Anna Silivonchik est née en 1980 à Gomel. De 1992 à 1999 a étudié au Lycée républicain des arts (Minsk, Biélorussie). 1999-2007 - formation à l'Académie d'État des Arts de Biélorussie, département peinture sur chevaletÀ Minsk. Depuis 1999 - participation à des expositions régionales et républicaines. Diplôme de la 4e Biennale internationale d'art contemporain de Tachkent (2007).
Vit et travaille actuellement à Minsk.
Parmi les jeunes Peintres biélorusses elle est à juste titre considérée comme une personne brillante pour son style d’auteur inhabituellement original et la création d’un monde d’images particulier. La source des orientations esthétiques d'Anna doit être recherchée dans le réalisme fantastique de M. Chagall, dans l'art naïf des primitivistes du début du XXe siècle et, bien sûr, dans les arts et métiers populaires et le folklore.
Anna travaille selon la technique traditionnelle peinture à l'huile, mais expérimente constamment différents moyens visuels, en utilisant la texture et le motif de la toile, sélectionnés spécifiquement pour chaque œuvre. Un sens très subtil de la couleur et une ligne réfléchie, un travail minutieux des détails permettent d'exprimer très justement une certaine ambiance
Il faut lui rendre hommage : les œuvres de l’artiste sont imprégnées d’une bonne dose d’humour subtil et donnent au spectateur une forte charge émotionnelle, frappant par leur caractère métaphorique, donnant lieu à de nombreuses associations inattendues.
Les œuvres se trouvent au Musée d'art contemporain de Minsk, en Biélorussie, ainsi que dans des collections privées en Russie et à l'étranger.
artnow.ru
L’art naïf est souvent identifié au primitivisme. Mais, même si ces deux mouvements artistiques sont très proches, ils ne sont pas la même chose.
Art naïf réunit la créativité amateur, l'art des artistes autodidactes. Quant au primitivisme, il s’agit d’un style de peinture apparu au XIXe siècle, qui constitue une simplification délibérée d’un tableau, rendant ses formes primitives. C'est déjà de la peinture par des professionnels.
L’art brut est plus proche de l’art naïf. L'art naïf se présente sous toutes les formes : peinture, graphisme, art décoratif, sculpture, architecture. L’avant-garde russe s’est également tournée vers l’art naïf.
Niko Pirosmani (1852-1918)
Le représentant le plus célèbre de l'art naïf est peut-être Niko Pirosmani (Nikolai Aslanovich Pirosmanishvili). C'est la chanson "Million" sur lui roses rouges" Il est né en Géorgie dans une famille paysanne. Il n’a pas seulement reçu une éducation artistique, mais aucune éducation du tout. Il ne savait lire que le géorgien et le russe. Il a étudié la peinture auprès d'artistes itinérants qui peignaient des enseignes pour des magasins et des maisons. Il a créé sa propre créativité sur la seule chose qui était toujours à portée de main : sur une simple toile cirée prise sur la table.
N. Pirosmani « Port de Batoumi »
À l’été 1912, les Cubo-Futuristes s’intéressèrent à l’œuvre de Pirosmani et commencèrent à en faire la promotion : Ilya et Kirill Zdanevich, Mikhail Le-Dantue et d’autres l’achetèrent à Pirosmani. un grand nombre de peintures, et Ilya Zdanevich a publié en 1913 dans le journal « Transcaucasian Speech » un article sur le travail de Pirosmanishvili sous le titre « Nugget Artist ». 24 mars 1913 à Moscou lors de l'exposition « Target » avec des œuvres artistes célèbres(Larionov et Goncharova) plusieurs tableaux de Pirosmani, apportés de Tbilissi par Ilya Zdanevich, ont également été exposés. De jeunes artistes géorgiens se sont intéressés au travail de Pirosmani et David Chevardnadze a commencé à rassembler une collection de ses œuvres. Mais cela n'a donné à Pirosmani aucune prospérité dans la vie - en 1918, il est mort de faim et de maladie.
N. Pirosmani « Chevreuil sur fond de paysage » (1915). Musée d'État arts de Géorgie, Tbilissi
Les images animalières occupent une place particulière dans le travail de l’artiste. L'un des artistes géorgiens a remarqué que les animaux des peintures avaient les yeux de l'artiste lui-même.
L'art naïf comme phénomène culture artistique est en dehors du champ de l’art professionnel. Sa compréhension et son appréciation n'ont commencé à prendre forme qu'au début du XXe siècle, mais l'art naïf a eu et continue d'influencer le travail des artistes professionnels en Russie et Europe de l'Ouest. Pendant la période du pouvoir soviétique, les spectacles amateurs étaient utilisés à des fins idéologiques. Mais l’art naïf reste fidèle à des valeurs éthiques : foi en l’avenir, respect du passé. Sa principale différence avec l’art officiel et opportuniste est qu’il est désintéressé.
Sergueï Zagraevsky "Nature morte". Cet auteur est également classé comme primitiviste.
Dans de nombreux pays, il existe des musées d'art naïf : en Allemagne, il s'agit du musée Charlotte Zander. Au musée Tsaritsyno, les propriétaires terriens ont rassemblé une collection d’art naïf. Le musée-réserve d'État de Souzdal a grande collection art naïf. A Moscou, il existe un musée d'art naïf à Novogireevo. Il existe également de nombreuses peintures d'artistes amateurs dans des collections privées. A Nice (France) se trouve le Musée d'art naïf A. Zhakovsky.
