Εισαγωγή

Ι. Ρώσοι προσωπογράφοι του πρώτου μισό του 19ου αιώνααιώνας

1.3 Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

II. Mobile Partnership Εκθέσεις Τέχνης

Κεφάλαιο IV. Τέχνη ζωγραφική πορτρέτου

συμπέρασμα

Σκοπός αυτού του έργου είναι να μιλήσει για τη σημασία του πορτραίτου ως ένα από τα κύρια είδη τέχνης, για το ρόλο του στον πολιτισμό και την τέχνη εκείνης της εποχής, να γνωρίσει τα κύρια έργα των καλλιτεχνών, να μάθει για τους Ρώσους ζωγράφους πορτρέτων του 19ου αιώνα, για τη ζωή και το έργο τους.

Σε αυτό το έργο θα εξετάσουμε την τέχνη της προσωπογραφίας τον 19ο αιώνα:

Οι μεγαλύτεροι δάσκαλοι της ρωσικής τέχνης του 19ου αιώνα.

Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης.

Τι είναι ένα πορτρέτο;

Η ιστορία της εμφάνισης του πορτρέτου.

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα - η εποχή του σχηματισμού ενός συστήματος ειδών στη ρωσική ζωγραφική. Στη ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. επικράτησε η ρεαλιστική κατεύθυνση. Ο χαρακτήρας του ρωσικού ρεαλισμού καθορίστηκε από τους νέους ζωγράφους που εγκατέλειψαν την Ακαδημία Τεχνών το 1863 και επαναστάτησαν ενάντια σε όσα επιβάλλονταν στην Ακαδημία. κλασικό στυλκαι ιστορικά και μυθολογικά θέματα. Αυτοί οι καλλιτέχνες οργάνωσαν το 1870

Μια περιοδεύουσα εκθεσιακή συνεργασία της οποίας η αποστολή ήταν να παρέχει στα μέλη της συνεργασίας την ευκαιρία να εκθέσουν τη δουλειά τους. Χάρη στις δραστηριότητές του, τα έργα τέχνης έγιναν πιο προσιτά σε έναν ευρύ κύκλοτων ανθρώπων. Ο Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832–1898) από το 1856 συγκέντρωσε έργα Ρώσων καλλιτεχνών, κυρίως των Peredvizhniki, και το 1892 δώρισε τη συλλογή έργων του μαζί με τη συλλογή του αδελφού του S.M. Στο είδος των πορτρέτων, οι περιπλανώμενοι δημιούργησαν μια γκαλερί εικόνων εξαιρετικών πολιτιστικών μορφών της εποχής τους: ένα πορτρέτο του Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι (1872) του Βασίλι Πέροφ (1833-1882), ένα πορτρέτο του Νικολάι Νεκράσοφ (1877-1878) του Ιβάν. Kramskoy (1837–1887), ένα πορτρέτο του Modest Mussorgsky (1881), που έγινε από τον Ilya Repin (1844–1930), ένα πορτρέτο του Leo Tolstoy (1884) από τον Nikolai Ge (1831–1894) και μια σειρά άλλων. Όντας σε αντίθεση με την Ακαδημία και την καλλιτεχνική της πολιτική, οι Περιπλανώμενοι στράφηκαν στα λεγόμενα. «χαμηλά» θέματα. στα έργα τους εμφανίζονται εικόνες αγροτών και εργατών.

Η αύξηση και η επέκταση της καλλιτεχνικής κατανόησης και αναγκών αντικατοπτρίζεται στην εμφάνιση πολλών καλλιτεχνικών κοινωνιών, σχολείων, μιας σειράς ιδιωτικών γκαλερί (Tretyakov Gallery) και μουσείων όχι μόνο στις πρωτεύουσες, αλλά και στις επαρχίες, στην εισαγωγή στη σχολική εκπαίδευση στο σχέδιο .
Όλα αυτά, σε σχέση με την εμφάνιση μιας σειράς λαμπρών έργων Ρώσων καλλιτεχνών, δείχνουν ότι η τέχνη ρίζωσε στο ρωσικό έδαφος και έγινε εθνική. Η νέα ρωσική εθνική τέχνη ήταν πολύ διαφορετική στο ότι αντανακλούσε ξεκάθαρα και έντονα τις κύριες τάσεις της ρωσικής κοινωνικής ζωής.

Ι. Ρώσοι προσωπογράφοι του πρώτου μισού του 19ου αιώνα.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Γεννημένος στο αρχοντικό Nezhinskaya (κοντά στο Koporye, τώρα στην περιοχή του Λένινγκραντ) στις 13 (24) Μαρτίου 1782. Ήταν ο νόθος γιος του γαιοκτήμονα A.S Dyakonov, εγγεγραμμένος στην οικογένεια του δουλοπάροικου Adam Schwalbe. Έχοντας λάβει την ελευθερία του, σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης (1788–1803) με τον G.I Ugryumov και άλλους. –1822 και από το 1828 - στη Ρώμη και τη Νάπολη.

Το πρώτο πορτρέτο - ο θετός πατέρας του A.K Schwalbe (1804, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) - ξεχωρίζει για τον συναισθηματικό του χρωματισμό. Με τα χρόνια, η ικανότητα του Kiprensky, που εκδηλώνεται στην ικανότητα να δημιουργεί όχι μόνο κοινωνικούς και πνευματικούς τύπους (κυρίαρχη στη ρωσική τέχνη του Διαφωτισμού), αλλά και μοναδικές ατομικές εικόνες, έχει βελτιωθεί. Είναι φυσικό ότι συνηθίζεται να ξεκινάμε την ιστορία του ρομαντισμού στα ρωσικά με τους πίνακες του Kiprensky. καλές τέχνες.

Ρώσος καλλιτέχνης, εξαιρετικός δάσκαλοςΡωσική ωραία τέχνη του ρομαντισμού, γνωστή ως θαυμάσιος ζωγράφος πορτρέτων. Τα πορτρέτα του Κιπρένσκι είναι εμποτισμένα με ιδιαίτερη εγκαρδιότητα, ιδιαίτερη απλότητα, γεμίζουν με την υψηλή και ποιητική αγάπη του για τον άνθρωπο. Στα πορτρέτα του Kiprensky τα χαρακτηριστικά της εποχής του είναι πάντα αισθητά. Αυτό είναι πάντα εγγενές σε κάθε πορτρέτο του - και ρομαντική εικόνανεαρός V.A. Ζουκόφσκι, και ο σοφός Ε.Π. Rostopchin (1809), πορτρέτα: D.N. Khvostov (1814 Tretyakov Gallery), το αγόρι Chelishchev (1809 Tretyakov Gallery), E.V. Davydov (1809 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο).

Ένα ανεκτίμητο μέρος της δουλειάς του Kiprensky είναι τα γραφικά πορτρέτα, φτιαγμένα κυρίως με μολύβι με χρωματισμούς σε παστέλ, ακουαρέλες και χρωματιστά μολύβια. Απεικονίζει τον στρατηγό Ε.Ι. Chaplitsa (Gallery Tretyakov), P.A. Ελαφιού (GTG). Σε αυτές τις εικόνες βλέπουμε τη Ρωσία, τη ρωσική διανόηση από Πατριωτικός Πόλεμος 1812 μέχρι την εξέγερση του Δεκέμβρη.

Τα πορτρέτα του Kiprensky εμφανίζονται μπροστά μας ως πολύπλοκα, στοχαστικά και μεταβλητά στη διάθεση. Αποκαλύπτοντας διαφορετικές πτυχές του ανθρώπινου χαρακτήρα και πνευματικό κόσμοΟ Kiprensky χρησιμοποιούσε πάντα διαφορετικές δυνατότητες ζωγραφικής στα πρώιμα ρομαντικά πορτρέτα του. Τα αριστουργήματά του είναι σαν ένα από τα καλύτερα πορτραίτα ζωήςΠούσκιν (1827 Πινακοθήκη Τρετιακόφ), πορτρέτο της Αβντουλίνα (1822 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο). Η θλίψη και η στοχαστικότητα των χαρακτήρων του Kiprensky είναι εξαιρετική και λυρική.

«Το αγαπημένο της μόδας με ανοιχτόχρωμα φτερά,

Αν και όχι Βρετανοί, ούτε Γάλλοι,

Δημιούργησες ξανά, αγαπητέ μάγο,

Εγώ, το κατοικίδιο των αγνών μουσών. –

Και γελάω στον τάφο μου

Έφυγε για πάντα από θνητούς δεσμούς.

Βλέπω τον εαυτό μου σαν στον καθρέφτη,

Αλλά αυτός ο καθρέφτης με κολακεύει.

Λέει ότι δεν θα ταπεινώσω

Τα πάθη σημαντικών αονιδίων.

Από εδώ και πέρα ​​η εμφάνισή μου θα είναι γνωστή, -

Ο Πούσκιν έγραψε στον Κιπρένσκι σε ένδειξη ευγνωμοσύνης για το πορτρέτο του. Ο Πούσκιν θεωρούσε πολύτιμο το πορτρέτο του και αυτό το πορτρέτο κρεμόταν στο γραφείο του.

Μια ειδική ενότητα αποτελείται από τις αυτοπροσωπογραφίες του Kiprensky (με φούντες πίσω από το αυτί, περίπου 1808, Tretyakov Gallery, κ.λπ.), εμποτισμένες με το πάθος της δημιουργικότητας. Κατέχει επίσης τις ειλικρινείς εικόνες των Ρώσων ποιητών: K.N Batyushkov (1815, σχέδιο, Μουσείο του Ινστιτούτου Ρωσικής Λογοτεχνίας της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών, Αγία Πετρούπολη· V.A. Zhukovsky (1816). δουλεύοντας κυρίως με ένα ιταλικό μολύβι, δημιούργησε μια σειρά από αξιόλογους καθημερινούς χαρακτήρες (όπως ο Τυφλός Μουσικός, 1809, Ρωσικό Μουσείο Κιπρένσκι πέθανε στη Ρώμη στις 17 Οκτωβρίου 1836).

1.2 Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857)

Εκπρόσωπος του ρομαντισμού στις ρωσικές καλές τέχνες, δεξιοτέχνης της ζωγραφικής πορτρέτων. Γεννήθηκε στο χωριό Karpovka (επαρχία Νόβγκοροντ) στις 19 Μαρτίου 1776 στην οικογένεια των δουλοπάροικων του Κόμη A.S. αργότερα στάλθηκε στη διάθεση του κόμη I.I Morkov ως προίκα για την κόρη του Minich. Έδειξε ικανότητα να ζωγραφίζει ως αγόρι, αλλά ο αφέντης του τον έστειλε στην Αγία Πετρούπολη για να σπουδάσει ζαχαροπλάστης. Παρακολούθησε μαθήματα στην Ακαδημία Τεχνών, πρώτα κρυφά, και από το 1799 με την άδεια του Morkov. Κατά τη διάρκεια των σπουδών του, γνώρισε τον O.A. Kiprensky. Το 1804, ο ιδιοκτήτης κάλεσε τον νεαρό καλλιτέχνη στο σπίτι του και από τότε έζησε εναλλάξ στην Ουκρανία, στο νέο κτήμα καρότων του Kukavka, και στη συνέχεια στη Μόσχα, στη θέση ενός δουλοπάροικου ζωγράφου, υποχρεωμένος να πραγματοποιήσει ταυτόχρονα το οικονομικές εντολές του γαιοκτήμονα. Το 1823 έλαβε την ελευθερία του και τον τίτλο του ακαδημαϊκού, αλλά, εγκαταλείποντας την καριέρα του στην Αγία Πετρούπολη, παρέμεινε στη Μόσχα.

Ένας καλλιτέχνης από δουλοπάροικους, που με τη δημιουργικότητά του έφερε πολλά νέα πράγματα στη ρωσική ζωγραφική του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού και έγινε ο πιο διάσημος καλλιτέχνηςΣχολή πορτρέτων της Μόσχας της δεκαετίας του 20-30. Αργότερα, το χρώμα της ζωγραφικής του Tropinin γίνεται πιο ενδιαφέρον, οι όγκοι είναι συνήθως σμιλεμένοι πιο καθαρά και γλυπτά, αλλά το πιο σημαντικό, η καθαρά ρομαντική αίσθηση του κινούμενου στοιχείου της ζωής μεγαλώνει υπονοούμενα, ο Tropinin είναι ο δημιουργός ενός ειδικού τύπου πορτρέτου - ένα ζωγραφική. Πορτρέτα που εισάγουν χαρακτηριστικά του είδους, εικόνες με συγκεκριμένη πλοκή: “Lacemaker”, “Spinner”, “Guitar Player”, “Gold Seamstress”.

Τα καλύτερα πορτρέτα του Tropinin, όπως το πορτρέτο του γιου του Arseny (1818 Tretyakov Gallery), Bulakhov (1823 Tretyakov Gallery). Ο Τροπινίν στο έργο του ακολουθεί το μονοπάτι της σαφήνειας και της ισορροπίας με απλές συνθέσεις πορτραίτων εικόνων. Κατά κανόνα, η εικόνα παρουσιάζεται σε ουδέτερο φόντο με ελάχιστα αξεσουάρ. Έτσι ακριβώς το απεικόνισε ο Α.Σ. Πούσκιν (1827) - κάθεται στο τραπέζι σε ελεύθερη πόζα, ντυμένος με φόρεμα σπιτιού, που τονίζει τη φυσικότητα της εμφάνισής του.

Πρώιμα έργαΤο Tropinin είναι συγκρατημένο στο χρώμα και κλασικά στατικό στη σύνθεση (οικογενειακά πορτρέτα των Morkovs, 1813 και 1815· και τα δύο έργα βρίσκονται στην Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο πλοίαρχος δημιούργησε επίσης εκφραστικούς τοπικούς, μικρούς ρωσικούς τύπους εικόνας του Ουκρανού, (δεκαετία 1810, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Bulakov, 1823; K.G.Ravich, 1823; και τα δύο πορτρέτα στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ).

Με τα χρόνια, ο ρόλος της πνευματικής ατμόσφαιρας - που εκφράζεται από το υπόβαθρο, σημαντικές λεπτομέρειες - μόνο αυξάνεται. Το καλύτερο παράδειγμαμπορεί να χρησιμεύσει ως Αυτοπροσωπογραφία με πινέλα και παλέτα 1846, όπου ο καλλιτέχνης παρουσιάστηκε με φόντο ένα παράθυρο με εκπληκτική θέα στο Κρεμλίνο. Ολόκληρη η γραμμήΟ Tropinin αφιερώνει τα έργα του σε συναδέλφους του καλλιτέχνες που απεικονίζονται στη δουλειά ή στο στοχασμό (I.P. Vitali, περ. 1833· K.P. Bryullov, 1836· και τα δύο πορτρέτα στην Πινακοθήκη Tretyakov· κ.λπ.). Ταυτόχρονα, το στυλ του Tropinin χαρακτηρίζεται πάντα από μια ιδιαίτερα οικεία, σπιτική γεύση. Στο δημοφιλές Woman in the Window (βασισμένο στο ποίημα του M.Yu. Lermontov Treasurer, 1841), αυτή η χαλαρή ειλικρίνεια αποκτά μια ερωτική γεύση. Αργότερα έργαοι κύριοι (Servant with Damask Counting Money, 1850, ό.π.) μαρτυρούν το ξεθώριασμα της χρωματοτεχνικής μαεστρίας, προσδοκώντας, ωστόσο, το έντονο ενδιαφέρον για τη δραματική καθημερινότητα, χαρακτηριστικό των Wanderers. Ένας σημαντικός τομέας της δημιουργικότητας του Tropinin είναι επίσης τα αιχμηρά σκίτσα του με μολύβι. Ο Τροπινίν πέθανε στη Μόσχα στις 3 (15) Μαΐου 1857.

