Les peintures les plus célèbres du Salvador ont reçu des noms. Les tableaux les plus célèbres de Salvador Dali

26.04.2019

L’un des tableaux les plus célèbres écrits dans le genre du surréalisme est « La persistance de la mémoire ». Salvador Dali, l'auteur de ce tableau, l'a réalisé en quelques heures seulement. La toile se trouve désormais à New York, au Museum of Modern Art. Ce petit tableau, mesurant seulement 24 centimètres sur 33, est l’œuvre la plus discutée de l’artiste.

Explication du nom

Le tableau de Salvador Dali "La persistance de la mémoire" a été peint en 1931 sur une toile de tapisserie fait soi-même. L'idée de créer ce tableau était liée au fait qu'un jour, en attendant le retour de sa femme Gala du cinéma, Salvador Dali a peint un paysage absolument désert. côte de la mer. Soudain, il aperçut sur la table un morceau de fromage qu'il avait mangé le soir avec des amis, fondant au soleil. Le fromage a fondu et est devenu de plus en plus mou. Après y avoir réfléchi et reliant le long passage du temps à un morceau de fromage fondant, Dali a commencé à remplir la toile d'heures étalées. Salvador Dali a appelé son œuvre « La persistance de la mémoire », expliquant le titre par le fait qu'une fois que vous regardez un tableau, vous ne l'oublierez jamais. Un autre nom du tableau est « Flowing Clock ». Ce nom est associé au contenu de la toile elle-même, que Salvador Dali y a mis.

« Persistance de la mémoire » : description du tableau

Lorsque vous regardez cette toile, votre œil est immédiatement frappé par le placement et la structure inhabituels des objets représentés. L'image montre l'autosuffisance de chacun d'eux et le sentiment général de vide. Il y a ici de nombreux éléments apparemment sans rapport, mais ils créent tous une impression générale. Que représente Salvador Dali dans le tableau « La persistance de la mémoire » ? La description de tous les éléments prend beaucoup de place.

L’atmosphère du tableau « La persistance de la mémoire »

Salvador Dali a peint le tableau dans des tons marron. L'ombre générale se situe sur le côté gauche et au milieu de l'image, le soleil tombe au dos et côté droit toiles. L'image semble remplie horreur tranquille et la peur d’un tel calme, et en même temps d’une atmosphère étrange, remplit « La persistance de la mémoire ». Salvador Dali avec ce tableau fait réfléchir sur le sens du temps dans la vie de chaque personne. À propos de savoir si le temps peut s'arrêter ? Peut-il s’adapter à chacun de nous ? Chacun devrait probablement se donner des réponses à ces questions.

C’est un fait connu que l’artiste laissait toujours des notes sur ses peintures dans son journal. Cependant, Salvador Dali n'a rien dit sur le tableau le plus célèbre « La persistance de la mémoire ». Grand artiste Au départ, il a compris qu’en peignant ce tableau, il ferait réfléchir les gens sur la fragilité de l’existence dans ce monde.

L'influence de la toile sur une personne

Le tableau de Salvador Dali « La persistance de la mémoire » a été examiné par des psychologues américains, qui sont arrivés à la conclusion que ce tableau a la plus forte impact psychologique sur certains types de personnalités humaines. De nombreuses personnes, en regardant ce tableau de Salvador Dali, ont décrit leurs sentiments. La plupart des gens étaient plongés dans la nostalgie, les autres essayaient de démêler les émotions mélangées d'horreur générale et de réflexion provoquées par la composition de l'image. La toile transmet les sentiments, les pensées, les expériences et l'attitude envers la « douceur et la dureté » de l'artiste lui-même.

Bien sûr, cette image est de petite taille, mais elle peut être considérée comme l’une des peintures psychologiques les plus grandes et les plus puissantes de Salvador Dali. Le tableau « La persistance de la mémoire » porte la grandeur des classiques de la peinture surréaliste.

Sans exagération, Salvador Dali peut être appelé le plus célèbre surréaliste XXe siècle, car son nom est familier même à ceux qui sont complètement éloignés de la peinture. Certains le considèrent le plus grand génie, d'autres - un fou. Mais le premier comme le second reconnaissent sans réserve le talent unique de l’artiste. Ses peintures sont une combinaison irrationnelle d'objets réels déformés de manière paradoxale. Dali était un héros de son temps : l’œuvre du maître était évoquée aussi bien dans les plus hautes sphères de la société que parmi les prolétaires. Il est devenu une véritable incarnation du surréalisme avec la liberté d'esprit, l'incohérence et le choc inhérents à ce mouvement pictural. Aujourd’hui, tout le monde peut accéder aux chefs-d’œuvre créés par Salvador Dali. Les peintures, dont les photos peuvent être vues dans cet article, sont capables d'impressionner tous les fans du surréalisme.

Le rôle de Gala dans l'œuvre de Dali

Salvador Dali a laissé derrière lui un immense héritage créatif. Les peintures dont les titres évoquent des sentiments mitigés chez beaucoup attirent aujourd’hui tellement les amateurs d’art qu’elles méritent un examen et une description détaillés. L’inspiration, le modèle, le soutien et la principale admiratrice de l’artiste étaient son épouse Gala (émigrée de Russie). Tous ses tableaux les plus célèbres ont été peints à cette époque. la vie ensemble avec cette femme.

Le sens caché de « la persistance de la mémoire »

Lorsqu'on considère Salvador Dali, il vaut la peine de commencer par son œuvre la plus reconnaissable - « La persistance de la mémoire » (parfois appelée « Temps »). La toile a été créée en 1931. L'artiste a été inspiré pour peindre ce chef-d'œuvre par sa femme Gala. Selon Dali lui-même, l'idée du tableau est née de la vue de quelque chose fondant sous les rayons du soleil. Que voulait dire le maître en représentant une horloge molle sur toile sur fond de paysage ?

Les trois cadrans souples qui décorent le premier plan de l'image sont identifiés au temps subjectif, qui s'écoule librement et remplit inégalement tout l'espace disponible. Le nombre d'heures est également symbolique, car le chiffre 3 sur cette toile indique le passé, le présent et le futur. L'état mou des objets indique la relation entre l'espace et le temps, qui a toujours été une évidence pour l'artiste. Il y a aussi une horloge solide sur la photo, représentée avec le cadran vers le bas. Ils symbolisent le temps objectif dont le cours va à l’encontre de l’humanité.

