Les musées de Moscou sont fermés le lundi. Mais cela ne veut pas dire que le public n’a pas la possibilité de se familiariser avec la beauté. La rédaction a lancé un site Internet spécialement pour les lundis nouvelle rubrique"10 Inconnus", dans lequel nous vous présentons dix œuvres d'art mondial de la collection des musées de Moscou, réunies par un même thème. Imprimez notre guide et n'hésitez pas à l'apporter au musée à partir de mardi.
L'exposition "Cranachs. Entre Renaissance et maniérisme" a été inaugurée au Musée national des beaux-arts Pouchkine. 48 peintures et plus de 50 œuvres graphiques provenant des collections des musées de Gotha, Berlin, Madrid, Prague, Budapest, Moscou, Saint-Pétersbourg, Nijni Novgorod et de plusieurs collections privées russes reflètent différentes étapes du développement de la tradition créative du Cranach. famille.
Lucas Cranach l'Ancien, "Vénus et Cupidon", 1509
Tout d'abord, lorsque vous visitez une exposition au Musée Pouchkine, vous devez comprendre qu'il y avait au moins quatre Cranach : Lucas Cranach l'Ancien, Hans Cranach et Lucas Cranach le Jeune - ses fils, et Lucas III Cranach - son petit-fils. . Parallèlement, Lucas Cranach l'Ancien disposait également de tout un atelier qui terminait ses œuvres ou, à l'inverse, réalisait les étapes préparatoires.
Lucas Cranach l'Ancien, "Les Fiançailles Mystiques de Sainte Catherine d'Alexandrie avec les Saintes Barbara, Dorothée et Marguerite", années 1510
Lucas Cranach l'Ancien. "Les Fiançailles Mystiques de Sainte Catherine d'Alexandrie avec les Saintes Barbara, Dorothée et Marguerite", années 1510
À les meilleures œuvres Le tableau de Lucas Cranach l'Ancien « Les Fiançailles mystiques de sainte Catherine d'Alexandrie, avec les saintes Dorothée, Marguerite et Barbara », exécuté dans la seconde moitié des années 1510, est attribué. Dans le tableau, les fiançailles mystiques de Sainte Catherine se déroulent sur fond d'un paysage rocheux caractéristique de la nature nordique et d'un rideau sombre tenu par de petits anges. Au centre de la composition se trouve l'enfant Christ, soutenu par la Mère de Dieu. D'une main il met Alliance au doigt de Sainte Catherine, l'autre touche la grappe symbolique de raisin tenue par la Madone. L’image est complétée par des figures de saintes jeunes filles vêtues d’élégantes robes de cour et avec leurs attributs : le dragon de Marguerite, le panier de fleurs de Dorothée et la tour de Barbara derrière elle.
Lucas Cranach l'Ancien, "Le Christ et Notre-Dame", 1516-1520
Le tableau «Le Christ et la Mère de Dieu» est de petit format, mais de composition très audacieuse pour son époque. Les portraits des personnages sont réalisés le plus grand possible, en s'isolant des sujets religieux traditionnels, c'est pourquoi la distance entre eux et le spectateur est totalement effacée. Lucas Cranach l'Ancien fut un véritable innovateur, mettant fin à l'ère de Dürer et à toute la Renaissance du Nord et ouvrant une nouvelle période dans l'histoire de la peinture.
Lucas Cranach l'Ancien, "Vierge à l'Enfant (dans la vigne)", 1523
"Vierge à l'Enfant (dans le vignoble)", 1523
Bien entendu, l’exposition ne reflète même pas un dixième de l’œuvre du maître, mais donne néanmoins une idée des traits caractéristiques de la peinture de chacun des artistes de la dynastie. Les peintures de l'exposition ont été collectées littéralement partout dans le monde, mais parmi elles se trouvent également celles qui font toujours partie de la collection permanente du musée Pouchkine. L’un d’eux est « La Vierge à l’Enfant (dans le vignoble) ».
Lucas Cranach l'Ancien, "Grande Vierge à l'Enfant sous un pommier", 1526
Le tableau "La Grande Vierge à l'Enfant sous le pommier" est arrivé à Moscou en provenance de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg. Si vous comparez ce travail avec le précédent, vous remarquerez plusieurs traits caractéristiques, important pour l'ensemble du tableau de Lucas Cranach l'Ancien : ce sont d'abord les traits généralisés et lissés des visages arrondis de la Vierge à l'Enfant, les yeux étroits en amande et les émotions presque inexprimées. Un autre détail intéressant - presque tout personnages féminins Cranach a les cheveux roux. Peut-être avait-il un modèle avec lequel il les écrivait.
Lucas Cranach l'Ancien, " Portrait féminin", 1526
Cranach est toujours très précis dans les détails : qu'il s'agisse de détails vestimentaires, de fines mèches de cheveux qu'il sépare par des traces dorées ou d'éléments du paysage, tout cela peut être regardé à l'infini. Et le spectateur le plus attentif remarquera certainement la célèbre signature du maître : un petit dragon ailé qui peut être dessiné n'importe où.
Lucas Cranach l'Ancien, "La Chute, l'Expulsion du Paradis et la Résurrection", 1529
Cette image combine plusieurs scènes bibliques : la chute d'Adam et Ève et l'expulsion du paradis sont disposées sur le côté gauche de l'image, tandis que la crucifixion et la résurrection du Christ sont représentées sur la droite. Les intrigues sont complétées par de nombreux détails intéressants et inhabituels. Par exemple, sur le côté gauche, la mort, représentée sous la forme d'un squelette, chasse Adam du paradis avec le diable, et sur le côté droit, l'agneau de Dieu piétine le squelette, symbolisant ainsi la résurrection du Christ et victoire sur la mort.
