Nunca te preguntaste si el teatro estaba interesado en que vinieran espectadores. A primera vista parece que sí, después de todo, billetes, una especie de dinero.
Pero a veces lo piensas: el dinero no es suficiente para luchar y sería más fácil si nadie viniera. Esto puede manifestarse de diferentes maneras. En algún lugar simplemente preguntarán: "¡¿Qué, quieres ir a esta actuación?!" (esto sucede con bastante frecuencia), en algún lugar el régimen y las costumbres de las cajas no permiten no solo planificar algo con anticipación, sino incluso esforzarse por llegar allí en general.
En algunos cines, en su mayoría antiguos y consolidados, el cajero todavía confía en que nadie es más importante que él. Quizás esto sea cierto. Por ejemplo, recientemente existió un escenario de este tipo (Teatro Mossovet). Una mujer, después de hacer cola, se dirige al cajero: "Soy de Sergiev Posad, ayer llamé a su administrador, pedí 40 entradas para la función en la platea y me dijo que viniera hoy". Y la cajera le respondió: “¿Por qué llamaste al administrador? Tienes que llamar a taquilla, no tengo tantas entradas, haz lo que quieras”. Después también me dijeron: “Ven mañana, hoy ya se acabaron las entradas para esta función” (la función era en diez días). Y es inútil decir nada: está demostrado a lo largo de los años.
Historia aparte es la preventa de entradas. Cuántas entradas irán a taquilla, donde se venderán el resto, es un misterio. Se desconoce por completo cómo comprar buenas entradas para algunos teatros. Quizás se trate de una especie de negocio, tanto para el teatro como para otra persona. Además, no se trata necesariamente de teatros con salas repletas. Otra escena. El primer día de preventa, un hombre se acerca a la taquilla y descubre que no hay entradas para lo que quería ver.
Me sorprendió. Inmediatamente la mujer de la taquilla le ofrece entradas a un precio ligeramente diferente. Para su sorpresa, responde: “¿Qué quieres? El sábado es para comerciantes culturales que vienen y compran entradas a pedido”.
Quería agregar, y luego lo ofrecen activamente "en cada esquina". Pero parece que esto es beneficioso para todos, también para el teatro.
En el Teatro Mayakovsky sólo están en preventa las entradas más caras. Para “algo más simple” es necesario venir antes de la actuación.
Por supuesto, esto no se aplica a todos los teatros. Esto no se aplica al Teatro de Arte Chéjov de Moscú, al Teatro Juvenil ni al Teatro O. Tabakov. Puede que no queden entradas disponibles antes de la función (¡y eso es bueno!), pero con antelación, no hay problema.
Y en los propios teatros, el público recibe un trato diferente. Suele ser muy agradable cuando, aproximadamente media hora después de la salida, los que llegan tarde son acompañados a sus lugares en el centro de la sala. Y los viajes colectivos de niños a espectáculos no infantiles: ¿cómo olvidarlo? Es bueno, especialmente en caso de heladas o lluvia, que la gente pueda entrar al teatro 10 minutos antes del comienzo. Es muy agradable cuando en el buffet se venden palomitas de maíz: al comienzo de cada acto el público tiene algo que hacer. Nunca se sabe qué más.
No quiero y obviamente no tiene sentido quejarse.
Hay una opción: si no quieres ir a este teatro, no vayas. Y no irás.
Instituto Estatal de Arte y Cultura de Tyumen
Departamento de Dirección Dramática
Trabajo de curso
en actuar
“Características de la interacción entre actor y espectador”.
Terminado:
estudiante de RTK-5
Kondinkina Yu.V.
Comprobado:
profesor de actuación
Samokhina E.Yu.
TYUMEN 2002
Plan
Introducción
1. El espectador es el tercer creador de la actuación.
1.1. Detalles del teatro
1.2. El espectador es parte integral de la actuación.
1.3. “Intercambio de energía”: escenario y sala
1.4. educación del publico
1.5. ¿Solos o colectivamente?
1.6. atmósfera de sentimientos
1.7. Tipos de comunicación
1.8. Espectador - crítico
1.9. Espectador y elección del repertorio.
1.10. Pequeño escenario y espectador.
2. El precio de la comunicación: opiniones de actores y directores
El teatro lo construyen no sólo quienes trabajan en el escenario, incluso los que tienen mucho talento; El teatro también se crea por voluntad del público. El teatro tiene dos mitades, si está seguro en una mitad. - Esto no significa que todo sea seguro en todo el teatro.
VE Meyerhold
Entonces ¿qué es el teatro?
En mi opinión, vale la pena buscar en el diccionario y descubrir:
El TEATRO es un tipo de arte cuya peculiaridad es exhibición artística fenómenos de la vida a través de la acción dramática que ocurre durante la actuación de los actores frente al público. Durante desarrollo historico Se identificaron tres tipos principales de teatro, que se distinguen por características y medios de expresión artística específicos: dramático, ópera y ballet. El teatro tuvo su origen en Grecia antigua de la fiesta en honor al dios Dioniso. Los medios expresivos en los rituales fueron: danza codificada, expresiones faciales, gestos, canto, habla y elementos preteatrales: vestuario, convención, división en participantes y espectadores. Poco a poco se produjeron complicaciones y orden establecido las acciones rituales al realizar un acto religioso comenzaron a denominarse rituales. Inicialmente, las representaciones se realizaban al pie de la Acrópolis, con asientos para los espectadores al aire libre, en las laderas de la colina. Luego comenzaron a construir salas para los actores, y en las laderas del cerro hicieron bancos para los espectadores, primero de madera y luego de piedra.
El teatro es un arte sintético, colectivo, secundario. El arte puede influir activamente en la conciencia pública, cambiando, moldeando y transformando. mundo espiritual persona. El teatro es un espectáculo. El teatro es una fiesta. El teatro es entretenimiento. En esta festividad no solo ríen, sino que también lloran, se preocupan y sufren, deciden problemas filosóficos. La festividad, el entretenimiento y el entretenimiento del teatro no siempre se expresan en colores brillantes, cantos sonoros y diversidad de eventos. El teatro debe ser una fiesta y un espectáculo sólo en el sentido de que cada representación debe ser emocionante e interesante. El teatro es inteligente, pero aburrido, no teatro.
El teatro se compara con un departamento, con una escuela. Como cualquier comparación, no puede tomarse literalmente. El teatro es una escuela que no enseña en el sentido habitual de la palabra. Esta escuela no asigna lecciones y no requiere memorización. No hay estudiantes ni profesores en esta escuela. CON departamento alto- las escenas, contrariamente a la etiqueta escolar, sugieren respuestas al público. Y cuanto más discreta sea esta pista, mejor percibirán los "estudiantes", el público, la "lección", la actuación.
El teatro es una escuela donde la gente aprende con placer, donde aprende sin darse cuenta de que está aprendiendo. Tan pronto como el público se da cuenta de que les están enseñando, sermoneando y repitiendo las mismas cosas que aprendieron hace mucho tiempo, dejan de asistir a esa escuela. En la escuela de teatro no te taladran nada, no te dicen nada, no leen nada. En esta escuela sólo muestran... muestran la vida.
El primer competidor del teatro fue el cine, que nació en los años 90 del siglo XIX. Hoy en día, sólo los historiadores recuerdan que este acontecimiento dio lugar a predicciones sobre la desaparición del teatro. Sin embargo, esto no sucedió.
Ahora bien, la aparición de diversos medios y las nuevas formas de comunicación social que han surgido en relación con esto han cambiado significativamente la naturaleza de los medios expresivos del arte escénico y han dado lugar a nuevas formas de comunicación entre el teatro y el público. La necesidad del teatro de competir con otras artes escénicas “adyacentes” contribuyó tanto a la creciente identificación de su especificidad por parte de algunos grupos de teatro como a su inevitable pérdida por parte de otros. También exigió nuevas interpretaciones teóricas del problema del “teatro y el público”, teniendo en cuenta la situación sociocultural actual.
¿Qué cosa singular puede ofrecer hoy el teatro a un amante del cine o la televisión? ¿Sorprender la imaginación con escala y entretenimiento?
N. P. Akimov dijo una vez: "Hay muchas razones para creer que absolutamente todas las posibilidades del cine están disponibles para el teatro", y M. I. Romm dijo: "Todo lo que se puede hacer en el teatro se puede hacer en el cine y, desde mi punto de vista, punto de vista”, visión, hazlo con la mejor calidad”.
Entonces, el teatro puede hacer todo lo que puede hacer el cine. El cine puede hacer todo lo que puede hacer el teatro e incluso mejor. El cine y el teatro son dos grandes diferencias. Dos profesiones independientes, sin ninguna relación entre sí. Tienes que comportarte de manera diferente ante la cámara y en el escenario. Entonces no está claro por qué y por qué existen dos tipos diferentes de arte, si hay una gran similitud entre ellos: ¿este es el objeto de la imagen?
La televisión nos permite ver obras sin salir de casa mejores actores. Además, el cine y la televisión pueden reunir en una sola producción constelaciones de artistas que simplemente no existen en una sola compañía teatral.
Y el teatro, a pesar de los muchos problemas que tiene el teatro, cada vez busca nuevas formas de expresión y medios completamente diferentes para crear un mundo nuevo, tratando de sorprender al máximo al espectador. En secreto, al mismo tiempo, envidia a su doble opuesto: el afortunado favorito de las mujeres, el público y los patrocinadores.
¿Qué busca el público actual en el cine que no encuentre ni en el cine, ni en casa, en la televisión? Comunicaciones. Comunicación en vivo con una persona viva. Ésta es la propiedad única del teatro que ninguna otra forma de arte puede reemplazar.
La naturaleza de contacto del teatro es una de las formas más importantes y, quizás, más prometedoras de su desarrollo. Tarea teatro moderno del colectivo - para crear la distancia más corta de comunicación, en la que el espectador de un contemplador pasivo se convertirá en un co-creador, viviendo plena y profundamente en el mundo de la actuación.
1. TERCER CREADOR DE LA ACTUACIÓN
Puedes juzgar la platea por el escenario y el escenario por la platea. La orquesta no es ajena al escenario: es como el coro de una tragedia griega; no está fuera del drama, sino que lo abraza con oleadas de vida, una atmósfera de simpatía que anima al actor; y la escena, por su parte, no es ajena al espectador: no le transporta más allá de su propio corazón. El escenario es siempre contemporáneo para el espectador, siempre refleja el lado de la vida que la pareja quiere ver.
A. I. Herzen
1.1. Detalles del teatro
El arte es una confesión; lleva la huella del alma, el lenguaje, la cultura, la escritura, la cosmovisión del creador. Es el descubrimiento de una nueva expresión y de nuevos medios para crear un mundo nuevo. El poder del arte es enorme. El arte se derrite historias de vida Convertir hechos y rostros en sonidos y colores, en imágenes artísticas, les confiere un significado especial y un poder especial. Cuanto más brillante, más plena y más profunda exprese la vida un artista, más fuerte será su arte. buen arte Sin duda tiene un impacto en la mente, la voluntad y el carácter de la audiencia. Los beneficios son enormes, aunque no se pueden calcular en toneladas, rublos o kilómetros.
Diferentes artes tienen diferentes efectos. buena cancion Se puede escuchar innumerables veces. Buena foto, colgado en la pared de la habitación, no te cansas de mirarlo durante años. Pero con el tiempo, tanto las canciones como las imágenes envejecen. Sólo las representaciones teatrales no envejecen. La actuación ha terminado y él ya no está. Mañana habrá otra actuación.
Las disputas sobre la muerte del teatro como forma de arte han surgido más de una vez en la historia. O la iglesia prohibió las representaciones teatrales, o se suponía que el nuevo arte emergente, el cine, destruiría el teatro. Y ahora el teatro tiene un competidor aún más poderoso: los medios de comunicación y la World Wide Web. De hecho, los cines a menudo tienen que luchar por los espectadores de las formas más increíbles: desde bajar los precios de las entradas hasta publicidad abiertamente profana. El teatro cedió más de una vez a los gustos del público y, habiendo comenzado como un acontecimiento serio, desapareció en el camino trillado del entretenimiento primitivo.
Pero aún así el teatro sobrevivió. Y todavía atrae al público. Atrae con lo que ningún arte tiene: una persona viva, la singularidad del contacto directo del arte vivo con el público, el encanto de que el arte del teatro es único, sólo que se crea "aquí", "hoy", "ahora" - en en este momento, instantáneamente frente a la audiencia.
1.2. El espectador es parte integral de la actuación.
El teatro es una interacción entre el escenario y el espectador, porque el espectador es un participante creativo en la representación. El espectador es un concepto muy complejo y muy voluble. Es fácil trazar una división entre la parte ilustrada del público mercantil y, por ejemplo, la intelectualidad prerrevolucionaria, entre los espectadores de principios y mediados del siglo XX. Es mucho más difícil distinguir entre los espectadores de nuestra época.
Caer a través de una trampilla, de la que salió una enorme lengua de fuego, parecía ser un efecto muy poderoso no hace mucho. Causó horror y conmoción. Hoy en día esto no sorprenderá ni siquiera a los niños.
El tiempo presente requiere la verdad presente, la autenticidad presente. El espectador cambia. No se puede decir que el espectador “desconfiado” de hoy tenga menos imaginación que el espectador “crédulo” de la época de Shakespeare. Pero esta fantasía se ha vuelto más sofisticada, más perfecta, más sutil. Muchas cosas simplemente han perdido su significado para nosotros.
¿Qué tipo de comportamiento y cuál es la reacción del público durante la actuación? Por supuesto, es interesante saber qué queda en la memoria del público, qué conclusiones sacaron después de ver tal o cual actuación, pero el público es un concepto colectivo. Y lo que no resulta gracioso para el espectador de una sala casi vacía, lo es cuando la sala está llena al máximo.
Un actor es un intérprete de papeles en el teatro, su personaje principal, un artista independiente, y una de las características del trabajo del actor es la comunicación constante con el público, comunicación con la que ayuda al actor a evaluar críticamente su trabajo. Los actores saben lo difícil que es actuar para unas pocas personas y lo alegre que es para una sala repleta. Lamentablemente, el público no sabe que su reacción depende no sólo de la calidad de la obra y de la interpretación, sino también, en gran medida, de ellos mismos. Este es el caso cuando la cantidad se convierte en calidad.
Los espectadores no estudian la historia del teatro y no pueden determinar dónde y dónde se "alquiló" tal o cual técnica del director. Pero tienen una gran idea de si es realmente nuevo o simplemente una antigüedad olvidada renovada.
El auditorio se llena de gente. cultura diferente, diferentes profesiones, diferentes edades. Por regla general, el espectador de mayor edad es el más agradecido. Para diferentes categorías de espectadores debería haber diferentes opciones para las "condiciones de juego". El espectador es un concepto muy complejo y en constante cambio. Los espectadores, a pesar de todas las diferencias entre sí, sin decir una palabra, ríen, lloran, aplauden y tosen al mismo tiempo. Son diferentes, pero reaccionan de la misma manera.
Sin espectadores modernos no puede haber teatro moderno. El espectador moderno es un participante indispensable y obligatorio no sólo en la función de la noche, sino también en el ensayo de esta mañana, el plan para la función futura.
Me gustaría creer que el espectador disfruta participando en el proceso creativo, por eso la tarea del teatro y del actor es cautivarlo con un movimiento inesperado, una solución inesperada. El grado de implicación del espectador en el proceso de actuación debe ser muy alto.