Salvador Dali a également représenté son autoportrait sur cette toile. Le tableau « Temps » contient au premier plan un objet étalé incompréhensible encadré par des cils. C'est dans cette image que l'auteur s'est représenté endormi. Dans un rêve, une personne libère ses pensées qu'elle cache soigneusement aux autres lorsqu'elle est éveillée. Tout ce que l’on peut voir sur la photo est le rêve de Dali – le résultat du triomphe de l’inconscient et de la mort de la réalité.

Les fourmis rampant sur le corps d'une montre solide symbolisent la pourriture et la pourriture. Dans le tableau, les insectes sont disposés sous la forme d'un cadran avec des flèches et indiquent que le temps objectif se détruit. Une mouche posée sur une montre souple était un symbole d'inspiration pour le peintre. Les philosophes grecs de l’Antiquité passaient beaucoup de temps entourés de ces « fées méditerranéennes » (c’est ainsi que Dali appelait les mouches). Le miroir visible sur l'image de gauche témoigne de l'impermanence du temps ; il reflète à la fois les mondes objectifs et subjectifs. L'œuf en arrière-plan symbolise la vie, l'olive sèche symbolise la sagesse ancienne oubliée et l'éternité.

« Giraffe on Fire » : interprétation des images

En étudiant les peintures de Salvador Dali avec des descriptions, vous pourrez étudier plus en profondeur le travail de l’artiste et mieux comprendre le sous-texte de ses peintures. En 1937, le pinceau de l’artiste donne naissance à l’œuvre « Giraffe on Fire ». Ce fut une période difficile pour l'Espagne, car elle avait commencé un peu plus tôt. De plus, l'Europe était au seuil de la Seconde Guerre mondiale et Salvador Dali, comme de nombreux progressistes de l'époque, en sentait l'approche. Malgré le fait que le maître ait affirmé que sa «Girafe en feu» n'a rien à voir avec les événements politiques qui secouent le continent, l'image est profondément saturée d'horreur et d'anxiété.

Au premier plan, Dali a peint une femme debout dans une pose désespérée. Ses mains et son visage sont ensanglantés et on dirait que leur peau a été arrachée. La femme semble impuissante, incapable de résister au danger imminent. Derrière elle se trouve une dame avec un morceau de viande dans les mains (c'est un symbole d'autodestruction et de mort). Les deux personnages reposent au sol grâce à de fins supports. Dali les représentait souvent dans ses œuvres pour souligner la faiblesse humaine. La girafe, qui a donné son nom au tableau, est peinte en arrière-plan. Il est beaucoup moins de femmes, la partie supérieure son torse est englouti par le feu. Malgré sa petite taille, il est le personnage principal de la toile, incarnant le monstre porteur de l'apocalypse.

Analyse des « Prémonitions de la guerre civile »

Ce n’est pas seulement dans cette œuvre que Salvador Dali exprime sa prémonition de la guerre. Des peintures avec des titres indiquant sa démarche sont apparues plus d'une fois par l'artiste. Un an avant « Giraffe », l’artiste avait peint « Soft Construction with Boiled Beans » (autrement connu sous le nom de « Premonition »). guerre civile"). La structure des parties du corps humain, représentée au centre de la toile, ressemble aux contours de l'Espagne sur une carte. La structure au sommet est trop volumineuse, elle pend au-dessus du sol et peut s'effondrer à tout moment. Des haricots sont éparpillés sous le bâtiment, ce qui semble complètement déplacé ici, ce qui ne fait que souligner l'absurdité des événements politiques qui se déroulent en Espagne dans la seconde moitié des années 30.

Description de "Visages de la guerre"

« The Face of War » est une autre œuvre laissée par le surréaliste à ses fans. Le tableau date de 1940, une époque où l’Europe était en proie aux hostilités. La toile représente une tête humaine au visage figé dans l'agonie. Elle est entourée de tous côtés par des serpents, et au lieu d'yeux et de bouche, elle a d'innombrables crânes. Il semble que la tête soit littéralement bourrée de mort. Le tableau symbolise les camps de concentration qui ont coûté la vie à des millions de personnes.

Interprétation du "Rêve"

« Le Rêve » est un tableau de Salvador Dali, réalisé par lui en 1937. Il représente une énorme tête endormie soutenue par onze supports minces (exactement les mêmes que ceux des femmes du tableau « Girafe en feu »). Les béquilles sont partout, elles soutiennent les yeux, le front, le nez, les lèvres. La personne n’a pas de corps, mais a un cou mince et anormalement étiré. La tête représente le sommeil et les béquilles indiquent le soutien. Dès que chaque partie du visage trouve son appui, la personne s'effondre dans le monde des rêves. Il n'y a pas que les gens qui ont besoin de soutien. Si vous regardez bien, dans le coin gauche de la toile, vous pouvez voir un petit chien dont le corps s'appuie également sur une béquille. Vous pouvez également considérer les supports comme des fils qui permettent à votre tête de flotter librement pendant le sommeil, mais ne lui permettent pas de se soulever complètement du sol. Le fond bleu de la toile souligne encore le détachement de ce qui s'y passe du monde rationnel. L'artiste était sûr que c'était exactement à cela que ressemblait un rêve. Le tableau de Salvador Dali a été inclus dans sa série d'œuvres « Paranoïa et guerre ».

Images de Gala

Salvador Dali a également peint son épouse bien-aimée. Des peintures portant les noms «Angelus Gala», «Madonna of Port Ligata» et bien d'autres indiquent directement ou indirectement la présence de Dyakonova dans les intrigues des œuvres du génie. Par exemple, dans « Galatée aux sphères » (1952), il dépeint sa partenaire de vie comme une femme divine, dont le visage brille à travers un grand nombre de des balles. L'épouse d'un génie plane au-dessus du monde réel dans les couches éthérées supérieures. Devenue sa muse le personnage principal des peintures telles que "Galarina", où elle est représentée avec un sein gauche nu, "Atomic Leda", dans laquelle Dali a présenté sa femme nue sous la forme du souverain de Sparte. Presque tout images féminines, présent sur les toiles, a inspiré le peintre par sa fidèle épouse.

Impression de l'œuvre du peintre

Photos représentant des peintures de Salvador Dali, haute résolution vous permettent d'étudier son œuvre dans les moindres détails. L'artiste a vécu longue vie et a laissé derrière lui plusieurs centaines d'œuvres. Chacun d'eux est unique et incomparable monde intérieur, représenté par un génie nommé Salvador Dali. Les images dont les noms sont connus de tous depuis l'enfance peuvent inspirer, provoquer le plaisir, la perplexité ou même le dégoût, mais personne ne restera indifférent après les avoir visionnées.

