Introducción

I. Retratistas rusos del primero. mitad del siglo XIX siglo

1.3 Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

II. Asociación móvil Exhibiciones de arte

Capítulo IV. Arte pintura de retrato

Conclusión

El propósito de este trabajo es hablar sobre la importancia del retrato como uno de los principales géneros de arte, sobre su papel en la cultura y el arte de esa época, conocer las principales obras de los artistas, conocer a los retratistas rusos. del siglo XIX, sobre su vida y obra.

En este trabajo nos fijaremos en el arte del retrato en el siglo XIX:

Los mayores maestros del arte ruso del siglo XIX.

Asociación de Exposiciones Itinerantes de Arte.

¿Qué es un retrato?

La historia de la aparición del retrato.

Primera mitad del siglo XIX - el momento de la formación de un sistema de géneros en la pintura rusa. En pintura de la segunda mitad del siglo XIX. Prevaleció la dirección realista. El carácter del realismo ruso estuvo determinado por los jóvenes pintores que abandonaron la Academia de las Artes en 1863 y se rebelaron contra lo que se imponía en la Academia. estilo clásico y temas históricos y mitológicos. Estos artistas se organizaron en 1870.

Una asociación de exposición itinerante cuya misión era brindar a los miembros de la asociación la oportunidad de exhibir su trabajo. Gracias a sus actividades, las obras de arte se volvieron más accesibles. a un amplio círculo de la gente. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898) desde 1856 coleccionó obras de artistas rusos, principalmente los Peredvizhniki, y en 1892 donó su colección de pinturas junto con la colección de su hermano S.M. En el género de los retratos, los Errantes crearon una galería de imágenes de figuras culturales destacadas de su época: un retrato de Fyodor Dostoievski (1872) de Vasily Perov (1833-1882), un retrato de Nikolai Nekrasov (1877-1878) de Ivan Kramskoy (1837–1887), un retrato de Modest Mussorgsky (1881), realizado por Ilya Repin (1844–1930), un retrato de León Tolstoi (1884) de Nikolai Ge (1831–1894) y varios otros. Al oponerse a la Academia y su política artística, los Wanderers recurrieron a los llamados. temas “bajos”; En sus obras aparecen imágenes de campesinos y trabajadores.

El aumento y la expansión de la comprensión y las necesidades artísticas se reflejan en el surgimiento de muchas sociedades artísticas, escuelas, varias galerías privadas (Galería Tretyakov) y museos no solo en las capitales, sino también en las provincias, en la introducción a la educación en dibujo escolar. .
Todo esto, en relación con la aparición de una serie de obras brillantes de artistas rusos, demuestra que el arte echó raíces en suelo ruso y se volvió nacional. El nuevo arte nacional ruso se diferenciaba marcadamente en que reflejaba clara y firmemente las principales tendencias de la vida social rusa.

I. Retratistas rusos de la primera mitad del siglo XIX.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Nacido en la finca Nezhinskaya (cerca de Koporye, ahora en la región de Leningrado) el 13 (24) de marzo de 1782. Era hijo ilegítimo del terrateniente A.S Dyakonov, registrado en la familia de su siervo Adam Schwalbe. Habiendo recibido su libertad, estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo (1788-1803) con G.I. Ugryumov y otros. Vivió en Moscú (1809), Tver (1811), San Petersburgo (desde 1812) y en 1816. –1822 y desde 1828 - en Roma y Nápoles.

El primer retrato, el padre adoptivo de A.K. Schwalbe (1804, Museo Ruso, San Petersburgo), destaca por su color emocional. A lo largo de los años, se ha ido perfeccionando la habilidad de Kiprensky, que se manifiesta en la capacidad de crear no sólo tipos sociales y espirituales (predominantes en el arte ruso de la Ilustración), sino también imágenes individuales únicas. Es natural que la historia del romanticismo ruso comience con las pinturas de Kiprensky. Bellas Artes.

artista ruso, maestro destacado Bellas artes rusas del romanticismo, conocidas como un maravilloso retratista. Los retratos de Kiprensky están imbuidos de una cordialidad especial, una sencillez especial, están llenos de su amor elevado y poético por el hombre. En los retratos de Kiprensky siempre se notan los rasgos de su época. Esto siempre es invariablemente inherente a cada uno de sus retratos - y imagen romantica joven V.A. Zhukovsky y el sabio E.P. Rostopchin (1809), retratos: D.N. Khvostov (Galería Tretyakov de 1814), el niño Chelishchev (Galería Tretyakov de 1809), E.V. Davydov (Museo Estatal Ruso de 1809).

Una parte invaluable del trabajo de Kiprensky son los retratos gráficos, realizados principalmente a lápiz con colores al pastel, acuarelas y lápices de colores. Él interpreta al general E.I. Chaplitsa (Galería Tretyakov), P.A. Venado (GTG). En estas imágenes vemos a Rusia, la intelectualidad rusa de guerra patriótica 1812 hasta el levantamiento de diciembre.

Los retratos de Kiprensky aparecen ante nosotros como complejos, reflexivos y de humor cambiante. Revelando diferentes facetas del carácter humano y mundo espiritual Kiprensky siempre utilizó diferentes posibilidades pictóricas en sus primeros retratos románticos. Sus obras maestras son como una de las mejores. retratos de toda la vida Pushkin (1827 Galería Tretyakov), retrato de Avdulina (1822 Museo Estatal Ruso). La tristeza y la consideración de los personajes de Kiprensky son sublimes y líricas.

"Favorito de la moda de alas ligeras,

Aunque no son británicos ni franceses,

Creaste de nuevo, querido mago,

Yo, la mascota de las musas puras. –

Y me río de mi tumba

Abandonado para siempre de los lazos mortales.

Me veo como en un espejo,

Pero este espejo me halaga.

Dice que no voy a humillar

Las pasiones de importantes aonides.

A partir de ahora se conocerá mi apariencia, -

Pushkin le escribió a Kiprensky en agradecimiento por su retrato. Pushkin atesoraba su retrato y este retrato colgaba en su oficina.

Una sección especial consta de los autorretratos de Kiprensky (con borlas detrás de la oreja, ca. 1808, Galería Tretyakov; etc.), imbuidos del patetismo de la creatividad. También posee imágenes conmovedoras de poetas rusos: K.N. Batyushkov (1815, dibujo, Museo del Instituto de Literatura Rusa de la Academia de Ciencias de Rusia, San Petersburgo; V.A. Zhukovsky (1816). El maestro también fue un artista gráfico virtuoso; Trabajando principalmente con lápiz italiano, creó una serie de personajes cotidianos notables (como El músico ciego, 1809, Museo Ruso, Kiprensky murió en Roma el 17 de octubre de 1836).

1.2 Vasili Andreevich Tropinin (1776-1857)

Representante del romanticismo en las bellas artes rusas, maestro del retrato. Nacido en el pueblo de Karpovka (provincia de Novgorod) el 19 (30) de marzo de 1776 en la familia de siervos del Conde A.S. más tarde fue enviado a disposición del Conde I.I Morkov como dote para la hija de Minikh. Mostró habilidad para dibujar cuando era niño, pero su maestro lo envió a San Petersburgo para estudiar como pastelero. Asistió a clases en la Academia de las Artes, al principio de forma furtiva, y a partir de 1799 con el permiso de Morkov; Durante sus estudios conoció a O.A. En 1804, el propietario convocó al joven artista a su casa, y desde entonces vivió alternativamente en Ucrania, en la nueva finca de zanahorias de Kukavka, y luego en Moscú, en la posición de pintor siervo, obligado a realizar simultáneamente la órdenes económicos del terrateniente. En 1823 recibió la libertad y el título de académico, pero, abandonando su carrera en San Petersburgo, permaneció en Moscú.

Un artista de siervos que con su creatividad aportó muchas cosas nuevas a la pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX. Recibió el título de académico y se convirtió en el más Artista famoso Escuela de retratos de Moscú de los años 20-30. Más tarde, el color de la pintura de Tropinin se vuelve más interesante, los volúmenes generalmente están esculpidos de manera más clara y escultórica, pero lo más importante es que el sentimiento puramente romántico del elemento en movimiento de la vida crece insinuantemente, Tropinin es el creador de un tipo especial de retrato: un cuadro. Retratos que introducen rasgos del género, imágenes con una trama específica: “Lacemaker”, “Spinner”, “Guitar Player”, “Gold Seamstress”.

Lo mejor de los retratos de Tropinin, como el retrato de su hijo Arseny (Galería Tretyakov de 1818), Bulakhov (Galería Tretyakov de 1823). Tropinin en su obra sigue el camino de la claridad y el equilibrio con composiciones sencillas de imágenes de retratos. Como regla general, la imagen se presenta sobre un fondo neutro con un mínimo de accesorios. Así lo describió A.S. Tropinin. Pushkin (1827): sentado a la mesa en una pose libre, vestido con un traje de casa, que enfatiza la naturalidad de su apariencia.

Obras tempranas Tropinin tiene un color sobrio y una composición clásicamente estática (retratos familiares de los Morkov, 1813 y 1815; ambas obras se encuentran en la Galería Tretyakov, Moscú). Durante este período, el maestro también creó expresivas imágenes locales, tipo pequeño ruso, del ucraniano (década de 1810, Museo Ruso, San Petersburgo). Bulakov, 1823; K.G.Ravich, 1823; ambos retratos en la Galería Tretyakov).

Con el paso de los años, el papel de la atmósfera espiritual, expresado por el trasfondo y los detalles significativos, no hace más que aumentar. el mejor ejemplo Puede servir como Autorretrato con pinceles y paleta de 1846, donde el artista se presenta con el telón de fondo de una ventana con una vista espectacular del Kremlin. Toda la linea Tropinin dedica sus obras a otros artistas representados en el trabajo o en la contemplación (I.P. Vitali, ca. 1833; K.P. Bryullov, 1836; ambos retratos en la Galería Tretyakov; etc.). Al mismo tiempo, el estilo de Tropinin se caracteriza invariablemente por un sabor específicamente íntimo y hogareño. En la popular Mujer en la ventana (basada en el poema Tesorero, de M.Yu. Lermontov, 1841), esta sinceridad relajada adquiere un sabor erótico. Trabajos posteriores Masters (Servant with Damask Counting Money, década de 1850, ibíd.) dan testimonio del desvanecimiento del dominio colorista, anticipando, sin embargo, el gran interés por la dramática vida cotidiana característico de los Wanderers. Un área importante de la creatividad de Tropinin son también sus bocetos a lápiz. Tropinin murió en Moscú el 3 (15) de mayo de 1857.