Les œuvres d’art naïf sont très attractives. Vous voulez les regarder et les regarder, être surpris et sourire, être triste et les admirer. Parfois, il semble que ce ne soit pas si naïf, c'est de l'art s'il évoque tant de sentiments. C'est comme si ça venait d'un autre monde. Mais c’est une attitude personnelle et des émotions personnelles. Comment les experts évaluent-ils la créativité naïve ?
Elle a publié plusieurs livres sur l'art naïf contemporain K. Bohemskaïa. Nous nous tournerons vers son livre « Naive Art » pour parler de l'œuvre de Pavel Leonov.
Pavel Petrovitch Léonov (1920-2011)
Pavel Léonov (2001)
« Leonov appelait ses compositions des constructions. Ces structures sont envahies par de la chair colorée. Les figures des gens sont le plus souvent noires - comme si elles étaient toutes, comme des prisonniers dans un camp, vêtues de cabans noirs. Mais parfois, ils s'habillent en blanc. Petits oiseaux noirs, coches visibles dans le ciel pâle premières peintures, deviennent des freux noirs charnus dans le bleu des plus récents, puis des oiseaux blancs volent ici aussi.
Le triomphe des rêves sur la vie, des projets sur la réalisation, si inhérent à Leonov, est caractéristique caractère national russe" (K. Bogemskaya).
P. Leonov « Bonjour Pouchkine !
Les créations de Leonov sont à plusieurs niveaux et s'étendent sur toute la surface de la toile. Et les toiles sont de taille énorme, ce qui permet à l'auteur de vivre à l'intérieur de son tableau, pour ainsi dire, de vivre dans le monde qu'il représente. Ses peintures représentent le passé, mais en même temps, embellissant le passé, elles semblent parler d'un avenir meilleur. « Les peintures de Leonov contiennent de tels force de vie"qu'ils conquièrent tous les cœurs ouverts aux impressions artistiques et non gâtés par les normes de consommation des échantillons de musée."
P. Leonov "Et je devrais voler..."
« Créée en dehors des frontières d'une école et d'un style professionnels, la créativité marginale naît de besoins très éloignés du désir de renommée artistique. Ses créateurs gens étranges- les excentriques, les exclus. Ils projettent dans leurs œuvres des images et des visions issues de souvenirs, de rêves et de rêves. Ils se parlent dans le langage des images. Ils dessinent comme s'ils jetaient un sort, créant autour d'eux leur propre monde, un cocon qui les abrite de la réalité » (K. Bogemskaya).
P. Leonov « Dans le pays où il y a des palmiers et des citronniers »
« … Les années passeront, et ce sera évident pour tout le monde : Leonov est un grand artiste russe. Ils ne se souviendront plus de la définition de « naïf ». Donc la plupart artiste célèbre La Suisse est devenue Adolf Wölfli. Ainsi, Niko Pirosmanishvili est considéré comme un grand artiste géorgien.
Leonov a créé sa propre image de la Russie, qui n'a jamais existé auparavant. Il a créé un style qui lui appartenait et sa propre couleur inspirée.
L’héritage de Leonov, composé d’un millier et demi de grandes toiles, comme l’héritage d’autres grands artistes, est un monde immense, dans lequel se reflètent et se réfractent diverses facettes du monde environnant.
La valeur de Leonov sera évaluée par l'avenir, qui aura besoin des fondations pour la construction du bâtiment culture nationale"(K. Bogemskaïa).
De la biographie
P. Leonov «Autoportrait» (1999)
Pavel Petrovich Leonov est né dans la province d'Orel. Sa vie était dure, il travaillait dans des usines, coupait du bois, réparait des navires, construisait des routes, était charpentier, plâtrier, poêle, ferblantier, peintre et graphiste. A vécu à Orel, en Ukraine, en Azerbaïdjan, en Géorgie et en Ouzbékistan. Il fut arrêté à plusieurs reprises dans les années 1940-1950.
Il commence à peindre dans les années 1950 au Kamtchatka. Dans les années 1960 a étudié avec Roginsky. Roginsky l’appelait « Don Quichotte de l’époque soviétique ». La période la plus fructueuse de son œuvre a commencé dans les années 1990, lorsque ses œuvres étaient activement achetées par des collectionneurs moscovites, même s'il vivait constamment dans la pauvreté et dans des conditions de vie difficiles.
Après la mort de sa femme, il n'a pas travaillé et a vécu avec son fils dans le village de Savino, dans la région d'Ivanovo. Il y est enterré.
Elena Andreïevna Volkova (1915-2013)
Il y a quelque chose d’enfantin, de chaleureux et de touchant dans ses œuvres. Ils ne ressemblent pas oeuvres célébres classiques Mais apprendre à les connaître apporte du bonheur à l'âme.
E. Volkova « Le petit cochon caché » (1975-1980)
Parmi les raisins, les concombres, les pommes, les poires et les champignons, au centre même de l'élégante nature morte se trouve un cochon. "Ne pensez pas que c'est un cochon en gelée", disait à chaque fois Elena Andreevna en montrant cette œuvre. "Il s'est enfui de sa mère et s'est caché parmi les fruits."
Elena Andreevna Volkova recrée dans ses peintures la vision joyeuse du monde de son enfance.
E. Volkova « Cheval dans une forêt d'argent »
« Tout ce que j'écris maintenant sur mes toiles me est né depuis l'enfance. C'était tout mon rêve, j'ai tout observé, tout capturé depuis l'enfance jusqu'à aujourd'hui. Je ne passerai jamais à côté d'aucune beauté, j'aime tout ce qui m'entoure. Tout est très beau à sa manière » (extrait du livre « Naive Art » de K. Bohemskaya).
