracé les principales voies par lesquelles s'est déroulé le développement du drame russe.
Notre dramaturgie doit à Ostrovsky son aspect national unique. Il n'est pas surprenant qu'Ostrovsky commence sa carrière d'écrivain avec l'essai « Notes d'un résident de Zamoskvoretsky » et que ses premières pièces soient constituées de cycles de scènes quotidiennes, avec de nombreux conflits non encore développés, mais déjà mûrs, capturés dans des scènes gravitant vers le épique dans toute leur intégralité.
Déjà au début de sa créativité, un trait caractéristique du talent dramatique d'Ostrovsky était déterminé, ce qui donna plus tard à Dobrolyubov une raison d'appeler les scènes, les comédies et les drames de l'écrivain « pièces de la vie ».
Génétiquement, la première dramaturgie d’Ostrovsky est généralement associée à la prose de « l’école naturelle », à un essai physiologique pendant la crise de ce genre. En effet, à la fin des années 1840, le narrateur des essais et des récits de « l’école naturelle » changea radicalement. Il n'est plus pressé d'exprimer son point de vue sur l'actualité, et n'interfère pas avec le flux vivant de la vie. Au contraire, il préfère se « faire taire », se transformer en chroniqueur, recréant les faits de manière objective et impartiale. Le monde artistique de la prose réaliste devient de plus en plus
Les critiques contemporaines d’Ostrovsky soulignaient déjà l’adhésion du dramaturge à la tradition gogolienne. La première comédie "Notre peuple - mourons !" (1850), qui a amené
La renommée d'Ostrovsky et son succès littéraire bien mérité ont été classés parmi les œuvres de Gogol par ses contemporains et appelés « Âmes mortes » par les marchands. L'influence de la tradition gogolienne dans « Notre peuple... » est vraiment grande. Au début, aucun des personnages de la comédie n'évoque la moindre sympathie. Il semble que, comme dans « L’Inspecteur général » de Gogol, le seul « héros positif » d’Ostrovsky soit le rire.
Cependant, à mesure que l'intrigue se dirige vers le dénouement, de nouveaux motifs apparaissent, qui ne sont pas caractéristiques de Gogol. Dans la pièce, deux générations de marchands s’affrontent : les « pères » et les « enfants ». La différence entre eux affecte même prononcer des noms et noms de famille : Bolchov - du paysan bolshak, chef de famille, marchand de la première génération, homme d'un passé récent. Il faisait le commerce des moutons à Balchug, des gens biens Ils l'appelaient Samsoshka et lui donnaient des gifles sur la tête. Devenu riche, Bolchov a dilapidé le « capital » moral du peuple.
Mais drôle et vulgaire au début de la comédie, Bolchov grandit vers son final. Lorsque les sentiments familiaux sont profanés par les enfants, lorsque la fille unique épargne dix kopecks aux créanciers et, la conscience légère, accompagne son père en prison, un homme souffrant se réveille à Bolchov : « Dis-moi, ma fille : va, vieux diable, dans le fosse! Oui, dans le trou ! En prison pour lui, le vieux fou. Mettons-nous au travail! Ne poursuivez plus, soyez heureux de ce que vous avez< … >Vous savez, Lazare, Judas – après tout, eux aussi ont vendu le Christ pour de l’argent, tout comme nous vendons notre conscience pour de l’argent… »
Dans le final de la comédie, des motifs tragiques traversent la vie vulgaire. Grondé par les enfants, trompé et expulsé, le marchand Bolchov ressemble au roi Lear de la tragédie shakespearienne du même nom.
Héritant des traditions de Gogol, Ostrovsky a avancé. Si chez Gogol tous les personnages de L'Inspecteur du gouvernement sont également sans âme et que leur absence d'âme n'explose de l'intérieur qu'avec le rire de Gogol, alors chez Ostrovsky les sources des sentiments humains vivants sont révélées dans un monde sans âme.
Le réalisme d'Ostrovsky s'inscrit dans le courant général du processus historique et littéraire de la fin des années 1840 et du début des années 1850. Durant cette période, Tourgueniev, avec ses « Notes d'un chasseur », ajoute à la galerie des « âmes mortes » de Gogol une galerie d'âmes vivantes, et Dostoïevski, dans le roman « Pauvres gens », polémique avec « Le Pardessus » de Gogol. révèle un monde intérieur riche chez le pauvre fonctionnaire Makar Devushkin.
En même temps que ses confrères littéraires, Ostrovsky remet sur scène des personnages humains complexes, des âmes souffrantes et des « cœurs brûlants ». Le conflit entre le « tyran » et la « victime » permet à Ostrovsky d’enrichir psychologiquement les personnages des personnages. La comédie « La Pauvre Mariée » (1851) fait écho au « Mariage » de Gogol - ici et là, condamnation des mariages inhumains. Mais chez Ostrovsky apparaît une personne qui souffre de cette insensibilité. Le conflit dramatique dans la pièce change : il y a un choc entre les désirs purs des gens et les forces obscures qui bloquent le chemin vers ces désirs.
