23. aprila 1932 je Centralni komite stranke sprejel resolucijo "O prestrukturiranju literarnih in umetniških organizacij", ki je likvidirala vse tiste, ki so obstajale v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. umetniške skupine in nastala je enotna organizacija - Zveza umetnikov ZSSR. Prva opredelitev metode socialističnega realizma pripada I. M. Gronskemu, ki je bil eden od ustanoviteljev Zveze pisateljev (delegati prvega kongresa leta 1934 so bili res številni veliki pisatelji tistega časa). Izvor izraza se pogosto pripisuje Gorkyju, ki je predlagal uporabo klasične dediščine za ustvarjanje del nove, socialistične, humanistične vsebine. Pravzaprav je bil glavni slog sovjetske dobe naturalizem, a ne kritičen, temveč lakirski, ki želi zgladiti akutne družbene probleme in ustvariti idealizirano podobo sodobnosti. In čeprav je neoklasični trend na splošno značilen za evropsko umetnost, "utrujeno" od avantgarde, je socialistični realizem v drugi tretjini 20. stoletja, tako kot umetnost tretjega rajha in Mussolinijeve Italije, skušal združiti več različnih trendov. : monumentalizem, naravnost v podajanju naravnih oblik, patos in junaštvo v interpretaciji podob. Umetnost je morala postati razumljiva množicam, »klicala in vodila« naj bi v bistvu sledila novemu, komunističnemu kanonu pri prikazovanju človeka in družbene stvarnosti. Glavni junak del naj bi bil delavec, »delovni ljudje« sami pa naj bi bili podvrženi »ideološki preoblikovanju v duhu socializma«. Realizem je bil razumljen kot detajlni naturalizem in hladen neoakademizem (»umetnost v oblastem razumljivih oblikah«, kot pravi slavni vic). Govor na prvem vsezveznem kongresu sovjetskih pisateljev leta 1934 o metodi "socialistični realizem "M. Gorky je pomenil ustvarjalno uporabo klasične dediščine svetovne kulture, povezavo umetnosti s sodobnostjo, prikazovanje sodobnega življenja z vidika "socialističnega humanizma". socialistične vsebine, naj bi predstavljal »socialistični realizem«. nov tip umetniška zavest. Hkrati se je domnevalo, da so lahko izrazna sredstva zelo raznolika tudi pri interpretaciji iste teme - vsaj tako je bilo rečeno. Pravzaprav je bila dolga desetletja uradno dovoljena od zgoraj, »ideološko dosledna« (kar je glavno), edina možna smer v umetnosti, ki gravitira k naturalizmu, nekakšnemu diamatizmu in zgodovinski matematiki v znanosti, ki prepoveduje vsakršno disidentstva v umetniški zavesti, z dobro delujočim mehanizmom državnih naročil, načrtovanih (za partijo sprejemljivih umetnikov) razstav in nagrad. Zdi se, da teme umetnosti v vseh zvrsteh in žanrih nakazujejo raznolikost: od heroike revolucije do državljanska vojna vsakdanjemu delu, ki ga spodbuja in spodbuja življenje samo. Portretni žanr bi moral ostati eden vodilnih, saj je realistična umetnost vedno in predvsem preučevanje človeka, njegove duše, njegove psihologije (in če so pisci »inženirji«). človeških duš", potem je bilo verjetno implicirano, da so umetniki "gradbeniki", ki utelešajo svojo idejo). Takšen je bil ta precej nejasen, milo rečeno, zvit v besedah in zelo trd v dejanjih program. Kako je bil izveden - naslednje desetletje pokazal.
Seveda je isto temo mogoče razviti in razkriti na različne načine, kot na slikah Petrov-Vodkina in Deineke, krajinah Rylova in Nisskega, portretih Končalovskega in Korina, v grafikah Lebedjeva in Konaševiča, v kiparstvu Mukhina in Shadr, kot v Kasneje, brez odstopanja od osnovnih realističnih načel vizije narave, so sodobni umetniki delali in delujejo na različne načine: V. Popkov, Y. Krestovsky, V. Ivanov, V. Tyulenev, G. Yegoshin in drugi. Toda »metoda socialističnega realizma«, ki je bila soglasno sprejeta na kongresu »inženirjev človeških duš« leta 1934, sploh ni pomenila nobene svobode. Nasprotno, umetniška ustvarjalnost je postajala vse bolj togo ideologizirana. Kot je zapisal ruski kritik in literarni kritik V. M. Piskunov (avtor je govoril o pesnikih, vendar to v celoti velja za umetnike), "so bile cele generacije in obdobja zavrnjene z eno samo potezo avtoritativnega peresa" in ravno najboljši mojstri " ni zaslužil priti v socrealistični koledar.« Tega se je treba vedno spomniti, ko beremo rusko zgodovino sovjetskega obdobja.
Velika prizadevanja v tridesetih letih 20. stoletja. so bili pritrjeni na oblikovanje narodnih umetniške šole, ustvarjanje "večnacionalne sovjetske umetnosti". Desetletja nacionalnih likovnih in republiških razstav, sodelovanje predstavnikov različnih republik na tematskih umetniških razstavah: "15 let Rdeče armade", "20 let Rdeče armade", "Industrija socializma" (1937), " Najboljša dela Sovjetska umetnost" (1940), na mednarodnih razstavah v Parizu (1937) in New Yorku (1939), pri organizaciji Vsezvezne kmetijske razstave (1939–1940) - oblika kulturne komunikacije med narodi ZSSR v v teh letih je bila razstava "Industrija socializma" še posebej velika. V njej je sodelovalo več kot 700 umetnikov iz Moskve, Leningrada in drugih mest RSFSR in sindikalnih republik. Mladi so debitirali na razstavi. Predstavljena dela so bila posvečena "najboljšim ljudem države, udarnim delavcem petletnih načrtov, novogradnjam sovjetske industrije", ki so kasneje postala obvezna sestavina vsake velike uradne razstave.
Leta 1932 je bila ustanovljena Vseslovenska akademija umetnosti, ki je bila zaprta v prvih letih revolucije, kasneje pa ponovno ustanovljen Inštitut za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo.
Spomnimo se, da so leta 1930. – eno najbolj kontroverznih in tragičnih obdobij tako v zgodovini naše države kot v njeni kulturi in umetnosti. Teptanje humanistike demokratična načela v življenju družbe ne more vplivati na vzdušje ustvarjalnosti. Kršena je bila osnova ustvarjalnega procesa - svoboda izražanja umetnika. V ozadju vse bolj toge afirmacije enotnega sloga in načina življenja, z izključitvijo vsake manifestacije svobode izbire iz realnosti, se skriva en sam oblika umetnosti. Ker je bila umetnosti dodeljena vloga »pojasnjevalke« direktiv v vizualni obliki, se je seveda spremenila v ilustrativno in preprosto (»razumljivo«) umetnost, pri čemer je izgubila vso celovitost, kompleksnost in vsestranskost izraznih sredstev.