Musicale depuis l'enfance, elle perçoit la mauvaise couleur comme une mauvaise voix qui gâte toute la chorale. Ses peintures apportent chaleur et joie, pureté spirituelle et vie elle-même dans toute sa polyvalence.
E. Volkova « Paix à tous ! » (1984)
Sa réalité est remplie d'amour. Son monde est une lumière et une paix absolues.
E. Volkova « Printemps »
De la biographie
Elle est née à Chuguev, non loin de la maison natale d'Ilya Repin, dans une famille simple. Elle a travaillé comme assistante projectionniste sur une installation cinématographique mobile. Son mari est mort pendant la guerre. E. Volkova a commencé à peindre dans les années 1960, à l'âge de 45 ans, sans avoir éducation artistique. L'un des fondateurs de l'avant-garde ukrainienne, Vasily Ermilov, a acquis plusieurs de ses tableaux. Sergei Tarabarov de la galerie d'art naïf de Moscou "Dar" considère en 2000 Volkova comme l'une des plus artistes intéressants, travaillant dans le style de l’art naïf en Russie.
Elena Volkova est devenue la première artiste du genre de l'art naïf à présenter une exposition personnelle à la galerie Tretiakov.
Ces dernières années, elle a vécu à Moscou. Elle est décédée à l'âge de 99 ans.
Taisiya Shvetsova (née en 1937)
Artiste de la région de Vologda. Il n'a aucune éducation artistique particulière. Elle peint depuis 1996. Ses peintures sont une célébration de la générosité et de la gentillesse.
T. Shvetsova « Cheval » (2008)
T. Shvetsova «Quatre Noëls» (2007)
Artiste néerlandaise Ina Freke (née en 1941)
Ina Freke est née à Chroningen (Hollande). Des paysages calmes pays natal elle préfère couleurs vivesété. L'artiste a repris son pinceau pour compenser la perte de sa vie (la mort de son mari). Le choc qu’elle a ressenti a été plus facile à supporter lorsqu’elle a sculpté et peint des tableaux. De nombreuses personnes se tournent vers l’art naïf après des expériences profondes ou un stress.
Thèmes préférés des dessins d’Ina – monde exotique L'Afrique, le fantasme du voyage spatial et le romantisme de la jeunesse. La séparation des taches de couleurs vives par des lignes musicales est le style de Freke.
Ina Freke "Frivolité"
I. Freke « Planète Utopie »
C'est dommage que pour de larges cercles Pour les amateurs et les professionnels de l’art, l’art naïf reste encore un phénomène culturel marginal, incompréhensible et drôle. C’est tout un monde dans lequel il suffit d’entrer pour le comprendre. Et entrez sans préjugés, avec un cœur pur – après tout, c’est avec un cœur pur que ces œuvres ont été créées.
Tableau naïf « Chapeau et roses »
Je suis assis dans un café. Une femme plus âgée s’assoit à ma table – il est clair qu’elle n’a pas beaucoup de revenus. Il sort des feuilles A3 et du charbon. « Voudrais-tu que je te dessine ? Je ne suis pas d’accord, mais je ne refuse pas non plus – c’est intéressant. Marmonnant quelque chose dans sa barbe, la femme dessine littéralement mon portrait en 5 minutes et me propose de le récupérer - bien sûr, pas gratuitement. Quelques minutes plus tard, je me dirige déjà vers le métro, tenant dans mes mains une feuille de papier avec une image très primitive de moi. Je l'ai payé cinquante roubles.
Cette femme m'a rappelé l'art naïf. L'Encyclopédie de l'Art donne la définition suivante de ce genre : « art traditionnel artisans populaires, ainsi que artistes autodidactes, préservant la fraîcheur enfantine et la spontanéité de voir le monde". Peut-être avez-vous croisé ces tableaux - simples, sincères, il semble qu'ils aient été dessinés par un enfant, mais en fait la paternité appartient à un adulte. Le plus souvent, il s'agit même de personnes âgées. Ils ont leur propre métier – travailler, en règle générale. Ils vivent dans des villages et vont travailler tous les jours. L'art naïf est un mouvement assez ancien. Au XVIIe siècle, des artistes non professionnels créaient leurs propres portraits « impitoyablement véridiques », et au XXe siècle, l'art naïf émergeait comme une direction distincte, libre des règles et normes académiques.
L’iconographie est considérée comme l’ancêtre de la peinture naïve. Après avoir vu de telles icônes, vous les distinguerez probablement facilement des icônes traditionnelles. Ils sont disproportionnés, primitifs, comme même bâclés. Toutes ces caractéristiques peuvent être appliquées à n’importe quelle peinture d’art naïf, pas seulement aux icônes.
L'un des représentants les plus éminents des naïfs -. Il est également considéré comme le fondateur de l’art naïf. Rousseau a écrit son premier ouvrage à l'âge de 42 ans - il a travaillé comme douanier et n'a commencé à écrire qu'à sa retraite. Ces artistes n’ont pas le temps d’être créatifs professionnellement et ils ne veulent pas le faire. C'est juste parfois temps libre ils dessinent ce qu'ils voient. « Cueillette de pommes », « Battage », « Rivière orageuse », « Toiles blanches » - tels sont les noms des peintures d'artistes naïfs.
