Ο ρόλος του Οστρόφσκι στη δημιουργία του εθνικού ρεπερτορίου. Ποια είναι η σημασία του έργου του A. N. Ostrovsky στο παγκόσμιο δράμα Δοκίμιο για τη λογοτεχνία με θέμα: Η σημασία του έργου του Ostrovsky για την ιδεολογική και αισθητική ανάπτυξη της λογοτεχνίας.

Ολοι δημιουργική ζωήΕΝΑ. Ο Οστρόφσκι ήταν άρρηκτα συνδεδεμένος με το ρωσικό θέατρο και η υπηρεσία του στη ρωσική σκηνή είναι πραγματικά αμέτρητη. Είχε κάθε λόγο να πει στο τέλος της ζωής του: «... το ρωσικό δραματικό θέατρο έχει μόνο εμένα: η ακαδημία, ο φιλάνθρωπος, και η άμυνα τις τέχνες του θεάματος».

Ο Οστρόφσκι συμμετείχε ενεργά στην παραγωγή των έργων του, συνεργάστηκε με τους ηθοποιούς, ήταν φίλος με πολλούς από αυτούς και αλληλογραφούσε. Έκανε μεγάλη προσπάθεια για να υπερασπιστεί το ήθος των ηθοποιών, αναζητώντας τη δημιουργία στη Ρωσία σχολή θεάτρου, δικό του ρεπερτόριο.

Το 1865, ο Οστρόφσκι οργάνωσε στη Μόσχα έναν Καλλιτεχνικό Κύκλο, σκοπός του οποίου ήταν η προστασία των συμφερόντων των καλλιτεχνών, ιδιαίτερα των επαρχιακών, και η προώθηση της εκπαίδευσής τους. Το 1874 δημιούργησε την Εταιρεία Δραματικών Συγγραφέων και Συνθετών Όπερας. Συνέταξε υπομνήματα προς την κυβέρνηση για την ανάπτυξη των παραστατικών τεχνών (1881), σκηνοθέτησε στο Θέατρο Μάλι της Μόσχας και στο Θέατρο Αλεξανδρίνσκι στην Αγία Πετρούπολη, υπηρέτησε ως επικεφαλής του τμήματος ρεπερτορίου των θεάτρων της Μόσχας (1886) και ήταν ο επικεφαλής της θεατρικής σχολής (1886). «Έχτισε» ένα ολόκληρο «κτήριο ρωσικού θεάτρου» αποτελούμενο από 47 πρωτότυπα έργα. «Έχετε δωρίσει μια ολόκληρη βιβλιοθήκη στη λογοτεχνία. έργα τέχνης«», έγραψε ο I. A. Goncharov στον Ostrovsky, «δημιούργησαν τον δικό τους ιδιαίτερο κόσμο για τη σκηνή». Εσείς μόνο ολοκληρώσατε το κτίριο, στα θεμέλια του οποίου οι Φονβιζίν, Γκριμπόεντοφ και Γκόγκολ έθεσαν τους ακρογωνιαίους λίθους. Αλλά μόνο μετά από εσάς, εμείς οι Ρώσοι μπορούμε να πούμε περήφανα: έχουμε τα δικά μας Ρωσικά εθνικό θέατρο".

Το έργο του Οστρόφσκι αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία του ρωσικού θεάτρου. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, σχεδόν όλα τα έργα του ανέβηκαν στη σκηνή του θεάτρου Maly μεγάλωσαν πολλές γενιές καλλιτεχνών, οι οποίοι μεγάλωσαν σε αξιόλογους δεξιοτέχνες της ρωσικής σκηνής. Τα έργα του Οστρόφσκι έπαιξαν τόσο σημαντικό ρόλο στην ιστορία του θεάτρου Μάλι που ονομάζεται περήφανα το Σπίτι του Οστρόφσκι.

Ο Οστρόφσκι συνήθως ανέβαζε ο ίδιος τα έργα του. Γνώριζε καλά το εσωτερικό, κρυμμένο από τα μάτια του κοινού, ζωή στα παρασκήνιαθέατρο Γνώση του θεατρικού συγγραφέα υποκριτική ζωήεκδηλώνεται σαφώς στα έργα «Το δάσος» (1871), «Κωμικός του 17ου αιώνα» (1873), «Ταλέντα και θαυμαστές» (1881), «Ένοχοι χωρίς ενοχές» (1883).

Σε αυτά τα έργα βλέπουμε ζωντανούς τύπους επαρχιακών ηθοποιών διαφόρων ρόλων. Αυτοί είναι τραγικοί, κωμικοί, «πρώτοι εραστές». Ανεξάρτητα όμως από τον ρόλο τους, η ζωή των ηθοποιών συνήθως δεν είναι εύκολη. Απεικονίζοντας τη μοίρα τους στα έργα του, ο Οστρόφσκι προσπάθησε να δείξει πόσο δύσκολο είναι για ένα άτομο με λεπτή ψυχήκαι το ταλέντο να ζει σε έναν άδικο κόσμο αναισθησίας και άγνοιας. Ταυτόχρονα, οι ηθοποιοί που υποδύονται τον Ostrovsky θα μπορούσαν να αποδειχθούν σχεδόν ζητιάνοι, όπως ο Neschastlivtsev και ο Schastlivtsev στο «The Forest». ταπεινωμένοι και χάνοντας την ανθρώπινη εμφάνισή τους από το μεθύσι, όπως ο Ρόμπινσον στην «Προίκα», όπως ο Σμάγκα στο «Ένοχοι χωρίς ενοχές», όπως ο Έραστ Γκρομίλοφ στο «Ταλέντα και θαυμαστές».

Στην κωμωδία "Το δάσος" ο Οστρόφσκι αποκάλυψε το ταλέντο των ηθοποιών του ρωσικού επαρχιακού θεάτρου και ταυτόχρονα έδειξε την ταπεινωτική τους θέση, καταδικασμένη στην αλητεία και την περιπλάνηση αναζητώντας το καθημερινό τους ψωμί. Όταν συναντιούνται, ο Schastlivtsev και ο Neschastlivtsev δεν έχουν ούτε μια δεκάρα χρήματα ή μια πρέζα καπνό. Ο Neschastlivtsev, ωστόσο, έχει μερικά ρούχα στο σπιτικό σακίδιο του. Είχε ακόμη και ένα φράκο, αλλά για να παίξει τον ρόλο, έπρεπε να το ανταλλάξει στο Κισινάου «με μια στολή Άμλετ». Το κοστούμι ήταν πολύ σημαντικό για τον ηθοποιό, αλλά για να έχει την απαραίτητη γκαρνταρόμπα χρειάζονταν πολλά χρήματα...

Ο Οστρόφσκι δείχνει ότι ο επαρχιακός ηθοποιός βρίσκεται σε χαμηλό σκαλί της κοινωνικής κλίμακας. Υπάρχει προκατάληψη στην κοινωνία για το επάγγελμα του ηθοποιού. Η Gurmyzhskaya, έχοντας μάθει ότι ο ανιψιός της Neschastlivtsev και ο σύντροφός του Schastlivtsev είναι ηθοποιοί, δηλώνει αλαζονικά: «Δεν θα είναι εδώ αύριο το πρωί, δεν έχω ξενοδοχείο ή ταβέρνα για τέτοιους κυρίους». Αν δεν σου αρέσει η συμπεριφορά του ηθοποιού τοπικές αρχέςή δεν έχει έγγραφα, διώκεται και μπορεί ακόμη και να εκδιωχθεί από την πόλη. Ο Arkady Schastlivtsev «διώχθηκε από την πόλη τρεις φορές... οι Κοζάκοι τον οδήγησαν με μαστίγια για τέσσερα μίλια». Λόγω αστάθειας και συνεχών περιπλανήσεων, οι ηθοποιοί πίνουν. Η επίσκεψη σε ταβέρνες είναι ο μόνος τους τρόπος να ξεφύγουν από την πραγματικότητα, να ξεχάσουν τα δεινά έστω για λίγο. Ο Schastlivtsev λέει: «...Είμαστε ίσοι, ηθοποιοί και οι δύο, αυτός είναι ο Neschastlivtsev, εγώ είμαι Schastlivtsev, και είμαστε και οι δύο μεθυσμένοι», και μετά με μπράβο δηλώνει: «Είμαστε ελεύθερος λαός, πάρτι, η ταβέρνα. είναι πιο αγαπητό για εμάς από οτιδήποτε άλλο». Αλλά αυτή η βαβούρα του Arkashka Schastlivtsev είναι μόνο μια μάσκα που κρύβει τον αφόρητο πόνο της κοινωνικής ταπείνωσης.