Ρώσος καλλιτέχνης, εκπρόσωπος του ρομαντισμού (γνωστός κυρίως για τα αγροτικά του είδη). Γεννήθηκε στη Μόσχα στις 7 Φεβρουαρίου 1780 εμπορική οικογένεια. Στα νιάτα του υπηρέτησε ως αξιωματούχος. Σπούδασε τέχνη σε μεγάλο βαθμό μόνος του, αντιγράφοντας πίνακες από το Ερμιτάζ. Το 1807–1811 πήρε μαθήματα ζωγραφικής από τον Β. Λ. Μποροβικόφσκι. Θεωρείται ο ιδρυτής της ρωσικής έντυπης καρικατούρας. Τοπογράφος γης με εκπαίδευση, άφησε την υπηρεσία για βάψιμο. Στο είδος του πορτραίτου, δημιούργησε εκπληκτικά ποιητικές, λυρικές, ρομαντικές εικόνες σε παστέλ, μολύβι και λάδι - ένα πορτρέτο του V.S. Putyatina (Πινακοθήκη Τρετιακόφ). Ανάμεσα στα πιο όμορφα έργα του αυτού του είδους είναι το δικό του πορτρέτο (Μουσείο Αλεξάνδρα Γ'), ζωγράφισε πλούσια και τολμηρά, σε ευχάριστες, παχιές γκρι-κίτρινες και κιτρινόμαυρες αποχρώσεις, καθώς και ένα πορτρέτο που φιλοτέχνησε του παλιού ζωγράφου Golovochesky (Imperial Academy of Arts).

Ο Βενετσιάνοφ είναι πρωτοκλασάτος δάσκαλος και εξαιρετικός άνθρωπος. για το οποίο η Ρωσία θα έπρεπε να είναι αρκετά περήφανη. Αναζήτησε με ζήλο τα νέα ταλέντα απευθείας από τον κόσμο, κυρίως μεταξύ των ζωγράφων, και τα προσέλκυε στον εαυτό του. Ο αριθμός των μαθητών του ήταν πάνω από 60 άτομα.

Κατά τη διάρκεια του Πατριωτικού Πολέμου του 1812 δημιούργησε μια σειρά προπαγανδιστικών και σατιρικών εικόνων με θέμα τη λαϊκή αντίσταση στους Γάλλους κατακτητές.

Ζωγράφισε πορτρέτα, συνήθως μικρού σχήματος, με διακριτική λυρική έμπνευση (M.A. Venetsianova, σύζυγος του καλλιτέχνη, τέλη δεκαετίας 1820, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη· Αυτοπροσωπογραφία, 1811, Γκαλερί Tretyakov). Το 1819 άφησε την πρωτεύουσα και έκτοτε έζησε στο χωριό Safonkovo ​​(επαρχία Tver), το οποίο αγόρασε, εμπνευσμένος από το γύρω τοπίο και την αγροτική ζωή. Οι καλύτεροι πίνακες του Βενετσιάνοφ είναι κλασικοί με τον δικό τους τρόπο, δείχνοντας αυτή τη φύση σε μια κατάσταση εξιδανικευμένης, φωτισμένης αρμονίας. από την άλλη, προφανώς κυριαρχεί σε αυτά το ρομαντικό στοιχείο, η γοητεία όχι των ιδανικών, αλλά των απλών φυσικών συναισθημάτων με φόντο τη γηγενή φύση και την καθημερινότητα. Τα αγροτικά του πορτρέτα (Zakharka, 1825· ή αγρότισσα με αραβοσίτου, 1839) εμφανίζονται ως θραύσματα του ίδιου φωτισμένου-φυσικού, κλασικού-ρομαντικού ειδυλλίου.

Νέες δημιουργικές αναζητήσεις διακόπηκαν από τον θάνατο του καλλιτέχνη: Ο Βενετσιάνοφ πέθανε στο χωριό Τβερ του Ποντούμπιε στις 4 Δεκεμβρίου 1847 από τραυματισμούς - πετάχτηκε έξω από ένα βαγόνι όταν τα άλογα γλίστρησαν σε έναν ολισθηρό χειμερινό δρόμο. Το παιδαγωγικό σύστημα του πλοιάρχου καλλιεργεί την αγάπη της απλής φύσης (γύρω στο 1824 δημιούργησε τη δική του Σχολή καλών τεχνών), έγινε η βάση μιας ειδικής βενετσιάνικης σχολής, της πιο χαρακτηριστικής και πρωτότυπης από όλες τις προσωπικές σχολές της ρωσικής τέχνης του 19ου αιώνα.

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Γεννήθηκε στις 29 Νοεμβρίου (10 Δεκεμβρίου), 1798 στην οικογένεια του καλλιτέχνη P.I Bryullov, αδελφού του ζωγράφου K.P. Έλαβε την πρωτοβάθμια εκπαίδευση από τον πατέρα του, μάστορα της διακοσμητικής γλυπτικής, και στη συνέχεια σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών (1810–1821). Το καλοκαίρι του 1822, αυτός και ο αδελφός του στάλθηκαν στο εξωτερικό με έξοδα της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών. Έχοντας επισκεφτεί τη Γερμανία, τη Γαλλία, την Ιταλία, την Αγγλία και την Ελβετία, το 1830 επέστρεψε στην Αγία Πετρούπολη. Από το 1831 - καθηγητής στην Ακαδημία Τεχνών. Άνθρωπος με αξιοσημείωτη μοίρα, διδακτική και πρωτότυπη. Από την παιδική του ηλικία, περιβάλλεται από εντυπώσεις της ρωσικής πραγματικότητας. Μόνο στη Ρωσία ένιωθε σαν στο σπίτι του, την προσπαθούσε και τη λαχταρούσε σε μια ξένη χώρα. Ο Bryullov εργάστηκε με έμπνευση, επιτυχία και πάθος. Στο εργαστήριό του, σε δύο με τρεις μήνες, εμφανίστηκαν τέτοια αριστουργήματα προσωπογραφίας όπως τα πορτρέτα της Σεμένοβα, του γιατρού Ορλόφ, του Νέστορα και του Πλάτωνα του Κουκλοπαίκτη. Στα πορτρέτα του Bryullov, που εκτελούνται με ανελέητη αλήθεια και εξαιρετικά υψηλή δεξιοτεχνία, μπορεί κανείς να δει την εποχή στην οποία έζησε, την επιθυμία για αληθινό ρεαλισμό, τη διαφορετικότητα, τη φυσικότητα και την απλότητα του προσώπου που απεικονίζεται.

Φεύγω από ιστορική ζωγραφικήΤα ενδιαφέροντα του Bryullov ήταν η κατεύθυνση της προσωπογραφίας, στην οποία έδειξε όλο το δημιουργικό του ταμπεραμέντο και τη λαμπρότητα της δεξιοτεχνίας του. Ο λαμπρός διακοσμητικός καμβάς του "Ιππέας" (1832 Tretyakov Gallery), που απεικονίζει τη μαθήτρια της κόμισσας Yu.P. Samoilova Giovanina Paccini. Πορτρέτο της ίδιας της Σαμοΐλοβα με μια άλλη μαθήτρια, την Αματσιλιά (1839, Ρωσικό Μουσείο). Στο πρόσωπο του συγγραφέα Strugovshchikov (1840 Tretyakov Gallery) μπορεί κανείς να διαβάσει την ένταση της εσωτερικής ζωής. Αυτοπροσωπογραφία (1848 Tretyakov Gallery) - ένα θλιβερά λεπτό πρόσωπο με ένα διεισδυτικό βλέμμα. Ένα πολύ ζωντανό πορτρέτο του πρίγκιπα Γκολίτσιν, που στηρίζεται σε μια πολυθρόνα στο γραφείο του.

Ο Bryullov διαθέτει ισχυρή φαντασία, οξυδερκές μάτι και πιστό χέρι. Γέννησε ζωντανές δημιουργίες σύμφωνες με τους κανόνες του ακαδημαϊσμού.

Έχοντας αναχωρήσει σχετικά νωρίς από πρακτική δουλειά, ο πλοίαρχος συμμετείχε ενεργά στη διδασκαλία στην Ακαδημία Τεχνών (από το 1831 - καθηγητής). Άφησε επίσης μια πλούσια γραφική κληρονομιά: πολυάριθμα πορτρέτα (E.P. Bakunina, 1830–1832· N.N. Pushkina, σύζυγος του μεγάλου ποιητή· A.A. Perovsky, 1834· όλα σε ακουαρέλα κ.λπ.), εικονογραφήσεις, κ.λπ. Εδώ τα ρομαντικά γνωρίσματα του ταλέντου του εκδηλώθηκαν ακόμη πιο άμεσα από ό,τι στην αρχιτεκτονική. Πέθανε στις 9 (21) Ιανουαρίου 1887 στην Αγία Πετρούπολη.

Ένα εμπνευσμένο παράδειγμα για τη συνεργασία ήταν το «Artel of Artists της Αγίας Πετρούπολης», το οποίο ιδρύθηκε το 1863 από συμμετέχοντες στην «εξέγερση των δεκατεσσάρων» (I.N. Kramskoy, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky, κ.λπ.) - απόφοιτοι της Ακαδημίας. των Τεχνών, οι οποίοι το εγκατέλειψαν προκλητικά αφού το συμβούλιο της Ακαδημίας τους απαγόρευσε να γράψουν μια διαγωνιστική φωτογραφία σε μια ελεύθερη πλοκή αντί για το επίσημα προτεινόμενο θέμα από τη σκανδιναβική μυθολογία. Υπερασπιζόμενοι την ιδεολογική και οικονομική ελευθερία της δημιουργικότητας, οι «εργάτες του arttel» άρχισαν να οργανώνουν τις δικές τους εκθέσεις, αλλά στο τέλος της δεκαετίας του 1860-1870 οι δραστηριότητές τους ουσιαστικά εκμηδενίστηκαν. Ένα νέο κίνητρο ήταν η έκκληση στο Artel (το 1869). Με την κατάλληλη άδεια, σε όλες τις πόλεις της αυτοκρατορίας θα υπάρχουν περιοδεύουσες εκθέσεις τέχνης με τις ακόλουθες μορφές: α) παρέχοντας στους κατοίκους των επαρχιών την ευκαιρία να εξοικειωθούν με τη ρωσική τέχνη και να παρακολουθήσουν τις επιτυχίες της. β) ανάπτυξη της αγάπης για την τέχνη στην κοινωνία. και γ) διευκολύνοντας τους καλλιτέχνες να εμπορεύονται τα έργα τους». Έτσι, για πρώτη φορά στις καλές τέχνες της Ρωσίας (εκτός από το Artel), δημιουργήθηκε μια ισχυρή ομάδα τέχνης, όχι απλώς ένας φιλικός κύκλος ή ένα ιδιωτικό σχολείο, αλλά μια μεγάλη κοινότητα ομοϊδεατών, που σκόπευε (αντίθετα με τις επιταγές της Ακαδημίας Τεχνών) όχι μόνο να εκφράζει, αλλά και να καθορίζει ανεξάρτητα τη διαδικασία ανάπτυξης καλλιτεχνική κουλτούρασε όλη τη χώρα.

Θεωρητική προέλευση δημιουργικές ιδέεςΟι «Πλανηγοί» (που εκφράζονται στην αλληλογραφία τους, καθώς και στην κριτική εκείνης της εποχής - κυρίως στα κείμενα του Kramskoy και στις ομιλίες του V.V. Stasov) ήταν η αισθητική του φιλοσοφικού ρομαντισμού. Νέα τέχνη, απελευθερωμένη από τους κανόνες των ακαδημαϊκών κλασικών. Στην πραγματικότητα, ανοίξτε την ίδια την πορεία της ιστορίας, προετοιμάζοντας έτσι αποτελεσματικά το μέλλον στις εικόνες σας. Οι «Wanderers» παρουσίασαν έναν τέτοιο καλλιτεχνικό και ιστορικό «καθρέφτη» κυρίως στη νεωτερικότητα: την κεντρική θέση στις εκθέσεις κατείχαν το είδος και τα καθημερινά μοτίβα, η Ρωσία στην πολύπλευρη καθημερινότητά της. Η αρχή του είδους έδινε τον τόνο για πορτρέτα, τοπία, ακόμη και εικόνες του παρελθόντος, όσο το δυνατόν πιο κοντά στις πνευματικές ανάγκες της κοινωνίας. Στη μεταγενέστερη παράδοση, συμπεριλαμβανομένης της σοβιετικής, η οποία διαστρέβλωνε με τάση την έννοια του «peredvizhnik ρεαλισμού», το θέμα περιήλθε σε σοσιαλ-κριτικά, επαναστατικά-δημοκρατικά υποκείμενα, τα οποία ήταν πράγματι πολλά. Είναι πιο σημαντικό να έχουμε κατά νου τον πρωτόγνωρο αναλυτικό και μάλιστα οραματικό ρόλο που δόθηκε εδώ όχι τόσο στους διαβόητους κοινωνικά θέματα, αλλά στην τέχνη ως τέτοια, δημιουργώντας τη δική της κυρίαρχη κρίση για την κοινωνία και έτσι διαχωρίζοντας τον εαυτό της στο δικό της, ιδανικά αυτάρκης καλλιτεχνικό βασίλειο. Μια τέτοια αισθητική κυριαρχία, που μεγάλωσε με τα χρόνια, έγινε το άμεσο κατώφλι του ρωσικού συμβολισμού και του νεωτερισμού.

Σε τακτικές εκθέσεις (48 συνολικά), που παρουσιάζονταν πρώτα στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, και στη συνέχεια σε πολλές άλλες πόλεις της αυτοκρατορίας, από τη Βαρσοβία στο Καζάν και από το Νόβγκοροντ στο Αστραχάν, με τα χρόνια μπορούσε κανείς να δει όλο και περισσότερα παραδείγματα όχι μόνο ρομαντικής-ρεαλιστικής, αλλά και μοντερνιστικής στυλιστικής. Οι δύσκολες σχέσεις με την Ακαδημία κατέληξαν τελικά σε συμβιβασμό, αφού στα τέλη του 19ου αιώνα. (μετά την επιθυμία του Αλεξάνδρου Γ 'να σταματήσει ο διχασμός μεταξύ των καλλιτεχνών) ένα σημαντικό μέρος των πιο έγκυρων Peredvizhniki συμπεριλήφθηκαν στο ακαδημαϊκό διδακτικό προσωπικό. Στις αρχές του 20ου αιώνα. Στη Σύμπραξη, η τριβή μεταξύ καινοτόμων και παραδοσιακών εντάθηκε, οι Peredvizhniki δεν αντιπροσώπευαν πλέον, όπως είχαν συνηθίσει να πιστεύουν οι ίδιοι, ό,τι ήταν καλλιτεχνικά προωθημένο στη Ρωσία. Η κοινωνία έχανε γρήγορα την επιρροή της. Το 1909 οι επαρχιακές του εκθέσεις σταμάτησαν. Η τελευταία, σημαντική άνοδος της δραστηριότητας έλαβε χώρα το 1922, όταν η κοινωνία υιοθέτησε μια νέα διακήρυξη, εκφράζοντας την επιθυμία της να αντικατοπτρίζει τον τρόπο ζωής σύγχρονη Ρωσία.

Κεφάλαιο III. Ρώσοι προσωπογράφοι του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

Ρώσος καλλιτέχνης. Γεννήθηκε στο Voronezh στις 15 Φεβρουαρίου (27) 1831 στην οικογένεια ενός γαιοκτήμονα. Σπούδασε στα μαθηματικά των πανεπιστημίων του Κιέβου και της Αγίας Πετρούπολης (1847–1850), στη συνέχεια εισήλθε στην Ακαδημία Τεχνών, από την οποία αποφοίτησε το 1857. Επηρεάστηκε πολύ από τον Κ.Π. Έζησε στη Ρώμη και τη Φλωρεντία (1857–1869), στην Αγία Πετρούπολη και από το 1876 - στο αγρόκτημα Ivanovsky στην επαρχία Chernigov. Υπήρξε ένας από τους ιδρυτές του Συνδέσμου των Πλανόδιων (1870). Έκανα πολλά πορτραίτα. Άρχισε να ασχολείται με πορτρέτα ενώ ακόμη σπούδαζε στην Ακαδημία Τεχνών. Πίσω πολλά χρόνιαδημιουργικότητα έγραψε πολλούς από τους συγχρόνους του. Αυτοί ήταν ως επί το πλείστον κορυφαίες πολιτιστικές προσωπικότητες. ΜΟΥ. Saltykov – Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Ο Τολστόι και άλλοι είναι κάτοχος ενός από τα καλύτερα πορτρέτα του A.I. Herzen (1867, Tretyakov Gallery) - η εικόνα ενός Ρώσου επαναστάτη, ενός φλογερού μαχητή ενάντια στην απολυταρχία και τη δουλοπαροικία. Αλλά η μεταγραφή εξωτερική ομοιότηταΗ πρόθεση του καλλιτέχνη δεν είναι καθόλου περιορισμένη. Το πρόσωπο του Χέρτσεν, σαν να άρπαξε από το λυκόφως, αντανακλούσε τις σκέψεις του και την ακλόνητη αποφασιστικότητα ενός μαχητή για την κοινωνική δικαιοσύνη. Η Ge αποτύπωσε σε αυτό το πορτρέτο μια πνευματική ιστορική προσωπικότητα, που ενσάρκωσε την εμπειρία ολόκληρης της ζωής της, γεμάτη αγώνα και αγωνία.