Kljub demagoškemu poveličevanju "preprostega delavca" - "graditelja svetle prihodnosti", je sama pravica človeka do svobode duha, do lastne vizije sveta in končno do dvoma - nujna spodbuda za osebno izboljšanje in ustvarjalno ustvarjanje – je bilo zavrnjeno. Kajti kaj je lahko bolj uničujočega za ustvarjalnost kot vsaditev dogmatsko enotnih oblik poveličevanja ene figure ali več figur ali več figur ali ene – in lažne – ideje, ki ni pravično povzdignjena nad večmilijonsko ljudstvo? To je vodilo do tega, da so se poti in usode umetnikov vse bolj razhajale. Zdi se, da so nekateri – ali dejansko – potonili v pozabo, drugi so postali »vodilni umetniki tega obdobja«. Usoda nekaterih je bila tišina, temačnost in tragična pozaba; neizogibna laž in namerne laži spremljajo slavo drugih. Pojavilo se je nešteto del, kot so slike V. Efapova in G. Shegala o »vodji, učitelju in prijatelju«, ki je »predsedoval« kongresom, nešteto portretov »voditelja ljudstev«. Življenje vasi je bilo lažno optimistično prikazano na velikih prazničnih platnih S. V. Gerasimova " Kolektivne počitnice «(1937, Tretyakov Gallery; glej barvni vložek), A. A. Plastova "Počitnice na vasi ", naslikana leta 1937 (in obe sta bili nadarjeni slikarji, zlasti zadnja). Vse te in podobne slike so bile predstavljene kot pristna "življenjska resnica". toda Gorky je bil »zgodovinski optimizem« tisto, kar je imenoval eno od odločilnih lastnosti »socialističnega realizma«. vedno razlagati podobo sodobnika le na optimističen način je bilo optimistično prikazano na velikih prazničnih platnih S. V. Gerasimova ". Kolektivne počitnice "(glej barvni vložek), A. A. Plastova" Počitnice na vasi" naslikal 1937 (in oba sta bila nadarjena slikarja, zlasti slednji). "Kolektivne počitnice" - s soncem obsijana pojedina na ozadju neskončne poletne pokrajine - na sliki ruskega impresionista Sergeja Gerasimova je postala eden uradnih simbolov umetnosti socialističnega realizma. Po strašni lakoti v začetku tridesetih let 20. to veselje do bivanja, ki se bo repliciralo v likovni umetnosti in kinematografiji 1930–1950, bo postalo tako lakiran pečat kot nekakšna sublimacija resničnih želja in upov sovjetskega človeka, ki mu vedno manjka in je prikrajšan za najosnovnejše udobje.
Potvarjanje zgodovine in humanističnih idej je povzročilo psihološki zlom ustvarjalna osebnost. Po drugi strani pa je umetnik, ki je ustvaril lažno, lažno podobo, vendar zgrajeno na načelih vizualne verodostojnosti, prisilil množice, ki so bile polne iskrene (in v tridesetih letih prejšnjega stoletja še posebej izrazite) želje po univerzalni sreči delovnega človeštva, da verjamejo v njem. Mislim, da je to največja tragedija sovjetske umetnosti in časa nasploh.
Hkrati je v umetnosti obravnavanega obdobja mogoče imenovati številna imena izjemnih mojstrov: K. S. Petrov-Vodkin, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan, V. A. Favorsky, P. D. Korin (vendar povejmo, da najpomembnejša slika v Korinovem življenju, »Minujoči Rusi«, ni nikoli »uresničena« in razlog za to, kot vemo zdi se umetniško vzdušje tistih let). Od leta 1925 je v Leningradu delovala šolska delavnica Π. N. Filonova. Pod njegovim vodstvom je bilo dokončano oblikovanje znamenite publikacije finski ep"Kalevala", scenografija za "Generalnega inšpektorja" N. V. Gogolja. Toda v tridesetih letih prejšnjega stoletja. delavnica postane prazna, učenci zapustijo mojstra. Razstava del Filonova, pripravljena leta 1930 v Državnem ruskem muzeju, ni bila nikoli odprta, usojeno ji je bilo šele 58 let pozneje.
Drugi umetniki postanejo voditelji. Med njimi glavno mesto pripada Boris Vladimirovič Ioganson(1893–1973), že v dvajsetih letih 19. stoletja. ki je napisal taka dela kot "Rabfak greš, "Sovjetsko sodišče", "Uzlovaja železniška postaja leta 1919" (vse – 1928), ki je na razstavi leta 1933 predstavil sliko 15 let Rdeče armade. Zaslišanje komunistov" in na razstavi leta 1937 "Industrija socializma" - veliko platno "V stari tovarni Ural" (TG). V dveh najnovejša dela Zdi se, da si Ioganson prizadeva slediti tradiciji, ki so jo postavili ruski umetniki, predvsem Repin in Surikov. In res, umetnik ve, kako prikazati "konfliktne situacije", nasprotujoče se like: ob splošnem "sijaju" neskončnih "kolhoznih praznikov" in neštetih podobah "vodje, učitelja in prijatelja" je to že dostojanstvo mojstra . Odraža se predvsem v kompozicijski odločitvi: v »Zasliševanju komunistov« je to spopad dveh različnih sil, ujetnikov in sovražnikov, v »Uralu Demidovskem« (drugi naslov slike »V stari uralski tovarni«) - delavec in lastnik tovarne, čigar pogledi so po volji umetnika, tako kot pogledi rdečebradega lokostrelca in Petra I. v Surikovovem "Jutro strelčeve usmrtitve". Sam proces dela - Ioganson je od opisne razdrobljenosti, dobesednosti in preobremenjenosti kompozicije prešel k bolj jedrnati in strogi rešitvi, kjer celoten dramski konflikt gradi na trku dveh drug drugemu sovražnih svetov - je tradicionalen. Tudi zamenjava lokacije ženske figure - v iskanju bolj tipične situacije - iz ospredja v zgodnji različici na moško - v končni ("Zaslišanje komunistov") nekoliko spominja na iskanje I. E. Repina za rešitev v njegovi sliki "Niso pričakovali". V teh slikah se razkrijejo velike potencialne koloristične možnosti, zlasti v prvi, kjer kontrasti chiaroscura, ostri bliski temno modre, rjavo-rdeče in bele barve povečujejo razpoloženje tragedije dogajanja. A na koncu – popolna izguba. Umetnik preprosto spremeni svoj okus, saj se obrne na satiro in karikaturo, ki sta na sliki tako neprimerni. Če so komunisti, potem se mu tudi v rokah sovražnika neustrašno približajo; če so "bele garde" - potem bo gotovo prišlo do histerije (obrnjena rama, gnusno rdeč zadnji del glave, dvignjen bič itd.); če je rejec, potem je njegov pogled sovražen, a tudi negotov; če je delavec, potem je poln vzvišenosti, dostojanstva, jeze in notranja moč. In vse to je namerno, ekscesno, pedalirano - in zaradi tega izgubi smisel in postane lažno. Tako kot zgodovinsko-revolucionarne slike Brodskega, kot portreti Rižskega, tudi ta Iogansonova dela izrazito ponazarjajo razvoj ruske umetnosti in jih v tem smislu resnično lahko štejemo za »klasike sovjetske umetnosti«.
V tridesetih letih prejšnjega stoletja A. A. Deineka veliko dela. Lakonizem detajlov, ekspresivnost silhuete, zadržan linearni in barvni ritem so glavna načela njegove umetnosti. Nekdanji "Ostovci" na splošno ostajajo zvesti svoji tradiciji. Tematika postane bolj raznolika: žanr, portret, krajina. A ne glede na to, kaj pišejo, se v vsem pokažejo znamenja časa. Za razstavo "20 let Rdeče armade" je Deineka napisal enega najbolj poetičnih in romantična dela "Bodoči piloti "(1938, GG): tri gole fantovske figure (upodobljene od zadaj), na morski obali, gledajo hidroplan na modrem nebu - bodočih sto osvajalcev. Ta romantika se izraža tudi v barvi - kombinacija temno modre vode, sivo-modro nebo, sončna svetloba, poplavljanje nasipa. Gledalec ne more videti obrazov fantov, vendar celotna struktura slike izraža občutek žeje po življenju in duhovne odprtosti. Veliko slik Deineke v teh letih je posvečenih športu. Mnogostranski svet Evrope in Novega sveta so razkrili njegovi akvareli, naslikani po potovanju v tujino leta 1935: " Tuileries ", "Ulica v Rimu" in drugi (seveda ne pozabite, s položaja sovjetskega človeka, ki ima "svoj ponos").
Uradno priznani umetniki so ustvarili iluzorno podobo veselega prazničnega življenja, ki je bila tako neskladna z resničnostjo. Mnogi pa so znali izbrati take teme in trenutke, ki so jim omogočili, da so ostali popolnoma iskreni. Seveda je bilo to najlažje storiti v pokrajina. Tako bo občutek novega življenja v izgradnji prenesel Yu I. Pimenov v filmu "Nova Moskva" (1937, Tretjakovska galerija). Impresionistične težnje se živo čutijo v neposrednosti impresije, spretno podane skozi figuro ženske za volanom, katere obraza niti ne vidimo, v bogastvu svetlobe in zraka ter dinamičnosti kompozicije. Svetle praznične barve poudarjajo tudi podobo »nove« Moskve.
