Romantiskais periods

Romantiskais periods mūzikā ilga aptuveni no 1830. gadiem līdz 1910. gadiem. Zināmā mērā vārds “romantisks” ir tikai etiķete, jēdziens, ko nevar stingri definēt, tāpat kā daudzus citus. Daudzus darbus, kas minēti visās mūsu grāmatas nodaļās bez izņēmuma, var pamatoti saukt par “romantiskiem”.

Galvenā atšķirība starp šo periodu no citiem ir tā, ka tā laikmeta komponisti lielāku uzmanību pievērsa mūzikas izjūtām un uztverei, mēģinot ar tās palīdzību paust emocionālos pārdzīvojumus. Ar to viņi atšķiras no klasiskā perioda komponistiem, kuriem mūzikā vissvarīgākā bija forma un kuri centās ievērot noteiktus skaņdarba konstruēšanas noteikumus.

Tajā pašā laikā dažu klasiskā perioda komponistu daiļradē saskatāmi romantisma elementi, bet romantisma perioda komponistos – klasicisma elementi. Tātad viss, par ko mēs runājām iepriekš, nepavisam nav stingrs noteikums, bet tikai vispārīgs raksturlielums.

Vēsture nestāvēja uz vietas, un visi cilvēki pēkšņi nekļuva par romantiķiem, kurus interesē tikai viņu emocionālie pārdzīvojumi. Šis ir sociālisma, pasta reformas un Pestīšanas armijas dibināšanas laiks. Tajā pašā laikā tika atklāti vitamīni un rādijs, tika uzcelts Suecas kanāls; Daimlers izstrādāja pirmo automašīnu, un brāļi Raiti veica pirmo lidojumu. Markoni izgudroja radio, veiksmīgi nosūtot bezvadu ziņojumu pusotra kilometra attālumā. Karaliene Viktorija sēdēja Lielbritānijas tronī ilgāk nekā jebkurš cits angļu monarhs. Zelta drudzis pamudināja tūkstošiem cilvēku doties uz Ameriku.

Pāršķirstot mūsu grāmatu, jūs ievērosiet, ka šī ir lielākā no visām nodaļām, un tajā ir minēti ne mazāk kā trīsdesmit septiņi komponisti. Daudzi no viņiem dzīvoja un strādāja vienlaikus dažādās valstīs. Tāpēc mēs esam sadalījuši šo nodaļu trīs sadaļās: "Agrīnie romantiķi", "Nacionālie komponisti" un "Vēlie romantiķi".

Kā jūs droši vien jau uzminējāt, šis dalījums arī nepretendē uz absolūti precīzu. Tomēr mēs ceram, ka tas palīdzēs saglabāt stāsta konsekvenci, lai gan tas ne vienmēr var sekot hronoloģiskā secībā.

Tie ir komponisti, kas kļuva par sava veida tiltu starp klasisko un vēlīnā romantisma periodu. Daudzi no viņiem strādāja vienlaikus ar "klasiku", un viņu darbu lielā mērā ietekmēja Mocarts un Bēthovens. Tajā pašā laikā daudzi no viņiem sniedza savu personīgo ieguldījumu klasiskās mūzikas attīstībā.

Mūsu pirmais romantisma laika komponists bija īsta sava laika zvaigzne. Savu priekšnesumu laikā viņš demonstrēja virtuozās vijoles prasmju brīnumus un izpildīja neticamus trikus. Tāpat kā virtuozais roka ģitārists Džimijs Hendrikss, kurš dzimis simt sešdesmit gadus vēlāk, Nikolo Paganīni vienmēr pārsteidza skatītājus ar savu kaislīgo spēli.

Paganīni visu skaņdarbu varēja atskaņot uz divām vijoles stīgām, nevis uz četrām. Dažkārt

viņš pat apzināti lika pārtrūkt stīgām priekšnesuma vidū, pēc kā viņš joprojām izcili pabeidza skaņdarbu, skanot skaļiem skatītāju aplausiem.

Bērnībā Paganīni mācījās tikai mūziku. Tomēr viņa tēvs pat sodīja viņu par nepietiekamu vingrošanu, nedodot viņam ēdienu vai ūdeni.

Pieaugušā vecumā Paganīni bija tik liels vijoles meistars, ka tika baumots, ka viņš pats ir noslēdzis līgumu ar velnu, jo neviens mirstīgais nevarēja spēlēt tik lieliski. Pēc mūziķa nāves baznīca sākumā pat atteicās viņu apglabāt savā zemē.

Pats Paganīni, bez šaubām, saprata visas savas publiskās uzstāšanās priekšrocības, apgalvojot:

"Es esmu neglīts, bet, kad sievietes dzird mani spēlējam, viņas pašas rāpo man kājās."

Muzikālo skaņdarbu stils un struktūra turpināja attīstīties gan instrumentālajos darbos, gan operā. Vācijā operas mākslas avangardu vadīja Kārlis Marija fon Vēbers, lai gan viņš dzīvoja gados, ko daudzi neuzskata par romantisko periodu.

Var teikt, ka Vēberiem opera bija ģimenes lieta, un Kārlis bērnībā daudz ceļoja ar operas trupa viņa tēvs. Viņa opera Bezmaksas šāvēja (Magic Shooter) mūzikas vēsturē iegāja ar to, ka tajā izmantoti tautas motīvi.

Nedaudz vēlāk jūs uzzināsit, ka šāda tehnika tiek uzskatīta par raksturīgu romantiskā perioda iezīmi.

Vēbers arī uzrakstīja vairākus klarnetes koncertus, un tieši ar tiem viņš mūsdienās ir lielā mērā slavens.

Itālija ir operas dzimtene, un personā Džoakīno Antonio Rosīni Itāļiem paveicās atrast jaunu šī žanra varoni. Viņš ar vienlīdzīgiem panākumiem rakstīja gan komiska, gan traģiska satura operas.

Rosīni bija viens no tiem komponistiem, kas komponēja ātri, un, lai uzrakstītu operu, viņam parasti vajadzēja tikai dažas nedēļas. Savas slavas virsotnē viņš reiz teica:

"Dodiet man veļas rēķinu, un es to atskaņošu ar mūziku."

Viņi tā saka Seviļas bārddzinis Rosīni to sacerēja tikai trīspadsmit dienās. Tik straujš darba temps noveda pie tā, ka viņa jaunās operas pastāvīgi tika iestudētas visos Itālijas teātros. Bet viņš ne vienmēr izturējās labvēlīgi pret savu skaņdarbu izpildītājiem un reiz pat runāja par viņiem nievājoši:

"Cik brīnišķīga būtu opera, ja tajā nebūtu neviena dziedātāja!"

Taču trīsdesmit septiņu gadu vecumā Rosīni pēkšņi pārtrauca rakstīt operas un pēdējo gandrīz četru gadu desmitu laikā radīja tikai Stabat Mater.

Joprojām nav īsti skaidrs, kas viņu vadījis, pieņemot šādu lēmumu, tomēr līdz tam laikam viņa bankas kontā bija sakrājusies ievērojama summa - honorāri no iestudējumiem.

Papildus mūzikai Rosīni bija aizraušanās ar kulinārijas māksla, un viņa vārdā nosaukts daudz vairāk ēdienu nekā citu komponistu vārdā. Jūs pat varat noorganizēt veselas pusdienas, kas ietvers Rossini salātus, Rossini omleti un Rossini Tournedo. (Tournedo ir rīvmaizē apceptas gaļas strēmeles, pasniegtas ar pastēti un trifelēm.)

Francs Šūberts, kurš dzīvoja tikai trīsdesmit vienu gadu, septiņpadsmit gadu vecumā jau bija sevi pierādījis kā talantīgu komponistu. Manas pašas dēļ ilgs mūžs kopumā viņš uzrakstīja vairāk nekā sešsimt dziesmu, deviņas simfonijas, vienpadsmit operu un ap četrsimt citu darbu. 1815. gadā vien viņš sacerēja simt četrdesmit četras dziesmas, divas mesas, simfoniju un vairākus citus darbus.

1823. gadā viņš saslima ar sifilisu, bet piecus gadus vēlāk, 1828. gadā, nomira no vēdertīfa. Gadu iepriekš viņš piedalījās sava elka Ludviga van Bēthovena bērēs.

Zīmīgi, ka Šūberts bija viens no pirmajiem lielākajiem komponistiem, kurš kļuva slavens ar citu darbu izpildīšanu. Viņš pats savā nāves gadā sniedza tikai vienu lielu koncertu, un arī toreiz to aptumšoja Paganīni, kurš apmēram tajā pašā laikā ieradās Vīnē. Tātad nabaga Šūberts savas dzīves laikā nekad nesasniedza pelnīto cieņu.

Viens no Šūberta lielākajiem noslēpumiem ir 8. simfonija, pazīstams kā Nepabeigts. Viņš uzrakstīja tikai divas tā daļas un pēc tam pārtrauca darbu. Neviens nezina, kāpēc viņš to izdarīja, taču šī simfonija joprojām ir viens no viņa populārākajiem darbiem.

Hektors Berliozs dzimis ārsta ģimenē, tāpēc atšķirībā no daudziem citiem mūsu grāmatā minētajiem komponistiem viņš nav ieguvis pilnvērtīgu muzikālo izglītību.

Sākumā viņš nolēma sekot sava tēva pēdās un kļūt par ārstu, tāpēc viņš devās uz Parīzi, bet tur viņš arvien biežāk sāka pavadīt laiku operā. Galu galā viņš nolēma nodarboties ar mūziku, par lielu sarūgtinājumu saviem vecākiem.

Berlioza tēls var šķist kariķēts, tik tālu no rakstīšanas cilvēkiem

var iedomāties jebkuru komponistu: ļoti nervozu un aizkaitināmu, impulsīvu, ar pēkšņām garastāvokļa maiņām un, protams, neparasti romantisku attiecībās ar pretējo dzimumu. Kādu dienu viņš uzbruka savējam bijušais mīļākais ar pistoli rokā un draudēja viņu saindēt; viņš vajāja otru, ģērbies sieviešu apģērbā.

Taču galvenā Berlioza romantisko tieksmju tēma bija aktrise Harieta Smitsone, kura vēlāk cieta no smagiem nervu traucējumiem – acīmredzot viņa to lielā mērā bija parādā pašam Berliozam. Pirmo reizi viņš viņu ieraudzīja 1827. gadā, bet klātienē viņam izdevās satikties tikai 1832. gadā. Sākumā Smitsons noraidīja Berliozu, un viņš, vēloties panākt savstarpīgumu, rakstīja Fantastiska simfonija. 1833. gadā viņi beidzot apprecējās, taču, kā jau varēja gaidīt, pēc dažiem gadiem Berliozs iemīlēja citu sievieti.

Runājot par mūziku, Berliozam patika vēriens. Ņem viņu par piemēru Rekviēms, rakstīts milzīgam orķestrim un korim, kā arī četriem pūtēju orķestriem, kas izvietoti katrā skatuves stūrī. Šī tieksme pret lielajām formām īpaši neveicināja viņa pēcnāves slavu. Viņa darbu izpildīšana tādā formā, kādā viņš tos bija iecerējis, var būt ļoti dārga un dažreiz pat neiespējama. Taču šādi šķēršļi viņu nemaz netraucēja, un viņš turpināja komponēt mūziku ar visu aizrautību, uz ko bija spējīgs. Kādu dienu viņš teica:

"Katrs komponists zina sāpes un izmisumu, kas rodas tāpēc, ka nav pietiekami daudz laika, lai pierakstītu, ko viņš izdomāja."

Ikvienam skolēnam, kas lasa šo grāmatu, vajadzētu justies skaudīgiem pret tādiem cilvēkiem kā Fēlikss Mendelsons, cilvēkiem, kuri kļuva slaveni bērnībā.

Kā redzam no daudziem piemēriem, klasiskās mūzikas pasaulē tas nebūt nav nekas neparasts.

Tomēr Mendelsons guva panākumus ne tikai mūzikā; viņš bija viens no retajiem cilvēkiem, kam izdodas sasniegt labus rezultātus it visā, ko viņi uzņemas – glezniecībā, dzejā, sportā, valodās.

To visu Mendelsonam nebija grūti apgūt.

Mendelsonam paveicās – viņš dzimis turīgā ģimenē un uzaudzis Berlīnes mākslas aprindu radošajā gaisotnē. Pat bērnībā viņš satika daudz talantīgu mākslinieku un mūziķu, kuri ieradās apciemot viņa vecākus.

Mendelsons pirmo reizi publiski uzstājās deviņu gadu vecumā, un sešpadsmit gadu vecumā viņš jau bija komponējis Stīgu oktets. Gadu vēlāk viņš uzrakstīja uvertīru Šekspīra lugai Jāņu nakts sapnis. Bet pārējo šīs komēdijas mūziku viņš radīja tikai septiņpadsmit gadus vēlāk (ieskaitot slaveno kāzu gājiens, kas joprojām bieži tiek izpildīts kāzās).