Παρά τη δύσκολη ζωή, τις αντιξοότητες και τις προσβολές, πολλοί από τους υπηρέτες της Μελπομένης διατηρούν την καλοσύνη και την αρχοντιά στην ψυχή τους. Στο «The Forest» ο Ostrovsky δημιούργησε τα περισσότερα φωτεινή εικόναευγενής ηθοποιός - τραγικός Neschastlivtsev. Απεικόνιζε έναν «ζωντανό» άνθρωπο, με δύσκολη μοίρα, με θλιβερή ιστορία ζωής. Ο ηθοποιός πίνει πολύ, αλλά σε όλη τη διάρκεια του έργου αλλάζει, ανοίγεται καλύτερα χαρακτηριστικάτη φύση του. Αναγκάζοντας τον Vosmibratov να επιστρέψει τα χρήματα της Gurmyzhskaya, ο Neschastlivtsev κάνει μια παράσταση και βάζει ψεύτικα μετάλλια. Αυτή τη στιγμή παίζει με τέτοια δύναμη, με τέτοια πίστη που το κακό μπορεί να τιμωρηθεί, που πετυχαίνει το πραγματικό, επιτυχία ζωής: Ο Βοσμιμπράτοφ δίνει τα χρήματα. Στη συνέχεια, δίνοντας τα τελευταία του χρήματα στην Aksyusha, τακτοποιώντας την ευτυχία της, ο Neschastlivtsev δεν παίζει πια. Οι πράξεις του δεν είναι θεατρική χειρονομία, αλλά αληθινά ευγενής πράξη. Και όταν, στο τέλος του έργου, προφέρει τον περίφημο μονόλογο του Καρλ Μορ από τους «Ληστές» του Φ. Σίλερ, τα λόγια του ήρωα του Σίλερ γίνονται, στην ουσία, η συνέχεια του δικού του θυμωμένου λόγου. Το νόημα της παρατήρησης που ρίχνει ο Neschastlivtsev στη Gurmyzhskaya και ολόκληρη την παρέα της: «Είμαστε καλλιτέχνες, ευγενείς καλλιτέχνες, και εσείς είστε οι κωμικοί», είναι ότι κατά την άποψή του, η τέχνη και η ζωή είναι άρρηκτα συνδεδεμένα και ο ηθοποιός δεν είναι υποκριτής. , όχι ερμηνευτής, η τέχνη του βασίζεται σε γνήσια συναισθήματα και εμπειρίες.

ΣΕ στιχομυθία«Κωμικός του 17ου αιώνα», ο θεατρικός συγγραφέας γύρισε στις πρώτες σελίδες της ιστορίας της ρωσικής σκηνής. Ο ταλαντούχος κωμικός Yakov Kochetov φοβάται να γίνει καλλιτέχνης. Όχι μόνο αυτός, αλλά και ο πατέρας του είναι βέβαιοι ότι αυτή είναι μια κατακριτέα δραστηριότητα, ότι η βαβούρα είναι αμαρτία, χειρότερη από την οποία τίποτα δεν μπορεί να είναι, γιατί τέτοιες ήταν οι ιδέες των ανθρώπων στη Μόσχα του Ντομοστρογέφσκι τον 17ο αιώνα. Αλλά ο Οστρόφσκι αντιπαραβάλλει τους διώκτες των μπουφόν και τις «πράξεις» τους με τους λάτρεις και τους ζηλωτές του θεάτρου στην προ-Πετρίνα εποχή. Ο θεατρικός συγγραφέας έδειξε τον ιδιαίτερο ρόλο των σκηνικών παραστάσεων στην ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας και διατύπωσε τον σκοπό της κωμωδίας ως «... να κάνει το μοχθηρό και το κακό αστείο, να κάνει τους ανθρώπους να γελούν ... να διδάσκουν τους ανθρώπους απεικονίζοντας ήθη».

Στο δράμα "Ταλέντα και θαυμαστές", ο Ostrovsky έδειξε πόσο δύσκολη είναι η μοίρα μιας ηθοποιού προικισμένης με ένα τεράστιο σκηνικό δώρο, που είναι αφοσιωμένη με πάθος στο θέατρο. Η θέση του ηθοποιού στο θέατρο, η επιτυχία του εξαρτάται από το αν αρέσει στους πλούσιους θεατές που κρατούν όλη την πόλη στα χέρια τους. Άλλωστε, τα επαρχιακά θέατρα υπήρχαν κυρίως με δωρεές από τοπικούς θαμώνες των τεχνών, που ένιωθαν κύριοι του θεάτρου και υπαγόρευαν τους όρους τους στους ηθοποιούς. Η Alexandra Negina από το "Talents and Admirers" αρνείται να συμμετάσχει σε ίντριγκες στα παρασκήνια ή να απαντήσει στις ιδιοτροπίες των πλούσιων θαυμαστών της: Πρίγκιπας Dulebov, επίσημος Bakin και άλλοι. Η Νεγκίνα δεν μπορεί και δεν θέλει να αρκείται στην εύκολη επιτυχία της απαίτησης Nina Smelskaya, η οποία δέχεται πρόθυμα την προστασία των πλούσιων θαυμαστών, μετατρέποντας, στην ουσία, σε μια κρατημένη γυναίκα. Ο πρίγκιπας Dulebov, προσβεβλημένος από την άρνηση της Negina, αποφάσισε να την καταστρέψει διαταράσσοντας την απόδοση των παροχών και κυριολεκτικά επιζώντας από το θέατρο. Για τη Νεγίνα, ο χωρισμός με το θέατρο, χωρίς το οποίο δεν μπορεί να φανταστεί την ύπαρξή της, σημαίνει να είναι ικανοποιημένος με μια μίζερη ζωή με μια γλυκιά αλλά φτωχή μαθήτρια Πέτια Μελούζοφ. Της μένει μόνο μία επιλογή: να πάει στην υποστήριξη ενός άλλου θαυμαστή, του πλούσιου γαιοκτήμονα Velikatov, ο οποίος της υπόσχεται ρόλους και ηχηρή επιτυχία στο θέατρο που έχει στην κατοχή του. Ονομάζει την αξίωσή του για το ταλέντο και την ψυχή της Αλεξάνδρας διακαής αγάπη, αλλά στην ουσία είναι μια ανοιχτή συμφωνία μεταξύ ενός μεγάλου αρπακτικού και ενός αβοήθητου θύματος. Αυτό που δεν έπρεπε να κάνει ο Κνούροφ στο «Προίκα» το έκανε ο Βελικάτοφ. Η Larisa Ogudalova κατάφερε να απελευθερωθεί από τις χρυσές αλυσίδες με τίμημα το θάνατο, η Negina έβαλε αυτές τις αλυσίδες στον εαυτό της γιατί δεν μπορεί να φανταστεί τη ζωή χωρίς τέχνη.

Ο Οστρόφσκι κατηγορεί αυτήν την ηρωίδα, που είχε λιγότερη πνευματική προίκα από τη Λάρισα. Αλλά ταυτόχρονα αυτός πόνος καρδιάςμας μίλησε για τη δραματική μοίρα της ηθοποιού, η οποία προκάλεσε τη συμπάθεια και τη συμπάθειά του. Δεν είναι περίεργο, όπως σημείωσε ο E. Kholodov, το όνομά της είναι το ίδιο με τον ίδιο τον Ostrovsky - Alexandra Nikolaevna.