V teh letih so tako čudoviti umetniki, kot je N., nadaljevali z delom. P. Krymov, A. V. Kuprin, od katerih vsak s svojimi individualnimi sredstvi ustvarja subtilno lirično ali epsko veličastno podobo domovine (N. P. Krymov. "reka" (1929), "Poletni dan v Tarusi" (1939/40); A. V. Kuprin. "Dolina Tiam" (1937); vse – PT). Številne krimske in srednjeruske pokrajine A. V. Lentulova so slikovito velikodušne in romantične. Polno življenja in sto tihožitij (npr. "Tihožitje z zeljem" 1940). S celotno slikovno in plastično strukturo platna je G. G. Nissky skušal izraziti duha sodobnosti, intenzivne ritme novega življenja, upodablja (priznamo, ne brez lažne romantike) bojne ladje, ki stojijo na rivi, jadrnice, ki letijo po morju. , v daljavo segajo železniške proge ("Na tirih" 1933).
Lahko rečemo, da v primerjavi s prejšnjim desetletjem, tridesetimi leti 20. stoletja. razširiti geografski obseg krajine kot žanra. Umetniki potujejo na Ural, Sibirijo, Daljni sever in Krim. Domovina, to ogromno ozemlje večnacionalne države, daje bogate vtise slikarjem, v katerih pokrajinah prevladuje ena ideja: narava naše dežele, ki jo mojstri predstavljajo v vsej svoji velikodušnosti in muhasti variabilnosti osvetlitve v različnih obdobjih dneva in leta. , ni le simbol lepote naše rodne zemlje, ampak tudi simbol časa, ki ga tako ali drugače obnavlja delo milijonov ljudi.
Umetniki iz nacionalnih republik z ljubeznijo zajemajo znake novega v svoji državi. M. S. Saryan slika čudovite pokrajine, portrete (npr. arhitekt A. Tamanyan, pesnik A. Isahakyan) in tihožitja. Zelene doline, bleščeče zasnežene gore Armenije, njeni starodavni templji in nova gradbišča, ki napadajo njeno ostro pokrajino ("Topilnica bakra Alaverdi", 1935; "Vintage", 1937; "Rože in sadje" 1939) so veličastni, osvetljeni z briljantnim talentom rojenega slikarja, njegovo osupljivo dekorativno velikodušnostjo. O novem videzu Armenije pričajo krajine G. M. Gjurjjana in F. P. Terlemezjana. Podobo nove Gruzije dajejo slike A. G. Tsimakuridze, U. V. Japaridze, E. D. Akhvlediani.
V teh letih se intenzivno razvija portret. Π. P. Konchalovsky je naslikal celo vrsto čudovitih portretov kulturnih osebnosti: "V. Sofronitsky za klavirjem " (1932), "Sergej Prokofjev" (1934), "Vsevolod Meyerhold" (1938). Pri slednjem je, tako kot vedno pri Končalovskem, barva odprta, zveneča, a podana v nasprotju z Meyerholdovim intenzivnim pogledom in njegovo pozo – to v podobo vnaša nekaj motečega (kar ni presenetljivo: do njegovega nastopa je še nekaj dni). aretacija in smrt).
Po skoraj 15 letih molka je M. V. Nesterov spregovoril s številnimi portreti sovjetske inteligence (»Umetnika P. D. in A. D. Corina«, 1930; "Kipar I. D. Shadr ", 1934; "I.P. Pavlov" 1935;"Kirurg S. S. Yudin", 1935; "Kipar V. I. Mukhina ", 1940; vse - Tretjakovska galerija). Kogar koli Nesterov upodablja: pa naj bo to Pavlov s svojim mladostnim navdušenjem, močan, zbran, duhoven (lakonična in ekspresivna gesta njegovih rok le še ostreje poudarja njegovo neustavljivo, dinamično, "eksplozivno" narava); kipar Shadr, ki zamišljeno stoji ob ogromnem marmornem torzu; umetnik Yudin ali umetnica Kruglikova - umetnik najprej poudarja, da so ti ljudje ustvarjalci, smisel njihovega življenja pa je v ustvarjalnem iskanju umetnosti ali znanosti. Portreti Nesterova imajo klasično mero, preprostost in jasnost, izvedeni so v najboljših tradicijah ruskega slikarstva, zlasti V. A. Serova.
Njegov učenec na portretu sledi poti Nesterova Pavel Dmitrijevič Korin(1892–1971). Poudarja tudi intelekt, notranjo kompleksnost človeka, vendar je njegov slog pisanja drugačen, forma je trša, jasnejša, silhueta ostrejša, risba izrazitejša, kolorit strožji.
Zanimanje za ustvarjalno inteligenco v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. Razstavlja tudi gruzijski umetnik K. Magalashvili (portreti kiparja "Ya. Nikoladze", 1922, slikar Elena Akhvlediani" 1924, pianisti "I. Orbeliani" 1925). Leta 1941 je naslikala portret pianista "V. Kuftina." Azerbajdžanski umetnik S. Salam-zadeh je za temo izbral podobo delovnega človeka (portret pobiralca bombaža "Kerimova manija" 1938).
1930 so bili določena stopnja v razvoju vseh vrst monumentalna umetnost. Odprtje Vsezvezne kmetijske razstave, Moskovski kanal, gradnja metroja v prestolnici, klubov, kulturnih palač, gledališč, sanatorijev itd., Sodelovanje sovjetskih umetnikov na mednarodnih razstavah so oživili številna dela monumentalno kiparstvo, monumentalno slikarstvo ter dekorativno in uporabno umetnost. Umetniki iz Moskve, Leningrada, drugih mest RSFSR in nacionalnih republik, ki so ohranili in ustvarjalno predelali tradicije in oblike nacionalne umetnosti, so obravnavali glavne probleme sinteze umetnosti. V monumentalnem slikarstvu vodilno mesto pripada A. A. Deinekeju, E. E. Lansereju. Slednji se je kot umetnik razvil že pred revolucijo. V tridesetih letih prejšnjega stoletja izvaja slike v Harkovu, Tbilisiju. Slika restavracijske dvorane železniške postaje Kazansky v Moskvi je posvečena prijateljstvu in enotnosti narodov, govori o naravnih virih države; Poslikava restavracijske dvorane hotela Moskva temelji na tradiciji italijanskega iluzornega stropnega slikarstva, predvsem Benečana Tiepola. V teh letih so se z monumentalnim slikarstvom ukvarjali tudi V. A. Favorski, A. D. Gončarov in L. A. Bruni. V poslikavi Hiše modelov v Moskvi (grafito, 1935, ni ohranjeno) je Favorsky dosegel pravo sintezo arhitekture in slikarstva, to delo je imelo velik vpliv na njegove učence.
IN kiparstvo Veliko so delali tako stari mojstri, ki so se zaznamovali v prvih letih sovjetske oblasti, kot mladi. Opozoriti je treba, da je v obravnavanem obdobju v vseh vrstah in žanrih kiparstva - v portretih, kiparskih kompozicijah, reliefih - postala opazna težnja po idealizaciji narave. To se je zlasti odrazilo v spomeniškem kiparstvu, predstavljenem na natečajih za številne spomenike.
Pomembno je, da je v tekmovanju za spomenik V. I. Čapajevu (za mesto Samara) in T. G. Ševčenku (za Harkov) zmagal Matvej Genrihovič Manizer(1891 – 1966), naslednik akademske šole ruskega kiparstva s težnjo po narativnosti in idealizaciji. IN spomenik Ševčenku Manizer je pesnika predstavil predvsem kot borca, razkrinkavalca avtokracije. To idejo krepi dejstvo, da je njegova figura v nasprotju z žalostno podobo kmečkega delavca, ki je kasneje konvencionalno poimenovana po imenu junakinje njegove pesmi " Katerina " (ena od 16 številk, ki poosebljajo "etape boja ukrajinskega ljudstva za njihovo osvoboditev").