Arī Mendelsona personīgā dzīve bija veiksmīga: ilgas un spēcīgas laulības gados viņam un viņa sievai bija pieci bērni.

Viņš daudz strādāja un ceļoja, tostarp Skotijā, par kuras iedzīvotājiem viņš nerunāja īpaši labvēlīgi:

"... [viņi] ražo tikai viskiju, miglu un sliktus laikapstākļus."

Bet tas viņam netraucēja uzrakstīt divus brīnišķīgus darbus, kas veltīti Skotijai. Trīspadsmit gadus pēc pirmā ceļojuma pabeigšanas Skotijas simfonija; pamats Hebridu uvertīras Sāka skanēt skotu melodijas. Ar Lielbritāniju Mendelsonu saistīja arī viņa oratorija Elija, kas pirmo reizi tika iestudēta Birmingemā 1846. gadā. Viņš pat tikās ar karalieni Viktoriju un sniedza mūzikas nodarbības princim Albertam.

Mendelsons nomira no insulta salīdzinoši jaunā vecumā - trīsdesmit astoņu gadu vecumā. Protams, var teikt, ka viņš sevi nežēloja un bija pārguris no pārmērīga darba, taču lielā mērā viņa nāvi pasteidzināja mīļotās māsas Fanijas nāve, kura arī bija talantīga mūziķe.

Mūsu priekšā ir vēl viens romantiķis līdz sirds dziļumiem. Tajā pašā laikā Frederiks Šopēns Viņš izcēlās arī ar savu kaislīgo pieķeršanos vienam instrumentam, un mūsu grāmatā minētajiem komponistiem tas notiek ļoti reti.

Teikt, ka Šopēnam patika klavieres, tas ir nepietiekami. Viņš to apbrīnoja, visu savu dzīvi veltīja klavieru skaņdarbu komponēšanai un to atskaņošanas tehnikas pilnveidošanai. Šķita, ka viņam nebija citu instrumentu, izņemot kā pavadījumu orķestra darbos.

Šopēns dzimis 1810. gadā Varšavā; Viņa tēvs pēc dzimšanas bija francūzis, un viņa māte bija poliete. Frederiks sāka koncertēt septiņu gadu vecumā, un tajā pašā laikā radās arī viņa pirmās kompozīcijas. Man jāsaka, ka viņš atšķirīga iezīme Vienmēr bija fokuss uz nākotni.

Pēc tam Šopēns kļuva slavens Parīzē, kur viņš sāka sniegt mūzikas nodarbības bagātiem cilvēkiem, pateicoties kuriem viņš pats kļuva bagāts. Viņš vienmēr pievērsa īpašu uzmanību savam izskatam un tam, lai viņa drēbju skapis atbilstu jaunākajām modes tendencēm.

Kā komponists Šopēns bija metodisks un pamatīgs. Viņš nekad neatļāvās būt neuzmanīgs; Nav pārsteidzoši, ka mūzikas komponēšana viņam bija sāpīgs process.

Kopumā viņš komponēja simt sešdesmit deviņus solo darbus klavierēm.

Parīzē Šopēns iemīlēja slaveno franču rakstnieci ar izdomāto vārdu Amandine Aurora Lucille Dupin, kas plašāk pazīstama ar pseidonīmu Džordžs Sands. Viņa bija diezgan ievērojama persona: viņu bieži varēja atrast Parīzes ielās, staigājam vīriešu apģērbos un smēķējam cigārus, kas šokēja labi audzināto sabiedrību. Šopēna un Džordža Sanda romāns bija vētrains un beidzās ar sāpīgu šķiršanos.

Tāpat kā daži citi romantisma laika komponisti, Šopēns nenodzīvoja ilgu mūžu – viņš nomira no tuberkulozes trīsdesmit deviņu gadu vecumā, neilgi pēc šķiršanās ar Džordžu Sandu.

Roberts Šūmans ir vēl viens komponists, kurš nodzīvoja īsu un vētrainu dzīvi, lai gan viņa gadījumā tas bija piesātināts ar diezgan lielu neprātu. Mūsdienās ir zināmi Šūmaņa darbi klavierēm, dziesmas un kamermūzika.

Šūmans bija izcils komponists, taču savas dzīves laikā viņš atradās savas sievas ēnā Klāra Šūmane, tā laika izcilais pianists. Viņa ir mazāk pazīstama kā komponiste, lai gan viņa rakstīja arī diezgan interesantu mūziku.

Pats Roberts Šūmans rokas traumas dēļ nevarēja uzstāties kā pianists, un viņam bija grūti dzīvot blakus sievietei, kura kļuva slavena šajā jomā.

Komponists cieta no sifilisa un nervu traucējumiem; reiz viņš pat mēģināja izdarīt pašnāvību, metoties Reinā. Viņu izglāba un ievietoja psihiatriskajā slimnīcā, kur pēc diviem gadiem nomira.

Šūmanim bija pragmatiska pieeja mākslai. Ir zināms šāds viņa paziņojums:

"Lai komponētu, jums vienkārši jāizdomā melodija, kas nevienam iepriekš nav ienākusi prātā."

Ja Paganīni var saukt par vijolnieku - izpildītāju karali, tad pianistu - romantiķu vidū šis tituls pamatoti pieder Francs Liszts. Viņš bija iesaistīts arī pedagoģijā un nenogurstoši izpildīja citu komponistu, īpaši Vāgnera, darbus, par kuriem tiks runāts vēlāk.

Lista klavierdarbus ir ārkārtīgi grūti izpildīt, taču viņš rakstīja pēc savas spēles tehnikas, labi zinot, ka neviens nevarēs tos atskaņot labāk par viņu.

Turklāt Lists uz klavierēm pārrakstīja citu komponistu darbus: Bēthovena, Berlioza, Rosīni un Šūberta darbus. Zem viņa pirkstiem tie ieguva dīvainu oriģinalitāti un sāka skanēt kā jauna. Ņemot vērā, ka tie sākotnēji rakstīti orķestrim, var tikai brīnīties par mūziķa prasmi, kas tos pārsteidzoši precīzi atveido uz viena instrumenta.

Lists bija īsta sava laika zvaigzne; simts gadus pirms rokenrola izgudrošanas viņš dzīvoja jebkura rokmūziķa cienīgu dzīvi, ieskaitot viņa dažādās mīlas attiecības. Pat lēmums pieņemt svētos pasūtījumus netraucēja viņam nodarboties ar lietām.

Liszts arī popularizēja priekšnesumus ar klavierēm un orķestri, kas joprojām ir izplatīts žanrs. Viņam patika tvert fanu apbrīnas pilnos skatienus un klausīties skatītāju entuziasma pilnos kliedzienos, vērojot, kā viņa pirksti lido pāri taustiņiem. Tāpēc viņš pagrieza klavieres, lai publika varētu sekot līdzi pianista sniegumam. Pirms tam viņi sēdēja ar muguru pret publiku.

Plašāka sabiedrība zina Žoržs Bizē kā operas veidotājs Karmena, bet mūsu grāmatas beigās publicētajā sarakstā bija vēl viens viņa darbs, Au Fond du Temple Saint(pazīstams arī kā Nadiras un Zurgas duets) no operas Pērļu meklētāji. Kopš 1996. gada, kad sākām veidot klasiskās FM klausītāju vidū populārāko darbu sarakstu, tas pastāvīgi ierindojies hitu parādes augšgalā.

Bizē ir vēl viens brīnumbērns, kurš ir pierādījis savu izcilo raksturu muzikālajām spējām atpakaļ bērnībā. Savu pirmo simfoniju viņš uzrakstīja septiņpadsmit gadu vecumā. Tiesa, arī viņš nomira agri, trīsdesmit sešu gadu vecumā, pievienojoties pāragri aizgājušo ģēniju sarakstam.

Neskatoties uz savu talantu, Bizē dzīves laikā nekad nav ieguvis īstu atzinību. Opera Pērļu ūdenslīdēji tika iestudēts ar mainīgiem panākumiem, un pirmizrāde Karmena Tas beidzās ar neveiksmi pilnībā - tā laika modes sabiedrība to nepieņēma. Kritiķu un patiesu mūzikas pazinēju labvēlība Karmena uzvarēja tikai pēc komponista nāves. Kopš tā laika tas ir iestudēts visos vadošajos pasaules operteātros.

Šeit ir vēl viena ārkārtīgi neskaidra definīcija. Par "nacionālistiem" pamatoti var saukt ne tikai visus romantiskos komponistus, bet zināmā mērā arī daudzus baroka un klasiskā laikmeta pārstāvjus.

Tomēr šajā sadaļā uzskaitīsim četrpadsmit vadošos romantisma laika komponistus, kuru darbi tapuši tādā stilā, ka pat klasisko mūziku ne pārāk pazīstoši klausītāji var saprast, no kurienes nāk šis vai cits meistars.

Dažkārt šie komponisti tiek klasificēti kā piederīgi vienai vai otrai valsts mūzikas skolai, lai gan šāda pieeja nav gluži pareiza.

Parasti, dzirdot vārdu “skola”, mēs iztēlojamies klasi, kurā bērni skolotāja vadībā veic vienu un to pašu uzdevumu.

Ja runājam par komponistiem, tad viņus vienoja viens kopīgs virziens, un viņi gāja katrs savu ceļu, cenšoties atrast savus, unikālus mūzikas izteiksmes līdzekļus.

Ja krievu klasiskajai mūzikai ir tēvs - dibinātājs, tad tas, bez šaubām, ir Mihails Ivanovičs Glinka. Nacionālistu mūziķi izceļas tieši ar to, ka viņi savos darbos izmanto tautas melodijas. Glinku ar krievu dziesmām iepazīstināja viņa vecmāmiņa.

Atšķirībā no daudziem citiem talantīgiem komponistiem, kas tik bieži pieminēts mūsu grāmatas lappusēs, Gļinka sāka nopietni mācīties mūziku salīdzinoši vēlā vecumā - savos divdesmit gados. Sākumā viņš strādāja par ierēdni Dzelzceļa ministrijā.

Kad Glinka nolēma mainīt karjeru, viņš devās uz Itāliju, kur uzstājās kā pianists. Tur sākās viņa dziļā mīlestība pret operu. Atgriezies mājās, viņš sacerēja savu pirmo operu Dzīve karalim. Sabiedrība viņu uzreiz atzina par labāko krievu mūsdienu komponistu. Viņa otrā opera Ruslans un Ludmila, nebija tik veiksmīga, lai gan laika pārbaudi izturēja labāk.

Aleksandrs Porfirjevičs Borodins pieder komponistiem, kuri bez mūzikas aktīvi iesaistījās arī citās aktivitātēs. Kas attiecas uz Borodinu, viņš savu karjeru sāka kā zinātnieks - ķīmiķis. Viņa pirmā eseja saucās “Par etiljodīda ietekmi uz hidrobenzamīdu un amarīnu”, un, protams, jūs to nekad nedzirdēsit pa Classic FM, jo tas ir zinātnisks darbs, kam nav nekāda sakara ar mūziku.

Borodins bija Gruzijas prinča ārlaulības dēls; Mīlestību pret mūziku un interesi par mākslu kopumā viņš mantojis no mātes, saglabājot to visu mūžu.

Pastāvīgās aizņemtības dēļ viņam izdevās izdot tikai aptuveni divdesmit darbus, kuros bija gan simfonijas, gan dziesmas, gan kamermūzika.

Kopā ar Milija Balakireva, Nikolajs Rimskis-Korsakovs, Cēzars Kui Un Modests Musorgskis Borodins bija muzikālās kopienas “The Mighty Handful” dalībnieks. Visu šo komponistu panākumi ir vēl ievērojamāki, jo bez mūzikas viņiem visiem bija arī citas aktivitātes.

Ar to viņi noteikti atšķiras no vairuma citu šajā grāmatā pieminēto komponistu.

Populārākais Borodina darbs ir Polovcu dejas no viņa operas Princis Igors. Jāpiemin, ka viņš pats to nekad nepabeidza (lai gan pie tā strādāja septiņpadsmit gadus). Operu pabeidza viņa draugs Rimskis - Korsakovs, par kuru sīkāk runāsim vēlāk.

Pēc mūsu domām, Modests Petrovičs Musorgskis bija izgudrojošākais un ietekmīgākais no “Varenās saujas” komponistiem, lai gan viņš kā neparasts cilvēks neizbēga no viena vai diviem netikumiem, kas raksturīgi daudziem radošo profesiju pārstāvjiem.

Pēc aiziešanas no armijas Musorgskis ieguva darbu civildienestā. Jaunībā viņš mīlēja, kā saka, pastaigāties, izcēlās ar iespaidojamību un mūža nogalē cieta no alkoholisma. Šī iemesla dēļ viņš bieži tiek attēlots ar izspūrušiem matiem un nedabiski sarkanu degunu.