Artista ruso, representante del romanticismo (conocido principalmente por sus géneros rurales). Nacido en Moscú el 7 (18) de febrero de 1780. familia comerciante. En su juventud se desempeñó como funcionario. Estudió arte en gran medida por su cuenta, copiando pinturas del Hermitage. En 1807-1811 recibió lecciones de pintura de V.L. Considerado el fundador de la caricatura impresa rusa. Agrimensor de formación, dejó el servicio por pintar. En el género del retrato, creó imágenes sorprendentemente poéticas, líricas y románticas al pastel, lápiz y óleo: un retrato de V.S. Putyatina (Galería Tretyakov). Entre sus obras más bellas de este tipo se encuentra su propio retrato (Museo alejandra iii), pintado de manera exuberante y audaz, en agradables y densos tonos gris-amarillo y amarillo-negro, así como un retrato que pintó del viejo pintor Golovochesky (Academia Imperial de las Artes).

Venetsianov es un maestro de primera y una persona extraordinaria; del que Rusia debería estar muy orgullosa. Buscó con celo jóvenes talentos directamente del pueblo, principalmente entre los pintores, y los atrajo hacia sí. El número de sus alumnos superaba las 60 personas.

Durante la Guerra Patria de 1812 creó una serie de cuadros propagandísticos y satíricos sobre el tema de la resistencia popular a los ocupantes franceses.

Pintó retratos, normalmente de pequeño formato, marcados por una sutil inspiración lírica (M.A. Venetsianova, esposa del artista, finales de la década de 1820, Museo Ruso, San Petersburgo; Autorretrato, 1811, Galería Tretyakov). En 1819 abandonó la capital y desde entonces vivió en el pueblo de Safonkovo ​​​​(provincia de Tver), que compró, inspirándose en el paisaje circundante y la vida rural. Las mejores pinturas de Venetsianov son clásicas a su manera y muestran esta naturaleza en un estado de armonía idealizada e iluminada; por otro lado, en ellos prevalece claramente el elemento romántico, el encanto no de los ideales, sino de simples sentimientos naturales en el contexto de la naturaleza nativa y la vida cotidiana. Sus retratos campesinos (Zakharka, 1825; o Mujer campesina con acianos, 1839) aparecen como fragmentos del mismo idilio ilustrado-natural, clásico-romántico.

Las nuevas búsquedas creativas fueron interrumpidas por la muerte del artista: Venetsianov murió en el pueblo de Poddubye en Tver el 4 (16) de diciembre de 1847 a causa de heridas: fue arrojado de un carro cuando los caballos patinaron en un camino resbaladizo en invierno. El sistema pedagógico del maestro fomenta el amor por la naturaleza sencilla (hacia 1824 creó su propio escuela de Arte), se convirtió en la base de una escuela veneciana especial, la más característica y original de todas las escuelas personales de arte ruso del siglo XIX.

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Nacido el 29 de noviembre (10 de diciembre de 1798) en la familia del artista P.I. Bryullov, hermano del pintor K.P. Recibió su educación primaria de su padre, un maestro en talla decorativa, y luego estudió en la Academia de las Artes (1810-1821). En el verano de 1822, él y su hermano fueron enviados al extranjero a expensas de la Sociedad para el Fomento de las Artes. Después de visitar Alemania, Francia, Italia, Inglaterra y Suiza, en 1830 regresó a San Petersburgo. Desde 1831 - profesor de la Academia de las Artes. Un hombre de destino notable, instructivo y original. Desde pequeño estuvo rodeado de impresiones de la realidad rusa. Sólo en Rusia se sentía como en casa, luchaba por ella y la añoraba en tierra extranjera. Bryullov trabajó con inspiración, éxito y pasión. En su taller, en dos o tres meses, aparecieron obras maestras del retrato como los retratos de Semenova, el doctor Orlov, Néstor y Platón el Titiritero. En los retratos de Bryullov, realizados con una verdad despiadada y una habilidad excepcionalmente alta, se puede ver la época en la que vivió, el deseo de verdadero realismo, la diversidad, la naturalidad y la sencillez de la persona representada.

Yéndose de pintura historica El interés de Bryullov se centró en la pintura de retratos, en la que mostró todo su temperamento creativo y su brillantez de habilidad. Su brillante lienzo decorativo "La amazona" (Galería Tretyakov de 1832), que representa a la alumna de la condesa Yu.P. Samoilova Giovanina Paccini. Retrato de la propia Samoilova con otra alumna, Amatsilia (1839, Museo Ruso). En la persona del escritor Strugovshchikov (Galería Tretyakov de 1840) se puede leer la tensión de la vida interior. Autorretrato (Galería Tretyakov de 1848): un rostro tristemente delgado con una mirada penetrante. Un retrato muy realista del príncipe Golitsin, descansando en un sillón de su oficina.

Bryullov posee una imaginación poderosa, un ojo agudo y una mano fiel. Dio origen a creaciones vivas coherentes con los cánones del academicismo.

Habiendo partido relativamente temprano de trabajo practico, el maestro participó activamente en la docencia en la Academia de las Artes (desde 1831 - profesor). También dejó un rico patrimonio gráfico: numerosos retratos (E.P. Bakunina, 1830-1832; N.N. Pushkina, esposa del gran poeta; A.A. Perovsky, 1834; todo en acuarela; etc.), ilustraciones, etc.; aquí los rasgos románticos de su talento se manifestaron incluso más directamente que en la arquitectura. Murió el 9 (21) de enero de 1887 en San Petersburgo.

Un ejemplo inspirador de la asociación fue el "Artel de Artistas de San Petersburgo", fundado en 1863 por los participantes en la "revuelta de los catorce" (I.N. Kramskoy, A.I. Korzukhin, K.E. Makovsky, etc.), graduados de la Academia. de las Artes, que lo abandonó desafiantemente después de que el consejo de la Academia les prohibiera escribir una imagen para el concurso sobre un argumento libre en lugar del tema oficialmente propuesto de la mitología escandinava. Defendiendo la libertad ideológica y económica de la creatividad, los "trabajadores del artel" comenzaron a organizar sus propias exposiciones, pero a finales de las décadas de 1860 y 1870 sus actividades prácticamente fracasaron. Un nuevo incentivo fue la apelación a Artel (en 1869). Con el permiso correspondiente, en todas las ciudades del imperio, las exposiciones de arte itinerantes se llevan a cabo de las siguientes maneras: a) brindando a los residentes de las provincias la oportunidad de familiarizarse con el arte ruso y seguir sus éxitos; b) desarrollar el amor por el arte en la sociedad; yc) facilitar a los artistas la comercialización de sus obras”. Así, por primera vez en las bellas artes de Rusia (a excepción de Artel), surgió un poderoso grupo artístico, no solo un círculo amistoso o una escuela privada, sino una gran comunidad de personas de ideas afines, que pretendían (contrariamente a los dictados de la Academia de las Artes) no solo para expresar, sino también para determinar de forma independiente el proceso de desarrollo cultura artística en todo el país.

Origen teórico ideas creativas"Itinerantes" (expresados ​​en su correspondencia, así como en las críticas de esa época, principalmente en los textos de Kramskoy y los discursos de V.V. Stasov) era la estética del romanticismo filosófico. Arte nuevo, liberado de los cánones de los clásicos académicos. De hecho, abre el curso mismo de la historia, preparando así eficazmente el futuro en tus imágenes. Entre los "Vagabundos", tal "espejo" artístico e histórico presentaba, en primer lugar, la modernidad: el lugar central en las exposiciones lo ocupaban los motivos de género y cotidianos, Rusia en su multifacética vida cotidiana. El principio de género marcó la pauta para retratos, paisajes e incluso imágenes del pasado, lo más cerca posible de las necesidades espirituales de la sociedad. En la tradición posterior, incluida la soviética, que distorsionó tendenciosamente el concepto de “realismo peredvizhnik”, la cuestión se redujo a temas socialcríticos y democráticos revolucionarios, que de hecho eran muchos. Es más importante tener en cuenta el papel analítico e incluso visionario sin precedentes que se le dio aquí no tanto al famoso problemas sociales, sino al arte como tal, creando su propio juicio soberano sobre la sociedad y con ello separándose en su propio reino artístico, idealmente autosuficiente. Esta soberanía estética, que creció con los años, se convirtió en el umbral inmediato del simbolismo y la modernidad rusos.

En las exposiciones periódicas (48 en total), que se mostraron primero en San Petersburgo y Moscú, y luego en muchas otras ciudades del imperio, desde Varsovia hasta Kazán y desde Novgorod hasta Astracán, a lo largo de los años se pudieron ver cada vez más ejemplos. de estilo no sólo romántico-realista, sino también modernista. Las difíciles relaciones con la Academia finalmente terminaron en un compromiso, ya a finales del siglo XIX. (siguiendo el deseo de Alejandro III de "detener la división entre artistas") una parte significativa de los Peredvizhniki más autorizados fueron incluidos en el personal docente académico. A principios del siglo XX. En la Asociación se intensificaron las fricciones entre innovadores y tradicionalistas; los Peredvizhniki ya no representaban, como ellos mismos estaban acostumbrados a creer, todo lo artísticamente avanzado en Rusia. La sociedad estaba perdiendo rápidamente su influencia. En 1909 cesaron sus exposiciones provinciales. El último y significativo aumento de actividad tuvo lugar en 1922, cuando la sociedad adoptó una nueva declaración, expresando su deseo de reflejar el modo de vida. Rusia moderna.

Capítulo III. Retratistas rusos de la segunda mitad del siglo XIX.