Spomenik je zasnovan za vsestranski ogled in je postavljen ob vhodu v park (avtor podstavka je arhitekt I. Langbard). V letih 1936–1939 Manizer izvaja (skupaj s svojimi študenti) številne kipe za postajo moskovskega metroja "Trg revolucije". To delo težko imenujemo uspešno, še posebej, ker so omejen prostor in nizki loki preprečili organsko sintezo arhitekture in kiparstva.
A. T. Matveev še naprej dela v lirični skulpturi, spretno modelirani, globoko poetični. Globoko v karakterizaciji dela Ya. I. Nikoladzeja (portret "G. Tabidze" 1939; prsi "I. Chavchavadze", 1938). Ustvari subtilno psihološke ali pretresljive slike portretna skulptura S. D. Lebedeva ("Dekle z metuljem" bron. 1936; "Čkalov" skica, bron, 1937).
Velikega pomena za razvoj sovjetskega monumentalnega kiparstva je bilo sodelovanje ZSSR na mednarodni razstavi "Umetnost, tehnologija in moderno življenje", urejen v Parizu. Sovjetski paviljon je bil zgrajen po načrtu B. M. Iofana. Kiparsko skupino zanj je izdelala Vera Ignatievna Mukhina (1889–1953). Leta 1922–1923 je po načrtu monumentalne propagande izvedla je polno strastnega, viharnega gibanja figuro, ki je poosebljala »plamen revolucije«. v monumentalni posplošeni podobi je v portretih tridesetih let našla precej. sodobni jezik realistična skulptura, ki temelji na klasični modeli. Predvsem pa so mojstra zanimala načela sinteze arhitekture in kiparstva. Eno od izvirnih rešitev je dala Mukhina v svojem delu za mednarodno razstavo: Iofanova stavba se je končala z ogromnim stebrom, dvignjenim 33 m visoko, ki je bil popolnoma organsko okronan s kiparsko skupino. "Delavka in kolhoznica" (1937, nekdanji VDNH). V iztegnjenih rokah držita srp in kladivo. Težko bi bilo najti celovitejšo, celovitejšo rešitev te teme, kot jo je našel Mukhina. Iz kiparske skupine veje močan gib, ki ustvarja hiter hitec figur naprej in navzgor. Gube oblačil in šali so interpretirani ekspresivno. Navidezna lahkotnost in srebrn sijaj nerjavečega jekla, v katerem je skulptura izdelana, še poveča dinamičen vtis. Inovativni kipar Mukhina je v tem delu uspel utelešiti "ideal obdobja". Sodelovanje Mukhina z arhitektom Iofanom pripeljala do umetniške enotnosti preproste, strukturno celovite arhitekture in plastično bogatih, jedrnatih, popolnih kiparskih oblik. Poleg tega je vloga skulpture tukaj prevladujoča: stavba, obložena z marmorjem z nerjavnimi palicami, je pravzaprav le podstavek zanjo. Skulptura je naravno zaključila vertikalne arhitekturne ritme in dala stavbi arhitekturno zaokroženost. To je eden najredkejših spomenikov v smislu ekspresivnosti, izveden v skladu z nekoč zasnovanim "načrtom monumentalne propagande". Kasneje postavljen na nizek podstavek blizu VDNKh je izgubil vso svojo monumentalnost. Mukhina veliko dela v dekorativni skulpturi ("Kruh", bron, 1939, PT), in tudi zaključuje delo I. D. Shadra na spomenik Maksimu Gorkemu (bron, granit, 1951), ki je bil postavljen v Moskvi pred Belorusko železniško postajo.
V tridesetih letih prejšnjega stoletja Zanimivo se razvija živalsko kiparstvo, kjer nedvomno izstopata imeni dveh mojstrov – Vasilij Aleksejevič Vatagin(1883/84–1969), ki odlično pozna ne samo lastnosti, ampak tudi psihologijo živali, ki veliko dela v lesu ( "Himalajski medved" 1925) in bron ( "Tiger", 1925), in Ivan Semenovič Efimov(1878–1959), ki je svoja dela izvajal v največ različne materiale bolj posplošen, dekorativen kot Vatagin in daje zveri značilnosti antropomorfizma ( "Mačka z žogo" 1935, porcelan; "Petelin", 1932, kovan baker). V naslednjih letih je Vatagin še naprej uspešno delal v živalskem žanru ( "Pingvin s piščancem" drevo, 1960).
Efimov, ki se je leta 1918 začel zanimati za lutkovno gledališče, je razvil inovativen princip "paličnih" lutk, ustvarjalno razvijal zaplete tradicionalnih "peteršiljevih lutk", se obrnil k gledališču silhuet in ustvaril duhovite večfiguralne instalacije.
Najdragocenejši del opusa obeh so njune risbe. Vatagin je ustvaril ilustracije za Mowglija (Knjiga o džungli) Rudyarda Kiplinga (1926) in druge knjige o živalih. Efimov je deloval tudi kot mojster knjižna grafika predvsem na področju literature za otroke.
IN grafika V teh letih knjižni ilustratorji še naprej zavzemajo vodilno mesto. V. A. Favorsky, ki sam dela zelo intenzivno (lesorez za "Povest o Igorjevem pohodu", za "Vita Nova" po Danteju, za "Hamleta" po Shakespearju), vodi celotno šolo grafičnih umetnikov. Med sto študenti si zasluži posebno pozornost Andrej Dmitrijevič Gončarov (1903–1979), avtor visoko strokovnih, globoko pronicljivih ilustracij za Smoletta in Shakespearja. Na splošno pa lesorez zasenči litografija, prav tako risba - oglje in črni akvarel.
Leningrajska šola vnaša novo noto v umetnost tiskane grafike (predvsem lesoreze) in risbe, v kateri je veliko miline, ki izhaja iz tradicije »sveta umetnosti«. To so dela L. S. Hižinskega, ki je svojo ustvarjalno pot začel v Ukrajini, G. D. Epifanova in zgodaj umrlega N. Aleksejeva. Mojstri štafelajne grafike, pevci elegike akvarelna pokrajina sta bila V. Pakulin in N. Tyrsa, ritmi novega, industrijskega Leningrada so ujeti v akvareli N. Lapshin. Od sredine tridesetih let prejšnjega stoletja. G. Vereisky dela skoraj izključno v tehniki jedkanice in litografije (več kot 50-krat je portretiral igralca V. P. Eršova in dosegel globino psihološke značilnosti). V najbolj različne tehnike in žanrov je ustvarjal briljanten risar K. Rudakov (ilustracije za Zola in Maupassanta, štafelajne grafične podobe življenja zahodne Evrope, portreti sodobnikov, na primer portret umetnika "Ya. K. Kolesova", akvarel, 1936).
A. D. Gončarov. Caliban. Ilustracija za igro "The Tempest" W. Shakespeara. Lesorez
Plejada mladih grafikov ilustrira ruske in sovjetske klasike. Dementij Aleksejevič Šmarinov (1907-1999), učenec D. N. Kardovskega, naredi ilustracije za »Zločin in kazen« F. M. Dostojevskega (1935–1936), polne ostrih, tragičnih občutkov, elegantne in preproste risbe za »Belkinove zgodbe« A. S. Puškin (1937), serija risb za "Petra I" Alekseja Tolstoja (1940), ilustracije za "Junaka našega časa" M. Yu Lermontova (1939–1940). Risbe za "Petra I" so pravzaprav celotne zgodovinske kompozicije s svetlimi liki, ki odlično prenašajo na skiciran način sam duh obdobja Petra Velikega. Šmarinov je zaobšel številne vsakdanje podrobnosti, da bi seriji dal visok epski slog.