Salvador Dali, grâce à son talent dévorant, pouvait transformer tout ce qu'il touchait en une « exposition de musée », en un chef-d'œuvre, un héritage pour les générations futures. Qu'il s'agisse d'une photographie ou d'un tableau, d'un livre ou d'une publicité, il a réussi à tout faire haut niveau. C'est un génie qui était à l'étroit dans son pays, ses œuvres étaient en avance sur leur temps et grâce à cela l'artiste est devenu « grand » de son vivant. Aujourd'hui, comme vous l'avez peut-être deviné, nous allons parler du représentant bien connu surréalisme - Salvador Dali et sur le meilleur, le plus célèbre de ses tableaux.

"... J'ai décidé et j'ai commencé à comprendre l'espace-temps en contemplant la lévitation, qui détruit l'entropie" - les mots de l'artiste, prononcés comme une description de sa peinture décrivant le processus de perte de forme. Il a été écrit en 1956. Actuellement situé au musée Salvador Dali à Saint-Pétersbourg.

« Paysage près de Figueres » est l’une des premières œuvres de l’artiste, qu’il peint à l’âge de 6 ans sur une carte postale en 1910. Ce exemple brillant, illustrant la période impressionniste de Dali. Il est actuellement conservé dans la collection privée d'Albert Field à New York.

"L'Homme invisible" ou "L'Homme invisible" est un tableau peint par Salvador Dali entre 1929 et 1933. Conservé au Musée Reina Sofia de Madrid. Il s’agit d’une œuvre expérimentale inachevée dans laquelle Dali pratique les images doubles. L'artiste y a représenté avec beaucoup d'élégance significations cachées et les contours des objets.

« L'apparition d'un visage et d'un bol de fruits au bord de la mer » est une autre peinture surréaliste qui montre les métamorphoses, les significations cachées et les contours des objets. L'apparence d'une coupe de fruits sur la table et le paysage forment la figure repliée d'un chien et le visage d'un homme. Cet ouvrage a été écrit en 1938. Maintenant situé au Wadsworth Atheneum Museum à Hartford, Connecticut, États-Unis.

En 1943, pendant la Seconde Guerre mondiale, Dali peint un tableau sur la naissance d’un homme nouveau. Nous voyons comment une personne essaie d'éclore d'un œuf, qui symbolise la naissance d'une nouvelle force, et est également un symbole de l'univers.

Cette œuvre a été peinte en 1940, au début de la Seconde Guerre mondiale en Californie, aux États-Unis, où l'artiste a vécu 8 ans. A travers son œuvre, il condamne les horreurs de la guerre et les souffrances des peuples qui y sont confrontés. Le tableau se trouve au musée Boijmans-van Beuningen à Rotterdam, aux Pays-Bas.

« Rêve provoqué par le vol d'une abeille autour d'une grenade, une seconde avant le réveil » est l'un des rares tableaux peints par Dali en 1944. C'est un exemple de l'influence de Freud sur l'art surréaliste, ainsi que de la tentative de l'artiste d'explorer le monde des rêves. Situé au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Le tableau a été peint en 1954. Il s'agit d'une image non conventionnelle et surréaliste de Jésus-Christ crucifié sur un tesseract - un hypercube. La femme ci-dessous est Gala, l'épouse de Salvador Dali. L’artiste semble laisser entendre que le Christ est crucifié par la froideur de ce monde et par le manque d’âme. Le tableau se trouve au Metropolitan Museum of Art de New York.

C’est sans aucun doute l’un des tableaux les meilleurs et les plus célèbres de Salvador Dali. Il a été écrit en 1931. Il porte trois noms : « Memory Persistence », « Memory Persistence » et « Soft Clock ». Il est intéressant de noter que l’idée de sa création a été inspirée par le point de vue de l’artiste sur le camembert fondu. Il dépeint l'expérience du temps et de la mémoire d'une personne, animée par la région de l'inconscient, sous la forme d'heures fluides.

Partager sur les réseaux sociaux réseaux

Le grand et extraordinaire homme Salvador Dali est né en Espagne, dans la ville de Figueres, le 11 mai 1904. Ses parents étaient très différents. Ma mère croyait en Dieu, mais mon père, au contraire, était athée. Le nom du père de Salvador Dali était également Salvador. Beaucoup de gens pensent que Dali porte le nom de son père, mais ce n'est pas tout à fait vrai. Bien que le père et le fils portaient les mêmes noms, le plus jeune Salvador Dali a été nommé en mémoire de son frère, décédé avant l'âge de deux ans. Cela inquiète le futur artiste, car il se sent comme un double, une sorte d'écho du passé. Salvador avait une sœur née en 1908.

L'enfance de Salvador Dali

Dali a très mal étudié, était gâté et agité, bien qu'il ait développé la capacité de dessiner dès son enfance. Ramon Pichot est devenu le premier enseignant du Salvador. Déjà à l'âge de 14 ans, ses peintures étaient exposées à Figueres. En 1921, Salvador Dali se rend à Madrid et y entre à l'Académie. beaux-Arts. Il n'aimait pas étudier. Il croyait pouvoir lui-même enseigner l’art du dessin à ses professeurs. Il est resté à Madrid uniquement parce qu'il souhaitait communiquer avec ses camarades. Là, il rencontre Federico García Lorca et Luis Buñuel.

Étudier à l'Académie

En 1924, Dali fut expulsé de l'académie pour mauvaise conduite. De retour là-bas un an plus tard, il fut de nouveau expulsé en 1926 sans droit à réintégration. L’incident qui a conduit à cette situation était tout simplement incroyable. Lors d'un des examens, un professeur de l'académie a demandé de nommer les 3 plus grands artistes du monde. Dali a répondu qu'il ne répondrait pas à des questions de ce genre, car pas un seul professeur de l'académie n'avait le droit d'être son juge. Dali était trop méprisant envers les enseignants. Et à cette époque, Salvador Dali avait déjà sa propre exposition, visitée par Pablo Picasso lui-même. Ce fut le catalyseur de la rencontre entre les artistes. La relation étroite de Salvador Dali avec Buñuel a donné naissance à un film intitulé « Un Chien Andalou », qui avait une connotation surréaliste. En 1929, Dali devient officiellement surréaliste.