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

Artista ruso. Nacido en Voronezh el 15 (27) de febrero de 1831 en la familia de un terrateniente. Estudió en los departamentos de matemáticas de las universidades de Kiev y San Petersburgo (1847-1850), luego ingresó en la Academia de las Artes, de la que se graduó en 1857. Estuvo muy influenciado por K.P. Bryullov y A.A. Vivió en Roma y Florencia (1857-1869), en San Petersburgo y, desde 1876, en la granja Ivanovsky en la provincia de Chernigov. Fue uno de los fundadores de la Asociación de Itinerantes (1870). Hice muchos retratos. Comenzó a trabajar en retratos mientras aún estudiaba en la Academia de las Artes. Detrás largos años creatividad escribió muchos de sus contemporáneos. Se trataba en su mayoría de figuras culturales destacadas. A MÍ. Saltykov – Shchedrin, M.M. Antokolsky, L.N. Tolstoi y otros Ge poseen uno de los mejores retratos de A.I. Herzen (1867, Galería Tretyakov): la imagen de un revolucionario ruso, un luchador feroz contra la autocracia y la servidumbre. Pero la transferencia parecido externo La intención del artista no es en absoluto limitada. El rostro de Herzen, como arrancado del crepúsculo, reflejaba sus pensamientos y la determinación inquebrantable de un luchador por la justicia social. Ge capturó en este retrato una figura histórica espiritual, encarnó la experiencia de toda su vida, llena de lucha y ansiedad.

Sus obras se diferencian de las de Kramskoy por su emotividad y dramatismo. Retrato del historiador N.I. Kostomarov (1870, Galería Tretyakov) está escrito de una manera extraordinariamente bella, temperamental, fresca y libre. El autorretrato fue pintado poco antes de su muerte (1892-1893, KMRI); el rostro del maestro está iluminado con inspiración creativa. El retrato de N. I. Petrunkevich (1893) fue pintado por el artista al final de su vida. La niña está representada casi en pleno crecimiento cerca de la ventana abierta. Está inmersa en la lectura. Su rostro de perfil, la inclinación de su cabeza y su postura expresan un estado de reflexión. Como nunca antes, Ge prestó gran atención al trasfondo. La armonía del color da testimonio de los poderes no gastados del artista.

Desde la década de 1880, Ge se convirtió en un amigo cercano y seguidor de León Tolstoi. En un esfuerzo por enfatizar el contenido humano del sermón del evangelio, Ge adopta un estilo de escritura cada vez más libre, agudizando al límite los colores y los contrastes de luz. El maestro pintó retratos maravillosos, llenos de espiritualidad interior, incluido un retrato de León Tolstoi en su escritorio (1884). En la imagen de N.I. Petrunkevich con el telón de fondo de una ventana abierta al jardín (1893; ambos retratos en la Galería Tretyakov). Ge murió en la granja Ivanovsky (provincia de Chernigov) el 1 (13) de junio de 1894.

3.2 Vasili Grigorievich Perov (1834-1882)

Nacido en Tobolsk el 21 o 23 de diciembre de 1833 (2 o 4 de enero de 1834). Era hijo ilegítimo del fiscal local, el barón G.K. Kridener, y el apellido "Perov" se lo puso al futuro artista su alfabetizador, un sacristán común y corriente. Estudió en la Escuela de Pintura de Arzamas (1846-1849) y en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (1853-1861), donde uno de sus mentores fue S.K. Estuvo particularmente influenciado por P.A. Fedotov, un maestro de la gráfica satírica de revistas, y entre los maestros extranjeros, por W. Hogarth y los pintores de género de la escuela de Düsseldorf. Vivió en Moscú. Fue uno de los miembros fundadores de la Asociación de Itinerantes (1870).

Los mejores retratos del maestro se remontan a finales de los años 60 y 70: F.M. Dostoievski (1872, Galería Tretyakov) A.N. Ostrovsky (1871, Galería Tretyakov), I.S. Turgenev (1872, Museo Ruso). Dostoievski es especialmente expresivo, completamente perdido en pensamientos dolorosos, juntando nerviosamente las manos sobre las rodillas, una imagen del más alto intelecto y espiritualidad. El romance de género sincero se convierte en simbolismo, impregnado de una triste sensación de fragilidad. Retratos del maestro (V.I. Dal, A.N. Maikov, M.P. Pogodin, todos los retratos - 1872), que alcanzaron una intensidad espiritual sin precedentes para la pintura rusa. No en vano, el retrato de F.M. Dostoievski (1872) es considerado, con razón, el mejor de la iconografía del gran escritor.

En las últimas décadas de su vida, el artista descubrió el extraordinario talento de escritor y ensayista (los cuentos Tía Marya, 1875; Bajo la cruz, 1881; y otros; la última edición: Historias del artista, M., 1960). En 1871-1882, Perov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde entre sus alumnos se encontraban N.A. Kasatkin, S.A. Korovin, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin. Perov murió en el pueblo de Kuzminki (en esos años, cerca de Moscú) el 29 de mayo (10 de junio) de 1882.

3.3 Nikolái Alexandrovich Yaroshenko (1846-1898)

Nacido en Poltava el 1 (13) de diciembre de 1846 en una familia de militares. Se graduó en la Academia de Artillería Mikhailovsky de San Petersburgo (1870), sirvió en el Arsenal y se retiró en 1892 con el rango de mayor general. Estudió pintura en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para el Fomento de las Artes con I.N. Kramskoy y en la Academia de las Artes (1867-1874). Viajó mucho: a los países de Europa occidental, el Cercano y Medio Oriente, los Urales, el Volga, el Cáucaso y Crimea. Fue miembro (desde 1876) y uno de los dirigentes de la Asociación de Itinerantes. Vivió principalmente en San Petersburgo y Kislovodsk.

Sus obras pueden llamarse retratos, como "Stoker" y "Prisoner" (1878, Galería Tretyakov). “Stoker” es la primera imagen de un trabajador en la pintura rusa. “Prisionero” es una imagen relevante durante los años de turbulencia populista movimiento revolucionario. “Estudiante” (1880, Museo Ruso): una joven con libros camina por la acera mojada de San Petersburgo. En esta imagen encontró expresión toda la era de la lucha de las mujeres por una vida espiritual independiente.

Yaroshenko era un ingeniero militar, altamente educado con caracter fuerte. El artista Peredvizhniki sirvió con su arte a los ideales revolucionarios y democráticos. Maestro genero social y un retrato en el espíritu de los “Itinerantes”. La isla se ha hecho un nombre por sus expresivas composiciones pictóricas, apelando a la simpatía por el mundo de los socialmente marginados. Un tipo especial de expresión ansiosa y “concienzuda” da vida a los mejores retratos de Yaroshenko (P.A. Strepetova, 1884, ibid; G.I. Uspensky, 1884, Galería de Arte, Ekaterimburgo; N.N.Ge, 1890, Museo Ruso, San Petersburgo). Yaroshenko murió en Kislovodsk el 25 de junio (7 de julio) de 1898.

3.4 Iván Nikolaevich Kramskoi (1837-1887)

Nacido en la provincia de Voronezh en la familia de un funcionario menor. Desde pequeño me ha interesado el arte y la literatura. Después de graduarse de la escuela del distrito en 1850, trabajó como escriba y luego como retocador para un fotógrafo. En 1857 acabó en San Petersburgo y trabajó en un estudio fotográfico. En otoño del mismo año ingresó en la Academia de las Artes.

Área predominante logros artísticos siguió siendo un retrato para Kramskoy. Kramskoy en el género del retrato está ocupado por una personalidad exaltada y altamente espiritual. Creó toda una galería de imágenes de figuras importantes de la cultura rusa: retratos de Saltykov, Shchedrin (1879, Galería Tretyakov), N.A. Nekrasova (1877, Galería Tretyakov), L.N. Tolstoi (1873, Galería Tretyakov), P.M. Tretyakov (1876, Galería Tretyakov), I.I. Shishkina (1880, Museo Ruso), D.V. Grigorovich (1876, Galería Tretyakov).

Para manera artística Kramskoy se caracteriza por una cierta sequedad protocolaria, monotonía de formas compositivas, esquemas, ya que el retrato muestra los rasgos de su trabajo como retocador en su juventud. El retrato de A.G. es diferente. Litovchenko (1878, Galería Tretyakov) con su riqueza pintoresca y la belleza de los tonos marrones y oliva. También se crearon obras colectivas de campesinos: "Forester" (1874, Galería Tretyakov), "Mina Moiseev" (1882, Museo Ruso), "Campesino con brida" (1883, KMRI). Kramskoy recurrió repetidamente a una forma de pintura en la que entraban en contacto dos géneros: el retrato y la vida cotidiana. Por ejemplo, obras de los años 80: "Desconocido" (1883, Galería Tretyakov), "Duelo inconsolable" (1884, Galería Tretyakov). Uno de los picos de la creatividad de Kramskoy es el retrato de Nekrasov, Autorretrato (1867, Galería Tretyakov) y el retrato del agrónomo Vyunnikov (1868, Museo de la BSSR).

En 1863-1868, Kramskoy enseñó en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para el Fomento de los Artistas. En 1870, Kramskoy se convirtió en uno de los fundadores del TPHV. Al pintar un retrato, Kramskoy recurría con mayor frecuencia a técnicas gráficas (usando mosto, cal y lápiz). Así se hicieron los retratos de los artistas A.I. Morozova (1868), G.G. Myasoedov (1861) – Museo Estatal Ruso. Kramskoy es un artista de gran temperamento creativo, un pensador profundo y original. Siempre luchó por el arte realista avanzado, por su contenido ideológico y democrático. Trabajó fructíferamente como profesor (en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para el Fomento de las Artes, 1863-1868). Kramskoy murió en San Petersburgo el 24 de marzo (5 de abril de 1887).

3.5 Iliá Efimovich Repin (1844-1930)

Nacido en Chuguev, provincia de Jarkov, en la familia de un colono militar. Recibió su formación artística inicial en la escuela de tipógrafos y con los artistas locales I.M. Bunakova y L.I. Persanova. En 1863 llegó a San Petersburgo y estudió en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para el Fomento de los Artistas con R.K. Zhukovsky e I.N. Kramskoy fue admitido en la Academia de las Artes en 1864.

