Εισαγωγή

Η μοίρα της αγγλικής μουσικής αποδείχθηκε περίπλοκη και παράδοξη. Από τον 15ο αιώνα έως τα τέλη του 17ου αιώνα, την εποχή της συγκρότησης και της άνθησης της αγγλικής κλασικής μουσικής παράδοσης, η ανάπτυξή της ήταν συνεχής. Η διαδικασία αυτή προχώρησε εντατικά χάρη στην εξάρτηση από τη λαογραφία, η οποία καθορίστηκε νωρίτερα από άλλες σχολές σύνθεσης, καθώς και λόγω της διαμόρφωσης και διατήρησης μοναδικών, εθνικά διακριτικών ειδών (ύμνος, μάσκα, ημι-όπερα). Αρχαία αγγλική μουσική ευρωπαϊκή τέχνησημαντικές παρορμήσεις, συμπεριλαμβανομένης της πολυφωνίας, των μεταβλητών-παραστατικών αρχών ανάπτυξης, της ορχηστρικής σουίτας. Ταυτόχρονα διαθλούσε τα ερεθίσματα που έρχονταν από έξω με πρωτότυπο τρόπο.

Τον 17ο αιώνα έλαβαν χώρα γεγονότα που έδωσαν ισχυρά πλήγματα στην αγγλική μουσική κουλτούρα. Αυτός είναι, πρώτον, ο πουριτανισμός, ο οποίος καθιερώθηκε κατά την επανάσταση του 1640-1660, με τη φανατική του επιθυμία να καταργήσει τις προηγούμενες πνευματικές αξίες και τους αρχαίους τύπους και μορφές. κοσμικός πολιτισμός, και δεύτερον, η αποκατάσταση της μοναρχίας (1660), που άλλαξε δραματικά τον γενικό πολιτιστικό προσανατολισμό της χώρας και αύξησε την εξωτερική επιρροή (από τη Γαλλία).

Παραδόξως, παράλληλα με τα εμφανή συμπτώματα της κρίσης, εμφανίζονται φαινόμενα που υποδηλώνουν μεγαλύτερη άνοδο μουσική τέχνη. Σε δύσκολους καιρούς Αγγλική μουσικήχρόνο, εμφανίστηκε ο Henry Purcell (1659-1695), τα έργα του οποίου σημάδεψαν την άνθηση του εθνικού σχολή συνθετών, αν και δεν είχαν άμεσο αντίκτυπο στη δημιουργικότητα των επόμενων γενεών. Ο George Frideric Handel (1685-1759), εργαζόμενος στην Αγγλία, με τα ορατόριο του καθιέρωσε την πρωτοκαθεδρία της χορωδιακής παράδοσης στο φάσμα των ειδών της αγγλικής μουσικής, που την επηρέασαν άμεσα. περαιτέρω ανάπτυξη. Την ίδια περίοδο, η «Όπερα του ζητιάνου» των Gay και Pepusch (1728), η παρωδική φύση της οποίας μαρτυρούσε την έλευση μιας εποχής πολιτιστικής καμπής, έγινε ο πρόγονος πολλών παραδειγμάτων της λεγόμενης όπερας μπαλάντας.

Ήταν μια από τις κορυφές θεατρικές τέχνεςΑγγλία και ταυτόχρονα απόδειξη της ανατροπής της μουσικής τέχνης -πιο συγκεκριμένα, η κίνηση της «πολιτιστικής ενέργειας» της (A. Schweitzer) - από την επαγγελματική στην ερασιτεχνική σφαίρα.

Μια μουσική παράδοση αποτελείται από πολλούς παράγοντες - όπως η σύνθεση, η απόδοση και ο τρόπος της μουσικής ζωής. Ρυθμιζόμενοι από ιδεολογικές, αισθητικές, γενικές καλλιτεχνικές κατευθυντήριες γραμμές, αυτοί οι παράγοντες δεν δρουν πάντα σε μια συντονισμένη ενότητα, συχνά σε ορισμένες ιστορικές συνθήκεςδιαταράσσεται η αλληλεπίδρασή τους. Αυτό μπορεί να επιβεβαιωθεί από την εκατονταετή περίοδο από τα μέσα περίπου του 18ου έως τα μέσα του 19ου αιώνα στην Αγγλία.

Μουσική της Αγγλίας

Το υψηλό επίπεδο ερμηνείας, η ευρεία διάδοση και οι βαθιές ρίζες στην καθημερινή ζωή των διαφόρων μορφών δημιουργίας μουσικής -ορχηστρικό, φωνητικό σύνολο και χορωδιακά- δημιούργησαν στη συνέχεια ευνοϊκό έδαφος για τη φωτεινή, μεγάλης κλίμακας συναυλιακή ζωή του Λονδίνου, η οποία προσέλκυσε τους ηπειρώτες μουσικούς. πρωτεύουσα της αυτοκρατορίας: Chopin, Berlioz, Tchaikovsky, Glazunov... Τον φρέσκο ​​άνεμο της νεωτερικότητας κουβαλούσαν μαζί τους Γερμανοί μουσικοί, των οποίων ο δρόμος προς τα βρετανικά νησιά ήταν ορθάνοιχτος από τη βασιλεία της δυναστείας των Αννόβερων (από το 1714 έως το 1901) - ας θυμηθούμε, για παράδειγμα, τις εβδομαδιαίες συναυλίες των Bach - Abel και τις συναυλίες των Haydn - Zalomon . Έτσι, η Αγγλία συμμετείχε στην εντατική διαδικασία διαμόρφωσης των προκλασικών και κλασικών συμφωνιών, αλλά δεν συνέβαλε δημιουργικά σε αυτήν. Γενικά, εκείνη την περίοδο το υποκατάστημα εθνική δημιουργικότηταστα είδη της όπερας και της συμφωνίας, που είναι σχετικά με την ήπειρο, δεν είχε αναπτυχθεί σε άλλα είδη (για παράδειγμα, στο ορατόριο) το κανάλι μερικές φορές γινόταν ρηχό. Ήταν αυτή η εποχή που έδωσε στην Αγγλία το πλέον μη πειστικό όνομα της «χώρας χωρίς μουσική».

Είναι παράδοξο ότι η «εποχή της σιωπής» συνέβη στη λεγόμενη βικτωριανή εποχή - την περίοδο της βασιλείας της βασίλισσας Βικτώριας (από το 1837 έως το 1901). Το κράτος βρισκόταν στο ζενίθ της δύναμης και της δόξας του. Μια ισχυρή αποικιακή δύναμη, το «εργαστήρι του κόσμου», έδωσε στο έθνος του μια σίγουρη αίσθηση του εαυτού του και την πεποίθηση ότι «είναι προορισμένο να καταλάβει την πρώτη θέση στον κόσμο μέχρι το τέλος των ημερών του» (J. Aldridge). Η βικτωριανή εποχή ήταν η ακμή όλων των τομέων του αγγλικού πολιτισμού: της πεζογραφίας και της ποίησης, του δράματος και του θεάτρου, της ζωγραφικής και της αρχιτεκτονικής, και τέλος της αισθητικής - και μια εποχή αισθητής παρακμής στον τομέα της σύνθεσης.

Ταυτόχρονα, ακριβώς από τα μέσα του 19ου αιώνα, όταν η κρίση της εθνικής σχολής σύνθεσης ήταν ήδη εμφανής, άρχισαν να συσσωρεύονται ορμές ανόδου, που έγιναν εμφανείς στα μέσα του 19ου αιώνα και εκδηλώθηκαν ξεκάθαρα τον εαυτό του μέσα αρχές του 19ου αιώνακαι ΧΧ αιώνες.

Το χορωδιακό κίνημα, ερασιτεχνικό και επαγγελματικό, επεκτάθηκε και μεγάλωσε. Η χορωδιακή παράδοση έγινε αντιληπτή ως πραγματικά εθνική. Οι Άγγλοι δάσκαλοι της ορκίστηκαν πίστη: Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-195).