L'œuvre de Rousseau a souvent été ridiculisée et durement critiquée, surtout au début. Et l'artiste a acquis une grande popularité après que Camille Pissarro ait été amené à l'un de ses tableaux - ils voulaient l'amuser et le maître a commencé à admirer le style de l'artiste et à faire l'éloge du tableau. C'était la "Soirée de Carnaval", 1886.
Les détails du paysage étaient trop soigneusement dessinés et la construction des plans amusait le public, mais c'est précisément ce qui ravissait Pissaro.
Un autre artiste naïf non moins célèbre est le Géorgien Niko Pirosmani. Au début du XXe siècle, lorsque Pirosmani commença à s'engager activement dans l'art, il peignait avec des peintures faites maison sur des toiles cirées - blanches ou noires. Lorsqu'il était nécessaire de représenter ces couleurs, l'artiste laissait simplement les toiles cirées non peintes - et c'est ainsi qu'il développa l'une de ses principales techniques.
Pirosmani aimait représenter des animaux et ses amis disaient qu'il se dessinait plutôt lui-même dans ces animaux. En fait, les « visages » de tous les animaux de Pirosmani ne ressemblent guère aux vrais visages d'animaux, et ils ont tous le même air : tristes et sans défense, qu'il s'agisse de « Girafe » (1905) ou de « Ours en nuit au clair de lune" (1905).
Niko Pirosmani est mort sans abri, à cause de la faim et des privations. Et cela malgré le fait qu'il travaillait de temps à autre dans la conception de panneaux pour des établissements de restauration publique.
La plupart des représentants sont naïfs quant à leur créativité artistique et ne gagne pas d'argent du tout, le laissant avec le meilleur cas de scenario quelques heures par jour, comme passe-temps. Cela ne fera pas de vous une profession - c'est ce qui fait des artistes naïfs une caste à part. C'est un art très honnête, du fond du cœur - il n'y a aucune pression de commandes sur l'artiste, aucune dépendance financière à l'égard de la créativité. Il dessine simplement parce qu'il aime ça : la récolte, les rituels de jumelage et sa rivière natale dans la forêt. Il aime et loue du mieux qu'il peut.
L’artiste naïf roumain sait le faire d’une manière très particulière. Ses œuvres ressemblent aux illustrations de livres pour enfants : elles sont colorées, gentilles et fabuleuses. Daskalu se distingue de nombreux artistes de l'art naïf en ce sens qu'il représente des sujets fantastiques plutôt que quotidiens. situations de vie. Il y a une maison faite d'une chaussure, des Lilliputiens avec des géants et des licornes volantes. En même temps, ses peintures ne cessent d'être simples, tant dans la forme que dans le contenu. En les regardant, vous avez envie de relire vos contes de fées préférés et de rêver un peu.
Naive inclut la créativité autodidacte et l’art amateur. « Naïf » ne veut pas dire « stupide » ou « borné ». C'est plutôt un contraste art professionnel. Les artistes d’art naïf n’ont pas de compétences artistiques professionnelles. C'est leur différence avec les artistes du primitivisme : ceux-ci, étant des professionnels, stylisent leurs œuvres comme « ineptes » et simples. Et surtout, les artistes naïfs ne s'efforcent pas de peindre selon les canons, de manière professionnelle. Ils ne souhaitent pas développer leur art et en faire leur métier. Les artistes naïfs peignent le monde non pas tel qu’ils l’enseignent, mais tel qu’ils le ressentent.
Au début, il me semblait que l’art naïf était comme des chansons. J'étais tellement content de cette comparaison - elle s'est avérée très colorée et lumineuse. Mais après avoir compris, j'ai réalisé que j'avais tort. L’art naïf est très léger, mais « très sérieux ». Contrairement aux chansons caustiques, il n'y a pas d'humour, de grotesque ou de caricature - même si à première vue cela semble complètement différent. Par naïveté, l’auteur a toujours une perception enthousiaste de ce qu’il dépeint. Et là où il n'y a pas de plaisir, il n'y a pas d'art naïf - ils ne montrent tout simplement pas ces domaines de la vie. La naïveté est une admiration sincère.
Il existe un musée d'art naïf à Moscou - ses employés effectuent un travail sérieux en rassemblant des expositions et communiquent avec les auteurs. Aujourd'hui, le musée compte environ 1 500 œuvres, mais il n'y a pas beaucoup d'espace pour les exposer, donc les expositions changent presque tous les mois.
Ce texte ne dira pas tout sur les artistes de l'art naïf, mais qu'il vous intéresse au moins et vous incite à aller au musée ou à parcourir ces images naïves dans un moteur de recherche. Ces artistes-rêveurs adultes méritent une attention simple - certes sans admiration ni reconnaissance mondiale, mais essayons au moins de les connaître.
Publications dans la section Musées
Guide de l'art naïf
L’art naïf ou l’art d’artistes non professionnels attirent rarement l’attention des galeristes et des critiques d’art. Cependant, les œuvres d'artistes naïfs, simples et ouvertes, peuvent être non moins dramatiques et même artistiquement significatives que les peintures de maîtres reconnus. Découvrez ce qu'est l'art naïf et pourquoi il est intéressant de le suivre dans le matériel du portail « Culture.RF ».
Naïf signifie simple
Alexandre Emelianov. Autoportrait. années 2000. Collection privée
Vladimir Mélikhov. Bifurcation. 1989. Collection privée
L'art naïf est l'œuvre d'artistes sans enseignement professionnel, qui s'adonnent en même temps systématiquement et constamment à la peinture. Dans le naïf lui-même, on peut distinguer des directions distinctes, par exemple l'art brut ou l'art outsider - l'art des artistes ayant un diagnostic psychiatrique.