Compliquant psychologiquement les personnages des personnages, remplissant le drame d'un riche contenu lyrique, Ostrovsky ne suit pas Gogol, ni les écrivains de « l'école naturelle », mais Pouchkine et Shakespeare.
Ostrovsky a vénéré le grand dramaturge anglais de la fin de la Renaissance tout au long de sa carrière créative. En témoignent les lettres, les notes de théâtre, les traductions de Shakespeare, ainsi que les échos des techniques et des motifs shakespeariens dans les pièces du dramaturge national russe.
Il est symbolique que la mort ait trouvé Ostrovsky en train de traduire le drame de Shakespeare Antoine et Cléopâtre.
Au milieu des années 1850, la vision de la vie marchande dans la première comédie « Nous serons numérotés » paraît déjà à Ostrovsky « jeune et trop dure... Il vaut mieux pour un Russe se réjouir lorsqu'il se voit sur scène que de être triste. Des correcteurs seront trouvés même sans nous. Pour avoir le droit de corriger les gens sans les offenser, vous devez leur montrer que vous connaissez le bon en eux ; C’est ce que je fais désormais, allier le sublime au comique. »
Dans les pièces « Ne montez pas dans votre propre traîneau » (1853), « La pauvreté n'est pas un vice » (1854), « Ne vivez pas comme vous le souhaitez » (1855), Ostrovsky dépeint principalement les côtés brillants et poétiques de la vie marchande.
Derrière les changements sociaux dans la vie des marchands, qui perdent contact avec les fondements fondamentaux de la morale populaire, surgissent ici les forces nationales et les éléments de vie d’Ostrovsky. Nous parlons de l'étendue du caractère russe, des deux pôles extrêmes de sa nature - doux et équilibré, représenté dans les épopées d'Ilya Muromets, et prédateur, volontaire, personnifié par Vasily Buslaev. Dans la lutte entre ces pôles, la vérité reste finalement celle du premier : le peuple russe est conçu de telle manière que tôt ou tard un principe salvateur, lumineux et pacificateur s'éveille en lui.
Les fins heureuses des drames « slavophiles » d’Ostrovsky sont motivées non seulement par des raisons sociales, mais surtout par des raisons nationales. Chez l'homme russe, malgré les circonstances sociales, il existe un soutien interne lié aux fondements fondamentaux de la vie nationale, aux sanctuaires chrétiens orthodoxes millénaires. La solution morale des problèmes sociaux modifie considérablement la composition des pièces d'Ostrovsky de cette période. Il est construit comme une parabole, un contraste clair entre les principes du bien et du mal, de la lumière et des ténèbres.
Ostrovsky est convaincu qu'une telle composition correspond aux caractéristiques nationales du peuple russe. Un exemple en est les spectacles folkloriques, dans lesquels
il y a un élément didactique et moralisateur. Ostrovsky concentre consciemment ses pièces sur les goûts du public démocrate.
Ostrovsky explique la possibilité même d'une illumination soudaine de l'âme d'un Russe, obscurcie par des passions vicieuses, par l'étendue de la nature russe. Il trouve une confirmation de la poétique des changements soudains des personnages humains dans contes populaires et des drames populaires.
Il existe un point de vue selon lequel, dans les pièces de la période slavophile, Ostrovsky idéalisait les marchands et s'éloignait du réalisme. Mais la valeur artistique de ces pièces réside précisément dans le fait qu'Ostrovsky, occupant l'une des premières places de processus littéraire de son époque, franchit une étape décisive dans le développement du réalisme, s'éloignant des préceptes de « l'école naturelle ».
Les héros de ses pièces ne se limitent plus à ce que leur « environnement » les façonne. Ni Rusakov, ni Gordey Tortsov, ni son frère Lyubim ne s'inscrivent dans la ligne sociale habituelle de la morale marchande.
Ils peuvent agir de manière inattendue. Ici, Ostrovsky a saisi la nouvelle relation entre la personnalité et l'environnement que cette époque a apportée à la littérature russe. milieu du 19ème siècle.
Dans la comédie « Profitable Place » (1857), Ostrovsky montre que les espoirs des libéraux russes en un fonctionnaire éclairé sont de bonne humeur, que les sources de corruption et de détournement de fonds ne résident pas dans des personnes vicieuses, mais dans le système social lui-même, qui donne place à la bureaucratie.
Ostrovsky sympathise avec l'honnête fonctionnaire Zhadov. En créant l’image de ce héros, il s’appuie sur les traditions de la comédie « Malheur de l’esprit » de Griboïedov et sur l’image de Chatsky qu’elle contient. Mais en même temps, Ostrovsky souligne l’enthousiasme juvénile et la fougue naïve des convictions de Zhadov. Réaliste et sobre, Ostrovsky met en garde l’intelligentsia libérale contre le caractère illusoire de la croyance naïve selon laquelle un fonctionnaire éclairé peut changer radicalement le monde bureaucratique.