Αναπτύχθηκε ένα παράλληλο λαογραφικό κίνημα, ηγετική μορφή του οποίου ήταν ο Cecil J. Sharp (1859-1924). Περιλάμβανε μια επιστημονική κατεύθυνση (συλλογή πεδίου, θεωρητική κατανόηση) και μια πρακτική (εισαγωγή στο σχολείο και την καθημερινή ζωή). Αυτό συνοδευόταν από μια κριτική επαναξιολόγηση της ψυχαγωγίας-σαλονικής αφομοίωσης των λαϊκών ειδών και της διείσδυσης του λαϊκού υλικού στη δημιουργικότητα των συνθετών. Όλες αυτές οι πλευρές του φολκλορικού κινήματος αλληλεπιδρούσαν - αλληλοσυμπληρώνοντας η μια την άλλη και μερικές φορές αντικρούοντας η μια την άλλη.

Μέχρι τα μέσα του 19ου αιώνα, όσο περίεργο κι αν φαίνεται εκ πρώτης όψεως, τα ίδια τα αγγλικά τραγούδια σπάνια έβρισκαν τον δρόμο τους σε συλλογές - πολύ λιγότερο συχνά από τραγούδια από τη Σκωτία, την Ουαλία και, ιδιαίτερα, την Ιρλανδία. Όχι χωρίς ειρωνεία, ο Ralph Vaughan Williams έγραψε στο εισαγωγικό δοκίμιο του βιβλίου του μεγαλύτερου λαογράφου της χώρας Cecil Sharp, «English Folk Song»: «Μέχρι τώρα γνωρίζαμε από έγκυρες πηγές ότι η λαϊκή μουσική ήταν «ή κακή ή ιρλανδική».

Το κίνημα για την αναβίωση της αρχαίας μουσικής - Purcell, Bach, Άγγλοι μαδριγαλιστές και παρθενικοί - συνέβαλε στην αφύπνιση του βαθύ ενδιαφέροντος για ερμηνευτές, κατασκευαστές μουσικών οργάνων και επιστήμονες (όπως ο A. Dolmetsch και η οικογένειά του), καθώς και συνθέτες σε

«χρυσή εποχή» της αγγλικής επαγγελματικής σχολής. Η κληρονομιά του 15ου-17ου αιώνα, αναζωογονημένη από την πρακτική άσκηση, υπέροχη κριτική σκέψη, εμφανίστηκε ως εμπνευσμένη δύναμη της εθνικής πρωτότυπης δεξιοτεχνίας.

Οι αναφερόμενες τάσεις, στην αρχή ελάχιστα αισθητές, απέκτησαν σταδιακά δύναμη και, ορμώντας η μία προς την άλλη, τέλος του 19ου αιώνααιώνες έχουν εκραγεί το χώμα. Η ενοποίησή τους σηματοδότησε την αρχή ενός νέου μουσική αναβίωσηΑγγλία. Μετά από ένα μεγάλο διάλειμμα, αυτή η χώρα δεν είναι ξεχωριστή δημιουργικές προσωπικότητες, αλλά εισήλθε στον ευρωπαϊκό μουσικό πολιτισμό ως εθνικό σχολείο. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, η ήπειρος μιλούσε για Άγγλους συνθέτες. Ο Μπραμς προέβλεψε ένα ενδιαφέρον μέλλον για την αγγλική μουσική, ο Ρ. Στράους το υποστήριξε στο πρόσωπο του Ε. Έλγκαρ. Η ένταση της εξέλιξής του στο γύρισμα του 19ου και του 20ού αιώνα ήταν μεγάλη.

Η παράδοση του αυστρο-γερμανικού ρομαντισμού βρήκε από καιρό γόνιμο έδαφος στην Αγγλία. Αυτή είναι μια ιστορικά καθορισμένη επιρροή, που ενισχύεται από το σύστημα μουσική παιδείακαι η πρακτική της βελτίωσης των νέων συνθετών στις πόλεις της Γερμανίας, αντικατοπτρίστηκε στο ύφος (κυρίως σε Parry, Standford, Elgar). Οι Άγγλοι μουσικοί κατάλαβαν ότι η επιβεβαίωση της εθνικής ταυτότητας προϋπέθετε την απελευθέρωση από τόσο ισχυρή επιρροή. Ωστόσο, σε αντίθεση με τις διακηρύξεις, στη δημιουργικότητα αυτή η διαδικασία ήταν αργή και δύσκολη, αφού τα ίδια τα κορυφαία είδη - συμπεριλαμβανομένων εννοιολογικών όπως το συμφωνικό ή συμφωνικό ποίημα - βασίζονταν στη γόνιμη εμπειρία της αυστρο-γερμανικής σχολής. Ως εκ τούτου, η έκταση της γερμανικής επιρροής και ο βαθμός στον οποίο ξεπεράστηκε χρησίμευσε ως κριτήριο για την εθνική ταυτότητα και τη σημασία του έργου του συνθέτη. Ενδεικτικές, για παράδειγμα, είναι οι ακόλουθες εκτιμήσεις ενός από τους Άγγλους κριτικούς: «Ενώ η μουσική των Parry και Stanford μιλούσε γερμανικά με αγγλική και ιρλανδική προφορά... Η μουσική του Elgar μιλούσε αγγλικά με γερμανική προφορά».

Στις αρχές του αιώνα, στη Βρετανία, όπως και σε ολόκληρη την Ευρώπη, υπήρχε η επιθυμία να δημιουργηθεί μια μουσική γλώσσα που θα ανταποκρίνεται στη σύγχρονη αισθητική. Η «νέα λέξη» ήρθε από τη Γαλλία. Το ενδιαφέρον για την Ανατολή που προέκυψε μεταξύ των Άγγλων μουσικών τους ώθησε να δώσουν προσοχή στα επιτεύγματα του γαλλικού ιμπρεσιονισμού. Αυτό φάνηκε ιδιαίτερα στα έργα των Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) και Gustav Holst. Είναι αλήθεια ότι στους Scott και Bantock ο κόσμος των ανατολίτικων εικόνων και διαθέσεων δεν επηρεάζει τα θεμέλια της σκέψης του συνθέτη. Η εικόνα τους για την Ανατολή είναι συμβατική και στην ενσάρκωσή της δεν είναι δύσκολο να ανιχνευθούν πολλά παραδοσιακά χαρακτηριστικά.

Η εφαρμογή αυτού του θέματος στο έργο του Holst, ο οποίος έλκεται προς την ινδική κουλτούρα, έφτασε σε διαφορετικό επίπεδο. Αναζήτησε να βρει μια βαθύτερη, πνευματική επαφή μεταξύ των Δυτικών και ανατολικών πολιτισμών, που είναι γενικά χαρακτηριστικό της τέχνης του 20ού αιώνα. Και πραγματοποίησε αυτή την επιθυμία με τον δικό του τρόπο, όχι συνεπής με αυτό που έκανε ο παλαιότερος σύγχρονος του Debussy. Ταυτόχρονα, οι ανακαλύψεις του ιμπρεσιονισμού, που συνδέονται με μια νέα ιδέα για το μουσικό χώρο, τη χροιά, τη δυναμική, με μια νέα στάση στον ήχο, μπήκαν στην παλέτα των εκφραστικών μέσων που χρησιμοποιούν οι συνθέτες στην Αγγλία - την πατρίδα του «τοπίο και μαρίνα» (C. Nodier).