Comment Dali a trouvé sa muse

En 1929, Dali trouve sa muse. Elle devient Gala Eluard. C'est elle qui est représentée dans de nombreux tableaux de Salvador Dali. Une passion sérieuse est née entre eux et Gala a quitté son mari pour rejoindre Dali. Au moment de rencontrer sa bien-aimée, Dali vivait à Cadaqués, où il s'est acheté une cabane sans commodités particulières. Avec l'aide de Gala Dali, il a été possible d'organiser plusieurs excellentes expositions, qui ont eu lieu dans des villes comme Barcelone, Londres et New York. En 1936, un moment très tragi-comique s’est produit. Lors d'une de ses expositions à Londres, Dali décide de donner une conférence habillé en plongeur. Bientôt, il commença à s'étouffer. Faisant activement des gestes avec ses mains, il a demandé à retirer son casque. Le public a pris cela comme une plaisanterie et tout s'est bien passé. En 1937, alors que Dali se rendait déjà en Italie, le style de son travail avait considérablement changé. Les œuvres des maîtres de la Renaissance ont été trop fortement influencées. Dali a été exclu de la société surréaliste.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Dali part aux États-Unis, où il est reconnu et connaît rapidement le succès. En 1941, le Museum of Modern Art des États-Unis ouvre ses portes pour son exposition personnelle. Après avoir écrit son autobiographie en 1942, Dali se sentait vraiment célèbre, car le livre s'est vendu très rapidement. En 1946, Dali collabore avec Alfred Hitchcock. Bien sûr, vu le succès de son ancien camarade, André Breton ne pouvait pas manquer l'occasion d'écrire un article dans lequel il humiliait Dali - "Salvador Dali - Avida Dollars" ("Dollars d'aviron"). En 1948, Salvador Dali retourne en Europe et s'installe à Port Lligat, de là à Paris puis à New York.

Dali était très célébrité. Il a presque tout fait et il a réussi. Il est impossible de compter toutes ses expositions, mais la plus mémorable est l'exposition à la Tate Gallery, visitée par environ 250 millions de personnes, qui ne peut manquer d'impressionner. Salvador Dali est décédé le 23 janvier 1989, après le décès de Gala, décédé en 1982.

Création

Il est difficile de trouver une personnalité plus controversée parmi les artistes. Jugements, actions, tableaux de Salvador Dali, tout avait une légère touche de surréalisme fou. Cet homme n’était pas seulement un artiste surréaliste, il était lui-même l’incarnation du surréalisme.

Cependant, Dali n’est pas immédiatement arrivé au surréalisme. L'œuvre de Salvador Dali a commencé avant tout par l'étude des techniques de la peinture académique classique. Dali s'est également essayé au cubisme ; il a traité les peintures de Pablo Picasso avec le plus grand respect. En conséquence, des éléments du cubisme peuvent être retrouvés dans certaines de ses œuvres surréalistes. L’œuvre de Salvador Dali a également été fortement influencée par la peinture de la Renaissance. Il a dit à plusieurs reprises que artistes contemporains rien comparé aux titans du passé (mais qui en douterait). Mais quand il a commencé à peindre dans le style du surréalisme, cela est devenu son amour presque jusqu'à la fin de sa vie. Ce n’est qu’à la fin de sa vie que Dali s’éloignera quelque peu du surréalisme et reviendra à une peinture plus réaliste.

Salvador Dali peut facilement être considéré comme un classique du surréalisme. D’ailleurs, l’expression de Dali « le surréalisme, c’est moi » dans monde moderne est devenu réalité aux yeux de millions de personnes. Demandez à n'importe qui dans la rue à qui il associe le mot surréalisme - presque tout le monde répondra sans hésiter : Salvador Dali !

Son nom est familier même à ceux qui ne comprennent pas très bien le sens et la philosophie du surréalisme, même à ceux qui ne s'intéressent pas à la peinture. Salvador Dali avait une capacité rare à choquer les autres, il était le héros de la part du lion des conversations sociales de son époque, tout le monde parlait de lui, de la bourgeoisie au prolétariat. Il était probablement Meilleur acteur des artistes, et si le mot PR existait à l'époque, alors Dali pourrait facilement être qualifié de génie des relations publiques, à la fois noir et blanc. Cependant, il est stupide de parler de ce qu'était Dali, si vous voulez vraiment le comprendre - il suffit de regarder ses peintures, qui sont l'incarnation de sa personnalité extravagante ; brillant, étrange, fou et beau.

Mystique nucléaire

Après la Seconde Guerre mondiale, l’humanité est entrée dans une nouvelle phase de son existence. L’un des facteurs les plus destructeurs et en même temps les plus stimulants a été l’utilisation des bombe nucléaire, lorsque les villes japonaises d'Hiroshima et de Nagasaki furent détruites les 6 et 9 août 1945. Bien sûr, d'un point de vue moral et éthique, cet événement est devenu une honte pour le monde civilisé, mais il y avait un autre aspect : la transition vers un niveau fondamentalement nouveau de pensée scientifique et technique. Dans le même temps, les motivations religieuses sont devenues plus prononcées dans la vie en Europe occidentale et aux États-Unis.

Les nouvelles tendances ont pénétré particulièrement profondément parmi l’élite créative et l’intelligentsia. L'un des créateurs les plus sensibles aux événements tragiques fut Salvador Dali. En raison de ses caractéristiques psycho-émotionnelles, il perçoit avec acuité cette catastrophe universelle et, dans le contexte des spécificités de son art, développe son manifeste artistique. Cela marque une nouvelle période dans sa vie et son œuvre, qui s’étend de 1949 à 1966, appelée « mysticisme nucléaire ».

Les premiers signes du « mysticisme nucléaire » sont apparus dans l'ouvrage « Atomic Leda », où il apparaît en synthèse avec mythologie ancienne. Ainsi, après son arrivée d'Amérique, le thème du christianisme est devenu le thème principal pour Dali. La première de la série d'œuvres peut probablement être considérée comme « Madone de Port Lligat », écrite en 1949. Il y tente de se rapprocher des critères esthétiques de la Renaissance. En novembre de la même année, il se rend à Rome où, lors d'une audience avec le pape Pie XII, il présente son tableau au pontife. Selon des témoins oculaires, le Pape n'a pas été trop impressionné par la ressemblance de la Mère de Dieu avec Gala, car l'Église à cette époque se dirigeait vers un renouveau.