Très question importante pour les critiques d'art - comment distinguer un naïf d'un amateur. Les critères d'évaluation du travail de ces artistes sont généralement l'originalité et la qualité de leur travail. La personnalité de l'auteur lui-même joue également un grand rôle : a-t-il consacré sa vie à l'art, s'est-il efforcé de dire quelque chose dans ses œuvres (peintures, graphiques, sculpturales).
Le premier est naïf
L'art naïf a toujours existé. Peinture rupestre, la sculpture paléolithique et même les anciennes kouroses et cariatides - tout cela a été réalisé de manière primitiviste. Identification des naïfs comme mouvement indépendant arts visuels ne s'est pas produit du jour au lendemain : ce processus a duré plus d'un siècle et s'est terminé en fin XIX des siècles. Le pionnier de ce mouvement innovant était Henri Rousseau, un artiste français autodidacte.
Rousseau a longtemps servi dans les douanes, déjà à l'âge adulte il a quitté son métier et s'est mis sérieusement à la peinture. Il tente pour la première fois d’exposer certaines de ses œuvres en 1886 à l’Exposition des Indépendants de Paris, mais il est ridiculisé. Et plus tard, au début du XXe siècle, il rencontre de célèbres artistes d’avant-garde, dont Robert Delaunay, qui apprécie le style audacieux de Rousseau. Les artistes d’avant-garde ont souvent « extrait » des peintres originaux comme Rousseau, les ont aidés à se développer et même se sont inspirés de leur travail et de leur vision pour leur propre recherche artistique. Bientôt, les œuvres de Rousseau commencent à être demandées ; le public apprécie l'originalité de ses sujets et surtout son travail avec la couleur.
En Russie, l’art naïf est apparu devant un public de masse lors de l’exposition « Target » de 1913 organisée par l’artiste Mikhaïl Larionov. C'est là que furent exposées pour la première fois les œuvres de Niko Pirosmani, ramenées de Géorgie par les frères Kirill et Ilya Zdanevich, artistes et historiens de l'art. Avant cette exposition, le public ne savait pas que l’art amateur pouvait être autre chose que des estampes populaires et des peintures folkloriques.
Traits naïfs
Niko Pirosmani. Portrait de Sozachvili. années 1910. Musée d'art moderne de Moscou
Niko Pirosmani. Femme avec œufs de Pâques. années 1910 Musée d'art moderne de Moscou
Les œuvres des maîtres naïfs sont souvent unies par une atmosphère de joie et un regard enthousiaste sur la vie quotidienne, couleurs vives et souci du détail, une combinaison de fiction et de réalité.
De nombreux classiques de l'art naïf national, à l'exception peut-être de Niko Pirosmani et Soslanbek Edziev, sont passés par l'école de ZNUI - Université populaire des arts par correspondance. Elle a été fondée en 1960 sur la base de cours d'art portant le nom de Nadezhda Krupskaya ; Robert Falk, Ilya Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin et d'autres auteurs vénérables y ont enseigné. C'est la formation au ZNUI qui a donné aux naïvistes l'opportunité d'acquérir des compétences techniques, ainsi qu'un avis professionnel sur leur travail.
Chaque naïfiste se forme comme artiste dans un certain isolement, restant à jamais enfermé dans le cadre de propres idées Et propre style et peut travailler toute sa vie sur une gamme de sujets éternels. Ainsi, les œuvres de Pavel Leonov des années 1980 et de la fin des années 1990 ne sont pas très différentes : des compositions similaires, héros similaires, tout de même perception de la réalité, proche de celle d'un enfant. Sauf que les peintures sont de meilleure qualité et les toiles de plus en plus grandes. On peut en dire autant de la grande majorité des naïvistes. Ils réagissent surtout aux événements sociaux marquants : ils ne changent pas de style en fonction des époques, mais ajoutent seulement de nouveaux signes matériels de l'époque à leurs œuvres. Comme, par exemple, le naïf classique Vladimir Melikhov. Son œuvre "Division" est belle illustration la part des femmes en Union soviétique. Il représente une femme qui se trouve littéralement à deux endroits à la fois : travaillant dans une usine d’une main et allaitant un enfant de l’autre.
Thèmes naïfs
Pavel Léonov. Autoportrait. 1960. Musée d'art moderne de Moscou
Pavel Léonov. Récolte. 1991. Musée d'art moderne de Moscou
Les naïvistes se tournent vers des thèmes humains universels et proches de chacun : la naissance et la mort, l'amour et le foyer. Leurs œuvres sont toujours compréhensibles, puisque les artistes tentent d'exprimer le plus simplement possible les idées qui les passionnent, sans entrer dans le symbolisme et les sens cachés.
L'une des premières impressions fortes d'un artiste naïf est sa sortie dans la ville, dans le milieu social. Les naïvistes, qui vivent généralement à la campagne, ont tendance à idéaliser la ville ; ils peignent les rues et les places comme étant claires, aérées et pittoresques. Les artistes, comme Elfriede Milts, s'inspirent en particulier des innovations technologiques, en particulier du métro de Moscou.