Un extracto de la obra “Protocolo de disputa” de la revista “Calendario escolar”:
Con gafas: Sí, algunas obras de arte también pueden contribuir a la relajación, pero percibirlas plenamente requiere un gran esfuerzo, trabajo mental e intelecto. No en vano se dice a veces que ser espectador es una profesión.
...y esto es suficiente. El cine es toda una industria. El rodaje es caro y, por tanto, la película sin duda debe generar beneficios. Y el beneficio proviene de la audiencia masiva...
Escéptico : O no lo hace.
hombre con gafas : Eso es todo. Y con nuestro espectador desprevenido, el director muchas veces se ve obligado a elegir: luchar por la calidad o luchar por el espectador.
Informal . ¿Resulta que el bajo nivel de las películas es el principal culpable de la audiencia masiva y del bajo nivel de su cultura?
hombre con gafas :
Pero, por cierto, es prestigioso ir a ver películas de élite. Y un espectador desprevenido, después de haber hecho una enorme cola para conseguir una entrada para ver la película de Antonioni, luego, maldiciendo, se marcha en mitad de la proyección y, al mismo tiempo, tapa todo el cine de élite y se convierte en su peor enemigo.
...¡Otra vez, ay! La cultura de masas, repito, es terriblemente tenaz. Y la mejor manera de mantener su vitalidad sigue siendo, no te ofendas, baja nivel cultural espectador.
Escéptico : Pero hay que reconocer que muchos adolescentes, y no sólo ellos, van al cine erótico sólo por las escenas de sexo.
hombre con gafas : Entonces para ellos es pornografía. Aquí, después de todo, mucho depende de la preparación del espectador. Para algunas personas, las revistas de moda que anuncian trajes de baño pueden ser pornografía. Y algunos incluso perciben de la misma manera el Olimpia de Edouard Manet.
Stanislavsky dijo que el espectador después de la función debería ver el mundo y el futuro más profundamente que antes de visitar el teatro. Y no es casualidad que los principios del “arte de la experiencia” que desarrolló se basaran en la “personalidad del actor”, sus excelentes cualidades como creador y creador, que permiten formar a un verdadero artista escénico que aporta su motivo creativo al espectador. Sentimientos, pensamientos del actor, su experiencia de vida, la gama de ideas estéticas sobre la realidad, su cosmovisión es el material principal para el bienestar creativo, el material a partir del cual se crea un personaje escénico.
Stanislavsky definió las leyes de la creatividad que siempre presuponen la identificación de las capacidades creativas reales del actor. “No es el papel, ni el género, ni la tradición lo que da las leyes a la creatividad, sino la personalidad del actor, su capacidad para responder al mundo que lo rodea, para experimentarlo. Lo principal para Stanislavsky era una sola ley, subordinada a todas las demás. Ésta es la ley de la verdadera creatividad escénica. Se trata de una creación orgánica de un actor determinado, que arroja al crisol de la creatividad no su talento de pretendiente, de copista, sino toda su personalidad, desde su credo cívico hasta la originalidad de su voz y su mirada. La verdadera acción escénica surge como una forma profesional exacta de dominar este papel particular por parte de este actor en particular en este día o noche en particular, cuando el actor lo desempeña: "hoy, aquí, ahora". Sólo estas condiciones dan lugar a una acción por etapas conveniente. La cadena lógica –“personalidad del actor” – “creatividad” – “acción escénica” - es innegable hoy”. Así se realiza el constante movimiento y enriquecimiento de la acción escénica con la vida, la interacción dialéctica entre escenario y vida, actor y espectador.
K. S. Stanislavsky dijo: “El espectador, como el artista, es el creador de la actuación y él, como el intérprete, necesita preparación, buen humor, sin el cual no puede percibir las impresiones y pensamientos principales del poeta y compositor”. El teatro no debe “enseñar”, sino cautivar al espectador con imágenes y, a través de las imágenes, llevarle a la idea de la obra. no puede ser gran arte sin un gran pensamiento y una gran audiencia”.
"La ciencia del hombre ha dado un salto sorprendente cuando los científicos hablan del hombre en los términos más sutiles y precisos; la dirección no puede operar con ideas y conocimientos aproximados, ni confiar en técnicas y movimientos antiguos", dice el Artista y Director de People. Andréi Popov. - ...El espectador necesita ser educado y hay que confiar en él. Cultivar la confianza. El teatro es un arte democrático, arte para todos, eso es cierto. Pero el teatro debe educar al espectador y por tanto debe estar por delante de él... El espectador debe salir del teatro lleno de reflexión, y no sólo de risa o de llanto. No debemos hacer descuentos: necesitamos actuaciones modernas y complejas. Esto no significa que el teatro deba ignorar el hecho de que el público no comprende tal o cual representación. Para ello, el teatro debe ser un educador, y sabio, que sepa y pueda hacer más que sus alumnos. De lo contrario, no podrá enseñar nada”.
Al pensar en el público, estos pensamientos se convierten imperceptiblemente en pensamientos sobre el arte. Y, pensando en el arte, vuelves de nuevo al público. Evidentemente no se puede separar uno del otro. Las personas y el arte no pueden vivir el uno sin el otro.
1.3. Intercambio de energía: espectador - actor
El arte es la forma de comunicación más lograda y contagiosa entre las personas. La condición principal y fundamental para que surja el contacto entre el artista, teatro, actor, por un lado, y el espectador, oyente, por el otro, es alto nivel el arte mismo. No se pueden exigir respuestas positivas, emoción o experiencias del espectador si el propio artista no es un profesional en su campo.
Si un director aficionado está completamente absorto en el problema de la autoexpresión, entonces un profesional piensa en cómo captar la atención del público. Si el creador quiere llevar a la audiencia en la dirección que desea, debe pensar constantemente en ello. Durante la actuación, el espectador se sienta en la sala, y si no se le cuida, la atención de todos disminuirá, y así de fácil es perder al público.
Un actor en una obra debe transmitir algo que aumente continuamente el interés del público para que alcance su máximo en el final. Entonces el público estará feliz.
La historia que un actor cuenta desde el escenario debe tener una energía que cargue al espectador. En una historia bien contada, la energía se acumula y se transfiere a la audiencia. Si el actor tiene éxito, en el clímax se olvida de todo. En un estado de máxima energía interna, los espectadores pueden alcanzar la cima de la felicidad que otorga el arte: la catarsis. Pero no siempre se puede contar con la suerte y la intuición. "El cálculo y la estructura de la energía de la participación son necesarios", escribe el director Alexander Mitta en su libro "Cine entre el infierno y el cielo".
Una historia bien contada por los actores aporta energía viva al público, energía que hace que el espectador se preocupe, llore y ría. La estrategia narrativa profesional es, en gran medida, el modelo mediante el cual crece esta energía.
Érase una vez, el mundo entero leyó las novelas de Tolstoi y Dostoievski. Para ver las actuaciones de Chéjov en las primeras producciones de Stanislavsky, los jóvenes moscovitas hicieron colas de miles durante semanas. Una vez en Estados Unidos, el Teatro de Arte de Moscú no sólo sorprendió a espectadores y profesionales, sino que también sentó las bases de lo que ha asegurado el actual dominio del mundo del espectáculo estadounidense en todo el mundo. Los estadounidenses no lo ocultan. Tolstoi, Chéjov y Stanislavsky eran artistas en el mercado. La ideología del contacto con el público era una parte natural de su vida artística. No podían imaginar la creatividad sin poder sobre la audiencia.
"Cautivar al espectador significa obligarlo no sólo a comprender, sino principalmente a experimentar todo lo que sucede en el escenario, a enriquecer su experiencia interior, a dejarle impresiones indelebles", escribió Stanislavsky.
El espectador llega al teatro cargado de sus propios problemas, por lo que la tarea del grupo de actores es hacer que el espectador se olvide por un tiempo de este mundo, para que despierte en él las emociones de lo que ve, sumergiéndose en el mundo teatral. Para hacer esto, es necesario despertar emociones en él, mantenerlas y desarrollarlas al máximo.
La actuación y el actor hacen preguntas al espectador y poco a poco les van dando respuestas. Cada respuesta contiene nueva pregunta. Y así, al controlar la información, los actores pueden mantener la atención del público. Pregunta - respuesta, pregunta - respuesta... Al público le gusta crear una imagen completa a partir de información.
Alexander Mitta escribe que existen varias reglas que pueden usarse para despertar el interés de la audiencia al contar una historia.
Dé información en pequeñas porciones.
Cada vez, comunica menos de lo que la audiencia quiere saber. Mientras el actor controle la información, es el dueño de la situación.
La mayor parte de la información debe retenerse hasta el final.
No se debe dar nada a cambio de nada; el personaje del actor debe luchar por cada gota de información. Cuanto más trabajo se dedique a la búsqueda de información, más valiosa será para el espectador.
En la presentación de información, los momentos más importantes son los puntos de inflexión, cuando un soplo de nueva información gira toda la historia en una nueva dirección inesperada. Estos giros definen la clase de la historia. Cuanto más inusuales sean los giros, más emocionantes serán las historias.
Otro nivel más profundo de implicación emocional del espectador en la actuación del actor es la empatía. Surge de la curiosidad y surge en el espectador cuando los personajes son cercanos y comprensibles, cuando tienen valores morales comunes con los héroes en el escenario. La empatía da lugar a la identificación cuando el espectador, sentado en su asiento, vive y actúa junto con los personajes, experimenta con ellos, sus problemas se vuelven cercanos y comprensibles y les desea la victoria. La identificación ocurre en gran medida a un nivel subconsciente. El inconsciente colectivo de nuestro "yo" anima a la audiencia a sentir simpatía y preocupación por héroes que son comprensibles y cercanos, y que tienen valores morales comunes con nosotros.
Sobre este tema se han escrito brillantes trabajos psicológicos, por ejemplo, del científico alemán Carl Jung. Pero incluso sin filosofía está claro: cuanto más comprensible es el personaje, más comprensibles son sus ansiedades y problemas. Entre las reglas estrictas de una "historia bien contada" se encuentra la siguiente: primero el actor debe mostrar las cualidades atractivas del héroe, ayudar al espectador a amarlo o sentir simpatía, y solo después llamar la atención del público sobre sus defectos.
La identificación es la principal baza de toda la actuación, porque determina si las emociones del público tendrán la oportunidad de desarrollarse o si todo se congelará en el punto de la simple curiosidad.
El suspenso es el momento en el que se realiza más plenamente la implicación del público en la película. Suspenso es una palabra puramente inglesa. Los expertos en idiomas dicen que "tensión" es una traducción imprecisa e incompleta. Más precisamente, significa "anticipación tensa e insoportable". El suspenso se produce cuando el peligro amenaza a un personaje con el que el espectador siente empatía.
El suspenso es la reacción del espectador ante lo que sucede aquí y ahora. Surge si el público y el personaje tienen una comunidad moral, si el público y el personaje tienen la misma carga emocional. Si el espectador se preocupa por el héroe, para que no muera, no sufra la derrota, surge el suspenso.
Esto se debe a que el suspenso lleva al público a un estado de extrema excitación. Es un increíble generador de energía para la audiencia.
1.4. educación del publico
El espectador es el creador, sin el cual el arte teatral permanecerá muerto. Pero cualquier arte requiere cierta preparación, una variedad de conocimientos y una actitud mental. El espectador debe ser talentoso, sensible a la atmósfera social del teatro y la representación, capaz de adivinar y sintonizar el "punto de vista" del autor y los actores de la obra y comprender lo que se dice.
Cualquier teatro sería inmensamente feliz si a sus representaciones acudiera un “espectador educado”, alguien que sepa ser espectador. Esta es esa capa de personas que tienen un sentido estético y un sentido de la belleza educados y desarrollados, que comprenden y sienten la originalidad artística de la obra y del autor.
Por ejemplo, en el Instituto Académico Ruso teatro juvenil En Moscú, el antiguo Teatro Central Infantil es uno de los teatros para niños más antiguos del país. Se trata de un teatro que, además de las tareas teatrales propiamente dichas, las tareas del arte, siempre se ha propuesto tareas pedagógicas. Fue en este teatro donde hace más de 70 años se organizó una unidad pedagógica, tratando de resolver el difícil problema de educar a los jóvenes espectadores.
En el teatro, inmediatamente antes de la representación, se realizan iniciaciones entre el público. Durante las vacaciones, quienes vinieron a ver la actuación no van inmediatamente al auditorio, sino que primero realizan un recorrido por el teatro. Los reciben miembros de los activistas del teatro disfrazados de personajes de cuentos de hadas, forman grupos de 11 a 15 personas y hablan sobre cómo comportarse en el teatro, cómo se llaman. Para ello, se instaló una exposición especial: un mini-museo de teatro, donde puedes ver con tus propios ojos cuántas personas participan en la creación de una representación y cómo se llaman las profesiones teatrales. El día de la festividad, la representación está precedida por un interludio especial "Iniciación al público", y una vez finalizada la acción, los pequeños espectadores se ponen de pie y, junto con el espíritu del teatro, prestan solemnemente juramento. un “verdadero aficionado al teatro”.
El espectador y el teatro son inseparables. El teatro educa a su público y moldea sus gustos. Y cuando se queda atrás del público que él mismo levantó, sobreviene una crisis. La crisis del teatro, pero no del público.
El espectador, sin duda, necesita ser educado, en primer lugar, mediante actuaciones y no mediante conferencias. Si empezamos a preparar a los niños en las escuelas para que perciban el teatro de la misma manera que todavía se les enseña a percibir el ruso y literatura extranjera en las escuelas, los resultados serán igualmente deprimentes.
La educación estética, que se sabe al mismo tiempo que ética, debe realizarse mediante el contacto directo de la persona con todo tipo de arte. Es una pena que en últimamente Muchos teatros infantiles crean representaciones en las que quieren acercar el teatro para niños al circo, a las acrobacias y saturarlo con todo tipo de trucos técnicos, en lugar de montar (¡precisamente!) una representación infantil basada en actuaciones realistas, en los movimientos. del alma humana. Sería bueno que volviera a estar “de moda” representar un cuento de hadas para niños de tal manera que el bien y el mal en el escenario se muestren no en forma de símbolos, sino en la revelación de una esencia humana viva, tal como es. en la vida.
La verdadera preparación del espectador se produce siempre fuera del teatro, aunque cualquier paso en la lucha contra la ignorancia y los cerebros distorsionados es precioso.
En Occidente, los directores de teatro suelen ayudar al público con programas bien elaborados, dotados de mucha información sobre la representación y sobre la obra en sí. El espectador es heterogéneo y en ocasiones representa una masa inerte y abigarrada. Comprimirlo en un solo equipo, arrastrarlo consigo a través del complejo laberinto de la construcción escénica moderna, sacarlo de la "previsión" habitual, sorprenderlo con toda una serie de movimientos humanos extremadamente inesperados, pero infinitamente veraces: esto es lo que el En primer lugar, debería interesarle el teatro, y actuar "para el público" es de mal estilo.
1.5. ¿Solos o colectivamente?
La relación con el público es un mundo especial y apasionante, tejido a partir de elogios exorbitantes y un rugido furioso de reclamaciones mutuas.