Lucas Cranach l'Ancien, Judith à la fête d'Holoferne, 1531
L'intrigue de cette œuvre est également très complexe, composée de plusieurs lignes. Au premier plan, Judith est assise à la même table qu'Holoferne, habillée à la mode du XVIe siècle, entourée de guerriers. Et au fond, au loin près des tentes, on voit comment Judith met la tête d'Holoferne dans un sac. Dans le même temps, il existe également une peinture grand format représentant exactement la même composition avec des tentes, c'est-à-dire une continuation ou l'image suivante de l'intrigue.
Lucas Cranach l'Ancien, Le Christ et le pécheur, 1532
Lucas Cranach l'Ancien et atelier, "Le Christ et le pécheur", 1532
Le tableau appartient à la phase tardive de l’œuvre de l’artiste, lorsqu’il travaillait principalement en collaboration avec son atelier. La façon dont les visages sont peints dans cette œuvre laisse deviner où Cranach travaillait lui-même et où il était aidé par des apprentis. Images centrales Le Christ et les pécheurs appartiennent au maître lui-même : son pinceau peint de larges traits du visage qui se détachent vivement sur un fond sombre. La foule autour, représentée avec diverses expressions et grimaces, a très probablement été créée par ses élèves.
Lucas Cranach le Jeune, Vierge à l'Enfant, 1537
Lucas Cranach le Jeune a poursuivi ses activités aux multiples facettes dans l'atelier familial, se consacrant principalement à la répétition des originaux de son père, créés dans les plus différents genres– des scènes religieuses et mythologiques aux allégories et portraits en série. Depuis que son frère aîné Hans est décédé alors que son père était encore en vie, Lucas a repris l'atelier à l'âge de 22 ans et il possédait déjà une vaste expérience artistique.
Lucas Cranach l'Ancien. «Vierge à l'Enfant sous le pommier», toile de la fin des années 1520 (traduction du bois), détrempe, huile de Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage A droite, sur le tronc de l'arbre, il y a une icône de dragon. Entré milieu du 19ème siècle (jusqu'en 1859).
L'image de la Vierge à l'Enfant, dans les mains de laquelle est représentée une miche de pain et une pomme, contient un contenu symbolique caractéristique de la peinture des années de la Réforme : Marie est la « seconde Ève », qui a expié, comme la mère du Christ, pour le péché de la « première Ève ». La pomme est un symbole de la chute d’Adam, la miche de pain est un symbole du « corps du Christ ». Ceux. L'expiation du Christ pour le péché originel d'Adam.
Lucas Cranach l'Ancien. Fragment « Vierge à l'Enfant sous le pommier »
On pense que le modèle de cette image était Sibylle de Clèves, l'épouse de Johann Friedrich de Saxe, pour qui Cranach a servi. Il se voit confier l'éducation du jeune Johann Friedrich. Et en 1526, l'artiste, à la tête de l'ambassade de Saxe, arrive à la cour de l'électeur Johann III le Pacificateur dans le Brandebourg pour courtiser sa fille Sibylla comme élève. Depuis lors, le type de visage de Sibylla n’est pas seulement répété dans ses nombreux portraits sortis de l’atelier de Cranach, mais on le retrouve également dans les images de ses œuvres bibliques et personnages mythologiques. Cranach a peint l'image de la Madone, ce qui est inhabituel pour un luthérien. Luther, avec qui l'artiste était ami, était tolérant à cet égard. Apparemment, la plupart des clients étaient catholiques.
Cette œuvre a inspiré Joseph Brodsky à écrire un poème qu'il a intitulé « Illustration » :
Dans une cape de renard - elle-même est plus rusée,
que le renard de la colline
forêt au loin
la pente se jette dans la rivière,
s'étant échappé du bosquet où est Dieu,
lors de la chasse, il poignarde le côté
le sanglier pique une flèche,
où les malles font rage,
quittant le cap familier,
est venu de sous le pommier
quinze pommes - pour eux
avec mon petit garçon.
Je penche la tête sur le côté,
comme si je passais à côté, mon enfant,
en pressant le fruit, il attend aussi avec impatience.
Brodsky, qui a compté avec précision toutes les pommes, est ici magnifique avec sa métaphore - ou son erreur involontaire : sur la photo, il n'y a pas de cape, mais des cheveux roux, mais le regard rusé et la sensation d'un renard sont présents.
Lucas Cranach l'Ancien. « Vénus et Cupidon » (1509) a été transféré du bois à la toile en 1850, tandis que le format a été modifié, détrempe, huile de Saint-Pétersbourg, Etat de l'Ermitage.
En 1769, Catherine II acquiert une vaste collection de plus de 600 tableaux auprès des héritiers du ministre saxon, le comte Heinrich von Bruhl, parmi lesquels « Vénus et Cupidon » de Lucas Cranach l'Ancien, la première œuvre de Cranach à être arrivée en Russie.
Sur le côté gauche du morceau de papier se trouvent le monogramme et la date LC avec le signe du dragon.
De chaque côté de la tête de Vénus se trouve un distique mettant en garde contre la tentation : « Chassez la volupté de Cupidon de toutes les forces de votre âme, sinon Vénus prendra possession de votre âme éblouissante. » L'auteur du distichon latin aurait pu être l'un des humanistes de Wittenberg, avec lesquels Cranach fut particulièrement étroitement associé après son voyage à Nuremberg en 1508 (Scholl ou Sibutus).