Τα έργα του διαφέρουν από αυτά του Kramskoy ως προς τη συναισθηματικότητα και το δράμα τους. Πορτρέτο του ιστορικού N.I. Ο Κοστομάροφ (1870, Γκαλερί Τρετιακόφ) είναι γραμμένος εξαιρετικά όμορφα, με ιδιοσυγκρασία, φρέσκα, ελεύθερα. Η αυτοπροσωπογραφία ζωγραφίστηκε λίγο πριν από το θάνατό του (1892-1893, KMRI) το πρόσωπο του πλοιάρχου φωτίζεται με δημιουργική έμπνευση. Το πορτρέτο του N. I. Petrunkevich (1893) ζωγράφισε ο καλλιτέχνης στο τέλος της ζωής του. Το κορίτσι απεικονίζεται σχεδόν σε πλήρη ανάπτυξη κοντά στο ανοιχτό παράθυρο. Είναι βυθισμένη στο διάβασμα. Το πρόσωπό της στο προφίλ, η κλίση του κεφαλιού της και η στάση της εκφράζουν μια κατάσταση στοχασμού. Όπως ποτέ άλλοτε, ο Ge έδωσε μεγάλη προσοχή στο παρασκήνιο. Η χρωματική αρμονία μαρτυρεί τις ανεκμετάλλευτες δυνάμεις του καλλιτέχνη.

Από τη δεκαετία του 1880, ο Ge έγινε στενός φίλος και οπαδός του Λέοντος Τολστόι. Σε μια προσπάθεια να τονίσει το ανθρώπινο περιεχόμενο του κηρύγματος του Ευαγγελίου, ο Ge προχωρά σε ένα ολοένα πιο ελεύθερο στυλ γραφής, οξύνοντας το χρώμα και τις αντιθέσεις φωτός στο όριο. Ο πλοίαρχος ζωγράφισε υπέροχα πορτρέτα, γεμάτα εσωτερική πνευματικότητα, συμπεριλαμβανομένου ενός πορτρέτου του Λέοντος Τολστόι στο γραφείο του (1884). Στην εικόνα του N.I Petrunkevich με φόντο ένα παράθυρο ανοιχτό στον κήπο (1893, και τα δύο πορτρέτα στην γκαλερί Tretyakov). Ο Ge πέθανε στο αγρόκτημα Ivanovsky (επαρχία Chernigov) 1 (13) Ιουνίου 1894.

3.2 Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

Γεννήθηκε στο Τομπόλσκ στις 21 ή 23 Δεκεμβρίου 1833 (2 ή 4 Ιανουαρίου 1834). Ήταν ο νόθος γιος του τοπικού εισαγγελέα, βαρώνου G.K Kridener, και το επώνυμο "Perov" δόθηκε στον μελλοντικό καλλιτέχνη ως ψευδώνυμο από τον καθηγητή γραμματισμού του, έναν συνηθισμένο sexton. Σπούδασε στη Σχολή Ζωγραφικής Arzamas (1846–1849) και στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας (1853–1861), όπου ένας από τους μέντοράς του ήταν ο S.K. Επηρεάστηκε ιδιαίτερα από τον P.A Fedotov, μάστερ της σατιρικής γραφικής παράστασης περιοδικών, και μεταξύ ξένων δασκάλων - τον W. Hogarth και τους ζωγράφους του είδους της σχολής του Ντίσελντορφ. Έζησε στη Μόσχα. Υπήρξε από τα ιδρυτικά μέλη του Συνδέσμου των Πλανόδιων (1870).

Τα καλύτερα πορτραίτα του πλοιάρχου χρονολογούνται από τις αρχές της δεκαετίας του 60-70: F.M. Dostoevsky (1872, Tretyakov Gallery) A.N. Ostrovsky (1871, Πινακοθήκη Tretyakov), I.S. Turgenev (1872, Ρωσικό Μουσείο). Ο Ντοστογιέφσκι είναι ιδιαίτερα εκφραστικός, εντελώς χαμένος σε οδυνηρές σκέψεις, σφίγγοντας νευρικά τα χέρια του στο γόνατό του, μια εικόνα ύψιστης διανόησης και πνευματικότητας. Το ειλικρινές ρομάντζο του είδους μετατρέπεται σε συμβολισμό, διαποτισμένο από μια πένθιμη αίσθηση αδυναμίας. Πορτρέτα του πλοιάρχου (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, όλα τα πορτρέτα - 1872), φτάνοντας σε μια πνευματική ένταση πρωτόγνωρη για τη ρωσική ζωγραφική. Δεν είναι χωρίς λόγο ότι το πορτρέτο του F.M Dostoevsky (1872) θεωρείται δικαίως το καλύτερο στην εικονογραφία του μεγάλου συγγραφέα.

Τις τελευταίες δεκαετίες της ζωής του, ο καλλιτέχνης ανακάλυψε το εξαιρετικό ταλέντο ενός συγγραφέα και δοκιμιογράφου (ιστορίες Aunt Marya, 1875· Under the Cross, 1881· και άλλες· η τελευταία έκδοση - Stories of the Artist, M., 1960). Το 1871-1882, ο Perov δίδαξε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, όπου μεταξύ των μαθητών του ήταν οι N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Ryabushkin. Ο Perov πέθανε στο χωριό Kuzminki (εκείνα τα χρόνια - κοντά στη Μόσχα) στις 29 Μαΐου (10 Ιουνίου) 1882.

3.3 Νικολάι Αλεξάντροβιτς Γιαροσένκο (1846-1898)

Γεννήθηκε στην Πολτάβα την 1η (13) Δεκεμβρίου 1846 σε στρατιωτική οικογένεια. Αποφοίτησε από την Ακαδημία Πυροβολικού Μιχαηλόφσκι στην Αγία Πετρούπολη (1870), υπηρέτησε στο Άρσεναλ και συνταξιοδοτήθηκε το 1892 με το βαθμό του υποστράτηγου. Σπούδασε ζωγραφική στη Σχολή Σχεδίου της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών υπό τον I.N Kramskoy και στην Ακαδημία Τεχνών (1867–1874). Ταξίδεψε πολύ - στις χώρες της Δυτικής Ευρώπης, της Εγγύς και Μέσης Ανατολής, των Ουραλίων, του Βόλγα, του Καυκάσου και της Κριμαίας. Υπήρξε μέλος (από το 1876) και εκ των αρχηγών του Συνδέσμου των Πλανόδιων. Έζησε κυρίως στην Αγία Πετρούπολη και το Κισλοβόντσκ.

Τα έργα του μπορούν να ονομαστούν πορτρέτα - όπως "Stoker" και "Prisoner" (1878, Γκαλερί Tretyakov). Το «Stoker» είναι η πρώτη εικόνα εργάτη στη ρωσική ζωγραφική. Το «Prisoner» είναι μια σχετική εικόνα στα χρόνια του ταραχώδους λαϊκισμού επαναστατικό κίνημα. «Μαθητής» (1880, Ρωσικό Ρωσικό Μουσείο) μια νεαρή κοπέλα με βιβλία περπατά στο υγρό πεζοδρόμιο της Αγίας Πετρούπολης. Σε αυτή την εικόνα, ολόκληρη η εποχή του αγώνα των γυναικών για ανεξάρτητη πνευματική ζωή βρήκε έκφραση.

Ο Γιαροσένκο ήταν στρατιωτικός μηχανικός, με υψηλή μόρφωση δυνατος χαρακτηρας. Ο καλλιτέχνης Peredvizhniki υπηρέτησε με την τέχνη του επαναστατικά και δημοκρατικά ιδεώδη. Κύριος κοινωνικό είδοςκαι ένα πορτρέτο στο πνεύμα των «Πλανητών». Το νησί έχει κάνει όνομα με τις εκφραστικές εικαστικές του συνθέσεις, που προκαλούν συμπάθεια για τον κόσμο των κοινωνικά απόκληρων. Ένα ιδιαίτερο είδος ανήσυχης, «συνείδητης» έκφρασης δίνει ζωή στα καλύτερα πορτρέτα του Yaroshenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid· G.I. Uspensky, 1884, Art Gallery, Yekaterinburg; N.N.Ge, 1890, Russian Museum, St. Petersburg ). Ο Yaroshenko πέθανε στο Kislovodsk στις 25 Ιουνίου (7 Ιουλίου) 1898.

3.4 Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

Γεννήθηκε στην επαρχία Voronezh στην οικογένεια ενός ανήλικου αξιωματούχου. Από μικρός με ενδιέφερε η τέχνη και η λογοτεχνία. Μετά την αποφοίτησή του από το επαρχιακό σχολείο το 1850, υπηρέτησε ως γραφέας και στη συνέχεια ως ρετούς φωτογράφου. Το 1857 κατέληξε στην Αγία Πετρούπολη και εργάστηκε σε φωτογραφείο. Το φθινόπωρο της ίδιας χρονιάς μπήκε στην Ακαδημία Τεχνών.

Επικρατέστερη περιοχή καλλιτεχνικά επιτεύγματαπαρέμεινε ένα πορτρέτο για τον Kramskoy. Ο Kramskoy στο είδος πορτρέτου καταλαμβάνεται από μια εξυψωμένη, εξαιρετικά πνευματική προσωπικότητα. Δημιούργησε μια ολόκληρη γκαλερί εικόνων μεγάλων μορφών του ρωσικού πολιτισμού - πορτρέτα του Saltykov - Shchedrin (1879, Tretyakov Gallery), N.A. Nekrasova (1877, Tretyakov Gallery), L.N. Tolstoy (1873, Tretyakov Gallery), P.M. Tretyakov (1876, Tretyakov Gallery), I.I. Shishkina (1880, Ρωσικό Μουσείο), D.V. Γκριγκορόβιτς (1876, Πινακοθήκη Τρετιακόφ).

Για καλλιτεχνικό τρόποΟ Kramskoy χαρακτηρίζεται από μια ορισμένη ξηρότητα πρωτοκόλλου, μονοτονία των συνθετικών μορφών και σχημάτων, καθώς το πορτρέτο δείχνει τα χαρακτηριστικά της εργασίας ως ρετούς στα νιάτα του. Διαφορετικό το πορτρέτο του Α.Γ. Litovchenko (1878, Tretyakov Gallery) με τον γραφικό πλούτο και την ομορφιά των καφέ και λαδί αποχρώσεων. Δημιουργήθηκαν επίσης συλλογικά έργα αγροτών: "Δασολόγος" (1874, Πινακοθήκη Τρετιακόφ), "Mina Moiseev" (1882, Ρωσικό Μουσείο), "Χωρικός με χαλινάρι" (1883, KMRI). Ο Kramskoy στράφηκε επανειλημμένα σε μια μορφή ζωγραφικής στην οποία δύο είδη ήρθαν σε επαφή - το πορτρέτο και η καθημερινή ζωή. Για παράδειγμα, έργα της δεκαετίας του '80: "Άγνωστο" (1883, Γκαλερί Τρετιακόφ), "Απαρηγόρητη Θλίψη" (1884, Πινακοθήκη Τρετιακόφ). Μία από τις κορυφές της δημιουργικότητας του Kramskoy είναι το πορτρέτο του Nekrasov, Self-Portrait (1867, Tretyakov Gallery) και το πορτρέτο του γεωπόνου Vyunnikov (1868, Μουσείο της BSSR).

Το 1863-1868, ο Kramskoy δίδαξε στη Σχολή Σχεδίου της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών. Το 1870, ο Kramskoy έγινε ένας από τους ιδρυτές του TPHV. Όταν ζωγράφιζε ένα πορτρέτο, ο Kramskoy κατέφευγε συχνότερα σε τεχνικές γραφικών (χρησιμοποιώντας μούστο, ασβέστη και μολύβι). Έτσι φτιάχτηκαν τα πορτρέτα των καλλιτεχνών A.I. Μορόζοβα (1868), Γ.Γ. Myasoedov (1861) – Κρατικό Ρωσικό Μουσείο. Ο Kramskoy είναι ένας καλλιτέχνης με εξαιρετικό δημιουργικό ταμπεραμέντο, ένας βαθύς και πρωτότυπος στοχαστής. Πάντα αγωνιζόταν για την προχωρημένη ρεαλιστική τέχνη, για το ιδεολογικό και δημοκρατικό της περιεχόμενο. Εργάστηκε γόνιμα ως δάσκαλος (στη Σχολή Σχεδίου της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Τεχνών, 1863–1868). Ο Kramskoy πέθανε στην Αγία Πετρούπολη στις 24 Μαρτίου (5 Απριλίου) 1887.

3.5 Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

Γεννήθηκε στο Chuguev στην επαρχία Kharkov στην οικογένεια ενός στρατιωτικού εποίκου. Έλαβε την αρχική του καλλιτεχνική εκπαίδευση στη σχολή τυπογράφων και από ντόπιους καλλιτέχνες Ι.Μ. Bunakova και L.I. Περσάνοβα. Το 1863 ήρθε στην Αγία Πετρούπολη και σπούδασε στη Σχολή Σχεδίου της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών υπό τον Ρ.Κ. Ζουκόφσκι και Ι.Ν. Kramskoy, στη συνέχεια έγινε δεκτός στην Ακαδημία Τεχνών το 1864.

Ο Ρέπιν είναι ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους της εποχής. Μια ολόκληρη γκαλερί εικόνων των συγχρόνων του δημιουργήθηκε από τον ίδιο. Με τι δεξιοτεχνία και δύναμη αποτυπώνονται στους καμβάδες του. Στα πορτρέτα του Ρέπιν τα πάντα είναι μελετημένα μέχρι την τελευταία πτυχή, κάθε χαρακτηριστικό είναι εκφραστικό. Ο Repin είχε τη μεγαλύτερη ικανότητα ενός καλλιτέχνη να διεισδύσει στην ίδια την ουσία των ψυχολογικών χαρακτηριστικών, συνεχίζοντας τις παραδόσεις των Perov, Kramskoy και Ge, άφησε εικόνες διάσημων συγγραφέων, συνθετών και ηθοποιών που δόξασαν τη ρωσική κουλτούρα. Σε κάθε μεμονωμένη περίπτωση, βρήκε διαφορετικές συνθετικές και χρωματιστικές λύσεις με τις οποίες μπορούσε να αποκαλύψει πιο εκφραστικά την εικόνα του προσώπου που απεικονίζεται στο πορτρέτο. Πόσο έντονα στραβοκοιτάζει ο χειρουργός Παϊρόγκοφ. Τα πένθιμα όμορφα μάτια της καλλιτέχνιδας Στρεπέτοβα (1882, Γκαλερί Τρετιάκοφ) πέφτουν με βελάκια και πώς είναι ζωγραφισμένο το αιχμηρό, έξυπνο πρόσωπο του καλλιτέχνη Myasoedov, του στοχαστικού Tretyakov. Έγραψε τον «Πρωτοδιάκονο» (εκκλησιαστικός λειτουργός 1877, Ρωσικό Ρωσικό Μουσείο) με ανελέητη αλήθεια. Γράφει με θέρμη η άρρωστη Μ.Π. Mussorgsky (1881, Tretyakov Gallery), λίγες μέρες πριν από το θάνατο του συνθέτη. Τα πορτρέτα του νεαρού Γκόρκι, του σοφού Στάσοφ (1883, Κρατικό Ρωσικό Μουσείο) και άλλων εκτελούνται εγκάρδια, το «Φθινοπωρινό Μπουκέτο» (1892, Γκαλερί Τρετιακόφ) είναι ένα πορτρέτο της κόρης της Βέρας, πόσο ηλιόλουστο λάμπει το πρόσωπο της κόρης του καλλιτέχνη. τη ζεστή σκιά ενός ψάθινου καπέλου. Με μεγάλη αγάπη, ο Ρέπιν μετέφερε ένα πρόσωπο που ήταν ελκυστικό με τη νιότη, τη χαρά και την υγεία του. Οι εκτάσεις των χωραφιών, ακόμα ανθισμένες, αλλά αγγισμένες από το κιτρινίδι του γρασιδιού, τα πράσινα δέντρα και τη διαφάνεια του αέρα φέρνουν μια αναζωογονητική διάθεση στο έργο.