Παρ' όλες τις επιμέρους στιλιστικές διαφορές, οι Άγγλοι συνθέτες εκείνης της περιόδου ένωσαν την επιθυμία να ενισχύσουν τα λαϊκά-εθνικά θεμέλια της μουσικής τους. Η ανακάλυψη της αγροτικής λαογραφίας και η δημιουργικότητα των δασκάλων της παλιάς αγγλικής σχολής ως δύο αλληλένδετες πηγές ανήκει στους G. Holst και R. Vaughan-Williams. Έκκληση στην κληρονομιά της «χρυσής εποχής» Αγγλική τέχνηήταν ο μόνος δυνατός τρόπος για να αναβιώσει η εθνική παράδοση. Φολκλόρ και παλιοί δάσκαλοι, δημιουργώντας δεσμούς με τη σύγχρονη ευρωπαϊκή μουσική κουλτούρα - η αλληλεπίδραση αυτών των τάσεων στην τέχνη του Holst και του Vaughan Williams έφερε μια πολυαναμενόμενη ανανέωση στην αγγλική μουσική του 20ού αιώνα. Τα θέματα, οι πλοκές και οι εικόνες της αγγλικής πεζογραφίας, ποίησης και δράματος χρησίμευσαν ως σημαντικό στήριγμα στην καθιέρωση των εθνικών ιδεωδών. Για τους μουσικούς, οι αγροτικές μπαλάντες του Robert Burns και τα άθεα ποιήματα του John Milton, οι ποιμενικές ελεγείες του Robert Herrick και τα ποιήματα του John Donne, πλούσια σε παθιασμένη ένταση, αποκτούν έναν σύγχρονο ήχο. ανακαλύφθηκε ξανά Ουίλιαμ Μπλέικ. Όλο και βαθύτερη διορατικότητα εθνικό πολιτισμόέγινε ο πιο σημαντικός παράγονταςη διαμόρφωση και η άνθηση της αγγλικής σχολής σύνθεσης του 20ού αιώνα, η διαμόρφωση του αισθητικού ιδεώδους των συνθετών.

Οι πρώτοι σημαντικοί εκπρόσωποι της νέας αγγλικής μουσικής αναγέννησης ήταν ο Hubert Parry (1848-1918) και ο Charles Stanford (1852-1924). Συνθέτες, μελετητές, ερμηνευτές, μουσικοί και δάσκαλοι, όπως και οι ιδρυτές πολλών εθνικών σχολείων, ήταν εξαιρετικές προσωπικότητες των οποίων το πολύπλευρο έργο στόχευε ανιδιοτελώς στη δημιουργία μιας νέας εθνικής σχολής σύνθεσης, ικανής να αναβιώσει την παράδοση του ένδοξου παρελθόντος της αγγλικής μουσικής . Εξυπηρετήθηκαν οι δικές τους κοινωνικές και δημιουργικές δραστηριότητες υψηλό παράδειγμαγια σύγχρονους και για Άγγλους συνθέτες των επόμενων, νεότερων γενεών.

Ο σχηματισμός μιας νέας αγγλικής σχολής σύνθεσης έλαβε χώρα κατά τη μακρόχρονη βασιλεία (1837-1901) της βασίλισσας Βικτώριας. Κατά τη διάρκεια αυτής της εποχής, διάφοροι τομείς του αγγλικού πολιτισμού αναπτύχθηκαν πλήρως. Η μεγάλη εθνική λογοτεχνική παράδοση ήταν ιδιαίτερα πλούσια και γόνιμη Εάν ο Πάρυ και ο Στάνφορντ συνδέονται στενά, σχετικά, με την πρωτοαναγεννησιακή περίοδο της υπό εξέταση εποχής, τότε το όνομα του Έλγκαρ ανοίγει το θέμα. δημιουργική περίοδοςνέα αναβίωση.

Όπως και οι σύγχρονοί της, η αγγλική σχολή σύνθεσης αντιμετώπισε πρώτα απ' όλα τα προβλήματα του ευρωπαϊκού μουσικού ρομαντισμού στο σύνολό της. Και φυσικά, η τέχνη του Βάγκνερ έγινε το επίκεντρό τους. Η ισχυρή επιρροή της μουσικής του Βάγκνερ στην Αγγλία μπορεί να συγκριθεί μόνο με την επιρροή του τότε στη Γαλλία ή με την επιρροή του Χέντελ στην Αγγλία τον 18ο αιώνα.

Ήδη στις αρχές του αιώνα, Άγγλοι συνθέτες έκαναν επίμονες προσπάθειες να ξεφύγουν από την επιρροή των γερμανικών κλασικών-ρομαντικών παραδόσεων, που είχαν ριζώσει τόσο βαθιά στο αγγλικό έδαφος. Ας θυμηθούμε ότι ο Parry ήθελε να δημιουργήσει - σε αντίθεση με του Mendelssohn - μια εθνική ποικιλία φιλοσοφικού ορατόριου. Ένα σημαντικό επίτευγμα ήταν η τριλογία των μικρών καντάτων του Έλγκαρ, The Spirit of England (1917).

Ο πρώτος αληθινός συνθέτης που παρήγαγε η Αγγλία μετά τον Purcell ονομάζεται Edward Elgar (1857-1934). Ήταν πολύ στενά συνδεδεμένος με την αγγλική επαρχιακή μουσική κουλτούρα. Επί αρχικά στάδιαΚατά τη διάρκεια της δημιουργικής του ζωής, υπηρέτησε ως συνθέτης και ενορχηστρωτής για την ορχήστρα της πατρίδας του Worcester, έγραψε επίσης για μουσικούς στο Μπέρμιγχαμ και εργάστηκε για τοπικούς χορωδιακούς συλλόγους. Τα πρώτα χορωδιακά τραγούδια και οι καντάτες του συνάδουν με τη μεγάλη αγγλική χορωδιακή παράδοση που εμφανίστηκε στις δεκαετίες του '80 και του '90. XIX αιώνα - δηλαδή ακριβώς όταν ο Έλγκαρ δημιούργησε το πρώιμο χορωδιακά έργα, - στη φάση κορύφωσης. Το ορατόριο του Έλγκαρ The Dream of Gerontius (1900), που έφερε φήμη στην αγγλική μουσική στην ήπειρο, ήταν τόσο σημαντικό επίτευγμα για τον συνθέτη που γενικά αντικατέστησε τον Ηλία του Μέντελσον και έγινε το δεύτερο αγαπημένο ορατόριο του αγγλικού κοινού μετά τους Μεσσίες του Χέντελ.

Η σημασία του Έλγκαρ για την ιστορία της αγγλικής μουσικής καθορίζεται κυρίως από δύο έργα: το ορατόριο «The Dream of Gerontius» (1900, στο ποίημα του J. Newman) και το συμφωνικό «Variations on a Mysterious Theme» («Enigma» - παραλλαγές (Enigma (λατ.) - αίνιγμα. ), 1899), που έγινε η κορυφή του αγγλικού μουσικού ρομαντισμού. Το ορατόριο «The Dream of Gerontius» συνοψίζει όχι μόνο τη μακρά εξέλιξη των ειδών καντάτας-ορατόριο στο έργο του ίδιου του Έλγκαρ (4 ορατόριο, 4 καντάτες, 2 ωδές), αλλά από πολλές απόψεις ολόκληρη την προηγούμενη διαδρομή της αγγλικής χορωδιακής μουσικής . Ένα άλλο σημαντικό χαρακτηριστικό της εθνικής Αναγέννησης αντικατοπτρίστηκε επίσης στο ορατόριο - το ενδιαφέρον για τη λαογραφία. Δεν είναι τυχαίο ότι, αφού άκουσε το «The Dream of Gerontius», ο R. Strauss πρότεινε μια πρόποση «για την ευημερία και την επιτυχία του πρώτου Άγγλου προοδευτικού, του Edward Elgar, του δασκάλου της νεαρής προοδευτικής σχολής Άγγλων συνθετών». Σε αντίθεση με το ορατόριο Enigma, οι παραλλαγές έθεσαν τον πρώτο λίθο στα θεμέλια της εθνικής συμφωνίας, η οποία πριν από τον Έλγκαρ ήταν η πιο ευάλωτη περιοχή της αγγλικής μουσικής κουλτούρας. «Οι παραλλαγές του Enigma δείχνουν ότι στο πρόσωπο του Έλγκαρ η χώρα βρήκε έναν ορχηστρικό συνθέτη πρώτου μεγέθους», έγραψε ένας από τους Άγγλους ερευνητές. Το «μυστήριο» των παραλλαγών είναι ότι τα ονόματα των φίλων του συνθέτη είναι κρυπτογραφημένα σε αυτά, κρυμμένα από τα μάτια και θεματικό τραγούδικύκλος. (Όλα αυτά θυμίζουν τις «Σφίγγες» από το «Καρναβάλι» του R. Schumann.) Ο Έλγκαρ έγραψε επίσης την πρώτη αγγλική συμφωνία (1908).