C’est le tout premier connu de la science de l’appel de Lucas Cranach au thème de Vénus, à la tradition païenne, à un thème qui contraste avec ce qui se discutait à Wittenberg, ville protestante où les débats sur la foi chrétienne étaient populaires. Cependant, ce n'est pas pour rien qu'il y avait aussi une université dans laquelle les mêmes érudits pouvaient se livrer à des débats sur les anciens dieux. Cranach fait ici ce que seuls des gens comme Botticelli ont osé faire avant lui : il vénère réellement dieux antiques, en les exposant au public. L’image frontale d’une femme nue aurait bien sûr dû choquer les contemporains. Il y a de nombreuses références à l’œuvre d’Albrecht Dürer dans l’image : le placement même de la figure sur un fond sombre, la note sur le côté gauche de Vénus fait référence aux techniques illusionnistes de l’œuvre de Dürer. Cependant, Dürer lui-même a représenté de cette manière uniquement Eve, et non l'ancienne divinité. Dans le même temps, une autre intrigue importante pour Cranach commence à apparaître dans cette image - un thème appelé mot allemand Weibermacht, « le pouvoir des femmes sur les hommes ».
Après 1530, Cranach et son atelier se tournèrent à plusieurs reprises vers ce sujet. Il existe environ 35 peintures de Cranach, de ses élèves, disciples et imitateurs représentant Vénus et Cupidon.
Atelier de Lucas Cranach l'Ancien "Un couple inégal (un riche paysan et une jeune courtisane" (Début 1530 Bois (hêtre ?) huile Collection de Svetlana Antonova Moscou
Lucas Cranach l'Ancien "Un couple inégal (une vieille femme et un jeune homme)" début des années 1520, tempera en bois (hêtre), huile Musée beaux-Arts Budapest
Fragment de Lucas Cranach l'Ancien "Un couple inégal (vieille femme et jeune homme)"
Lucas Cranach l'Ancien." Adam et Eve. L'Automne" 1527 bois (hêtre) tempera, huile. Moscou, Musée national des beaux-arts Pouchkine
Du « fonds des trophées » : L'œuvre « Adam et Eve » (« La Chute ») a longtemps été considérée comme l'un des principaux chefs-d'œuvre de la collection Gotha. Le tableau, dans lequel Cranach apparaît non seulement comme un maître du nu, mais aussi comme un paysagiste subtil, a été acquis par les électeurs saxons pour leur collection en 1624. Ce tableau a été le premier à « sortir » du lieu de stockage spécial. Il a été présenté pour la première fois lors de l’exposition Twice Saved en 1995.
Lucas Cranach l'Ancien." Adam et Eve. Fragment "La Chute"
Lucas Cranach l'Ancien était un fervent partisan de Luther. Dans l’esprit des gens de cette époque, la Chute était associée au problème de la responsabilité personnelle d’une personne pour ses actes. Les luthériens ont beaucoup réfléchi aux textes de l’Ancien Testament. Le livre de la Genèse détaille la création d'Adam et Ève et leur expulsion du jardin d'Eden. La Chute, le refus du repentir et l'expulsion de nos premiers parents de l'Eden ont plongé l'humanité future dans la vanité de la vie terrestre.
Lucas Cranach l'Ancien. «La chute, l'expulsion du paradis et le sacrifice rédempteur du Christ (allégorie de l'Ancien et du Nouveau Testament)» (1529) Huile à la détrempe au bois (tilleul) Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Une intrigue extrêmement importante dans le contexte de la situation historique et pour l’œuvre de Cranach, existant en plusieurs versions et variantes, même répétées dans livre miniature. On pense que le programme de cette image aurait pu être inventé par Philip Melanchthon lui-même, partisan radical de Luther et idéologue de la Réforme. Voici, dans une seule histoire, les vues de Luther et de Cranach sur le destin. Race humaine et sur la relation entre l'homme et Dieu. Il est équipé d'explications textuelles le long du bord inférieur afin que le spectateur ne soit pas confus.
L'allégorie commence par la création de l'homme et du monde, le Seigneur sépare l'eau de la terre, le monde, des chœurs angéliques l'écoutent. Ici Adam et Ève commettent leur chute, et ici l'homme déchu apparaît, poursuivi sur les traces de la Mort et du Diable, deux ennemis principaux. Le diable attire certainement l'attention du public avec son intérieur étrange mêlant biologie et mécanique, semblable aux dessins de fous, mais d'une manière ou d'une autre, tout cela nous renvoie, bien sûr, à Bosch.
Moïse montre sa Loi, ses commandements.
Lucas Cranach l'Ancien. Fragment «La Chute, l'expulsion du paradis et le sacrifice expiatoire du Christ (Allégorie de l'Ancien et du Nouveau Testament)»
Une autre scène se déroule dans la seconde moitié, où cette même personne qui a besoin de salut vient au baptême par Jean-Baptiste et le sang divin du Christ est versé sur lui, ce qui lave ses péchés. La mort et le diable sont à nouveau représentés à proximité, ils gisent ici, vaincus, sur le côté, et au-dessus d'eux se trouve le triomphe de l'Agneau divin, l'Agneau de Dieu, c'est-à-dire le symbole du Christ, et la grotte où a lieu sa résurrection. place, et le voici lui-même ici avec le drapeau de Saint-Georges, le dragon conquérant, symbole de toute victoire.
Et voici un parallèle entre deux époques, l'époque ancienne et l'époque nouvelle : ici à droite, une sorte de ville de Cranach, datant évidemment de 1529, et à gauche, le désert égyptien, dans lequel les Juifs trouvent eux-mêmes attaqués par des serpents sauvages. Il s'agit du culte du Serpent d'airain - en tant que précurseur, paraphrase des événements du Nouveau Testament, l'image de ce serpent devient un parallèle visuel évident avec la Crucifixion. Une nuance importante : hormis Moïse et Jean-Baptiste, nulle part dans cette histoire il n'y a de médiateurs entre l'homme et Dieu - ni prélats ni évêques - en plein accord avec les cinq principes de la théologie protestante, les cinq « Seulement... » protestants.