Un autre thème commun à l'art naïf peut être considéré comme l'image d'une personne - les portraits et surtout les autoportraits. Les naïvistes ont une manière d’explorer le monde à travers le prisme de leur personnalité, de leur propre apparence et de celle des personnes qui les entourent. Ils s’intéressent également à la façon dont le monde intérieur d’une personne se reflète dans son apparence. Ainsi, les œuvres du genre du portrait donnent au spectateur la possibilité de connaître les naïvistes presque personnellement, de les connaître tels que les artistes se perçoivent. L'isolement des naïvistes dans leur propre monde intérieur est illustré, par exemple, par un autoportrait de l'artiste contemporain Alexandre Emelyanov. Il se présente comme un ensemble d'images et de thèmes auxquels il s'adresse.
Presque tous les classiques de l’art naïf interprètent d’une manière ou d’une autre le thème de l’enfance. Les naïvistes restent toujours des enfants, c'est pourquoi les œuvres associées à cette idée - touchantes et spontanées - deviennent une sorte de point de contact entre l'enfant du passé et l'enfant du présent, qui vit toujours dans l'âme de l'artiste. Il est à noter que les naïfs ne se représentent presque jamais à l’image d’un enfant. Ils se concentrent sur le monde qui les entoure, sur les portraits d'autres enfants, sur les images d'animaux – sur ce que l'on peut voir dans l'alphabet.
Svetlana Nikolskaïa. Staline est mort. 1997. Musée d'art moderne de Moscou
Alexandre Lobanov. Autoportrait dans un cadre ovale sous les armoiries de l'URSS. 1980. Musée d'art moderne de Moscou
Le prochain thème important de l’art naïf est le thème de la fête. Les artistes aiment peindre des natures mortes, des fêtes, des mariages et des festivités - on les voit particulièrement souvent dans les peintures de Niko Pirosmani, Pavel Leonov et Vasily Grigoriev, pour qui la fête prend une signification sacrée et eucharistique. Fête de l'amour, fête de la joie, fête cercle familial- chaque artiste trouve dans ce sujet quelque chose de très personnel et de précieux. Comme dans le thème de la maison, foyer familial, qui symbolise la paix, le confort et la sécurité. Dans les œuvres de Pavel Leonov, la réalité soviétique est toujours associée à la joie, aux vacances et aux défilés. Leonov décrit même son travail comme joyeux et lumineux.
Cependant, l’art naïf n’est pas toujours idyllique. Par exemple, l’art brut ou l’art brut laisse souvent au spectateur un sentiment vague et mal à l’aise. Il n'y a pas de monde harmonieux et complet dans ces œuvres - les artistes se concentrent le plus souvent sur un motif ou un sujet et le reproduisent dans chaque œuvre. Pour l'art brut classique d'Alexandre Lobanov, un tel objet était le fusil Mosin. Lobanov lui-même n’a jamais tiré avec un fusil et ses œuvres ne contiennent ni guerre, ni cruauté, ni douleur. Cet objet est comme un artefact, une incarnation du pouvoir, tout comme le symbolisme soviétique actif présent dans la grande majorité de ses œuvres.
Clé sujets philosophiques pour les artistes - naissance et mort. Les naïvistes déifient la naissance de l’homme, tant physique que personnelle, et la comparent à l’origine divine de la vie en général. Et ils perçoivent le départ d'une personne du point de vue du souvenir et de la douleur qui lui restent. Par exemple, dans un tableau de Svetlana Nikolskaya, des gens vêtus de gris contrastent avec un riche fond rouge ; il est impossible de lire leurs pensées ou leurs sentiments : ils semblent pétrifiés.
L’ère du naïf classique est en train de disparaître progressivement. Aujourd’hui, une existence aussi fermée et isolée des naïvistes comme elle l’était auparavant est impossible. Les artistes doivent être activement impliqués dans le processus artistique et comprendre ce qui se passe sur le marché de l’art. Ce n’est ni bon ni mauvais, c’est juste un signe des temps. Et d’autant plus précieux sera l’attrait de chaque spectateur pour l’art naïf, jusqu’à ce qu’il disparaisse complètement.
Le portail "Culture.RF" remercie les seniors chercheur MMOMA, membre du groupe de commissariat de l'exposition « NAIV...MAIS » Nina Lavrishcheva et employée Musée de l'estampe populaire russe et de l'art naïf Maria Artamonova.
Art naïf (art naïf) est l'une des directions du primitivisme, qui se caractérise par la simplicité naïve de la technique, une approche anti-académique de la peinture, la fraîcheur du regard et l'originalité de la manière d'exécuter les dessins. Méconnu et d'abord persécuté pour son attitude « barbare » envers les canons de la peinture, l'art naïf a finalement survécu et a pris la place qui lui revient dans l'histoire de la culture mondiale. Les œuvres des artistes travaillant dans ce genre comprennent souvent scènes de tous les jours, liés à l'alimentation, qui, bien entendu, ne pouvaient qu'intéresser notre site thématique.
Il faut dire que les racines du genre " art naïf "remonter très loin dans la profondeur des siècles. Les premiers exemples de beaux-arts naïfs peuvent être considérés dessins rupestres trouvé dans les grottes Afrique du Sud. (Nous sommes sûrs que les dessins de l'ancien chasseur étaient plus susceptibles d'être perçus par les autres comme un menu plutôt que comme une peinture :)).
Beaucoup plus tard, les Grecs, ayant découvert des statues scythes de « femmes de pierre » au nord de la mer Noire, les considérèrent également comme une « barbarie » primitive en raison de la violation des proportions du corps, qui dans la culture grecque antique caractérisait l'harmonie et la beauté. Rappelez-vous juste " nombre d'or» Polyclète.