Το έργο του Έλγκαρ είναι ένα από τα εξαιρετικά φαινόμενα του μουσικού ρομαντισμού. Συνθέτοντας εθνικές και δυτικοευρωπαϊκές, κυρίως αυστρο-γερμανικές επιρροές, φέρει χαρακτηριστικά λυρικο-ψυχολογικών και επικών κατευθύνσεων. Ο συνθέτης χρησιμοποιεί ευρέως το σύστημα των leitmotif, στο οποίο είναι ξεκάθαρα αισθητή η επιρροή των R. Wagner και R. Strauss.

Η καθιέρωση νέων θέσεων στην αγγλική μουσική ήρθε σε μια περίοδο καμπής στην πνευματική ζωή της Μεγάλης Βρετανίας. Ήταν χρόνια μεγάλων δοκιμασιών και αλλαγών. Πρώτα Παγκόσμιος πόλεμοςανάγκασε πολλούς καλλιτέχνες αυτής της χώρας, που θεωρούσε τον εαυτό της προπύργιο του απαραβίαστου στην Ευρώπη, να αντιδράσουν με ευαισθησία στις αντιφάσεις της γύρω πραγματικότητας σε πρωτοφανή κλίμακα. Η μεταπολεμική αγγλική μουσική κυριαρχείται από μια φυγόκεντρη ανάγκη να δούμε τον κόσμο με μια ευρεία άποψη. Η νεότερη γενιά ήρθε αποφασιστικά σε επαφή με τις καινοτόμες αναζητήσεις των Ευρωπαίων δασκάλων - Stravinsky, Schoenberg. Οι απαρχές του «Facade» του William Walton (1902-1983) είναι συνθετικές ιδέες που αντλήθηκαν από το «Pierrot Lunaire» του Schoenberg, αλλά η βάση του ύφους του έργου είναι ο αντιρομαντισμός που διακηρύχθηκε από τον Stravinsky και τους γαλλικούς «Six». Ο Constant Lambert (1905-1951) εξέπληξε τους συμπατριώτες του ξεκινώντας να εργάζεται στο είδος του μπαλέτου από τα πρώτα κιόλας βήματα στη δημιουργική του διαδρομή, οι παραδόσεις του οποίου διακόπηκαν στην Αγγλία στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα. Στην πραγματικότητα, είναι πολύ φυσικό ότι ο συνθέτης προσελκύθηκε από αυτό το είδος, το οποίο στην Ευρώπη στη δεκαετία του 20 του 20ού αιώνα είχε γίνει σύμβολο της σύγχρονης καλλιτεχνικής αναζήτησης. Το μπαλέτο του Lambert Romeo and Juliet (1925) ήταν ένα είδος απάντησης στην Pulcinella του Στραβίνσκι. Ταυτόχρονα, με την άλλη του σύνθεση - Elegiac Blues για μικρή ορχήστρα (1927) - ο Lambert ανταποκρίθηκε στην τζαζ που κατέπληξε τους Ευρωπαίους. Ο Άλαν Μπους (1900-1995) συνέδεσε τις δραστηριότητές του με τη δημιουργική θέση του Άισλερ και το εργατικό κίνημα, όχι μόνο υιοθέτησε τις αντίστοιχες κοινωνικοπολιτικές και φιλοσοφικές ιδέες, αλλά ανέπτυξε και τη συνθετική του τεχνική, στηριζόμενος στην εμπειρία της Νέας Σχολής της Βιέννης. διαθλάται από τον Eisler.

Στο πρώτο μισό της δεκαετίας του '30, προσδιορίστηκε οριστικά η αλλαγή γενεών συνθετών, που είχε προκύψει την προηγούμενη δεκαετία. Το 1934, η Αγγλία έχασε τρεις μεγάλους κυρίους - Έλγκαρ, Ντίλιους, Χολστ. Από αυτούς μόνο ο Χολστ εργάστηκε ενεργά μέχρι τις τελευταίες του μέρες. Ο Έλγκαρ, μετά από μια δεκαετία σιωπής, ήρθε στη ζωή για δημιουργικότητα μόνο στις αρχές της δεκαετίας του '30. Ταυτόχρονα, χτυπημένος από μια σοβαρή ασθένεια και τύφλωση, ο Ντίλιους, που ζούσε στη Γαλλία, εμπνεύστηκε από την απροσδόκητη επιτυχία της μουσικής του στην πατρίδα του, στο Λονδίνο, όπου πραγματοποιήθηκε το φεστιβάλ του συγγραφέα του το 1929, και σε ένα κύμα δύναμη υπαγόρευσε τα τελευταία του έργα.

Στα τέλη της δεκαετίας του '30, η νέα γενιά εισέρχεται σε μια εποχή δημιουργικής ωριμότητας. Ο χρόνος του πειραματισμού μένει πίσω, τα κύρια ενδιαφέροντα καθορίζονται, η δημιουργικότητα ορμάει στο ρεύμα των καθιερωμένων παραδόσεων, εμφανίζεται η μαεστρία και η αυστηρότητα σε σχέση με τις ιδέες κάποιου. Έτσι, ο William Walton γράφει ένα μνημειώδες βιβλικό ορατόριο («Belshazzar’s Feast», 1931) και το ακολουθεί με μεγάλα ορχηστρικά έργα (Πρώτη Συμφωνία, 1934· Κοντσέρτο για βιολί, 1939). Ο Michael Tippett (γεν. 1905) απορρίπτει τα προηγούμενα έργα του. νέα έργα στο είδος δωματίου (Πρώτη Σονάτα για πιάνο, 1937) και συναυλιακά ορχηστρικά έργα (Κοντσέρτο για διπλό ορχήστρα εγχόρδων 1939; Fantasia on a Theme του Handel για πιάνο και ορχήστρα, 1941) δηλώνει ότι είναι η αρχή του δημιουργικού του ταξιδιού, το πρώτο επιστέγασμα του οποίου ήταν το ορατόριο «Child of Our Time» (1941). Εκείνα τα χρόνια, ο Lambert (η μάσκα «The Last Will and Testament of Summer» για σολίστ, χορωδία και ορχήστρα, 1936), Berkeley (First Symphony, 1940), Bush (First Symphony, 1940) δούλευαν σε συνθέσεις μεγάλης κλίμακας στο εκείνα τα χρόνια.

Ανάμεσα στα πολλά φωτεινά και πρωτότυπα καλλιτεχνικά άτομα με τα οποία είναι πλούσια η αγγλική σχολή συνθετών του 20ού αιώνα, ξεχωρίζει ο Μπέντζαμιν Μπρίτεν. Ήταν αυτός που έμελλε να βρει στο έργο του μια αρμονική αλληλεπίδραση πολυκατευθυντικών (και για την προηγούμενη γενιά Άγγλων συνθετών, σχεδόν αμοιβαία αποκλειστικών) τάσεων - την ενσάρκωση των ιδεών της νεωτερικότητας και την εφαρμογή της πρωτοτυπίας της εθνικής τέχνης.

φωνητικό σύνολο britten μουσικής

Το 1904, ο Γερμανός κριτικός Oscar Adolf Hermann Schmitz δημοσίευσε ένα βιβλίο για τη Μεγάλη Βρετανία, αποκαλώντας το (τόσο το βιβλίο όσο και την ίδια τη χώρα) «Η χώρα χωρίς μουσική» (Das Land Ohne Musik). Ίσως να είχε δίκιο. Μετά τον θάνατο του Χέντελ το 1759, η Βρετανία συνέβαλε αμελητέα στην ανάπτυξη της κλασικής μουσικής. Είναι αλήθεια ότι ο Schmitz έκανε την καταδίκη του σε λάθος στιγμή: ο 20ός αιώνας γνώρισε μια αναβίωση της βρετανικής μουσικής, η οποία εκδηλώθηκε με τη διαμόρφωση ενός νέου εθνικού στυλ. Αυτή η εποχή έδωσε επίσης στον κόσμο τέσσερις μεγάλους Βρετανούς συνθέτες.