Lucas Cranach l'Ancien. «Portrait du cardinal Albrecht de Brandebourg» 1526 Toile, transfert sur bois, détrempe, huile Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage
Le cardinal catholique Albrecht de Brandebourg était un ennemi implacable de la Réforme, exterminait les protestants à feu et à sang et était partisan des mesures les plus radicales en la matière. Le portrait a subi quelques dommages - notamment à l'œil droit - lors d'une restauration à l'Ermitage au XIXe siècle. La technique du transfert des peintures du bois sur la toile, que tout le monde a aujourd'hui unanimement abandonnée, existe depuis XVIIIe siècle, une tentative de préserver les peintures sur planches des effets des coléoptères et d'autres dangers, mais qui a fait beaucoup plus de mal que de bien.
Atelier de Lucas Cranach l'Ancien. Électeur de Saxe Johann Friedrich le Magnanime. 1528. Huile de bois (insecte) du Musée Pouchkine im. A.S. Pouchkine
Une histoire intéressante s’est produite pendant la vieillesse de Cranach l’Ancien. Son élève Johann Friedrich le Magnanime, qui dirigeait une coalition de princes protestants, fut vaincu à la bataille de Mühlberg, où il fut combattu par les catholiques dirigés par Charles Quint. Johann Friedrich fut envoyé prisonnier dans un château près d'Innsbruck. L'artiste de 75 ans se rend donc volontairement chez son mécène pour partager avec lui l'exil et la gravité de la défaite, laissant l'atelier aux soins de son plus jeune fils, agissant en fidèle vassal de son patron ; De plus, sa loyauté était relative. Cranach a travaillé à la fois pour les catholiques et les protestants et a cherché à faire en sorte que bonne affaire dans n'importe quelle situation. Il y a un artiste là-bas a vécu cinq ans. Lorsque Johann Friedrich le Magnanime fut pardonné et envoyé à Weimar, Cranach s'y rend. Heureusement, sa fille y vivait avec sa famille. Il y a encore la tombe de Cranach à Weimar, dans l'ancien cimetière du Jacobsfriedenhof.
Lucas Cranach l'Ancien et son atelier. Portrait d'une dame à la pomme. 1527 Tempera sur bois (chêne), huile de Prague. Galerie d'art Château de Prague
Lucas Cranach l'Ancien. «Portrait de femme» (1526) huile sur bois (insecte) Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage. Inscrit à la fin du XVIIIe siècle (avant 1797)
Cette œuvre de l'Ermitage est la somme de tous les portraits de femmes de Cranach : elle montre ses costumes à lacets peints de manière stéréotypée, ses mains peintes de manière plate, et paysage allemand, et le chapeau rouge caractéristique porté par ses nombreuses Vénus, courtisanes et bien d'autres personnages sortis de l'atelier de Cranach. Dans les traits du visage du modèle aux yeux étroits et au visage quelque peu plat, peints soit de face, soit de profil, ou les deux à la fois, ils voient vraisemblablement ou de manière tout à fait fiable un portrait de Sibylle de Clèves, Sibylle de Clèves, qui était l'épouse de Johann Friedrich le Magnanime et qui pouvait doter de nombreuses autres beautés Cranach de ces traits...
Lucas Cranach l'Ancien. Fragment « Portrait de femme »
La raison de cette répétition fréquente image féminine il peut aussi y avoir du respect pour l'épouse du professeur religieux (Luther), dont le père a été planté lors du mariage fils cadet Lucas Cranach et la fiancée de l'héritier de la principauté, que l'artiste a ensuite accompagné pendant les années de captivité.
Les bijoux sur le cou - selon les scientifiques modernes - ne sont pas en or, mais en bois selon équipement spécial, qui rappelle le papier mâché
Lucas Cranach l'Ancien et atelier "Sibylle von Cleve, duchesse de Saxe" 1535 bois (tempera de hêtre, huile Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Le portrait provient d'un musée d'Heidelberg, bien qu'il nous soit venu de Gotha. À la fin de la guerre, les Allemands transportèrent les trésors des musées vers des galeries de Thuringe et de Saxe, et des œuvres de différents musées se retrouvèrent à proximité. Une petite image qui rappelle les cartes postales d'aujourd'hui, c'était quelque chose entre un dépliant et carte de visite et était basé sur des graphiques imprimés colorés. Le texte typographique énumère les mérites de la personne représentée. L’image de Sibylla von Kleve est déformée jusqu’à la caricature. Ceci est particulièrement visible par rapport au portrait précédent de Sibylla von Kleve.
Sibylle de Clèves (17 janvier 1512 – 21 février 1554) était l'épouse de Johann Frederick, électeur de Saxe. Elle était la sœur d'Anne de Clèves, la quatrième épouse du roi Henri VIII d'Angleterre.
Sibylle de Clèves était fille aînée Duc de Clèves Johann III et Maria von Julich-Berg (1491-1543). En septembre 1526, Lucas Cranach fiance Sibylla, 14 ans, à l'héritier du trône saxon, Johann Friedrich le Magnanime. Le mariage eut lieu début juin 1527 au château de Burg. Avec Johann Friedrich, elle eut quatre fils : Johann Friedrich II (8 janvier 1529 - 9 mai 1595), duc de Saxe-Gotha en 1554-1566, Johann Wilhelm (11 mars). , 1530 - 2 mars 1573), Johann Ernest (5 janvier 1535 - 11 janvier 1535), Johann Frederick III (16 janvier 1538 - 31 octobre 1565). Johann Friedrich le Magnanime est décédé deux semaines après la mort de son épouse, Sibylle de Clèves. Ensemble, ils ont soutenu le mouvement de réforme.