Musorgskis savus darbus bieži nepabeidza, un viņa vietā to darīja draugi – dažkārt ne tā, kā viņš pats bija iecerējis, tāpēc tagad mums nav skaidrs, kāds bija autora sākotnējais nolūks. Operas orķestrēšana Boriss Godunovs pārtaisīts Rimskis-Korsakovs, kā arī slavenā “mūzikas bilde” Nakts Plikajā kalnā(izmantots Disneja filmā Fantāzija). Orķestrācija uz Bildes no izstādes rakstīja Moriss Ravels, un šajā versijā viņi ir zināmi mūsu laikā.

Neskatoties uz to, ka Musorgskis nāca no turīgas ģimenes un viņam bija milzīgs pianista un komponista talants, viņš nomira tikai četrdesmit divu gadu vecumā no alkoholisma.

Vecāki Nikolajs Rimskis – Korsakovs sapņoja, ka viņu dēls dienēs flote, un viņš attaisnoja viņu cerības. Bet pēc vairāku gadu dienesta jūras kara flotē un vairāku jūras braucienu viņš kļuva par komponistu un mūzikas skolotāju, kas neapšaubāmi bija pārsteigums viņa ģimenei. Patiesību sakot, Rimskis-Korsakovu vienmēr interesēja mūzika un viņš pat sāka komponēt 1. simfonija, gadā, kad viņa kuģis pietauvojās Greivsendas rūpnieciskajā zonā Temzas estuārā. Šī, iespējams, ir viena no vismazāk romantiskajām vietām, kur rakstīt. mūzikas darbi minēts šajā grāmatā.

Papildus tam, ka Rimskis-Korsakovs pabeidza un pārstrādāja dažus Musorgska darbus, viņš pats radīja piecpadsmit operas par krievu dzīves tēmām, lai gan viņa darbos jūtama arī eksotisko zemju ietekme. Tātad, piemēram, Šeherezāde pamatojoties uz pasaku no Tūkstoš un vienas nakts.

Rimskis-Korsakovs īpaši labi spēja parādīt visa orķestra skanējuma skaistumu. Viņš tam pievērsa lielu uzmanību mācību aktivitātes un tādējādi ietekmēja daudzus krievu komponistus, kas strādāja pēc viņa, īpaši Stravinski.

Pjotrs Iļjičs Čaikovskis savos skaņdarbos izmantoja arī krievu tautas melodijas, taču atšķirībā no citiem krievu nacionālajiem komponistiem apstrādāja tās savā veidā, kā, protams, visas Eiropas muzikālo mantojumu.

Čaikovska personīgā dzīve, kas apvīta ar dažādiem noslēpumiem (par viņa homoseksuālajām tieksmēm bija plaši izplatītas baumas), nebija viegla. Viņš pats reiz teica:

"Tas tiešām būtu par ko trakot, ja nebūtu mūzikas!"

Bērnībā viņš izcēlās ar iespaidojamību, un pieaugušā vecumā viņam bija nosliece uz melanholijas lēkmēm un pat depresiju. Vairāk nekā vienu reizi viņam bija domas par pašnāvību. Jaunībā viņš studēja jurisprudenci un kādu laiku strādāja Tieslietu ministrijā, taču drīz vien pameta dienestu, lai pilnībā nodotos mūzikai. Trīsdesmit septiņu gadu vecumā viņš negaidīti apprecējās, taču laulība kļuva par īstām mocībām gan viņam pašam, gan sievai. Galu galā viņa sieva tika ievietota psihiatriskajā slimnīcā, kur viņa nomira. Arī pats Čaikovskis ilgu laiku cieta no šķiršanās, kas notika tikai divus mēnešus pēc kāzām.

Čaikovska agrīnos darbus plašāka sabiedrība neatzina, un tas viņam sagādāja daudz ciešanu. Interesanti, ka daudzi no šiem darbiem, t.sk Koncerts vijolei un orķestrim Un Koncerts klavierēm un orķestrim Nr.1, inšobrīd ir ļoti populāri. Ieraksts 1. klavierkoncerts Kopumā tas kļuva par pirmo klasiskās mūzikas ierakstu, kas saņēmis Zelta diska statusu par miljona kopiju pārdošanu.

Čaikovskis uzrakstīja desmit operas, tai skaitā Jevgēnija Oņgina, un mūzika baletiem, piemēram, Riekstkodis, guļošā skaistule Un Gulbju ezers. Klausoties šo mūziku, uzreiz saproti Čaikovska talanta diženumu, kurš prata radīt ārkārtīgi harmonisku un aizraujošu melodiju. Viņa baleti joprojām bieži tiek iestudēti uz pasaules skatuvēm un vienmēr izraisa publikas apbrīnu. Tā paša iemesla dēļ mūzikas frāzes no viņa simfonijām un koncertiem zina pat tie, kam ir maz zināšanu par klasisko mūziku.

Daudzus gadus Čaikovskis baudīja turīgas atraitnes Nadeždas fon Mekas labvēlību, kura viņam nosūtīja lielas naudas summas, taču ar nosacījumu, ka viņi nekad nesatiekas klātienē. Pilnīgi iespējams, ka tad, ja viņi satiktos klātienē, viņi viens otru nebūtu atpazinuši.

Komponista nāves apstākļi joprojām nav pilnībā skaidri. Saskaņā ar oficiālo secinājumu Čaikovskis nomira no holēras: viņš dzēra ar vīrusu piesārņotu ūdeni. Bet ir versija, saskaņā ar kuru viņš pats izdarījis pašnāvību, baidoties, ka viņa homoseksuālās attiecības tiks publiskotas.

Ja Gļinku uzskata par krievu klasiskās mūzikas tēvu, tad tāda pati loma ir arī čehu klasiskajā mūzikā Bedrihs Smetana.

Skābo krējumu vienmēr iedvesmojusi čehu tautas kultūra un dzimtās valsts daba. Īpaši tas jūtams viņa simfonisko poēmu ciklā Mana dzimtene Smetanai vajadzēja astoņus gadus, lai uzrakstītu.

Šobrīd populārākais darbs šajā sērijā ir Vltava, veltīta vienai no lielākajām Čehijas upēm, kas plūst cauri Prāgai.

Savas dzīves beigās Bedrihs Smetana smagi saslima (domājams, ar sifilisu), kļuva kurls un zaudēja prātu. Viņš nomira sešdesmit gadu vecumā.

Viņa mūzika ietekmēja nākamo komponistu mūsu sarakstā Antoninu Dvoržāku, kura darbi ir guvuši atzinību tālu aiz Čehijas robežām.

Antoņins Dvoržāks bija īsts čehu nacionālais varonis, kurš kaislīgi mīlēja savu dzimteni. Tautieši atbildēja pret viņa jūtām un dievināja viņu.

Dvoržāka darbus plaši reklamēja Brāmss (par kuru tiks runāts nedaudz vēlāk). Pamazām Dvoržāka vārds kļuva pazīstams visā pasaulē. Piemēram, viņš ieguva fanus Anglijā, kur uzstājās pēc Karaliskās filharmonijas biedrības uzaicinājuma, kā arī festivālos Birmingemā un Līdsā.

Pēc tam Dvoržāks nolēma doties uz ASV, kur 1890. gados viņam piedāvāja diriģenta amatu Ņujorkas Nacionālajā konservatorijā, kuru viņš ieņēma trīs gadus. Dvoraks ļoti ilgojās pēc dzimtenes, taču nepārstāja interesēties par vietējo mūziku. Iespaidi par viņu atspoguļojas viņa 9. simfonijas, sauca No Jaunās pasaules.

Galu galā Dvoržāks nolēma atgriezties mājās un pēdējos dzīves gadus pavadīja Prāgā, mācot.

Papildus mūzikai Dvoržāku interesēja vilcieni un kuģi, un tieši šī aizraušanās, acīmredzot, veicināja viņa piekrišanu apmeklēt ASV, lai gan, iespējams, izšķiroša loma bija viņam piedāvātajai lielajai honorāram.

d Nacionālās Čehijas mūzikas skolas pārstāvji ir arī Jozefs Suks, Leoss Janačeks Un Boguslavs Martinu.

norvēģu Edvards Grīgs pieder to komponistu lokam, kuri kaislīgi mīlēja savu dzimteni. Un viņa dzimtene atbildēja uz viņa jūtām. Norvēģijā viņa darbi joprojām ir ārkārtīgi populāri. Taču lietas varēja izvērsties savādāk, jo Grīga ģimene patiesībā bija skotu izcelsmes – viņa vecvecvecvecvectēvs pēc zaudējuma kaujā ar angļiem Kulodenā emigrēja uz Skandināviju.

Grīgam vislabāk izdevās producēt darbus mazos žanros, piemēram Liriskas lugas klavierēm. Bet viņa slavenākais koncerts ir Klavierkoncerts ar iespaidīgu ievadu, kurā klavieru skaņas it kā līst zem timpānu tremolo.

d Skandināvijas nacionālās mūzikas skolas pārstāvji arī ietver Kārlis Nīlsens Un Johans Svendsens.

Neskatoties uz to, ka 19. gadsimtā Spānijā tika rakstīta arī klasiskā mūzika, tur nedzīvoja daudz pasaules slavu ieguvušo komponistu. Viens no izņēmumiem ir Īzaks Albenizs, jaunībā viņš neizcēlās ar vieglu izturēšanos.

Viņi saka, ka Albenizs iemācījās spēlēt klavieres viena gada vecumā. Trīs gadus vēlāk viņš uzstājās publiski, un astoņu gadu vecumā sāka koncertēt. Līdz piecpadsmit gadu vecumam viņš bija apmeklējis Argentīnu, Kubu, ASV un Angliju.

Albenizam īpaši padevās improvizācija: viņš lidojumā varēja izdomāt kādu melodiju un uzreiz to atskaņot vairākās variācijās. Viņš arī demonstrēja instrumenta apgūšanas brīnumus – spēlēja ar muguru pret to. Turklāt viņš katru reizi pārģērbās par musketieri, tādējādi papildinot savu priekšnesumu skatienu.

Pieaugušā vecumā viņš nedaudz iekārtojās un pārsteidza sabiedrību nevis ar savu šokējošo uzvedību, bet gan ar savām kompozīcijām. Īpaši slavens kļuva viņa klavierskaņdarbu cikls Ibērija. Pateicoties saviem panākumiem, šis komponists izveda Spāniju no ēnas un piesaistīja tai pasaules mūzikas sabiedrības uzmanību.

d Albenizs ļoti ietekmēja daudzus citus Spānijas Nacionālās skolas komponistus, tostarp Pablo de Sarasate, Enrike Granadoss, Manuels de Falja Un Heitor Villa – Lobosa(kurš bija brazīlietis).

Artūrs Salivansšodien ir labi zināms. Taču vēsture pret viņu nav izturējusies pārāk godīgi, jo mūsdienās netiek atcerēti labākie viņa darbi. 1870. gados viņš sāka sadarboties ar dzejnieku un libretistu V. S. Gilbertu. Kopā viņi uzrakstīja vairākas komiskas operetes: Tiesā žūrija, Penzansas pirāti, Viņas Majestātes Fregate Pinafore, Princese Ida, Mikado, Sargu Yeoman un citi.

Neskatoties uz viņu milzīgajiem panākumiem kopīgs darbs, šie abi autori savā starpā nesapratās un beigu beigās pēc karstiem strīdiem pārstāja sazināties vispār. Tomēr šie strīdi bija tukši.

Piemēram, viens no tiem attiecās uz jauno paklāju Savojas teātrī Londonā, kur parasti tika iestudētas viņu operetes.

Salivans sapņoja kļūt slavens kā nopietns komponists, taču līdz šim viņa darbi, kas nepieder operetes žanram, ir aizmirsti.

Tomēr viņš uzrakstīja operu Ivanhoe, diezgan interesanti Simfonija e minorā un himna — Uz priekšu, Kristus karaspēks!– iespējams, viņa visbiežāk atskaņotais darbs.

d Anglijas Nacionālās mūzikas skolas pārstāvji arī ietver Arnolds Bakss, Hūberts Parijs, Semjuels Kolridžs - Teilors, Čārlzs Viljers Stenfords Un Džordžs Batervorts.

Par darbiem var saukt par franču analogu Gilberta un Salivana operetēm Žaks Ofenbahs, vīrietis, kuram noteikti bija humora izjūta. Viņš ir dzimis Ķelnē un tāpēc dažreiz parakstījās kā “O. no Ķelnes” (“O. de Cologne” izklausās kā “odekolons”).

1858. gadā Ofenbahs pārsteidza parīziešus kankāns no operetes Orfejs ellē; Izsmalcinātai publikai šādas vienkāršas tautas dejas šķita mežonīgas un neķītras, tomēr pati operete tika uzskatīta par skandalozu.

Starp citu, ja šis vārds jums šķiet pazīstams, der atcerēties, ka mūziku Orfeja mītam iepriekšējos gadsimtos sarakstījuši Peri, Monteverdi un Gluks. Ofenbaha versija bija satīriska, paredzēta izklaidei, tāpēc tajā bija iekļautas ļoti vieglprātīgas ainas. Tomēr, neskatoties uz pirmo iespaidu, sabiedrība galu galā iemīlēja opereti, tāpēc pašam Ofenbaham diez vai bija iemesls nožēlot rakstīto.