Έντουαρντ Έλγκαρ

Δεν σπούδασε επίσημα την τέχνη της σύνθεσης πουθενά, αλλά κατάφερε από έναν ταπεινό μαέστρο του Worcester και bandmaster του ψυχιατρικού νοσοκομείου Worcester να γίνει ο πρώτος Βρετανός συνθέτης σε διακόσια χρόνια που πέτυχε διεθνή αναγνώριση. Αφού πέρασε τα παιδικά του χρόνια στο κατάστημα του πατέρα του στον κεντρικό δρόμο του Worcestershire, περιτριγυρισμένος από παρτιτούρες, μουσικά όργανα και βιβλία μουσικής, ο νεαρός Έλγκαρ σπούδασε ανεξάρτητα. θεωρία μουσικής. Σε ζεστό καιρό καλοκαιρινές μέρεςάρχισε να παίρνει μαζί του χειρόγραφα εκτός πόλης για σπουδές (από πέντε ετών εθίστηκε στο ποδήλατο). Έτσι, γι' αυτόν τέθηκε η αρχή μιας ισχυρής σχέσης μουσικής και φύσης. Αργότερα θα πει: «Η μουσική, είναι στον αέρα, η μουσική είναι γύρω μας, ο κόσμος είναι γεμάτος από αυτήν και μπορείς να πάρεις ό,τι χρειάζεσαι». Σε ηλικία 22 ετών, δέχτηκε μια θέση ως bandmaster στο Worcester Mental Hospital for the Poor στο Pawick, τρία μίλια νοτιοδυτικά του Worcester, ένα προοδευτικό ίδρυμα που πίστευε στη θεραπευτική δύναμη της μουσικής. Το πρώτο του σημαντικό ορχηστρικό έργο, «Variations on a Mysterious Theme» (Enigma Variations, 1899), του έφερε φήμη - μυστηριώδες γιατί καθεμία από τις δεκατέσσερις παραλλαγές γράφτηκε σε ένα μοναδικό θέμα που κανείς δεν είχε ακούσει ποτέ. Το μεγαλείο του Έλγκαρ (ή η αγγλικότητά του, όπως λένε κάποιοι) βρίσκεται στη χρήση τολμηρών μελωδικών θεμάτων που μεταδίδουν μια διάθεση νοσταλγικής μελαγχολίας. Του καλύτερο δοκίμιοπου ονομάζεται ορατόριο «Το όνειρο του Γερόντιου» (1900), και η First March of the Pomp and Circumstance March No. 1, 1901, γνωστή και ως «Η Χώρα της Ελπίδας και της Δόξας», προκαλεί πάντα μεγάλη χαρά στους ακροατές στις ετήσιες «συναυλίες περιπάτου».

Elgar - The Dream of Gerontius

Γκούσταβ Χολστ

Σουηδός γεννημένος στην Αγγλία, ο Holst ήταν ένας εξαιρετικά εξαιρετικός συνθέτης. Άριστος στην ενορχήστρωση, στη δουλειά του βασίστηκε σε τέτοια διαφορετικές παραδόσειςόπως τα αγγλικά παραδοσιακά τραγούδιακαι μαδριγάλοι, ο ινδουιστικός μυστικισμός και η πρωτοπορία του Στραβίνσκι και του Σένμπεργκ. Ενδιαφερόταν επίσης για την αστρολογία και η μελέτη της ενέπνευσε τον Holst να δημιουργήσει το πιο διάσημο (αν και όχι το καλύτερο) έργο του, τη συμφωνική σουίτα επτά κινήσεων (The Planets, 1914-1916).

Γκούσταβ Χολστ. "Πλανήτες. Αφροδίτη"

Ραλφ Βον Γουίλιαμς

Ο Ralph Vaughan Williams θεωρείται ο πιο Άγγλος από τους Βρετανούς συνθέτες. Απέρριψε τις ξένες επιρροές, εμποτίζοντας τη μουσική του με τη διάθεση και τους ρυθμούς της εθνικής λαογραφίας και το έργο Άγγλων συνθετών του 16ου αιώνα. Ο Βον Γουίλιαμς είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες του πρώτου μισού του 20ού αιώνα, ο οποίος έπαιξε σημαντικό ρόλο στην αναβίωση του ενδιαφέροντος για τη βρετανική ακαδημαϊκή μουσική. Η κληρονομιά του είναι πολύ εκτεταμένη: έξι όπερες, τρία μπαλέτα, εννέα συμφωνίες, καντάτες και ορατόριο, έργα για πιάνο, οργανικά σύνολα και σύνολα δωματίου, διασκευές παραδοσιακά τραγούδιακαι πολλά άλλα έργα. Στο έργο του, εμπνεύστηκε από τις παραδόσεις των Άγγλων δασκάλων του 16ου-17ου αιώνα (αναβίωσε το είδος της αγγλικής μάσκας) και τη λαϊκή μουσική. Τα έργα του Ουίλιαμς διακρίνονται για το σχέδιο μεγάλης κλίμακας, τη μελωδικότητα, την αριστοτεχνική φωνητική απόδοση και την πρωτότυπη ενορχήστρωση. Ο Vaughan Williams είναι ένας από τους ιδρυτές της νέας αγγλικής σχολής συνθετών - της λεγόμενης «αγγλικής μουσικής αναγέννησης». Ο Βον Γουίλιαμς είναι περισσότερο γνωστός ως συγγραφέας του A Sea Symphony (1910). "A London Symphony" (1913)και το απολαυστικό ρομάντζο για βιολί και ορχήστρα «(The Lark Ascending, 1914).

Βον Γουίλιαμς. "Συμφωνία του Λονδίνου"

Μπέντζαμιν Μπρίτεν

Ο Μπρίτεν ήταν, και παραμένει μέχρι σήμερα, ο τελευταίος μεγάλος Βρετανός συνθέτης. Η δεξιοτεχνία και η εφευρετικότητά του, ιδιαίτερα ως συνθέτης φωνητικών, του έφεραν διεθνή αναγνώριση συγκρίσιμη με αυτή του Έλγκαρ. Ανάμεσά του καλύτερα έργαόπερα Peter Grimes (1945), ορχηστρικό έργο "The Young Person's Guide to the Orchestra, 1946)και ένα μεγάλο ορχηστρικό και χορωδιακό έργο «War Requiem» (War Requiem, 1961) βασισμένο σε ποιήματα του Wilfred Owen. Ένα από τα κύρια θέματα του έργου του Britten - διαμαρτυρία ενάντια στη βία, τον πόλεμο, την επιβεβαίωση της αξίας του εύθραυστου και απροστάτευτου ανθρώπινου κόσμου - έλαβε την υψηλότερη έκφρασή του στο "War Requiem" (1961). Ο Britten μίλησε για το τι τον οδήγησε στο War Requiem: «Σκέφτηκα πολύ τους φίλους μου που πέθαναν στους δύο παγκόσμιους πολέμους. Δεν θα ισχυριστώ ότι αυτό το δοκίμιο είναι γραμμένο σε ηρωικούς τόνους. Υπάρχει πολλή λύπη για το τρομερό παρελθόν. Αλλά γι' αυτό ακριβώς το Requiem απευθύνεται στο μέλλον. Βλέποντας παραδείγματα του τρομερού παρελθόντος, πρέπει να αποτρέψουμε τέτοιες καταστροφές όπως οι πόλεμοι». Ο Μπρίτεν δεν ήταν μεγάλος θαυμαστής του «αγγλικού παραδοσιακού» χαρακτηριστικό των συνθετών της προηγούμενης γενιάς, αν και διασκεύαζε λαϊκά τραγούδια για τον συνεργάτη του, τον τενόρο Peter Pears. Ούτε μέσα πρώτα χρόνια, ούτε στα μεταγενέστερα στάδια της δημιουργικής του εξέλιξης ο Britten έθεσε στον εαυτό του καθήκον να πρωτοπορήσει νέες τεχνικές τεχνικές σύνθεσης ή θεωρητικές αιτιολογήσεις για το ατομικό του στυλ. Σε αντίθεση με πολλούς από τους συνομηλίκους του, ο Britten δεν παρασύρθηκε ποτέ από την αναζήτηση του «νεότερου», ούτε προσπάθησε να βρει υποστήριξη στις καθιερωμένες τεχνικές σύνθεσης που κληρονόμησε από τους δασκάλους των προηγούμενων γενεών. Καθοδηγείται, πρώτα απ' όλα, από την ελεύθερη φυγή της φαντασίας, τη φαντασία, τη ρεαλιστική σκοπιμότητα και όχι από το να ανήκει σε μια από τις πολλές «σχολές» του αιώνα μας. Η Μπρίτεν εκτιμούσε τη δημιουργική ειλικρίνεια περισσότερο από το σχολαστικό δόγμα, όσο υπερσύγχρονο κι αν ήταν ντυμένο. Άφησε όλους τους ανέμους της εποχής να εισχωρήσουν μέσα του δημιουργικό εργαστήριο, διεισδύστε, αλλά μην το πετάξετε.