Evgeny Adolfovich Kibrik (1906–1978) izvaja litografije za »Cola Brugnon« (1936), polne očarljive preprostosti in pretanjenega občutka galskega duha, ki je navdušil avtorja dela Romaina Roldana; junaške ilustracije za "Legendo o Ulenspieglu" Charlesa de Costerja (1938). Kasneje je Kibrik zapisal: »Vse življenje sem si prizadeval za podobo prijaznega, vedrega človeka. On se bori proti zlu moje delo bodisi v osebi Burgundca ali Flamca, nato Ukrajinca, nato Rusa."
E. A. Kibrik. "Lasochka". Ilustracija za zgodbo R. Rollanda "Cola Brugnon"
S. V. Gerasimov ustvarja temperamentne in močni značaji junaki "Primera Artamonov" A. M. Gorkega (1938–1939); Kukryniksy (združenje treh umetnikov - M.V. Kupriyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolov), že v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. ki so se razglasili za satirike, ilustrirajo predvsem satirična dela(ilustracije za "Golovlevs" M. E. Saltykov-Shchedrin) ali posamezne (satirične) epizode v literarna dela(ilustracije za "Klim Samgin" Gorkyja). Leningrajski umetniki K. I. Rudakov, N. A. Tyrsa delajo na zahodni in ruski klasiki, V. V. Lebedev in E. I. Čarušin delata na otroški literaturi, pri čemer vsak ohranja svojo ustvarjalno osebnost. Okoli "Detgiza", ki ga je vodil V. Lebedev, je bila organizirana cela skupina izjemnih leningrajskih grafikov visoke kulture: Yu. Vasnetsov, V. Kurdov, V. Konashevich in mnogi drugi.
100. obletnica Puškinove smrti leta 1937 je oživela celo Puškiniano (risbe in akvareli N. P. Uljanova, posvečeni Puškinovim krajem, serija L. S. Hižinskega, litografije P. A. Šilingovskega). "Kakšna velika sreča, da ima Rusija vse življenje Puškina, ki sije nad nami kot nikoli ne zahajajoče sonce!" – je kasneje zapisal izjemni grafik, mojster ostre risbe N. Kuzmin, ki je ilustriral »Evgenija Onjegina« na »puškinski način«.
E. I. Čarušin. Ilustracija za lastno knjigo "Vaska, Bobka in zajec" (Detgiz, 1934)
Pomembne spremembe je v tridesetih letih 20. stoletja doživelo tudi profesionalno komponiranje v koncertnih, filharmoničnih in glasbenogledaliških zvrsteh. Seveda pa niso mogle mimo tega, da so bile povezane s tistimi preobrazbami družbenega življenja, ki so pripeljale do vzpostavitve novega, centraliziranega državnega sistema. 23. aprila 1932 je bila sprejeta resolucija Centralnega komiteja Vsezvezne komunistične partije boljševikov "O prestrukturiranju literarnih in umetniških organizacij". V tem partijskem dokumentu je bilo poudarjeno, da se okvir literarnih in umetniških organizacij, ki so nastale v dvajsetih letih 20. stoletja, »že oži in otežuje resen obseg umetniška ustvarjalnost" Med takimi organizacijami, likvidiranimi v skladu z resolucijo Centralnega komiteja Vsezvezne komunistične partije boljševikov, je bila tudi RAPM, ki se je že zdavnaj spremenila v skupino, ki je svoje "klanske" interese postavila nad resnico. Besedilo partijskega dokumenta je opozorilo na nevarnost preoblikovanja tovrstnih združenj »iz sredstva največje mobilizacije sovjetskih pisateljev in umetnikov okoli nalog socialistične izgradnje v sredstvo gojenja krogovske izolacije, ločitve od političnih nalog našega časa. in od pomembnih skupin pisateljev in umetnikov, ki simpatizirajo s socialistično gradnjo.«
Kljub temu, da je odlok z dne 23. aprila 1932 dejansko odpravil pravico umetnikov do ustanavljanja svobodnih združenj in združenj, je bil v veliki večini sprejet z navdušenjem. Mnogi med njimi so upali na koristne spremembe, na odpravo prejšnje diskriminacije tako imenovanih "sopotnikov" in odobrili idejo o združevanju v enotne ustvarjalne zveze na podlagi poklicne pripadnosti. Sama ideja enakosti v podobne zveze absolutno vsi mojstri umetnosti, ne glede na njihove umetniške položaje, slogovne preference, se zdi, da odpirajo široke možnosti za svoboden razvoj v svoji praktični izvedbi kreativni posamezniki pod enim nepogrešljivim pogojem - njihovo podporo socialistični gradnji v državi. Sicer pa je bilo videti, da je vse prepuščeno presoji samih umetnikov, ki so svobodno izbirali načine za doseganje resnice v umetnosti in sredstva, s katerimi so reševali probleme, ki so si jih zadali.
Organizacijsko združevanje ustvarjalcev se je utrdilo z oblikovanjem enotnih ustvarjalnih sindikatov. Med njimi je bila Zveza sovjetskih skladateljev (kasneje Zveza skladateljev ZSSR) - združenje skladateljev in muzikologov, ustanovljeno na skupni ideološki podlagi, ki so jo takrat priznavali vsi ustvarjalnih sindikatov. V svoji izjavi odločilno vlogo igral na prvem vsezveznem kongresu pisateljev, ki je potekal leta 1934 pod vodstvom in z aktivno udeležbo A. M. Gorkyja. Metoda socialističnega realizma je postala teoretična podlaga za utrjevanje ustvarjalnih osebnosti države.
Bistvo metode je bilo oblikovano v listini Zveze pisateljev ZSSR leta 1934: »Socialni realizem od umetnika zahteva resnično, zgodovinsko specifično umetniška podoba resničnost v svojem revolucionarnem razvoju." Ta formula pravzaprav ni pomenila refleksije življenja v umetnosti, kakršno je, v njegovih zapletenih protislovjih, temveč konstrukcijo idealnega modela, vzornika, poustvarjanje realnosti, kakršna bi morala biti, da bi ustrezala stalinističnemu idealu. socializma."
Že ob prvih poskusih razumevanja umetniškega procesa s stališča socialističnega realizma so se pojavile precejšnje težave. Živa praksa se ni ujemala s Prokrustovo posteljo metode, zato je bilo treba dela bodisi umetno prilagoditi merilom, ki so pridobila veljavo zakona, bodisi ta dela in njihove ustvarjalce popolnoma ločiti od sovjetske umetnosti nasploh. Nepopravljiva škoda, ki jo je povzročila prisilna uvedba te metode, je izhajala iz trditev njenih privržencev o monopolu. Poleg tega je prišlo do pomembne zamenjave: načelo realizma je bilo oznanjeno z besedami, privrženci nove metode pa so v resnici ustvarili romantični mit z dvojnim svetom, značilnim za romantične umetnike. Grozotam starega sveta, za katerega se je zdelo, da je žarišče vseh mogočih pregreh in zatiranja, ki so jih zagrešili tisti na oblasti, se je zoperstavila dvigujoča harmonija nova družba graditelji in borci – vitezi brez strahu in očitkov. Seveda ta model ni bil nikoli predstavljen v svoji čisti čistosti v najbolj nadarjenih kreacijah, ampak je služil kot nekakšno vodilo, ideal, h kateremu je treba stremeti. Od tod vztrajna zahteva po optimizmu, optimizmu na ukaz, takoj ko je sovjetska stvarnost postala predmet umetniškega upodabljanja; od tod tudi sumničav odnos do tragična tema in umetnikom s tragičnim svetovnim nazorom.
V glasbi je uveljavljanje socialističnega realizma takoj naletelo na precejšnje težave. »Socialistični realizem ni že pripravljena standardna oblika glasbene ustvarjalnosti,« je »za petami« zapisal ugledni sovjetski kritik V. Gorodinski. Ta metoda po mnenju kritika prav nič ne omejuje umetnikove pobude in nikakor ni nekaj enkrat za vselej uveljavljenega, nezmožnega razvoja ter vedno in povsod enakega. Toda kaj natančno je morala vsebovati glasba, da bi ustrezala kriterijem metode, je ostalo nejasno. Ni naključje, da so pogovori o bistvu socialističnega realizma v glasbi kmalu zamrli in se je zadeva omejila na preprosto ponavljanje obredne formule, ne da bi resno ugotavljali, ali je sploh uporabna za umetnost intoniranih zvočnih podob.