Starp citiem viņa darbiem ir nopietnā opera Hofmaņa pasakas, kurā tas skan Barcarolle.

Leo Delibess bija ne mazāk ietekmīgs komponists kā Ofenbahs, lai gan tagad pārsvarā atmiņā palikusi tikai viena no viņa operām - Lakme, kurā skan slavenais Ziedu duets, izmanto daudzos televīzijas ekrānsaudzētājus un reklāmās.

Delibesa paziņu vidū bija tādi lieliski mūziķi kā Berliozs un Bizē, ar kuriem viņš strādāja par Parīzes Liriskā teātra kora vadītāju.

d Franču nacionālās mūzikas skolas pārstāvji arī ietver Aleksis – Emanuels Šabrjē, Čārlzs Marī Vidors, Džozefs Kantets – lub Un Žils Masnē, opera Taizemieši kas, ieskaitot intermezzo Pārdomas (meditācija), ir populāra daudzu mūsdienu vijolnieku vidū.

Mūsu pēdējie divi nacionālā romantisma komponisti ir tēvs un dēls, lai gan viņu vecuma atšķirība (divdesmit viens gads) vēsturei nav tik liela. Johans Štrauss vecākais. uzskatīts par "valša tēvu". Viņš bija izcils vijolnieks un vadīja orķestri, kas uzstājās visā Eiropā un saņēma par to skaistu naudu.

Tomēr tituls “Valša karalis” pamatoti pieder viņa dēlam, kuru arī sauca Johans Štrauss. Viņa tēvs nevēlējās, lai viņš kļūtu par vijolnieku, bet jaunākais Johans joprojām veltīja savu dzīvi mūzikai un izveidoja savu orķestri, kas konkurēja ar viņa tēva orķestri. Jaunākajam Štrausam bija labas biznesa spējas, pateicoties kurām viņš varēja nostiprināt savu finansiālo stāvokli.

Kopā Johans Štrauss - dēls uzrakstīja simt sešdesmit astoņus valšus, tostarp populārākos no tiem - Uz skaistas zilās Donavas. Beigās Štrausa vārdā tika nosaukti pat seši orķestri, no kuriem vienu vadīja Johana Jaunākā brālis Džozefs, bet otru – otrs brālis Eduards (katrs sacerēja ap trīssimt skaņdarbu).

Johana valši un polkas bija īsti hiti Vīnes kafejnīcās, un viņa vieglais un rotaļīgais stils kļuva par deju mūzikas standartu visā Eiropā.

Daži klasiskās mūzikas cienītāji joprojām uzskata, ka Štrausa skaņdarbi ir pārāk vulgāri un vieglprātīgi. Neuzticieties viņiem un nekrītiet uz viņu provokācijām! Šī ģimene prata uzrakstīt patiesi lieliskus darbus, pacilājošus un ilgi atmiņā paliekošus uzreiz pēc pirmās noklausīšanās reizes.

Daudzi šī perioda komponisti turpināja rakstīt mūziku arī 20. gadsimtā. Tomēr par tiem mēs runājam šeit, nevis nākamajā nodaļā, jo viņu mūzikā bija spēcīgs romantisma gars.

Jāpiebilst, ka daļa no viņiem uzturēja ciešas saites un pat draudzību ar apakšnodaļās “Agrīnie romantiķi” un “Nacionālisti” minētajiem komponistiem.

Turklāt jāpatur prātā, ka šajā periodā dažādās Eiropas valstīs strādāja tik daudz izcilu komponistu, ka viņu sadalīšana pēc jebkura principa būs pilnībā nosacīta. Ja iekšā dažāda literatūra veltīts klasiskais periods un baroka periods, tiek minēti aptuveni vienādi laika rāmji, romantiskais periods visur definēts atšķirīgi. Šķiet, ka robeža starp romantisma perioda beigām un 20. gadsimta sākumu mūzikā ir ļoti izplūdusi.

19. gadsimta Itālijas vadošais komponists neapšaubāmi bija Džuzepe Verdi.Šis vīrs ar kuplām ūsām un uzacīm, skatoties uz mums dzirkstošām acīm, stāvēja par veselu galvu garāks par visiem pārējiem operas komponistiem.

Visi Verdi darbi ir burtiski piepildīti ar spilgtām, atmiņā paliekošām melodijām. Kopumā viņš uzrakstīja divdesmit sešas operas, no kurām lielākā daļa tiek regulāri iestudētas mūsdienās. Starp tiem ir visu laiku slavenākie un izcilākie opermākslas darbi.

Verdi mūzika komponista dzīves laikā tika augstu novērtēta. Pirmizrādē Hades publika veltīja tik ilgstošas ​​ovācijas, ka māksliniekiem nācās paklanīties pat trīsdesmit divas reizes.

Verdi bija bagāts cilvēks, taču nauda nespēja izglābt abas komponista sievas un divus bērnus no agrīnās nāves, tāpēc viņa dzīvē bija traģiski brīži. Savu bagātību viņš novēlēja veco mūziķu patversmei, kas celta viņa vadībā Milānā. Pats Verdi par savu lielāko sasniegumu uzskatīja patversmes izveidi, nevis mūziku.

Neskatoties uz to, ka Verdi vārds galvenokārt ir saistīts ar operām, runājot par viņu, nav iespējams nepieminēt Rekviēms, kas tiek uzskatīts par vienu no labākajiem piemēriem kormūzika. Tas ir drāmas pilns, un tajā parādās dažas operas iezīmes.

Mūsu nākamo komponistu nevar saukt par burvīgāko cilvēku. Kopumā šī ir skandalozākā un pretrunīgākā figūra no visiem mūsu grāmatā minētajiem. Ja mēs veidotu sarakstu, pamatojoties tikai uz personības iezīmēm, tad Rihards Vāgners Es nekad tajā nebūtu iekļuvis. Taču mēs vadāmies tikai un vienīgi pēc muzikāliem kritērijiem, un klasiskās mūzikas vēsture nav iedomājama bez šī cilvēka.

Vāgnera talants ir nenoliedzams. No viņa pildspalvas nāca daži no nozīmīgākajiem un iespaidīgākajiem muzikālajiem darbiem visā romantisma periodā – īpaši opera. Tajā pašā laikā viņš tiek raksturots kā antisemīts, rasists, birokrātija, galīgais krāpnieks un pat zaglis, kurš nekavējas paņemt visu, kas viņam nepieciešams, un ir rupjš bez sirdsapziņas pārmetumiem. Vāgneram bija pārspīlēta pašcieņas izjūta, un viņš uzskatīja, ka viņa ģēnijs viņu paaugstina pāri visiem citiem cilvēkiem.

Vāgneru atceras ar savām operām. Šis komponists vācu operu pacēla pilnīgi jaunā līmenī. jauns līmenis, un, lai gan viņš dzimis vienlaikus ar Verdi, viņa mūzika ļoti atšķīrās no tā laika itāļu kompozīcijām.

Viens no Vāgnera jauninājumiem bija tas, ka katram galvenajam varonim tika piešķirta sava muzikālā tēma, kas atkārtojās ikreiz, kad viņš sāka spēlēt nozīmīgu lomu uz skatuves.

Mūsdienās tas šķiet pašsaprotami, taču toreiz šī ideja radīja īstu revolūciju.

Vāgnera lielākais sasniegums bija cikls Nībelunga gredzens, sastāv no četrām operām: Reinas zelts, Valkīra, Zigfrīds Un Dievu nāve. Tās parasti tiek izpildītas četrus vakarus pēc kārtas un kopumā ilgst apmēram piecpadsmit stundas. Ar šīm operām vien pietiktu, lai slavinātu savu komponistu. Neskatoties uz visu Vāgnera kā personības neskaidrību, jāatzīst, ka viņš bija izcils komponists.

Atšķirīga Vāgnera operu iezīme ir to garums. Viņa pēdējā opera Parsifāls ilgst vairāk nekā četras stundas.

Diriģents Deivids Rendolfs reiz par viņu teica:

“Šī ir tāda opera, kas sākas pulksten sešos un kad pēc trīs stundām skaties rokas pulkstenis, tad izrādās, ka viņi rāda 6:20.”

Dzīve Antons Brukners Kā komponistam šī ir mācība, kā nepadoties un uzstāt uz savu. Viņš trenējās divpadsmit stundas dienā, visu savu laiku veltīja darbam (bija ērģelnieks) un patstāvīgi daudz uzzināja par mūziku, komponēšanas mākslu neklātienē pabeidzot jau diezgan nobriedušā vecumā – trīsdesmit septiņu gadu vecumā.

Mūsdienās cilvēki visbiežāk atceras Bruknera simfonijas, no kurām viņš kopā sarakstīja deviņas. Reizēm viņu pārņēma šaubas par savu mūziķa vērtību, taču viņš tomēr guva atzinību, kaut arī dzīves beigās. Pēc tā izpildes Simfonijas Nr.1 kritiķi beidzot uzslavēja komponistu, kuram tajā laikā jau bija četrdesmit četri gadi.

Johanness Brāmss ne viens no tiem komponistiem, kas dzimuši, tā teikt, ar sudraba nūju rokās. Viņa dzimšanas brīdī ģimene bija zaudējusi savu agrāko bagātību un tik tikko savilka galus kopā. Pusaudža gados viņš pelnīja iztiku, spēlējot savas dzimtās pilsētas Hamburgas bordeļos. Līdz brīdim, kad Brāmss kļuva pilngadīgs, viņš neapšaubāmi bija iepazinies ar mazāk pievilcīgiem dzīves aspektiem.

Brāmsa mūziku popularizēja viņa draugs Roberts Šūmans. Pēc Šūmaņa nāves Brāmss kļuva tuvs Klārai Šūmanei un galu galā pat iemīlēja viņu. Nav precīzi zināms, kādas viņiem bija attiecības, lai gan jūtas pret viņu droši vien nospēlēja zināmu lomu viņa attiecībās ar citām sievietēm – viņš nevienai no viņām savu sirdi neatdeva.

Brāmss bija diezgan nesavaldīgs un aizkaitināms cilvēks, taču draugi apgalvoja, ka viņā mīt maigums, lai gan viņš ne vienmēr to demonstrēja citiem. Kādu dienu, atgriežoties mājās no ballītes, viņš teica:

"Ja es nevienu neaizvainoju, tad es lūdzu viņu piedošanu."

Brāmss nebūtu uzvarējis konkursā par modernāko un elegantāk ģērbto komponistu. Viņam riebās pirkt jaunas drēbes, un viņš bieži valkāja tādas pašas lāpītas bikses, kas gandrīz vienmēr bija pārāk īsas. Viena uzstāšanās laikā viņam gandrīz nokrita bikses. Citreiz viņam nācās novilkt kaklasaiti un nēsāt to jostas vietā.

Brāmsa mūzikas stilu lielā mērā ietekmējis Haidns, Mocarts un Bēthovens, un daži mūzikas vēsturnieki pat apgalvo, ka viņš rakstījis klasicisma garā, kas jau bija izgājis no modes. Tajā pašā laikā viņam pieder arī vairākas jaunas idejas. Viņš īpaši spēja izstrādāt nelielas mūzikas fragmentus un atkārtot tos visā darbā – to, ko komponisti sauc par "atkārtojošu motīvu".

Brāmss nerakstīja operas, taču viņš izmēģināja sevi gandrīz visos citos klasiskās mūzikas žanros. Tāpēc viņu var saukt par vienu no izcilākajiem mūsu grāmatā minētajiem komponistiem, par īstu klasiskās mūzikas milzi. Viņš pats par savu darbu teica tā:

"Tas nav grūti sacerēt, bet ir pārsteidzoši grūti mest zem galda papildu piezīmes."

Makss Bručs dzimis tikai piecus gadus pēc Brāmsa, un pēdējais viņu noteikti būtu aptumšojis, ja ne viens darbs, 1. vijoļkoncerts.

Pats Bruhs atzina šo faktu, daudziem komponistiem neparasti pieticīgi apgalvojot:

"Pēc piecdesmit gadiem Brāmss tiks saukts par vienu no visu laiku izcilākajiem komponistiem, un mani atcerēsies ar Vijolkoncerta soli minorā rakstīšanu."

Un viņam bija taisnība. Tiesa, pašam Bručam ir ar ko atcerēties! Viņš sacerējis daudzus citus darbus – kopā ap diviem simtiem – īpaši daudzus darbus koriem un operām, kas mūsdienās tiek iestudēti reti. Viņa mūzika ir melodiska, taču neko īpaši jaunu tās attīstībā viņš nedeva ieguldījumu. Salīdzinot ar viņu, daudzi citi tā laika komponisti šķiet īsti novatori.

1880. gadā Bruhs tika iecelts par Karaliskās Liverpūles Filharmonijas biedrības diriģentu, bet pēc trim gadiem viņš atgriezās Berlīnē. Orķestra mūziķi ar viņu nebija apmierināti.