En su libro, Mark Zakharov, director artístico El teatro de Moscú "Lenkom" escribe: “El espectador sólo se hace pasar por un ángel cuando entra al teatro, pero en secreto también le desagradamos, por decir lo menos. Y no necesariamente le desagradan individuos específicos, a veces le desagradan todos a la vez, toda la fraternidad de actores. No en vano la gente tiene una entonación burlona: "¡Bueno, eres un artista!" La entonación no se basa únicamente en la bondad. Muy a menudo, la adoración del ídolo es reemplazada por arrebatos de casi odio. Como en una familia, entre personas cercanas. Las relaciones con colegas y conocidos lejanos suelen ser fluidas, pero un ser querido puede morir accidentalmente. Del amor al odio: un paso. Bien. ¡Pero nosotros también somos buenos! También en nosotros hay una “mezcla explosiva” y a veces hablamos con demasiada arrogancia de nuestro sostén de familia. No es necesario ajustar cuentas a la vez con todas las malas inclinaciones del público; es mejor tomar uno de sus diabólicos inventos, por ejemplo, una actuación específica, y, dando a su razonamiento un carácter extremadamente objetivo, intentar al menos hacerlo. desacreditar levemente esta quimera del siglo XX”.
Una actuación en un teatro es una bendición indudable, un logro innegable, una felicidad tanto para una empresa o institución industrial que compra entradas enteras para el teatro que le gusta, como para el teatro mismo, que de inmediato vendió un juego completo de entradas por un bulto. suma, que suele exceder el coste total normal de todas las entradas vendidas para una actuación ordinaria.
Los fanáticos de las visitas al teatro tienen argumentos fuertes a tu favor. Vale la pena estar de acuerdo, en primer lugar, en que una campaña colectiva contra representación teatral- un evento que es bien recordado por los participantes del trekking, independientemente de la calidad del espectáculo observado. En general, todo se recuerda como un evento divertido, como las salidas ruidosas y festivas a la naturaleza con sus propias comidas, la recolección conjunta de setas, los paseos cantados en embarcaciones de recreo, las cenas amistosas, los almuerzos, etc. De hecho, es agradable inmediatamente después del trabajo o el estudio, sin salir, todo el equipo se apresura a ir a un establecimiento de teatro y entretenimiento y se alegra de que todos estén cerca, de que no haya nadie. extraño que no sólo en el vestíbulo, sino también en cualquier otra sala pública se puede bromear para todos a la vez, saludar desde la platea hasta el balcón y viceversa, comentar las últimas novedades, hablar informalmente con la dirección...
Sin embargo, algunos organizadores de este tipo de salidas no se quedan ahí e intentan instalar mesas adicionales en las oficinas, convirtiendo poco a poco el visionado en una especie de velada de relajación, una celebración de todo un departamento o de un equipo aparte en la ocasión. de lo que vieron en el escenario.
Obviamente, la homogeneidad profesional (de servicio) del auditorio es una barrera psicológica muy difícil para el espectador individual, que en la mayoría de los casos no se puede superar sin dolor. Y no importa quién esté exactamente en el pasillo. Incluso si en el teatro sólo se reúnen expertos del teatro, trabajadores de otros campos de actividad o especialistas médicos, el resultado seguirá siendo aproximadamente el mismo. Al final de la función, cualquier actor probablemente querrá subir al escenario y decir: “Gente, perdónanos si puedes, y por favor venid a esta función otra vez, ¡pero sólo como espectadores simples, normales y comunes! ¡Verás una actuación diferente!
Sobre el mismo tema, Oleg Tabakov en una de sus entrevistas con los medios dijo: “...No es difícil hacer que el espectador venga al teatro; si está interesado en el teatro, tarde o temprano vendrá allí en menos una vez. La cuestión es qué hay que hacer para que esto suceda por segunda vez. Es una pena que se apueste por un espectador “único” o incluso por un visitante tradicional que acude cada vez al cine como si fuera la primera vez. No quiero que se hable del teatro sólo como teatro. Definitivamente veremos qué pasa”.
En Rusia, la industria del entretenimiento aún no está lo suficientemente desarrollada y muchas personas aún no conocen bien el sistema de recreación colectiva; a veces quieren relajarse de diversas maneras; grandes empresas, y no todas las tradiciones acumuladas en esta dirección son buenas. No es ningún secreto que muchos establecimientos de restauración rusos, por ejemplo, se han convertido en empresas de uso mixto.
Bueno, si aún decides ir al teatro solo, solo o con alguien, entonces debes seguir algunas reglas. Intenta llegar media hora antes del inicio de la actuación. La cuestión no es sólo que entrar tarde a la sala puede molestar a otros espectadores, sino también que se pueden perder muchas cosas. Los asistentes al teatro dicen que para sentir la atmósfera del teatro, antes del inicio de la función es necesario caminar lentamente por el vestíbulo y comprar un programa; esto ayudará no solo a averiguar los nombres del autor y los actores de la obra; , pero también para navegar mejor la obra. El programa es una “pieza” de la actuación.
La actuación ha terminado. Te haya gustado o no... No deberías apresurarte a llegar a una conclusión final, ¿tal vez deberías pensar en cómo el teatro logró el éxito? Para lograr el éxito en el teatro, ¡no todos los medios son buenos!
1.6. atmósfera de sentimientos
La participación más activa del espectador en las representaciones teatrales se produjo en aquellos días en que los espectadores arrojaban huevos podridos y naranjas podridas a los actores. Y cuando ahora hay un silencio absoluto durante las actuaciones con una sala llena, ¿no es esto participación activa? Semejante silencio es lo más preciado para una compañía de teatro, como lo fue antaño para el antiguo Teatro de Arte de Moscú.
Se sabe que el arte en general pertenece al ámbito de los sentimientos, la atmósfera es el corazón de toda obra de arte y, en consecuencia, de toda representación. Entre los actores existen dos ideas diferentes sobre el escenario en el que pasan la mayor parte de sus vidas. Para algunos, es un espacio vacío. De vez en cuando se llena de actores, trabajadores, escenografía y utilería. Para ellos todo lo que aparece en escena es visible y audible. Otros saben que esto no es cierto. Experimentan la escena de manera diferente. Para ellos, este pequeño espacio es todo un mundo, lleno de atmósfera, fuerte y atractivo, del que no pueden desprenderse fácilmente y, a menudo, pasan en el teatro más tiempo del necesario, antes y después de la representación. Y los viejos actores probablemente pasaron más de una noche en baños oscuros y vacíos, detrás del escenario o en el escenario, iluminados por una luz de espera. Todo lo que han vivido durante muchos años los fija en este escenario, siempre lleno de un contenido invisible y encantador, necesitan esta atmósfera de teatro; Les da inspiración y fuerza para el futuro. En él se sienten artistas, incluso cuando el auditorio está vacío y el silencio reina en el escenario nocturno.
Y no sólo el teatro, sino también sala de conciertos Tanto el circo como la caseta y la feria se llenan de una atmósfera mágica. Emociona tanto al actor como al espectador por igual.
Una representación teatral, como producto sintético, que surgió del esfuerzo conjunto de muchos especialistas, vive plenamente sólo en la interacción con el público. Y el crecimiento y la mejora tanto del teatro como del espectador dependen de la calidad de su interacción. El espectador no debe ahondar en la psicología del actor; el actor simplemente está obligado a revelar su papel y crear una atmósfera.
Un actor puede entregarse al ambiente en cada una de sus actuaciones; puede y debe disfrutar de nuevos detalles de su interpretación. El espacio, el aire que rodea a los actores, sustenta en ellos una viva actividad creativa.
El actor que sabe mantener la sensación de la atmósfera sabe bien qué conexión inextricable se establece entre él y el espectador si se ven inmersos en la misma atmósfera. En él, el propio espectador comienza a seguir el juego del actor. Le envía oleadas de simpatía, confianza y amor a través de la rampa. El público no podría hacer esto sin la atmósfera que emana del escenario. Sin ella, habría permanecido en el reino de la razón, siempre frío, siempre alienante, por muy sutil que fuera su valoración de la técnica y habilidad de la obra del actor. Una actuación surge de la interacción entre actor y espectador. Si un director, actor, autor, artista, músico ha creado la atmósfera de una actuación para el espectador, no puede evitar participar en ella.
Durante una actuación, dos atmósferas enfrentadas no pueden existir simultáneamente; los sentimientos individuales y la atmósfera opuesta a ellos no sólo pueden coexistir, sino que suelen crear momentos espectaculares en el escenario, brindando al espectador una satisfacción estética. Entre un sentimiento individual y una atmósfera, si se contradicen, se produce la misma lucha que entre dos atmósferas en pugna. Esta lucha crea tensión en la acción escénica, atrayendo la atención del espectador. Si la lucha se resuelve con la victoria de la atmósfera sobre el sentimiento individual, o viceversa, el bando victorioso aumenta en fuerza y el público recibe una nueva satisfacción artística, como si fuera un acorde musical resuelto. No hace falta decir nada. Cuando los sentimientos individuales del héroe en escena entran en conflicto con la atmósfera general, el actor, como intérprete del papel, es plenamente consciente y experimenta esta atmósfera.
Una actuación carente de atmósfera lleva inevitablemente la huella de la mecanicidad. El espectador puede hablar sobre tal actuación, entenderla, apreciar su perfección técnica, pero permanecerá frío: la actuación será "despiadada" y no podrá capturarlo por completo.
La risa entre el público es un invitado bienvenido. Pero puede ser causado no sólo por el ingenio genuino, sino también por la vulgaridad, la obscenidad, los chistes estúpidos y ofensivos de mal gusto. Estas técnicas no tienen nada que ver con el arte y ni un solo actor o director serio las utiliza. En una buena actuación, el público suele reír o llorar. Pero las risas y las lágrimas del público por sí solas no son garantía de una buena actuación.
Dirigiéndose a los jóvenes actores, Konstantin Sergeevich Stanislavsky dijo:
“El teatro es el arma más poderosa, pero, como cualquier arma, tiene dos fines: puede traer un gran bien a las personas y puede ser el mayor mal. ... El mal que trae un mal libro no puede compararse con el mal que el teatro es capaz de traer, ni en términos del poder de infección, ni en la facilidad con la que se propaga a las masas.”
1.7. Tipos de comunicación
“La mejor manera de comunicarse con el público es a través de la comunicación con los personajes de la obra” K. S. Stanislavsky.
Stanislavsky concedió una importancia excepcional a la interacción en vivo de los socios en el escenario. Pero mientras desarrollaba su sistema, no llegó inmediatamente a una comprensión correcta de la naturaleza de la comunicación escénica. Si antes la comprensión de la comunicación era tal que el actor pronunciaba entre el público un texto destinado a un interlocutor cercano y podía permanecer tranquilamente de espaldas al espectador, todo esto fue revisado y escrito por Stanislavsky en su libro "El trabajo del actor". sobre Uno Mismo”, en el capítulo “Comunicación”. ¿Dónde se dice de la conexión orgánica entre alma y cuerpo, físico y mental en la obra del actor? Afortunadamente, estos pensamientos no satisficieron al autor. Después de realizar los ajustes, la definición de la naturaleza de la comunicación resultó ser similar a la interacción de los socios en el proceso de lucha escénica.
El actor debe cuidar la continuidad del proceso de comunicación con sus socios con sus sentimientos, pensamientos y acciones. La naturaleza orgánica de la interacción a veces pasa completamente desapercibida para el propio actor, por ejemplo, debido a la frecuente repetición del papel, cuando la conexión interna con el compañero se embota y conduce a una sobreactuación, a la que el público es sensible.
“La comunicación es artesanal: va directamente del escenario al auditorio, sin pasar por el interlocutor... Esta comunicación es una simple exhibición del actor, un acto…” - dijo Stanislavsky.
El actor tiene derecho a utilizar todo tipo de comunicación escénica y, a través de la forma en que el actor se comunica con sus compañeros en el escenario, las "reglas del juego" según las cuales el actor actúa se vuelven claras para el espectador.
Los más comunes y manera clásica la comunicación es la “Cuarta Pared”, cuando el espectador es un observador externo de la historia que se desarrolla en el escenario. Aparte (aparte del francés) significa un monólogo escénico (comentario breve) que se dice "al costado" para el público. Normalmente, según los autores de las obras, esto es “inaudible” para los compañeros en el escenario.
Y, finalmente, el tipo más original de comunicación teatral es un suceso (suceso en inglés) en el que el acontecimiento y la acción son un fin en sí mismos, y no parte de trama dramática. Mezclar varios elementos teatrales y combinarlos con objetos y fenómenos de la vida es el sello distintivo de un acontecimiento. Igualmente característica es la falta de trama y conexión lógica entre ella. en partes separadas. Al igual que el color en la pintura abstracta, los episodios de un acontecimiento se relacionan entre sí de forma compositiva o emocional en lugar de obedecer a la lógica. A diferencia de una obra de teatro, un acontecimiento suele presentar varias imágenes o episodios teatrales simultáneamente, cada uno con su propia “idea”. A veces la actuación se incluye en un suceso, pero no con el objetivo de crear un personaje ficticio que actúe en circunstancias ficticias: el significado y el propósito de la actuación reside en sí mismo. Como un conferenciante, un artista de circo o un jugador de fútbol, el actor en un acontecimiento sigue siendo él mismo y se encuentra en las mismas circunstancias que el público.
Los Happenings tienen lugar en galerías, estaciones de tren, plazas y otros lugares no destinados a actuaciones. También se pueden montar en un escenario normal. Sin embargo, a menudo se hace hincapié en el entorno, el escenario, y luego se rompe el estereotipo de "espectador-escenario". The Happening, en esencia, rechaza el concepto de “audiencia”. Las acciones que se realizan frente a los espectadores se realizan únicamente para la autoexpresión de los artistas.
Durante el período soviético en la URSS había producciones experimentales en las que el público compraba una entrada, después de lo cual se les prometía algo encantador si colocaban carteles con alguna inscripción, luego bajaban a alguna catacumba, etc. Al final, los espectadores que estuvieron de acuerdo fueron sacados del teatro y los que no estuvieron de acuerdo con la primera condición, por lo tanto, no pasaron por las siguientes etapas, este fue el final de la función. Por ejemplo, Tairov utilizó más de una vez la conexión del escenario con el público, en su sensacional producción: "La chaqueta amarilla" de Hazleton, en la opereta de S. Lecoq "Día y noche", en la obra de S. Semenov. “Natalia Tarpova”, pero siempre se opuso a jugar en el salón Él cree que al espectador en el teatro se le debe dar el mismo papel que en otras formas de arte, que el espectador debe seguir siendo un espectador y no un actor: “Puentes a través de la orquesta, recorridos de actores maquillados a través de la platea y las salidas al público desde el escenario no se crea una acción conciliar, sino un disparate y un caos. El espectador, afortunadamente, sigue siendo un espectador con tacto, pero los extras teatralmente maquillados y vestidos que aparecen junto al público simplemente insultan el teatro, convirtiéndolo en un desastre antiartístico. ¡Viva la rampa!” - Tairov.
1.8. Espectador - crítico
Todos los que crean la representación (el dramaturgo, el director, los actores, el artista, los músicos y muchos técnicos del teatro) están ciertamente interesados en lo que el público piensa sobre su creación.
Y qué ofensivo puede ser cuando, en una conferencia con el público, después del final de la actuación, personas inteligentes y buenas que, según todos los indicios, tienen en mente un pensamiento correcto e incluso profundo, no pueden expresarlo. en palabras simples, se dan cuenta, repiten los clichés de los críticos que leyeron en alguna parte y, sin decir nada realmente, abandonan el podio avergonzados. El teatro existe para el pueblo, al que pertenece todo, incluido el arte. Pero para comprenderlo bien es necesario conocer sus leyes e imaginar correctamente el trabajo de quienes crean espectáculos. Con su crítica, el espectador puede ayudar mucho al teatro si la crítica es específica y se basa en el conocimiento de dos aspectos: la base vital de la obra y las particularidades del arte del teatro dramático.