Britten. «Οδηγός Νέων για την Ορχήστρα»

Από τότε που ο Britten κηδεύτηκε στο Aldborough του Suffolk το 1976, η βρετανική κλασική μουσική αγωνίστηκε να διατηρήσει τη λαμπρή φήμη της. Ο John Taverner, άμεσος απόγονος του συνθέτη του 16ου αιώνα John Taverner, και ο Peter Maxwell Davies δημιουργούν έργα που έτυχαν ευνοϊκής υποδοχής από τους κριτικούς, αλλά τίποτα πραγματικά εξαιρετικό δεν έχει εμφανιστεί ακόμη. Η κλασική μουσική καταλαμβάνει μια συγκεκριμένη θέση στη βρετανική κουλτούρα, αλλά ίσως όχι τόσο μεγάλη όσο θα ήθελαν οι θαυμαστές της. Εμφανίζεται σε τηλεοπτικές διαφημίσεις και σε διάφορα αθλητικά γεγονότα, και οι απλοί Βρετανοί μπορεί κάλλιστα να παρακολουθήσουν την τελευταία βραδιά των «προμήθειας» στην τηλεόραση (αν δεν υπάρχει τίποτα άλλο ενδιαφέρον), αλλά στην πραγματικότητα κλασσική μουσικήακούγεται από ένα πολύ μικρό μέρος του έθνους, κυρίως της μεσαίας τάξης. Αξιοσέβαστη μουσική για αξιοσέβαστους ανθρώπους.

Υλικά που χρησιμοποιούνται από τον ιστότοπο: london.ru/velikobritaniya/muzika-v-velik obritanii

Πώς θα ήταν η ζωή μας χωρίς μουσική; Για πολλά χρόνια, οι άνθρωποι έκαναν στον εαυτό τους αυτή την ερώτηση και καταλήγουν στο συμπέρασμα ότι χωρίς τους όμορφους ήχους της μουσικής, ο κόσμος θα ήταν ένα πολύ διαφορετικό μέρος. Η μουσική μας βοηθά να νιώθουμε πιο ολοκληρωμένα τη χαρά, να βρούμε τον εσωτερικό μας εαυτό και να αντιμετωπίσουμε τις δυσκολίες. Οι συνθέτες, δουλεύοντας πάνω στα έργα τους, εμπνεύστηκαν από διάφορα πράγματα: αγάπη, φύση, πόλεμος, ευτυχία, λύπη και πολλά άλλα. Μερικές από τις μουσικές συνθέσεις που δημιούργησαν θα μείνουν για πάντα στις καρδιές και τις μνήμες των ανθρώπων. Εδώ είναι μια λίστα με τα δέκα μεγαλύτερα και ταλαντούχους συνθέτεςόλο αυτό το διάστημα. Κάτω από κάθε συνθέτη θα βρείτε έναν σύνδεσμο προς ένα από τα πιο διάσημα έργα του.

10 ΦΩΤΟ (ΒΙΝΤΕΟ)

Ο Franz Peter Schubert ήταν ένας Αυστριακός συνθέτης που έζησε μόνο 32 χρόνια, αλλά η μουσική του θα παραμείνει ζωντανή για πολύ καιρό. Ο Σούμπερτ έγραψε εννέα συμφωνίες, περίπου 600 φωνητικές συνθέσεις και ένας μεγάλος αριθμός απόμουσική δωματίου και σόλο πιάνο.

"Βραδυνή Σερενάτα"

Γερμανός συνθέτης και πιανίστας, συγγραφέας δύο σερενάδων, τεσσάρων συμφωνιών, καθώς και συναυλιών για βιολί, πιάνο και τσέλο. Έπαιξε σε συναυλίες από την ηλικία των δέκα ετών, εμφανίζοντας για πρώτη φορά με σόλο συναυλίασε ηλικία 14 ετών. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, κέρδισε δημοτικότητα κυρίως λόγω των βαλς και των ουγγρικών χορών που έγραψε.

«Ουγγρικός χορός Νο 5».

Ο George Frideric Handel ήταν Γερμανός και Άγγλος συνθέτης της εποχής του Μπαρόκ και έγραψε περίπου 40 όπερες, πολλές οργανικές συναυλίες και μουσική δωματίου. Η μουσική του Χέντελ ακούγεται στις στέψεις των Άγγλων βασιλιάδων από το 973, ακούγεται επίσης σε βασιλικές γαμήλιες τελετές και χρησιμοποιείται ακόμη και ως ύμνος του UEFA Champions League (με μια μικρή διασκευή).

"Μουσική στο νερό"

Ο Joseph Haydn είναι ένας διάσημος και παραγωγικός Αυστριακός συνθέτης της κλασικής εποχής, αποκαλείται ο πατέρας της συμφωνίας, καθώς συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη αυτού του μουσικού είδους. Ο Joseph Haydn είναι συγγραφέας 104 συμφωνιών, 50 σονάτες για πιάνο, 24 όπερες και 36 κοντσέρτα

«Συμφωνία Νο 45».

Ο Pyotr Ilyich Tchaikovsky είναι ο πιο διάσημος Ρώσος συνθέτης, συγγραφέας περισσότερων από 80 έργων, συμπεριλαμβανομένων 10 όπερων, 3 μπαλέτων και 7 συμφωνιών. Ήταν πολύ δημοφιλής και γνωστός ως συνθέτης κατά τη διάρκεια της ζωής του και έπαιζε στη Ρωσία και στο εξωτερικό ως μαέστρος.

«Βαλς των Λουλουδιών» από το μπαλέτο «Ο Καρυοθραύστης».

Ο Frédéric François Chopin είναι Πολωνός συνθέτης που θεωρείται επίσης ένας από τους οι καλύτεροι πιανίστεςόλων των εποχών. Έγραψε πολλά μουσικά έργαγια πιάνο, συμπεριλαμβανομένων 3 σονάτες και 17 βαλς.

«Βαλς της βροχής».

Ο Βενετός συνθέτης και βιρτουόζος βιολονίστας Antonio Lucio Vivaldi είναι ο συγγραφέας περισσότερων από 500 κοντσέρτων και 90 όπερων. Είχε τεράστια επιρροή στην ανάπτυξη της ιταλικής και παγκόσμιας τέχνης του βιολιού.