Après cela événement important Dali a eu l'idée d'un nouveau tableau - "Le Christ de San Juan de la Cruz", pour la création duquel il s'est basé sur un dessin de la Crucifixion, dont la création a été attribuée au saint lui-même. L’immense tableau représentait Jésus au-dessus de la baie de Port Lligat, dont on pouvait admirer la vue depuis la terrasse de la maison de l’artiste. Plus tard, ce paysage fut répété à plusieurs reprises dans les peintures de Dali dans les années 50. Et déjà en avril 1951, Dali publiait le « Manifeste mystique », dans lequel il proclamait le principe du mysticisme paranoïaque-critique. Salvador était absolument sûr du déclin de l'art moderne, qui, selon lui, était associé au scepticisme et au manque de foi. Le mysticisme paranoïaque critique lui-même, selon le maître, reposait sur les succès étonnants science moderne et la « spiritualité métaphysique » de la mécanique quantique.

A l'aide de ses peintures, Dali a tenté de montrer la présence d'un principe chrétien et mystique dans l'atome. Il considérait le monde de la physique comme plus transcendantal que la psychologie, et la physique quantique - la plus grande découverte XXe siècle. De manière générale, la période des années 50 devient pour l'artiste une période de recherche intellectuelle et spirituelle, ce qui lui donne l'occasion de combiner deux principes opposés : la science et la religion.

Peintures de Salvador Dali

Les peintures de Salvador Dali sont l'un des exemples les plus brillants de l'incarnation du manifeste du surréalisme, cette liberté d'esprit qui confine à la folie. L'incertitude, les formes chaotiques, la combinaison de la réalité avec les rêves, la combinaison d'images réfléchies avec des idées délirantes venues des profondeurs du subconscient, la combinaison de l'impossible avec le possible - voilà ce que sont les peintures de Salvador Dali. Et avec tout cela, avec toute la monstruosité de l’œuvre de Salvador Dali, elle a un attrait inexplicable, même les émotions qui surgissent en regardant les peintures de Salvador Dali, semble-t-il, ne peuvent tout simplement pas exister ensemble. C’est effrayant de penser à ce qui pourrait se passer dans la tête d’une personne capable de peindre de telles toiles. Une chose est claire : ce qui n'existait pas, c'était l'ennui d'une vie quotidienne monotone.
Mais trop de conneries ont déjà été écrites ; la peinture est plus éloquente que n’importe quel mot. Apprécier.

"Léda atomique"

Aujourd'hui, le tableau « Léda atomique » peut être vu au Théâtre-Musée Salvador Dali de la ville de Figueres. L'auteur du tableau, aussi étrange que cela puisse paraître, a été inspiré pour l'écrire par la découverte de l'atome et la réinitialisation bombes atomiques sur îles japonaises en 1945. Le pouvoir destructeur terrifiant de l’atome n’a pas du tout effrayé l’artiste. Les informations sur les particules élémentaires qui n’entrent jamais en contact les unes avec les autres et qui forment avec elles la réalité environnante et les objets qui l’entourent sont devenues une nouvelle source de créativité du maître et les sujets clés de ses peintures. De plus, Dali, qui ne tolérait aucun contact, voyait dans le principe de la structure du monde un symbolisme particulier pour lui-même.

"Atomic Leda" a été écrit en 1949. L'image est basée sur l'ancien mythe grec de Léda, la souveraine de Sparte, et de Zeus, le dieu de tous les dieux de l'Olympe, qui tomba amoureux de la reine et lui apparut sous l'apparence d'un cygne. Après cela, la reine a pondu un œuf à partir duquel ont éclos trois enfants - Hélène de Troie et les frères jumeaux Castor et Pollux. Le maître a identifié son frère aîné, décédé avant sa naissance, avec Castor.

Deux objets plus importants sur la photo sont un carré et un livre. Un carré et une règle, en forme d’ombre, font partie intégrante des outils utilisés en géométrie. Ils indiquent également un calcul mathématique et, dans les croquis de l’artiste, on peut retracer les proportions du pentagramme, appelé « nombre d’or ». Dali était assisté dans ces calculs par le célèbre mathématicien roumain Matila Ghica. Le livre, selon de nombreuses hypothèses, est une bible et une indication du retour de l’artiste à l’Église catholique.

Le fond du tableau est la terre et la mer, comme toutes les parties du tableau qui ne sont pas en contact les unes avec les autres. Salvador Dali a interprété ce point à partir de l'exemple d'un des croquis, expliquant que c'est ainsi qu'il voit la projection dans la réalité de l'origine du « divin et animal ». Les rochers sur les côtés du tableau font partie de la côte catalane où l'artiste est né et a grandi. On sait que lorsque Dali travaillait sur la toile, il se trouvait en Californie et le désir de ses paysages natals se reflétait donc dans les images du créateur.

"Visage de la guerre"

Salvador Dali ne voyait pas comment les troupes hitlériennes faisaient irruption dans sa France natale. Il part aux USA avec sa femme, laissant ses endroits préférés, réalisant avec douleur et amertume que tout serait détruit et brisé.

L’horreur de la guerre, la peur, l’effusion de sang ont submergé la conscience de l’artiste. Tout ce qui était doux et cher pendant de nombreuses années a été piétiné, brûlé et mis en pièces en un instant. Il semblait que tous les rêves, tous les projets étaient enterrés vivants sous la botte fasciste.

Aux États-Unis, Dali attendait le succès, la reconnaissance, sa vie y fut très heureuse et mouvementée, mais ensuite, lorsque l'artiste naviguait sur un navire qui quittait la France, il ne le savait toujours pas. Chacun de ses nerfs était tendu comme une corde, ses émotions exigeaient un exutoire et, juste là, sur le navire, Dali commença son tableau « Le visage de la guerre » (1940).

Cette fois, il s'écarte de sa manière habituelle ; le tableau est peint de manière extrêmement simple et intelligible. Elle a crié, elle a repris connaissance, elle a enchaîné avec horreur tous ceux qui la voyaient. Les orbites et la bouche tordue répètent ce cauchemar plusieurs fois. Des crânes, des crânes, des crânes, mais aussi une horreur inhumaine - c'est tout ce que la guerre apporte à tous ceux qui se dressent sur son chemin. Il n’y a pas de vie à côté de la guerre, et en soi elle est cauchemardesque et morte.

De nombreux serpents naissent de la tête et la mangent. Ils ressemblent davantage à d’ignobles vers, mais leur bouche est ouverte et il semble que même maintenant, leurs sifflements maléfiques puissent être entendus. Le spectateur de l’image n’est pas un observateur extérieur ; c’est comme s’il était ici, regardant seulement le visage cauchemardesque depuis la grotte. Ce sentiment est renforcé par la marque de main dans le coin de l'image.