Las conexiones con la audiencia pueden ser y son variadas. Mark Zakharov dijo que en su teatro todavía se celebran las tradicionales conferencias para el público, que desde hace más de veinte años se celebran dos veces al año. Estas conferencias son muy populares, la sala siempre está llena de gente, hay gente parada en todos los pasillos y a lo largo de las paredes. En estas conferencias, las conversaciones con el público son serias y extremadamente francas; el público tiene derecho a hacer cualquier pregunta y el teatro debe poder responder a todas las preguntas. Otra forma de comunicación con el público en general son los bailes de teatro, que celebramos tres veces al año, y nuestros invitados a ellos son los espectadores más activos, amigos del teatro. “Lenkom” ve en estos bailes una continuación de la tradición de las “coles” del Teatro de Arte de Moscú.
El “intercambio” de emociones experimentadas durante la actuación en pensamientos, conclusiones y generalizaciones se produce de diferentes maneras, a veces rápidamente, más a menudo lentamente. Pero cuanto más fuertes son los sentimientos que evoca el teatro, más alimento recibe la mente del público. E incluso más tarde, nuevos pensamientos empujan a la audiencia a realizar nuevas acciones, nuevas acciones. Los espectadores pueden recordar por el resto de sus vidas la actuación que vieron, escenas o palabras individuales, sus sentimientos y experiencias. La huella que queda en el alma del espectador, una astilla impulsada por el teatro, permanece para siempre. La distancia entre la emoción del espectador y la acción que se comete bajo su influencia es inconmensurable. Después de todo, las impresiones de la actuación se multiplican por nuevas impresiones y acontecimientos de la vida, se acercan y se alejan dependiendo de miles de miles de personas, reuniones, hechos, libros, que reducen o aumentan el poder de la actuación observada.
Un artista está obligado a escuchar cualquier crítica, a no rechazarla de plano, a “probarla” y comprobarlo todo, a estar de acuerdo con lo que es justo y, por supuesto, a no aceptar consejos erróneos. Y el espectador-crítico, al expresar comentarios críticos sobre la obra, debe recordar que antes de tomar tal o cual decisión, los creadores de la obra pensaron en ello y trabajaron en ello durante meses (¡y, a veces, años!): la impresión del público es formado en minutos. Por tanto, no siempre es posible hablar en tono categórico, sino que hay que argumentar con razón y respeto al oponente.
1.9. Espectador y elección del repertorio.
Una pregunta que también está directamente relacionada con la interacción entre actor y público es ¿cómo influye el público en la elección de la obra, la distribución de roles y el proceso de ensayo?
A veces miras los reportajes: qué obras se representaron, cuántas veces, en cuántas salas, y no sabes si deberías llorar o reír. ¿Por qué, por ejemplo, un detective primitivo ocupó un lugar tan honorable en el resumen? ¿Tienen la culpa los espectadores? ¿O tal vez teatros? No, los artistas no tienen derecho a culpar al público. Necesitamos pensar en cómo seguir viviendo, cómo corregir los errores del pasado y cómo evitar que vuelvan a ocurrir en el futuro. Al fin y al cabo, lo malo no es que una determinada parte del público no esté suficientemente educada estéticamente. Este es un asunto difícil, pero se puede solucionar. Las universidades de cultura y artes ya han asumido la educación estética, teatros folklóricos, cientos y miles de músicos, poetas, artistas, pintores. Y los resultados de este noble trabajo son evidentes. Lo malo es que el público, su cultura y gustos van creciendo, pero la idea que tienen los maestros del arte sobre el público no cambia.
La selección del repertorio, la distribución de roles es siempre como un plan para una batalla general: ¿adónde irá este pelotón, esta compañía, este regimiento, esta unidad? A la hora de formar un repertorio, el teatro debe, sin duda, satisfacer los gustos de todas las categorías del público. Si el teatro quiere mantener un diálogo, primero debe elegir una obra que provoque la actividad de su socio: el espectador. Si en algún lugar, en algunas ciudades, en algunos teatros, el público sólo exige representaciones entretenidas, entonces esto es un gran error del teatro. Justificándose por las “exigencias del espectador”, siguió el camino de menor resistencia.
Érase una vez, cuando le preguntaron a Nemirovich-Danchenko quién era usted en primer lugar: un actor de teatro o un director, respondió: "En primer lugar, somos el teatro del autor". De hecho, el problema del texto, el drama y la elección de la obra es un problema de cultura y teatro. ¡El problema es que no hay jugadas! Sí, no hay obras modernas decentes. ¿Entonces por qué no lo montan? prosa moderna? Dovlatova, Sokolov, Limonov... Estas dramatizaciones se pueden hacer con un lado. ¡Alfred de Musset, Théophile Gautier y Thomas Mann están dramatizados! El caso es que la mayoría de las veces los directores no necesitan obras en absoluto. Necesitan actuaciones. Casi todos nuestros directores de teatro se han formado en la teatralidad. En realidad, esta es su profesión. No son eruditos ni escritores literarios. Ni siquiera son críticos. Así que no hay necesidad de pensar que necesitan una obra de teatro. Necesitan una razón para actuar. No más. Dicen que ahora los teatros están inundados de obras de principiantes. Que esto es un boom grafómano del drama. Lamentablemente, lamentablemente estas obras son abrumadoramente de bajo nivel. Y no tanto en plan dramático, sino también simplemente por el idioma. El lenguaje de la obra debe ser sofisticado y cotidiano. Es decir, no demasiado abstruso y seco, pero tampoco demasiado discreto.
La falsedad se extendió sutilmente por todo el texto. Involuntariamente ves en el autor a un mentiroso muy cualificado y todo en ti se resiste a su apasionado deseo de engañarte.
Falta de sinceridad del autor. En la obra hay dos o tres situaciones familiares de la vida, percibidas casi sin ambigüedades, pero el acento moral del autor al evaluar estos eventos está algo cambiado. Y más adelante en el texto el autor, que claramente no es una persona estúpida, finge que no pasó nada.
yo mismo soy desagradable personaje principal. Es decir, el héroe no es Ostap Bender, uno, ni Hamlet, dos, ni Treplev, tres. Es decir, si el héroe no es humorístico, ajeno a cualquier duda y no personalidad creativa o más ampliamente, no en la búsqueda, casi siempre es desagradable. El autor debe ser muy inteligente y talentoso para poder demostrar la dureza del héroe sin contrastarlo con el espectador o el lector. Pero los autores inteligentes y talentosos no están interesados en esos héroes. No en vano, en el drama moderno sólo quedan "los muchachos de Rozov" y los "hijos mayores" de Vampilov.
Juego de "damas". El problema común de nuestros dramaturgos es que prácticamente no tienen hombres. El segundo inconveniente es que si hay más de dos heroínas, son prácticamente indistinguibles. Pero, sin embargo, la obra de damas es siempre lírica y elegíaca, y no tan desalmada como otras. Una dramaturga siempre sentirá lástima por alguien, al menos por ella misma.
Si analizamos qué repertorio tiene éxito entre el público, podemos ver que en muchos teatros el mayor éxito no son las actuaciones entretenidas, sino las representaciones muy serias, profundamente significativas y con un gran dramatismo.
A la hora de repartir papeles, los directores de escena no siempre siguen el camino que espera el espectador. Los directores, al aceptar una obra para producción y teniendo en cuenta la experiencia previa de un teatro en particular, están dispuestos a decir de antemano qué actor puede desempeñar qué papel. Aunque algunos intentan no seguir esta práctica. Lo más interesante es darle a un actor un papel similar que nunca antes ha interpretado, pero que tiene las características psicológicas y físicas para ello. Este reparto de papeles resulta interesante tanto para el director como para el propio actor. Y si tienen suerte, se convierte en una grata sorpresa para el público.
“Hoy hay una generación de personas sentadas en la sala, para la gran mayoría de las cuales la literatura es mejor escenario Akunin. Estos espectadores esperan del teatro el mismo grado de franqueza que están acostumbrados a recibir en las series de televisión, los juegos "Detrás del cristal" y los interminables programas de entrevistas. Hoy la gente paga mucho dinero por un billete. Por eso el teatro necesita una persona que sepa invitar a la sala a un diputado famoso, a un nuevo ruso "sobreexpuesto", a una estrella del pop. Y el espectador está, con razón, dispuesto a pagar una suma considerable, porque, por un lado, recibe información procedente del escenario y, por otro, puede decir en su oficina que conoció a Zhirinovsky en tal o cual estreno o Cómo vestía Pugacheva y si iba con Kirkorov o sin él”, opina Boris Lyubimov.
1.10. Pequeño escenario y espectador.
El espectador y el actor son cautivos de un cierto tipo de convención teatral, de un cierto tipo de pensamiento o idea: la gente viene al teatro porque es un atributo necesario del desarrollo cultural, un sello que impone otro sello: la escala social. Esta es la idea de Jerzy Grotowski, un director polaco, al igual que su predecesor Ludwig Flaschen, que surgió del sueño de un teatro en el que existiera algún tipo de conexión entre las personas, más que una relación establecida.
“En el teatro, tanto el actor como el espectador realizan un acto de autorrevelación, establecen contacto entre sí y consigo mismos. Un choque de pensamientos, instintos, subconsciente. El arte del teatro es autónomo, sólo parte de la literatura y no la ilustra; el teatro entra en contacto con el espectador no a través del tejido literario, sino a través de la condensación de sentimientos, la espontaneidad de la actuación. Por ello, es necesario formar un nuevo actor que interprete con total dedicación física y psicológica. Y al mismo tiempo estaba dotado de un sentido de autocontrol y disciplina. Por eso es necesario estudiar las leyes de la percepción del espectador”, recomendó Jerzy Grotowski.
No todos los espectadores pudieron asistir a las representaciones de su “Teatro de las 13 Filas”. En "Acrópolis" participaron en la acción 50 personas, en "El príncipe firme" 35, en "Apocalipsis" sólo se permitió la entrada a 30. La tarea del teatro de Grotowski era reconciliar al hombre con el mundo y al hombre consigo mismo. Los críticos llamaron al equipo de Grotowski una comunidad religiosa, un laboratorio, un “hospital psicoanalítico”, donde los espectadores-pacientes son sacudidos, devolviendo al teatro la magia original y la antigua catarsis. Otros llamaron al “Teatro de 13 filas” un “sistema social psicodramático” en el que se intentó crear un “colectivo terapéutico-creativo”. Las actuaciones de Grotowski eran como una obra de arte inacabada, pero siempre un proceso vivo, que recién ahora se estaba creando. Por lo tanto, a los espectadores que vieron la misma actuación se les aseguró que había una actuación completamente diferente frente a ellos.
El pequeño escenario que utiliza el Teatro Jerzy Grotowski en sus producciones es útil en muchos aspectos, en cualquier forma. Es legítimo crear escenas de este tipo en una sala para cincuenta espectadores y para un público más amplio, siempre que haya alguien que trabaje allí. “El espectador debe quedar fascinado por nuestra existencia compleja y nerviosa a su lado y decirse a sí mismo: “¡Sí! Es sumamente interesante observarlos, empatizar con ellos, porque yo, el espectador, no sé qué pasará con estos actores en cada segundo subsiguiente de su existencia escénica. La relación entre un actor y el público es una relación entre un confesor y un creyente; no se puede abrir un papel sin poder abrirse a sí mismo, por así decirlo, se sacrifica”, dijo uno de los actores de “13; Filas”.
El actor debe penetrar en sí mismo, revelarse ante el espectador, darle su mundo interior, conocer y aprender a utilizar todas sus capacidades. Grotowski define a su espectador como alguien que tiene sus propias necesidades espirituales, quiere analizarse a sí mismo a través de la actuación, supera el interminable proceso de autodesarrollo, busca la verdad sobre sí mismo y su propósito en la vida. Este es un proceso creativo de autodescubrimiento que no está al alcance de todos.
El Teatro Municipal de Helsinki tiene una pequeña sala que se puede transformar como quieras. Puede utilizarse como arena donde se sientan los espectadores, como anfiteatro y como sala tradicional con palco. En general, un teatro puede existir en cualquier sala, siempre que haya alguien allí que haga su trabajo. Por ejemplo, las actuaciones que se realizan en los clubes rurales son en realidad actuaciones en una pequeña sala.
En nuestros teatros, en sus condiciones, los escenarios pequeños pueden resultar animados y útiles si se convierten en sucesores de las tradiciones de los estudios del Teatro de Arte de Moscú. Teniendo en cuenta que en varios teatros hay grandes compañías y en ellos hay muchos jóvenes con poco trabajo, probablemente será útil que estos jóvenes comiencen a representar obras en salas pequeñas, en los vestíbulos de los teatros y en cualquier otro lugar.
El éxito de las representaciones teatrales pequeñas se debe en gran medida al papel especial que desempeña el público durante la representación escénica. De hecho, una persona, después de haber comprado una entrada para una pequeña representación teatral, involuntariamente se siente "elegido". Es participante de un ritual especial, involucrado en un círculo estrecho, aislado de la masa general del público, lo que en sí mismo genera una cierta comodidad de comportamiento e impone ciertas obligaciones. Parece ser no sólo un espectador, sino un invitado de honor. Al invitar a una colaboración igualitaria, el pequeño escenario parece devolver al público la sensación de haber sido elegido y que había perdido en el ajetreo de la vida cotidiana, y el espectador aprecia mucho esto por sí solo. El espectador confía, quiere pensar que para conocerlo, el teatro ha limitado tan drásticamente el espacio de comunicación y, descartando toda esta ruidosa masa de público, lo invitó a una entrevista individual.
La opinión de que, en las condiciones actuales, el pequeño escenario es el camino más corto hacia la mente y el corazón del espectador está lejos de ser indiscutible. Lo que es indiscutible es que el pequeño escenario crea condiciones favorables para el entendimiento mutuo entre el actor y el público, pero este entendimiento mutuo es posible dentro de un amplio espectro. En uno de sus polos - alto arte, la magia de la empatía y, por el otro, el deleite y el interés filisteo por el “actor vivo”.
2. EL PRECIO DE LA COMUNICACIÓN: OPINIONES DE ACTORES Y DIRECTORES
Los artistas del color, el sonido, el cincel y las palabras eligieron el arte para comunicarse con todas las personas a través de sus creaciones artísticas. Entonces, el objetivo final y principal del arte es la comunicación espiritual con las personas. Por tanto, la creatividad, como medio de comunicación entre el artista y la multitud, debe tener la propiedad de transmitirse al público. En otras palabras, la creatividad debe ser escénica.
K. S. Stanislavsky
Durante bastante tiempo el artista no puede comprender el valor objetivo de su próxima creación. A veces le parece que ha creado una obra maestra, y críticos y espectadores pasan silenciosamente a su lado.
Todo artista honesto, empezando nuevo trabajo Está seguro de que la gente lo necesitará, intenta imaginar al futuro espectador y adivinar su reacción. Pero cuando el trabajo creativo se completa y se exhibe, el tiempo y las personas corrigen o revierten las suposiciones de los artistas y, con mucha más precisión que los autores, determinan la vida útil de las películas, las representaciones, las pinturas y las canciones.