Στο δράμα «Ένοχος χωρίς ενοχές», ο Οστρόφσκι στρέφεται ξανά στο θέμα του θεάτρου, αν και τα προβλήματά του είναι πολύ ευρύτερα: μιλά για τη μοίρα των ανθρώπων που βρίσκονται σε μειονεκτική θέση από τη ζωή. Στο επίκεντρο του δράματος βρίσκεται η εξαιρετική ηθοποιός Kruchinina, μετά τις παραστάσεις της οποίας το θέατρο κυριολεκτικά «ξεχωρίζει από το χειροκρότημα». Η εικόνα της δίνει αφορμή να σκεφτούμε τι καθορίζει τη σημασία και το μεγαλείο στην τέχνη. Πρώτα απ 'όλα, πιστεύει ο Ostrovsky, αυτό είναι τεράστιο εμπειρία ζωής, το σχολείο των στερήσεων, των βασάνων και των βασάνων που έπρεπε να περάσει η ηρωίδα του.

Όλη η ζωή της Kruchinina έξω από τη σκηνή είναι «λύπη και δάκρυα». Αυτή η γυναίκα γνώριζε τα πάντα: τη σκληρή δουλειά ενός δασκάλου, την προδοσία και την αποχώρηση ενός αγαπημένου προσώπου, την απώλεια ενός παιδιού, τη σοβαρή ασθένεια, τη μοναξιά. Δεύτερον, αυτή είναι η πνευματική ευγένεια, μια συμπαθητική καρδιά, η πίστη στην καλοσύνη και ο σεβασμός για τον άνθρωπο και, τρίτον, η επίγνωση των υψηλών στόχων της τέχνης: η Κρουτσινίνα φέρνει στον θεατή υψηλή αλήθεια, ιδέες δικαιοσύνης και ελευθερίας. Με τα λόγια της από τη σκηνή, προσπαθεί να «κάψει τις καρδιές των ανθρώπων». Και μαζί με σπάνιο φυσικό ταλέντο και κοινή κουλτούραόλα αυτά καθιστούν δυνατό να γίνει αυτό που έχει γίνει η ηρωίδα του έργου - ένα παγκόσμιο είδωλο του οποίου η «δόξα βροντάει». Η Kruchinina δίνει στους θεατές της την ευτυχία της επαφής με την ομορφιά. Και γι' αυτό ο ίδιος ο θεατρικός συγγραφέας στο φινάλε της δίνει και την προσωπική της ευτυχία: βρίσκοντας τον χαμένο γιο της, τον άπορο ηθοποιό Neznamov.

Η αξία του A. N. Ostrovsky στη ρωσική σκηνή είναι πραγματικά αμέτρητη. Τα έργα του για το θέατρο και τους ηθοποιούς, τα οποία αντικατοπτρίζουν με ακρίβεια τις συνθήκες της ρωσικής πραγματικότητας στις δεκαετίες του '70 και του '80 του 19ου αιώνα, περιέχουν σκέψεις για την τέχνη που εξακολουθούν να είναι επίκαιρες σήμερα. Αυτές είναι σκέψεις για δύσκολες, μερικές φορές τραγική μοίραταλαντούχοι άνθρωποι που, συνειδητοποιώντας τον εαυτό τους στη σκηνή, καίγονται εντελώς. σκέψεις για την ευτυχία της δημιουργικότητας, την πλήρη αφοσίωση, για την υψηλή αποστολή της τέχνης που επιβεβαιώνει την καλοσύνη και την ανθρωπιά.

Ο ίδιος ο θεατρικός συγγραφέας εκφράστηκε, αποκάλυψε την ψυχή του στα έργα που δημιούργησε, ίσως ιδιαίτερα ανοιχτά σε έργα για το θέατρο και τους ηθοποιούς, στα οποία έδειξε πολύ πειστικά ότι ακόμη και στα βάθη της Ρωσίας, στις επαρχίες, μπορείς να συναντήσεις ταλαντούχους, ανιδιοτελείς ανθρώπους. , ικανός να ζει σύμφωνα με τα υψηλότερα συμφέροντα . Πολλά σε αυτά τα έργα συνάδουν με αυτό που έγραψε ο B. Pasternak στο υπέροχο ποίημά του «Αχ, να ήξερα ότι αυτό συμβαίνει...»:

Όταν η γραμμή υπαγορεύει το συναίσθημα,

Στέλνει έναν σκλάβο στη σκηνή,

Και εδώ τελειώνει η τέχνη,

Και το χώμα και η μοίρα αναπνέουν.

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ο Ostrovsky είναι ένας "γίγαντας της θεατρικής λογοτεχνίας" (Lunacharsky), δημιούργησε το ρωσικό θέατρο, ένα ολόκληρο ρεπερτόριο στο οποίο ανατράφηκαν πολλές γενιές ηθοποιών, οι παραδόσεις της σκηνικής τέχνης ενισχύθηκαν και αναπτύχθηκαν της ανάπτυξης του ρωσικού δράματος και ολόκληρου του εθνικού πολιτισμού δύσκολα μπορεί να υπερεκτιμηθεί για την ανάπτυξη του ρωσικού δράματος όπως ο Σαίξπηρ στην Αγγλία, ο Λόπε ντε Βέγκα στην Ισπανία, ο Μολιέρος στη Γαλλία, ο Γκολντόνι στην Ιταλία και ο Σίλερ στη Γερμανία.

«Η ιστορία έχει επιφυλάξει τον τίτλο του μεγάλου και λαμπρού μόνο για εκείνους τους συγγραφείς που ήξεραν πώς να γράφουν για ολόκληρο τον λαό, και μόνο εκείνα τα έργα έχουν επιβιώσει στους αιώνες που ήταν πραγματικά δημοφιλή στο σπίτι, με την πάροδο του χρόνου, έγιναν κατανοητά και πολύτιμα για τους άλλους λαούς , και τέλος, και για όλο τον κόσμο». Αυτά τα λόγια του μεγάλου θεατρικού συγγραφέα Alexander Nikolaevich Ostrovsky μπορούν να αποδοθούν στο δικό του έργο.

Παρά την καταπίεση που ασκούσε η λογοκρισία, η θεατρική και λογοτεχνική επιτροπή και η διεύθυνση των αυτοκρατορικών θεάτρων, παρά την κριτική των αντιδραστικών κύκλων, η δραματουργία του Οστρόφσκι κέρδιζε κάθε χρόνο αυξανόμενη συμπάθεια τόσο στους δημοκρατικούς θεατές όσο και στους καλλιτέχνες.

Αναπτύσσοντας τις καλύτερες παραδόσεις της ρωσικής δραματικής τέχνης, χρησιμοποιώντας την εμπειρία του προοδευτικού ξένου δράματος, μαθαίνοντας ακούραστα για τη ζωή της πατρίδας του, επικοινωνώντας συνεχώς με τους ανθρώπους, συνδέοντας στενά με το πιο προοδευτικό σύγχρονο κοινό, ο Ostrovsky έγινε ένας εξαιρετικός εικονογράφος της ζωής της εποχής του, ενσαρκώνοντας τα όνειρα του Γκόγκολ, του Μπελίνσκι και άλλων προοδευτικών μορφών λογοτεχνία για την εμφάνιση και τον θρίαμβο των Ρώσων χαρακτήρων στη ρωσική σκηνή.

Η δημιουργική δραστηριότητα του Οστρόφσκι είχε μεγάλη επιρροή στην όλη περαιτέρω ανάπτυξη του προοδευτικού ρωσικού δράματος. Από αυτόν ήρθαν και έμαθαν οι καλύτεροί μας θεατρικοί συγγραφείς. Σε αυτόν έλκονταν οι επίδοξοι δραματικοί συγγραφείς στην εποχή τους.