Το πορτρέτο δεν ήταν μόνο το κορυφαίο είδος, αλλά και η βάση του έργου του Ρέπιν γενικότερα. Όταν εργαζόταν σε μεγάλους καμβάδες, στράφηκε συστηματικά σε σκίτσα πορτρέτων για να καθορίσει την εμφάνιση και τα χαρακτηριστικά των χαρακτήρων. Αυτό είναι το πορτρέτο του Hunchback που σχετίζεται με τον πίνακα "Θρησκευτική πομπή στην επαρχία Kursk" (1880-1883, Γκαλερί Tretyakov). Από τον καμπούρα, ο Ρέπιν τόνιζε επίμονα την πεζή φύση, τη μιζέρια των ρούχων του καμπούρα και ολόκληρη την εμφάνισή του, την κανονικότητα της φιγούρας περισσότερο από την τραγικότητα και τη μοναξιά της.

Η σημασία του Ρέπιν στην ιστορία της ρωσικής τέχνης είναι τεράστια. Τα πορτρέτα του αντανακλούσαν ιδιαίτερα την εγγύτητά του με τους μεγάλους δασκάλους του παρελθόντος. Σε πορτρέτα πέτυχε ο Ρέπιν το ΨΗΛΟΤΕΡΟ ΣΗΜΕΙΟη ζωγραφική του δύναμη.

Τα πορτρέτα του Repin είναι εκπληκτικά λυρικά ελκυστικά. Δημιουργεί συγκινητικούς λαϊκούς τύπους, πολυάριθμες τέλειες εικόνες πολιτιστικών προσώπων, χαριτωμένα κοινωνικά πορτρέτα(Βαρόνη V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Οι εικόνες των συγγενών του καλλιτέχνη είναι ιδιαίτερα πολύχρωμες και ειλικρινείς: μια ολόκληρη σειρά από πίνακες με τη σύζυγο του Repin N.I. Αριστοτεχνικά είναι και τα αμιγώς γραφικά πορτρέτα του, εκτελεσμένα με μολύβι γραφίτη ή κάρβουνο (E. Duse, 1891· Princess M.K. Tenisheva, 1898· V.A. Serov, 1901). Ο Ρέπιν αποδείχθηκε επίσης εξαιρετικός δάσκαλος: ήταν καθηγητής-επικεφαλής του εργαστηρίου (1894-1907) και πρύτανης (1898-1899) της Ακαδημίας Τεχνών, ενώ παράλληλα δίδασκε στο σχολείο-εργαστήρι της Τενίσεβα.

Μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση του 1917, ο καλλιτέχνης βρέθηκε χωρισμένος από τη Ρωσία, όταν η Φινλανδία κέρδισε την ανεξαρτησία του, δεν μετακόμισε ποτέ στην πατρίδα του, αν και διατήρησε επαφές με φίλους που ζούσαν εκεί (ιδίως με τον K.I. Chukovsky). Ο Ρέπιν πέθανε στις 29 Σεπτεμβρίου 1930. Το 1937, ο Τσουκόφσκι δημοσίευσε μια συλλογή με τα απομνημονεύματά του και τα άρθρα του για την τέχνη (Far Close), η οποία στη συνέχεια επανεκδόθηκε πολλές φορές.

3.6 Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)

Γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη στην οικογένεια του συνθέτη A.N. Serova. Από την παιδική ηλικία, ο V.A. Ο Σερόφ περιβαλλόταν από τέχνη. Ο δάσκαλος ήταν ο Ρέπιν. Ο Σερόφ εργάστηκε κοντά στον Ρέπιν από την πρώιμη παιδική του ηλικία και πολύ σύντομα ανακάλυψε ταλέντο και ανεξαρτησία. Ο Ρέπιν τον στέλνει στην Ακαδημία Τεχνών στον Π.Π. Τσιστιακόφ. Ο νεαρός καλλιτέχνης κέρδισε το σεβασμό και το ταλέντο του προκάλεσε θαυμασμό. Ο Σέροφ έγραψε το «Κορίτσι με ροδάκινα». Το πρώτο μεγάλο έργο του Σερόφ. Παρά το μικρό της μέγεθος, η εικόνα φαίνεται πολύ απλή. Είναι γραμμένο σε ροζ και χρυσούς τόνους. Για αυτόν τον πίνακα έλαβε βραβείο από την Εταιρεία Λάτρης της Τέχνης της Μόσχας. Τον επόμενο χρόνο, ο Serov ζωγράφισε ένα πορτρέτο της αδελφής του Maria Simonovich και στη συνέχεια το ονόμασε "Girl Illuminated by the Sun" (1888). Το κορίτσι κάθεται στη σκιά και οι ακτίνες του πρωινού ήλιου φωτίζουν το ξέφωτο στο βάθος.

Ο Σερόφ έγινε μοντέρνος πορτραίτης. Πόζαραν μπροστά του διάσημους συγγραφείς, αριστοκράτες, καλλιτέχνες, καλλιτέχνες, επιχειρηματίες ακόμα και βασιλιάδες. Στην ενηλικίωση, ο Σερόφ συνέχισε να γράφει συγγενείς και φίλους: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Ο Σερόφ εκτέλεσε τις εντολές του εστεμμένου Αλέξανδρου Γ' και Νικολάου Β'. Ο Αυτοκράτορας απεικονίζεται με ένα απλό σακάκι του Συντάγματος Preobrazhensky. αυτός ο πίνακας (καταστράφηκε το 1917, αλλά διατηρήθηκε στο αντίγραφο του συγγραφέα της ίδιας χρονιάς· Γκαλερί Tretyakov) συχνά θεωρείται το καλύτερο πορτρέτο ο τελευταίος Ρομανόφ. Ο πλοίαρχος ζωγράφισε τόσο αξιωματούχους όσο και επιχειρηματίες. Ο Σερόφ δούλευε σε κάθε πορτρέτο σε σημείο εξάντλησης, με πλήρη αφοσίωση, σαν το έργο που ξεκίνησε να ήταν το τελευταίο του έργο. , γκουάς, παστέλ) , μειώνοντας στο ελάχιστο ή εξαλείφοντας εντελώς τη διαφορά μεταξύ σκίτσου και πίνακα. Μια ίση μορφή δημιουργικότητας ήταν συνεχώς με τον πλοίαρχο και ασπρόμαυρο σχέδιο(η εγγενής αξία του τελευταίου έχει εδραιωθεί στο έργο του από το 1895, όταν ο Serov εκτέλεσε μια σειρά από σκίτσα ζώων, δουλεύοντας στην εικονογράφηση των μύθων του I.A. Krylov).

Στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα. Ο Serov γίνεται ίσως ο πρώτος ζωγράφος πορτρέτων στη Ρωσία, αν είναι κατώτερος από οποιονδήποτε από αυτή την άποψη, τότε μόνο από τον Repin. Φαίνεται ότι δουλεύει καλύτερα με προσωπικές και λυρικές εικόνες, γυναικείες και παιδικές (N.Ya. Derviz with a child, 1888–1889; Mika Morozov, 1901· και τα δύο πορτρέτα – Gallery Tretyakov) ή εικόνες δημιουργικών ανθρώπων (A. Masini, 1890, K.A.Korovin, 1891; Κατάσταση μυαλούμοντέλα. Αλλά ακόμη πιο επίσημα, κοσμικά πορτρέτα συνδυάζουν οργανικά τη λεπτή καλλιτεχνία με το όχι λιγότερο λεπτό χάρισμα ενός καλλιτέχνη-ψυχολόγου. Μεταξύ των αριστουργημάτων του «κοσμικού» Σερόφ είναι ο κόμης F.F Sumarokov-Elston (αργότερα Πρίγκιπας Γιουσούποφ), 1903, Ρωσικό Μουσείο. G.L. Girshman, 1907; V.O.Girshman, 1911; I.A.Morozov, 1910; Princess O.K. Orlova, 1911. όλα είναι εκεί).

Στα πορτρέτα του δασκάλου αυτά τα χρόνια, η Art Nouveau κυριάρχησε πλήρως με τη λατρεία της για μια δυνατή και ευέλικτη γραμμή, μνημειώδη, πιασάρικα χειρονομία και πόζα (M. Gorky, 1904, Μουσείο A.M. Gorky, Μόσχα· M.N. Ermolova, 1905· F.I. . Chaliapin, κάρβουνο, κιμωλία, 1905 και τα δύο πορτρέτα - στην γκαλερί Tretyakov, τέμπερα, κάρβουνο, 1910, Ρωσικό Μουσείο. Ο Serov άφησε μια ευγνώμων ανάμνηση του εαυτού του ως δάσκαλος (το 1897-1909 δίδαξε στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, όπου οι μαθητές του ήταν οι K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov- Vodkin). Ο Σερόφ πέθανε στη Μόσχα στις 22 Νοεμβρίου (5 Δεκεμβρίου 1911).

κεφάλαιο. Η τέχνη της προσωπογραφίας

Το πορτρέτο είναι ένα σημαντικό και σημαντικό είδος στην τέχνη. Η ίδια η λέξη «πορτρέτο» πηγαίνει πίσω στην παλιά γαλλική λέξη «pourtrait», που σημαίνει: εικόνα ενός χαρακτηριστικού. επιστρέφει επίσης στο λατινικό ρήμα "protrahere" - δηλαδή, "βγάζω", "ανακαλύπτω". αργότερα - "απεικόνιση", "πορτρέτο". Στα ρωσικά, η λέξη "πορτρέτο" αντιστοιχεί στη λέξη "παρόμοιο".

Στην τέχνη, στην οποία ανήκει αρχικά αυτός ο όρος, πορτρέτο σημαίνει μια εικόνα συγκεκριμένου ατόμου ή ομάδας ανθρώπων, στην οποία μεταφέρεται και αναπαράγεται η ατομική εμφάνιση ενός ατόμου, αποκαλύπτεται ο εσωτερικός του κόσμος, η ουσία του χαρακτήρα του.

Η εικόνα ενός ατόμου είναι το κύριο θέμα της ζωγραφικής. Η μελέτη του ξεκινά με μελέτες του κεφαλιού. Όλοι οι επίσημοι πίνακες υπόκεινται στη δημιουργία μιας εικόνας, στη μετάδοση της ψυχολογικής κατάστασης ενός ατόμου. Στη ζωγραφική, η απεικόνιση ενός ανθρώπινου κεφαλιού από τη ζωή πρέπει να αντιστοιχεί στη συνήθη τρισδιάστατη όραση και κατανόηση του κόσμου γύρω μας.

Οι τεχνικές ζωγραφικής του κεφαλιού στη ρωσική ακαδημαϊκή σχολή του πρώτου μισού του 19ου αιώνα συνεχίζουν την παράδοση της γλυπτικής της φόρμας με τη βοήθεια ισχυρών και καυτών σκιών. Μπορούμε να κρίνουμε ακαδημαϊκές μεθόδους εξετάζοντας τα έργα των O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov. Οι ακαδημαϊκές τεχνικές δεν μπορούν να θεωρηθούν ίδιες για όλους τους καλλιτέχνες, αλλά αυτό που είναι κοινό για τους φοιτητές της ακαδημίας είναι η πειθαρχία της φόρμας.

Ένα πορτρέτο μπορεί να θεωρηθεί αρκετά ικανοποιητικό όταν μεταφέρονται τα προσωπικά και προσωπικά χαρακτηριστικά του εικονιζόμενου προσώπου, όταν το πρωτότυπο αναπαράγεται ακριβώς, με όλα τα χαρακτηριστικά της εμφάνισής του και του εσωτερικού ατομικού του χαρακτήρα, στην πιο οικεία του στάση, με την πιο χαρακτηριστική του έκφραση. . Η ικανοποίηση αυτής της απαίτησης είναι μέρος του πεδίου των εργασιών της τέχνης και μπορεί να οδηγήσει σε εξαιρετικά καλλιτεχνικά αποτελέσματα εάν εκτελεστεί από ταλαντούχους τεχνίτες που βάζουν το προσωπικό τους γούστο και αίσθηση της φύσης στην αναπαραγωγή της πραγματικότητας.

Η ζωγραφική είναι πρώτα απ' όλα μια εικόνα μορφής και όγκου. Ως εκ τούτου, το σχήμα είναι συχνά προεργασμένο σε ένα χρώμα με ακριβώς όλες τις λεπτομέρειες. Στη συνέχεια, τα φώτα βάφτηκαν κρύα, παχιά, με υφή. οι σκιές είναι ζεστές, διαφανείς, χρησιμοποιώντας βερνίκια, λάδια, ρητίνες. Όλα αυτά ισχύουν για την ελαιογραφία. Οι ακουαρέλες εκείνης της εποχής ήταν μόνο χρωματιστά σχέδια και η τέμπερα χρησιμοποιήθηκε για εκκλησιαστικές ζωγραφιές, οι οποίες απείχαν από τη ζωή.

Μεγάλης σημασίαςστην ακαδημαϊκή ζωγραφική υπήρχε μια αλληλουχία δουλειάς, ένα σύστημα. Τα λούσα, στεγνά και υγρά, έδιναν στο κεφάλι το τελικό του σχήμα, χρώμα και έκφραση. Μάλλον όμως κάποιοι επικεφαλής του Κ.Π. Ο Bryullov ζωγράφιζε αμέσως, διατηρώντας αυστηρό μόντελινγκ, κρύα φώτα και καυτές σκιές. Οι ίδιες καυτές σκιές βρίσκονται στα πορτρέτα του I. N. Kramskoy. Η ερυθρότητά τους απαλύνεται από το συνήθως διάχυτο φως του μουσείου. Αλλά αν μια αχτίδα ήλιου πέσει στο πορτρέτο, θα εκπλαγείτε με τη σχετική φωτεινότητα των κόκκινων σκιών.

Οι ιμπρεσιονιστές έδιναν τη μεγαλύτερη προσοχή στη σημασία των ζεστών και κρύων φώτων στη γλυπτική ενός ζωντανού κεφαλιού. Είτε τα φώτα είναι κρύα και οι σκιές είναι ζεστές, είτε το αντίστροφο. Σε κάθε μοντέλο, οι συνθήκες της κατάστασης επιλέγονται με βάση την επιδερμίδα και την ενδυμασία της γενικής εμφάνισης. Για τη δημιουργία ενδιαφέροντος φωτισμού, χρησιμοποιούνται οθόνες - χαρτόνι, καμβάς, χαρτί. Η οθόνη μπορεί να σκουρύνει μέρος του φόντου ή των ρούχων, κάτι που θα κάνει το πρόσωπό σας να ξεχωρίζει καλύτερα.

Διατηρώντας το προπαρασκευαστικό σκίτσο του M. A. Vrubel για το πορτρέτο του N. I. Zabela - Vrubel, όπου σχεδιάζονται με μολύβι τα όρια όλων των χρωματικών αλλαγών. Η επιφάνεια του προσώπου χωρίζεται σε πολύ μικρές περιοχές, σαν μωσαϊκό. Αν γεμίσετε καθένα από αυτά με το κατάλληλο χρώμα, το πορτρέτο θα είναι έτοιμο.

Η εικόνα πορτρέτου αντικατοπτρίζει όχι μόνο το μοντέλο, αλλά και τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Ως εκ τούτου, ο συγγραφέας αναγνωρίζεται από τα έργα του. Το ίδιο πρόσωπο φαίνεται εντελώς διαφορετικό στα πορτρέτα διαφορετικούς καλλιτέχνες. Άλλωστε, ο καθένας από αυτούς φέρνει στο πορτρέτο τη δική του στάση απέναντι στο μοντέλο, προς τον κόσμο, τα δικά του συναισθήματα και σκέψεις, τον δικό του τρόπο θέασης και αίσθησης, τη δική του ψυχική σύνθεση, τη δική του κοσμοθεωρία. Ο καλλιτέχνης όχι μόνο αντιγράφει το μοντέλο, όχι μόνο αναπαράγει την εμφάνισή του - επικοινωνεί τις εντυπώσεις του για αυτήν, μεταφέρει, εκφράζει την ιδέα του για αυτήν.

ανήκε στο είδος του πορτρέτου υπέροχο μέροςστο σύστημα της ακαδημαϊκής εκπαίδευσης, αφού οι δάσκαλοι των αρχών του δέκατου ένατου αιώνα έβλεπαν ακριβώς στην απεικόνιση ενός ατόμου τον τρόπο της άμεσης έλξης του καλλιτέχνη στη φύση.