En las noches de insomnio, cuando la obra que has estrenado aún no se ha separado del creador, cuando éste aún puede determinar si las ventajas superan a las desventajas, compara su trabajo con lo mejor que jamás haya visto.
Y él piensa, piensa, piensa...
¿Por qué los espectadores se alegran cuando miran algo? ¿Por qué no les gusta esto? ¿Por qué, desde el punto de vista del director, una actuación débil tiene éxito? A buen desempeño¿No siempre atrae un auditorio lleno? Cuando las valoraciones no coinciden con la valoración del espectador, ¿quién tiene razón: el artista o ellos?
El diálogo entre el artista y el público a menudo se derrama en las páginas de revistas y periódicos, y durante estas discusiones, algunos trabajadores del teatro expresan su descontento con el público y creen que en los últimos años la actitud de los consumidores hacia el teatro como un espectáculo indispensablemente entretenido se ha vuelto normal. Al mismo tiempo, los espectadores dicen que el teatro no siempre agrada con los descubrimientos artísticos; se ha vuelto menos apasionado, emocional, ha perdido su imaginería y su tendencia a experimentar.
En 1921, A. Ya Tairov escribió: “Descubra qué papel debe desempeñar el espectador. teatro - papel percibir o crear: esto significa responder en gran medida a la pregunta de cuál debería ser toda la estructura del teatro moderno y del teatro del futuro”. El propio Tairov asignó al espectador el papel de un participante pasivo, sin embargo, percibió creativamente la actuación. En esos mismos años, Vsevolod Emilievich Meyerhold buscaba formas de activar e involucrar directamente al espectador en la acción escénica. K. S. Stanislavsky, como saben, consideraba al espectador "el tercer creador de la obra".
Bueno, por supuesto, existen diferencias entre espectadores y espectadores. Hay entre ellos tanto personas de mente estrecha como incultas, muy mayores y muy jóvenes. Algunos llegaron a la función por casualidad, otros esperaron una semana. Otro vio esta obra más de una vez y llegó a comparar al joven intérprete con el famoso artista de principios de siglo, mientras que otro conoció el teatro y al dramaturgo. ¿Qué tengo que hacer? ¿A quién apuntar? ¿Qué mostrar? ¿A quién escuchar y qué creer?
En primer lugar, debemos comprender cómo los propios actores y directores caracterizan al espectador y al público. Aunque de manera abstracta, pero con bastante precisión, el director artístico del Teatro Tabakerka de Moscú y del Teatro-Estudio que lleva su nombre. Tabakova - Oleg Pavlovich Tabakov: “El auditorio genera una fuerza de elevación que sólo puede compararse con las alas de un ala delta moderno, que transporta a una persona hacia el cielo. Parecería que nada podría ser más maravilloso y absurdo que una persona que se pone esta extraña estructura de metal con alas cubiertas con lona o plástico. Sin embargo, al impulsarse desde el suelo y volar en el aire, presenta la vista más asombrosa y hermosa”.
Natalya Gundareva, actriz del Teatro Vladimir Mayakovsky, dijo una vez en una entrevista con el periódico Trud: “¿Nos importa siquiera el teatro? En estos tiempos más difíciles, en los países más teatrales. ¡Así es! Y en los cines, mientras tanto, los espectadores siguen llorando y riendo. La gente quiere ir al teatro. Estamos viendo la decimotercera temporada de “Lady Macbeth de Mtsensk” y lloramos. Si necesitan estas lágrimas, entonces necesitan teatro. Sí, el teatro está lleno para Lady Macbeth. Desde mi lugar en el escenario tengo la oportunidad de ver toda la sala. Y todos los actores suelen preguntarme: “Natasha, ¿hay algún espectador en el balcón?” "Sí", respondo. "¿Hay alguno en el primer nivel?" - “Y en el primer nivel”. Pero eso es hoy. No sé qué pasará mañana. Y probablemente nadie lo sepa. Pero pase lo que pase en la vida, lo escucharemos inmediatamente desde el escenario del teatro.
El teatro no debe ser un reflejo de la vida. Cuando la vida se introduce a la fuerza en el escenario de los teatros, los espectadores huyen del público. La gente se apresura al teatro para ver la belleza, incluso si se representa Hamlet con cinco asesinatos, siguen siendo sentimientos nobles, elevados y hermosos. Por eso estoy convencido: el teatro es teatro y la vida es vida”.
Se habla mucho de teatro y todos, buenos y malos, intentan ayudar, mantener este teatro a flote, a pesar de que el gobierno soviético teatro dramático grave y gravemente enfermo, se encuentra en un estado de vida media. Esto es lo que piensa Serguei Yurievich Yursky. “Han aparecido mutantes. El teatro se ha convertido en un escenario de restaurante, un desfile de moda, un striptease, monólogos de un artista, un conjunto de rock, payasos de circo, actuaciones de atletas profesionales, entretenimiento de un artista, una atracción del parque: todo, todo se llama teatro. Por eso es halagador ser una persona de teatro.
Los mutantes están equipados con todos los signos exteriores del teatro. A veces, ante la ola del éxito, dicen con aire de suficiencia: “Somos un teatro nuevo, el viejo murió, nos dio a luz, le sacamos lo mejor y seguimos adelante. Ya estamos muy lejos". Y el público también corre hacia los mutantes, olvidando sus apegos anteriores. El propio espectador se convierte en un mutante. Las estrellas brillan y se apagan, reemplazándose unas a otras a gran velocidad. Y en este torbellino, de repente... a veces... de los recuerdos, de las impresiones infantiles medio olvidadas, de las historias de padres, conocidos, personas al azar, como si estuvieran vivas, surge una imagen de lo que es un teatro real: con actores, artistas que tienen un incomprensible don de transformación: la transformación en otra persona.
La gran ola del teatro dramático ya pasó. Este tiempo no está tan lejos y, sin embargo, está muy lejos. Casi todas las celebridades del cine eran actores de teatro. Pudieron confirmar su competencia profesional, la capacidad de comunicarse directamente, la capacidad de controlar el auditorio, influyeron en el arte: su trabajo era crear imágenes”, opina Serguéi Yursky, una de las personas más famosas y profesionales del mundo. teatro.
"Me parece", escribe Mark Rozovsky, "que el espectador que está sentado hoy en la sala es, en algunos aspectos, el mismo que probablemente era a principios de los años 20, y hasta cierto punto el mismo que era a finales de los 50". - principios de los años 60, cuando una nueva generación de intelectuales empezó a incorporarse a la vida del teatro. En cultura nos enfrentamos a la lenta degeneración y desecación del teatro. No creo que el público sea estúpido. El público que viene a mi teatro no es tonto. Y el público que asiste a las representaciones "azules" basadas en Chéjov, cuyo director habla del amor entre Solyony y Tuzebakh, probablemente no sea muy inteligente. Estas actuaciones me interesan poco. Se me ponen los pelos de punta, no quiero ver a Chéjov así. Y no miraré. Creo que sus hijos y los míos tampoco deberían mirar a Chéjov. No hablo personalmente de mis compañeros y no evalúo la calidad de su trabajo; respeto a todos. No hace falta verlo para juzgar: las reseñas me bastan. No quiero ver esto. Y aparentemente alguien lo quiere, tiene derecho. Al espectador se le ofrecen sustitutos, sustitutos, obras no de la vanguardia ganada con tanto esfuerzo, sino de algo parecido a algo que supuestamente representa algo. Y el espectador, como un pez hambriento que ha visto poco, muerde el anzuelo. Pagan dinero, invitan a teatros, llenan las salas, luego escupen...
Realmente no entiendo la división del arte en "comercial" y "no comercial": hay arte y no arte. Nuestro teatro es para unos pocos elegidos, y lo bonito es que estos elegidos pueden ser cualquiera. La cultura de masas es una anticultura, un medio de engañar. Gracias a la cultura de masas se produce una gran deformación de la conciencia del espectador. Gracias a las enormes cantidades de dinero que se invierten en ella, gracias a lo que se llama el “negocio del espectáculo”, la cultura de masas, lenta pero seguramente, ha acostumbrado a todos a la idea de que este es el arte que la gente necesita. Mientras tanto, cuando, después de "Tío Vanya", un espectador desconocido me agarra por el codo y me dice: "Gracias, hoy visité el cielo", para mí esto es más valioso que todas las reseñas de todas las revistas pulidas juntas".
¿Están los creadores satisfechos con la audiencia? Es difícil responder de manera inequívoca. Probablemente todo dependa del teatro e incluso de la representación. Si el director y los actores no lograron cautivar al público, entonces la "retroalimentación" nos dirá que ellos mismos y su teatro tienen la culpa.
Sin duda, hay un cierto porcentaje de público que no está mejor preparado para percibir el teatro. A menudo, el espectador se siente mimado por productos de no ficción que “absorbe”. Pero, así como en la música, cuando a veces entiendes una pieza sólo por tercera vez, en las artes escénicas puedes aprender el lenguaje del teatro y cultivar en ti mismo el deseo de hablarlo con fluidez.
Natalya Triblekh ha sido actriz en el Film Actor Theatre durante muchos años y simplemente adora a su público. “¡Nuestra audiencia es increíble! Constante, agradecido: incluso en verano el teatro está lleno, y al final de cada función los actores reciben regularmente una lluvia de flores... ¡Y estos no son estrenos en absoluto, sino ya algunos centésimos espectáculos! Desde el principio de la existencia del teatro, inmediatamente tuvimos nuestro propio público, muy leal y amigable. Conozco gente que ve sus actuaciones favoritas diez o quince veces. Físicamente sientes el apoyo de tales espectadores. A veces vas a una función enfermo, destrozado o incluso con fiebre, apenas puedes arrastrar los pies en el metro... Y entonces comienza la función... Supero el primer acto con dificultad, luego empiezo a sentir que La fuerza viene de alguna parte y, al final del día, ¡estoy absolutamente sano! Sin esta estrecha conexión con el público, es casi imposible hacer algo que valga la pena en el escenario. Aunque a veces hay un público con una actitud negativa, tocas y sientes: ¡qué sala tan pesada hoy! Pero, al final, promovemos una sala aparentemente impenetrable, a expensas de nuestras propias venas, como dicen... La mayoría de las veces, nuestro público es receptivo y agradecido. Encendemos a la audiencia y ellos encienden la suya. emociones positivas- a nosotros. Para un actor, el éxito es el reconocimiento público. Ella es quien pone todo y a todos en su lugar. Vale mucho sorprender y cautivar a los espectadores de hoy, mimados por todo tipo de espectáculos”.
A la pregunta: ¿sientes la sala y si tiene el efecto contrario en ti?, el director más escandaloso de Moscú, Roman Viktyuk, respondió: “Por supuesto, y muy fuerte. El gimnasio siempre es muy difícil. Y es difícil de diferentes maneras. En diferentes salas tocas diferentes centros: cuando es necesario elevar la sala, entonces lo haces físicamente, cuando ya está volando contigo, entonces existes de manera diferente. “Es todo complicado y al mismo tiempo muy interesante: es casi como discutir con el público para que le guste”.
El Teatro Viktyuk es un teatro de directores. Por eso su nombre está incluido en el nombre del teatro; Si utilizamos el lenguaje del espectador, podemos decir que va “a Viktyuk”, independientemente del teatro en el que se represente la obra.
Según Viktyuk, Moscú es la ciudad más fría. Los más reservados y más esnobs son el público moscovita. El espectador de Moscú no tiene hambre de información, y el espectador de Moscú no tiene ningún tipo de hambre; tal vez sea precisamente por la ausencia de este hambre que se sientan tranquilamente y miran con calma, y pocas personas pueden ser apartadas. desde el respaldo de la silla.
Pero ¿qué pasa con el espectador que vive en el interior? ¿Es realmente igual que el espectador de Moscú? Los periodistas le hicieron esta pregunta a Sergei Yursky.
“A Nizhny Novgorod, San Petersburgo, Ekaterimburgo o decenas de otras ciudades; durante tantos años les he estado mostrando mi programas de conciertos, actuaciones, realizamos una gira por otras 48 ciudades de Rusia con la obra "Iron Class", unas 30 ciudades con la obra "Sillas" durante muchos años. Venimos de gira a una ciudad y tocamos una o dos actuaciones en ella. Esto significa que se trata de una capa especial, una capa inteligente, una capa teatral que anda sabiendo qué hacer. A veces sucede que vienen a "Chairs" para ver a la tía Shura y al tío Mitya de la película "Love and Doves". Me alegro por esas personas porque amo mucho esta película. Pero obtienen algo diferente. La próxima vez no vendrán en absoluto o vendrán sabiendo que estarán viendo otra cosa.
El hecho de que todavía haya un número suficiente de espectadores es mi mayor alegría, lo que me hace decir que ahora no hay en mí desánimo. Si el espectador se va, sí, tendrás que estar triste”.
El dramaturgo Oleg Bogaev y el compositor Oleg Paiderbin expresan una opinión diferente sobre el espectador. Vivieron durante mucho tiempo en Alemania y colaboraron con teatros dramáticos alemanes; dicen que el público alemán está más agradecido que el ruso. Nunca hablará en voz alta durante una actuación, ni beberá cerveza, ni hará crujir bolsas de patatas fritas, ni se dormirá durante una actuación, aunque ya no esté interesado. Y aquí en Rusia, según ellos, un crítico puede venir al estreno y quedarse dormido en primera fila, delante de los actores. Luego se despertará y hablará sobre la actuación. ¡Digamos qué es lo más sorprendente! Nuestro espectador aún no se ha cansado del vídeo, del cine en casa, juegos de computadora, discotecas, restaurantes y el público alemán ya se ha saciado. Y volvió al teatro.
Artistas de honor de Daguestán, actores principales. Teatro Académico El drama de la ciudad de Lipetsk Peter y Lyudmila Konovalov dijeron en el Día del Teatro: “Deseamos a todos los grupos de teatro más espectadores en la sala. Después de todo, puedes ensayar mucho, cocinar propio jugo, pero si no hay espectador... Y si lo hay... Entonces el ambiente para la creatividad parece completamente diferente. También me gustaría desear que los artistas creen y busquen nuevas formas de trabajo, porque ahora el teatro no se detiene. Formas - masa. Solo asegúrese de que se haya hecho de manera profesional y no falso. Para que sea interesante de ver para el espectador. Siempre nos pareció que si tocamos bien, el público acudirá a nosotros. Hoy en día el espectador puede que ni siquiera vaya a la producción más ingeniosa; todavía hay que traerlo. Sin esto es imposible. En una palabra: ¡¡¡todos necesitamos un espectador!!!
CONCLUSIÓN
Cualquier actor o director dirá que vale la pena adorar al público. Canta alabanzas. Ni siquiera el crítico de teatro más inteligente puede brindarle a un actor el tipo de felicidad que brinda un espectador común y corriente, ni un conocedor avanzado y finamente organizado, sino nuestro fan más "oscuro", principiante y "primitivo", de quien de repente surge una ola de gratitud sobrenatural. comienza a emanar. ¡Gracias por esta ola, una maravillosa creación de la civilización terrenal! ¡Gracias espectador! Si supieras cuánto te adoramos todos y cómo a veces, a veces, muy raramente, en casos aislados y poco característicos... ¡nosotros tampoco te amamos!
Referencias:
1. Diccionario enciclopédico soviético. M, 1987.
2. “Natalia Gundareva: su propia isla” y “Natalia Triblekh: una receta para el éxito”. "Trud", núm. 34, 2000.