Mūsu grāmatas lappusēs jau esam satikuši daudzus muzikālus brīnumbērnus, un Camille Saint – Sans ierindojas starp tiem ne mazākajā vietā. Divu gadu vecumā Sen-Saens jau atlasīja melodijas uz klavierēm, un viņš vienlaikus iemācījās lasīt un rakstīt mūziku. Trīs gadu vecumā viņš spēlēja paša sacerētas lugas. Desmit gadu vecumā viņš lieliski izpildīja Mocartu un Bēthovenu. Tajā pašā laikā viņš sāka nopietni interesēties par entomoloģiju (tauriņiem un kukaiņiem), bet pēc tam par citām zinātnēm, tostarp ģeoloģiju, astronomiju un filozofiju. Šķita, ka tik talantīgs bērns vienkārši nevar aprobežoties tikai ar vienu lietu.

Pēc studiju pabeigšanas Parīzes konservatorijā Sen-Saens ilgus gadus strādāja par ērģelnieku. Kļūstot vecākam, viņš sāka ietekmēt muzikālā dzīve Francija, un tieši pateicoties viņam sāka biežāk atskaņot tādu komponistu kā J. S. Baha, Mocarta, Hendeļa un Gluka mūziku.

Slavenākais Saint-Saens darbs ir dzīvnieku karnevāls, kuru komponists aizliedza izpildīt savas dzīves laikā. Viņš bija noraizējies, ka mūzikas kritiķi, dzirdējuši šo darbu, uzskatīs to par pārāk vieglprātīgu. Galu galā ir smieklīgi, kad orķestris uz skatuves attēlo lauvu, vistas ar gaili, bruņurupučus, ziloni, ķenguru, akvāriju ar zivīm, putniem, ēzeli un gulbi.

Saint-Saens rakstīja dažus citus savus darbus ne tik izplatītām instrumentu kombinācijām, tostarp slavenajām "Ērģeles" 3. simfonija, dzirdēts filmā “Babe”.

Saint-Saens mūzika ietekmēja citu darbu franču komponisti, ieskaitot Gabriels Forē.Šis jauneklis mantoja ērģelnieka amatu Parīzes Svētās Magdalēnas baznīcā, kuru iepriekš bija ieņēmis Sensāns.

Un, lai gan Forē talantu nevar salīdzināt ar viņa skolotāja talantu, viņš bija lielisks pianists.

Faure nebija bagāts cilvēks un tāpēc smagi strādāja, spēlējot ērģeles, vadot kori un pasniedzot nodarbības. Viņš nodarbojās ar rakstīšanu brīvais laiks, no kura bija palicis ļoti maz, taču, neskatoties uz to, viņam izdevās publicēt vairāk nekā divsimt piecdesmit savus darbus. Dažu no tiem sacerēšana prasīja ļoti ilgu laiku: piemēram, piestrādājiet pie Rekviēms ilga vairāk nekā divdesmit gadus.

1905. gadā Forē kļuva par Parīzes konservatorijas direktoru, tas ir, cilvēku, no kura lielā mērā bija atkarīga attīstība. franču mūzika tā laika. Piecpadsmit gadus vēlāk Forē aizgāja pensijā. Dzīves beigās viņš cieta no dzirdes zuduma.

Mūsdienās Forē tiek cienīts ārpus Francijas, lai gan tur viņš tiek novērtēts visaugstāk.

Faniem Angļu mūzika līdzīgas figūras izskats Edvards Elgars, Tas noteikti šķita īsts brīnums. Daudzi mūzikas vēsturnieki viņu sauc par pirmo nozīmīgo angļu komponists pēc Henrija Pērsela, kurš strādāja baroka periodā, lai gan nedaudz agrāk pieminējām arī Arturu Salivanu.

Elgars ļoti mīlēja Angliju, īpaši savu dzimto Vorčesteršīru, kur viņš pavadīja lielāko daļu savas dzīves, smeļoties iedvesmu Malvern Hills laukos.

Bērnībā viņu visur ieskauj mūzika: viņa tēvam piederēja vietējais mūzikas veikals un viņš mācīja mazo Elgaru spēlēt dažādas mūzikas instrumenti. Divpadsmit gadu vecumā zēns jau aizvietoja ērģelnieku dievkalpojumos.

Pēc darba advokāta birojā Elgārs nolēma nodoties no finansiālā viedokļa daudz mazāk uzticamai nodarbei. Kādu laiku viņš strādāja nepilnu slodzi, pasniedzot vijoles un klavierstundas, spēlēja vietējos orķestros un pat nedaudz diriģēja.

Pamazām Elgāra kā komponista slava auga, lai gan viņam bija grūtības izkļūt ārpus dzimtā novada. Atnesa viņam slavu Variācijas par oriģinālu tēmu, kas tagad ir labāk pazīstami kā Enigma variācijas.

Tagad Elgara mūzika tiek uztverta ļoti angliski un tiek dzirdama lielāko valsts mēroga pasākumu laikā. Pie pirmajām skaņām Čellu koncerts Uzreiz parādās angļu valoda lauki. Nimrods no Variācijas bieži spēlēja oficiālās ceremonijās, un Svinīgais un svinīgais gājiens Nr. 1, pazīstams kā Cerības un godības zeme, uzstājās izlaiduma ballēs visā Lielbritānijā.

Elgars bija ģimenes cilvēks un mīlēja mierīgu, sakārtotu dzīvi. Tomēr viņš atstāja savas pēdas vēsturē. Šo komponistu ar kuplām, kuplām ūsām var uzreiz pamanīt uz divdesmit mārciņu banknotes. Acīmredzot banknošu dizaineri uzskatīja, ka šādus sejas apmatojumus būtu ļoti grūti viltot.

Itālijā Džuzepes Verdi pēctecis operas mākslā bija Džakomo Pučīni, uzskatīts par vienu no pasaulē atzītiem šīs mākslas formas meistariem.

Pučīni ģimene jau sen bija saistīta ar baznīcas mūziku, bet tad, kad Džakomo pirmo reizi dzirdēja operu Aīda Verdi, viņš saprata, ka tas ir viņa aicinājums.

Pēc studijām Milānā Pučīni komponēja operu Manona Lesko, kas viņam atnesa pirmos lielos panākumus 1893. gadā. Pēc tam viens veiksmīgs iestudējums sekoja otram: Bohēmija 1896. gadā, Ilgas 1900. gadā un Madame Butterfly 1904. gadā.

Kopumā Pučīni sacerēja divpadsmit operas, no kurām pēdējā bija Turandot. Viņš nomira, nepabeidzot šo darbu, un cits komponists pabeidza darbu. Operas pirmizrādē diriģents Arturo Toskanīni apturēja orķestri tieši tur, kur apstājās Pučīni. Viņš pagriezās pret klausītājiem un sacīja:

"Šeit nāve uzvarēja mākslu."

Ar Pučīni nāvi beidzās itāļu operas ziedu laiki. Mūsu grāmatā vairs nebūs minēti itāļu operu komponisti. Bet kas zina, kas mūs sagaida nākotnē?

Dzīves laikā Gustavs Mālers bija labāk pazīstams kā diriģents, nevis kā komponists. Viņš vadīja ziemā, bet vasarā, kā likums, deva priekšroku rakstīt.

Stāsta, ka bērnībā Mālers savas vecmāmiņas mājas bēniņos atradis klavieres. Četrus gadus vēlāk, desmit gadu vecumā, viņš sniedza savu pirmo uzstāšanos.

Mālers studējis Vīnes konservatorijā, kur sāka komponēt mūziku. 1897. gadā viņš kļuva par Vīnes Valsts operas direktoru un nākamo desmit gadu laikā ieguva ievērojamu slavu šajā jomā.

Viņš pats sāka rakstīt trīs operas, bet nepabeidza tās. Mūsu laikā viņš ir pazīstams galvenokārt kā simfoniju komponists. Šajā žanrā viņam pieder viens no īstajiem “hitiem” - 8. simfonija, Tās izpildījumā ir iesaistīti vairāk nekā tūkstotis mūziķu un dziedātāju.

Pēc Mālera nāves viņa mūzika apmēram piecdesmit gadus izgāja no modes, bet 20. gadsimta otrajā pusē atguva popularitāti, īpaši Lielbritānijā un ASV.

Rihards Štrauss dzimis Vācijā un nepiederēja Vīnes Štrausu dinastijai. Neskatoties uz to, ka šis komponists nodzīvojis gandrīz visu 20. gadsimta pirmo pusi, viņš joprojām tiek uzskatīts par vācu muzikālā romantisma pārstāvi.

Ričarda Štrausa popularitāte pasaulē zināmā mērā cieta no tā, ka viņš pēc 1939. gada nolēma palikt Vācijā un pēc Otrā pasaules kara pat tika apsūdzēts sadarbībā ar nacistiem.

Štrauss bija izcils diriģents, pateicoties kuram viņš lieliski saprata, kā jāskan konkrētam instrumentam orķestrī. Viņš bieži izmantoja šīs zināšanas praksē. Viņš arī sniedza dažādus padomus citiem komponistiem, piemēram:

"Nekad neskatieties uz tromboniem, jūs tikai iedrošiniet tos."

“Nesvīdi uzstāšanās laikā; Tikai klausītājiem vajadzētu justies karsti.

Mūsdienās Štrausu galvenokārt atceras saistībā ar viņa daiļradi Tā runāja Zaratustra, ievads, ko Stenlijs Kubriks izmantoja savā filmā 2001: Kosmosa odiseja. Bet viņš arī uzrakstīja dažas no labākajām vācu operām, tostarp - Der Rosenkavalier, Salome Un Ariadne Naksos. Gadu pirms nāves viņš arī komponēja ļoti skaistu Četras pēdējās dziesmas balsij un orķestrim. Kopumā šīs nebija Štrausa pēdējās dziesmas, taču tās kļuva par sava veida viņa radošās darbības finālu.

Līdz šim starp šajā grāmatā minētajiem komponistiem bijis tikai viens Skandināvijas pārstāvis - Edvards Grīgs. Bet tagad mūs atkal pārved uz šo skarbo un auksto reģionu – šoreiz uz Somiju, kur esmu dzimusi Žans Sibēliuss, liels mūzikas ģēnijs.

Sibēliusa mūzika pārņēma viņa dzimtenes mītus un leģendas. Viņa lielākais darbs Somija, tiek uzskatīts par somu nacionālā gara iemiesojumu, tāpat kā Lielbritānijā nacionālais dārgums Elgara darbi ir atzīti. Turklāt Sibēliuss, tāpat kā Mālers, bija īsts simfoniju meistars.

Kas attiecas uz citām komponista kaislībām, viņš ir savās ikdienas dzīve Viņam ļoti patika dzert un smēķēt, tāpēc četrdesmit gadu vecumā saslima ar rīkles vēzi. Viņam arī bieži trūka naudas, un valsts nodrošināja viņam pensiju, lai viņš varētu turpināt rakstīt mūziku, neuztraucoties par savu finansiālo labklājību. Taču vairāk nekā divdesmit gadus pirms savas nāves Sibēliuss vispār pārstāja kaut ko komponēt. Atlikušo mūžu viņš nodzīvoja relatīvā vientulībā. Īpaši skarbs viņš bija pret tiem, kuri saņēma naudu par viņa mūzikas recenzijām:

“Nepievērsiet uzmanību tam, ko saka kritiķi. Līdz šim nevienam kritiķim nav piešķirta statuja.

Arī pēdējais mūsu romantisma laika komponistu sarakstā nodzīvoja gandrīz līdz 20. gadsimta vidum, lai gan lielāko daļu savu slavenāko darbu viņš sarakstīja 20. gadsimta 00. gados. Un tomēr viņš tiek uzskatīts par romantiķi, un mums šķiet, ka viņš ir romantiskākais komponists no visas grupas.

Sergejs Vasiļjevičs Rahmaņinovs dzimis dižciltīgā ģimenē, kas līdz tam laikam bija kļuvusi diezgan iztērēta. Viņa interese par mūziku sākās, kad viņš bija agrā bērnība, un vecāki viņu nosūtīja mācīties vispirms uz Sanktpēterburgu un pēc tam uz Maskavu.

Rahmaņinovs bija pārsteidzoši talantīgs pianists, un viņš arī izrādījās brīnišķīgs komponists.

Manējais 1. klavierkoncerts viņš rakstīja deviņpadsmit gadu vecumā. Viņš atrada laiku savai pirmajai operai, Aleko.

Bet šī dzīve lielisks mūziķis, kā likums, nebija īpaši apmierināts. Daudzās fotogrāfijās redzam dusmīgu, sarauku pieri vīrieti. Cits krievu komponists Igors Stravinskis reiz atzīmēja:

“Rahmaņinova nemirstīgā būtība bija viņa drūmums. Viņš bija sešarpus pēdas garš... viņš bija baismīgs cilvēks.

Kad jaunais Rahmaņinovs spēlēja Čaikovska rindās, viņš bija tik sajūsmā, ka piešķīra savam rezultātam A ar četriem plusiem - augstāko atzīmi visā Maskavas konservatorijas vēsturē. Drīzumā par jaunais talants visa pilsēta sāka runāt.