Cependant, la « justesse » de l’art classique continue de faire l’objet d’attaques partisanes constantes. art folklorique. Ainsi, après le renversement de la domination romaine dans la plupart des pays européens, les beaux-arts, après avoir fait un pas en avant, ont changé de cap, passant de la perfection à la recherche de l'expressivité. L'originalité et l'originalité de l'ancien paria et étranger, considéré comme un art naïf, étaient un moyen très approprié pour atteindre cet objectif. 
En même temps, on ne peut ignorer le fait que artistes exceptionnels« L’art naïf » n’aurait jamais reçu une reconnaissance mondiale si des artistes européens comme Pablo Picasso, Henri Matisse, Joan Miró, Max Ernst et d’autres ne s’étaient pas intéressés à leurs idées et à leur style. Ils ont soutenu cela rébellion contre le romantisme du classicisme».
À la recherche du «cinquième élément» des beaux-arts, ils ont essayé, comme les alchimistes médiévaux, d'opérer de manière irrationnelle avec miracle et mystère, mélangeant dans leurs peintures l'avant-garde et la pureté naturelle sauvage, qui ont grandi des profondeurs du «primitif» perdu. monde d’Afrique, ainsi qu’en Amérique centrale et du Sud.
Il est bien connu que Pablo Picasso a étudié en détail le style africain de « l'art primitif », a étudié des masques et des sculptures authentiques apportés de là afin de comprendre le début subconscient créatif du « continent noir » et de l'incarner dans ses œuvres. Ce qui a largement déterminé son style asymétrique caractéristique. Même là, il utilise des techniques de disproportion.
Le portrait de ce peintre espagnol pionnier a été réalisé de manière unique par un artiste colombien qui était lui-même surnommé " Picasso d'Amérique du Sud«.
Ancien illustrateur Fernando Botero Angulo (né en 1932) est devenu célèbre après avoir remporté le premier prix à l'Exposition des artistes colombiens en 1959. Cela lui ouvre les portes de l'Europe, où commence la carrière fulgurante de cet artiste et sculpteur original, dont les œuvres influenceront par la suite de nombreux apologistes de l'art naïf. Pour s’en rendre compte, vous pouvez comparer ses peintures avec les œuvres de certains de ses confrères contemporains de l’art naïf. Afin de ne pas nous laisser distraire du sujet « alimentation », prenons l’un des sujets favoris de Botero : pique-niques.
L'un des plus anciens artistes primitivistes, le leader de l'art naïf croate est Ivan Generalich (1914-1992). Le manque de formation professionnelle, l'origine paysanne et les thèmes ruraux de ses peintures ne l'empêchent pas d'être reconnu dans toute l'Europe depuis 1953. La vie paysanne apparaît dans ses œuvres comme vue de l'intérieur, ce qui leur confère une expression, une fraîcheur et une spontanéité étonnantes.
La photo où sous tour Eiffel un grand-père croate élevant des vaches peut être considéré comme un sourire secret pour l'élite parisienne, il suffit de regarder la photo de l'auteur : un modeste apéritif composé de saucisses, de pain et d'oignons disposé sur un tabouret ; un portefeuille sur le sol, vêtu d'un manteau en peau de mouton miteux... Le général est sans prétention et sage dans la vie. romancier français Marcel Arlen écrit à son sujet : « Il est né de la terre. Il a de la sagesse et du charme. Il n'a pas besoin de professeurs. »
De nombreux artistes de « l’art naïf » contemporain ne semblent pas avoir échappé à la fascination des œuvres de leurs prédécesseurs. Mais, en même temps, ils introduisent des éléments de « culte social » inconnus des Européens occidentaux dans la spontanéité de l’expression artistique inhérente à l’art naïf. A titre d'exemple, voici quelques scènes de genre décoratives de l'artiste biélorusse Elena Narkevitch , qui a émigré en Espagne il y a de nombreuses années. Ses peintures sont une reconstruction ironique d'un monde idéalisé, d'un passé commun toujours mémorable, bien connu de tous les habitants de l'ex-CEI. Ils sont remplis d'ambiances nostalgiques de l'ère disparue du réalisme socialiste avec les odeurs de la cuisine, où Olivier se prépare et où les ménagères s'affairent à attendre les invités, où les datchas remplacent les maisons de campagne et où les pique-niques sont appelés incursions dans la nature.
Et bien que les œuvres d’Elena Narkevich contiennent la plupart des signes formels du genre « art naïf », tels que des distorsions des aspects géométriques, des couleurs non raffinées sur les plans de composition, des proportions exagérées de figures et d’autres marqueurs de l’art naïf, les experts classent ces œuvres comme art pseudo-naïf ou " artificiellement naïf" - lorsque l'artiste travaille de manière imitative. (Une autre caractéristique de l'art naïf - le « caractère enfantin » délibéré de l'image - a été portée à la perfection commerciale par l'artiste. Evgenia Gapchinskaya ).
À la manière d'Elena Narkevich, l'artiste, originaire de Donetsk, peint ses tableaux. Angela Jerich . Nous avons déjà parlé de son travail.
Monde intérieur Les dessins d'Angela Jerich sont parfois comparés à la magie de la représentation des personnages des films de Fellini. L’artiste réussit des « illustrations d’une époque révolue » à la fois ironiques et très affectueuses du réalisme socialiste. En plus de cela, Angela a une imagination élégante et peut capturer les « beaux moments » de la vie comme Pouchkine.