4. K. Bogomolov "Entrevista con Bogaev y Paiberdin". "Ural", núm. 7, Ekaterimburgo, 2000.
5. P. Kapsheeva "El mundo de las aventuras de Mark Rozovsky". 22 de marzo de 2001 http://www.natura.peoples.ru.
6. “Teatro Romano Viktyuk” abril de 2000. http: www.teatro.ru
7. B. Nicolescu “Peter Brook y el pensamiento tradicional” M. 1994.
9. Historia de S. Kryukov "Mitos del invierno de Moscú"
10. A. Shary “Cara a cara” Sergei Yursky. Grabación de una conversación en Radio Liberty del 10 de marzo de 2000.
11. A. Deinega “Teatro dramático ruso que lleva el nombre. Gorki. Ciudad de Lípetsk.
capítulo “El teatro debe ser potenciado” L. 1999.
12. I. Vinogradova "¿Qué camino lleva al Teatro de Arte de Moscú?" Grabación de una conversación con Oleg Tabakov. http: www.theatral.smotritel.ru, agosto de 2000.
13. K. Bogomolov "Entrevista con Bogaev y Paiberdin". "Ural", núm. 7, Ekaterimburgo, 2000.
14. S. Melnikova “Estoy a favor de la búsqueda y el desorden” Conversación con Yulia Rutberg. "Revista de Teatro de Petersburgo", núm. 20 de marzo de 2000.
15. M. Zakharov "Contactos a diferentes niveles". M. 2000.
16. G. Tovstonogov “Espejo del escenario” - 1 volumen. M. 1974.
17. A. Mitta “Cine entre el infierno y el cielo”, capítulo “Estrategia de implicación”. "Herradura" 2000.
18. M. Chejov “El camino de un actor. Vida y encuentros”, capítulo “Ambiente”. M. 2001.
19. Revista “Calendario Escolar” 1991, Politizdat.
20. Cristo. G.V. Educación de un actor de la escuela Stanislavsky. M., “Iskusstvo”, 1968.
21. N.K. Cherkasov “Notas de un actor soviético”, capítulo “Actor y espectador”. M. 1953.
22. K. Smolina "Cien grandes teatros del mundo". M. 2001.
23. N.V. Kiseleva, V.A. Frolov “Fundamentos del sistema Stanislavsky”, libro de texto. Rostov del Don, 2000.
24. V. Sakhnovsky - Pankeev “Rivalidad - Commonwealth. Teatro y cine. Experiencia de análisis comparativo”, capítulo “Teatro y Cine”. L. 1979.
25. “Teatro de Arte de Moscú en la era soviética”. Materiales y documentos. M. 1974.
El papel del espectador en la obra.
El teatro es un arte sincrético que combina muchas otras artes. El poder de influencia no es inferior ni siquiera al de los medios de comunicación. El teatro une y une, suscita disputas y responde a preguntas, dicta sus propias reglas de juego, se vuelve víctima de la moda o se deja llevar por el gusto del público. El teatro es la máxima manifestación del amor de una persona por la belleza, el deseo de destruir los límites de la fantasía y la realidad, el deseo, en condiciones de tiempo y espacio limitados, de ser trasladado a otros mundos, épocas históricas, de probarse muchos otros dentro. una vida. El teatro es un ritual, un juego; aquí todos somos parte de la misma acción. Y como cualquier otro arte, el teatro necesita un cómplice: el espectador.
K. S. Stanislavsky consideraba al espectador como "el tercer creador de la actuación". V. E. Meyerhold dijo que “el teatro lo construyen no sólo quienes trabajan en el escenario, incluso los que tienen mucho talento; El teatro también se crea por voluntad del público”. También se sabe que el director buscaba todo tipo de formas de involucrar al público en la puesta en escena. A. Ya. Tairov llamó al espectador un participante pasivo que percibe creativamente la actuación.
Cada teatro tiene su propia relación con el público. Algunos educan a los suyos, otros atraen a extraños, siguiendo las reglas de otra persona. Algunos de ellos desafían al público como un guante en cada una de sus actuaciones, utilizando nuevos medios de seducción prohibidos: un golpe debajo del cinturón. Otros reciben con los brazos abiertos a cualquiera que mira la luz de las candilejas, lo acompañan por el vestíbulo como si caminara por una casa, contándole las últimas noticias y tristezas, luego lo sientan en una silla cómoda y le ofrecen, en lugar de los viejos vida, una nueva, con diferentes pasiones, lágrimas, alegrías y amores, justo en el corazón, en algún lugar de la región del alma. Pero la regla principal es que el espectador no queda indiferente. Sin él, llorando, riendo, dando portazos desafiante, queriendo prolongar actos, acciones y cuadros, el teatro dejará de ser teatro. Dejará de existir por completo.
Se puede hablar del papel del espectador durante mucho tiempo y en diferentes direcciones. Una cuestión interesante es la psicología de la percepción del espectador: qué hace que el espectador sienta empatía, cómo un miembro individual del público influye en la reacción de todo el público, cómo nacen los aplausos y los aplausos, cómo se produce la interacción entre el actor y el espectador. Cabe señalar que en diferentes eras el público interactuó de diferentes maneras con los participantes directos en la actuación y entre sí. Toda una evolución. Es muy apropiado hablar aquí sobre lo que piensan los actores, directores, maquilladores, utileros, todos creadores visibles e invisibles de nuevas realidades en el contexto de un teatro separado, sobre el papel del espectador en la obra. Sin embargo, hagamos una reserva de inmediato de que en el marco de este trabajo no es posible considerar en detalle todos los puntos anteriores. Por ello, tomamos nota de las tesis principales y tratamos de cubrirlas con el mayor detalle posible.
Psicología de la percepción del espectador de teatro.
El espectador se diferencia del espectador. Hoy la sala está llena de un público “diverso”. El teatro se ha convertido en una de las formas de arte más de moda, junto con el cine y la fotografía, por eso, en sillones de terciopelo podemos ver personajes de la alta sociedad y la “vida” brillante, verdaderos amantes del teatro, muchos críticos de todo tipo y de distintos grados de dentición. , fanáticos de actores o series de televisión específicos, y simplemente personas al azar que vinieron. Las salas del teatro están llenas de espectadores de diversos estatus sociales, bienestar material, educación y edades. Otra cosa es que cuando uno se encuentra en un entorno de ilusión ilimitada, en una persona común y corriente se producen metamorfosis inusuales, inesperadas para él.
Como saben, el alma humana está en la oscuridad, pero los psicólogos afirman que los secretos del mundo interior de una persona están sujetos a ellos. Es cierto que no existen muchos estudios directamente dedicados a la psicología del espectador. Patrice Pavy en el "Diccionario del Teatro" identifica algunos modelos mediante los cuales se pone a prueba la percepción del espectador; los psicólogos, por regla general, comienzan sus artículos con una clasificación de actos comunicativos que, por supuesto, explican el mecanismo de percepción humana de un obra de arte, pero no tienen en cuenta las características específicas del arte teatral y no están familiarizados con él, por lo que la mayoría de las veces son parciales, lo que ellos mismos admiten honestamente. “Hoy en día, la psicología, que se ocupa del problema de la creatividad, llega en sus investigaciones a la personalidad del actor y se detiene sin dominar las leyes específicas de este arte”. Los psicólogos ven el teatro como “un laboratorio centenario y autoorganizado para un experimento oculto sobre la psique humana. Al fin y al cabo, una representación teatral que lleva al espectador a través de una comunicación emocional llena de altibajos del corazón con un actor-personaje hasta el “gozo-sufrimiento” - la catarsis, con toda su práctica centenaria demuestra que sin duda actúa como un factor de curación. Además, ya sea la risa de una comedia o las lágrimas de una tragedia, el efecto es el mismo”.
Una vez más, haré una reserva de que, lamentablemente, en el marco de este trabajo no será posible considerar ni la mitad de las teorías existentes, algunas de las cuales ya hemos esbozado. Pero centrémonos en un estudio bastante interesante de Yu G. Klimenko, "El teatro como psicología práctica".
En su obra, Klimenko dedica mucho espacio a la psicología del actor, su relación con la imagen, habla por separado sobre la percepción que el público tiene de la actuación, en particular sobre la autoidentificación del espectador individual durante la actuación, explora la Naturaleza de las lágrimas generadas por la tragedia y la comedia en el público, pero, lamentablemente, no examina la naturaleza de la interacción entre actor y espectador.
Respecto a las lágrimas “trágicas” y “cómicas”, Klimenko argumenta lo siguiente: “Pidiendo perdón a la sombra de Aristóteles, me atrevo a decir que alta comedia lleva al espectador tanto a la catarsis como a la tragedia, y la prueba de ello son las lágrimas de risa. Las lágrimas son lo que une la tragedia y la comedia. Es interesante observar que las lágrimas del público no tienen nada en común con las lágrimas que el yo personal, excitado por la reacción vegetativa, llora al experimentar. El espectador-imagen llora con estas lágrimas: son silenciosas, ligeras, emotivas, son como las lágrimas de un actor, que no distorsionan la apariencia, no impiden hablar con voz tranquila, porque no es el actor quien llora, pero el personaje. Al derramar esas lágrimas, el actor experimenta deleite y júbilo interior”. No profundizaré en la definición del concepto de “reacción vegetativa”. Sólo señalaré que la “imagen del espectador” es un personaje que, según Klimenko, nace dentro del individuo, ya que experimenta dos representaciones: una, que está viendo actualmente en el escenario, y la otra, que tiene lugar en su imaginación, en la que se asocia con los personajes de la obra.
El investigador habla de diversos rituales asociados al teatro. El actor tiene sus propios rituales psicológicos antes, durante y después del final de la actuación. El espectador, en cierto sentido, también se prepara para su viaje al teatro. Klimenko también señala que “el intermedio da un sentido de comunidad, literalmente un ritual de caminar por el vestíbulo (que tiene su origen en el teatro antiguo, donde un espectador curioso miraba las estatuas de dioses, estadistas, poetas, grandes actores y atletas), un intenso interés por la serie de fotografías, el público, la exposición de libros sobre actores, la visita a un buffet, etc. El ritual posterior a la actuación aparece como unidad en la expresión de agradecimiento: aplausos, desafíos, ofrenda de flores, etc.” .
Klimenko dice además que a pesar del aislamiento de los participantes en el ritual, sus acciones se concentran en un acto creativo común, “que consiste en la preparación (preludio), la unidad misma y su resultado (impresión, evaluación). Por lo tanto, la intimidad de la actuación está unida por un archi-ritual común."
Sin embargo, Klimenko llama al ritual "posterior a la actuación" el principal ritual en la psicología de la percepción del espectador, ya que realiza esa unidad catártica, que en realidad es un componente de cualquier acto creativo, y especialmente de la interacción entre el actor y el espectador. De esta unidad surge el “efecto de conciliaridad”, que es la conclusión lógica de la actuación preparada por el actor y “cocreada por él con el público”. Klimenko describe el ritual posterior a la representación de la siguiente manera: “El espectador anhela prolongar la dicha a través del ritual, permanecer el mayor tiempo posible bajo la impresión de lo que acaba de vivir y sentir, porque tiene que separarse de aquel a quien debe abandonar. a quien transfirió la parte más íntima y querida de su propio Ser, y la persona trata sus sufrimientos con más cuidado que las alegrías. El actor a menudo se siente vacío en estos momentos, y la prolongación excesiva del ritual posterior a la actuación puede ser doloroso (insoportable, como lo expresan los propios actores), por lo que es natural que para el espectador el significado del ritual aumente al final de la película. la actuación, mientras que para el actor disminuye”.
También es interesante que, según Klimenko, el actor ofrece al público una especie de libertad de cocreación, y “el espectador despierta entonces la imaginación-anticipación (adivinar, completar dibujos, seguir fantaseando), que marca la entrada en el juego, ganando libertad, liberación de la sociedad. Es libre según el estado del juego en co-play. Ésta es la condición principal para la cocreación".
En mi opinión, es una teoría muy interesante, con un enfoque creativo del material que se estudia. Para concluir el capítulo, esbozaré otra visión sobre la naturaleza de la percepción del espectador: se trata de una teoría sobre la psicología de la multitud, en el contexto del teatro, digamos, la psicología de las masas. Se sabe que una persona, rodeada de muchas otras personas que no le son familiares, percibe la realidad de manera diferente y, por regla general, reacciona ante ella de manera completamente impredecible. El público es un grupo muy unido de espectadores que detecta el más mínimo cambio en el comportamiento general y reacciona instantáneamente ante cada arrebato emocional. Varias teorías que examinan el origen del aplauso se basan en estudios de psicología de masas.
Observo que el estudio de la percepción de la audiencia es un tema muy interesante. Sólo que, en mi opinión, al descomponer los sentimientos del espectador en componentes, perdemos el sentido de la naturaleza mágica del teatro. Una vez guiada por el voluble y a veces mal gusto del público, la televisión dejó de ser un arte para convertirse en un producto de consumo masivo. Creo que si el teatro sigue el mismo camino, correrá la suerte de la televisión moderna. Habiendo perdido su intimidad, convirtiéndose en un centro de entretenimiento y distracción, morirá, ya que este tipo de arte siempre debe estar al menos un poco por encima de la realidad. El teatro no debería ser accesible al público; debería haber espacio para el misterio.
Espectador y época
Un tema digno de una investigación seria. En diferentes países, en diferentes épocas, el espectador mostró su papel en la obra de maneras completamente diferentes. Una vez muy activo, influyendo en el repertorio y el elenco, una vez más pasivo, no involucrado directamente en las representaciones teatrales.
Las representaciones teatrales en la antigua Grecia se llevaban a cabo durante los festivales nacionales en honor al dios Dioniso. Los espectadores contemplaban las representaciones desde la mañana hasta la noche, comían y bebían en el propio teatro. El público reaccionó activa y directamente a todos los giros y vueltas de la trama. La obra que les gustaba era recompensada con aplausos y gritos de aprobación. También hubo clackeristas entre el público. V.V. Golovnya menciona al comediante Filemón (siglo IV a. C.), quien "más de una vez utilizó con éxito espectadores ficticios contra su oponente, Menandro". Por supuesto, si no te gustaba la obra, se oían silbidos y golpes en las gradas, a veces incluso los actores eran expulsados del escenario a pedradas. Así, el éxito o fracaso de la obra dependía directamente de la disposición o disposición del espectador hacia ella.
Hablando del teatro medieval, observamos que los propios espectadores también podían ser actores, ya que las representaciones eran organizadas por personas de diversos gremios. Los principales géneros teatrales de la Edad Media se presentaban en plazas y ferias. Los personajes populares favoritos de los misterios eran el bufón y el demonio, y cuando el espectador se cansaba de la virtuosa edificación de las tramas religiosas, podía exigir la aparición de estos héroes. Teniendo en cuenta que muchos géneros del teatro medieval no eran ajenos a la improvisación (la farsa, por ejemplo), uno puede imaginar cuántas veces los actores tuvieron que representar líneas populares "del público".
El teatro renacentista da origen a un espectador diferente. Es difícil imaginar cómo la gente común y corriente que acudió al Globe Theatre pudo percibir las alusiones y mitologías más complejas y profundas de los textos de Shakespeare. Aunque, cautivado por la trama que se desarrolla dinámicamente, lo más probable es que el espectador no haya seguido el lenguaje del dramaturgo, a pesar de que las obras del Renacimiento son extremadamente ricas e interesantes en la composición del lenguaje (¿qué es la commedia dialéctica dell 'arte en Italia).