Neskatoties uz to, liktenis ilgu laiku palika nelaipns pret mūziķi.

Kritiķi par to bija ļoti skarbi Simfonijas Nr. 1, kura pirmizrāde beidzās ar neveiksmi. Tas Rahmaņinovam radīja smagus emocionālus pārdzīvojumus, viņš zaudēja ticību savām spējām un vispār nevarēja neko sacerēt.

Galu galā tikai pieredzējuša psihiatra Nikolaja Dāla palīdzība ļāva viņam izkļūt no krīzes. Līdz 1901. gadam Rahmaņinovs pabeidza klavierkoncertu, pie kura viņš bija smagi strādājis daudzus gadus un kas bija veltīts doktoram Dālam. Šoreiz klausītāji komponista darbu sveica ar sajūsmu. Kopš tā laika 2. klavierkoncerts kļuvusi par iemīļotu klasiku dažādu mūzikas grupu izpildījumā visā pasaulē.

Rahmaņinovs sāka apceļot Eiropu un ASV. Atgriezies Krievijā, viņš diriģēja un komponēja.

Pēc 1917. gada revolūcijas Rahmaņinovs ar ģimeni devās uz koncertiem Skandināvijā. Viņš nekad neatgriezās mājās. Tā vietā viņš pārcēlās uz Šveici, kur iegādājās māju Lucernas ezera krastā. Viņš vienmēr mīlēja ūdenstilpnes, un tagad, kad viņš bija kļuvis par diezgan bagātu cilvēku, viņš varēja atļauties atpūsties krastā un apbrīnot paveras ainavas.

Rahmaņinovs bija izcils diriģents un vienmēr sniedza šādus padomus tiem, kas vēlējās izcelties šajā jomā:

“Labam konduktoram ir jābūt labam vadītājam. Abiem nepieciešamas vienas un tās pašas īpašības: koncentrēšanās, nepārtraukta intensīva uzmanība un prāta klātbūtne. Diriģentam tikai nedaudz jāzina par mūziku...”

1935. gadā Rahmaņinovs nolēma apmesties uz dzīvi ASV. Sākumā viņš dzīvoja Ņujorkā, bet pēc tam pārcēlās uz Losandželosu. Tur viņš sāka būvēt sev jaunu māju, pilnīgi identisku tai, kuru viņš atstāja Maskavā.

Kļūstot vecākam, Rahmaņinovs diriģēja arvien mazāk un gandrīz pilnībā pārtrauca komponēt mūziku. Viņš sasniedza savas slavas virsotnes kā izcils pianists.

Neskatoties uz ilgām pēc mājām, Rahmaņinovam ASV patika. Viņš lepojās ar savu milzīgo Cadillac un bieži aicināja viesus izbraukt ar automašīnu, lai tikai parādītu automašīnu.

Neilgi pirms nāves Rahmaņinovs saņēma ASV pilsonību. Viņš tika apglabāts šajā valstī.

Mēs savā grāmatā pievērsām daudz lielāku uzmanību romantiskajam periodam nekā visiem citiem klasiskās mūzikas periodiem.

Šajā laikmetā dažādās valstīs notika tik daudz interesantu lietu, ka par visu vienkārši nav iespējams pastāstīt īsā rakstā. Klasiskā mūzika ir daudz mainījusies, tāpat arī tās skanējums, kas, pateicoties lielajiem simfoniskajiem orķestriem, kļuvis bagātāks un intensīvāks. Daudzos veidos ideāls piemērsŠai skaņai kalpo Rahmaņinova darbi. Ja salīdzina viņu ar Bēthovenu, kļūst skaidrs, cik grandiozas bija izmaiņas.

Taču, lai arī cik nozīmīgas šķistu šīs pašas pārmaiņas, kas mūzikas pasaulē notika aptuveni astoņdesmit romantisma perioda gados, tās nevar salīdzināt ar vēlāk notikušo. Un vēlāk mūzika kļuva vēl daudzveidīgāka un neparastāka – kas, pēc mūsu domām, ne vienmēr nāca par labu.

Romantisma laikmetā mūzika ieņēma galveno vietu mākslas sistēmā. Tas izskaidrojams ar tā specifiku, kas ļauj vispilnīgāk atspoguļot emocionālos pārdzīvojumus, izmantojot visu arsenālu izteiksmīgiem līdzekļiem.

Romantisms mūzikā parādās deviņpadsmitajā gadsimtā F. Šūberta, E. Hofmaņa, N. Paganīni, K.M. Vēbers, G. Rosīni. Nedaudz vēlāk šis stils tika atspoguļots F. Mendelsona, F. Šopēna, R. Šūmaņa, F. Lista, G. Verdi un citu komponistu darbos.

Romantisms Eiropā radās deviņpadsmitā gadsimta sākumā. Tas kļuva par sava veida opozīciju klasicismam. Romantisms ļāva klausītājam iekļūt burvju pasaule leģendas, dziesmas un pasakas. Šī virziena vadošais princips ir opozīcija (sapņi un ikdiena, ideālā pasaule un ikdiena), ko rada komponista radošā iztēle. Šis stils bija populārs radošu cilvēku vidū līdz 19. gadsimta četrdesmitajiem gadiem.

Romantisms mūzikā atspoguļo mūsdienu cilvēka problēmas, viņa konfliktu ar ārpasauli un viņa vientulība. Šīs tēmas kļūst par galveno komponistu darbu. Būdams apdāvināts un atšķirīgs no citiem, cilvēks pastāvīgi izjūt citu nesapratni. Viņa talants kļūst par viņa vientulības iemeslu. Tāpēc romantisko komponistu iecienītākie varoņi ir dzejnieki, mūziķi un mākslinieki (R. Šūmaņa “Dzejnieka mīlestība”; Berliozs - “Fantastiskās simfonijas” apakšvirsraksts “Epizode no mākslinieka dzīves” u.c. ).

Nododot cilvēka iekšējo pārdzīvojumu pasauli, romantismam mūzikā nereti piemīt autobiogrāfijas, sirsnības un lirisma nokrāsa. Mīlestības un aizraušanās tēmas tiek plaši izmantotas. Piemēram, slavens komponists Daudzus savus klavierskaņdarbus R. Šūmans veltīja savai mīļotajai Klārai Vīkai.

Arī romantiķu darbos dabas tēma ir visai izplatīta. Bieži vien komponisti to kontrastē ar cilvēka prāta stāvokli, iekrāsojot to ar disharmonijas nokrāsām.

Fantāzijas tēma romantiķiem kļuva par īstu atklājumu. Viņi aktīvi strādā pie pasaku un fantāzijas varoņu radīšanas un viņu tēlu tālāknodošanas, izmantojot dažādus elementus. mūzikas valoda(Mocarts "Burvju flauta" - Nakts karaliene).

Bieži romantisms mūzikā pievēršas arī tautas mākslai. Komponisti savos darbos izmanto dažādus tautas elementus (ritmus, intonācijas, seno laiku režīmus), kas ņemti no dziesmām un balādēm. Tas ļauj ievērojami bagātināt mūzikas skaņdarbu saturu.

Jaunu attēlu un tēmu izmantošana radīja nepieciešamību meklēt piemērotas formas utt romantiski darbi parādās runas intonācijas, dabiskie režīmi, dažādu tonalitātes kontrasti un solo partijas (balsis).

Romantisms mūzikā iemiesoja ideju par mākslas sintēzi. Kā piemēru var minēt Šūmaņa, Berlioza, Lista un citu komponistu programmatiskos darbus (simfonija “Harolds Itālijā”, poēma “Prelūdijas”, cikls “Klejošanas gadi” u.c.).

Krievu romantisms spilgti atspoguļojās M. Gļinkas, N. Rimska-Korsakova, A. Borodina, Ts Cui, M. Balakireva, P. Čaikovska u.c.

Savos darbos A. Dargomižskis nodod daudzpusīgus psiholoģiskos tēlus (“Nāra”, romances). Operā “Ivans Susaņins” M. Gļinka glezno parastu krievu cilvēku dzīvi. Slavenās “Mighty Handful” komponistu darbi pamatoti tiek uzskatīti par virsotni. Viņi izmanto izteiksmīgus līdzekļus un raksturīgās intonācijas, kas raksturīgas krievu valodai tautasdziesma, ikdienas mūzika, sarunvaloda.

Pēc tam šim stilam pievērsās arī A. Skrjabins (prelūdija “Sapņi”, dzejolis “Uz liesmu”) un S. Rahmaņinovs (studijas-bildes, opera “Aleko”, kantāte “Pavasaris”).

Romantiskajam pasaules uzskatam raksturīgs ass konflikts starp realitāti un sapņiem. Realitāte ir zema un negarīga, tā ir filistisma, filistisma gara caurstrāvota un ir tikai noliegšanas vērta. Sapnis ir kaut kas skaists, ideāls, bet nesasniedzams un saprātam nesaprotams.

Romantisms dzīves prozu kontrastēja ar skaisto gara valstību, “sirds dzīvi”. Romantiķi uzskatīja, ka jūtas veido dziļāku dvēseles slāni nekā saprāts. Pēc Vāgnera teiktā, "mākslinieks apelē pie sajūtas, nevis pie saprāta". Un Šūmans teica: "prāts maldās, jūtas nekad." Ne velti par ideālu mākslas veidu tika pasludināta mūzika, kas savas specifikas dēļ vispilnīgāk izsaka dvēseles kustības. Tieši mūzika romantisma laikmetā ieņēma vadošo vietu mākslas sistēmā.
Ja literatūrā un glezniecībā romantiskā kustība būtībā pabeidz savu attīstību līdz 19. gadsimta vidum, tad muzikālā romantisma mūžs Eiropā ir krietni garāks. Muzikālais romantisms kā kustība attīstījās gadā XIX sākums gadsimtā un attīstījās ciešā saistībā ar dažādām literatūras, glezniecības un teātra kustībām. Muzikālā romantisma sākuma stadiju pārstāv F. Šūberta, E. T. A. Hofmaņa, K. M. Vēbera, G. Rosīni darbi; nākamais posms (1830.-50. gadi) - F. Šopēna, R. Šūmaņa, F. Mendelsona, G. Berlioza, F. Lista, R. Vāgnera, G. Verdi darbi.

Romantisma vēlīnā stadija sniedzas līdz XIX beigas gadsimtā.

Romantiskās mūzikas galvenā problēma ir personības problēma un jaunā gaismā - tās konfliktā ar ārpasauli. Romantiskais varonis vienmēr viens. Vientulības tēma, iespējams, ir vispopulārākā visā romantiskajā mākslā. Ļoti bieži ar to saistīta doma par radoša personība: cilvēks ir vientuļš, kad ir neparasts, apdāvināts cilvēks. Mākslinieks, dzejnieks, mūziķis ir iemīļoti varoņi romantiķu darbos (Šūmaņa “Dzejnieka mīlestība”, Berlioza “Symphony Fantastique” ar apakšvirsrakstu “Epizode no mākslinieka dzīves”, Lista simfoniskā poēma “ Tasso”).
Romantiskajai mūzikai raksturīgā dziļā interese par cilvēka personību izpaudās personiskā toņa pārsvarā tajā. Personiskās dramaturģijas atklāsme romantiķu vidū nereti ieguva autobiogrāfijas pieskaņu, kas mūzikā ienesa īpašu sirsnību. Piemēram, daudzi Šūmaņa klavierdarbi ir saistīti ar stāstu par viņa mīlestību pret Klāru Vīku. Vāgners visos iespējamos veidos uzsvēra savu operu autobiogrāfisko raksturu.

Uzmanība jūtām noved pie žanru maiņas - dziesmu teksti, kuros dominē mīlestības tēli, iegūst dominējošu stāvokli.

Dabas tēma ļoti bieži savijas ar “liriskās grēksūdzes” tēmu. Atsaucoties uz cilvēka prāta stāvokli, to parasti iekrāso disharmonijas sajūta. Žanra un liriski episkā simfonisma attīstība ir cieši saistīta ar dabas tēliem (viens no pirmajiem darbiem ir Šūberta “lielā” simfonija Do mažorā).
Fantāzijas tēma kļuva par īstu romantisku komponistu atklājumu. Mūzika pirmo reizi iemācījās iemiesot pasakainus un fantastiskus tēlus tīri mūzikas līdzekļi. 17. un 18. gadsimta operās “pārzemīgi” tēli (piemēram, Nakts karaliene no Mocarta “Burvju flautas”) runāja “vispārpieņemtā” mūzikas valodā, maz izceļoties no fona. īsti cilvēki. Romantiskie komponisti iemācījās nodot fantāzijas pasaule kā kaut kas pilnīgi specifisks (izmantojot neparastas orķestra un harmoniskas krāsas).
IN augstākā pakāpe Interese par tautas mākslu ir raksturīga muzikālajam romantismam. Tāpat kā romantiskie dzejnieki, kuri ar folkloras palīdzību bagātināja un aktualizēja literārā valoda, mūziķi plaši pievērsās nacionālajai folklorai - tautasdziesmas, balādes, epika. Folkloras ietekmē Eiropas mūzikas saturs tika dramatiski pārveidots.
Muzikālā romantisma estētikā svarīgākais punkts bija mākslu sintēzes ideja, kas visspilgtāk izpaudās Vāgnera opermākslā un Berlioza, Šūmaņa un Lista programmu mūzikā.