Les œuvres d'Ostrovsky capturent un conflit historique d'une intensité tragique : l'effondrement des liens sociaux et spirituels traditionnels dans le chef-lieu et le village russe, la naissance au cours de cet effondrement tonitruant d'un fort caractère national.
À première vue, « L’Orage » est un drame quotidien, poursuivant la tradition des pièces précédentes d’Ostrovsky. Mais voilà que le dramaturge élève le quotidien au sommet de la tragédie. C'est pourquoi il poétise le langage des personnages. Nous assistons à la naissance même d'un contenu tragique venu des profondeurs de la vie provinciale russe. Les habitants de « L’Orage » vivent dans un état du monde particulier : les supports qui retenaient l’ordre ancien ont été ébranlés.
La première action nous présente l’atmosphère de la vie d’avant la tempête. Le triomphe temporaire des anciens ne fait qu’augmenter la tension. Il mûrit et s'épaissit vers la fin du premier acte. Même la nature, comme dans la chanson populaire, réagit à cela : la chaleur et l'étouffement sont remplacés par un orage approchant de Kalinov.
Dans la tragédie russe d'Ostrovsky, deux cultures opposées entrent en collision, générant un orage, et leur confrontation entre elles s'inscrit profondément dans notre histoire. Une collision tragique a lieu entre deux tendances de l'Orthodoxie historique, amenées à leur conclusion logique et à leur abnégation : la tendance légaliste, « niant le monde », et la tendance gracieuse, « acceptant le monde ». Rayonnant de lumière spirituelle, Katerina est loin de l'ascétisme dur et du formalisme mort des règles et règlements de Domostroevski ; elle est issue d'une famille où la grâce règne encore sur la loi ;
Pour les riches couches de commerçants, afin de préserver leurs millions, il est avantageux de renforcer et de pousser à l'extrême précisément le parti pris de négation du monde, qui leur permet plus facilement « sous couvert de piété » d'accomplir des actes qui sont loin d'être les mêmes. du saint.
Le sens de la collision tragique dans « L’Orage » ne peut être réduit au seul conflit social. Le dramaturge national y a saisi les symptômes de la crise religieuse la plus profonde qui approchait de la Russie, les origines profondes de la grande tragédie religieuse du peuple russe, dont les conséquences ont donné leurs résultats catastrophiques au XXe siècle.
Le dramaturge ouvre ici un thème qui s'avérera être l'un des principaux thèmes de la littérature russe de son temps. Échos de deux pôles russes chargés de manière opposée
Les vies qui ont donné lieu à l’orage de la « Tragédie russe » d’Ostrovsky parcourent en éclairs alarmants tout le champ de notre littérature classique de la seconde moitié du XIXe siècle.
Nous les ressentons dans le choc des principes « Bolkonsky » et « Karataevsky » dans « Guerre et Paix », dans le conflit du père Ferapont avec l'aîné Zosima dans « Les Frères Karamazov », dans la dispute avec Dostoïevski du philosophe religieux Konstantin. Léontiev, dans le conflit de Vera avec sa grand-mère et Mark Volokhov dans « Le Précipice » de Gontcharov, dans les motifs chrétiens de la poésie de Nekrasov, dans « Les Seigneurs Golovlev » et « Les Contes de fées » de Saltykov-Shchedrin, dans le drame religieux de L.N. Tolstoï.
Rompant avec le monde des Kabanov, Katerina trouve le salut dans l'atmosphère spirituelle et morale qui s'est créée en Russie avant même l'adoption du christianisme. Le système de valeurs spirituelles vivant dans la conscience folklorique russe, associé au paganisme et remontant à la préhistoire, était une source constante de tentation et de « séduction ».
Il ne pouvait y avoir d’identité complète entre le paganisme antique et le christianisme, et c’est pourquoi la répulsion à l’égard des manifestations imparfaites du christianisme historique a toujours fait naître le danger de voir la conscience populaire quitter le cercle des idées dogmatiques chrétiennes orthodoxes.
La nature artistiquement douée de Katerina tombe précisément dans cette « tentation russe » à la fin de la tragédie. En même temps, Ostrovsky ne pense pas caractère national sans ce principe poétique fondamental puissant et fécond, qui est une source inépuisable imagerie artistique et préserver dans une pureté immaculée les instincts sincères de la Philocalie russe. C'est pourquoi, après sa mort, qui s'apparente à un départ volontaire vers la nature, Katerina conserve tous les signes qui, selon croyances populaires, distingue une personne sainte d'un simple mortel : elle est morte comme si elle était vivante. « Et justement, des gars timides, comme un être vivant ! Il n’y a qu’une si petite blessure sur la tempe, et il n’y a qu’une seule goutte de sang.
La mort de Katerina, selon la perception populaire, est la mort d'une femme juste. "Voici votre Katerina", dit Kuligin. - Fais ce que tu veux avec elle ! Son corps est là, prenez-le ; mais l'âme n'est plus à toi : elle est maintenant devant le Juge, qui est plus miséricordieux que toi !