Dali semble vouloir rappeler à la raison - maintenant, quand vous êtes à l'abri, dans une grotte, réfléchissez - est-ce que ça vaut la peine d'aller là-bas, où il n'y a qu'un masque de mort sans vie, est-ce que ça vaut la peine de déclencher des guerres qui dévorent leurs propres fondateurs, qui apportent des souffrances infinies et sont vouées à une mort terrible.

"Rêve provoqué par le vol d'une abeille autour d'une grenade"

Le célèbre chef-d’œuvre du surréaliste outrancier Dali, créé en 1944 et inspiré de la psychanalyse freudienne, peut être brièvement appelé « Le Rêve ». Ainsi, les travaux approfondis de Freud sur la théorie des rêves se sont révélés utiles non seulement dans le domaine de la psychologie scientifique et de la psychiatrie, mais ont également servi d'inspiration claire aux adeptes du surréalisme. Il faut dire que le psychanalyste lui-même n'a pas reconnu cette créativité, mais on ne peut nier le caractère unique de ces peintures et la présence de nombreux amateurs d'un tel art.

Les rêves peuvent durer quelques secondes, créant l’impression d’une performance complète dans l’arène de l’inconscient. Le freudisme insiste sur la capacité des stimuli externes à « pénétrer » dans un rêve, le transformant en divers images symboliques. Ainsi, sur la toile de Salvador Dali, l’accent est mis sur un modèle nu (l’épouse de Gala) et une petite grenade surmontée d’une abeille. Ce sont des objets monde réel. Le reste des dessins de la composition est le produit du rêve. La vaste mer personnifie l'inconscient humain, plein de profonds secrets. L'éléphant fantomatique du Bernin sur des « échasses » exprime la fragilité et l'instabilité d'un état de sommeil. Un fruit aux baies écarlates prend une taille accrue dans un rêve.

Le corps de la femme plane au-dessus du plan rocheux, ce qui transmet au public la possibilité de l’impossible, familier dans les rêves. Encore un peu et Gala se réveillera... Nous voyons un moment brumeux avant son départ dans le monde conscient depuis les abysses de l'inconscient. Désormais, les habitants et les touristes de Madrid ont la possibilité d'admirer le tableau de leurs propres yeux. D'autres amateurs d'art connaissent l'œuvre grâce aux pages du World Wide Web et aux reproductions.

"Galatea des Sphères"

Toutes les peintures de Dali se distinguent par leur attrait inhabituel. J'aimerais examiner attentivement chaque recoin pour ne manquer aucun détail. Il en est ainsi dans sa célèbre et grande Galatée des sphères. En la regardant, on se demande : comment l’artiste a-t-il réussi si magistralement à représenter un visage à travers un ensemble de sphères ? On ne peut que s'émerveiller de la perfection et de l'harmonie de leur fusion. Seul un véritable maître peut créer un tel chef-d'œuvre.

Salvador Dali a peint son tableau en 1952, à l'époque de la créativité mystique nucléaire. A cette époque, l’artiste étudie diverses sciences et tombe sur la théorie des atomes. Cette théorie a tellement impressionné Dali qu'il a commencé à écrire Nouvelle photo. Il représente le visage de sa femme à partir de nombreuses petites sphères d’atomes fusionnant en un seul couloir. La symétrie de ces cercles crée une perspective puissante et donne au tableau un aspect tridimensionnel.

Les lèvres de Galatée sont l'ombre d'une rangée de boules. Les yeux sont comme deux petites planètes distinctes. Les contours du nez, l'ovale du visage, les oreilles, les cheveux semblent briser ces sphères en atomes séparés. Les combinaisons de couleurs et les contrastes les font paraître volumineux, convexes et en relief. C’est comme si Galatée était une coquille transparente composée des contrastes de couleurs de nombreuses petites sphères idéales.

Seuls certains de ses éléments reflétant le visage de Gala, ses cheveux, ses lèvres et son corps sont peints dans des couleurs naturelles. L'ensemble de la composition fascine et enchante le spectateur. Cela crée l’impression de cercles en mouvement. C’est comme si Galatée tournait avec l’aide de chaque atome vivant.

"Le grand masturbateur"

Tableau, peint en 1929 dans le style du surréalisme, en ce moment exposé au Centre d'Art Reina Sofía à Madrid (Espagne). Au centre du tableau se trouve un visage humain déformé regardant vers le bas. Un profil similaire est également représenté dans le tableau plus célèbre de Dali « La persistance de la mémoire » (1931). De la partie inférieure de la tête s’élève une figure féminine nue, qui n’est pas sans rappeler la muse de l’artiste Gala. La bouche de la femme s’étend jusqu’aux organes génitaux masculins cachés sous des vêtements légers, laissant présager une fellation imminente. La figure masculine est représentée uniquement de la taille aux genoux avec de nouvelles coupures saignantes.

Sous visage humain, sur sa bouche se trouve une sauterelle - un insecte dont l'artiste avait une peur irrationnelle. Des fourmis rampent le long du ventre de la sauterelle et sur la figure centrale - un motif populaire dans les œuvres de Dali - symbole de corruption. Sous les sauterelles se trouvent deux personnages qui projettent une ombre commune. Dans le coin inférieur gauche du tableau, un personnage solitaire s’éloigne précipitamment au loin. De plus, la toile contient également un œuf (symbole de fertilité), un tas de pierres et (sous le visage de la femme) une fleur de calla avec un pistil en forme de phallus.

"Le Grand Masturbateur" a grande importance pour explorer la personnalité de l’artiste, car elle s’inspire de son subconscient. Le tableau reflète l'attitude controversée de Dali envers le sexe. Durant son enfance, le père de Dali a laissé au piano un livre avec des photographies d'organes génitaux touchés par des maladies sexuellement transmissibles, ce qui a conduit à associer le sexe à la décadence et a longtemps détourné le jeune Dali des relations sexuelles.

"Portrait de Luis Buñuel"

Ce tableau a été peint en 1924. Originaire de la collection de Luis Buñuel. Actuellement situé au Centre d'Art Reina Sofía à Madrid. Dalí rencontre Luis Buñuel à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Madrid au cours de ses études de 1922 à 1926. Buñuel faisait partie de ceux qui ont grandement influencé le Salvador. Dali participa plus tard au tournage de deux films de Buñuel : Un Chien Andalou (1929) et L'Âge d'Or (1930).