Καθώς οι δημοκρατικές τάσεις αναπτύσσονται και καθιερώνονται στη ρωσική τέχνη στη διαδικασία επίλυσης κοινών δημιουργικών προβλημάτων, υπάρχει μια σύγκλιση αναζητήσεων σε διαφορετικά είδηκαι ιδιαίτερα στην προσωπογραφία.

Η εργασία σε ένα πορτρέτο φέρνει τον καλλιτέχνη σε στενή επαφή με εκπροσώπους διαφόρων κοινωνικών στρωμάτων σύγχρονη κοινωνία, και η εργασία από τη ζωή διευρύνει και εμβαθύνει σημαντικά την κατανόηση της ψυχολογίας των ενσωματωμένων εικόνων στην εικόνα. Η προσωπογραφία εμπλουτίζεται με τυπικές λαϊκές εικόνες. Τα ψυχολογικά χαρακτηριστικά του ατόμου που απεικονίζεται στο πορτρέτο, η ηθική και κοινωνική του κατανόηση βαθαίνουν. Στο πορτρέτο αισθάνεται κανείς ιδιαίτερα την κριτική στάση ζωής που χαρακτηρίζει τους Περιπλανώμενους, αλλά και την αναζήτηση μιας θετικής εικόνας, που εκδηλώνεται πιο έντονα στις εικόνες των εκπροσώπων της διανόησης.

Ρωσική τέχνηέχει μια πλούσια παράδοση ρεαλιστικής προσωπογραφίας που χρονολογείται από τον 18ο αιώνα, η οποία άφησε σημαντική κληρονομιά. Αναπτύχθηκαν γόνιμα στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Σε αυτές τις εποχές, το πορτρέτο, σχετικά απαλλαγμένο από τη δύναμη των κανόνων, ήταν που, όσον αφορά τη ρεαλιστική πληρότητα των εικόνων του, προηγήθηκε τόσο της θεματικής-ιστορικής όσο και της καθημερινής ζωγραφικής, που έκανε μόνο τα πρώτα της βήματα στα ρωσικά. τέχνη.

Οι καλύτεροι προσωπογράφοι του 18ου αιώνα και του πρώτου μισού του 19ου αιώνα μας μεταφέρουν τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα των συγχρόνων τους. Αλλά τα καθήκοντα της πληκτρολόγησης διατηρώντας ταυτόχρονα το άτομο ανθρώπινη μορφήΑυτά τα πορτρέτα ήρθαν σε σύγκρουση με την κυρίαρχη κλασική έννοια, στην οποία το τυπικό αντιλαμβανόταν ως αφηρημένο από το άτομο. Στο πορτρέτο του περιπλανώμενου, συναντάμε την αντίθετη κατανόηση του τυπικού: όσο πιο βαθιά είναι η διείσδυση στην ατομικότητα ενός ατόμου, τόσο πιο συγκεκριμένη και ζωντανή αναδημιουργείται η εικόνα του, τόσο πιο καθαρά εμφανίζονται στο πορτρέτο του. κοινά χαρακτηριστικά, που σχηματίζεται υπό την επίδραση ορισμένων συνθηκών διαβίωσης.

Βιβλιογραφία

1. Aleshina L.S. Ρωσική τέχνη του 19ου – αρχές 20ου αιώνα – Μ., “Iskusstvo” 1972.

2. Benoit A. Ιστορία της ρωσικής ζωγραφικής στον 19ο αιώνα - M., "Republic" 1999.

3. Gomberg - Verzhbitskaya E.P. The Peredvizhniki: ένα βιβλίο για τους δασκάλους της ρωσικής ρεαλιστικής ζωγραφικής από τον Perov έως τον Levitan - M., 1961.

4. Ilyina T.V. Ιστορία της τέχνης. Εγχώρια τέχνη - Μ., " μεταπτυχιακό σχολείο", 2005.

5. Η τέχνη της προσωπογραφίας. Συλλογή - Μ., 1928.

6. Σύντομο λεξικό όρων καλών τεχνών.

7. Likhachev D.S. Η ρωσική τέχνη από την αρχαιότητα έως την πρωτοπορία - M., "Iskusstvo", 1992.

8. Matafonov S.M. Τρεις αιώνες ρωσικής ζωγραφικής – Sib., “Kitezh” 1994.

9. Πούσκιν Α.Σ. Ολοκληρωμένα έργα σε έναν τόμο - Μ., 1938.

10. Roginskaya F.S. Peredvizhniki - M., 1997.

11. Shchulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z. Πολιτισμός της Ρωσίας 9ος - 20ος αιώνας. ουχ. εγχειρίδιο – M., “Prostor” 1996.

12. Yakovlev V.M. Σχετικά με τους μεγάλους Ρώσους καλλιτέχνες - Μ., "Εκδοτικός Οίκος της Ακαδημίας Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ" 1952.

Πούσκιν Α.Σ. Ολοκληρωμένα έργα σε έναν τόμο. Μ., 1983, Σ.9.

Shulgin V.S., Koshman L.V., Zezina M.Z., Πολιτισμός της Ρωσίας 9ος – 20ος αιώνας. ουχ. εγχειρίδιο – M. “Prostor”, 1996 P. 205

Η τέχνη της προσωπογραφίας. Συλλογή. Μ., 1928 Σ.77.

Σύντομο λεξικό όρων καλών τεχνών. Μ., 1959 Σελ.126.

Gomberg – Verzhbitskaya E.P. The Peredvizhniki: ένα βιβλίο για τους δασκάλους της ρωσικής ρεαλιστικής ζωγραφικής από τον Perov έως τον Levitan - M., 1961. Σελ. 44.

Εισαγωγή

Ι. Ρώσοι προσωπογράφοι του πρώτου μισού του 19ου αιώνα

1.3 Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

II. Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης

Κεφάλαιο III. Ρώσοι προσωπογράφοι του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

3.2 Vasily Grigorievich Perov (1834-1882)

3.3 Νικολάι Αλεξάντροβιτς Γιαροσένκο (1846-1898)

3.4 Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)

3.5 Ilya Efimovich Repin (1844-1930)

3.6 Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)

Κεφάλαιο IV. Η τέχνη της προσωπογραφίας

συμπέρασμα

Σκοπός αυτού του έργου είναι να μιλήσει για τη σημασία του πορτραίτου ως ένα από τα κύρια είδη τέχνης, για το ρόλο του στον πολιτισμό και την τέχνη εκείνης της εποχής, να γνωρίσει τα κύρια έργα των καλλιτεχνών, να μάθει για τους Ρώσους ζωγράφους πορτρέτων του 19ου αιώνα, για τη ζωή και το έργο τους.

Σε αυτό το έργο θα εξετάσουμε την τέχνη της προσωπογραφίας τον 19ο αιώνα:

Οι μεγαλύτεροι δάσκαλοι της ρωσικής τέχνης του 19ου αιώνα.

Ένωση Περιοδευτικών Εκθέσεων Τέχνης.

Τι είναι ένα πορτρέτο;

Η ιστορία της εμφάνισης του πορτρέτου.

Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα - η εποχή του σχηματισμού ενός συστήματος ειδών στη ρωσική ζωγραφική. Στη ζωγραφική του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. επικράτησε η ρεαλιστική κατεύθυνση. Ο χαρακτήρας του ρωσικού ρεαλισμού καθορίστηκε από τους νέους ζωγράφους που εγκατέλειψαν την Ακαδημία Τεχνών το 1863, οι οποίοι επαναστάτησαν ενάντια στο κλασικό στυλ και τα ιστορικά και μυθολογικά θέματα που εμφυτεύονταν στην ακαδημία. Αυτοί οι καλλιτέχνες οργάνωσαν το 1870

Μια περιοδεύουσα εκθεσιακή συνεργασία της οποίας η αποστολή ήταν να παρέχει στα μέλη της συνεργασίας την ευκαιρία να εκθέσουν τη δουλειά τους. Χάρη στις δραστηριότητές του, τα έργα τέχνης έγιναν διαθέσιμα σε έναν ευρύτερο κύκλο ανθρώπων. Ο Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832–1898) από το 1856 συγκέντρωσε έργα Ρώσων καλλιτεχνών, κυρίως των Peredvizhniki, και το 1892 δώρισε τη συλλογή έργων του μαζί με τη συλλογή του αδελφού του S.M. Στο είδος των πορτρέτων, οι περιπλανώμενοι δημιούργησαν μια γκαλερί εικόνων εξαιρετικών πολιτιστικών μορφών της εποχής τους: ένα πορτρέτο του Φιοντόρ Ντοστογιέφσκι (1872) του Βασίλι Πέροφ (1833-1882), ένα πορτρέτο του Νικολάι Νεκράσοφ (1877-1878) του Ιβάν. Kramskoy (1837–1887), ένα πορτρέτο του Modest Mussorgsky (1881), που έγινε από τον Ilya Repin (1844–1930), ένα πορτρέτο του Leo Tolstoy (1884) από τον Nikolai Ge (1831–1894) και μια σειρά άλλων. Όντας σε αντίθεση με την Ακαδημία και την καλλιτεχνική της πολιτική, οι Περιπλανώμενοι στράφηκαν στα λεγόμενα. «χαμηλά» θέματα. στα έργα τους εμφανίζονται εικόνες αγροτών και εργατών.

Η αύξηση και η επέκταση της καλλιτεχνικής κατανόησης και αναγκών αντικατοπτρίζεται στην εμφάνιση πολλών καλλιτεχνικών κοινωνιών, σχολείων, μιας σειράς ιδιωτικών γκαλερί (Tretyakov Gallery) και μουσείων όχι μόνο στις πρωτεύουσες, αλλά και στις επαρχίες, στην εισαγωγή στη σχολική εκπαίδευση στο σχέδιο .
Όλα αυτά, σε σχέση με την εμφάνιση μιας σειράς λαμπρών έργων Ρώσων καλλιτεχνών, δείχνουν ότι η τέχνη ρίζωσε στο ρωσικό έδαφος και έγινε εθνική. Η νέα ρωσική εθνική τέχνη ήταν πολύ διαφορετική στο ότι αντανακλούσε ξεκάθαρα και έντονα τις κύριες τάσεις της ρωσικής κοινωνικής ζωής.

Ι. Ρώσοι προσωπογράφοι του πρώτου εξαμήνου XIX αιώνα.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Γεννημένος στο αρχοντικό Nezhinskaya (κοντά στο Koporye, τώρα στην περιοχή του Λένινγκραντ) στις 13 (24) Μαρτίου 1782. Ήταν ο νόθος γιος του γαιοκτήμονα A.S Dyakonov, εγγεγραμμένος στην οικογένεια του δουλοπάροικου Adam Schwalbe. Έχοντας λάβει την ελευθερία του, σπούδασε στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης (1788–1803) με τον G.I Ugryumov και άλλους. –1822 και από το 1828 - στη Ρώμη και τη Νάπολη.

Το πρώτο πορτρέτο - ο θετός πατέρας του A.K Schwalbe (1804, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη) - ξεχωρίζει για τον συναισθηματικό του χρωματισμό. Με τα χρόνια, η ικανότητα του Kiprensky, που εκδηλώνεται στην ικανότητα να δημιουργεί όχι μόνο κοινωνικούς και πνευματικούς τύπους (κυρίαρχη στη ρωσική τέχνη του Διαφωτισμού), αλλά και μοναδικές ατομικές εικόνες, έχει βελτιωθεί. Είναι φυσικό ότι συνηθίζεται να ξεκινάμε την ιστορία του ρομαντισμού στη ρωσική τέχνη με τους πίνακες του Kiprensky.

Ο Ρώσος καλλιτέχνης, ένας εξαιρετικός δεξιοτέχνης της ρωσικής τέχνης του ρομαντισμού, είναι γνωστός ως ένας υπέροχος πορτραίτης. Τα πορτρέτα του Κιπρένσκι είναι εμποτισμένα με ιδιαίτερη εγκαρδιότητα, ιδιαίτερη απλότητα, γεμίζουν με την υψηλή και ποιητική αγάπη του για τον άνθρωπο. Στα πορτρέτα του Kiprensky τα χαρακτηριστικά της εποχής του είναι πάντα αισθητά. Αυτό είναι πάντα εγγενές σε κάθε πορτρέτο του - και στη ρομαντική εικόνα του νεαρού V.A. Ζουκόφσκι, και ο σοφός Ε.Π. Rostopchin (1809), πορτρέτα: D.N. Khvostov (1814 Tretyakov Gallery), το αγόρι Chelishchev (1809 Tretyakov Gallery), E.V. Davydov (1809 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο).

Ένα ανεκτίμητο μέρος της δουλειάς του Kiprensky είναι τα γραφικά πορτρέτα, φτιαγμένα κυρίως με μολύβι με χρωματισμούς σε παστέλ, ακουαρέλες και χρωματιστά μολύβια. Απεικονίζει τον στρατηγό Ε.Ι. Chaplitsa (Gallery Tretyakov), P.A. Ελαφιού (GTG). Σε αυτές τις εικόνες βλέπουμε τη Ρωσία, τη ρωσική διανόηση από τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 έως την εξέγερση του Δεκεμβρίου.

Τα πορτρέτα του Kiprensky εμφανίζονται μπροστά μας ως πολύπλοκα, στοχαστικά και μεταβλητά στη διάθεση. Ανακαλύπτοντας διάφορες πτυχές του ανθρώπινου χαρακτήρα και του πνευματικού κόσμου του ανθρώπου, ο Kiprensky χρησιμοποιούσε κάθε φορά διαφορετικές δυνατότητες ζωγραφικής στα πρώιμα ρομαντικά πορτρέτα του. Τα αριστουργήματά του, όπως ένα από τα καλύτερα πορτρέτα της ζωής του Πούσκιν (1827 Tretyakov Gallery), ένα πορτρέτο της Avdulina (1822 Κρατικό Ρωσικό Μουσείο). Η θλίψη και η στοχαστικότητα των χαρακτήρων του Kiprensky είναι εξαιρετική και λυρική.

«Το αγαπημένο της μόδας με ανοιχτόχρωμα φτερά,

Αν και όχι Βρετανοί, ούτε Γάλλοι,

Δημιούργησες ξανά, αγαπητέ μάγο,

Εγώ, το κατοικίδιο των αγνών μουσών. –

Και γελάω στον τάφο μου

Έφυγε για πάντα από θνητούς δεσμούς.

Βλέπω τον εαυτό μου σαν στον καθρέφτη,

Αλλά αυτός ο καθρέφτης με κολακεύει.

Λέει ότι δεν θα ταπεινώσω

Τα πάθη σημαντικών αονιδίων.

Από εδώ και πέρα ​​η εμφάνισή μου θα είναι γνωστή, -

Ο Πούσκιν έγραψε στον Κιπρένσκι σε ένδειξη ευγνωμοσύνης για το πορτρέτο του. Ο Πούσκιν θεωρούσε πολύτιμο το πορτρέτο του και αυτό το πορτρέτο κρεμόταν στο γραφείο του.

Μια ειδική ενότητα αποτελείται από τις αυτοπροσωπογραφίες του Kiprensky (με φούντες πίσω από το αυτί, περίπου 1808, Tretyakov Gallery, κ.λπ.), εμποτισμένες με το πάθος της δημιουργικότητας. Κατέχει επίσης τις ειλικρινείς εικόνες των Ρώσων ποιητών: K.N Batyushkov (1815, σχέδιο, Μουσείο του Ινστιτούτου Ρωσικής Λογοτεχνίας της Ρωσικής Ακαδημίας Επιστημών, Αγία Πετρούπολη· V.A. Zhukovsky (1816). δουλεύοντας κυρίως με ένα ιταλικό μολύβι, δημιούργησε μια σειρά από αξιόλογους καθημερινούς χαρακτήρες (όπως ο Τυφλός Μουσικός, 1809, Ρωσικό Μουσείο Κιπρένσκι πέθανε στη Ρώμη στις 17 Οκτωβρίου 1836).