Η δύναμη της επιρροής του Οστρόφσκι στους νέους συγγραφείς της εποχής του μπορεί να αποδειχθεί από μια επιστολή προς τον θεατρικό συγγραφέα της ποιήτριας A.D. Mysovskaya. «Ξέρεις πόσο μεγάλη ήταν η επιρροή σου πάνω μου; Δεν ήταν η αγάπη για την τέχνη που με έκανε να καταλάβω και να σε εκτιμήσω: αλλά αντίθετα, με έμαθες να αγαπώ και να σέβομαι την τέχνη. Σου οφείλω και μόνο που αντιστάθηκα στον πειρασμό να πέσω στην αρένα της αξιολύπητης λογοτεχνικής μετριότητας και δεν κυνήγησα φτηνές δάφνες που πετάχτηκαν από τα χέρια γλυκόξινων ημιμορφωμένων ανθρώπων. Εσύ και ο Νεκράσοφ με έκανες να ερωτευτώ τη σκέψη και τη δουλειά, αλλά ο Νεκράσοφ μου έδωσε μόνο την πρώτη ώθηση, ενώ εσύ μου έδωσες τη σκηνοθεσία. Διαβάζοντας τα έργα σας, συνειδητοποίησα ότι η ομοιοκαταληξία δεν είναι ποίηση, και ένα σύνολο φράσεων δεν είναι λογοτεχνία, και ότι μόνο καλλιεργώντας ευφυΐα και τεχνική ένας καλλιτέχνης θα είναι πραγματικός καλλιτέχνης».

Ο Οστρόφσκι είχε ισχυρό αντίκτυπο όχι μόνο στην ανάπτυξη του εγχώριου δράματος, αλλά και στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου. Η κολοσσιαία σημασία του Ostrovsky στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου τονίζεται καλά σε ένα ποίημα αφιερωμένο στον Ostrovsky και που διαβάζεται το 1903 από τον M. N. Ermolova από τη σκηνή του θεάτρου Maly:

Στη σκηνή η ίδια η ζωή, από τη σκηνή φυσάει η αλήθεια,

Και ο λαμπερός ήλιος μας χαϊδεύει και μας ζεσταίνει...

Η ζωντανή ομιλία των απλών, ζωντανών ανθρώπων ακούγεται,

Στη σκηνή δεν υπάρχει «ήρωας», ούτε άγγελος, ούτε ένας κακός,

Αλλά απλά ένας άντρας... Ένας χαρούμενος ηθοποιός

Σπεύδει να σπάσει γρήγορα τα βαριά δεσμά

Συμβάσεις και ψέματα. Τα λόγια και τα συναισθήματα είναι καινούργια,

Αλλά στις εσοχές της ψυχής υπάρχει μια απάντηση σε αυτά, -

Και όλα τα χείλη ψιθυρίζουν: ευλογημένος ο ποιητής,

Έσκισε τα άθλια, πούλιες καλύμματα

Και ρίξε ένα λαμπρό φως στο σκοτεινό βασίλειο

Η διάσημη καλλιτέχνης έγραψε για το ίδιο πράγμα το 1924 στα απομνημονεύματά της: «Μαζί με τον Οστρόφσκι εμφανίστηκαν στη σκηνή η ίδια η αλήθεια και η ίδια η ζωή... Άρχισε η ανάπτυξη του πρωτότυπου δράματος, γεμάτο ανταποκρίσεις στη νεωτερικότητα... Άρχισαν να μιλούν για οι φτωχοί, οι ταπεινωμένοι και οι προσβεβλημένοι».

Η ρεαλιστική σκηνοθεσία, σιγασμένη από τη θεατρική πολιτική της απολυταρχίας, που συνεχίστηκε και εμβαθύνθηκε από τον Οστρόφσκι, έστρεψε το θέατρο στο μονοπάτι της στενής σύνδεσης με την πραγματικότητα. Μόνο που έδωσε ζωή στο θέατρο ως εθνικό, ρωσικό, λαϊκό θέατρο.

«Έχετε δωρίσει μια ολόκληρη βιβλιοθήκη έργων τέχνης στη λογοτεχνία και δημιουργήσατε τον δικό σας ιδιαίτερο κόσμο για τη σκηνή. Εσείς μόνο ολοκληρώσατε το κτίριο, τα θεμέλια του οποίου έθεσαν οι Fonvizin, Griboyedov, Gogol». Αυτή η υπέροχη επιστολή έλαβε, μεταξύ άλλων συγχαρητηρίων, για το έτος της τριακονταπενταετίας της λογοτεχνικής και θεατρικής δραστηριότητας ο Alexander Nikolaevich Ostrovsky από έναν άλλο μεγάλο Ρώσο συγγραφέα, τον Goncharov.

Αλλά πολύ νωρίτερα, σχετικά με το πρώτο έργο του ακόμη νεαρού Οστρόφσκι, που δημοσιεύτηκε στο "Moskvityanin", ένας λεπτός γνώστης του κομψού και ευαίσθητου παρατηρητή V.F. αλεσμένο από μόνο του, κομμένο από κάθε είδους σήψη, τότε αυτός ο άνθρωπος έχει τεράστιο ταλέντο. Νομίζω ότι υπάρχουν τρεις τραγωδίες στη Ρωσία: «Ο ανήλικος», «Αλίμονο από εξυπνάδα», «Ο Γενικός Επιθεωρητής». Στο «Πτώχευση» έβαλα το νούμερο τέσσερα».

Από μια τέτοια υποσχόμενη πρώτη αξιολόγηση μέχρι την επετειακή επιστολή του Goncharov - μια γεμάτη ζωή, πλούσια σε έργο. εργασία, και η οποία οδήγησε σε μια τέτοια λογική σχέση αξιολογήσεων, επειδή το ταλέντο απαιτεί, πρώτα απ 'όλα, μεγάλη δουλειά από μόνο του, και ο θεατρικός συγγραφέας δεν αμάρτησε ενώπιον του Θεού - δεν έθαψε το ταλέντο του στο έδαφος. Έχοντας δημοσιεύσει το πρώτο του έργο το 1847, ο Οστρόφσκι έχει γράψει από τότε 47 θεατρικά έργα και έχει μεταφράσει περισσότερα από είκοσι θεατρικά έργα από ευρωπαϊκές γλώσσες. Και συνολικά στο λαϊκό θέατρο που δημιούργησε είναι περίπου χίλιοι χαρακτήρες.

Λίγο πριν από το θάνατό του, το 1886, ο Αλέξανδρος Νικολάεβιτς έλαβε μια επιστολή από τον Λ.Ν. Τολστόι, στην οποία ο λαμπρός πεζογράφος παραδέχτηκε: «Γνωρίζω εκ πείρας πώς οι άνθρωποι διαβάζουν, ακούν και θυμούνται τα έργα σας, και ως εκ τούτου θα ήθελα να βοηθήσω να διασφαλιστεί ότι. Γίνατε τώρα γρήγορα στην πραγματικότητα αυτό που αναμφίβολα είστε - συγγραφέας ολόκληρου του λαού με την ευρεία έννοια».

Ακόμη και πριν από τον Οστρόφσκι, το προοδευτικό ρωσικό δράμα είχε θαυμάσια έργα. Ας θυμηθούμε το «The Minor» του Fonvizin, το «We from Wit» του Griboyedov, το «Boris Godunov» του Pushkin, το «The General Inspector» του Gogol και το «Masquerade» του Lermontov.

Καθένα από αυτά τα έργα θα μπορούσε να εμπλουτίσει και να διακοσμήσει, όπως σωστά έγραψε ο Μπελίνσκι, τη λογοτεχνία οποιασδήποτε δυτικοευρωπαϊκής χώρας.

Αλλά αυτά τα έργα ήταν πολύ λίγα. Και δεν καθόρισαν την κατάσταση του θεατρικού ρεπερτορίου. Μεταφορικά μιλώντας, υψώθηκαν πάνω από το επίπεδο του μαζικού δράματος σαν μοναχικά, σπάνια βουνά σε μια απέραντη έρημο πεδιάδα. Η συντριπτική πλειονότητα των έργων που γέμισαν τη θεατρική σκηνή εκείνης της εποχής ήταν μεταφράσεις άδειων, επιπόλαιων βοντβίλ και σπαραχτικών μελοδραμάτων υφασμένων από φρίκη και εγκλήματα. Τόσο το βοντβίλ όσο και το μελόδραμα, τρομερά μακριά από τη ζωή, δεν ήταν καν η σκιά του.