Lucas Cranach l'Ancien a réalisé de nombreux portraits de Sibylle de Clèves. Au plus tôt (1526), elle est représentée comme une épouse (État collections d'art, Weimar). Après sa mort, Cranach acheva l'autel de l'église de Weimar, où le portrait de Sibylle complète celui de son mari. Cranach a également créé un portrait allégorique humoristique de Sibylla sous la forme de Judith avec la tête de Johann Friedrich dans ses mains.
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Lucas Cranach l'Ancien et l'atelier de « l'électeur de Saxe Johann Friedrich le Magnanime », bois tempera (hêtre) des années 1530, huile sur Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Le portrait provient d'un musée d'Heidelberg, bien qu'il nous soit venu de Gotha. La même histoire que pour le portrait précédent.
Lucas Cranach l'Ancien et l'atelier de « l'électeur de Saxe Johann Ier le Solide », 1530x tempera en bois (hêtre), huile Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Comme les deux précédentes, de petites images rappelant les cartes postales d'aujourd'hui, elle se situe entre un dépliant et une carte de visite et repose sur des graphiques imprimés en couleur. Le texte typographique énumère les mérites de la personne représentée.
Johann le Dur (permanent) (30 juin 1467, Meissen - 16 août 1532) - Électeur saxon du 5 mai 1525. Fils de l'électeur saxon Ernst. Il passe sa jeunesse à la cour de l'empereur Frédéric III. Participé aux campagnes de Maximilien Ier contre les Vénitiens et les Hongrois. Après la mort de son père, il dirigea la Saxe avec son frère Frédéric le Sage, et après la mort de ce dernier (1525), il devint l'unique dirigeant de la Saxe. Il fut l'un des premiers disciples de Luther et, en août 1525, ordonna au clergé de son pays de prêcher uniquement l'enseignement pur de l'Évangile. La fermeté avec laquelle l'électeur Johann a enduré les menaces de le priver de son électorat pour apostasie du catholicisme lui a valu le nom de la Firme.
Lucas Cranach l'Ancien et atelier «Électeur de Saxe Frédéric III le Sage», bois tempera (hêtre), huile sur Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Frédéric III le Sage (17 janvier 1463, palais Hartenfels à Torgau - 5 mai 1525, Lochau) - Électeur de Saxe à partir du 26 août 1486. Fils de l'électeur Ernst, auquel il succéda en 1486 après sa mort. Le reste des domaines était géré avec son frère Johann Hard. Grâce à bonne éducation, lecture assidue et communication avec les scientifiques, se distinguait par sa rare connaissance des œuvres des écrivains anciens. Il était très respecté par l'empereur Maximilien Ier et tous les princes impériaux. En 1502, il fonda l'Université de Wittenberg, dont il se souciait beaucoup du développement. C'est à partir de cette université, où Luther et Melanchthon furent autrefois professeurs, que la vague de la Réforme se répandit dans toute l'Allemagne. Frédéric devint un puissant défenseur de Luther et, après sa condamnation à la Diète de Worms, lui donna refuge dans la Wartburg. En 1519, après la mort de l'empereur Maximilien, les électeurs offrent à Frédéric la couronne impériale, mais, ne se sentant pas assez fort pour cela, il rejette leur choix et contribue à l'élection du petit-fils de Maximilien, Charles d'Espagne, qui le récompensera plus tard avec ingratitude. . Sans se reconnaître ouvertement comme partisan des enseignements de Luther, Frédéric en permit librement la propagation dans son pays. Frédéric mourut au milieu de la guerre des paysans. Il n'était pas marié et son frère Johann le Dur lui succéda. Sa statue fait partie du monument de Luther érigé à Worms.
Lucas Cranach l'Ancien et l'atelier (Hans Cranach ?). «Judith à une fête au camp d'Holoferne» (1531), tempera au bois (tilleul), huile sur Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Les peintures jumelées «Judith lors d'une fête dans le camp d'Holoferne» et «Judith décapitant Holopherne» de l'ancienne collection du château de Friedenstein à Gotha ont été mentionnées pour la première fois dans l'inventaire de 1644. On pense que l’assistant de l’artiste était son fils aîné, Hans Cranach.
Voici un symbole clair du pouvoir féminin : après tout, avec sa beauté, Judith séduit Holopherne, qui est alors sévèrement puni pour cela, sa tête est coupée. Mais à côté de cette histoire, il existe également une illustration du monde de la vie de cour, des tournois, des fêtes et des fêtes, que Cranach a trouvée à la cour saxonne et qu'il a contribué à décorer. De telles images cérémonielles et solennelles, immergées dans le paysage, pour lesquelles, comme on le sait, l'électeur saxon l'appréciait particulièrement, sont intéressantes à considérer. Un autre détail intéressant est la nourriture sur la table. Dans le tableau, Holopherne ressemble à Charles V, l'empereur du Saint-Empire romain germanique, un fervent catholique et pire ennemiÉlecteur saxon Johann le Dur, au service duquel était Cranach. Dans les milieux protestants, l'acte de l'héroïne biblique Judith était perçu comme un symbole d'un courageux tyrannicide, de l'opposition des villes libres allemandes à l'expansion religieuse de Charles Quint.
L'histoire d'Holopherne est présentée ici avec désinvolture, comme une histoire sur des choses que Lucas Cranach a lui-même vues, et ici son autoportrait est utile dans un coin. L'artiste montre du doigt la table à laquelle il semble lui-même symboliquement présent.