Repin es uno de los mejores retratistas de la época. Él creó toda una galería de imágenes de sus contemporáneos. Con qué destreza y fuerza quedan plasmados en sus lienzos. En los retratos de Repin todo está pensado hasta el último pliegue, cada rasgo es expresivo. Repin tenía la mayor capacidad de un artista para penetrar en la esencia misma de las características psicológicas, continuando las tradiciones de Perov, Kramskoy y Ge, dejó imágenes de escritores, compositores y actores famosos que glorificaron la cultura rusa. En cada caso individual, encontró diferentes soluciones compositivas y colorísticas con las que podía revelar de la manera más expresiva la imagen de la persona representada en el retrato. Con qué fuerza entrecierra los ojos el cirujano Pirogov. Los ojos tristemente hermosos de la artista Strepetova (1882, Galería Tretyakov) se disparan, y cómo se pinta el rostro agudo e inteligente del artista Myasoedov, el pensativo Tretyakov. Escribió "Protodiácono" (ministro de la iglesia 1877, Museo Ruso Ruso) con una verdad despiadada. Escrito con calidez por el enfermo M.P. Mussorgsky (1881, Galería Tretyakov), pocos días antes de la muerte del compositor. Los retratos del joven Gorky, el sabio Stasov (1883, Museo Estatal Ruso) y otros están ejecutados con sentimiento. "Autumn Bouquet" (1892, Galería Tretyakov) es un retrato de la hija de Vera, en qué soleado brilla el rostro de la hija del artista. la cálida sombra de un sombrero de paja. Con gran amor, Repin transmitió un rostro atractivo por su juventud, alegría y salud. Las extensiones de campos, todavía florecidos, pero tocados por el color amarillento de la hierba, los árboles verdes y la transparencia del aire aportan un ambiente vigorizante al trabajo.

El retrato no sólo fue el género principal, sino también la base de la obra de Repin en general. Cuando trabajaba en grandes lienzos, recurría sistemáticamente a bocetos de retratos para determinar la apariencia y las características de los personajes. Se trata del retrato del Jorobado asociado al cuadro “Procesión religiosa en la provincia de Kursk” (1880-1883, Galería Tretyakov). Del jorobado, Repin enfatizó persistentemente la naturaleza prosaica, la miseria de la ropa del jorobado y toda su apariencia, lo ordinario de la figura más que su tragedia y soledad.

La importancia de Repin en la historia del arte ruso es enorme. Sus retratos reflejaron especialmente su cercanía a los grandes maestros del pasado. En retratos Repin logró punto mas alto su poder pictórico.

Los retratos de Repin son sorprendentemente atractivos líricamente. Crea tipos folclóricos conmovedores, numerosas imágenes perfectas de figuras culturales, elegantes retratos sociales(Baronesa V.I. Ikskul von Hildebrandt, 1889). Las imágenes de los familiares del artista son especialmente coloridas y sinceras: toda una serie de pinturas con la esposa de Repin, N.I. También son magistrales sus retratos puramente gráficos, realizados con lápiz de grafito o carboncillo (E. Duse, 1891; Princess M.K. Tenisheva, 1898; V.A. Serov, 1901). Repin también demostró ser un maestro excepcional: fue profesor jefe de taller (1894-1907) y rector (1898-1899) de la Academia de Artes, y al mismo tiempo enseñó en la escuela-taller de Tenisheva.

Después de la Revolución de Octubre de 1917, el artista se vio separado de Rusia, cuando Finlandia obtuvo la independencia, nunca se mudó a su tierra natal, aunque mantuvo contactos con amigos que vivían allí (en particular, con K.I. Chukovsky). Repin murió el 29 de septiembre de 1930. En 1937, Chukovsky publicó una colección de sus memorias y artículos sobre arte (Far Close), que luego se volvió a publicar varias veces.

3.6 Valentín Aleksandrovich Serov (1865-1911)

Nacido en San Petersburgo en la familia del compositor A.N. Serova. Desde pequeño, V.A. Serov estaba rodeado de arte. El maestro era Repin. Serov trabajó cerca de Repin desde la más tierna infancia y muy pronto descubrió el talento y la independencia. Repin lo envía a la Academia de Artes a P.P. Chistyakov. El joven artista se ganó el respeto y su talento despertó admiración. Serov escribió "La chica de los melocotones". El primer trabajo importante de Serov. A pesar de su pequeño tamaño, la imagen parece muy sencilla. Está escrito en tonos rosas y dorados. Por este cuadro recibió un premio de la Sociedad de Amantes del Arte de Moscú. Al año siguiente, Serov pintó un retrato de su hermana María Simonovich y posteriormente lo llamó "La niña iluminada por el sol" (1888). La niña está sentada a la sombra y los rayos del sol de la mañana iluminan el claro del fondo.

Serov se convirtió en un retratista de moda. posaron frente a el escritores famosos, aristócratas, artistas, artistas, empresarios e incluso reyes. En la edad adulta, Serov continuó escribiendo a familiares y amigos: Mamontov, Levitan, Ostroukhov, Chaliapin, Stanislavsky, Moskvin, Lensky. Serov cumplió las órdenes de los coronados Alejandro III y Nicolás II. El Emperador está representado con una sencilla chaqueta del Regimiento Preobrazhensky; Esta pintura (destruida en 1917, pero conservada en la réplica del autor del mismo año; Galería Tretyakov) a menudo se considera el mejor retrato. el último Romanov. El maestro pintó tanto a funcionarios titulados como a hombres de negocios. Serov trabajó en cada retrato hasta el agotamiento, con total dedicación, como si el trabajo que comenzó fuera su último trabajo. La impresión de arte espontáneo y ligero se realzó en las imágenes de Serov porque trabajó libremente en una amplia variedad de técnicas (acuarela). , gouache, pastel), reduciendo al mínimo o eliminando por completo la diferencia entre un boceto y una pintura. Una forma igual de creatividad estaba constantemente con el maestro y dibujo en blanco y negro(El valor intrínseco de este último está arraigado en su obra desde 1895, cuando Serov realizó una serie de bocetos de animales, trabajando en la ilustración de las fábulas de I.A. Krylov).

A principios de los siglos XIX y XX. Serov se convierte quizás en el primer retratista de Rusia, si es inferior a alguien en este sentido, sólo a Repin. Parece que trabaja mejor con imágenes íntimas y líricas, de mujeres y niños (N.Ya. Derviz con un niño, 1888–1889; Mika Morozov, 1901; ambos retratos – Galería Tretyakov) o imágenes de personas creativas (A. Masini, 1890; K.A.Korovin, 1891; F.Tamagno, 1891; N.A.Leskov, 1894; todos en el mismo lugar), donde se refleja la impresión colorida y la pincelada libre. estado mental modelos. Pero los retratos seculares aún más oficiales combinan orgánicamente el arte sutil con el don no menos sutil de un artista-psicólogo. Entre las obras maestras del “secular” Serov se encuentran el Conde F.F. Sumarokov-Elston (más tarde Príncipe Yusupov), 1903, Museo Ruso; GL Girshman, 1907; VO Girshman, 1911; I. A. Morozov, 1910; Princesa O.K. Orlova, 1911; todo está ahí).

En los retratos del maestro de estos años, el Art Nouveau dominó por completo con su culto a una línea fuerte y flexible, un gesto y una pose monumental y pegadizo (M. Gorky, 1904, Museo A.M. Gorky, Moscú; M.N. Ermolova, 1905; F.I. . Chaliapin, carboncillo, tiza, 1905; ambos retratos - en la Galería Tretyakov; Ida Rubinstein, témpera, carboncillo, 1910, Museo Ruso). Serov dejó un recuerdo agradecido de sí mismo como profesor (en 1897-1909 enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde entre sus alumnos se encontraban K.F. Yuon, N.N. Sapunov, P.V. Kuznetsov, M. S. Saryan, K. S. Petrov- vodka). Serov murió en Moscú el 22 de noviembre (5 de diciembre de 1911).

capítulo. El arte del retrato.

El retrato es un género significativo e importante en el arte. La palabra "retrato" en sí se remonta a la antigua palabra francesa "pourtrait", que significa: una imagen de un rasgo; también se remonta al verbo latino “protrahere”, es decir, “sacar”, “descubrir”; más tarde – “representar”, “retrato”. En ruso, la palabra "retrato" corresponde a la palabra "similar".

En las bellas artes, a las que pertenece originalmente este término, un retrato significa una imagen de una persona o grupo de personas en particular, en la que se transmite y reproduce la apariencia individual de una persona, se revela su mundo interior y la esencia de su carácter.

La imagen de una persona es el tema principal de la pintura. Su estudio comienza con estudios de la cabeza. Todas las pinturas formales están subordinadas a la creación de una imagen, a la transmisión del estado psicológico de una persona. En pintura, la representación de una cabeza humana natural debe corresponder a nuestra visión tridimensional habitual y a nuestra comprensión del mundo que nos rodea.

Las técnicas de pintura de la cabeza en la escuela académica rusa de la primera mitad del siglo XIX continúan la tradición de esculpir la forma con la ayuda de sombras fuertes y calientes. Podemos juzgar los métodos académicos considerando los trabajos de O. Kiprensky, K. Bryullov, A. Ivanov. Las técnicas académicas no pueden considerarse iguales para todos los artistas, pero lo que sí tienen en común los alumnos de la academia es la disciplina de la forma.

Un retrato puede considerarse bastante satisfactorio cuando se transmiten los rasgos íntimos y personales de la persona representada, cuando el original se reproduce exactamente, con todos los rasgos de su apariencia y carácter individual interno, en su postura más familiar, con su expresión más característica. . Satisfacer este requisito es parte del alcance de las tareas del arte y puede conducir a resultados altamente artísticos si lo realizan artesanos talentosos que ponen su gusto personal y su sentido de la naturaleza en la reproducción de la realidad.

La pintura es, ante todo, una imagen de forma y volumen. Por lo tanto, la forma a menudo se elabora previamente en un color con exactamente todos los detalles. Luego las luces se pintaron frías, espesas, texturizadas; las sombras son calientes, transparentes, se utilizan barnices, aceites, resinas. Todo esto se aplica a la pintura al óleo. Las acuarelas de esa época eran solo dibujos teñidos, y la tempera se usaba para pinturas de iglesias, que estaban lejos de funcionar del natural.

Gran importancia en la pintura académica había una secuencia de trabajo, un sistema. Los esmaltes, secos y húmedos, dieron a la cabeza su forma, color y expresión finales. Pero probablemente algunos jefes de K.P. Bryullov pintó a la vez, manteniendo un modelado estricto, luces frías y sombras calientes. Las mismas sombras calientes se encuentran en los retratos de I. N. Kramskoy. Su enrojecimiento se ve atenuado por la luz habitualmente difusa del museo. Pero si un rayo de sol cae sobre el retrato, uno se sorprende del brillo relativo de las sombras rojas.