Če preidemo na realno stanje, ki se je razvilo v različne vrste umetnosti v 30. letih, je treba poudariti, da se je v literaturi, likovni umetnosti, gledališču, kinematografiji - povsod pojavil proces relativne stabilizacije. Povezan je bil z odmikom od estetike dvajsetih let, od skrajnih tokov tedanje umetniške avantgarde. Plakatna simbolika in enostavna propaganda govorov, namenjenih oratorijskemu govoru pred ljudmi, ki zapolnjujejo odprte prostore, sta preteklost, tako kot je zamrla praksa množičnih gledaliških predstav. Tudi vodje proletarskih organizacij so postavili slogan " živa oseba«, zavrača pozive k »demifikaciji« fikcije. Eksperimentalna gibanja, ki so bila zdaj izraz levičarskih skrajnosti in meščansko-estetskih presežkov, so izginila. Bili so podvrženi kritiki formalne šole v literarni kritiki - oznaka "formalizem" je dolgo časa postala običajno sredstvo maščevanja tistih področij, kjer je bila zastavljena naloga posodobitve jezikovnih sredstev. Usmerjenost v klasiko je začela določati razvoj skoraj vseh pojavnih oblik umetniške ustvarjalnosti.
Vendar bi bilo napačno reči tako sovjetska umetnost Trideseta leta so popolnoma opustila kakršno koli iskanje, kakršno koli postavljanje novih umetniških ciljev. V številnih delih sta se harmonično združila oba predhodna trenda - razvoja klasična tradicija in iskanje novega jezika v sozvočju s sodobnim časom. Morda se ta kombinacija ni nikjer pokazala s tako jasnostjo in umetniško dovršenostjo kot v glasbi. Precej jasno in opazno pa je vplival tudi na razvoj gledališke umetnosti. V 30. letih se je močno povečal ugled akademskih gledališč, kjer je v ospredje stopilo moskovsko gledališče. Umetniško gledališče
: pod vodstvom K. Stanislavskega in V. Nemiroviča-Dančenka je predstavil vrsto izjemnih predstav, ki jih je zaznamovala inovativna interpretacija klasike (»Ana Karenina« L. Tolstoja, »Šola škandala« R. Sheridana in drugi). Toda nekdanji antipod Moskovskega umetniškega gledališča, kot se je dolga leta razglašalo gledališče V. Meyerholda, se je obrnil tudi h klasiki in prispeval k renesansi A. Ostrovskega, s katerim so bila povezana 30. leta (uprizoritev predstave »The Gozd”). Kljub totalitarnemu nadzoru države na vseh področjih kulturni razvoj
družbe, umetnost ZSSR v 30-ih letih 20. stoletja ni zaostajala za svetovnimi trendi tistega časa. Uvedba tehnološkega napredka, pa tudi novi trendi z Zahoda so prispevali k razcvetu literature, glasbe, gledališča in filma. Posebnost sovjetskega literarni proces
V tem obdobju je prišlo do spopada pisateljev v dve nasprotujoči si skupini: nekateri pisatelji so podpirali Stalinovo politiko in poveličevali svetovno socialistično revolucijo, drugi so se na vse možne načine upirali avtoritarnemu režimu in obsojali nečloveško politiko voditelja.
Ruska književnost 30-ih je doživela svoj drugi razcvet in se v zgodovino svetovne književnosti zapisala kot obdobje srebrne dobe. V tem času so ustvarjali neprekosljivi mojstri besede: A. Ahmatova, K. Balmont, V. Brjusov, M. Cvetajeva, V. Majakovski.
Ruska proza je pokazala tudi svojo literarno moč: dela I. Bunina, V. Nabokova, M. Bulgakova, A. Kuprina, I. Ilfa in E. Petrova so se trdno zapisala v ceh svetovnih literarnih zakladov. Literatura tega obdobja je odsevala vso resničnost državnega in javnega življenja.
Dela so izpostavila vprašanja, ki so v tistem nepredvidljivem času vznemirjala javnost. Številni ruski pisatelji so bili prisiljeni pred totalitarnim preganjanjem oblasti pobegniti v druge države, vendar pisateljske dejavnosti v tujini niso prekinili. Sovjetsko gledališče je preživljal obdobje zatona. Najprej je gledališče veljalo za glavni instrument ideološke propagande. Sčasoma so Čehovljeve nesmrtne produkcije zamenjale psevdorealistične predstave, ki so poveličevale voditelja in komunistično partijo.
Izjemni igralci, ki so na vse možne načine poskušali ohraniti izvirnost ruskega gledališča, so bili podvrženi hudi represiji očeta sovjetskega ljudstva, med njimi V. Kachalov, N. Cherkasov, I. Moskvin, M. Ermolova. Ista usoda je doletela najbolj nadarjenega režiserja V. Meyerholda, ki je ustvaril svojega dramska šola, ki je bil vredna konkurenca naprednemu Zahodu.
Z razvojem radia se je v ZSSR začela doba rojstva pop glasba. Pesmi, ki so bile predvajane na radiu in posnete na plošče, so postale dostopne širokemu krogu poslušalcev. Množično pesem v Sovjetski zvezi so predstavljala dela D. Šostakoviča, I. Dunajevskega, I. Jurjeva, V. Kozina.
Sovjetska vlada je popolnoma zavrnila jazzovsko smer, ki je bila priljubljena v Evropi in ZDA (zato je bilo v ZSSR prezrto delo L. Utesova, prvega ruskega jazz izvajalca). Namesto tega so bila dobrodošla glasbena dela, ki so poveličevala socialistični sistem in navdihovala narod za delo in podvige v imenu velike revolucije.
Filmska umetnost v ZSSR
Mojstri sovjetske kinematografije tega obdobja so lahko dosegli pomembne višine v razvoju te umetniške oblike. D. Vetrov, G. Aleksandrov, A. Dovženko so veliko prispevali k razvoju kinematografije. Neprekosljive igralke - Lyubov Orlova, Rina Zelenaya, Faina Ranevskaya - so postale simbol sovjetske kinematografije.
Številni filmi, pa tudi druge umetnine so služile propagandnim namenom boljševikov. Ampak še vedno, zahvaljujoč spretnosti igranja, uvajanju zvoka, visokokakovostni kulisi Sovjetski filmi in v našem času vzbujajo pristno občudovanje svojih sodobnikov. Filmi, kot so "Jolly Fellows", "Spring", "Foundling" in "Earth", so postali pravi zaklad sovjetske kinematografije.
Začetek tridesetih let je zaznamoval nastanek najpomembnejših partijskih dokumentov, ki so spodbudili združevanje in razvoj ustvarjalnih sil. Resolucija Centralnega komiteja Komunistične partije z dne 23. aprila 1932 je blagodejno vplivala tudi na glasbeno kulturo.
Rusko združenje proletarskih glasbenikov (Združenje moderna glasba pravzaprav že prej razpadla), so začrtane poti za nadaljnji razvoj realistične glasbe in potrjene demokratične tradicije ruske klasične glasbene umetnosti.
Leta 1932 je bila organizirana zveza Sovjetski skladatelji, ki je postavil temelje za združevanje glasbenikov po metodi socialističnega realizma. Sovjetska glasbena ustvarjalnost je prešla na novo stopnjo.
Pesemska ustvarjalnost dobiva izjemen razmah. Žanr množične pesmi postane laboratorij za nova sredstva melodičnega izražanja, proces »prenove pesmi« pa zajema vse zvrsti glasbe - opero, simfonijo, kantato-oratorij, komorno, instrumentalno. Tematika pesmi je raznolika, prav tako njihove melodije.