"Τραγούδι των ξωτικών"

Ο Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ είναι ένας Αυστριακός συνθέτης που κατέπληξε τον κόσμο με το ταλέντο του από την παιδική του ηλικία. Ήδη σε ηλικία πέντε ετών, ο Μότσαρτ συνέθετε μικρά έργα. Συνολικά έγραψε 626 έργα, μεταξύ των οποίων 50 συμφωνίες και 55 κοντσέρτα. 9.Μπετόβεν 10.Μπαχ

Γιόχαν Σεμπάστιαν Μπαχ - Γερμανός συνθέτηςκαι οργανίστας της εποχής του μπαρόκ, γνωστός ως δεξιοτέχνης της πολυφωνίας. Είναι συγγραφέας περισσότερων από 1000 έργων, τα οποία περιλαμβάνουν σχεδόν όλα τα σημαντικά είδη εκείνης της εποχής.

"Μουσικό αστείο"

Ο B. Britten είναι ένας από τους σημαντικότερους συνθέτες του 20ου αιώνα. Η δουλειά του αντιπροσωπεύει σχεδόν όλα τα μουσικά είδη: από κομμάτια για πιάνο και φωνητικά μέχρι όπερα.

Στην πραγματικότητα αναβίωσε την αγγλική μουσική, η οποία, μετά τον θάνατο του Χέντελ, δεν είχε συνθέτη τέτοιου μεγέθους για σχεδόν διακόσια χρόνια.

Βιογραφία

Αρχική περίοδος δημιουργικότητας

Έντουαρντ Μπέντζαμιν Μπρίτεν, Βρετανός συνθέτης, μαέστρος και πιανίστας , γεννήθηκε το 1913 στο Lowestoft (Suffolk) στην οικογένεια ενός οδοντιάτρου. Μουσική ικανότηταεκδηλώθηκε νωρίς: σε ηλικία 6 ετών, άρχισε ήδη να συνθέτει μουσική. Η πρώτη του δασκάλα πιάνου ήταν η μητέρα του και μετά το αγόρι έμαθε να παίζει βιόλα.

Βασιλικό Κολλέγιο Μουσικής

Στο Βασιλικό μουσικό κολέγιοστο Λονδίνο σπούδασε πιάνο, σπουδάζοντας και σύνθεση. Του πρώιμα έργατράβηξε αμέσως την προσοχή μουσικός κόσμος– αυτές ήταν ο «Ύμνος στην Παναγία» και οι χορωδιακές παραλλαγές «Το παιδί γεννιέται». Ο Μπρίτεν είναι καλεσμένος σε μια εταιρεία ντοκιμαντέρ με την οποία συνεργάζεται για 5 χρόνια. Θεωρεί αυτή την περίοδο ένα καλό σχολείο, όπου έπρεπε να μάθει πολλά και να συνθέσει ακόμα κι όταν φεύγει η έμπνευση και μένει μόνο η ευσυνείδητη δουλειά.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, εργάστηκε επίσης στο ραδιόφωνο: έγραψε μουσική για ραδιοφωνικές εκπομπές και στη συνέχεια ξεκίνησε συναυλιακές δραστηριότητες.

περίοδος Β' Παγκοσμίου Πολέμου

Στη δεκαετία του 1930, ήταν ήδη συνθέτης του οποίου τα έργα κέρδισαν παγκόσμια φήμη: η μουσική του ακούστηκε στην Ιταλία, την Ισπανία, την Αυστρία και τις ΗΠΑ, αλλά ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος ξεκίνησε και ο Britten άφησε την Αγγλία, πηγαίνοντας στις ΗΠΑ και τον Καναδά. Ο συνθέτης επέστρεψε στην πατρίδα του μόλις το 1942. Οι παραστάσεις του σε όλη τη χώρα άρχισαν αμέσως: σε μικρά χωριά, καταφύγια βομβών, νοσοκομεία, ακόμη και σε φυλακές. Και όταν τελείωσε ο πόλεμος, επισκέφτηκε αμέσως τη Γερμανία, το Βέλγιο, την Ολλανδία, την Ελβετία και τις Σκανδιναβικές χώρες με συναυλίες.

Μεταπολεμική δημιουργικότητα

Το 1948 οργάνωσε την Ετήσια Διεθνή μουσικό φεστιβάλ, στον οποίο αφιερώνει πολύ χρόνο, κόπο και χρήμα. Στο πρώτο φεστιβάλ το 1948 παίχτηκε η καντάτα του «Άγιος Νικόλαος».

Στις αρχές της δεκαετίας του 1950, ο Μπρίτεν συμμετείχε στις δραστηριότητες της Οργάνωσης Μουσικών - Υποστηρικτών της Ειρήνης, έγραψε όπερες και το 1956 ταξίδεψε στην Ινδία, την Κεϋλάνη, την Ινδονησία και την Ιαπωνία. Οι εντυπώσεις από το ταξίδι αποτυπώθηκαν στη παρτιτούρα του μπαλέτου «Prince of the Pagodas». Αυτό το παραμυθένιο μπαλέτο γίνεται το πρώτο εθνικό «μεγάλο» μπαλέτο πριν από αυτό μονόπρακτα μπαλέτα. Μετά από αυτό, ο Μπρίτεν επέστρεψε στην αγαπημένη του όπερα: Η Κιβωτός του Νώε εμφανίστηκε το 1958 και το Όνειρο Καλοκαιρινής Νύχτας εμφανίστηκε το 1960.

Το 1961, ο Britten δημιούργησε το War Requiem, το οποίο έγινε μνημείο στα θύματα του πολέμου. Γράφτηκε για την τελετή αγιασμού του καθεδρικού ναού στην πόλη Κόβεντρι, που καταστράφηκε ολοσχερώς από τους γερμανικούς βομβαρδισμούς. Το "War Requiem" παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1962. Η επιτυχία ήταν εκκωφαντική: το "Requiem" πούλησε 200 χιλιάδες δίσκους τους πρώτους δύο μήνες, γεγονός που έδειχνε την πραγματική επιτυχία του έργου.

Ερείπια του καθεδρικού ναού του Κόβεντρι

Ταυτόχρονα, ο Μπρίτεν έγραψε έργα ενός νέου είδους: όπερες με παραβολές. Βασισμένο σε μια ιαπωνική ιστορία, το "Curlew River" γράφτηκε το 1964. Το «The Cave Act» (1966) βασίζεται σε ένα επεισόδιο από την Παλαιά Διαθήκη και το «The Prodigal Son» (1968) βασίζεται σε μια παραβολή του Ευαγγελίου. Η Μπρίτεν έγραψε την «Καντάτα του Ελέους» για την 100η επέτειο από την ίδρυση του Ερυθρού Σταυρού, η καντάτα βασίζεται στην παραβολή του Καλού Σαμαρείτη. Τελέστηκε πανηγυρικά στη Γενεύη την 1η Σεπτεμβρίου 1963.

Britten και Ρωσία

Έχοντας ακούσει τον Μ. Ροστροπόβιτς να παίζει για πρώτη φορά στο Λονδίνο, ο Μπρίτεν αποφασίζει να του γράψει μια Σονάτα σε πέντε κινήσεις, καθεμία από τις οποίες καταδεικνύει την ιδιαίτερη δεξιοτεχνία του τσελίστα. Τον Μάρτιο του 1963, πραγματοποιήθηκε ένα φεστιβάλ αγγλικής μουσικής στη Μόσχα και το Λένινγκραντ, όπου αυτή η σονάτα ερμήνευσε ο ίδιος ο Μπρίτεν και ο Μ. Ροστρόποβιτς. Ταυτόχρονα, οι μονόπρακτες όπερες του Μπρίτεν παίχτηκαν για πρώτη φορά στη Ρωσία από τον Μικρό Θίασο του Θεάτρου του Κόβεντ Γκάρντεν. Το 1964 ο Μπρίτεν επισκέφτηκε ξανά τη χώρα μας, συνήψε φιλικές σχέσεις με τον Ντ. Σοστακόβιτς, τον Μ. Ροστρόποβιτς και τον Γ. Βισνέβσκαγια, ακόμη και ο Μπρίτεν γιόρτασε το νέο έτος 1965 με τον Σοστακόβιτς στη ντάκα του.