Los impresionistas prestaron la mayor atención a la importancia de las luces frías y cálidas al esculpir una cabeza viva. O las luces son frías y las sombras cálidas, o viceversa. En cada modelo, las condiciones de la situación se seleccionan en función de la complexión y la vestimenta del aspecto general. Para crear una iluminación interesante, se utilizan pantallas: cartón, lienzo, papel. La pantalla puede oscurecer parte del fondo o de la ropa, lo que hará que tu rostro resalte mejor.

Se conserva el boceto preparatorio de M. A. Vrubel para el retrato de N. I. Zabela - Vrubel, donde los límites de todos los cambios de color están dibujados a lápiz. La superficie del rostro está dividida en zonas muy pequeñas, como un mosaico. Si rellenas cada uno de ellos con el color adecuado, el retrato estará listo.

El retrato refleja no sólo al modelo, sino también al propio artista. Por tanto, el autor es reconocido por sus obras. La misma persona luce completamente diferente en los retratos. diferentes artistas. Después de todo, cada uno de ellos aporta al retrato su propia actitud hacia el modelo, hacia el mundo, sus propios sentimientos y pensamientos, su propia manera de ver y sentir, su propia estructura mental, su propia visión del mundo. El artista no solo copia el modelo, no solo reproduce su apariencia: comunica sus impresiones sobre ella, transmite, expresa su idea de ella.

Perteneció al género del retrato. gran lugar en el sistema de educación académica, ya que los maestros de principios del siglo XIX vieron precisamente en la imagen de una persona la forma de la apelación directa del artista a la naturaleza.

A medida que las tendencias democráticas se desarrollan y se establecen en el arte ruso en el proceso de solución de problemas creativos comunes, hay una convergencia de búsquedas en diferentes generos y especialmente en el retrato.

Trabajar en un retrato pone al artista en estrecho contacto con representantes de diversos estratos sociales. sociedad moderna, y trabajar desde la vida amplía y profundiza significativamente la comprensión de la psicología de las imágenes encarnadas en la imagen. El retrato se enriquece con imágenes populares típicas. Se profundizan las características psicológicas de la persona representada en el retrato, su comprensión moral y social. En el retrato se puede sentir especialmente la actitud crítica hacia la vida característica de los Wanderers, pero también la búsqueda de una imagen positiva, que se manifiesta con mayor fuerza en las imágenes de los representantes de la intelectualidad.

arte ruso Tiene una rica tradición de retratos realistas que se remonta al siglo XVIII, que dejó un importante legado. Se desarrollaron fructíferamente en la primera mitad del siglo XIX. En estas épocas, fue el retrato, relativamente libre del poder de los cánones, el que, en términos de la integridad realista de sus imágenes, adelantó tanto a la pintura temática-histórica como a la cotidiana, que apenas daba sus primeros pasos en Rusia. arte.

Los mejores retratistas del siglo XVIII y de la primera mitad del XIX nos transmiten los rasgos típicos de sus contemporáneos. Pero las tareas de mecanografiar preservando al mismo tiempo al individuo en forma humana Estos retratos entraron en conflicto con el concepto clásico dominante, en el que lo típico se entendía como algo abstracto del individuo. En el retrato itinerante nos encontramos con la comprensión opuesta de lo típico: cuanto más profunda es la penetración en la individualidad de una persona, más específica y vívidamente se recrea su imagen, más claramente aparecen en su retrato. características comunes, formado bajo la influencia de determinadas condiciones de vida.

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Introducción

I. Retratistas rusos de la primera mitad del siglo XIX.

1.3 Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

1.4 Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

II. Asociación de exposiciones itinerantes de arte

Capítulo III. Retratistas rusos de la segunda mitad del siglo XIX.

3.1 Nikolai Nikolaevich Ge (1831-1894)

3.2 Vasili Grigorievich Perov (1834-1882)

3.3 Nikolái Alexandrovich Yaroshenko (1846-1898)

3.4 Iván Nikolaevich Kramskoi (1837-1887)

3.5 Iliá Efimovich Repin (1844-1930)

3.6 Valentín Aleksandrovich Serov (1865-1911)

Capítulo IV. El arte del retrato.

Conclusión

El propósito de este trabajo es hablar sobre la importancia del retrato como uno de los principales géneros de arte, sobre su papel en la cultura y el arte de esa época, conocer las principales obras de los artistas, conocer a los retratistas rusos. del siglo XIX, sobre su vida y obra.

En este trabajo nos fijaremos en el arte del retrato en el siglo XIX:

Los mayores maestros del arte ruso del siglo XIX.

Asociación de Exposiciones Itinerantes de Arte.

¿Qué es un retrato?

La historia de la aparición del retrato.

Primera mitad del siglo XIX - el momento de la formación de un sistema de géneros en la pintura rusa. En pintura de la segunda mitad del siglo XIX. Prevaleció la dirección realista. El carácter del realismo ruso estuvo determinado por los jóvenes pintores que abandonaron la Academia de las Artes en 1863, quienes se rebelaron contra el estilo clásico y los temas históricos y mitológicos que se estaban implantando en la academia. Estos artistas se organizaron en 1870.

Una asociación de exposición itinerante cuya misión era brindar a los miembros de la asociación la oportunidad de exhibir su trabajo. Gracias a sus actividades, las obras de arte estuvieron disponibles para un círculo más amplio de personas. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898) desde 1856 coleccionó obras de artistas rusos, principalmente los Peredvizhniki, y en 1892 donó su colección de pinturas junto con la colección de su hermano S.M. En el género de los retratos, los Errantes crearon una galería de imágenes de figuras culturales destacadas de su época: un retrato de Fyodor Dostoievski (1872) de Vasily Perov (1833-1882), un retrato de Nikolai Nekrasov (1877-1878) de Ivan Kramskoy (1837–1887), un retrato de Modest Mussorgsky (1881), realizado por Ilya Repin (1844–1930), un retrato de León Tolstoi (1884) de Nikolai Ge (1831–1894) y varios otros. Al oponerse a la Academia y su política artística, los Wanderers recurrieron a los llamados. temas “bajos”; En sus obras aparecen imágenes de campesinos y trabajadores.

El aumento y la expansión de la comprensión y las necesidades artísticas se reflejan en el surgimiento de muchas sociedades artísticas, escuelas, varias galerías privadas (Galería Tretyakov) y museos no solo en las capitales, sino también en las provincias, en la introducción a la educación en dibujo escolar. .
Todo esto, en relación con la aparición de una serie de obras brillantes de artistas rusos, demuestra que el arte echó raíces en suelo ruso y se volvió nacional. El nuevo arte nacional ruso se diferenciaba marcadamente en que reflejaba clara y firmemente las principales tendencias de la vida social rusa.

I. Retratistas rusos de la primera mitad. Siglo XIX.

1.1 Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836)

Nacido en la finca Nezhinskaya (cerca de Koporye, ahora en la región de Leningrado) el 13 (24) de marzo de 1782. Era hijo ilegítimo del terrateniente A.S Dyakonov, registrado en la familia de su siervo Adam Schwalbe. Habiendo recibido su libertad, estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo (1788-1803) con G.I. Ugryumov y otros. Vivió en Moscú (1809), Tver (1811), San Petersburgo (desde 1812) y en 1816. –1822 y desde 1828 - en Roma y Nápoles.

El primer retrato, el padre adoptivo de A.K. Schwalbe (1804, Museo Ruso, San Petersburgo), destaca por su color emocional. A lo largo de los años, se ha ido perfeccionando la habilidad de Kiprensky, que se manifiesta en la capacidad de crear no sólo tipos sociales y espirituales (predominantes en el arte ruso de la Ilustración), sino también imágenes individuales únicas. Es natural que la historia del romanticismo en las bellas artes rusas comience con las pinturas de Kiprensky.

El artista ruso, un destacado maestro del arte romántico ruso, es conocido como un maravilloso retratista. Los retratos de Kiprensky están imbuidos de una cordialidad especial, una sencillez especial, están llenos de su amor elevado y poético por el hombre. En los retratos de Kiprensky siempre se notan los rasgos de su época. Esto siempre es invariablemente inherente a cada uno de sus retratos, y a la imagen romántica del joven V.A. Zhukovsky y el sabio E.P. Rostopchin (1809), retratos: D.N. Khvostov (Galería Tretyakov de 1814), el niño Chelishchev (Galería Tretyakov de 1809), E.V. Davydov (Museo Estatal Ruso de 1809).

Una parte invaluable del trabajo de Kiprensky son los retratos gráficos, realizados principalmente a lápiz con colores al pastel, acuarelas y lápices de colores. Él interpreta al general E.I. Chaplitsa (Galería Tretyakov), P.A. Venado (GTG). En estas imágenes vemos a Rusia, la intelectualidad rusa desde la Guerra Patria de 1812 hasta el levantamiento de diciembre.

Los retratos de Kiprensky aparecen ante nosotros como complejos, reflexivos y de humor cambiante. Al descubrir diversas facetas del carácter humano y el mundo espiritual del hombre, Kiprensky utilizó cada vez diferentes posibilidades pictóricas en sus primeros retratos románticos. Sus obras maestras, como uno de los mejores retratos de Pushkin (Galería Tretyakov de 1827), un retrato de Avdulina (Museo Estatal Ruso de 1822). La tristeza y la consideración de los personajes de Kiprensky son sublimes y líricas.

"Favorito de la moda de alas ligeras,

Aunque no son británicos ni franceses,

Creaste de nuevo, querido mago,

Yo, la mascota de las musas puras. –

Y me río de mi tumba

Abandonado para siempre de los lazos mortales.

Me veo como en un espejo,

Pero este espejo me halaga.

Dice que no voy a humillar

Las pasiones de importantes aonides.

A partir de ahora se conocerá mi apariencia, -

Pushkin le escribió a Kiprensky en agradecimiento por su retrato. Pushkin atesoraba su retrato y este retrato colgaba en su oficina.