Le portrait de Luis Buñuel a été peint alors que le futur réalisateur avait 25 ans. Il est représenté comme un homme sérieux et réfléchi, dont le regard se détourne de l’artiste et du public. L'image est réalisée dans des couleurs sombres. Les couleurs subtiles créent une atmosphère de sérieux et soulignent un look réfléchi.

Ce chef-d'œuvre de Dali réalise une remarquable unité de forme active et concentrée. caractéristiques psychologiques. Un visage magnifiquement peint est immédiatement reconnaissable, tout comme les traits d’une personne qui gagne en maturité sont immédiatement « saisis ». style individuel Dali, la capacité de l’artiste à exercer une stricte maîtrise de soi lors du choix des supports de peinture.

"Mélancolie"

Salvador Dali était un génie (peut-être un peu fou, mais c'est généralement caractéristique des génies en avance sur leur temps) - même ceux dans le cœur desquels ses peintures ne trouvent pas de réponse sont d'accord avec cela.

Après tout, ces peintures, plus encore que tout autre art, doivent être comprises par le cœur, le centre de l'âme, qui fait mal, tire, cogne et bat. Après tout, même si vous comprenez avec votre cerveau que l'artiste pensait cela, y est parvenu et a généralement protesté contre la Seconde Guerre mondiale et la discrimination, par exemple contre les Noirs, vous ne pourrez pas aimer les peintures. Il faut les ressentir. Sentez la liberté battre en eux - ils sont infinis, malgré le fait qu'ils soient limités par l'espace étroit de la toile.

Ainsi, « Mélancolie » est pleine de désert, qui s’étend d’un bord à l’autre. Les montagnes à l’horizon ne le limitent pas ; au contraire, elles semblent l’aider à grandir, à s’étendre davantage. Des nuages aux formes étranges élargissent le ciel. Les anges Cupidon sans visage sont espiègles, l'un d'eux joue de la lyre. La table, aux piliers sculptés, comme un lit, paraît presque ridicule dans le désert et viole toutes les lois de la perception humaine. Un homme au visage vide regarde au loin, ennuyé et silencieux.

L’image entière résonne dans l’âme – la mélancolie, le vent dans le désert, le carillon des cordes d’un luth – mais ne résonne pas dans le cerveau, parce que le cerveau ne peut pas le sentir, c’est à cela que sert le cœur.

"Un bébé géopolitique qui assiste à la naissance d'un nouvel homme"

L'artiste a passé la période difficile de la Seconde Guerre mondiale en Amérique. Son Espagne bien-aimée était au centre même des événements sanglants et, bien sûr, les inquiétudes concernant le sort de l'humanité résonnaient dans l'âme du génie. Le tableau a été peint en 1943, au plus fort des hostilités en Europe. Au centre se trouve un énorme œuf, symbolisant la planète. Une fissure le traverse et on peut voir une main saisir fermement la coquille. Les contours à l'intérieur indiquent quel genre de tourment il subit Nouvelle personne, et une goutte de sang tombe sur le tissu blanc répandu sous la planète. Dans le coin droit se tient une femme aux cheveux flottants au vent et aux seins nus, montrant le bébé serrant ses genoux vers l'action complexe de la naissance d'une nouvelle conscience de l'humanité. L’univers est représenté comme un désert, où l’on peut apercevoir des silhouettes solitaires. Écrit dans des tons jaune-brun, symbolisant l'état malade dans lequel se trouve le monde.

"La persistance de la Mémoire"

Inspiration pour l'un des meilleures œuvres Salvador Dali est devenu morceau de camembert. Une plage déserte avec une surface d'eau calme est devenue une personne inconsciente. Une horloge fondue ressemblant à la forme d’un fromage est suspendue à la branche d’un arbre cassé. Au centre se trouve une créature aux formes bizarres, dans laquelle vous pouvez voir des paupières fermées avec long cils, sur lequel se trouve également une montre souple. Une idée particulière du temps, qui s'écoule lentement dans le havre tranquille de la conscience humaine.

"Homme invisible"

Il est basé sur une ébauche humaine, perdue dans ses fantasmes et son imagination. L'auteur a créé une œuvre d'une profondeur étonnante, les frontières sont floues et l'espace devient cosmiquement infini. Le même sentiment est véhiculé en reliant les périodes de l’histoire humaine. L'Antiquité et le Moyen Âge sont restés à travers les colonnes et l'architecture, la modernité est représentée par des formes claires de cubisme. Le tableau contient de nombreuses images compréhensibles uniquement par l'artiste. La fascination de Salvador Dali pour les théories de Freud est évidente dans L'Homme invisible.

"Crucifixion"

Sur l'échiquier dans le coin gauche se trouve une femme en vêtements Renaissance, devant la surface de l'eau. Le regard de la femme, reconnaissable comme l’épouse de l’artiste, est dirigé vers le haut, là où Jésus-Christ est crucifié. Le visage n'est pas visible, la tête est rejetée en arrière, le corps est tendu comme une ficelle, les doigts sont pliés dans un spasme douloureux. Formes de cubes géométriques et perfection jeune corps fusionner et devenir en même temps des antipodes. La surface froide de la crucifixion est l'indifférence et la cruauté humaines, sur lesquelles meurent l'amour et la gentillesse.

Activités en dehors de la peinture

Outre la peinture, la nature bouillonnante de Dali a trouvé son expression dans d’autres domaines de l’art : la sculpture, la photographie et le cinéma, qui au début du XXe siècle était considéré comme le plus magique et le plus prometteur des arts.
Dali visite l'Amérique, où il rencontre et se lie d'amitié avec le célèbre animateur Walt Disney et dessine même un peu pour des dessins animés.
Il apparaît également volontiers dans la publicité, mais les publicités avec sa participation sont trop excentriques et choquantes. Je me souviendrai longtemps de la publicité pour le chocolat où Dali croque dans un morceau de chocolat, après quoi sa moustache se recourbe, et d'une voix euphorique il dit que ce chocolat vient de le rendre fou.
L'héritage créatif de Salvador Dali est tout simplement énorme : beaucoup peintures étonnantes, dont chacun coûte au moins des millions de dollars.
L'artiste est décédé en 1989, mais ses peintures vivront éternellement, nous surprenant ainsi que plus d'une génération de nos descendants par leur beauté et leur génie mystérieux, fous et excentriques.