À propos de sa collègue de « l’atelier d’art naïf », une artiste moscovite Vladimir Lyubarov, nous vous l'avons dit aussi. Une série de ses œuvres intitulée « Mangeurs», s’il plaît à l’œil avec des natures mortes comestibles, il ne met pas en valeur à lui seul cette « réalité gastronomique ». Ce n'est qu'une excuse pour démontrer la vie de vos personnages, leurs caractères et leurs sentiments. . Vous pourrez également y voir ses peintures drôles et sincères. (Ou sur son site personnel www.lubarov.ru).
Si Lyubarov a fui la civilisation vers un village pour peindre ses tableaux et y étudier l'agriculture de subsistance, puis « artiste naïf » Valentin Goubarev depuis Nijni Novgorod déménagé à Minsk. (Comme pour compenser la perte d'Elena Narkevich due à l'émigration 🙂).
Des peintures de Valentin Gubarev, qui ont un pouvoir d'attraction et un charme incroyables. Même les personnes éloignées de l’art y réagissent de manière émotionnelle et positive. Ses œuvres contiennent une certaine simplicité et ironie, de la malice et de la tristesse, une philosophie profonde et de l'humour. Dans ses peintures, il y a beaucoup personnages, détails et objets, comme sur le balcon d'un immeuble en panneaux de cinq étages, jonché des affaires de plusieurs générations d'habitants. Mais, comme le notent avec justesse les connaisseurs de ses peintures : « beaucoup de tout, mais rien de superflu ». Pour sa passion pour les peintures finement détaillées, il est surnommé « Bruegel biélorusse" Comparez par vous-même : à gauche se trouve Bruegel dans l'original et à droite, l'une des centaines de peintures similaires de Gubarev. (D'ailleurs, en utilisant brillamment des miniatures, Bruegel a représenté dans sa peinture 118 proverbes du folklore scandinave).
En général, l'émergence du primitivisme a été provoquée, d'une part, par le rejet de la vie urbanisée moderne et la montée en puissance la culture populaire, et d’autre part, un défi à l’art sophistiqué d’élite. Les primitivistes cherchaient à se rapprocher de la pureté, de l'émotivité et de la clarté sans faille de la conscience populaire ou enfantine. Ces tendances ont touché de nombreux artistes en Europe, en Amérique et en Russie.
Il est impossible de ne pas mentionner un brillant représentant de l'art du naïf et du primitivisme dans tournant du XIX-XX des siècles, artiste français Henri Rousseau
. Ses peintures sont généralement difficiles à décrire avec des mots en raison de l'émeute de l'imagination et de la manière incomparable de dessiner. Il a commencé à peindre à l'âge adulte, sans avoir reçu l'éducation appropriée. Je dessinais souvent des jungles exotiques que je n'avais jamais vues de ma vie. Ignorant de nombreux reproches selon lesquels « même un enfant peut dessiner comme ça », Rousseau a suivi le chemin de sa vocation. Du coup, sa persévérance s'avère être le levier archimédien qui bouleverse le monde des beaux-arts : le génie d'Henri Rousseau est reconnu, et une nouvelle génération d'artistes lui prend le relais.
Des traits du primitivisme étaient également inhérents au travail des grands peintres français, Paul Gauguin Et Henri Matisse. Il suffit de voir les « Tahitiennes aux mangues » de Gauguin ou le tempétueux « La joie de vivre » de Matisse : la sortie dans la nature bat son plein. (Ce n’est pas pour rien que Matisse était fauviste).
La Russie avait ses propres groupes d'adeptes du style artistique naïf. Parmi eux se trouvent des membres des communautés créatives « Jack of Diamonds » (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov), « Donkey's Tail » (M. F. Larionov, N. S. Goncharova, M. Z. Chagall) et d'autres.
L'un des génies du primitivisme est à juste titre Niko Pirosmani . Cet artiste autodidacte originaire d'un petit village géorgien gagnait maigrement sa vie en vendant du lait. Il offrait souvent ses tableaux en cadeau aux acheteurs ou aux revendeurs dans l'espoir de gagner de l'argent. Joyeuses fêtes, scènes de la vie paysanne, nature, tels sont les thèmes qui ont inspiré Pirosmani. Tous les pique-niques et vacances dans ses peintures ont des caractéristiques nationales caractéristiques. La solitude et la confusion d'un artiste de génie dans l'agitation du philistinisme urbain se transforment en réflexions philosophiques sur ses toiles sur la place de l'homme (et des êtres vivants en général) dans le monde, et ses fêtes et fêtes parlent de moments de joie dans existence terrestre.
Nous pouvons continuer à donner des exemples, mais même à partir d'une petite excursion, le phénomène multiculturel de l'art naïf devient évident. Cela peut être confirmé par des centaines de musées et de galeries où sont conservées des peintures d'« artistes naïfs ». Or les ventes d’œuvres d’art naïves se chiffrent en centaines de millions de dollars.
Le genre du primitivisme s’est avéré tenace et adaptable, comme toutes les choses les plus simples de la nature. L’art naïf s’est développé non pas grâce aux sciences « artificielles » académiques (les artistes naïfs en art n’avaient souvent aucune éducation), mais plutôt malgré elles, car l’environnement de naissance et l’habitat de l’art naïf sont des phénomènes profondément naturels, inaccessibles aux scientifiques et aux critiques. , où règne le génie tout-puissant de l’Homme.
Dans le cas des œuvres du genre art naïf, nous rejoignons pleinement l’expression de Louis Aragon : « Il est naïf de considérer ces tableaux comme naïfs.»