Lucas Cranach l'Ancien et son atelier. "Judith lors d'une fête au camp d'Holoferne." Fragment
Lucas Cranach l'Ancien et atelier (Hans Cranach ?), « Judith décapitant Holopherne » (1531) bois (tilleul) tempera, huile Gotha, Fondation du château de Friedenstein
Dans le contexte de l'événement principal, beaucoup de choses se passent : des tournois cérémoniaux, des rassemblements chevaleresques, des joueurs de dés, qui, bien sûr, incarnent la même image du péché et peuvent être une allégorie de l'armée assyrienne pécheresse, embourbée dans un passe-temps oisif. - et surtout s'élève une cathédrale dans l'esprit du gothique tardif, représentant, selon les livres, la ville de Warburg.
Lucas Cranach l'Ancien et l'atelier (Hans Cranach ?), fragment « Judith décapitant Holopherne »
Les théologiens chrétiens ont interprété l'histoire biblique de la juive Judith, qui a décapité le chef de l'armée assyrienne Holopherne, défendant son peuple, comme une victoire symbolique de la pureté et de l'humilité sur la luxure et l'orgueil. Dans l'Italie de la Renaissance, Judith était le plus souvent représentée comme une jeune belle femme avec une épée dedans main droite et la tête coupée d'Holoferne à gauche. Il était d'usage de représenter à côté une vieille fille pour la distinguer de Salomé, une jeune femme solitaire tenant un plat en argent avec la tête de Jean-Baptiste.
Lucas Cranach l'Ancien "Les Fruits de la Jalousie" Âge d'argent)" 1530 bois (chêne), tempera, huile Signé sous la forme d'une image de dragon et de la date en bas à droite. Au plus tard en 1851, collecte. Christian Schuchardt, Weimar ; jusqu'en 1873 collection F. Lippmann, Vienne ; de la collection 1891 - D.I. Chtchoukine, Moscou ; depuis 1918 2e Musée de la peinture occidentale ancienne ; depuis 1924 dans les collections du Musée Pouchkine.
Peut-être que l'intrigue a été suggérée à l'artiste par ses amis humanistes de l'Université de Wittenberg, qui croyaient que le juste la vie terrestre et les actes pieux sont capables, après la mort, de ramener l’âme d’une personne au paradis perdu par ses ancêtres. Le tableau « Les fruits de la jalousie » s'inspire probablement de l'intrigue des « Travaux et jours » du poète grec ancien Hésiode et nous raconte la même histoire que la tradition du Nouveau Testament - l'histoire de la détérioration de l'homme, de la façon dont les changements se produisent. au fil du temps. Comment l'âge d'or est remplacé par l'âge d'argent, l'âge d'argent par l'âge de bronze, et chaque fois que les habitants de ces siècles deviennent de plus en plus malheureux, de plus en plus impudents, de plus en plus agressifs, cela devient de plus en plus difficile. pour qu'ils s'entendent bien. Le groupe au premier plan déchire entre eux une certaine fille, pour laquelle elle a été surnommée « les fruits de la jalousie » et ils ont vu en elle beaucoup d'allégories différentes. Le sens moralisateur protestant est encore clair : devant nous se trouve l’humanité, primitive, sauvage et étrange, elle a déjà été soumise aux influences mêmes du péché, aux événements mêmes qui trouvent leur parallèle dans l’histoire d’Adam et Ève. Ce groupe aurait pu être aperçu par Cranach sur l’un des autels de Memling, aujourd’hui conservé à Varsovie. Mais ici à droite, des filles nues crânachiennes très stéréotypées, que le critique d'art Bernard Ikema, sans mâcher ses mots, appellera des Lolitas, regardent avec indifférence ces événements - et elles sont aussi le secret incontestable du succès de Cranach.
Lucas Cranach l'Ancien et son atelier. « Lucretia » (1535) bois (tilleul ou peuplier) tempera, huile Nijni Novgorod, Musée d'art d'État de Nijni Novgorod
L'un des sujets les plus caractéristiques de l'atelier de Cranach, parfois cliché et en même temps assez drôle, est Lucrèce, qui est un personnage d'une ancienne histoire romaine sur l'honneur et la valeur, un modèle de vertu. Étant l'épouse d'un patricien romain, elle fut déshonorée par le fils du tyran Tarquin le Fier et dut laver la honte avec le seul manière possible selon le droit romain, elle devait se poignarder, le faire devant son mari. Cet événement marqua le début d'une rébellion soulevée par Lucius Junius Brutus et conduisit au renversement du pouvoir royal à Rome et à l'établissement d'une république. C'est pourquoi, tout au long des siècles de l'histoire romaine et au-delà, Lucrèce était hautement vénérée. Cranach transforme l'histoire en une fille aux seins nus légèrement glamour posant, qui était naturellement très demandée et s'est très bien vendue - il y a plus de 20 itérations de l'histoire. Les filles qui y figurent changent toujours pour s'adapter aux goûts du client. Cette œuvre est de Musée de Nijni Novgorod et n'a pas subi de restauration depuis longtemps et faisait auparavant partie de la collection du musée Pouchkine.
http://www.m24.ru/m/galleries/4816/
http://www.colta.ru/articles/art/10621?part=1
Peinture de l'Ermitage des XIVe-XVIe siècles. Les rédacteurs M.I. Artamonov et V.F. Levinson-Lessing Publication conjointe de la maison d'édition Artia, Prague et de la maison d'édition " Artiste soviétique» Léningrad 1965
Dimensions : 87 x 59 centimètres.
admission 1851
Lucas Cranach I. La Vierge à l'Enfant sous un pommier.