Una sección especial consta de los autorretratos de Kiprensky (con borlas detrás de la oreja, ca. 1808, Galería Tretyakov; etc.), imbuidos del patetismo de la creatividad. También posee imágenes conmovedoras de poetas rusos: K.N. Batyushkov (1815, dibujo, Museo del Instituto de Literatura Rusa de la Academia de Ciencias de Rusia, San Petersburgo; V.A. Zhukovsky (1816). El maestro también fue un artista gráfico virtuoso; Trabajando principalmente con lápiz italiano, creó una serie de personajes cotidianos notables (como El músico ciego, 1809, Museo Ruso, Kiprensky murió en Roma el 17 de octubre de 1836).

1.2 Vasili Andreevich Tropinin (1776-1857)

Representante del romanticismo en las bellas artes rusas, maestro del retrato. Nacido en el pueblo de Karpovka (provincia de Novgorod) el 19 (30) de marzo de 1776 en la familia de siervos del Conde A.S. más tarde fue enviado a disposición del Conde I.I Morkov como dote para la hija de Minikh. Mostró habilidad para dibujar cuando era niño, pero su maestro lo envió a San Petersburgo para estudiar como pastelero. Asistió a clases en la Academia de las Artes, al principio de forma furtiva, y a partir de 1799 con el permiso de Morkov; Durante sus estudios conoció a O.A. En 1804, el propietario convocó al joven artista a su casa, y desde entonces vivió alternativamente en Ucrania, en la nueva finca de zanahorias de Kukavka, y luego en Moscú, en la posición de pintor siervo, obligado a realizar simultáneamente la órdenes económicos del terrateniente. En 1823 recibió la libertad y el título de académico, pero, abandonando su carrera en San Petersburgo, permaneció en Moscú.

Un artista de siervos que con su creatividad aportó muchas cosas nuevas a la pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX. Recibió el título de académico y se convirtió en el artista más famoso de la escuela de retratos de Moscú de los años 20-30. Más tarde, el color de la pintura de Tropinin se vuelve más interesante, los volúmenes generalmente están esculpidos de manera más clara y escultórica, pero lo más importante es que el sentimiento puramente romántico del elemento en movimiento de la vida crece insinuantemente, Tropinin es el creador de un tipo especial de retrato: un cuadro. Retratos que introducen rasgos del género, imágenes con una trama específica: “Lacemaker”, “Spinner”, “Guitar Player”, “Gold Seamstress”.

Lo mejor de los retratos de Tropinin, como el retrato de su hijo Arseny (Galería Tretyakov de 1818), Bulakhov (Galería Tretyakov de 1823). Tropinin en su obra sigue el camino de la claridad y el equilibrio con composiciones sencillas de imágenes de retratos. Como regla general, la imagen se presenta sobre un fondo neutro con un mínimo de accesorios. Así lo describió A.S. Tropinin. Pushkin (1827): sentado a la mesa en una pose libre, vestido con un traje de casa, que enfatiza la naturalidad de su apariencia.

Las primeras obras de Tropinin tienen un color sobrio y una composición clásicamente estática (retratos familiares de los Morkov, 1813 y 1815; ambas obras se encuentran en la Galería Tretyakov, Moscú). Durante este período, el maestro también creó expresivas imágenes locales, tipo pequeño ruso, del ucraniano (década de 1810, Museo Ruso, San Petersburgo). Bulakov, 1823; K.G.Ravich, 1823; ambos retratos en la Galería Tretyakov).

Con el paso de los años, el papel de la atmósfera espiritual, expresado por el trasfondo y los detalles significativos, no hace más que aumentar. El mejor ejemplo es Autorretrato con pinceles y paleta de 1846, donde el artista se presenta con el telón de fondo de una ventana con una vista espectacular del Kremlin. Tropinin dedicó una serie de obras a otros artistas representados en el trabajo o en la contemplación (I.P. Vitali, ca. 1833; K.P. Bryullov, 1836; ambos retratos en la Galería Tretyakov; etc.). Al mismo tiempo, el estilo de Tropinin se caracteriza invariablemente por un sabor específicamente íntimo y hogareño. En la popular Mujer en la ventana (basada en el poema Tesorero, de M.Yu. Lermontov, 1841), esta sinceridad relajada adquiere un sabor erótico. Las obras posteriores del maestro (Servant with Damask Counting Money, década de 1850, ibíd.) indican el declive del dominio colorístico, anticipando, sin embargo, el gran interés por la dramática vida cotidiana característico de los Wanderers. Un área importante de la creatividad de Tropinin son también sus bocetos a lápiz. Tropinin murió en Moscú el 3 (15) de mayo de 1857.

El siglo XIX dejó huellas imborrables en todas las formas de arte. Esta es una época de cambios en las normas y requisitos sociales, de avances colosales en la arquitectura, la construcción y la industria. En Europa se están llevando a cabo activamente reformas y revoluciones, se están creando organizaciones bancarias y gubernamentales, y todos estos cambios afectaron directamente a los artistas. Los artistas extranjeros del siglo XIX llevaron la pintura a un nivel nuevo y más moderno, introduciendo gradualmente corrientes como el impresionismo y el romanticismo, que tuvieron que pasar por muchas pruebas antes de ser reconocidas por la sociedad. Los artistas de siglos pasados ​​no tenían prisa por dotar a sus personajes de emociones violentas, sino que los describían más o menos comedidos. Pero el impresionismo tenía en sus características un mundo de fantasía desenfrenado y audaz, que se combinaba vívidamente con el misterio romántico. En el siglo XIX, los artistas comenzaron a pensar fuera de lo común, rechazando por completo los patrones aceptados, y esta fortaleza se transmite en el tono de sus obras. Durante este período trabajaron muchos artistas, cuyos nombres todavía consideramos grandes y sus obras inimitables.

Francia

Pierre Auguste Renoir. Renoir logró el éxito y el reconocimiento a base de una gran constancia y trabajo, que otros artistas podrían envidiar. Creó nuevas obras maestras hasta su muerte, a pesar de que estaba muy enfermo y cada pincelada le traía sufrimiento. Coleccionistas y representantes de museos siguen persiguiendo sus obras hasta el día de hoy, ya que la obra de este gran artista es un regalo invaluable para la humanidad.

Paul Cezanne. Siendo una persona extraordinaria y original, Paul Cezanne pasó por pruebas infernales. Pero en medio de persecución y cruel burla, trabajó incansablemente para desarrollar su talento. Sus magníficas obras tienen varios géneros: retratos, paisajes, naturalezas muertas, que pueden considerarse con seguridad fuentes fundamentales. desarrollo inicial post impresionismo.

Eugenio Delacroix. Una búsqueda audaz de algo nuevo y un interés apasionado por la modernidad fueron característicos de las obras del gran artista. Le encantaba principalmente representar batallas y peleas, pero incluso en los retratos se combina lo incompatible: la belleza y la lucha. El romanticismo de Delacroix surge de su personalidad igualmente extraordinaria, que al mismo tiempo lucha por la libertad y brilla con belleza espiritual.

España

La Península Ibérica también nos dio muchos nombres famosos, entre ellos:

Países Bajos

Vincent Van Gogh es uno de los más holandeses prominentes. Como todo el mundo sabe, Van Gogh padecía una grave enfermedad mental, pero esto no afectó su genio interior. Ejecutado en técnica inusual, sus pinturas se hicieron populares sólo después de la muerte del artista. El más famoso: " Noche de estrellas", "Iris", "Girasoles" están incluidos en la lista de los más obras caras arte en todo el mundo, aunque Van Gogh no tuvo ninguna educación artística especial.

Noruega

Edvard Munch es originario de Noruega y famoso por su pintura. La obra de Edvard Munch se distingue marcadamente por la melancolía y cierta imprudencia. Muerte de la madre y hermana Incluso en la infancia, las relaciones disfuncionales con las mujeres influyeron mucho en el estilo pictórico del artista. Por ejemplo, todos obra famosa“Scream” y la igualmente popular “Sick Girl” conllevan dolor, sufrimiento y opresión.

EE.UU

Kent Rockwell es uno de los famosos paisajistas estadounidenses. Sus obras combinan realismo y romanticismo, lo que transmite con mucha precisión el estado de ánimo de la persona representada. Puedes contemplar sus paisajes durante horas e interpretar los símbolos de forma diferente cada vez. Pocos artistas han podido representar la naturaleza invernal de tal manera que quien la mira sienta realmente el frío. La saturación de color y el contraste son el estilo reconocible de Rockwell.

El siglo XIX es rico en creadores brillantes que hicieron enormes contribuciones al arte. Los artistas extranjeros del siglo XIX abrieron las puertas a varios movimientos nuevos, como el postimpresionismo y el romanticismo, lo que, de hecho, resultó una tarea difícil. La mayoría de ellos demostraron incansablemente a la sociedad que su creatividad tiene derecho a existir, pero muchos, lamentablemente, lo consiguieron sólo después de la muerte. Su carácter desenfrenado, su coraje y su voluntad de luchar se combinan con un talento excepcional y una facilidad de percepción, lo que les da todo el derecho a ocupar una celda significativa y significativa.

Pintado directamente de la naturaleza, en comunicación viva con el modelo, a través del estudio y la observación directos, un retrato es la base del arte realista. El desarrollo del realismo comienza con el retrato. En Rusia, el retrato apareció más tarde que en Europa. Sólo a finales de los siglos XVII y XVIII el retrato ruso finalmente tomó forma como un género independiente.

El retrato ruso se desarrolló sorprendentemente rápido, desde los parsuns de finales del siglo XVII hasta los retratos de Rokotov, Shubin, Levitsky, Borovikovsky del siglo XVIII, que con razón pueden ubicarse a la par de los mejores ejemplos del arte del retrato europeo contemporáneo. Este desarrollo inusualmente rápido y fructífero se explica en gran medida por el hecho de que los artistas rusos conocían bien a los maestros occidentales, aprendieron de ellos, sin imitarlos nunca ciegamente y preservando su identidad nacional.

El humanismo, la especial atención a las personas y la calidez constituyen una de las principales características del retrato ruso. Ilustración rusa, que desarrolló una alta idea de valor. personalidad humana, tuvo una gran y fructífera influencia en el arte del retrato. Se desarrolló con éxito en la primera mitad del siglo XIX, alcanzando su apogeo en los retratos de Bryullov, que sorprenden por la emotividad de las imágenes y la belleza de la forma plástica.