La improvisación, que era una parte integral de la commedia dell'arte, dio al público la oportunidad de participar en el desarrollo de la acción, aprobar o desaprobar el comportamiento de los personajes y reaccionar inmediatamente con una variedad de comentarios, expresando sus opiniones.
En el teatro español, a veces incluso se producían peleas en escena entre actores y espectadores, algunos de los cuales ocupaban su lugar en el escenario. Uno de los participantes en la actuación podría ofender accidentalmente a alguien del público; la retribución se produciría de inmediato. Bueno, si fingió o jugó mal, el actor podría verse bañado en naranjas o pepinos podridos.
G. N. Boyadzhiev cita las palabras de Lope da Vega, en las que notó el increíble impacto de la ilusión del teatro en el espectador, que, perdiendo la línea entre el espacio mágico del teatro y la realidad, transfirió sus impresiones a la vida. “Si un actor interpreta a un traidor, todos lo odian tanto que no le venden cuando quiere comprar algo, y la multitud huye de él cuando lo encuentra. Y si interpreta a gente noble, le prestan, le invitan a visitarnos”, y naturalmente le hacen todo tipo de regalos antes y después de la actuación y le aplauden. Creo que en este caso el espectador jugó papel fatal para un actor arrogante.
El público del teatro español era su amante soberana. Los visitantes habituales, los “mosqueteros”, eran especialmente conscientes de sus derechos económicos, incluidos los zapateros comunes, pero se negaban a llamarse a sí mismos otra cosa que “caballeros”. Bueno, ¡por supuesto! El destino del autor dependía muy a menudo de su opinión. Incluso existía la leyenda de que un joven dramaturgo estaba preocupado por el bienestar de su nueva obra y, para ganarse el apoyo de los “mosqueteros”, se lo llevó a uno de ellos, adjuntándole una bolsa con monedas de oro. La obra volvió al autor junto con el dinero. Naturalmente, el joven dramaturgo no tuvo éxito. Éstas son las pruebas de amor: resulta que el espectador también actuó como una especie de censor, objetivo e incorruptible.
El público inglés del Renacimiento prestó un servicio al arte teatral, ya que ni un solo decreto real pudo abolir el teatro democrático británico. Para las representaciones se reunieron unas dos mil personas, una cifra enorme incluso en los tiempos que corren. La sala estaba llena de gente, ruidosa y divertida. Se repartieron todo tipo de regalos y se produjeron todo tipo de peleas.
El teatro del clasicismo en Francia impresionó tanto al espectador con su estética que ya en ese momento comenzaron a aparecer las primeras notas críticas de espectadores educados. Se discutieron obras de teatro, actuación y recitación. En realidad, a estas primeras críticas debemos la aparición de la obra de Moliere “Impromptu en Versalles”. Es cierto que el principal crítico era, por supuesto, el rey, pero a veces sus preferencias y las del público diferían.
También es curioso que los gustos de la alta sociedad y la moda de la época influyeran mucho en el vestuario de los actores. El teatro francés está generalmente sujeto a las tendencias de la moda. Por ejemplo, ya en el Siglo de las Luces, cuando se puso de moda el lenguaje de los teatros cuadrados, el “género de mercado”, empezó a utilizarse plenamente en las representaciones de la corte. A la gente de todo el mundo le encantaba decir alguna palabra "justa" y, en consecuencia, se alegraban de escucharla desde el escenario, aunque no en la Comedia Francesa.
En el Siglo de las Luces, ya había dos críticos principales, como señala I. Ivanov, el rey y la platea. El público aristocrático, por regla general, no comenzó a aplaudir después de cada nueva representación hasta que el jefe de Estado expresó su actitud hacia la obra. La platea superaba en número a todos los demás espectadores y podía estar formada por espectadores de diversos estatus sociales: la parte más democrática del público. Ivanov señala que “en esencia, iba al teatro exclusivamente para ver una obra; los nobles tenían más probabilidades de ofrecer su propia actuación que de ver actuar a los actores”. Se describen muchos casos en los que caballeros y marqueses, que acudían al teatro, naturalmente en medio de la acción, exigían en voz alta un asiento, se saludaban con besos y hablaban en voz alta de sus aventuras. Si de repente a ese “espectador” le reprochaban estar en el camino, respondía: “Me gustaría, maldita sea, que me vean de la cabeza a los pies; Pago una corona sólo por rondar a las actrices durante el intermedio”. A su debido tiempo, Onegin de Pushkin nos contará una historia similar sobre el propósito de visitar el teatro.
En general, un papel tan gamberro y provocativo. En principio, ahora también hay espectadores tan groseros que salen del buffet en medio de la acción, se abren paso entre las filas, molestan a los actores y al resto del público, y algunos responden muy honestamente a sus interlocutores en teléfonos móviles que ahora están en el teatro. Por cierto, muchos directores se dejaron influenciar por este comportamiento de cada espectador. Por ejemplo, en la obra de Mirzoev "Siete santos de la aldea de Bryukho", uno de los personajes periódicamente se sale de la realidad de la obra, responde llamadas de teléfonos móviles y se excusa diciendo que ahora no puede hablar porque está actuando en el escenario. El público comprende la insinuación, pero tales ataques, nacidos de la mala educación del público, tienen un efecto perjudicial en la atmósfera general de la actuación.
Volviendo al teatro francés de la Ilustración, señalaré otro dato interesante. La orquesta adquiere un poder casi despótico en el teatro. Incluso el público aristocrático se reunió en pequeños palcos para esconderse de las burlas de “la parte más democrática de la sala”. Parter reaccionó ante cualquier cambio en la vida personal de los actores. Al enterarse de la boda, el público saludó a sus favoritos con arias de amor y, en ocasiones, toda la actuación se convirtió en una ilustración de la celebración de la boda. La influencia del público fue tan grande que una vez un actor, que pidió al público desde el escenario que no hiciera ruido, se vio obligado a arrodillarse y pedir perdón.
Así, en la reacción del espectador de la Ilustración, se pueden rastrear las tendencias de la época histórica, y los detalles de la vida personal de los actores, y el amor o no por ellos. Se produjo un diálogo entre el público y los artistas, relacionado con el contexto de la actuación, ya que en ocasiones, respondiendo a la devoción del público, los actores insertaban en sus monólogos quejas sobre las autoridades o pedidos de ayuda en las relaciones con ellas. y a veces pedían perdón.
El papel del espectador aumentó y tomó forma de tiranía. Por ejemplo, ya a finales del siglo XX, el juicio del más ingenioso dramaturgo inglés Wilde, o más bien la reacción del remilgado público británico, interrumpió su relación con el teatro por el resto de la vida del escritor. Se prohibieron todas las representaciones en curso; el público no quería obras de un "criminal contra la sociedad".
El espectador moderno, en mi opinión, es menos activo. Una vez impuso su opinión a los medios, ahora ciertas actuaciones y ciertos actores se imponen al espectador, especialmente en la empresa. Sin embargo, el teatro del director tiene muchas oportunidades para sentir el poder del papel del público, involucrando al espectador en la actuación de forma intencionada o inconsciente, lo que conduce a las observaciones más interesantes.
Repito que el tema del espectador en una época histórica concreta es sumamente amplio e interesante. El autor sólo pudo esbozar algunas tesis.
Observaciones sobre el papel del espectador
En mi opinión, uno de los papeles más interesantes del espectador en la obra es su participación directa. Hoy en día, el comportamiento humano en el teatro está determinado por reglas éticas que, en raras ocasiones, no se respetan. Por supuesto, hoy en día es difícil imaginar que el público obligue a un actor a pedir perdón al público de rodillas. Es difícil imaginar una reacción en vivo a cada línea desde el escenario con interminables líneas del público. Sin embargo, el teatro del director, que convirtió al espectador en uno de los participantes de la actuación, llamándolo directamente cocreador, intenta por todos los medios hacer visible el material de empatía del público. Es agradable para el actor y el espectador participar y echar un vistazo detrás de escena.
Una vez, en la representación en el Teatro Maly de "El Abismo", basada en la obra de Ostrovsky, tuve que observar un efecto muy interesante de la "participación" del público en el destino del héroe. El personaje principal de la obra es un hombre honesto que no se permite aceptar sobornos y sufre serios problemas a causa de su integridad. Sus hijos están gravemente enfermos; su esposa, hija de un hombre rico que se negó a ayudar a su negligente yerno, prácticamente lo abandona. Hay una escena en la obra en la que un hombre extraño con esencia demoníaca se acerca al héroe y le ofrece dinero, prometiéndole que si acepta este soborno, todo saldrá bien en la familia. El héroe se enfrenta a una elección dolorosa: salvar a su familia o sus principios virtuosos. La tensión psicológica que surge en la sala gracias a la actuación de A. Korshunov, que interpreta el papel de Kiselnikov, llega a tal límite que los susurros de los simpatizantes recorren las filas: "¡Bueno, toma el dinero, salva a la familia!" ¡Imagínense una situación así en el Siglo de las Luces! Además, no se trata de una frase aislada. Nace el efecto "salón de los niños": el pequeño espectador siempre aconseja al héroe qué es lo mejor que puede hacer. Por supuesto, el actor escuchó esto, y creo que esto jugó un papel importante en el diseño de su actuación, porque Kiselnikov se volvió más estridente y, después del final de la actuación, el público no dejó que Korshunov fuera detrás del escenario durante mucho tiempo. El espectador es un factor que coordina el trabajo del actor y el transcurso de toda la actuación.
A Roman Viktyuk le gusta experimentar con el público. Él admite que le encanta cuando el público sale de la sala, cerrando la puerta con fuerza; esta es su honesta respuesta "no". El director muy a menudo en sus actuaciones provoca al espectador a un diálogo verbal, lo que prepara a los actores para una actuación dura. A veces necesita tales provocaciones para familiarizar al espectador con el estilo de la actuación.
En La naranja mecánica, en mi opinión una de las interpretaciones intertextuales más interesantes del director, Viktyuk introduce una puesta en escena absolutamente provocativa desde el principio. Tres héroes se acercan al frente del escenario y, sin hacer ningún movimiento, se detienen durante unos cinco minutos. Para el teatro esto es prácticamente una eternidad. En este momento, alguien abandona para siempre el teatro Viktyukov, alguien, después de esperar un rato, comienza a silbar, alguien intenta llamar a uno de los actores para un diálogo: el público lanza insultos, alguien exige que la acción continúe de inmediato. Al final, se escuchan risas y aplausos en el salón. Luego, el héroe Pete se acerca al micrófono y se dirige a uno de los espectadores "especialmente distinguidos". A veces, en el espíritu del héroe de Burge, sin salir de la imagen, responde con la misma dureza: "¡Pagaste, siéntate!" Al final de la actuación, Alex, pronunciando su monólogo en el que habla de cómo el mundo se ha degradado y de lo difícil que es permanecer espiritual en este mundo, se dirige a estos “especialmente distinguidos”: “Cuando no puedes ¡Siéntate tranquilamente en el teatro durante diez minutos!» Al convertir al espectador en el héroe directo de la obra, provocándolo a la agresión, el director muestra cómo nace en una persona este sentimiento, que es característico de todos, pero que se puede controlar, y esto determina la idea principal de la obra.
Sin embargo, el autor estaba presente en la actuación cuando la provocación fracasó. El espectador se detuvo firmemente. Entonces Pete no tuvo más remedio que acercarse al micrófono y decir con amargura: “¡Captaron a un espectador increíblemente inteligente!”. Pero Alex no tenía nada que reprochar al público y su monólogo no tuvo ningún efecto en la conciencia del público. La idea perdió su agudeza cuando el espectador no cumplió con el papel que le había inventado el director. La actuación sufrió.
Pero los papeles más interesantes y fascinantes se los da a sus espectadores Vyacheslav Polunin en su fabuloso y tragicómico "Snow Show". Al llamar al espectador participante de pleno derecho de la actuación, lo priva de la posición de observador externo. El público está tan involucrado en el proceso que deliberadamente prolonga el tiempo de ejecución de la actuación. Según el plan, la actuación termina por completo cuando el baile circular de bolas con el que juega el público llega al escenario, y el público, habiendo descubierto este plan, atrapa las bolitas y las sostiene en sus manos.
El espacio en la actuación es tan convencional que al espectador se le permite penetrar en el lugar santísimo: el escenario. Los actores explican las reglas del juego a los espectadores seleccionados (con gestos, muchos de ellos son extranjeros) y representan pequeñas escenas con su participación.
Durante el intermedio, numerosos personajes de la obra salen lentamente del escenario hacia la sala y hacen bromas de todas las formas posibles. Vierten agua sobre el espectador, les quitan las botas a las mujeres y bañan a los niños con dulces. Lo más interesante es que el público se involucra en este juego, pasando botellas de agua por las filas, obsequiando a los actores con caramelos y chocolate. Sin esta improvisación tanto por parte de los actores como del público, la actuación habría perdido su encanto y su calidad conmovedora. El espectador es identificado como un héroe directo del mundo del que hablan Polunin y su equipo. Esto recuerda a un viaje a algún país, donde los actores son residentes de ese país y el público son turistas que lo visitaron. Al final de la actuación, el equipo verde de payasos se acerca a alguien del público, le toma una foto y abraza a uno de ellos, como si fuera antes de una larga separación. El espectador se siente tan cómodo en la atmósfera general de improvisación y juego, tan imbuido del mundo de la infancia y la fantasía, que se esfuerza por llevarse algo de este maravilloso país. Algunos se meten puñados de papel de nieve en los bolsillos, formando ventisqueros enteros en el pasillo, otros atrapan bolitas, las ponen a su lado en sillas y las acarician, como a una querida mascota.
Hablando del papel del espectador, recordemos que los actores suelen decir si el público es “malo” o “bueno”, porque, efectivamente, de su personaje depende cuánto más fácil será encontrar un diálogo con él y crear una atmósfera de cocreación. Para los artistas es importante cómo reacciona el público, qué tan dispuestos están a aceptar las reglas del juego o qué tan indiferentes son ante la actuación.
El espectador es la fuerza principal tanto para el actor como para el director y para todo el teatro. No hay teatro sin público.
Literatura
Arnaudov M. Psicología de la creatividad literaria. M., Progreso. 1970.
Cuenca E.Ya., Krutous V.P. Estética filosófica y psicología del arte. M., Gardariki. 2007.
Bajtin M.M. Estética de la creatividad verbal. M., arte. 1986.
Belinskaya E.P., Tikhomandritskaya O.A. Psicología social de la personalidad: libro de texto para universidades. M., Aspecto de prensa. 2001.
Burns R. Desarrollo del autoconcepto y educación. M., Progreso. 1986.
Wilson G. Psicología de la actividad artística: Talentos y aficiones. M., Kogito-Centro. 2001.
Wundt V. La fantasía como base del arte. SPb., M.:M. O. Lobo. 1914.
Vygotskiy L.S. Psicología del arte. Minsk, palabra moderna. 1998.
concurso de teatro
"Toda la vida es teatro"
Preparado y realizado
maestro de escuela primaria
Shlyanchak N.A.
S. amapola roja
2019
Quiz de teatro “Toda la vida es teatro”
Objetivo:
- adquirir conocimientos sobre el teatro;
Familiarización con el teatro, educación, interés por esta especie actividades;
Ampliando sus horizontes, profundizando sus conocimientos en el campo de la literatura y el arte.