Hektors Berliozs. "Fantastiskā simfonija" - 1. Sapņi, kaislības...

Simfonijas saturs saistīts ar Berlioza mīļāko angļu aktrisi Harietu Smitsoni. 1847. gadā Krievijas turnejas laikā autors veltīja simfoniju Fantastiskā imperatoram Nikolajam I.

Roberts Šūmans - "Spožumā...", "Es satieku skatienu..."

No vokālā cikla "Dzejnieka mīlestība"
Roberts Šūmans Heinrihs Heine "Silto maija dienu mirdzumā"
Roberts Šūmans - Heinrihs "Es satieku tavu acu skatienu"

Roberts Šūmans. "Fantastiskas lugas".

Šūmaņa Fantasiestucke, op. 12 1. daļa: nē. 1 Des Abend un Nr. 2 Aufschwung

Lapa. Simfoniskā poēma "Orfejs"

Frederiks Šopēns - Prelūdija Nr.4 e-moll

Frederiks Šopēns - Noktirns Nr. 20 C - asa minora

Šūberts pavēra ceļu daudziem jauniem mūzikas žanriem – improvizācijai, muzikāliem momentiem, dziesmu cikliem, liriski dramatiskajai simfonijai. Bet neatkarīgi no tā, kādu žanru Šūberts rakstīja - tradicionālu vai viņa radītu - visur viņš parādās kā jauna laikmeta, romantisma laikmeta komponists.

Trīs galvenie 19. gadsimta Eiropas muzikālā romantisma posmi - agrīnais, nobriedušais un vēlais - atbilst Austrijas un Vācijas romantiskās mūzikas attīstības posmiem. Bet šī periodizācija ir jāprecizē un zināmā mērā jāprecizē saistībā ar katras valsts svarīgākajiem notikumiem mūzikas mākslā.
Vācu un austriešu muzikālā romantisma sākuma stadija datēta ar 1910. līdz 20. gadiem, kas sakrīt ar cīņas pret Napoleona varu kulmināciju un tai sekojošo tumšās politiskās reakcijas sākumu. Šī posma sākumu iezīmēja tādas mūzikas parādības kā Hofmaņa operas “Ondīne” (1913), “Silvana” (1810), “Abu Hasan” (1811) un programma klavierskaņdarbs “Aicinājums uz deju” (1815). ). 20. gados sākās agrīnā romantisma ziedu laiki, kad pilnā sparā atklājās agrīnā izbalējušā Šūberta ģēnijs, kad parādījās Burvju šāvējs, Eurjata un Oberons - pēdējās trīs, vispilnīgākās Bebera operas, kuras nāves gadā. (1820) Pie muzikālā apvāršņa izlaužas jauns “gaismeklis” – Mendelsons-Bartoldijs, kurš izpildīja brīnišķīgu koncertuvertīru – Sapnis vasaras naktī.
Vidusposms iekrīt galvenokārt 30.-40.gados, tās robežas nosaka Jūlija revolūcija Francijā, kas būtiski ietekmēja Austrijas un īpaši Vācijas progresīvās aprindas, un 1848.-1949.gada revolūcija, kas spēcīgi plosījās cauri. Vācu austriešu zemes. Šajā periodā Vācijā uzplauka Mendelsona (miris 1147. gadā) un Šūmaņa jaunrade, kuru kompozīcijas darbība norādīto robežu pārkāpa tikai dažus gadus;
Vēbera tradīcijas kliedē Māršners savās operās (viņa labākā opera Taps Geilšgs sarakstīta 1833. gadā); šajā periodā Vāgners no iesācēja komponista kļūst par tādu pārsteidzošu darbu radītāju kā Tanheizers (1815) un Lohengrins (1848); tomēr galvenie Vāgnera radošie sasniegumi vēl bija priekšā. Austrijā šajā laikā nopietno žanru jomā valdīja neliels klusums, bet ikdienas deju mūzikas veidotāji Džozefs Lainers un Johans Štrauss Tēvs guva slavu. Vēlais, pēcrevolūcijas romantisma periods, kas aptvēra vairākas desmitgades (no 50. gadu sākuma līdz aptuveni 90. gadu vidum), bija saistīts ar saspringtu sociāli politisko situāciju (Austrijas un Prūsijas sāncensība vācu zemju apvienošanā, rašanās. apvienotā Vācija militārās Prūsijas pakļautībā un Austrijas galīgā politiskā izolācija). Šobrīd aktuāla ir vienotas, visas Vācijas mūzikas mākslas problēma, skaidrāk atklājas pretrunas starp dažādām radošajām grupām un atsevišķiem komponistiem, rodas virzienu cīņa, kas dažkārt atspoguļojas karstā polemikā preses lappusēs. Mēģinājumi apvienot progresīvos

Šo gadu muzikālās un vēsturiskās situācijas sarežģītība neaprobežojas tikai ar klātbūtni dažādi virzieni ar savām bāzēm - Leipciga, Veimāra, Baireita.
Vīne. Pašā Vīnē, piemēram, strādā tik atšķirīgi mākslinieki kā Brukners un Vulfs, kurus vieno kopīga entuziasma attieksme pret Vāgneru, bet tajā pašā laikā nepieņemot viņa muzikālās dramaturģijas principu.
Vīnē rada Johana Štrausa dēls, gadsimta muzikālākais līderis” (Vāgners). Viņa brīnišķīgie valsi un vēlāk operetes padara Vīni par lielāko izklaides mūzikas centru.
Pēcrevolūcijas desmitgades joprojām iezīmējas ar dažām izcilām muzikālā romantisma parādībām, taču šīs kustības iekšējās krīzes pazīmes jau tagad liek par sevi manīt. Tādējādi romantiķis Brāmsā tiek sintezēts ar klasicisma principiem, un Hugo Volfs pamazām realizē sevi kā antiromantisku komponistu. Īsāk sakot, romantiskie principi zaudē savu ekskluzīvo nozīmi, dažkārt tiek apvienoti ar kādām jaunām vai atdzīvinātām klasiskajām tendencēm. Tomēr arī pēc 80. gadu vidus, kad romantisms jau acīmredzami sāka novecot, Austrijā un Vācijā joprojām parādījās atsevišķi spilgti romantisma jaunrades uzliesmojumi: pēdējie Brāmsa klavierdarbi un vēlīnās Bruknera simfonijas tika apvilktas ar romantismu; galvenie komponisti XIX gadsimta mija
"Austrijas un Vācijas muzikālās kultūras tuvums kultūrvēsturisko tradīciju dēļ, protams, neizslēdz atsevišķas nacionālās atšķirības. Sadrumstalotajā, bet nacionāli vienotajā Vācijā un politiski vienotajā, bet daudznacionālajā Austrijas impērijā ("patchwork" monarhija), avoti, kas baroja muzikālo jaunradi un mūziķu uzdevumi, dažkārt bija atšķirīgi. Tādējādi atpalikušajā Vācijā filistiskās stagnācijas un šaura provinciālisma pārvarēšana bija īpaši steidzams uzdevums, kas savukārt prasīja dažāda veida izglītojošas aktivitātes. Šo valstu vadošo mākslas pārstāvju daļa, izcils vācu komponists nevarēja aprobežoties tikai ar mūzikas komponēšanu, bet arī bija jākļūst par muzikālu un sabiedrisku personību uzdevumus un veicināja vispārēju visas muzikālās kultūras līmeņa celšanos Krievijā. dzimtene: Vēbers - kā operas diriģents un mūzikas kritiķis, Mendelsons - kā koncertdiriģents un galvenais pedagogs, Vācijas pirmās konservatorijas dibinātājs; Šūmans - kā novatorisks mūzikas kritiķis un jauna veida mūzikas žurnāla veidotājs. Vēlāk Vāgnera muzikālā un sabiedriskā darbība, kas savā daudzpusībā ir reti sastopama, attīstījās kā teātra un simfoniskā diriģenta, kritiķa, estētiķa, operas reformatora un jauna teātra Baireitas veidotāja.
Austrijā ar tās politisko un kultūras centralizāciju (Vīnes kā politiskā un kultūras centra pulku hegemoniju), ar iestādītajām patriarhāta, iedomātās labklājības ilūzijām un ar visbrutālākās reakcijas faktisko dominēšanu plaša sabiedriskā darbība nebija iespējama1.
Šajā sakarā nevar nepievērst uzmanību pretrunai starp Bēthovena daiļrades pilsonisko patosu un izcilā komponista piespiedu sociālo pasivitāti. Ko lai saka par Šūbertu, kurš kā mākslinieks veidojās laikā pēc Vīnes kongresa 1814.-1815.gadā! Slavenais Šūberta loks bija vienīgais iespējamais mākslinieciskās inteliģences progresīvu pārstāvju apvienošanās veids, taču Meterniha Vīnē šāds loks nevarēja iegūt patiesu publisku rezonansi. Citiem vārdiem sakot, Austrijā lielākie komponisti bija gandrīz tikai mūzikas darbu radītāji: viņi nevarēja izpausties muzikālo un sabiedrisko aktivitāšu jomā. Tas attiecas uz Šūbertu, Brukneru, Johanu Štrausu, dēlu, un dažiem citiem.

Tomēr Austrijas kultūrā ir vērts atzīmēt arī tādus raksturīgus faktorus, kas pozitīvi ietekmēja mūzikas mākslu, vienlaikus piešķirot tai specifiski austrisku, “vīnes” piegaršu. Koncentrējoties Vīnē, savdabīgā raibā kombinācijā vācu, ungāru, itāļu un slāvu kultūru elementi radīja bagātīgo muzikālo augsni, uz kuras izauga Šūberta, Johana Štrausa un daudzu citu komponistu daiļrades demokrātiskā orientācija. Vācu nacionālo iezīmju kombinācija ar ungāru un slāvu valodu vēlāk kļuva raksturīga Brāmsam, kurš pārcēlās uz Vīni. Austrijas muzikālajai kultūrai bija raksturīga ārkārtīgi plaša izplatība izklaidējošā mūzika - serenādes, kasācijas, divertismenti, kas ieņēma ievērojamu vietu Vīnes klasiķu Haidna un Mocarta daiļradē. Romantisma laikmetā ikdienas, izklaides mūzikas nozīme ne tikai saglabājās, bet kļuva vēl spēcīgāka. Grūti iedomāties, piemēram, Šūberta radošo tēlu bez tās folk-ikdienišķās straumes, kas caurvij viņa mūziku un kas atgriežas Vīnes ballītēs, piknikos, brīvdienās parkos un ikdienišķā ielu muzicēšanā.
Taču jau Šūberta laikā Vīnes profesionālās mūzikas ietvaros sāka novērot noslāņošanos. Un, ja pats Šūberts savā daiļradē vēl apvienoja simfonijas un sonātes ar valšiem un landleriem, kas parādījās burtiski simtos,1 kā arī maršus, ekosēzes, polonēzes, tad viņa laikabiedri Lainers un Tēvs Štrauss par savas darbības pamatu lika deju mūziku. Pēc tam šī “polarizācija” izpaužas divu vienaudžu – deju un operešu mūzikas klasiķa Johana Štrausa Dēla (1825-1899) un simfonista Bruknera (1824-1896) – darbu korelācijā. Salīdzinot 19. gadsimta austriešu un vācu mūziku, neizbēgami rodas jautājums par muzikālo teātri. Romantisma laikmeta Vācijā operai, sākot ar Hofmani, bija ārkārtīgi liela nozīme kā žanram, kas spēj izteikties ar vislielāko pilnīgumu. pašreizējās problēmas nacionālā kultūra. Un nav nejaušība, ka muzikālā drāma Vāgnerāds bija grandiozs vācu teātra sasniegums Austrijā Šūberta atkārtotie mēģinājumi gūt panākumus teātra jomā nav vainagojušies ar panākumiem." Lai kā arī vērtētu paša Šūberta radošo potenciālu. teātra mūzikas jomā nevar neatzīt, ka situācija Metterniha Vīnē nav radījusi stimulu nopietni operas radošums, nepiedalījās teātra darbu tapšanā "
Neskatoties uz visām šīm un citām atšķirībām Austrijas un Vācijas mūzikas attīstībā, abu valstu romantiskajā mākslā kopīgās iezīmes ir daudz pamanāmākas. Kādas ir specifiskās iezīmes, kas Šūberta, Vēbera un viņu tuvāko pēcteču – Mendelsona un Šūmaņa – daiļradi atšķīra no citu Eiropas valstu romantiskās mūzikas?
Intīmi, dvēseliski, sapņains dziesmu teksti ir īpaši raksturīgi Šūbertam, Vēberam, Mendelsonam un Šūmanim. Viņu mūzikā dominē tā melodiskā, tīri vokālas izcelsmes melodija, kas parasti asociējas ar vācu “Lied” jēdzienu. Šis stils vienlīdz raksturīgs dziesmām un daudzām melodiskām Šūberta instrumentālajām tēmām, Vēbera liriskajām operu ārijām, Mendelsona “Dziesmas bez vārdiem” un Šūmaņa “Ebsebijevska” tēliem. Šim stilam raksturīgā melodija tomēr atšķiras no īpaši itāļu operas Bellīni kantilēnām, kā arī no franču romantiķiem (Berliozs, Menerbere) raksturīgajiem afektīvajiem un deklamatīvajiem pavērsieniem.
Salīdzinājumā ar progresīvo franču romantismu, kam raksturīgs pacilātība un efektivitāte, kas piepildīts ar pilsonisku, varonīgi revolucionāru patosu, austriešu un vācu romantisms kopumā izskatās apcerīgāks, pašmērķīgāks, subjektīvi lirisks. Bet viņa galvenais spēks ir atklāšanā iekšējā pasaule cilvēks, tajā dziļajā psiholoģijā, kas īpaši pilnībā parādījās austriešu un Vācu mūzika, izraisot daudzu mūzikas darbu neatvairāmu māksliniecisko ietekmi. Šis. tomēr tas neizslēdz atsevišķas spilgtas varonības un patriotisma izpausmes romantiķu darbos Austrijā un Vācijā. Tāda ir varenā Šūberta varonepiskā simfonija Do mažorā un dažas viņa dziesmas (“Šoferim Kronosam”, “Grupa no elles” un citas), Vēbera koru cikls “Līra un zobens” (pamatojoties uz autora dzejoļiem). patriotiskā dzejnieka T. Kernera "Simfoniskās etīdes" "Šūmanis, viņa dziesma "Divi grenadieri"; visbeidzot atsevišķas varonīgas lappuses tādos darbos kā Mendelsona "Skotijas simfonija" (finālā apoteoze), Šūmaņa "Karnevāls" (fināls, viņa trešā simfonija (pirmā daļa), bet Bēthovena plāna varonība, cīņas titānisms atdzimst uz jauna pamata vēlāk - Vāgnera varonepiskajās muzikālajās drāmās vācu un austriešu romantisma pašos pirmajos posmos aktīvā, efektīgā. princips daudz biežāk izpaužas tēlos, kas ir nožēlojami, satraukti, dumpīgi, bet ne reflektīvi, kā Bēthovenā. Tādas ir Šūberta dziesmas “Patvērums” un “Atlants”, Šūmaņa Florestāna tēli, viņa “Manfrēds. ” uvertīra, Mendelsona uvertīra “Run Blaz”.