Med deli pesemskega žanra so bojne pesmi A. Aleksandrova, pesmi I. Dunaevskega s svojo zvočno radostjo, mladostno energijo, svetlimi besedili (kot je svetovno znana »Pesem o domovini«, »Pesem o Kakhovki«). , »Marš veseljakov«) v tem času še posebej izstopajo fantje«, itd.), izvirne pesmi V. Zakharova, posvečene novemu življenju kolektivne vasi (»Po vasi«, »In kdo. Knows Him", "Seeing Off"), pesmi bratov Pokrass ("If Tomorrow is War", "Cavalry") , M. Blanter ("Katyusha" itd.), S. Kats, K. Listov, B. Mokrousov, V. Solovjov-Sedogo.
Žanr pesmi se je razvil v tesnem sodelovanju med skladatelji in pesniki M. Isakovsky, V. Lebedev-Kumach, V. Gusev, A. Surkov in drugi. Široko priljubljenost sovjetskih pesmi je olajšal pojav zvočnih filmov. Ko so se umaknili s platna, so dolgo preživeli filme, za katere so bili napisani.
Operno gledališče v 30. letih je bilo obogateno z realističnimi deli na sodobne teme, jezikovno dostopnimi, vsebinsko resničnimi, čeprav ne vedno brez pomanjkljivosti (šibka dramaturgija, nepopolna uporaba širokih vokalnih oblik, razviti ansambli).
Opere I. Dzerzhinsky "Tihi Don" in "Vrgin Soil Upturned" sta se odlikovala s svetlim melodičnim začetkom in realistično karakterizacijo likov. Zadnji refren »Od roba do roba« iz pesmi »Tihi Don« je postal ena najbolj priljubljenih priljubljenih pesmi. Opera T. Khrennikova "V nevihto" je polna tudi dramatičnih značilnosti, izvirne melodije in izraznih ljudskih zborov.
Elementi francoske ljudske glasbe so dobili zanimivo interpretacijo v operi D. Kabalevskega "Cola Breugnon", ki jo zaznamuje veliko strokovno znanje in subtilnost glasbenih značilnosti.
Za opero S. Prokofjeva "Semyon Kotko" je bila značilna zavračanje množičnih pesmi in prevlada recitativa.
Različni trendi v delu sovjetskih skladateljev so se začeli v letih 1935-1939. predmet razprav o poteh razvoja operne umetnosti.
Skladatelji, ki so delali v žanru operete, so se obrnili tudi na sodobno temo - I. Dunaevsky, M. Blanter, B. Alexandrov.
V baletnem žanru so realistične težnje predstavljale tako pomembna dela, kot so "Pariški plamen" in "Bahčisarajski vodnjak" B. Asafieva, "Laurencia" A. Cranea ter glasbeno-koreografska tragedija S. Prokofjeva. "Romeo in Julija". Prvi nacionalni baleti so se pojavili v Gruziji, Belorusiji in Ukrajini.
Uspehi v žanru simfonične glasbe so bili povezani tudi s prodorom pesemsko-melodičnega načela, demokratizacijo podob, njihovim napolnjevanjem s specifično življenjsko vsebino, krepitvijo programskih teženj in obračanjem k pesmim in plesnim melodijam ljudstev ZSSR. .
V 30. letih je ustvarjalnost največjih sovjetskih simfonikov starejše generacije cvetela, talenti mladih pa so postali zreli. V simfonični glasbi se krepijo realistične težnje in odsevajo sodobne teme. N. Myaskovsky je v tem obdobju (od 12. do 21.) ustvaril deset simfonij. S. Prokofjev napiše patriotsko kantato "Aleksander Nevski", 2. violinski koncert, simfonična pravljica"Peter in volk", D. Šostakovič - 5. simfonija, veličastna po konceptu in globini vsebine, pa tudi 6. simfonija, klavirski kvintet, kvartet, glasba za film "Števec".
Številna pomembna dela v simfoničnem žanru so bila posvečena zgodovinskim, revolucionarnim in junaškim temam: 2. simfonija D. Kabalevskega, simfonija-kantata Y. Šaporina "Na Kulikovskem polju". A. Khachaturian je dal dragocen prispevek k realistični glasbi (1. simfonija, klavirski in violinski koncerti, balet "Gayane").
Večja simfonična dela so napisali tudi drugi skladatelji, vključno s skladatelji iz sovjetskih narodnih republik.
Uprizoritvene umetnosti so se povzpele v višave. Izjemni vokalisti A. Nezhdanova, A. Pirogov, N. Obukhova, M. Stepanova, I. Patorzhinsky in drugi so prejeli naziv ljudski umetnik ZSSR.
Mladi sovjetski glasbeniki E. Gilels, D. Oistrakh, J. Flier, J. Zak so prejeli prve nagrade na mednarodnih tekmovanjih v Varšavi, na Dunaju in v Bruslju. Imena G. Ulanova, M. Semenova, 0. Lepeshinskaya, V. Chabukiani so postala ponos sovjetske in svetovne koreografske umetnosti.
Nastale so velike državne izvajalske skupine - Državni simfonični orkester, Državni plesni ansambel, Državni zbor ZSSR.
Ko se seznanite z deli sovjetske likovne umetnosti, takoj opazite, da se zelo razlikuje od prejšnjega obdobja v zgodovini umetnosti. Ta razlika je v tem, da je vsa sovjetska umetnost prežeta s sovjetsko ideologijo in naj bi bila prevodnica vseh idej in odločitev sovjetske države in komunistične partije kot vodilne sile sovjetske družbe. Če so v umetnosti 19. - zgodnjega 20. stoletja umetniki resno kritizirali obstoječo realnost, potem so bila v sovjetskem obdobju takšna dela nesprejemljiva. Rdeča nit skozi vse sovjetsko likovna umetnost je bil pritrjen patos izgradnje socialistične države. Zdaj, 25 let po razpadu ZSSR, se zanimanje gledalcev za sovjetsko umetnost povečuje, še posebej pa postaja zanimiva za mlade. In starejša generacija veliko premišljuje o pretekli zgodovini naše države in se zanima tudi za na videz zelo znana dela Sovjetsko slikarstvo, kiparstvo, arhitektura.
Umetnost obdobja oktobrske revolucije, državljanske vojne in 20-30-ih let.
V prvih letih po revoluciji in med državljansko vojno je imel ogromno vlogo bojni politični plakat. Upravičeno veljajo za klasike plakatne umetnosti. D.S. Moore in V.N. Denis. Moorov plakat "Ste se prijavili za prostovoljstvo?" in zdaj očara z izraznostjo podobe.
Poleg tiskanega plakata so med državljansko vojno nastali ročno risani in šablonski plakati. to "Okna ROSTA", kjer je aktivno sodeloval pesnik V. Majakovski.
Med državljansko vojno je delal monumentalni propagandni načrt, ki ga je sestavil V.I. Lenin, katerega pomen je bila gradnja spomenikov po vsej državi znani ljudje, ki je tako ali drugače prispeval k pripravi in izvedbi socialistične revolucije. Izvajalci tega programa vključujejo predvsem kiparji N.A. Andreev I.D. Shadr.
V dvajsetih letih prejšnjega stoletja je bilo ustanovljeno združenje, ki je imelo pomembno vlogo pri izgradnji nove sovjetske družbe - Rusije" (AHRR) »Društvo umetnikov revolucionarna Rusija(AHRR).
V tridesetih letih je bila ustanovljena enotna Zveza umetnikov ZSSR, ki je združevala vse umetnike, ki so morali pri svojem delu slediti metodi socialističnega realizma. Starejši umetniki (B. Kustodiev, K. Yuon in drugi.) in mlajši so skušali odsevati novo v sovjetski stvarnosti.
V ustvarjalnosti I.I. Brodski Odražala se je zgodovinsko-revolucionarna tema. Ista tema v delu M. Grekova in K. Petrova-Vodkina ima sublimno romantičen značaj.
V teh istih letih se je začel ep "Leniniana" ki je v sovjetskem obdobju ustvaril nešteto del, posvečenih V.I.