1.2 Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857)

Εκπρόσωπος του ρομαντισμού στις ρωσικές καλές τέχνες, δεξιοτέχνης της ζωγραφικής πορτρέτων. Γεννήθηκε στο χωριό Karpovka (επαρχία Νόβγκοροντ) στις 19 Μαρτίου 1776 στην οικογένεια των δουλοπάροικων του Κόμη A.S. αργότερα στάλθηκε στη διάθεση του κόμη I.I Morkov ως προίκα για την κόρη του Minich. Έδειξε ικανότητα να ζωγραφίζει ως αγόρι, αλλά ο αφέντης του τον έστειλε στην Αγία Πετρούπολη για να σπουδάσει ζαχαροπλάστης. Παρακολούθησε μαθήματα στην Ακαδημία Τεχνών, πρώτα κρυφά, και από το 1799 με την άδεια του Morkov. Κατά τη διάρκεια των σπουδών του, γνώρισε τον O.A. Kiprensky. Το 1804, ο ιδιοκτήτης κάλεσε τον νεαρό καλλιτέχνη στο σπίτι του και από τότε έζησε εναλλάξ στην Ουκρανία, στο νέο κτήμα καρότων του Kukavka, και στη συνέχεια στη Μόσχα, στη θέση ενός δουλοπάροικου ζωγράφου, υποχρεωμένος να πραγματοποιήσει ταυτόχρονα το οικονομικές εντολές του γαιοκτήμονα. Το 1823 έλαβε την ελευθερία του και τον τίτλο του ακαδημαϊκού, αλλά, εγκαταλείποντας την καριέρα του στην Αγία Πετρούπολη, παρέμεινε στη Μόσχα.

Ένας καλλιτέχνης από δουλοπάροικους, που με τη δημιουργικότητά του έφερε πολλά νέα πράγματα στη ρωσική ζωγραφική του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού και έγινε ο πιο διάσημος καλλιτέχνης της σχολής πορτρέτων της Μόσχας της δεκαετίας του 20-30. Αργότερα, το χρώμα της ζωγραφικής του Tropinin γίνεται πιο ενδιαφέρον, οι όγκοι είναι συνήθως σμιλεμένοι πιο καθαρά και γλυπτά, αλλά το πιο σημαντικό, η καθαρά ρομαντική αίσθηση του κινούμενου στοιχείου της ζωής μεγαλώνει υπονοούμενα, ο Tropinin είναι ο δημιουργός ενός ειδικού τύπου πορτρέτου - ένα ζωγραφική. Πορτρέτα που εισάγουν χαρακτηριστικά του είδους, εικόνες με συγκεκριμένη πλοκή: “Lacemaker”, “Spinner”, “Guitar Player”, “Gold Seamstress”.

Τα καλύτερα πορτρέτα του Tropinin, όπως το πορτρέτο του γιου του Arseny (1818 Tretyakov Gallery), Bulakhov (1823 Tretyakov Gallery). Ο Τροπινίν στο έργο του ακολουθεί το μονοπάτι της σαφήνειας και της ισορροπίας με απλές συνθέσεις πορτραίτων εικόνων. Κατά κανόνα, η εικόνα παρουσιάζεται σε ουδέτερο φόντο με ελάχιστα αξεσουάρ. Έτσι ακριβώς το απεικόνισε ο Α.Σ. Πούσκιν (1827) - κάθεται στο τραπέζι σε ελεύθερη πόζα, ντυμένος με φόρεμα σπιτιού, που τονίζει τη φυσικότητα της εμφάνισής του.

Τα πρώιμα έργα του Tropinin είναι περιορισμένα σε χρώμα και κλασικά στατικά στη σύνθεση (οικογενειακά πορτρέτα των Morkovs, 1813 και 1815· και τα δύο έργα βρίσκονται στην Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο πλοίαρχος δημιούργησε επίσης εκφραστικούς τοπικούς, μικρούς ρωσικούς τύπους εικόνας του Ουκρανού, (δεκαετία 1810, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Bulakov, 1823; K.G.Ravich, 1823; και τα δύο πορτρέτα στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ).

Με τα χρόνια, ο ρόλος της πνευματικής ατμόσφαιρας - που εκφράζεται από το υπόβαθρο, σημαντικές λεπτομέρειες - μόνο αυξάνεται. Το καλύτερο παράδειγμα είναι το Self-Portrait with Brushes and Palette 1846, όπου ο καλλιτέχνης παρουσιάστηκε με φόντο ένα παράθυρο με εκπληκτική θέα στο Κρεμλίνο. Ο Τροπινίν αφιέρωσε έναν αριθμό έργων σε συναδέλφους καλλιτέχνες που απεικονίζονται εν ώρα εργασίας ή στοχασμού (I.P. Vitali, περ. 1833· K.P. Bryullov, 1836· και τα δύο πορτρέτα στην γκαλερί Tretyakov, κ.λπ.). Ταυτόχρονα, το στυλ του Tropinin χαρακτηρίζεται πάντα από μια ιδιαίτερα οικεία, σπιτική γεύση. Στο δημοφιλές Woman in the Window (βασισμένο στο ποίημα του M.Yu. Lermontov Treasurer, 1841), αυτή η χαλαρή ειλικρίνεια αποκτά μια ερωτική γεύση. Τα μεταγενέστερα έργα του πλοιάρχου (Servant with Damask Counting Money, 1850, ό.π.) υποδεικνύουν την παρακμή της χρωματικής μαεστρίας, προσδοκώντας, ωστόσο, το έντονο ενδιαφέρον για τη δραματική καθημερινή ζωή που είναι χαρακτηριστικό των Wanderers. Ένας σημαντικός τομέας της δημιουργικότητας του Tropinin είναι επίσης τα αιχμηρά σκίτσα του με μολύβι. Ο Τροπινίν πέθανε στη Μόσχα στις 3 (15) Μαΐου 1857.

Ο 19ος αιώνας άφησε ανεξίτηλα σημάδια σε όλες τις μορφές τέχνης. Αυτή είναι μια εποχή αλλαγής κοινωνικών κανόνων και απαιτήσεων, κολοσσιαίας προόδου στην αρχιτεκτονική, τις κατασκευές και τη βιομηχανία. Μεταρρυθμίσεις και επαναστάσεις πραγματοποιούνται ενεργά στην Ευρώπη, δημιουργούνται τραπεζικοί και κυβερνητικοί οργανισμοί και όλες αυτές οι αλλαγές επηρέασαν άμεσα τους καλλιτέχνες. Οι ξένοι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα πήγαν τη ζωγραφική σε ένα νέο, πιο μοντέρνο επίπεδο, εισάγοντας σταδιακά τέτοιες τάσεις όπως ο ιμπρεσιονισμός και ο ρομαντισμός, που έπρεπε να περάσουν από πολλές δοκιμασίες πριν αναγνωριστούν από την κοινωνία. Οι καλλιτέχνες των περασμένων αιώνων δεν βιάζονταν να προικίσουν τους χαρακτήρες τους με βίαια συναισθήματα, αλλά τους απεικόνισαν ως περισσότερο ή λιγότερο συγκρατημένους. Όμως ο ιμπρεσιονισμός είχε στα χαρακτηριστικά του έναν αχαλίνωτο και τολμηρό φανταστικό κόσμο, που συνδυαζόταν ζωηρά με το ρομαντικό μυστήριο. Τον 19ο αιώνα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να σκέφτονται έξω από το κουτί, απορρίπτοντας εντελώς τα αποδεκτά πρότυπα, και αυτό το σθένος μεταφέρεται στη διάθεση των έργων τους. Την περίοδο αυτή εργάστηκαν πολλοί καλλιτέχνες, τα ονόματα των οποίων θεωρούμε ακόμα σπουδαία και τα έργα τους αμίμητα.

Γαλλία

Πιερ Ογκίστ Ρενουάρ. Ο Ρενουάρ πέτυχε την επιτυχία και την αναγνώριση με μεγάλη επιμονή και δουλειά, που άλλοι καλλιτέχνες θα μπορούσαν να ζηλέψουν. Δημιούργησε νέα αριστουργήματα μέχρι το θάνατό του, παρά το γεγονός ότι ήταν πολύ άρρωστος, και κάθε χτύπημα του πινέλου του έφερε ταλαιπωρία. Συλλέκτες και εκπρόσωποι των μουσείων εξακολουθούν να κυνηγούν τα έργα του μέχρι σήμερα, αφού το έργο αυτού του μεγάλου καλλιτέχνη είναι ένα ανεκτίμητο δώρο για την ανθρωπότητα.

Πωλ Σεζάν. Όντας ένας εξαιρετικός και πρωτότυπος άνθρωπος, ο Paul Cezanne πέρασε από κολασμένες δοκιμασίες. Αλλά εν μέσω δίωξης και σκληρής γελοιοποίησης, εργάστηκε ακούραστα για να αναπτύξει το ταλέντο του. Τα θαυμάσια έργα του έχουν πολλά είδη - πορτρέτα, τοπία, νεκρές φύσεις, τα οποία μπορούν με ασφάλεια να θεωρηθούν θεμελιώδεις πηγές αρχική ανάπτυξημετα-ιμπρεσιονισμός.

Ευγένιος Ντελακρουά. Μια τολμηρή αναζήτηση για κάτι νέο και ένα παθιασμένο ενδιαφέρον για τη νεωτερικότητα ήταν χαρακτηριστικά των έργων του μεγάλου καλλιτέχνη. Κυρίως του άρεσε να απεικονίζει μάχες και μάχες, αλλά ακόμη και στα πορτρέτα συνδυάζονται το ασυμβίβαστο - ομορφιά και αγώνας. Ο ρομαντισμός του Ντελακρουά πηγάζει από την εξίσου εξαιρετική προσωπικότητά του, που ταυτόχρονα αγωνίζεται για την ελευθερία και λάμπει από πνευματική ομορφιά.

Ισπανία

Η Ιβηρική Χερσόνησος μας έδωσε επίσης πολλά διάσημα ονόματα, όπως:

Ολλανδία

Ο Βίνσεντ Βαν Γκογκ είναι ένας από τους περισσότερους επιφανείς Ολλανδοί. Όπως όλοι γνωρίζουν, ο Βαν Γκογκ υπέφερε από σοβαρή ψυχική ασθένεια, αλλά αυτό δεν επηρέασε την εσωτερική του ιδιοφυΐα. Εκτελέστηκε σε ασυνήθιστη τεχνική, οι πίνακές του έγιναν δημοφιλείς μόνο μετά το θάνατο του καλλιτέχνη. Ο πιο διάσημος: " Starlight Night», «Irises», «Sunflowers» περιλαμβάνονται στη λίστα με τα περισσότερα ακριβά έργατέχνη σε όλο τον κόσμο, αν και ο Βαν Γκογκ δεν είχε κάποια ειδική καλλιτεχνική παιδεία.

Νορβηγία

Ο Edvard Munch είναι νορβηγός, διάσημος για τη ζωγραφική του. Το έργο του Edvard Munch διακρίνεται έντονα από μελαγχολία και κάποια απερισκεψία. Θάνατος της μητέρας και αδελφήακόμη και στην παιδική ηλικία, οι δυσλειτουργικές σχέσεις με τις κυρίες επηρέασαν σε μεγάλο βαθμό το ζωγραφικό στυλ του καλλιτέχνη. Για παράδειγμα, όλοι διάσημο έργοΤο «Scream» και το εξίσου δημοφιλές «Sick Girl» κουβαλούν πόνο, βάσανα και καταπίεση.

ΗΠΑ

Ο Κεντ Ρόκγουελ είναι ένας από τους διάσημους Αμερικανούς τοπιογράφους. Τα έργα του συνδυάζουν ρεαλισμό και ρομαντισμό, που αποδίδει με μεγάλη ακρίβεια τη διάθεση του εικονιζόμενου. Μπορείς να κοιτάς τα τοπία του για ώρες και να ερμηνεύεις διαφορετικά τα σύμβολα κάθε φορά. Λίγοι καλλιτέχνες μπόρεσαν να απεικονίσουν τη χειμερινή φύση με τέτοιο τρόπο ώστε οι άνθρωποι που την κοιτάζουν να νιώθουν πραγματικά το κρύο. Ο κορεσμός χρωμάτων και η αντίθεση είναι το αναγνωρίσιμο στυλ της Rockwell.

Ο 19ος αιώνας είναι πλούσιος σε λαμπρούς δημιουργούς που έκαναν τεράστια συνεισφορά στην τέχνη. Οι ξένοι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα άνοιξαν τις πόρτες σε αρκετά νέα κινήματα, όπως ο μετα-ιμπρεσιονισμός και ο ρομαντισμός, που στην πραγματικότητα αποδείχτηκε δύσκολο εγχείρημα. Οι περισσότεροι απέδειξαν ακούραστα στην κοινωνία ότι η δημιουργικότητά τους έχει το δικαίωμα ύπαρξης, αλλά πολλοί τα κατάφεραν, δυστυχώς, μόνο μετά θάνατον. Ο αχαλίνωτος χαρακτήρας, το θάρρος και η ετοιμότητά τους για μάχη συνδυάζονται με εξαιρετικό ταλέντο και ευκολία αντίληψης, που τους δίνει κάθε δικαίωμα να καταλάβουν ένα σημαντικό και σημαντικό κύτταρο.

Ζωγραφισμένο απευθείας από τη φύση, σε ζωντανή επικοινωνία με το μοντέλο, μέσω άμεσης μελέτης και παρατήρησης, ένα πορτρέτο είναι η βάση της ρεαλιστικής τέχνης. Η ανάπτυξη του ρεαλισμού ξεκινά με το πορτρέτο. Στη Ρωσία, το πορτρέτο εμφανίστηκε αργότερα από ό,τι στην Ευρώπη. Μόλις στο γύρισμα του 17ου και 18ου αιώνα το ρωσικό πορτρέτο τελικά διαμορφώθηκε ως ανεξάρτητο είδος.

Η ρωσική προσωπογραφία αναπτύχθηκε εκπληκτικά γρήγορα - από τους παρσούνς του τέλους του 17ου αιώνα έως τα πορτρέτα των Rokotov, Shubin, Levitsky, Borovikovsky τον 18ο αιώνα, τα οποία μπορούν δικαίως να τοποθετηθούν στο ίδιο επίπεδο με τα καλύτερα παραδείγματα της σύγχρονης ευρωπαϊκής τέχνης πορτρέτου. Αυτή η ασυνήθιστα γρήγορη και γόνιμη εξέλιξη εξηγείται σε μεγάλο βαθμό από το γεγονός ότι οι Ρώσοι καλλιτέχνες γνώριζαν καλά τους δυτικούς δασκάλους, έμαθαν από αυτούς, ποτέ δεν τους μιμήθηκαν τυφλά, διατηρώντας την εθνική τους ταυτότητα.

Ο ανθρωπισμός, η ιδιαίτερη προσοχή στους ανθρώπους και η ζεστασιά αποτελούν ένα από τα κύρια χαρακτηριστικά της ρωσικής τέχνης πορτρέτου. Ρωσικός διαφωτισμός, ο οποίος ανέπτυξε μια υψηλή ιδέα για την αξία ανθρώπινη προσωπικότητα, είχε μεγάλη και γόνιμη επιρροή στην τέχνη των πορτρέτων. Αναπτύχθηκε με επιτυχία το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, φτάνοντας στο αποκορύφωμά του στα πορτρέτα του Bryullov, εντυπωσιάζοντας με τη συναισθηματικότητα των εικόνων και την ομορφιά της πλαστικής μορφής.

Το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα ήταν η ακμή της ρωσικής ρεαλιστικής τέχνης πορτρέτου. Αντικατοπτρίζει ξεκάθαρα μια νέα ιδέα για την αξία του ανθρώπου, του οποίου οι δραστηριότητες και η δημιουργική δύναμη στοχεύουν στην εξυπηρέτηση των ανθρώπων. Αυτή τη στιγμή, η γκάμα των μοντέλων άλλαξε δραματικά - κυριαρχούσαν τα πορτρέτα κορυφαίων μορφών του εθνικού πολιτισμού. Οι καλλιτέχνες πάντα αξιολογούσαν πολύ αντικειμενικά ένα άτομο, την κοινωνική του σημασία και τη θέση του στη ζωή της ρωσικής κοινωνίας. Όμως η σφραγίδα της ιστορικής εποχής και οι σαφείς γραμμές εθνικότητας δεν έπνιξαν τη φωτεινότητα των ατομικών χαρακτηριστικών. Η ρεαλιστική τέχνη του πορτραίτου των δημοκρατικών καλλιτεχνών αντιτάχθηκε αποφασιστικά στα αποκαρδιωτικά, κολακευτικά πορτρέτα σαλονιών ακαδημαϊκών και αυλικών ζωγράφων.