Στην ανάπτυξη του ρωσικού δράματος και του οικιακού θεάτρου, η εμφάνιση των έργων του A. N. Ostrovsky αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή. Έστρεψαν απότομα το δράμα και το θέατρο προς τη ζωή, προς την αλήθεια της, προς αυτό που πραγματικά άγγιξε και ανησύχησε τους ανθρώπους του μη προνομιούχου τμήματος του πληθυσμού, τους εργαζόμενους. Δημιουργώντας «παιχνίδια ζωής», όπως τα ονόμασε ο Ντομπρολιούμποφ, ο Οστρόφσκι ενήργησε ως ένας ατρόμητος ιππότης της αλήθειας, ένας ακούραστος μαχητής ενάντια στο σκοτεινό βασίλειο της απολυταρχίας, ένας ανελέητος αποκηρύστης των κυρίαρχων τάξεων - των ευγενών, της αστικής τάξης και των γραφειοκρατών που πιστά τους υπηρέτησε.

Αλλά ο Οστρόφσκι δεν περιορίστηκε στον ρόλο ενός σατυρικού εκθέτη. Απεικόνισε ζωντανά και με συμπάθεια θύματα κοινωνικοπολιτικού και οικογενειακού-οικιακού δεσποτισμού, εργάτες, λάτρεις της αλήθειας, παιδαγωγούς, εγκάρδιους προτεστάντες ενάντια στην τυραννία και τη βία. Ο θεατρικός συγγραφέας όχι μόνο το έκανεθετικούς ήρωες

Ο Οστρόφσκι απεικόνισε στα έργα του την πρόζα της ζωής, τους απλούς ανθρώπους σε καθημερινές συνθήκες. Λαμβάνοντας ως περιεχόμενο των θεατρικών του τα παγκόσμια ανθρώπινα προβλήματα του κακού και του καλού, της αλήθειας και της αδικίας, της ομορφιάς και της ασχήμιας, ο Ostrovsky επέζησε της εποχής του και εισήλθε στην εποχή μας ως σύγχρονη.

Η δημιουργική διαδρομή του A.N. Ostrovsky διήρκεσε τέσσερις δεκαετίες. Έγραψε τα πρώτα του έργα το 1846 και τα τελευταία του το 1886.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, έγραψε 47 πρωτότυπα έργα και πολλά θεατρικά έργα σε συνεργασία με τον Solovyov («Ο γάμος του Μπαλζαμίνοφ», «Άγριος», «Λάμπει αλλά δεν ζεσταίνει» κ.λπ.). έκανε πολλές μεταφράσεις από ιταλικά, ισπανικά, γαλλικά, αγγλικά, ινδικά (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 θεατρικά έργα). Τα έργα του έχουν 728 ρόλους, 180 πράξεις. εκπροσωπείται όλη η Ρωσία. Μια ποικιλία ειδών: κωμωδίες, δράματα, δραματικά χρονικά, οικογενειακές σκηνές, τραγωδίες, δραματικά σκετς παρουσιάζονται στη δραματουργία του. Λειτουργεί στο έργο του ως ρομαντικός, καθημερινός συγγραφέας, τραγικός και κωμικός.

Φυσικά, οποιαδήποτε περιοδοποίηση είναι σε κάποιο βαθμό υπό όρους, αλλά για να πλοηγηθούμε καλύτερα σε ολόκληρη την ποικιλομορφία του έργου του Ostrovsky, θα χωρίσουμε το έργο του σε διάφορα στάδια.

1846 – 1852 – το αρχικό στάδιο της δημιουργικότητας. Τα σημαντικότερα έργα που γράφτηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου: "Σημειώσεις ενός κατοίκου του Zamoskvoretsky", τα έργα "Εικόνα της οικογενειακής ευτυχίας", "Οι άνθρωποι μας - Ας είμαστε αριθμημένοι", "Φτωχή νύφη".

1853 – 1856 - η λεγόμενη «σλαβόφιλη» περίοδος: «Μην μπαίνεις στο δικό σου έλκηθρο». «Η φτώχεια δεν είναι κακία», «Μη ζεις όπως θέλεις».

1856 – 1859 - προσέγγιση με τον κύκλο Sovremennik, επιστροφή σε ρεαλιστικές θέσεις. Τα πιο σημαντικά έργα αυτής της περιόδου: «Ένας κερδοφόρος τόπος», «Ο μαθητής», «Στο γλέντι κάποιου άλλου υπάρχει Hangover», «Η Τριλογία Μπαλζαμίνοφ» και, τέλος, που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια της επαναστατικής κατάστασης, «Η καταιγίδα» .

1861 – 1867 – εμβαθύνοντας τη μελέτη της εθνικής ιστορίας, το αποτέλεσμα είναι τα δραματικά χρονικά Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, «Dmitry the Pretender» και «Vasily Shuisky», «Tushino», το δράμα «Vasilisa Melentyevna», η κωμωδία «The Voivode or the Dream στον Βόλγα».

1869 – 1884 – τα έργα που δημιουργήθηκαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιουργικότητας είναι αφιερωμένα στις κοινωνικές και καθημερινές σχέσεις που αναπτύχθηκαν στη ρωσική ζωή μετά τη μεταρρύθμιση του 1861. Τα σημαντικότερα έργα αυτής της περιόδου: «Κάθε σοφός έχει αρκετή απλότητα», «Ζεστή καρδιά», «Τρελά λεφτά», «Δάσος», «Λύκοι και πρόβατα», «Η τελευταία θυσία», «Αργή αγάπη», «Ταλέντα and Admirers», «Ένοχος χωρίς ενοχές».

Τα έργα του Οστρόφσκι δεν εμφανίστηκαν από το πουθενά. Η εμφάνισή τους σχετίζεται άμεσα με τα έργα του Γκριμποέντοφ και του Γκόγκολ, που απορρόφησαν ό,τι πολύτιμο πέτυχε η ρωσική κωμωδία που προηγήθηκε. Ο Οστρόφσκι γνώριζε καλά την παλιά ρωσική κωμωδία του 18ου αιώνα και μελέτησε ειδικά τα έργα των Kapnist, Fonvizin και Plavilshchikov. Από την άλλη πλευρά, υπάρχει η επίδραση της πεζογραφίας της «φυσικής σχολής».

Ο Οστρόφσκι ήρθε στη λογοτεχνία στα τέλη της δεκαετίας του '40, όταν η δραματουργία του Γκόγκολ αναγνωρίστηκε ως το μεγαλύτερο λογοτεχνικό και κοινωνικό φαινόμενο. Ο Τουργκένιεφ έγραψε: «Ο Γκόγκολ έδειξε τον τρόπο με τον οποίο θα πάει η δραματική μας λογοτεχνία με τον καιρό». Από τα πρώτα βήματα της δραστηριότητάς του, ο Οστρόφσκι αναγνώρισε τον εαυτό του ως διάδοχο των παραδόσεων του Γκόγκολ. φυσικό σχολείο», θεωρούσε τον εαυτό του έναν από τους συγγραφείς μιας «νέας κατεύθυνσης στη λογοτεχνία μας».

Τα χρόνια 1846 - 1859, όταν ο Οστρόφσκι δούλεψε την πρώτη του μεγάλη κωμωδία, «Θα είμαστε αριθμημένοι με τους δικούς μας ανθρώπους», ήταν τα χρόνια της συγκρότησής του ως ρεαλιστή συγγραφέα.

Το ιδεολογικό και καλλιτεχνικό πρόγραμμα του Οστρόφσκι, του θεατρικού συγγραφέα, εκτίθεται ξεκάθαρα στα κριτικά του άρθρα και κριτικές. Άρθρο «Λάθος», ιστορία της κυρίας Τουρ» («Moskvityanin», 1850), ημιτελές άρθρο για το μυθιστόρημα του Ντίκενς «Dombey and Son» (1848), κριτική για την κωμωδία του Menshikov «Whims» («Moskvityanin» 1850), «Σημείωση για το κατάσταση η δραματική τέχνη στη Ρωσία σήμερα» (1881), «Πίνακας συζήτησης για τον Πούσκιν» (1880).