Austriešu un vācu romantisko komponistu daiļradē dabas tēli ieņem ārkārtīgi nozīmīgu vietu. Īpaši liela dabas tēlu “empātiskā” loma ir Šūberta vokālajos ciklos un Šūmaņa ciklā “Dzejnieka mīlestība”. Muzikālā ainava plaši attīstīta Mendelsona simfoniskajos darbos; viņš galvenokārt saistīts ar jūras elementiem ("Skotijas simfonija", uvertīras "Hebrides-", "Jūras klusums un laimīgs ceļojums"). Taču vāciešiem raksturīga ainavu tēlainības iezīme bija tā “meža romantika”, kas tik poētiski iemiesota Vēbera uvertīru “Burvju šāvējs” un “Oberons” ievados, “Noktirnā” no Mendelsona mūzikas līdz Šekspīra komēdijai “A. Jāņu nakts sapnis”. No šejienes pavedieni stiepjas līdz tādiem
Romantiskas ilgas pēc ideāla vācu-austiešu mūzikā specifisku izpausmi iegūst, it īpaši klejošanas tēmā, laimes meklējumos citā, nezināmā zemē. Visspilgtāk tas izpaudās Šūberta darbos (“Klaidonis”, “Skaistā Millera sieva”, “Ziemas atpūta”) un vēlāk Vāgnera Lidojošā holandieša, Ceļotāja Votana un klejojošā Zigfrīda tēlos.
Šī tradīcija 80. gados noved pie Mālera cikla “Klīstošā mācekļa dziesmas”. Lieliska vieta
, kas piešķirts fantastiskiem tēliem, ir arī tipiski nacionālā vācu un austriešu romantisma iezīme (tai bija tieša ietekme uz franču romantiķi Berliozu). Tā, pirmkārt, ir ļaunuma fantāzija, dēmonisms, kas savu spilgtāko iemiesojumu atrada Vēbera operas “Burvju šāvēja Sjēnā” no Vēbera operas “Burvju šāvējs”, Māršnera “Vampīrā”, kantātē “Valpurģu nakts”. ” autors Mendelsons un vairāki citi darbi. Otrkārt, fantāzija ir viegla, smalki poētiska, saplūstot ar skaistiem, entuziasma pilniem dabas tēliem: ainas Vēbera operā “Oberons”, Mendelsona uvertīra “Sapnis vasaras naktī” un pēc tam Vāgnera Loengrīna tēls - Grāla vēstnesis. Starpvieta šeit pieder daudziem Šūmaņa tēliem, kur fantāzija iemieso brīnišķīgu, dīvainu sākumu, īpaši neuzsverot ļaunuma un labā problēmu.

Muzikālās valodas jomā austriešu un vācu romantisms veidoja veselu laikmetu, ārkārtīgi svarīgu no mākslas izteiksmīgo līdzekļu vispārējās evolūcijas viedokļa. Neapstājoties pie katra lielākā komponista unikālā stila atsevišķi, mēs atzīmēsim vispārīgākās iezīmes un tendences. Plaši ieviestais “dziedamības” princips – tipiska vispārēja tendence romantisko komponistu daiļradē – attiecas arī uz viņu.
Ar to tiek panākta lielāka melodijas individualizācija, izmantojot raksturīgu faktisko dziesmu un deklamācijas pagriezienu kombināciju, pamatu dziedāšanu, hromatizāciju utt. Harmoniskā valoda tiek bagātināta: klasikai tipiskās harmonikas formulas tiek aizstātas ar elastīgāku un daudzveidīgāku harmoniju, lomu palielinās režīma plagalitāte un sānu soļi. Tās krāsainā puse kļūst svarīga harmonijā. Raksturīga arī pakāpeniski pieaugošā mažora un minora savstarpējā iespiešanās. Tādējādi no Šūberta būtībā nāk tāda paša nosaukuma mažoru un minoru salīdzināšanas tradīcija (parasti mažoru pēc minora), jo tas kļuva par iecienītāko tehniku ​​viņa darbā. Paplašinās harmoniskā mažora pielietojuma loks (īpaši raksturīgi minoritāšu subdominanti lielo darbu kadencēs). Saistībā ar uzsvaru uz indivīdu un tēla smalko detaļu apzināšanu, ir arī sasniegumi orķestrācijas jomā (īpaša tembrāla krāsojuma nozīme, solo instrumentu lomas palielināšanās, uzmanība jauniem stīgu izpildījuma pieskārieniem, utt.). Bet pats orķestris savu klasisko sastāvu būtībā nemaina.
Liela ir austriešu un vācu romantiķu loma jaunu kompozīcijas principu radīšanā. Klasikas sonātes-simfoniskos ciklus nomaina instrumentālās miniatūras; Šūberta vokālās teksta sfērā skaidri attīstītā miniatūru ciklizācija tiek pārnesta uz instrumentālo mūziku (Šūmanis). Parādījās arī lieli vienas daļas skaņdarbi, kuros apvienoti sonātes un cikliskuma principi (Šūberta klavierfantāzija Do mažorā, Vēbera Concertstück, Šūmaņa fantāzijas pirmā daļa Do mažorā). Savukārt sonātes-simfoniskie cikli piedzīvoja būtiskas pārmaiņas romantiķu vidū, radās dažāda veida “romantiskā sonāte” un “romantiskā simfonija”. Bet tomēr galvenais sasniegums bija jaunā kvalitāte muzikālā domāšana, kas noteica satura un izteiksmes spēka pilnu miniatūru veidošanu, bija tā īpašā muzikālās izteiksmes koncentrācija, kas atsevišķu dziesmu vai vienbalsīgu klavierskaņdarbu padarīja par dziļu ideju un pārdzīvojumu fokusu.

Priekšgalā strauji attīstās Austrijas un Vācu romantisms bija indivīdi, kuri bija ne tikai izcili apdāvināti, bet arī progresīvi savos uzskatos un centienos. Tas noteica to pastāvīgo nozīmi muzikālā jaunrade, tā nozīme ir " jaunā klasika", kas kļuva skaidrs līdz gadsimta beigām, kad valstu mūzikas klasika vācu valoda būtībā pārstāvēja ne tikai lielo komponisti XVIII gadsimtiem un Bēthovenu, bet arī lielajiem romantiķiem – Šūbertu, Šūmani, Vēberu, Mendelsonu. Šie ievērojamie muzikālā romantisma pārstāvji, dziļi cienot savus priekšgājējus un attīstot daudzus savus sasniegumus, vienlaikus spēja atvērt pilnīgi jaunu mūzikas tēlu un tiem atbilstošu kompozīcijas formu pasauli. Viņu darbos dominējošais personiskais tonis izrādījās saskanīgs ar demokrātisko masu noskaņojumu un domām. Viņi iedibināja mūzikā to ekspresivitātes raksturu, ko B. V. Asafjevs trāpīgi raksturoja kā “dzīvu, sabiedrisku runu, no sirds uz sirdi” un kas Šūbertu un Šūmani padara līdzīgus Šopēnam, Grīgam, Čaikovskim un Verdi. Par romantiskās muzikālās kustības humānistisko vērtību Asafjevs rakstīja: “Personiskā apziņa izpaužas nevis tās izolētajā, lepnajā izolācijā, bet unikālā mākslinieciskā atspoguļojumā visam, ar ko cilvēki ir dzīvs un kas viņus vienmēr un neizbēgami uzbudina. Tādā vienkāršībā skan nemainīgi skaistas domas un pārdomas par dzīvi - labākā koncentrēšanās, kas cilvēkā ir.”

I Mūzika (no grieķu musike, burtiski mūzu māksla) ir mākslas veids, kas atspoguļo realitāti un ietekmē cilvēku caur jēgpilnām un īpaši organizētām skaņu sekvencēm, kas sastāv galvenokārt no toņiem... ... Lielā padomju enciklopēdija

- (grieķu moysikn, no mousa muse) mākslas veids, kas atspoguļo realitāti un iedarbojas uz cilvēku caur jēgpilnām un īpaši organizētām skaņu sekvencēm augstumā un laikā, kas sastāv galvenokārt no toņiem... ... Mūzikas enciklopēdija

Saturs 1 Vēstures aspekti 2 Literatūra 2.1 Izcelsme 2.2 Reālisms ... Wikipedia

Šis termins ir balstīts uz grieķu valodu. ή μουσική (kas nozīmē τέχνη mākslu), t.i., mūzu (galvenokārt dziedāšanas un dejošanas dievietes) māksla. Vēlāk viņš saņēma vairāk no grieķiem plaša nozīme, gara harmoniskas attīstības izpratnē vispār, bet pie mums atkal... ... Enciklopēdiskā vārdnīca F. Brokhauss un I.A. Efrons

SAKRĀLĀ MŪZIKA- mūzika Kristus darbi. saturs, kas nav paredzēts izpildīšanai dievkalpojuma laikā. D. mūzika bieži tiek pretstatīta laicīgajai mūzikai, un šajā izpratnē šajā jomā dažkārt tiek iekļauts ārkārtīgi plašs parādību loks no liturģiskās mūzikas... ... Pareizticīgo enciklopēdija

N. m saknes meklējamas senos laikos. Arheoloģiskie dati pētījumi liecina par citu vāciešu eksistenci. dažādu garu ciltis. instrumenti (lurs), kuru izgatavošana aizsākās bronzas laikmetā. Lit. un vēsturiskā...... Mūzikas enciklopēdija

Mūzikas veidošanās iezīmes. ASV kultūra, kas aizsākās vēlu 17. gadsimtā, lielā mērā noteica valsts koloniālais attīstības veids. Pārcelts uz Ameru. mūzikas augsne tika asimilētas Eiropas, Āfrikas un vēlāk Āzijas tradīcijas un, mijiedarbojoties,...... Mūzikas enciklopēdija

R. m pirmsākumi meklējami Austrumu jaunradē. slava ciltis, kas apdzīvo Dr. Rus' pirms tās rašanās 9. gadsimtā. pirmais krievs valsts va. PAR vecākā suga austrumu slava mūziku var hipotētiski spriest pēc nodaļas. vēsturisks pierādījumi...... Mūzikas enciklopēdija

Fabulu pirmsākumi meklējami ķeltu, gallu un franku cilšu folklorā, kas senatnē dzīvoja tagadējās Francijas teritorijā. Nar. dziesmu kultūra, kā arī gallu-romiešu kultūra kļuva par pamatu f. lit. Un…… Mūzikas enciklopēdija