M. Rostropovich και B. Britten

Η μουσική του Σοστακόβιτς έχει αξιοσημείωτη επιρροή στο έργο του Μπρίτεν. Γράφει ένα Κοντσέρτο για βιολοντσέλο και το αφιερώνει στον Mstislav Rostropovich και έναν κύκλο τραγουδιών βασισμένο στα ποιήματα του Πούσκιν στην Galina Vishnevskaya. Ο Σοστακόβιτς αφιερώνει την Δέκατη τέταρτη Συμφωνία του στον Μπρίτεν.

Η τελευταία φορά που ο B. Britten επισκέφτηκε τη Ρωσία ήταν το 1971. Ο D. Shostakovich πέθανε το 1975 και ο Britten το 1976.

Τα έργα του B. Britten

Ο Μπρίτεν θεωρείται ο ιδρυτής της αναβίωσης της όπερας στην Αγγλία. Εργασία σε διάφορα μουσικά είδη, η Μπρίτεν αγαπούσε περισσότερο την όπερα. Ολοκλήρωσε την πρώτη του όπερα, Peter Grimes, το 1945 και η παραγωγή της σηματοδότησε την αναβίωση του εθνικού μουσικό θέατρο. Το λιμπρέτο της όπερας βασίζεται στην τραγική ιστορία του ψαρά Πίτερ Γκράιμς, ο οποίος είναι στοιχειωμένος από τη μοίρα. Η μουσική της όπερας του είναι ποικίλη στο ύφος: χρησιμοποιεί το ύφος πολλών συνθετών ανάλογα με το περιεχόμενο της σκηνής: σχεδιάζει εικόνες μοναξιάς και απελπισίας στο στυλ των G. Mahler, A. Berg, D. Shostakovich. ρεαλιστικός σκηνές του είδους- στο στυλ του D. Verdi, και θαλασσογραφίες - στο στυλ του C. Debussy. Και όλα αυτά τα στυλ ενώνονται έξυπνα από ένα πράγμα - το στυλ και τη γεύση Britten της Βρετανίας.

Ο συνθέτης πέρασε ολόκληρη τη μετέπειτα ζωή του συνθέτοντας όπερες. Δημιούργησε όπερες δωματίου: «The Desecration of Lucretia» (1946), «Albert Herring» (1947) βασισμένες στην ιστορία του G. Maupassant. Στη δεκαετία του 50-60. δημιουργεί τις όπερες “Billy Budd” (1951), “Gloriana” (1953), “The Turn of the Screw” (1954), “Now's Ark” (1958), “A Midsummer Night's Dream” (1960) βασισμένες στην κωμωδία του W. Shakespeare, μια όπερα δωματίου «Carlew River» (1964), η όπερα «Prodigal Son» (1968), αφιερωμένη στον Shostakovich και «Death in Venice» (1970) του T. Mann.

Μουσική για παιδιά

Η Britten γράφει επίσης για παιδιά και συλλαμβάνει τη μουσική για εκπαιδευτικούς σκοπούς. Για παράδειγμα, στο έργο «Ας κάνουμε μια όπερα» (1949), εισάγει το κοινό στη διαδικασία της παράστασής του. Πίσω το 1945, έγραψε μια παραλλαγή και φούγκα σε ένα θέμα του Purcell, A Guide to the Orchestra for μικροί ακροατές», στο οποίο μυεί στους ακροατές τα ηχόχρωμα διαφόρων οργάνων. Ο Σ. Προκόφιεφ έχει μια παρόμοια παιδική όπερα - «Ο Πέτρος και ο Λύκος».

Το 1949, ο Μπρίτεν δημιούργησε μια όπερα για παιδιά, τη Μικρή Καμινάδα και το 1958 την όπερα Η Κιβωτός του Νώε.

Ο B. Britten έπαιξε πολύ ως πιανίστας και μαέστρος, κάνοντας περιοδεία διαφορετικές χώρεςειρήνη.

Οι μεγαλύτεροι συνθέτες όλων των εποχών στον κόσμο: Λίστες με χρονολογική και αλφαβητική σειρά, βιβλία αναφοράς και έργα

100 μεγάλοι συνθέτες του κόσμου

Κατάλογος συνθετών με χρονολογική σειρά

1. Josquin Despres (1450 – 1521)
2. Τζιοβάνι Πιερλουίτζι ντα Παλεστρίνα (1525 – 1594)
3. Κλαούντιο Μοντεβέρντι (1567 – 1643)
4. Χάινριχ Σουτς (1585 – 1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632 – 1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 – 1713)
8. Αντόνιο Βιβάλντι (1678 – 1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683 – 1764)
10. George Handel (1685 – 1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 – 1757)
12. Γιόχαν Σεμπάστιαν Μπαχ (1685 – 1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 – 1787)
14. Joseph Haydn (1732 –1809)
15. Αντόνιο Σαλιέρι (1750 –1825)
16. Ντμίτρι Στεπανόβιτς Μπορτνιάνσκι (1751 – 1825)
17. Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ (1756 – 1791)
18. Λούντβιχ βαν Μπετόβεν (1770 – 1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Τζιάκομο Μέγιερμπιρ (1791 – 1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Τζιοακίνο Ροσίνι (1792 –1868)
24. Φραντς Σούμπερτ (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 –1869)
28. Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα (1804 – 1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 – 1849)
31. Ρόμπερτ Σούμαν (1810 – 1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 –1869)
33. Φραντς Λιστ (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 –1883)
35. Τζουζέπε Βέρντι (1813 –1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Ζακ Όφενμπαχ (1819 – 1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820 –1871)
40. Cesar Frank (1822 – 1890)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 – 1896)
43. Γιόχαν Στράους (1825 –1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 –1894)
45. Γιοχάνες Μπραμς (1833 –1897)
46. ​​Αλέξανδρος Πορφιρίεβιτς Μποροντίν (1833-1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 –1921)
48. Leo Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Ζωρζ Μπιζέ (1838 –1875)
51. Modest Petrovich Mussorgsky (1839 –1881)
52. Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Νικολάι Αντρέεβιτς Ρίμσκι-Κόρσακοφ (1844 –1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Leos Janacek (1854 –1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 –1914)
60. Σεργκέι Ιβάνοβιτς Τανέγιεφ (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Τζάκομο Πουτσίνι (1858 –1924)
63. Hugo Wolf (1860 – 1903)
64. Gustav Mahler (1860 –1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864 –1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 –1936)
69. Jean Sibelius (1865 –1957)
70. Franz Lehár (1870 –1945)
71. Alexander Nikolaevich Scriabin (1872 –1915)
72. Sergei Vasilievich Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Νικολάι Κάρλοβιτς Μέντνερ (1880 –1951)
76. Bela Bartok (1881 –1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 –1950)
78. Igor Fedorovich Stravinsky (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Σεργκέι Σεργκέεβιτς Προκόφιεφ (1891 –1953)
83. Άρθουρ Χόνεγκερ (1892 –1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895 –1982)
86. Paul Hindemith (1895 –1963)
87. George Gershwin (1898 –1937)
88. Isaac Osipovich Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilyich Khachaturian (1903 –1978)
90. Ντμίτρι Ντμίτριεβιτς Σοστακόβιτς (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (γεννημένος το 1913)
92. Benjamin Britten (1913 –1976)
93. Γκεόργκι Βασίλιεβιτς Σβιρίντοφ (1915 –1998)
94. Leonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (γεν. το 1932)
96. Krzysztof Penderecki (γεν. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 –1998)
98. Μπομπ Ντύλαν (γεν. 1941)
99. John Lennon (1940–1980) και Paul McCartney (γεν. 1942)
100. Sting (γεν. 1951)

ΑΡΙΣΤΟΥΡΓΗΜΑΤΑ ΚΛΑΣΙΚΗΣ ΜΟΥΣΙΚΗΣ

Οι πιο διάσημοι συνθέτες στον κόσμο

Κατάλογος συνθετών με αλφαβητική σειρά