Οι κοινωνικές και λογοτεχνικές απόψεις του Οστρόφσκι χαρακτηρίζονται από τις ακόλουθες βασικές αρχές:

Πρώτον, πιστεύει ότι το δράμα πρέπει να είναι μια αντανάκλαση λαϊκή ζωή, λαϊκή συνείδηση.

Για τον Οστρόφσκι, ο λαός είναι, πρώτα απ' όλα, οι δημοκρατικές μάζες, οι κατώτερες τάξεις, οι απλοί άνθρωποι.

Ο Οστρόφσκι απαίτησε από τον συγγραφέα να μελετήσει τη ζωή των ανθρώπων, τα προβλήματα που απασχολούν τους ανθρώπους.

«Για να γίνεις λαϊκός συγγραφέας», γράφει, «δεν αρκεί η αγάπη για την πατρίδα... πρέπει να γνωρίζεις καλά τους ανθρώπους σου, να τα πηγαίνεις καλά μαζί τους, να γίνεις συγγενής τους». Το καλύτερο σχολείο για ταλέντο είναι η μελέτη της εθνικότητάς του».

Δεύτερον, ο Ostrovsky μιλάει για την ανάγκη εθνικής ταυτότητας για το δράμα.

Η εθνικότητα της λογοτεχνίας και της τέχνης κατανοείται από τον Οστρόφσκι ως αναπόσπαστο επακόλουθο της εθνικότητάς και της δημοκρατίας τους. «Μόνο η εθνική τέχνη είναι εθνική, γιατί ο αληθινός φορέας της εθνικότητας είναι η λαϊκή, δημοκρατική μάζα».

Στο "The Table Word about Pushkin" - ένα παράδειγμα τέτοιου ποιητή είναι ο Πούσκιν. Ο Πούσκιν είναι εθνικός ποιητής, ο Πούσκιν είναι εθνικός ποιητής. Ο Πούσκιν έπαιξε τεράστιο ρόλο στην ανάπτυξη της ρωσικής λογοτεχνίας επειδή «έδωσε στον Ρώσο συγγραφέα το θάρρος να είναι Ρώσος».

Και τέλος, το τρίτο σημείο αφορά τον κοινωνικά καταγγελτικό χαρακτήρα της λογοτεχνίας. «Όσο πιο δημοφιλές είναι ένα έργο, τόσο πιο κατηγορητικό στοιχείο περιέχει, επειδή το «ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του ρωσικού λαού» είναι η «απέχθεια από όλα όσα έχουν οριστεί έντονα», μια απροθυμία να επιστρέψουμε σε «παλιές, ήδη καταδικασμένες μορφές» ζωή, επιθυμία να «ψάξουμε για το καλύτερο».

Το κοινό περιμένει από την τέχνη να αποκαλύψει τις κακίες και τις ελλείψεις της κοινωνίας, να κρίνει τη ζωή.

Καταδικάζοντας αυτές τις κακίες στο δικό μας καλλιτεχνικές εικόνεςο συγγραφέας τους προκαλεί αποστροφή στο κοινό, τους αναγκάζει να είναι καλύτεροι, πιο ηθικοί. Ως εκ τούτου, «η κοινωνική, καταγγελτική κατεύθυνση μπορεί να ονομαστεί ηθική και δημόσια», τονίζει ο Ostrovsky. Μιλώντας για την κοινωνικά καταγγελτική ή ηθικοκοινωνική κατεύθυνση εννοεί:

Κατηγορητική κριτική του κυρίαρχου τρόπου ζωής. προστασία των θετικών ηθικών αρχών, δηλ. προστατεύοντας τις φιλοδοξίες των απλών ανθρώπων και την επιθυμία τους για κοινωνική δικαιοσύνη.

Έτσι, ο όρος «ηθική-κατηγορητική κατεύθυνση» με την αντικειμενική του σημασία προσεγγίζει την έννοια του κριτικού ρεαλισμού.

Τα έργα του Ostrovsky, που έγραψε στα τέλη της δεκαετίας του '40 και στις αρχές της δεκαετίας του '50, "Picture of Family Happiness", "Notes of a Zamoskvoretsky Resident", "Our People - We will Numberted", "Poor Bride" συνδέονται οργανικά με τη λογοτεχνία του το φυσικό σχολείο.

«Η εικόνα της οικογενειακής ευτυχίας» έχει σε μεγάλο βαθμό τη φύση ενός δραματοποιημένου δοκιμίου: δεν χωρίζεται σε φαινόμενα, δεν υπάρχει συμπέρασμα στην πλοκή. Ο Οστρόφσκι έβαλε στον εαυτό του καθήκον να απεικονίσει τη ζωή των εμπόρων. Ο ήρωας ενδιαφέρεται για τον Οστρόφσκι αποκλειστικά ως εκπρόσωπος της τάξης του, του τρόπου ζωής του, του τρόπου σκέψης του. Ξεπερνά το φυσικό σχολείο. Ο Οστρόφσκι αποκαλύπτει τη στενή σχέση μεταξύ της ηθικής των ηρώων του και της κοινωνικής τους ύπαρξης.

Τοποθετεί την οικογενειακή ζωή των εμπόρων σε άμεση σύνδεση με τις χρηματικές και υλικές σχέσεις αυτού του περιβάλλοντος.

Ο Οστρόφσκι καταδικάζει πλήρως τους ήρωές του. Οι ήρωές του εκφράζουν τις απόψεις τους για την οικογένεια, το γάμο, την εκπαίδευση, σαν να καταδεικνύουν την αγριότητα αυτών των απόψεων.

Αυτή η τεχνική ήταν κοινή στη σατυρική λογοτεχνία της δεκαετίας του '40 - η τεχνική της αυτοέκθεσης.

Το πιο σημαντικό έργο του Ostrovsky στη δεκαετία του '40. - εμφανίστηκε η κωμωδία «Οι άνθρωποι μας - Ας είμαστε αριθμημένοι» (1849), η οποία έγινε αντιληπτή από τους σύγχρονους ως σημαντικό επίτευγμα της φυσικής σχολής στο δράμα.

«Ξεκίνησε με εξαιρετικό τρόπο», γράφει ο Turgenev για τον Ostrovsky.

Η κωμωδία τράβηξε αμέσως την προσοχή των αρχών. Όταν η λογοκρισία υπέβαλε το έργο στον Τσάρο για εξέταση, ο Νικόλαος Α' έγραψε: «Μάταια τυπώθηκε! Απαγορεύεται να παίζεις, σε κάθε περίπτωση».

Το όνομα του Οστρόφσκι συμπεριλήφθηκε στη λίστα των αναξιόπιστων προσώπων και ο θεατρικός συγγραφέας τέθηκε υπό παρακολούθηση της μυστικής αστυνομίας για πέντε χρόνια. Άνοιξε η «Υπόθεση του συγγραφέα Οστρόφσκι».

Ο Οστρόφσκι, όπως και ο Γκόγκολ, επικρίνει τα ίδια τα θεμέλια των σχέσεων που κυριαρχούν στην κοινωνία. Είναι κριτικός στη σύγχρονη κοινωνική ζωή και με αυτή την έννοια είναι οπαδός του Γκόγκολ. Και την ίδια στιγμή, ο Οστρόφσκι αυτοπροσδιορίστηκε αμέσως ως συγγραφέας και καινοτόμος. Συγκρίνοντας τα έργα του πρώιμου σταδίου της δημιουργικότητάς του (1846 -1852) με τις παραδόσεις του Γκόγκολ, θα εντοπίσουμε ποια νέα πράγματα έφερε ο Οστρόφσκι στη λογοτεχνία.

Η δράση της «υψηλής κωμωδίας» του Γκόγκολ λαμβάνει χώρα σαν στον κόσμο της παράλογης πραγματικότητας - «Ο Γενικός Επιθεωρητής».

Ο Γκόγκολ δοκίμασε ένα άτομο στη στάση του απέναντι στην κοινωνία, στο αστικό καθήκον - και έδειξε - έτσι είναι αυτοί οι άνθρωποι. Αυτό είναι το κέντρο των κακών. Δεν σκέφτονται καθόλου την κοινωνία. Καθοδηγούνται στη συμπεριφορά τους από στενά εγωιστικούς υπολογισμούς και εγωιστικά συμφέροντα.