L'œuvre du remarquable artiste allemand Lucas Cranach l'Ancien, maître de la Renaissance du Nord, reflète particulièrement clairement l'originalité Renaissance allemande, qui est née dans des conditions sociopolitiques légèrement différentes de celles de l'Italie et s'est finalement formée dans l'ère turbulente de la guerre paysanne et de la Réforme. À l'apogée de son pouvoir créateur, Cranach était un ami proche de Martin Luther et laissa une magnifique galerie de portraits du grand réformateur et de ses contemporains. Son œuvre, nourrie par les idées avancées de l'époque, tout comme celle du génial Dürer, signifiait la victoire finale en art allemand principes terrestres, idéaux laïques et humanistes et principes du réalisme.
La Vierge à l'Enfant sous le pommier" exprime l'idéal populaire allemand de beauté humaine et de sentiments patriotiques d'amour pour pays natal. La belle-mère aux cheveux roux avec une coiffure luxuriante qui tombe sur ses épaules et, apparemment, une forme d'yeux « à la mode » à l'époque s'apparente à ces héroïnes qui apparaissent dans les portraits et les peintures mythologiques de l'artiste. La gaze transparente recouvrant son cou renforce encore cette ressemblance avec Vénus, Lucrèce ou la figure allégorique de l'Amour des Enfants. Le bébé se distingue également par les caractéristiques d’une observation correcte de la réalité, dans la figure de laquelle l’artiste souligne les proportions du corps de l’enfant. La pomme dans sa main et le pommier aux fruits rouges sont un symbole de la Madone comme nouvelle Ève, rachetant l'humanité du péché originel. Cependant, dans la structure artistique générale du tableau, les fruits appétissants remplis de jus mûr sont plutôt le symbole d'une nouvelle perception sensorielle de la vie. Le superbe paysage d’arrière-plan regorge de détails détaillés de la véritable réalité allemande. Il est situé dans un verger de pommiers au fond d'un paysage avec vue sur la Saxe avec un château et des montagnes.
Cranach a dépeint Madonna comme une jeune femme rappelant une princesse des contes de fées allemands. Les vêtements de Madonna correspondent aux vêtements des aristocrates allemands. La palette de couleurs du tableau est variée et riche en rouge noble, jaune, doré, vert et leurs nuances. La Madone et l'Enfant Jésus, avec les proportions délicatement soulignées du corps d'un enfant, regardent attentivement le spectateur, comme pour lui faire comprendre qu'il sait tout ce que le destin a préparé pour lui et qu'il est prêt à l'accepter. Le regard des yeux allongés de la Mère de Dieu est triste et pensif : elle sait qu'elle doit perdre son fils. Un indice direct en est la pomme et le pain dans les mains du bébé, symboles de l'expiation du péché.
Lucas Cranach l'Ancien (Lucas Cranach l'Ancien, Lucas Cranach der Ältere, 1472-1553) est né à Kronach dans le nord de la Franconie (l'artiste a ensuite utilisé le nom de son lieu de naissance comme nom de famille), son père Hans Mayer était artiste et a d'abord a enseigné à son fils l'art du dessin. Où Cranach a continué son éducation artistique on ne le sait pas avec certitude, mais on pense qu'il a travaillé à Bamberg et à Aschaffenburg, ainsi qu'à Vienne en 1500-1503.
En 1504, le duc Frédéric III, électeur de Saxe (également connu sous le nom de Frédéric le Sage) propose à Cranach le poste de peintre de la cour. Cranach a assumé ce poste et a servi à la cour tout au long de sa vie. Cranach a été artiste décorateur, peint des portraits, des autels, des gravures sur bois, des gravures et a également conçu des pièces de monnaie. Avant 1508, il peignit une partie du mur de l'autel de l'église du château de Wittenberg. À partir de 1508, Cranach remplace ses initiales sur ses peintures par un sceau en forme de serpent, et il l'applique non seulement sur ses propres œuvres, mais aussi sur les œuvres de ses élèves qu'il apprécie comme symbole d'approbation. Frédéric le Sage a accordé à Cranach la permission de monopoliser la vente de médicaments à Wittenberg, l'artiste avait des licences pour vendre du vin et a été élu à plusieurs reprises membre du conseil municipal de Wittenberg. Il est intéressant de noter que sa pharmacie a fonctionné jusqu'en 1871, après quoi elle a brûlé dans un incendie. En 1508, il voyagea avec le service diplomatique de l'électeur aux Pays-Bas, où il rencontra l'empereur romain germanique Maximilien Ier lors de la cérémonie de prestation de serment de son successeur, l'archiduc Charles, âgé de huit ans (qui deviendra plus tard Charles Quint). Il leur a peint des portraits. Quelques années plus tard, Maximilien Ier charge Cranach (ainsi qu'Albrecht Dürer) d'illustrer son livre de prières.
Cranach (comme le duc Frédéric III) était ami avec les réformateurs dès les premiers stades de l'émergence du mouvement protestant. Cranach a peint pour la première fois le portrait de Luther en 1520, alors que Luther était moine augustin. Comme vous le savez, cinq ans plus tard, Luther renonça à ses vœux religieux. Cranach était présent aux fiançailles de Luther et Katharina von Bora, et il est également devenu parrain leur premier enfant en 1526
La mort de l'électeur Frédéric le Sage et de l'électeur Jean ne changea pas la position de Cranach à la cour ; sous Jean Frédéric Ier, l'artiste devint à deux reprises bourgmestre de Wittenberg (en 1531 et 1540). Il prouva à plusieurs reprises sa loyauté envers les ducs de Saxe. Cranach a cessé d'être un artiste de cour après la défaite de l'électeur Johann Friedrich Ier à la bataille de Mühlberg en 1547. En 1550, il suivit le duc emprisonné par l'empereur Charles V. Johann Friedrich fut libéré en 1552 et retourna dans le nord, Cranach le suivit. Un an plus tard, l'artiste mourut à Weimar.