Tareas:
Muestre ingenio e ingenio durante el cuestionario; cultivar el amor por el teatro.
Actividades de aprendizaje universal:
UUD personales
Conciencia de los significados y valores de la vida; formular su propio punto de vista sobre el material o situación propuesta;
UUD regulatorio
Haga un plan y una secuencia de sus acciones; ajustar (hacer adiciones), autorregulación volitiva (capacidad para superar obstáculos).
UUD cognitivo
Planteamiento de un problema, objetivo educativo, trabajo con información, modelado, estructuración, reflexión.
Tipo de lección: prueba.
Progreso de la lección
1. Actualización de conocimientos. Motivación
S. Marshak. EN EL TEATRO PARA NIÑOS.
¡A la gente! ¡A la gente!
Dondequiera que mires,
Cada pasillo
Viene una ola de chicos.
Los sientan en sillas
Y te piden que no hagas ruido,
Pero el ruido es como una colmena,
¿A dónde fue el oso?
De un largo pozo
Invisible a los ojos -
Entonces la flauta reirá,
Entonces el contrabajo ladrará.
Pero de repente las luces se apagaron
hay silencio
Y adelante más allá de la rampa
La pared se separó.
Y los niños vieron
Nubes sobre el mar
Redes estiradas
Cabaña de pescadores.
Un violín empezó a cantar abajo.
Con voz chillona -
el pez habló
A la orilla del mar.
Todos conocían este cuento de hadas.
Sobre el pez dorado, -
Pero en el pasillo reinaba el silencio.
Es como si estuviera vacío.
Se despertó, aplaudió
Cuando se encendió el fuego.
Golpean el suelo con los pies
Palma sobre palma.
Y el telón se mueve
Y las bombillas tiemblan.
aplaude tan fuerte
Medio millar de chicos.
No les importan las palmas...
Pero ahora la casa está vacía
Y solo el vestuario
El caldero sigue hirviendo.
Una ola viva ruge
Corre por todo Moscú
¿Dónde está el viento y los tranvías?
Y el sol está en el azul.
2. Establecimiento de objetivos.
- ¡Hola profesores y chicos! Hoy hablaremos de... Y de qué, tú mismo decides. Mire la pantalla y determine el tema de nuestro cuestionario..(Diapositiva 1)
¿Has estado en el teatro?(diapositiva 2)
Teatro (El significado principal del griego es lugar para el espectáculo, luego espectáculo) es una forma de arte escénico. El teatro es una síntesis de todas las artes, incluye música, arquitectura, pintura, cine, fotografía, etc. El principal medio de expresión es el actor, quien a través de la acción, utilizando diversas técnicas teatrales y formas de existencia, transmite al espectador la esencia. de lo que está pasando en el escenario. En este caso, el actor no tiene por qué ser una persona viva.
Teatro - Este es un arte muy antiguo. El teatro nació en la Antigua Grecia a partir de obras de misterio en honor a Dioniso. En aquellos días había obras de sólo dos géneros: tragedia y comedia. La mayoría de las veces se escribieron sobre temas mitológicos o históricos. Todos los roles fueron desempeñados por hombres. Los actores (al principio sólo había dos en el escenario, el tercero fue presentado por Sófocles) actuaron con enormes máscaras y borceguíes. No hubo adornos. A las mujeres (excluidas las hetaeras) no siempre ni en todas partes se les permitía asistir a representaciones, especialmente a comedias, y, por regla general, se sentaban separadas de los hombres. En Grecia, la profesión de actor se consideraba prestigiosa, pero en Roma era vergonzosa (por eso las actuaciones de Nerón conmocionaron tanto a sus allegados).
En Rusia, la actuación también se conoce desde hace mucho tiempo. En un principio se les asociaba con fiestas religiosas o con rituales paganos. Pero gradualmente la “carrera de relevos” de la actuación pasó a manos de los laicos. Los actores bufones medievales rusos son conocidos desde el siglo XI. Entre ellos se encontraban músicos, cantantes, bailarines, bromistas y entrenadores de animales salvajes (principalmente osos, Bear Fun). Se trataba de gente pobre que no tenía rincón, ni comida, ni ropa, y la necesidad les obligaba a dedicarse a ese oficio. A menudo se unían y caminaban juntos por Rusia, pidiendo limosna, para lo cual mostraban sus talentos. Comenzaron a construir edificios ligeros en las plazas de la ciudad para albergar y recibir visitantes y espectadores: casetas.
Hay muchísimos tipos de teatro. Y hoy seréis expertos en teatro.
3. Aplicación creativa y adquisición de conocimientos en una nueva situación (tareas problemáticas)
Y ahora te invito a sumergirte un poco en la atmósfera. artes teatrales. Como sabes, en el teatro hay actores y espectadores. Y ahora les pediré a todos que elijan su propio grupo de actores, compuesto por 6 actores.(selecciones de equipo) . Como saben, el trabajo de los actores es evaluado no solo por el público, sino también por críticos estrictos. Los profesores presentes actuarán como críticos, quienes evaluarán tu trabajo y, en base a los resultados del cuestionario, determinarán los ganadores. Todas las competiciones se evalúan en una escala de cinco puntos. Las respuestas a las preguntas se aceptan con la mano levantada.
Y tu primera prueba.
1) Calentamiento
¿Qué tipos de teatro puedes nombrar?
Ha nombrado sólo una pequeña parte de los tipos de teatro, pero también hay ópera, teatro, teatro de marionetas, teatro de parodia, ballet, opereta, pantomima, teatro del absurdo, teatro de autor, teatro infantil, teatro de animales, teatro para el discapacitados, musical, teatro unipersonal, teatro de canciones, teatro de poesía, teatro de danza, teatro de sombras, teatro de calle, teatro de variedades, teatro de luz y otros.
2) ¿Qué sé del teatro? (Diapositivas)
1. ¿Cómo termina el aforismo: “No hay papeles pequeños, hay pequeños...”?
A. Actores.
B. Dramaturgos.
B. Directores.
G. Espectadores.
2. ¿Cómo termina el título de una obra de A.N.? ¿“Nuestro pueblo...” de Ostrovsky?
R. Cantemos.
B. Seamos contados.
B. Acostumbrémonos.
G. Te llamamos.
3. ¿Cómo se llama a menudo la escuela de teatro del Teatro Académico Estatal Maly?
A. Virutas.
B. tocón.
V. Astilla.
G. Contrachapado.
(Escuela Shchepkinsky - lleva el nombre de M.S. Shchepkin)
4. ¿Qué premio de teatro existe en nuestro país?
A. “Rayo Dorado”.
B. "Lo más destacado de la temporada".
V. “Engranaje del teatro”
G. “Horquilla de actuación”.
(Así llamó el Sindicato de Trabajadores del Teatro de Rusia a su premio. Parece un clavo, solo cristal).
5. ¿Cómo se llamaba la bailarina estadounidense Isadora Duncan en los años 20?
A. Gran sandalia.
B. Gran zapatilla.
B. La Gran Sandalia.
G. Gran punta.
(Ya que bailaba sin zapatos).
6. ¿Cómo se llama la parte del disfraz de bailarina?
A. Kipa.
B. Paquete.
B. Pila.
G. Manojo.
7. ¿Cómo se llama una actuación cómica-humorística amateur?
A. Arbuznik.
B. Zanahoria.
V. Kapustnik.
G. Limoncillo.
8. Cómo termina eslogan: “¿Hay que ayudar a la gente con talento, a la mediocridad…”?
R. Y así sigue.
B. Se abrirán camino por sí solos.
B. Un patrocinador ayudará.
G. Y no está mal.
9. Complete la definición cómica de ópera: "Ópera es cuando matan a una persona y todavía ..."
A. Paseos
B. canta
V.Respira
G.sentado
3) "¡Entiéndeme!"
Invito a un representante del equipo. Seréis los directores de la obra. Pero lamentablemente sólo se puede hablar con verbos. Su tarea es explicar el contenido del trabajo para la producción de la obra. Por ejemplo: fue, raspó, barrió, horneó, enfrió, enrolló, cantó, engañó, se fue, enrolló, cantó, comió. ¿Qué clase de cuento de hadas es este?). Así es, es ruso. cuento popular"Kolobok"
Asignaciones para directores.
1. Cuento de hadas "Alyonushka y su hermano Ivanushka"
2. Cuento de hadas "Masha y los osos"
4) Prueba.
1ª ronda “Teatro” (diapositivas)
Según Stanislavski, ¿qué es la continuación de una percha? (Teatro.)
La parte del auditorio más cercana al buffet es... ¿Cuál? (Balcón.)
¿Qué ventaja tenía la señora que tenía un palco en el balcón sobre la señora sentada en la platea? (Si una dama tuviera un palco en el balcón, podría usar un sombrero con plumas de cualquier tamaño. Pero los que se sentaban en la platea no podían permitirse algo así.)
¿Por qué los canguros nunca van al cine?(Porque en los cines es costumbre facturar las maletas en el guardarropa).
¿Cómo se llama la hora de comer dulces en el buffet de un teatro? (Descanso.)
Se llama un anuncio de que se han vendido todas las entradas.… (Casa llena.)
Ronda 2 “Representantes del teatro” (identificar a los representantes del teatro a partir de las imágenes)
1.El equipo que conforma el plantel creativo del teatro se denomina… (Compañía)(foto de un grupo de actores)
2. “Chaleco sin mangas” (Bezrukov Sergey.) (chaleco sin mangas)
3.¿Qué personaje del cuento de hadas de Tolstoi vendió "ABC" y compró una entrada para el teatro? (Pinocho.) (ABC)
4. Actor y director que dirigió el mayor teatro de marionetas durante 60 años.
(S.V. Obraztsov) (muestras de muñecos)
5. Gran bailarina rusa. (Galina Ulanova) (Ulan ruso)
6.Nombre del famoso entrenador del Teatro del Gato de Moscú. (Kuklachev)(muñeca)
5. Entrenamiento físico
Pantomima (invita al equipo contrario a representar 1. “Alegría”, 2. “Sorpresa”)
6. Aplicación de conocimientos y habilidades en una nueva situación.
"Torneo relámpago"
1) ¿Qué bloquea el escenario del público? (cortina)
2) Anuncio colorido sobre actuaciones y conciertos. (póster)
3) Una persona que le dice al actor palabras de su discurso. (apuntador)
4) ¿Cómo se llama la primera representación de la obra en el teatro? (estreno)
5) ¿Cómo se llama la cosmética teatral? (constituir)
6) Aplausos tormentosos y prolongados. (ovación)
7) Artista de teatro. (decorador)
8) Una obra dramática destinada al teatro. (jugar)
9) La sala de teatro donde se guarda el vestuario de los actores de teatro. (departamento de vestuario)
10) ¿Cuáles son los nombres de los productos que solo representan objetos reales?
utilizado durante las representaciones teatrales. (accesorios)
11) ¿Cómo se llama el discurso de una persona? (monólogo)
12) ¿Cómo se llama la pausa en la obra? (descanso)
13) ¿Cuántas campanas de aviso se dan antes del inicio de la actuación? (3)
14) Moderno actuación musical? (musical)
15) Una representación teatral en la que solo bailan y no dicen nada. (ballet)
16) ¿Qué tipo de teatro provoca mayor deleite entre los espectadores jóvenes? (marioneta)
17) Actor y director que dirigió el mayor teatro de marionetas durante 60 años.
(S.V. Obraztsov)
18) Teatro de programas de variedades. (programa de variedades)
19) ¿Qué habilidades requiere el género vodevil de los artistas? (canta y baila)
20) Una escena en la que el actor no pronuncia una sola palabra, sino que explica todo usandogestos (pantomima)
21) La ópera italiana más famosa. ("La Scala")
22) Nombra el teatro más grande de San Petersburgo. (Teatro Mariinski)
23) ¿Qué decora la fachada del Teatro Bolshoi? (4 caballos enganchados al carro del dios patrón del arte Apolo)
24) ¿Quién interpretó todos los papeles en los teatros de la Antigua Grecia? (hombres)
25) Gran bailarina rusa. (Galina Ulanova)
26) ¿Cuáles eran los nombres de los primeros artistas profesionales en Rusia? (bufones)
27) El nombre del famoso entrenador del Teatro del Gato de Moscú. (Kuklachev)
28) El héroe del ballet de P.I. Tchaikovsky, que luchó contra el Rey Ratón. (Cascanueces)
29) El triste amigo títere Pinocho. (Pierrot)
30) ¿Qué libro cambió Pinocho por un boleto para teatro de marionetas? (ABECEDARIO)
7. Resumiendo.
Mientras los jueces cuentan los puntos, les contaré algunos teatros inusuales.
1. En uno de los teatros antiguos había una fila especial para guerreros mancos. Frente a ellos se sentaba una fila de esclavos calvos, y golpeándose la cabeza calva, el primero podía aplaudir.
2. Existe el llamado teatro de la crueldad. Pero no creas que muestran torturas y abusos. En él, toda la actuación se muestra simplemente con gestos y sonidos inarticulados.
3. En Sicilia todavía existe un teatro de marionetas, cuya representación dura... ¡un mes! ¡En la antigüedad también había representaciones que duraban un año! Es cierto que durante el día el público se dedicó a sus actividades habituales, como lo hacen ahora, y por la noche vio la continuación de la misma obra. Durante los últimos ochocientos años se ha desarrollado un mismo tema: la lucha del caballero Roldán contra los moros.
4. El teatro kabuki japonés, donde todos los papeles, incluso los femeninos, son interpretados por hombres, fue fundado por una mujer. Su nombre era Okuni y era asistente del santuario en el siglo XVII. Luego, ella y otras mujeres también desempeñaron todos los roles, incluidos los masculinos. Sin embargo, pronto a los dirigentes del país no les gustó y las mujeres en el teatro kabuki fueron reemplazadas por hombres jóvenes y, más tarde, por hombres maduros. Hoy en día, las tradiciones ya no son tan fuertes y en algunas compañías las mujeres han vuelto a desempeñar papeles femeninos.
Nuestros críticos estrictos: los jueces anuncian los resultados.
(Resumen y premiación de los ganadores).
8.Reflexión
Hoy sólo hemos levantado el telón de un mundo tan enorme y diverso como es el teatro. Es imposible no amar el teatro: nos permite sumergirnos en el mundo de la belleza, siendo un reflejo de nuestra vida, de hecho, la vida misma. Y como dijo el gran dramaturgo inglés William Shakespeare en palabras de Jacques de la comedia “Como gustéis”
El mundo entero es un teatro.
Hay mujeres, hombres, todos actores.
Tienen sus propias salidas, salidas,
Y todos desempeñan más de un papel.
Y te deseo que todos los roles de tu vida sean dignos del título de persona.
1. “Hoja de sentencia”.
1 equipo2do equipo
1. Calentamiento "Nombra el teatro"
2. “¿Qué sé yo sobre el teatro?”
3. "Entiéndeme"
4. 1ª ronda “Teatro”
6. pantomima
7. Ronda 3 “Torneo Blitz”
Total
1. “Hoja de sentencia”.
1 equipo2do equipo
1. Calentamiento "Nombra el teatro"
2. “¿Qué sé yo sobre el teatro?”
3. "Entiéndeme"
4. 1ª ronda “Teatro”
5. 2da ronda “Representantes del teatro”
6. pantomima
7. Ronda 3 “Torneo Blitz”
Total