Ο Γκόγκολ δεν εστιάζει στην καθημερινότητα - γέλιο μέσα από δάκρυα. Η γραφειοκρατία του δεν λειτουργεί όπως κοινωνική τάξη, αλλά ως πολιτική δύναμη που καθορίζει τη ζωή του κοινωνικού συνόλου.

Ο Οστρόφσκι έχει κάτι εντελώς διαφορετικό - μια διεξοδική ανάλυση της κοινωνικής ζωής.

Όπως οι ήρωες των δοκιμίων της φυσικής σχολής, οι ήρωες του Οστρόφσκι είναι συνηθισμένοι, τυπικοί εκπρόσωποι του κοινωνικού τους περιβάλλοντος, το οποίο μοιράζονται οι απλοί τους καθημερινή ζωή, όλες τις προκαταλήψεις της.

α) Στο έργο «Our People – Let’s Be Numbered», ο Ostrovsky δημιουργεί μια τυπική βιογραφία ενός εμπόρου, μιλά για το πώς φτιάχνεται το κεφάλαιο.

Ο Μπολσόφ πούλησε πίτες από έναν πάγκο ως παιδί και μετά έγινε ένας από τους πρώτους πλούσιους στο Zamoskvorechye.

Ο Podkhalyuzin έκανε το κεφάλαιό του ληστεύοντας τον ιδιοκτήτη και, τελικά, ο Tishka είναι ένα αγόρι που θέλει, αλλά, ωστόσο, ξέρει ήδη πώς να ευχαριστήσει τον νέο ιδιοκτήτη.

Εδώ δίνονται, λες, τρία στάδια της καριέρας ενός εμπόρου. Μέσα από τη μοίρα τους, ο Οστρόφσκι έδειξε πώς συντίθεται το κεφάλαιο.

β) Η ιδιαιτερότητα της δραματουργίας του Οστρόφσκι ήταν ότι αυτό το ερώτημα είναι πώς συντίθεται το κεφάλαιο σε εμπορικό περιβάλλον– έδειξε μέσα από τη θεώρηση των ενδοοικογενειακών, καθημερινών, συνηθισμένων σχέσεων.

Ο Οστρόφσκι ήταν ο πρώτος στο ρωσικό δράμα που εξέτασε, κλωστή προς κλωστή, τον ιστό των καθημερινών, καθημερινών σχέσεων. Ήταν ο πρώτος που εισήγαγε στη σφαίρα της τέχνης όλα αυτά τα μικρά πράγματα της ζωής, τα οικογενειακά μυστικά, τις μικρές οικιακές υποθέσεις. Ένας τεράστιος χώρος καταλαμβάνεται από φαινομενικά ανούσιο καθημερινές σκηνές. Δίνεται μεγάλη προσοχή στις πόζες, τις χειρονομίες των χαρακτήρων, τον τρόπο ομιλίας τους και την ίδια την ομιλία τους.

Τα πρώτα έργα του Οστρόφσκι φάνηκαν ασυνήθιστα στον αναγνώστη, όχι σκηνικά, περισσότερο με αφηγηματικά παρά με δραματικά έργα.

Ο κύκλος των έργων του Οστρόφσκι, που σχετίζεται άμεσα με τη φυσική σχολή της δεκαετίας του '40, κλείνει με το έργο «Η φτωχή νύφη» (1852).

Σε αυτό, ο Ostrovsky δείχνει την ίδια εξάρτηση ενός ατόμου από τις οικονομικές και νομισματικές σχέσεις. Αρκετοί μνηστήρες αναζητούν το χέρι της Marya Andreevna, αλλά αυτός που το παίρνει δεν χρειάζεται να κάνει καμία προσπάθεια για να πετύχει τον στόχο. Γι' αυτόν λειτουργεί ο γνωστός οικονομικός νόμος μιας καπιταλιστικής κοινωνίας, όπου το χρήμα αποφασίζει τα πάντα. Η εικόνα της Marya Andreevna ξεκινά στο έργο του Ostrovsky ένα νέο θέμα γι 'αυτόν για τη θέση ενός φτωχού κοριτσιού σε μια κοινωνία όπου τα πάντα καθορίζονται από εμπορικούς υπολογισμούς. («Δάσος», «Νοσοκόμα», «Προίκα»).

Έτσι, για πρώτη φορά στον Οστρόφσκι (σε ​​αντίθεση με τον Γκόγκολ) εμφανίζεται όχι μόνο μια κακία, αλλά και ένα θύμα της κακίας. Εκτός από τους κύριους της σύγχρονης κοινωνίας, εμφανίζονται και εκείνοι που τους αντιτίθενται - φιλοδοξίες των οποίων οι ανάγκες έρχονται σε σύγκρουση με τους νόμους και τα έθιμα αυτού του περιβάλλοντος. Αυτό συνεπαγόταν νέα χρώματα. Ο Οστρόφσκι ανακάλυψε νέες πλευρές του ταλέντου του - τον δραματικό σατιρισμό. «Θα είμαστε οι δικοί μας άνθρωποι» - σατιρικό.

Το καλλιτεχνικό ύφος του Οστρόφσκι σε αυτό το έργο διαφέρει ακόμη περισσότερο από τη δραματουργία του Γκόγκολ. Η πλοκή χάνει όλη της την άκρη εδώ. Βασίζεται σε μια συνηθισμένη υπόθεση. Το θέμα που ακούστηκε στο «Γάμος» του Γκόγκολ και έλαβε σατιρική κάλυψη - η μετατροπή του γάμου σε αγοραπωλησία, απέκτησε εδώ έναν τραγικό ήχο.

Ταυτόχρονα όμως είναι κωμωδία ως προς τους χαρακτήρες και τις καταστάσεις της. Αλλά αν οι ήρωες του Γκόγκολ προκαλούν γέλιο και καταδίκη από το κοινό, τότε στον Οστρόφσκι ο θεατής είδε την καθημερινότητά τους, ένιωσε βαθιά συμπάθεια για κάποιους και καταδίκασε άλλους.

Το δεύτερο στάδιο της δραστηριότητας του Οστρόφσκι (1853 – 1855) χαρακτηρίστηκε από σλαβόφιλες επιρροές.

Πρώτα απ 'όλα, αυτή η μετάβαση του Οστρόφσκι σε σλαβόφιλες θέσεις πρέπει να εξηγηθεί από την ενίσχυση της ατμόσφαιρας, την αντίδραση, η οποία εγκαθιδρύθηκε στη «ζοφερή επταετία» του 1848 - 1855.

Πού ακριβώς εμφανίστηκε αυτή η επιρροή, ποιες ιδέες των Σλαβόφιλων αποδείχτηκαν κοντά στον Οστρόφσκι; Πρώτα απ 'όλα, η προσέγγιση του Ostrovsky με το λεγόμενο «νεαρό συντακτικό προσωπικό» του Moskvityanin, η συμπεριφορά του οποίου πρέπει να εξηγηθεί από το χαρακτηριστικό ενδιαφέρον τους για τη ρωσική εθνική ζωή, τη λαϊκή τέχνη και το ιστορικό παρελθόν του λαού, που ήταν πολύ κοντά στον Ostrovsky. .

Όμως ο Οστρόφσκι απέτυχε να διακρίνει σε αυτό το ενδιαφέρον την κύρια συντηρητική αρχή, που εκδηλώθηκε στις υπάρχουσες κοινωνικές αντιφάσεις, σε μια εχθρική στάση απέναντι στην έννοια της ιστορικής προόδου, σε θαυμασμό για καθετί πατριαρχικό.

Στην πραγματικότητα, οι σλαβόφιλοι λειτουργούσαν ως ιδεολόγοι των κοινωνικά καθυστερημένων στοιχείων της μικροαστικής τάξης και της μεσαίας τάξης.