D'abord peintures scéniques Les œuvres de Cranach ont été créées sur des thèmes religieux. Néanmoins, l'artiste aimait les gravures et n'était donc pas aussi prolifique que, par exemple, Albrecht Dürer. Il a accordé une grande attention au contour noir sur fond blanc sans utiliser de clair-obscur, ce qui explique peut-être pourquoi il ne se distinguait pas par sa brillante capacité à maîtriser la couleur, la lumière et l'ombre.
À l'étape suivante de sa créativité, ses principales œuvres étaient des portraits. Grâce à lui, nous savons désormais à quoi ressemblaient les dirigeants de la Réforme. Il a peint Martin Luther, sa femme et ses enfants. Il était en train de faire grande quantité ordres des princes et des courtisans, ainsi que de nombreux représentants de l'Église catholique (Albert de Brandebourg, archevêque de Mayence, duc d'Albe, etc.). On sait qu'en 1532 Cranach reçut une commande de Frédéric III et de son frère Jean pour 60 portraits, il est clair pourquoi beaucoup de ces tableaux n'étaient pas lui-même. Haute qualité. Les peintures religieuses reflètent le développement de la Réforme protestante. Il a créé un certain nombre de peintures à la manière « luthérienne », où il représentait le Christ de manière traditionnelle et les apôtres sans auréole et avec les visages de dirigeants réformateurs. De sa main appartiennent également des gravures de propagande dirigées contre la papauté et le clergé catholique.
Curieusement, dans Cranes, il a introduit une mode pour les petites peintures avec histoires mythologiques. Leur composition était quelque peu naïve, les figures étaient minces et allongées, la nature féminine était presque toujours nue, ou légèrement drapée de tissu, les héroïnes portant de larges coiffes étaient particulièrement courantes. La même manière peut être vue dans les peintures sur histoires bibliques. Dans son travaux ultérieurs dans le style nu, vous pouvez retracer l'influence art italien de cette époque : poses séduisantes, petites têtes, épaules étroites, poitrines et tailles hautes.
Lucas Cranach l'Ancien nous a laissé un grand patrimoine artistique, certains de ses tableaux se retrouvent en plusieurs exemplaires ou versions. Cela s'explique par le fait que l'artiste a développé une méthode qui lui a permis de créer rapidement des peintures : ses deux fils, Hans Cranach et Lucas Cranach le Jeune, travaillaient dans son atelier, qui participaient activement à la peinture de portraits et de sujets, les œuvres étaient signé du sceau de Lucas Cranach l'Ancien. On sait que l'artiste a eu trois autres filles. Après la mort de leur père, les fils de Cranach ont continué à créer des versions de ses peintures et il est désormais assez difficile de déterminer avec certitude la paternité de certaines d'entre elles.
Vierge à l'Enfant
D'ACCORD. 1525. Huile sur bois, 58x46. Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine, Moscou.
Lucas Cranach est l'un des plus maîtres célèbres Renaissance allemande. Il a appris la peinture auprès de son père. En 1502-1503, Crannach travailla à Vienne ; plus tard, il voyagea à travers les Pays-Bas et servit à la Cour des électeurs saxons (1505-1550) à Wittenberg pendant près de 45 ans. À partir de 1520, Cranach fut étroitement associé à M. Luther. L’œuvre de l’artiste reflète de nombreux phénomènes inhérents à la Renaissance allemande. Le maître travaillait dans divers genres: tableaux peints sur des sujets religieux, mythologiques, antiques, ainsi que des portraits. Comme beaucoup de maîtres de la Renaissance, Cranach s'adonnait à la gravure, utilisant principalement la technique de la gravure sur bois. Le tableau "Vierge à l'Enfant" appartient à la période de maturité de l'œuvre de Cranach, lorsque l'artiste a identifié un type particulier et reconnaissable dans l'image. visage féminin, pommettes légèrement hautes, avec une forme d'œil allongée, des sourcils finement définis - une sorte de canon de la beauté féminine, qui se répète dans les Madones qu'il représente depuis les années 1520. Le tableau n'a pas été entièrement conservé ; une partie de la planche a été coupée (on ne sait pas dans quelles circonstances). La Madone est représentée sur fond de vigne (vignoble) - symbole de la véritable Église du Christ. Autres œuvres célèbres : « Le Jugement de Pâris ». 1529. New York, Musée métropolitain d'art ; "Vierge à l'Enfant sous le pommier." Ermitage, Saint-Pétersbourg ; "Vénus et Cupidon". 1509. Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Le tableau «Vierge à l'enfant sous un pommier» a été peint par le maître de la Renaissance du Nord Lucas Cranach l'Ancien dans les années 20 du XVIe siècle, à l'apogée de son talent. La taille du tableau de l’artiste est de 53 x 42 cm, huile sur toile ; Peut-être que la photo a été tronquée. artiste allemand Lucas Cranach a représenté la Madone comme une charmante femme terrestre avec un bébé dans les bras, située dans un verger de pommiers. Afin de souligner le rôle de la Mère de Dieu en tant que gardienne de la lumière et de la joie du monde, l'artiste a placé Vierge Immaculée Marie et le bébé haute montagne, rehaussant la perspective avec un paysage lointain au pied des montagnes. La Madone et l'Enfant Jésus regardent attentivement le spectateur depuis l'image, comme pour nous faire savoir qu'ils connaissent déjà leur destin et qu'ils sont prêts à l'accepter sans l'ombre d'un doute. Le regard de la Mère de Dieu est légèrement touché par la tristesse, la tendresse et le chagrin tranquille - elle sait qu'elle doit perdre son fils et le retrouver au ciel. Histoire des arts.
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