Le grand et terrible Salvador Dali a vécu une vie brillante, plein de contradictions vie. Dès son enfance, il se distinguait de ses pairs par son caractère odieux et sa capacité magistrale à manipuler les adultes. Un enfant étrange et incompréhensible ne pouvait pas entrer dans le cadre des normes comportementales, pour lesquelles il était souvent ridiculisé. Ses actions ne pouvaient pas être évaluées du point de vue de la logique d'une personne ordinaire.

Le génie que le garçon catalan a réalisé très tôt en lui-même a rendu la vie difficile à tous ceux qui l'entouraient. Les parents ont idolâtré l'enfant, parce que son frère aîné est mort d'une méningite, donc un amour dévorant a favorisé le narcissisme et l'égocentrisme dès le plus jeune âge. La permissivité et la liberté de choix ont donné au monde les maîtres du surréalisme, dans les œuvres desquels les rêves, les phobies et les souvenirs d'enfance sont cryptés.

Peint à l'huile en 1925, fait référence à premières œuvres génie. Les lignes claires et géométriques du cubisme n’ont pas été choisies par hasard. Création de deux héros Arlequin et Pierrot au moyen d'une tromperie visuelle, un collage de papier situé au milieu de la pièce symbolise la double nature de l'homme, dans laquelle se superposent des images opposées de clowns. La palette est assez sourde, seul le violet se révèle à l'extérieur de la fenêtre. paysage marin avec un voilier solitaire. Après la mort de sa mère, Dali s'est retrouvé sans famille et sans soutien, ce qui n'a pas atténué l'intransigeance de ses attitudes de vie.

Avant de rencontrer Gala, la sœur cadette de l'artiste était meilleur ami Salvador Dali et ça Le seul travail qui lui est dédié. Sur carton, à l'huile, en 1924, Anna Maria est représentée assise sur une chaise. L'unité de l'enfance et la proximité spirituelle sont restées avec eux dans leur jeunesse. Une beauté aux yeux sans fond vêtue d'une robe blanche claire est assise, le visage incliné. C’était l’époque dorée de l’amitié frère-sœur. Mais le mariage avec Gala a détruit à jamais toutes les relations familiales, les reproches et la jalousie d'Anna Maria et tout le soutien de sa femme dans son travail ont rendu le choix évident, et il ne restait qu'une muse fidèle.

Un bébé géopolitique qui assiste à la naissance d'un nouvel homme

L'artiste a passé la période difficile de la Seconde Guerre mondiale en Amérique. Son Espagne bien-aimée était au centre même des événements sanglants et, bien sûr, les inquiétudes concernant le sort de l'humanité résonnaient dans l'âme du génie. Le tableau a été peint en 1943, au plus fort des hostilités en Europe. Au centre se trouve un énorme œuf, symbolisant la planète. Une fissure le traverse et on peut voir une main saisir fermement la coquille. Les contours à l'intérieur indiquent le genre de tourment que subit l'Homme Nouveau, et une goutte de sang tombe sur le tissu blanc répandu sous la planète. Dans le coin droit se tient une femme aux cheveux flottants au vent et aux seins nus, montrant le bébé serrant ses genoux vers l'action complexe de la naissance d'une nouvelle conscience de l'humanité. L’univers est représenté comme un désert, où l’on peut apercevoir des silhouettes solitaires. Écrit dans des tons jaune-brun, symbolisant l'état malade dans lequel se trouve le monde.

L'une des meilleures œuvres de Salvador Dali s'inspire de morceau de camembert. Une plage déserte avec une surface d'eau calme est devenue une personne inconsciente. Une horloge fondue ressemblant à la forme d’un fromage est suspendue à la branche d’un arbre cassé. Au centre se trouve une créature de forme bizarre, dans laquelle vous pouvez voir des paupières fermées avec de longs cils, sur lesquelles se trouve également une montre souple. Une idée particulière du temps, qui s'écoule lentement dans le havre tranquille de la conscience humaine.

Un désert bordé d’un horizon jaune, un visage contre nature et ridé, détruisant des vies humaines. Au lieu de cheveux, il y a des serpents sifflants avec la gueule ouverte. Dans les orbites et la bouche se trouve également un crâne avec le même remplissage. La guerre est identifiée à la mort qui dévore tout, progresse sans fin et ne laisse rien de vivant, seulement des sables jaunes sans fin.

Vous pouvez regarder les peintures de Salvador Dali pendant des heures, scrutant les images et les silhouettes cachées par les métamorphoses et l’imagination de l’auteur. « Galatée des Sphères » semble avoir été créée à l'aide de la haute technologie moderne. Comment peindre les contours transparents d’une muse permanente avec les outils habituels d’un artiste dans des domaines variés ? L'image tridimensionnelle vous transporte vers l'infini, les tons bleu ciel créent un univers composé de mille atomes et créant une belle femme.

Au centre se trouve l’image d’un vase, qui n’est rien de plus qu’un beau visage antique. Les pommettes floues se transforment en nappe, où sont jetées négligemment une corde, un foulard et des clous. En arrière-plan, on peut voir des silhouettes humaines et un paysage marin. Au-dessus du vase se dressent deux chiens que l'auteur intègre à la nature, créant des métamorphoses visuelles.

Sur l'échiquier dans le coin gauche se trouve une femme en vêtements Renaissance, devant la surface de l'eau. Le regard de la femme, reconnaissable comme l’épouse de l’artiste, est dirigé vers le haut, là où Jésus-Christ est crucifié. Le visage n'est pas visible, la tête est rejetée en arrière, le corps est tendu comme une ficelle, les doigts sont pliés dans un spasme douloureux. Les formes géométriques du cube et la perfection du corps jeune se confondent et deviennent en même temps aux antipodes. La surface froide de la crucifixion est l'indifférence et la cruauté humaines, sur lesquelles meurent l'amour et la gentillesse.

La dernière création de la main du grand maître dédiée à son épouse bien-aimée. A l'horizon on aperçoit une mer turquoise et un ciel clair, et au centre, en diminuant progressivement, sont visibles 3 profils féminins appartenant à Gala. Le sourire qui illumina son visage n'est pas moins mystérieux que celui de Mono Lisa de Léonard de Vinci. En regardant la toile de haut en bas, on identifie la toute première image, dorée, floue, floue, symbolisant les premières années ensemble. La deuxième personne est érigée sur un piédestal, à cette étape de la vie Dali a déifié son amour, son narcissisme s'est éloigné devant la perfection d'une femme étonnante. Le dernier profil, plus grand que les autres, est de couleur grise, dépourvu d’or chaud. C'est son Gala, réel, avec des vices et des vertus, restant à jamais le principal et irremplaçable pour le génie.