La segunda mitad del siglo XIX fue el apogeo del retrato realista ruso. Refleja claramente una nueva idea del valor de la persona humana, cuyas actividades y poder creativo están orientados al servicio del pueblo. En este momento, la gama de modelos cambió drásticamente: predominaron los retratos de figuras destacadas de la cultura nacional. Los artistas siempre han evaluado de manera muy objetiva a una persona, su importancia social y su lugar en la vida de la sociedad rusa. Pero el sello de la era histórica y las líneas claras de la nacionalidad no ahogaron el brillo de las características individuales. El retrato realista de los artistas democráticos se oponía firmemente a los retratos de salón castrados y halagadores de los pintores académicos y de la corte.

En el siglo XIX, ningún país de Europa tenía una constelación tan brillante de retratistas como Rusia, donde trabajaron casi simultáneamente maestros como N. Ge, V. Perov, I. Kramskoy, N. Yaroshenko, I. Repin. A ellos cabe añadir merecidamente los nombres de V. Vasnetsov y V. Surikov. Estos artistas son los principales creadores y creadores no solo de los más brillantes. características del retrato destacados pueblos rusos, pero también representantes típicos del propio pueblo. Fueron ellos, y sobre todo en el retrato, quienes comprendieron la belleza y el valor espiritual del hombre ruso. El arte ruso siempre ha tenido una base principal y común de su existencia. Y esta base es el alto humanismo y el nacionalismo que impregnan la pintura histórica y de género rusa y se manifiestan claramente en el retrato. El retrato ruso impresiona por su poder emocional, su capacidad de expresar profundamente el mundo interior de una persona en toda su plenitud y significado.

La tendencia de la reflexión veraz y directa en la pintura vida moderna con sus contrastes sociales, interés y deseo de expresar un mundo interior profundo alma humana, para revelar valores éticos con la inhumanidad del orden social burgués: todo esto adquirió un carácter fundamental en la obra de los artistas de la escuela democrática rusa de la segunda mitad del siglo XIX.

Segunda mitad siglo XIX En la pintura rusa fue una época de brillante florecimiento del realismo democrático. El cambio decisivo que se produjo en la literatura y el arte en los años 40 y 60 del siglo XIX consistió, ante todo, en el hecho de que los escritores, poetas, músicos y artistas rusos se dirigieron al pueblo, a sus pensamientos y aspiraciones. La vida del pueblo se convirtió en el contenido principal de sus obras. La consecuencia de esto fue el desarrollo intensivo y generalizado de la pintura de género con sus temas específicos de la vida de la ciudad y el campo. La mayoría de los artistas del género también practicaron el retrato.

Nunca antes había aparecido en la pintura un número tan significativo de retratos de destacadas figuras progresistas de la época, y en cada uno de estos retratos se puede ver no sólo una vívida expresión de la apariencia individual de un escritor o científico, músico o artista, sino también la sello de una época histórica y rasgos claros de nacionalidad. Sin duda se trata de gente rusa. y en retratos la gente común Los artistas notaron los aspectos más valiosos y vibrantes del carácter nacional.

El tipo principal de retrato se convirtió en el retrato de caballete, pero principalmente semifigurado: la estructura y posición de las manos, incluso las que no gesticulan, siempre realzan las características del modelo. En este momento, los retratos ceremoniales oficiales, tan frecuentes en el siglo XVIII y la primera mitad del XIX, desaparecieron casi por completo, así como los retratos matrimoniales emparejados (que abrieron la posibilidad de un contraste expresivo de personajes). Ahora la atención del artista se centró sólo en un individuo. Además, durante toda la segunda mitad del siglo no se realizó ni un solo retrato de grupo, a excepción de algunos retratos familiares.

Los artistas rusos, representantes de la cultura democrática, buscaron capturar en una imagen pintoresca un retrato confiable de sus contemporáneos, que se distinguiera por similitudes convincentes.

Claramente prevalece el número de retratos de personalidades socialmente significativas. Aquí es apropiado señalar las actividades del P.M. Tretyakov, quien, habiendo comenzado a coleccionar una colección de retratos de figuras culturales rusas, asumió que esta colección debería ser parte de la galería nacional que había planeado.

A finales de los años 70, la Galería Tretyakov, que se reponía constantemente, tenía casi todo lo mejor que se había creado y estaba siendo creado nuevamente en ese momento por el arte realista ruso.

La segunda mitad del siglo XIX fue el apogeo del arte democrático ruso, que se opuso al arte reaccionario de las clases dominantes. La pintura rusa, que es una parte importante de la cultura, ha adquirido un carácter claramente democrático.

Es completamente natural que los artistas democráticos recurran al retrato. En la época de los años 60 y 90, el retrato adquirió una importancia sin precedentes. Los artistas avanzados, al igual que otras figuras progresistas de esa época, comprendieron el pleno significado y valor de la personalidad humana, cuyas actividades y poder creativo están dirigidos a servir al pueblo.

Un retrato en esencia no es una simple imagen de una persona, y fundamentalmente implica no solo la transferencia de lo externo, sino también la transferencia de lo interno, la expresión de las propiedades, la esencia, el alma de una persona, y no solo el Imagen de su apariencia, de sus manifestaciones externas.

Sólo a finales de los siglos XVII y XVIII el retrato ruso finalmente tomó forma como un género independiente. Además, habiendo recorrido un largo camino desde un signo de superioridad social, se desarrolló con éxito en la primera mitad del siglo XIX, alcanzando su punto máximo en los retratos de la segunda mitad del siglo XIX, impactando por la emotividad de las imágenes y la belleza. de la forma plástica. El humanismo, la especial atención a las personas, es una de las principales características del retrato ruso. Gracias a estas cualidades, que reconocen el valor del individuo, el retrato recibe un desarrollo particularmente amplio en el arte ruso.

“Solo puedes confiar en esos retratos
En el que el modelo es casi invisible,
Pero el Artista es muy claramente visible”.
Oscar Wilde.
La primera mitad del siglo XIX en la vida de la sociedad rusa fue dramática al principio, pero también romántica más tarde. Los acontecimientos de la guerra de 1812, la derrota del ejército ruso y la toma de territorios por Napoleón a principios de siglo, la marcha victoriosa por Europa y el oleaje. identidad nacional se convirtió en la base para el posterior surgimiento y desarrollo del interés por conocer a una persona en particular en momentos importantes de su vida, en su mundo interior y sus experiencias. Un poco antes, estas tendencias aparecieron en Europa y dieron origen al arte.romanticismo,que en Rusia adquirió su propia peculiaridad: a principios de siglo era heroico, asociado con interés en la cultura y la historia nacionales, hasta los talentos nacionales. Y esto condujo a logros sobresalientes en el retrato, que conectaron directamente al artista con la sociedad y con contemporáneos destacados.
Uno de los retratistas más famosos de la época fueOrest Kiprensky (1782-1836) , en cuyo arte incluso un períodoReflejó tanto los rasgos del clasicismo como del romanticismo.

Kiprensky vivió una vida tormentosa, en la que lo tenía todo: ilegitimidad de una madre sierva, un apellido inventado, estudiando desde los 6 años en una escuela de la Academia de Artes bajo el liderazgo de Levitsky, acusaciones de fraude cuando un estudiante de 22 años -El viejo artista presentó un retrato de su padre adoptivo en Italia (allí inicialmente consideraron esta obra como una obra maestra desconocida de Rubens o Rembrandt).

Era extraordinariamente guapo y apasionado, tenía un temperamento frenético e impresionabilidad, y experimentó un aumento de la fama en Italia y Rusia (donde lo llamaban el "Van Dyck ruso"). Y luego todo fue cuesta abajo: rumores sobre el asesinato de su modelo, la adopción del catolicismo y un matrimonio innecesario, la embriaguez, la pobreza y la muerte lejos de la patria.

Su lápida en Roma dice: "En memoria de Orest Kiprensky, el más famoso entre los artistas rusos". (Puedes leer más sobre su biografía aquí:http://art19.info/kiprenskiy/biography.html )
Otro pintor destacado de esa época,Alexéi Venetsiánov (1780-1847) El lugar principal de la obra lo ocupó la representación del trabajo y la vida de los campesinos, algo idealizada y suavizada.

Venetsianov comenzó su andadura en el arte con lecciones de dibujo que le dio su “tío” (tutor), un hábil dibujante. En aquella época, como recordamos, el género principal era el retrato, y el joven autodidacta, tras haber pintado un retrato de su madre, decidió dedicarse a la pintura, se fue a San Petersburgo y trabajó como dibujante en la departamento postal.

Un feliz accidente lo convirtió en alumno de Borovikovsky, poco a poco ganó cierta fama y pudo dedicarse por completo a la pintura. Poco después de casarse, Venetsianov compró una pequeña propiedad y se sumergió por completo en una nueva dirección de la pintura rusa: los retratos y escenas de genero de vida campesina. Al mismo tiempo, descubrió en sí mismo una segunda vocación: enseñar a pintar a niños campesinos capaces, e incluso compró algunos que eran siervos. Crió a más de 70 estudiantes capaces en su “Escuela Venetsianov”.

"El realismo poético temprano de Venetsianov, que se convirtió en una etapa muy necesaria en el desarrollo de la pintura rusa, también influyó en su obra de retratos, enriqueciendo así todo el retrato ruso de este período".
(http://www.artprojekt.ru/gallery/russian/60.html ) Los últimos años de su vida fueron difíciles: su esposa murió de cólera, no había fondos suficientes, sus hijas no pudieron casarse, muchos estudiantes traicionaron sus ideales y pintaron escenas felices inverosímiles de la vida campesina y embellecieron retratos. El artista murió de una manera absurda y terrible: los caballos en el carro se escaparon, sus manos se enredaron en las riendas, y durante varios kilómetros su cuerpo, arrojado fuera del carro, se precipitó tras él sobre las piedras. (Puede leer una biografía detallada del artista aquí:http://art19.info/venetsianov/biography.html )
Otro artista destacado de la primera mitad del siglo XIX.Alejandra Ivanova (1806-1858)

el retrato, por regla general, no era lo principal de la obra; era un boceto auxiliar para la creación de un gran lienzo histórico o histórico-religioso. ¿Recuerda toda una sala de retratos de varios tamaños y bocetos en la Galería Tretyakov, pintados por el artista para el cuadro principal de su vida: "La aparición de Cristo al pueblo"? Algunos críticos de arte creen que los bocetos superaban el valor de la pintura en sí, que resultó ser enorme (5,4 mx 7,5 m), que inspira respeto, pintada durante 20 años, pero que, en mi opinión, no toca el alma. Pero cada boceto puede considerarse una pintura completa, mira esta cabeza, es un retrato de Gogol, solo que con barba y cabello largo y rizado.