Τον 19ο αιώνα, καμία χώρα στην Ευρώπη δεν είχε έναν τόσο λαμπρό αστερισμό καλλιτεχνών πορτρέτων όσο η Ρωσία, όπου δούλεψαν σχεδόν ταυτόχρονα δάσκαλοι όπως οι N. Ge, V. Perov, I. Kramskoy, N. Yaroshenko, I. Repin. Επάξια θα πρέπει να προστεθούν τα ονόματα των Β. Βασνέτσοφ και Β. Σουρίκοφ. Αυτοί οι καλλιτέχνες είναι οι κύριοι δημιουργοί και δημιουργοί όχι μόνο των πιο λαμπρών χαρακτηριστικά πορτρέτουεξαιρετικοί Ρώσοι, αλλά και τυπικοί εκπρόσωποι του ίδιου του λαού. Ήταν αυτοί, και πάνω απ' όλα στο πορτρέτο, που κατάλαβαν την ομορφιά και την πνευματική αξία του Ρώσου. Η ρωσική τέχνη είχε πάντα μια κοινή, κύρια βάση της ύπαρξής της. Και αυτή η βάση είναι ο υψηλός ουμανισμός, ο εθνικισμός, που διαπερνά τη ρωσική ιστορική και ειδυλλιακή ζωγραφική και εκδηλώνεται ξεκάθαρα στο πορτρέτο. Το ρωσικό πορτρέτο εντυπωσιάζει με τη συναισθηματική του δύναμη, την ικανότητά του να εκφράζει βαθιά τον εσωτερικό κόσμο ενός ατόμου σε όλη του την πληρότητα και τη σημασία του.

Η τάση του αληθινού, άμεσου προβληματισμού στη ζωγραφική μοντέρνα ζωήμε τις κοινωνικές αντιθέσεις, το ενδιαφέρον και την επιθυμία να εκφράσει έναν βαθύ εσωτερικό κόσμο ανθρώπινη ψυχή, για να αποκαλύψει τις ηθικές αξίες με την απανθρωπιά της αστικής κοινωνικής τάξης - όλα αυτά απέκτησαν θεμελιώδη χαρακτήρα στο έργο των καλλιτεχνών της δημοκρατικής ρωσικής σχολής του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα.

Δεύτερο ημίχρονο XIX αιώναστη ρωσική ζωγραφική ήταν μια εποχή λαμπρή άνθιση του δημοκρατικού ρεαλισμού. Η αποφασιστική αλλαγή που επήλθε στη λογοτεχνία και την τέχνη τη δεκαετία του 40-60 του 19ου αιώνα συνίστατο, πρώτα απ 'όλα, στο γεγονός ότι Ρώσοι συγγραφείς, ποιητές, μουσικοί και καλλιτέχνες στράφηκαν προς τους ανθρώπους, τις σκέψεις και τις φιλοδοξίες τους. Η ζωή των ανθρώπων έγινε το κύριο περιεχόμενο των έργων τους. Συνέπεια αυτού ήταν η ευρεία και εντατική ανάπτυξη της ζωγραφικής του είδους με συγκεκριμένα θέματα από τη ζωή της πόλης και της υπαίθρου. Οι περισσότεροι καλλιτέχνες του είδους ασχολήθηκαν επίσης με την προσωπογραφία.

Ποτέ πριν δεν εμφανίστηκε στη ζωγραφική τόσο σημαντικός αριθμός πορτρέτων εξαιρετικών προοδευτικών μορφών της εποχής και σε καθένα από αυτά τα πορτρέτα μπορεί κανείς να δει όχι μόνο μια ζωντανή έκφραση της ατομικής εμφάνισης ενός συγγραφέα ή επιστήμονα, μουσικού ή καλλιτέχνη, αλλά σφραγίδα μιας ιστορικής εποχής και σαφή χαρακτηριστικά εθνικότητας. Αυτοί είναι αναμφίβολα Ρώσοι. Και σε πορτραίτα απλοί άνθρωποιοι καλλιτέχνες σημείωσαν τις πιο πολύτιμες και ζωντανές πτυχές του εθνικού χαρακτήρα.

Ο κύριος τύπος πορτραίτου έγινε το πορτρέτο του καβαλέτου, αλλά κυρίως ημιμορφοποιημένο: η δομή και η θέση των χεριών, ακόμη και εκείνων που δεν χειρονομούν, ενισχύουν πάντα τα χαρακτηριστικά του μοντέλου. Εκείνη την εποχή, τα επίσημα τελετουργικά πορτρέτα, που τόσο συχνά συναντώνται τον 18ο και το πρώτο μισό του 19ου αιώνα, εξαφανίστηκαν σχεδόν εντελώς, καθώς και τα ζευγαρωμένα πορτρέτα του γάμου (που άνοιξαν τη δυνατότητα μιας εκφραστικής αντίθεσης χαρακτήρων). Τώρα η προσοχή του καλλιτέχνη επικεντρώθηκε μόνο σε ένα άτομο. Επιπλέον, σε όλο το δεύτερο μισό του αιώνα, δεν δημιουργήθηκε ούτε ένα ομαδικό πορτρέτο, με εξαίρεση μερικά οικογενειακά πορτρέτα.

Ρώσοι καλλιτέχνες, εκπρόσωποι του δημοκρατικού πολιτισμού, προσπάθησαν να αποτυπώσουν σε μια γραφική εικόνα ένα αξιόπιστο πορτρέτο του σύγχρονου τους, που διακρίνεται από μια πειστική ομοιότητα.

Ο αριθμός των πορτρέτων κοινωνικά σημαντικών προσωπικοτήτων ξεκάθαρα υπερισχύει. Εδώ είναι σκόπιμο να σημειωθούν οι δραστηριότητες του Π.Μ. Ο Τρετιακόφ, ο οποίος, έχοντας αρχίσει να συλλέγει μια συλλογή από πορτρέτα Ρώσων πολιτιστικών μορφών, υπέθεσε ότι αυτή η συλλογή θα έπρεπε να είναι μέρος της εθνικής γκαλερί που είχε σχεδιάσει.

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του '70, η γκαλερί Tretyakov, η οποία ανανεωνόταν συνεχώς, είχε σχεδόν ό,τι καλύτερο είχε δημιουργηθεί και δημιουργηθεί ξανά εκείνη την εποχή από τη ρωσική ρεαλιστική τέχνη.

Το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα ήταν η ακμή της ρωσικής δημοκρατικής τέχνης, που εναντιώθηκε στην αντιδραστική τέχνη των κυρίαρχων τάξεων. Η ρωσική ζωγραφική, που αποτελεί σημαντικό μέρος του πολιτισμού, έχει αποκτήσει σίγουρα δημοκρατικό χαρακτήρα.

Είναι απολύτως φυσικό οι δημοκρατικοί καλλιτέχνες να στραφούν στην προσωπογραφία. Στην εποχή του 60-90, το πορτρέτο απέκτησε πρωτόγνωρη σημασία. Οι προχωρημένοι καλλιτέχνες, όπως και άλλες προοδευτικές μορφές εκείνης της εποχής, κατανόησαν την πλήρη σημασία και αξία της ανθρώπινης προσωπικότητας, της οποίας οι δραστηριότητες και η δημιουργική δύναμη στοχεύουν στην εξυπηρέτηση του λαού.

Ένα πορτρέτο στην ουσία του δεν είναι μια απλή εικόνα ενός ατόμου και ουσιαστικά περιλαμβάνει όχι μόνο τη μεταφορά του εξωτερικού, αλλά και τη μεταφορά του εσωτερικού, την έκφραση των ιδιοτήτων, της ουσίας, της ψυχής ενός ατόμου και όχι μόνο του εικόνα της εμφάνισής του, τις εξωτερικές του εκδηλώσεις.

Μόλις στο γύρισμα του 17ου και του 18ου αιώνα το ρωσικό πορτρέτο τελικά διαμορφώθηκε ως ανεξάρτητο είδος. Περαιτέρω, έχοντας προχωρήσει πολύ από ένα σημάδι κοινωνικής υπεροχής, αναπτύχθηκε με επιτυχία στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, φτάνοντας στο αποκορύφωμά του σε πορτρέτα του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα, εντυπωσιακά με τη συναισθηματικότητα των εικόνων και την ομορφιά. της πλαστικής μορφής. Ο ανθρωπισμός, η ιδιαίτερη προσοχή στους ανθρώπους είναι ένα από τα κύρια χαρακτηριστικά της ρωσικής τέχνης πορτρέτου. Χάρη σε αυτές τις ιδιότητες, που αναγνωρίζουν την αξία του ατόμου, το πορτρέτο λαμβάνει ιδιαίτερα ευρεία ανάπτυξη στη ρωσική τέχνη.

«Μπορείς να εμπιστευτείς μόνο αυτά τα πορτρέτα
Στο οποίο το μοντέλο είναι σχεδόν αόρατο,
Αλλά ο Καλλιτέχνης είναι πολύ καθαρά ορατός».
Οσκαρ Γουάιλντ.
Το πρώτο μισό του 19ου αιώνα στη ζωή της ρωσικής κοινωνίας ήταν αρχικά δραματικό, αλλά και ρομαντικό αργότερα. Τα γεγονότα του πολέμου του 1812, η ​​ήττα του ρωσικού στρατού και η κατάληψη εδαφών από τον Ναπολέοντα στις αρχές του αιώνα, η νικηφόρα πορεία σε όλη την Ευρώπη και το κύμα Εθνική ταυτότηταέγινε η βάση για την επακόλουθη εμφάνιση και ανάπτυξη ενδιαφέροντος για τη γνώση ενός συγκεκριμένου ατόμου σε σημαντικές στιγμές της ζωής του, στον εσωτερικό του κόσμο και τις εμπειρίες του. Λίγο νωρίτερα, αυτές οι τάσεις εμφανίστηκαν στην Ευρώπη και έδωσαν αφορμή για την τέχνηρομαντισμός,που στη Ρωσία απέκτησε τη δική της ιδιαιτερότητα: στις αρχές του αιώνα ήταν ηρωική, συνδεδεμένη μεενδιαφέρον για εθνική κουλτούρα και ιστορία, σε εγχώρια ταλέντα. Και αυτό οδήγησε σε εξαιρετικά επιτεύγματα στην προσωπογραφία, τα οποία συνέδεσαν άμεσα τον καλλιτέχνη με την κοινωνία και με εξαιρετικούς σύγχρονους.
Ένας από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες πορτρέτων της εποχής ήτανΟρεστ Κιπρένσκι (1782-1836) , στην τέχνη του οποίου έστω και μια περίοδοαντανακλούσε τόσο τα χαρακτηριστικά του κλασικισμού όσο και του ρομαντισμού.

Ο Kiprensky έζησε μια θυελλώδη ζωή, στην οποία είχε τα πάντα: παρανομία από μια δουλοπάροικη μητέρα, ένα επινοημένο επώνυμο, σπουδές από την ηλικία των 6 σε ένα σχολείο στην Ακαδημία Τεχνών υπό την ηγεσία του Levitsky, κατηγορίες για απάτη όταν ένας 22χρονος -Ο παλιός καλλιτέχνης παρουσίασε ένα πορτρέτο του θετού πατέρα του στην Ιταλία (εκεί θεωρούσαν αρχικά αυτό το έργο ενός άγνωστου αριστουργήματος του Ρούμπενς ή του Ρέμπραντ).

Ήταν εξαιρετικά όμορφος και τρελός στο πάθος, είχε φρενήρη ιδιοσυγκρασία και εντυπωσιασμό και γνώρισε άνοδο στη φήμη στην Ιταλία και τη Ρωσία (όπου τον αποκαλούσαν «Ρώσο Βαν Ντικ»). Και μετά όλα πήγαν στον κατήφορο: φήμες για τον φόνο του μοντέλου του, την υιοθέτηση του καθολικισμού και έναν περιττό γάμο, το μεθύσι, τη φτώχεια και τον θάνατο μακριά από την πατρίδα.

Η ταφόπλακά του στη Ρώμη γράφει: «Στη μνήμη του Orest Kiprensky, του πιο διάσημου μεταξύ των Ρώσων καλλιτεχνών». (Περισσότερα για το βιογραφικό του μπορείτε να διαβάσετε εδώ:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Ένας άλλος εξαιρετικός ζωγράφος εκείνης της εποχής,Alexey Venetsianov (1780-1847) Την κύρια θέση στο έργο κατείχε η απεικόνιση της δουλειάς και της ζωής των αγροτών, κάπως εξιδανικευμένη και εξομαλυνόμενη.

Ο Βενετσιάνοφ ξεκίνησε το ταξίδι του στην τέχνη με μαθήματα σχεδίου που του έδωσε ο «θείος» του (δάσκαλος), ένας ικανός σχεδιαστής. Εκείνη την εποχή, όπως θυμόμαστε, το κύριο είδος ήταν το πορτρέτο και ο νεαρός αυτοδίδακτος, έχοντας ζωγραφίσει το πορτρέτο της μητέρας του, αποφάσισε να αφοσιωθεί στη ζωγραφική, πήγε στην Αγία Πετρούπολη και εργάστηκε ως σχεδιαστής στο ταχυδρομείο.

Ένα ευτυχές ατύχημα τον έκανε μαθητή του Borovikovsky, κέρδισε σταδιακά κάποια φήμη και μπόρεσε να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη ζωγραφική. Λίγο μετά το γάμο του, ο Βενετσιάνοφ αγόρασε ένα μικρό κτήμα και βυθίστηκε πλήρως σε μια νέα κατεύθυνση για τη ρωσική ζωγραφική - πορτρέτα και σκηνές του είδουςαπό αγροτική ζωή. Ταυτόχρονα, ανακάλυψε μια δεύτερη έκκληση στον εαυτό του - να διδάξει σε ικανά παιδιά αγροτών να ζωγραφίζουν, και μάλιστα αγόρασε μερικούς που ήταν ο ίδιος δουλοπάροικοι. Μεγάλωσε στη «Σχολή Βενετσιάνοφ» του πάνω από 70 ικανούς μαθητές.

«Ο πρώιμος ποιητικός ρεαλισμός του Βενετσιάνοφ, που έγινε ένα πολύ αναγκαίο στάδιο στην ανάπτυξη της ρωσικής ζωγραφικής, χρωμάτισε επίσης το πορτρέτο του, εμπλουτίζοντας έτσι ολόκληρο το ρωσικό πορτρέτο αυτής της περιόδου».
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Τα τελευταία χρόνια της ζωής του ήταν δύσκολα: η σύζυγός του πέθανε από χολέρα, δεν υπήρχαν αρκετά κεφάλαια, οι κόρες του δεν μπορούσαν να παντρευτούν, πολλοί μαθητές πρόδωσαν τα ιδανικά του και ζωγράφισαν απίθανες χαρούμενες σκηνές της αγροτικής ζωής και στολίστηκαν πορτρέτα. Ο καλλιτέχνης πέθανε με έναν παράλογο και τρομερό τρόπο: τα άλογα στο κάρο έτρεξαν και τα χέρια του μπλέχτηκαν στα ηνία και για αρκετά χιλιόμετρα το σώμα του, πεταμένο από το κάρο, όρμησε πίσω του πάνω από τις πέτρες. (Αναλυτικό βιογραφικό του καλλιτέχνη μπορείτε να διαβάσετε εδώ:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Άλλος ένας εξαιρετικός καλλιτέχνης του πρώτου μισού του 19ου αιώναAlexandra Ivanova (1806-1858)

το πορτρέτο, κατά κανόνα, δεν ήταν το κύριο πράγμα στο έργο, ήταν ένα βοηθητικό σκίτσο για τη δημιουργία ενός ιστορικού ή ιστορικο-θρησκευτικού μεγάλου καμβά. Θυμάστε ένα ολόκληρο δωμάτιο με πορτρέτα διαφόρων μεγεθών και σκίτσα στην γκαλερί Tretyakov, γραμμένα από τον καλλιτέχνη για τον κύριο πίνακα της ζωής του - "Η εμφάνιση του Χριστού στους ανθρώπους"; Ορισμένοι κριτικοί τέχνης πιστεύουν ότι τα σκίτσα ξεπέρασαν την αξία του ίδιου του πίνακα, ο οποίος αποδείχθηκε τεράστιος (5,4 m x 7,5 m), που εμπνέει σεβασμό, ζωγραφισμένο για 20 χρόνια, αλλά δεν αγγίζει την ψυχή, κατά τη γνώμη μου. Αλλά κάθε σκίτσο για αυτό μπορεί να θεωρηθεί πλήρης ζωγραφική, κοιτάξτε αυτό το κεφάλι, είναι ένα πορτρέτο του Γκόγκολ, μόνο με γένια και μακριά σγουρά μαλλιά.