Najprej je treba imenovati žanrske slikarje (mojstri vsakdanjega žanra) in portretne slikarje 20-30-ih let. M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky in drugi umetniki.
Na območju pokrajina delali takšni umetniki kot K. Yuon, A. Rylov, V. Baksheev in d r.
Po revoluciji in državljanski vojni je prišlo do hitre gradnje mest, v katerih so se mnogi spomeniki vidnim osebnostim revolucije, stranke in države. Bili so znani kiparji A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva in drugi.
Sovjetska likovna umetnost 1941-1945 in prva povojna leta
Med veliko domovinsko vojno je sovjetska umetnost odločno ovrgla rek, da »ko grmijo puške, muze molčijo«. Ne, v obdobju najbolj krutih in groznih vojn v zgodovini človeštva muze niso molčale. Takoj po zahrbtnem napadu nemških fašistov na Sovjetsko zvezo so čopič, svinčnik in dleto umetnikov postali mogočno orožje v boju proti sovražniku.
Junaški vzpon ljudi, njihova moralna enotnost so postali osnova, na kateri se je med domovinsko vojno dvignila sovjetska umetnost. Bil je prežet z idejami domoljubje. Te ideje so navdihovale plakate, slikarje spodbujale k ustvarjanju slik, ki pripovedujejo o podvigih sovjetskih ljudi, in določale vsebino del v vseh vrstah umetnosti.
Ogromno vlogo so v tem času, tako kot med državljansko vojno, odigrali politični plakati, kjer so umetniki kot npr V.S.Ivanov, V.B.Koretsky in drugi. Za njihova dela je značilna jezna patetika, podobe, ki so jih ustvarili, razkrivajo neomajno voljo ljudi, ki so se postavili v bran domovini.
Ročno risan plakat je med vojno doživel pravi preporod. Po zgledu "Oken RASTI" v letih 1941 - 1945 so nastali številni listi "Windows TASS". Zasmehovali so zavojevalce, razgalili pravo bistvo fašizma in pozivali ljudi k obrambi domovine. Med umetniki, ki delajo v TASS Windows, je treba najprej omeniti Kukriniksov (Kuprijanov, Krilov, Sokolov).
Grafične serije tega časa prepričljivo pripovedujejo o izkušnjah sovjetskih ljudi v vojnih letih. Heartache zaznamuje veličastno serijo risb D.A. Šmarinova "Ne bomo pozabili, ne bomo odpustili!" Resnost življenja v obleganem Leningradu je ujeta v seriji risb A. F. Pakhomov "Leningrad v dneh obleganja."
V vojnih letih je bilo slikarjem težko delati: navsezadnje ustvarjanje končane slike zahteva čas ter ustrezne pogoje in materiale. Kljub temu se je takrat pojavilo veliko slik, ki so bile vključene v zlati sklad sovjetske umetnosti. Slikarji iz ateljeja vojaških umetnikov A. B. Grekova nam pripovedujejo o težkem vojnem vsakdanu, o junaških bojevnikih. Potovali so na fronto in sodelovali v vojaških operacijah.
Vojni umetniki so na svoja platna ujeli vse, kar so sami videli in doživeli. Med njimi P.A. Krivonogov, avtor slike "Zmaga", B.M. Nemensky in njegov slika "Mati", kmečka ženska, ki je v svoji koči dala zatočišče vojakom, ki so v težkem času za domovino veliko trpeli.
V teh letih so nastala platna velike umetniške vrednosti A.A.Deineka, A.A.Plastov, Kukryniksy. Njihove slike, posvečene junaškim podvigom sovjetskih ljudi na fronti in v zaledju, so prežete z iskrenim navdušenjem. Umetniki uveljavljajo moralno premoč sovjetskih ljudi nad surovo silo fašizma. To dokazuje humanizem ljudi, njihovo vero v ideale pravičnosti in dobrote. Zgodovinske slike, ustvarjene med vojno, vključno s ciklom slike E. E. Lansereja "Trofeje ruskega orožja"(1942), triptih P. D. Korina "Aleksander Nevski", platno A. P. Bubnova "Jutro na Kulikovem polju".
Povedala nam je veliko o ljudeh med vojno in portretiranje. V tej zvrsti je bilo ustvarjenih veliko del, ki jih odlikuje izjemna umetniška vrednost.
Portretna galerija iz obdobja domovinske vojne je bila dopolnjena s številnimi kiparskimi deli. Ljudje neomajne volje, pogumnih značajev, zaznamovani s svetlobo individualne razlike, predstavljeno v kiparskih portretih S.D.Lebedeva, N.V.Tomsky, V.I.Vuchetich.
Med domovinsko vojno je sovjetska umetnost častno izpolnila svojo domovinsko dolžnost. Umetniki so zmagali po globokih izkušnjah, ki so v prvih povojnih letih omogočile ustvarjanje del s kompleksno in večplastno vsebino.
V drugi polovici 40. in 50. let prejšnjega stoletja je bila umetnost obogatena z novimi temami in podobami. Njene glavne naloge v tem obdobju so bile odsev uspehov povojne gradnje, vzgoja morale in komunističnih idealov.
Razcvet umetnosti v povojnih letih je močno prispevala dejavnost Akademije umetnosti ZSSR, ki je vključevala najpomembnejše mojstre.
Art povojnih letih Obstajajo tudi druge značilnosti, ki se nanašajo predvsem na njegovo vsebino. V teh letih se je zanimanje umetnikov za notranji svet človeka okrepilo. Od tod tudi pozornost, ki jo slikarji, kiparji in grafiki posvečajo portretom in žanrskim kompozicijam, ki jim omogočajo, da si predstavljajo ljudi v najrazličnejših življenjskih situacijah in pokažejo izvirnost njihovih značajev in izkušenj. Od tod posebna človečnost in toplina številnih del, posvečenih življenju in vsakdanjemu življenju sovjetskih ljudi.
Seveda so umetniki v tem času še naprej zaskrbljeni zaradi dogodkov nedavne vojne. Vedno znova se obračajo na podvige ljudi, na težke izkušnje sovjetskih ljudi v težkih časih. Takšne slike teh let so znane kot "Mashenka" B. Nemenskega, "Pismo s fronte" A. Laktionova, "Počitek po bitki" Yu, "Vrnitev" V. Kostetskega in mnogi drugi.
Platna teh umetnikov so zanimiva, ker se tematika vojne obravnava v vsakdanjem žanru: slikajo prizore iz življenja sovjetskih ljudi v vojni in na domači fronti, govorijo o njihovem trpljenju, pogumu in junaštvu.
Omeniti velja, da so v tem obdobju v vsakdanjem žanru pogosto nastajale tudi slike zgodovinske vsebine. postopoma mirno življenje sovjetskega ljudstva, ki je nadomestilo težke preizkušnje vojnih let, dobiva vse bolj popolno in zrelo utelešenje v delih mnogih umetnikov. Pojavi se veliko število žanr slike (tj. slike vsakdanjega žanra), presenetljive v raznolikosti tem in zapletov. To je življenje sovjetske družine s svojimi preprostimi radostmi in žalostmi ( "Spet dvojka!" F. Rešetnikova), to je težko delo v tovarnah in tovarnah, na kolektivnih kmetijah in državnih kmetijah ( "Kruh" T. Yablonskaya, "Na mirnih poljih" A. Mylnikova). To je življenje sovjetske mladine, razvoj deviških dežel itd. Še posebej pomemben prispevek k žanrsko slikarstvo umetniki naredili v tem obdobju A. Plastov, S. Čujkov, T. Salakhov in drugi.
Portretiranje se je v teh letih še naprej uspešno razvijalo – to P. Korin, V. Efanov in drugi umetniki. Na območju krajinsko slikarstvo v tem obdobju poleg najstarejši umetniki, vključno z M. Saryan, delo R. Nissky, N. Romadin in drugi.
V naslednjih letih se je vizualna umetnost sovjetskega obdobja še naprej razvijala v isti smeri.