Desde los 25 años hasta casi el final de su vida, el artista vivió en Italia, prácticamente en la pobreza y en ocasiones incluso pasando hambre, sin formar una familia, aunque sentía un gran amor por la bella italiana Vittoria Caldoni, quien prefería a su amiga, la artista Lapchenko. (Esto está curiosamente escrito aquí:http://nearyou.ru/ivanov/0vittoria.html .

No tuvo suerte con las mujeres. Durante unos ocho años vivió con una tal Teresa (hay una mención de ella en su correspondencia), ella siempre le hacía escenas y le robaba más de una vez. Había otra mujer de la que estaba enamorado, la condesa Apraksina, pero fue entregada en matrimonio a otra persona. Al regresar a Rusia, Ivanov se infecta de cólera un mes después y muere.
Un lugar especial en el retrato lo ocupa el trabajo de otro artista ruso, que a menudo introdujo detalles de género en sus retratos. Esto es sobrePavlé Fedotov (1815-1852) ,

militar de carrera, capitán de la guardia, que dejó el servicio y se dedicó al arte por orden de NicolásI, quien conoció las grandes habilidades del “oficial de dibujo”. Y comenzó a dibujar como pintor de batallas; le atraían escenas de batallas a gran escala, así como caricaturas y caricaturas de sus compañeros del cuerpo de cadetes. Dejar servicio militar Fedotov se había estado preparando incluso antes de la orden del zar; el fabulista Krylov, que vio su obra y le aconsejó "exponer la maldad de la vida rusa y contribuir así a su mejora", lo llamó a esto. Todos conocéis sus famosas escenas de género, que despertaron gran interés en el espectador, pero en los retratos demostró ser un artista extraordinario, observador y franco.

A veces podía caminar media ciudad detrás de algún tipo que le gustara para verlo mejor en movimiento y luego retratarlo en una de sus escenas planeadas. Vivía muy modestamente con su ordenanza, a veces incluso vivía en la pobreza, pero ayudaba a su familia: su padre y sus hermanas.

El final de su corta vida fue terrible: murió en un hospital psiquiátrico, en el departamento para locos violentos por pleuresía, solo su fiel ordenanza lo enterró, sus amigos ni siquiera fueron notificados. (Puede encontrar una biografía detallada aquí:http://art19.info/fedotov/biography.html ).
Un pintor brillante, un magnífico retratista, un monumentalista talentoso, un excelente acuarelista, un clasicista y un romántico: todos estos epítetos no son exagerados cuando hablamos deeste artista.

Dios mismo le ordenó convertirse en artista, dignándose nacer en la familia de un artista y profesor de la Academia de Artes de San Petersburgo, Pavel Brullo. Ya a los 10 años ingresó a la Academia y sorprendió a los profesores con su talento y técnica, facilidad para escribir y eficacia. En 1822, añadiendo una “v” a su apellido, Bryullov y su hermano realizaron una gira por Europa en nombre de la Sociedad para el Fomento de los Artistas. Sus obras, escritas en Italia, tuvieron un gran éxito y recibieron los elogios del propio Nicolás. I . el escribe por ordenes un gran número de retratos utilizando una variedad de técnicas artísticas y estilos desde el barroco hasta el realismo, presentando detalles y mobiliario del hogar.

Al regresar a su tierra natal como un artista conocido, se vuelve muy solicitado en alta sociedad retratista, muchos nobles, políticos y escritores consideran un honor tener su propio retrato de Bryullov.

En 1847, después de un fuerte resfriado, el reumatismo de Bryullov empeoró y su trabajo empeoró ya que padecía una enfermedad cardíaca desde pequeño, ante la insistencia de los médicos, pasó siete meses en cama, pero continuó trabajando;

A petición de los mismos médicos, en 1849 Bryullov se mudó a la isla de Madeira, luego a un pequeño lugar cerca de Roma, pintó varios retratos, pero esto ya le resultaba difícil, y en 1852 el artista murió, dejando muchas obras inacabadas y bocetos en el estudio. (Puedes leer la biografía completa aquí: (http://art19.info/brullov/biography.html ).
Poco a poco nos acercamos a mediados del siglo XIX, cuando en el arte ruso en general, y en la pintura en particular, grandes cambios asociado con cambios en la situación del país y el estado de ánimo en la sociedad. “Nació el arte realista nacional, cuya tarea era reflejar la vida de la sociedad y del pueblo...” (http://art19.info/russkaja-zhivopis/articles.html). Aunque no me gustan tales definiciones, por considerarlas descabelladas, soy de la opinión de que la pintura (y el arte en general) no está obligada a “proponerse la tarea” de reflejar nada, pero éste no es el lugar para esta conversacion.
Uno de los primeros artistas rusos que sintió y logró transmitir la necesidad de cambio de la sociedad, la llamó a la comprensión, llamó la atención sobre la vida de la gente, “expuso”, como dicen los críticos, la injusticia y la opresión, fueVasili Perov (1834-1882) .

Su apellido fue en un principio un apodo que le puso un profesor de gramática por su buen “manejo de la pluma”, que luego se convirtió en el único. Era hijo ilegítimo del barón Kridener, quien lo crió en su familia. Perov es conocido principalmente por sus pinturas de género, algunas de las cuales son claramente reveladoras (por ejemplo, "Troika", familiar para muchos por el libro de texto soviético "Native Speech"), pero a nosotros nos interesan los retratos, muchos de los cuales se consideran obras maestras del arte. el género.

“Este retrato no es sólo el mejor retrato de Perov, sino también uno de los mejores retratos de la escuela rusa en general. todo esta en el fortalezas El artista es evidente: carácter, poder de expresión, enorme relieve”. Así describió Ivan Kramskoy este trabajo. Perov pinta toda una serie de retratos de escritores y músicos rusos, entre ellos magníficos retratos de Turgenev, Rubinstein y Ostrovsky.

El artista Nesterov dijo maravillosamente sobre sus retratos de ese período: “...Expresados ​​con colores tan anticuados y diseños simples, los retratos de Perov vivirán durante mucho tiempo y no pasarán de moda, al igual que los retratos de Luke Cranach y retratos escultóricos antiguos”.
Creación años recientes Su corta vida se considera poco exitosa y su vida misma fue trágica: la muerte de su esposa, la pérdida de dos hijos mayores y la tuberculosis. La larga, grave e incurable enfermedad en ese momento se vio agravada por la fiebre tifoidea y la neumonía, el artista murió a la edad de 48 años y fue enterrado en el cementerio del Monasterio de Donskoy. (Más detalles aquí:http://www.art-portrets.ru/vasiliy-perov.html )
Uno de los artistas más brillantes de esa época, que probó suerte tanto en los géneros cotidianos como en los históricos, pero se hizo famoso principalmente gracias a los retratos de sus contemporáneos, fueIván Kramskoi (1837-1887).


Toda su vida es una completa contradicción: era un académico y al mismo tiempo un luchador contra el academicismo, era un ferviente admirador de Chernyshevsky, pero pintaba retratos de miembros de la familia real. Habiéndose hecho famoso por su virtuosa pintura de retratos, el artista, sin embargo, consideraba que este tipo de pintura era una carga, un deber, “no un verdadero arte”, que le permite mantener a su familia, pero lo distrae de lo que haría. le gusta hacer: "buscar una meta". existencia humana y resolver problemas sociopolíticos a través de la pintura”.

Y nosotros, descendientes, tuvimos la suerte de que para mantener el nivel de vida de la familia, el artista tuvo que aceptar encargos de una gran cantidad de retratos, gracias a los cuales tenemos la oportunidad de ver los rostros de muchas personas destacadas de ese tiempo.

Kramskoy conoció a su futura esposa cuando tenía 22 años; ella era la mantenida de un artista poco conocido, y cuando él se fue al extranjero, ella se convirtió en su esposa, le dio 6 hijos, dos de los cuales sobrevivieron, y fue su asistente y apoyo no sólo en la vida cotidiana, sino también en las actividades del “Artel de Artistas” que dirige su marido.

Los últimos años de la vida del artista se vieron ensombrecidos por la interminable búsqueda de ingresos, el trabajo forzado y aburrido de retratos por encargo, la imposibilidad de dedicarse a otros temas, la mala salud y los dolores de cabeza que intentaba reprimir con morfina. Murió antes de cumplir 50 años mientras trabajaba en otro el ultimo retrato(Doctor Rauchfus) debido a la rotura de un aneurisma aórtico, fue imposible ayudarlo.
Y de otro pintor de origen francés y de insólito destino zigzagueante,Nicolae Ge (Homosexuales) (1831-1894) ,

quien comenzó su trabajo con escenas del evangelio, primero se hizo famoso por sus pinturas temas historicos, quien, junto con Myasoedov, participó activamente en la creación de la Asociación de Exposiciones Itinerantes, se adentró en el desierto para dedicarse a la agricultura, se hizo amigo de León Tolstoi y nos dejó retratos de muchos de sus grandes contemporáneos. Dato biográfico interesante: Ge conoció a Herzen en Italia,

pintó su magnífico retrato y sólo pudo entregarlo a Rusia bajo la apariencia del profeta Moisés, ya que Herzen vivía en el exilio y el retrato de "este rebelde" podía ser destruido por los gendarmes en la frontera. Desde la década de 1880, Ge se ha convertido no sólo en un seguidor de León Tolstoi, sino también en su amigo,

está experimentando un renacimiento espiritual, declara que sólo se debe vivir del trabajo honesto y que “el arte no se puede comerciar”. Al final de su vida, el artista se dedicó al tema. últimos días Cristo. Dijo: “Haré sacudir todos sus cerebros con el sufrimiento de Cristo”. Pero su nuevo estilo, que anticipó la llegada del expresionismo, no fue aceptado por el público ni por la crítica. Su repentina muerte a la edad de 63 años interrumpió su búsqueda de nuevos medios de expresión; sus contemporáneos no entendieron el “gran avance que había logrado el artista”.del siglo XIX a la dolorosa estética del próximo siglo." (Ana ayer.