Από την ηλικία των 25 ετών μέχρι σχεδόν το τέλος της ζωής του, ο καλλιτέχνης έζησε στην Ιταλία, σχεδόν στη φτώχεια και μερικές φορές ακόμη και πεινασμένος, χωρίς να κάνει οικογένεια, αν και έτρεφε μεγάλη αγάπη για την όμορφη Ιταλίδα Vittoria Caldoni, η οποία προτιμούσε τη φίλη του, καλλιτέχνης Lapchenko. (Γράφεται με ενδιαφέρον εδώ:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

Δεν είχε τύχη με τις γυναίκες. Για περίπου οκτώ χρόνια έζησε με κάποια Τερέζα (υπάρχει αναφορά για αυτήν στην αλληλογραφία του), του έκανε πάντα σκηνές και του έκλεβε περισσότερες από μία φορές. Υπήρχε μια άλλη γυναίκα με την οποία ήταν ερωτευμένος, η κόμισσα Απράξινα, αλλά την παντρεύτηκαν με κάποιον άλλον. Επιστρέφοντας στη Ρωσία, ο Ιβάνοφ μολύνεται από χολέρα ένα μήνα αργότερα και πεθαίνει.
Ξεχωριστή θέση στην προσωπογραφία κατέχει το έργο ενός άλλου Ρώσου καλλιτέχνη, ο οποίος συχνά εισήγαγε λεπτομέρειες του είδους στα πορτραίτα του. Αυτό είναι περίπουPavle Fedotov (1815-1852) ,

στρατιωτικός καριέρας, λοχαγός φρουρών, ο οποίος άφησε την υπηρεσία και αφοσιώθηκε στην τέχνη με εντολή του ΝικολάουΕγώ, ο οποίος έμαθε για τις μεγάλες ικανότητες του «αξιωματικού σχεδίασης». Και άρχισε να ζωγραφίζει ως ζωγράφος μάχης, τον τράβηξαν σκηνές μαχών μεγάλης κλίμακας, καθώς και καρικατούρες και καρικατούρες των συντρόφων του στο σώμα των μαθητών. Αδεια Στρατιωτική θητείαΟ Φεντότοφ είχε προετοιμαστεί ακόμη και πριν από τη διαταγή του τσάρου, ο παραμυθάς Κρίλοφ, ο οποίος είδε το έργο του και τον συμβούλεψε να «εκθέσει την κακία της ρωσικής ζωής και έτσι να συμβάλει στη βελτίωσή της». Όλοι γνωρίζετε τις διάσημες σκηνές του, οι οποίες απολάμβαναν μεγάλο ενδιαφέρον από τον θεατή, αλλά στα πορτρέτα έδειξε ότι είναι ένας εξαιρετικός καλλιτέχνης, παρατηρητικός και ειλικρινής.

Μερικές φορές μπορούσε να περπατήσει τη μισή πόλη πίσω από κάποιον τύπο που του άρεσε για να τον δει καλύτερα σε κίνηση και μετά να τον απεικονίσει σε μια από τις προγραμματισμένες σκηνές του. Έζησε πολύ σεμνά με την τάξη του, μερικές φορές ζούσε ακόμη και στη φτώχεια, αλλά βοηθούσε την οικογένειά του - τον πατέρα και τις αδερφές του.

Το τέλος της σύντομης ζωής του ήταν τρομερό - πέθανε σε ψυχιατρείο, στο τμήμα για βίαια τρελούς από πλευρίτιδα, μόνο οι πιστοί του εντολοδόχοι τον έθαψαν, οι φίλοι του δεν ειδοποιήθηκαν καν. (Αναλυτικό βιογραφικό μπορείτε να βρείτε εδώ:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Ένας λαμπρός ζωγράφος, ένας υπέροχος ζωγράφος πορτρέτων, ένας ταλαντούχος μνημειώδης, ένας εξαιρετικός ακουαρέλας, ένας κλασικός και ένας ρομαντικός - όλα αυτά τα επίθετα δεν είναι υπερβολή όταν μιλάμε γιααυτός ο καλλιτέχνης.

Ο ίδιος ο Θεός τον διέταξε να γίνει καλλιτέχνης, αποδοκιμάζοντας να γεννηθεί στην οικογένεια ενός καλλιτέχνη και δασκάλου στην Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης, του Pavel Brullo. Ήδη σε ηλικία 10 ετών, μπήκε στην Ακαδημία και εξέπληξε τους δασκάλους με το ταλέντο και την τεχνική του, την ευκολία γραφής και την αποτελεσματικότητά του. Το 1822, προσθέτοντας ένα «v» στο επίθετό του, ο Bryullov και ο αδερφός του πήγαν σε μια περιοδεία στην Ευρώπη για λογαριασμό της Εταιρείας για την Ενθάρρυνση των Καλλιτεχνών. Τα έργα του, γραμμένα στην Ιταλία, γνώρισαν μεγάλη επιτυχία και απέσπασαν τον έπαινο του ίδιου του ΝικολάουΕγώ . Γράφει κατόπιν παραγγελίας ένας μεγάλος αριθμός απόπορτρέτα χρησιμοποιώντας μια ποικιλία από καλλιτεχνικές τεχνικέςκαι στυλ από το μπαρόκ έως τον ρεαλισμό, εισάγοντας λεπτομέρειες και έπιπλα σπιτιού.

Επιστρέφοντας στην πατρίδα του ως γνωστός καλλιτέχνης, γίνεται περιζήτητος στο υψηλή κοινωνίαένας ζωγράφος πορτρέτων, πολλοί ευγενείς, πολιτικοί και συγγραφείς θεωρούν τιμή να έχουν το δικό τους πορτρέτο του Bryullov.

Το 1847, μετά από ένα σοβαρό κρυολόγημα, οι ρευματισμοί του Bryullov επιδεινώθηκαν και η δουλειά του είχε επιδεινωθεί από τότε που είχε καρδιακή πάθηση από την παιδική του ηλικία, με την επιμονή των γιατρών, πέρασε επτά μήνες στο κρεβάτι, αλλά συνέχισε να εργάζεται.

Μετά από αίτημα των ίδιων γιατρών, το 1849 ο Bryullov μετακόμισε στο νησί της Μαδέρα, στη συνέχεια σε ένα μικρό μέρος κοντά στη Ρώμη, ζωγράφισε πολλά πορτρέτα, αλλά αυτό ήταν ήδη δύσκολο γι 'αυτόν, και το 1852 ο καλλιτέχνης πέθανε, αφήνοντας πολλά ημιτελή έργα και σκίτσα στο στούντιο. (Μπορείτε να διαβάσετε ολόκληρο το βιογραφικό εδώ: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Σταδιακά πλησιάσαμε στα μέσα του 19ου αιώνα, όταν στη ρωσική τέχνη γενικά και στη ζωγραφική ειδικότερα, μεγάλες αλλαγέςσυνδέεται με αλλαγές στην κατάσταση στη χώρα και τη διάθεση στην κοινωνία. «Γεννήθηκε η εθνική ρεαλιστική τέχνη, καθήκον της οποίας ήταν να αντικατοπτρίζει τη ζωή της κοινωνίας και των ανθρώπων...» (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Αν και δεν μου αρέσουν τέτοιοι ορισμοί, καθώς τους θεωρώ τραβηγμένους, είμαι της άποψης ότι η ζωγραφική (και η τέχνη γενικά) δεν είναι υποχρεωμένη να «επιβάλλει στον εαυτό της καθήκον» να αντικατοπτρίζει οτιδήποτε, αλλά δεν είναι εδώ ο χώρος για αυτή τη συνομιλία.
Ένας από τους πρώτους Ρώσους καλλιτέχνες που ένιωσε και κατάφερε να μεταφέρει την ανάγκη της κοινωνίας για αλλαγή, την κάλεσε σε διορατικότητα, επέστησε την προσοχή της στη ζωή των ανθρώπων, «εκθέτοντας», όπως το έθεσαν οι κριτικοί, την αδικία και την καταπίεση, ήτανVasily Perov (1834-1882) .

Το επώνυμό του ήταν αρχικά ένα παρατσούκλι που του δόθηκε από έναν καθηγητή γραμματικής για την καλή του «δεξιότητα με το στυλό», που αργότερα έγινε το μοναδικό. Ήταν νόθος γιος του βαρώνου Κρίντενερ, που τον μεγάλωσε στην οικογένειά του. Ο Περόφ είναι κυρίως γνωστός για τους πίνακες του είδους, μερικοί από τους οποίους είναι ξεκάθαρα αποκαλυπτικοί (για παράδειγμα, η «Τρόικα», γνωστή σε πολλούς από το σοβιετικό εγχειρίδιο «Native Speech»), αλλά μας ενδιαφέρουν τα πορτρέτα, πολλά από τα οποία θεωρούνται αριστουργήματα το είδος.

«Αυτό το πορτρέτο δεν είναι μόνο το καλύτερο πορτρέτο του Πέροφ, αλλά και ένα από τα καλύτερα πορτρέτα του ρωσικού σχολείου γενικά. Όλα είναι μέσα σε αυτό δυνάμειςΟ καλλιτέχνης είναι εμφανής: χαρακτήρας, δύναμη έκφρασης, τεράστια ανακούφιση». Έτσι περιέγραψε αυτό το έργο ο Ivan Kramskoy. Ο Περόφ ζωγραφίζει μια ολόκληρη σειρά από πορτρέτα Ρώσων συγγραφέων και μουσικών, ανάμεσά τους και υπέροχα πορτρέτα του Τουργκένιεφ, του Ρουμπινστάιν, του Οστρόφσκι.

Ο καλλιτέχνης Nesterov είπε θαυμάσια για τα πορτρέτα του εκείνης της περιόδου: «...Εκφρασμένα με τόσο παλιομοδίτικα χρώματα και απλά σχέδια, τα πορτρέτα του Perov θα ζήσουν για πολύ καιρό και δεν θα φύγουν από τη μόδα όπως τα πορτρέτα του Luke Cranach και αρχαία γλυπτά πορτρέτα».
Δημιουργία τα τελευταία χρόνιαΗ σύντομη ζωή του θεωρείται όχι πολύ επιτυχημένη και η ίδια η ζωή του ήταν τραγική: ο θάνατος της συζύγου του, η απώλεια δύο μεγαλύτερων παιδιών και η συρρίκνωση της κατανάλωσης. Η μακρά, σοβαρή και ανίατη ασθένεια εκείνη την εποχή επιδεινώθηκε από τύφο και πνευμονία, ο καλλιτέχνης πέθανε σε ηλικία 48 ετών και θάφτηκε στο νεκροταφείο της Μονής Donskoy. (Περισσότερες λεπτομέρειες εδώ:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Ένας από τους πιο λαμπρούς καλλιτέχνες εκείνης της εποχής, που δοκίμασε τις δυνάμεις του τόσο σε καθημερινά όσο και σε ιστορικά είδη, αλλά έγινε γνωστός κυρίως χάρη σε πορτρέτα των συγχρόνων του, ήτανIvan Kramskoy (1837-1887).


Όλη του η ζωή είναι μια πλήρης αντίφαση: ήταν ακαδημαϊκός και ταυτόχρονα μαχητής κατά του ακαδημαϊσμού, ήταν ένθερμος θαυμαστής του Τσερνισέφσκι, αλλά ζωγράφιζε πορτρέτα μελών της βασιλικής οικογένειας. Έχοντας γίνει διάσημος για τη βιρτουόζικη ζωγραφική του σε πορτρέτα, ο καλλιτέχνης, ωστόσο, θεώρησε ότι αυτό το είδος ζωγραφικής είναι ένα βάρος, ένα καθήκον, «όχι πραγματική τέχνη», που καθιστά δυνατή τη στήριξη της οικογένειάς του, αλλά τον αποσπά από αυτό που θα ήθελε. αρέσει να κάνω - «αναζήτηση στόχου». ανθρώπινη ύπαρξηκαι επίλυση κοινωνικοπολιτικών προβλημάτων μέσω της ζωγραφικής».

Και εμείς, οι απόγονοι, ήμασταν τυχεροί που για να διατηρηθεί το βιοτικό επίπεδο της οικογένειας, ο καλλιτέχνης έπρεπε να δεχτεί παραγγελίες για μεγάλο αριθμό πορτρέτων, χάρη στα οποία έχουμε την ευκαιρία να δούμε τα πρόσωπα πολλών εξαιρετικών ανθρώπων αυτού του είδους. χρόνος.

Ο Kramskoy γνώρισε τη μελλοντική σύζυγό του όταν ήταν 22 ετών, ήταν η φυλαγμένη γυναίκα ενός ελάχιστα γνωστού καλλιτέχνη, και όταν πήγε στο εξωτερικό, έγινε σύζυγος του Kramskoy, του γέννησε 6 παιδιά, δύο από τα οποία επέζησαν και ήταν βοηθός του. υποστήριξη όχι μόνο στην καθημερινή ζωή, αλλά και στις δραστηριότητες του «Artel of Artists» με επικεφαλής τον σύζυγό της.

Τα τελευταία χρόνια της ζωής του καλλιτέχνη επισκιάστηκαν από την ατελείωτη αναζήτηση εισοδήματος, την αναγκαστική, βαρετή δουλειά σε πορτρέτα κατά παραγγελία, την αδυναμία της επιθυμίας να αφοσιωθεί σε άλλα θέματα, την κακή υγεία και τους πόνους της καρδιάς, που προσπάθησε να καταστείλει με μορφίνη. Πέθανε πριν γίνει 50 ετών ενώ δούλευε σε ένα άλλο το τελευταίο πορτρέτο(Ο γιατρός Rauchfus) από ρήξη ανευρύσματος αορτής, ήταν αδύνατο να τον βοηθήσει.
Και για έναν άλλο ζωγράφο γαλλικής καταγωγής και μια ασυνήθιστη μοίρα ζιγκ-ζαγκ,Nicolae Ge (Γκέι) (1831-1894) ,

που ξεκίνησε τη δουλειά του με σκηνές γκόσπελ, έγινε πρώτος διάσημος για τους πίνακές του ιστορικά θέματα, που μαζί με τον Myasoedov συμμετείχαν ενεργά στη δημιουργία του Συνδέσμου Ταξιδιωτικών Εκθέσεων, πήγε στην έρημο για να ασχοληθεί με τη γεωργία, έγινε φίλος με τον Λέων Τολστόι και μας άφησε πορτρέτα πολλών από τους σπουδαίους συγχρόνους του. Ενδιαφέρον βιογραφικό γεγονός: Ο Ge γνώρισε τον Herzen στην Ιταλία,

ζωγράφισε το υπέροχο πορτρέτο του και μπόρεσε να το παραδώσει στη Ρωσία μόνο με το πρόσχημα του προφήτη Μωυσή, αφού ο Χέρτσεν ζούσε στην εξορία και το πορτρέτο «αυτού του επαναστάτη» μπορούσε να καταστραφεί από τους χωροφύλακες στα σύνορα. Από τη δεκαετία του 1880, ο Ge έγινε όχι μόνο οπαδός του Λέοντος Τολστόι, αλλά και φίλος του,

βιώνει μια πνευματική αναγέννηση, δηλώνει ότι πρέπει να ζει κανείς μόνο με τίμια εργασία και ότι «η τέχνη δεν μπορεί να εμπορευτεί». Στο τέλος της ζωής του ο καλλιτέχνης ασχολήθηκε με το θέμα τελευταιες μερεςΧριστός. Είπε: «Θα ταρακουνήσω όλα τα μυαλά τους με τα βάσανα του Χριστού». Αλλά το νέο του στυλ, που προέβλεπε την έλευση του εξπρεσιονισμού, δεν έγινε αποδεκτό από το κοινό και τους κριτικούς. Ο ξαφνικός θάνατός του σε ηλικία 63 ετών διέκοψε την αναζήτησή του για νέα μέσα έκφρασης, οι σύγχρονοί του δεν κατάλαβαν τι «μεγάλη ανακάλυψη είχε κάνει ο καλλιτέχνης».19ος αιώνας στην οδυνηρή αισθητική του επόμενου αιώνα». (Άννα χθες.