Ένας από τους πιο εξέχοντες ιδεολόγους της «Νεαρής Συντακτικής Επιτροπής» του «Moskvityanin», ο Απόλλων Γκριγκόριεφ, υποστήριξε ότι υπάρχει ένα ενιαίο «εθνικό πνεύμα» που αποτελεί την οργανική βάση της ζωής των ανθρώπων. Η αποτύπωση αυτού του εθνικού πνεύματος είναι το πιο σημαντικό πράγμα για έναν συγγραφέα.

Οι κοινωνικές αντιθέσεις, η ταξική πάλη είναι ιστορικά στρώματα που θα ξεπεραστούν και που δεν παραβιάζουν την ενότητα του έθνους.

Ο συγγραφέας πρέπει να δείξει τις αιώνιες ηθικές αρχές του χαρακτήρα του λαού. Ο φορέας αυτών των αιώνιων ηθικών αρχών, το πνεύμα του λαού, είναι η «μεσαία, βιομηχανική, εμπορική» τάξη, γιατί αυτή ήταν που διατήρησε την πατριαρχία των παραδόσεων της παλιάς Ρωσίας, διατήρησε την πίστη, τα ήθη και τη γλώσσα. των πατέρων τους. Αυτή η τάξη δεν έχει επηρεαστεί από το ψεύδος του πολιτισμού.

Η επίσημη αναγνώριση αυτού του δόγματος του Ostrovsky είναι η επιστολή του τον Σεπτέμβριο του 1853 στον Pogodin (εκδότης του Moskvityanin), στην οποία ο Ostrovsky γράφει ότι έχει γίνει πλέον υποστηρικτής της «νέας κατεύθυνσης», η ουσία της οποίας είναι να κάνει έκκληση στη θετική αρχές της καθημερινής ζωής και του εθνικού χαρακτήρα.

Η παλιά άποψη των πραγμάτων του φαίνεται τώρα «νεαρός και πολύ σκληρός». Η αποκάλυψη των κοινωνικών κακών δεν φαίνεται να είναι το κύριο καθήκον.

«Θα υπάρχουν διορθωτές ακόμα και χωρίς εμάς. Για να έχετε το δικαίωμα να διορθώνετε τους ανθρώπους χωρίς να τους προσβάλλετε, πρέπει να τους δείξετε ότι γνωρίζετε το καλό τους» (Σεπτέμβριος 1853), γράφει ο Ostrovsky.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του ρωσικού λαού του Οστρόφσκι σε αυτό το στάδιο φαίνεται ότι δεν είναι η προθυμία του να απαρνηθεί τα ξεπερασμένα πρότυπα ζωής, αλλά η πατριαρχία, η δέσμευση σε αμετάβλητες, θεμελιώδεις συνθήκες ζωής. Ο Οστρόφσκι θέλει τώρα να συνδυάσει το «υψηλό με το κωμικό» στα έργα του, κατανοώντας από το υψηλό τα θετικά χαρακτηριστικά της εμπορικής ζωής και από το «κόμικ» - ό,τι βρίσκεται έξω από τον εμπορικό κύκλο, αλλά ασκεί την επιρροή του σε αυτό.

Αυτές οι νέες απόψεις του Οστρόφσκι βρήκαν έκφραση σε τρία λεγόμενα «σλαβόφιλα» έργα του Οστρόφσκι: «Μην ανεβαίνεις στο δικό σου έλκηθρο», «Η φτώχεια δεν είναι κακία», «Μην ζεις όπως θέλεις».

Και τα τρία σλαβόφιλα έργα του Οστρόφσκι έχουν μια καθοριστική αρχή - μια προσπάθεια εξιδανίκευσης των πατριαρχικών θεμελίων της ζωής και της οικογενειακής ηθικής των εμπόρων.

Και σε αυτά τα έργα ο Οστρόφσκι στρέφεται σε οικογενειακά και καθημερινά θέματα. Πίσω τους όμως δεν υπάρχουν πλέον οικονομικές και κοινωνικές σχέσεις.

Οι οικογενειακές και οι καθημερινές σχέσεις ερμηνεύονται με καθαρά ηθική έννοια - όλα εξαρτώνται από τις ηθικές ιδιότητες των ανθρώπων, δεν υπάρχουν υλικά ή χρηματικά συμφέροντα πίσω από αυτό. Ο Οστρόφσκι προσπαθεί να βρει έναν τρόπο να επιλύσει τις αντιθέσεις ηθικά, στην ηθική αναγέννηση των ηρώων. (Η ηθική φώτιση του Gordey Tortsov, η ευγένεια της ψυχής του Borodkin και του Rusakov). Η τυραννία δικαιολογείται όχι τόσο από την ύπαρξη κεφαλαίου, τις οικονομικές σχέσεις, αλλά από τα προσωπικά χαρακτηριστικά ενός ανθρώπου.

Ο Οστρόφσκι απεικονίζει εκείνες τις πτυχές της εμπορικής ζωής στις οποίες, όπως του φαίνεται, συμπυκνώνεται το εθνικό, το λεγόμενο «εθνικό πνεύμα». Ως εκ τούτου, εστιάζει στις ποιητικές, φωτεινές πλευρές της εμπορικής ζωής, εισάγει τελετουργικά και λαογραφικά μοτίβα, δείχνοντας τη «λαϊκή-επική» αρχή της ζωής των ηρώων εις βάρος της κοινωνικής τους βεβαιότητας.

Ο Οστρόφσκι τόνισε στα έργα αυτής της περιόδου την εγγύτητα των εμπορικών ηρώων του με τους ανθρώπους, τους κοινωνικούς και καθημερινούς δεσμούς τους με την αγροτιά. Λένε για τον εαυτό τους ότι είναι «απλοί» άνθρωποι, «κακομεταχειρισμένοι», ότι οι πατεράδες τους ήταν χωρικοί.

Από καλλιτεχνική άποψη, τα έργα αυτά είναι σαφώς πιο αδύναμα από τα προηγούμενα. Η σύνθεσή τους απλοποιήθηκε σκόπιμα, οι χαρακτήρες αποδείχθηκαν λιγότερο σαφείς και οι καταλήξεις λιγότερο δικαιολογημένες.

Τα έργα αυτής της περιόδου χαρακτηρίζονται από διδακτικό χαρακτήρα, αντιπαραθέτουν ανοιχτά τις φωτεινές και σκοτεινές αρχές, οι χαρακτήρες χωρίζονται έντονα σε «καλό» και «κακό» και η κακία τιμωρείται στην κατάργηση. Τα έργα της «σλαβόφιλης περιόδου» χαρακτηρίζονται από ανοιχτή ηθικολογία, συναισθηματισμό και οικοδόμηση.

Ταυτόχρονα, πρέπει να ειπωθεί ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ο Ostrovsky, γενικά, παρέμεινε σε μια ρεαλιστική θέση. Σύμφωνα με τον Dobrolyubov, «η δύναμη του άμεσου καλλιτεχνικού συναισθήματος δεν θα μπορούσε να εγκαταλείψει τον συγγραφέα εδώ, και ως εκ τούτου συγκεκριμένες καταστάσεις και μεμονωμένοι χαρακτήρες διακρίνονται από γνήσια αλήθεια».

Η σημασία των θεατρικών έργων του Οστρόφσκι, που γράφτηκαν αυτή την περίοδο, έγκειται κυρίως στο γεγονός ότι συνεχίζουν να γελοιοποιούν και να καταδικάζουν την τυραννία με όποια μορφή εκδηλώνεται / Αγαπάμε τον Τόρτσοφ /. (Αν ο Μπολσόφ είναι ένας αγενής και ευθύς τύπος τυράννου, τότε ο Ρουσάκοφ είναι μαλακός και πράος).

Ντομπρολιούμποφ: «Στον Μπολσόφ είδαμε μια σφριγηλή φύση, υποκείμενη στην επιρροή της εμπορικής ζωής, στον Ρουσάκοφ μας φαίνεται: αλλά έτσι γίνονται μαζί του ακόμη και οι ειλικρινείς και ευγενικές φύσεις».

Μπολσόφ: «Τι είμαι εγώ και ο πατέρας μου αν δεν δίνω εντολές;»

Ρουσάκοφ: «Δεν θα το παρατήσω για αυτόν που αγαπά, αλλά για αυτόν που αγαπώ».

Ο έπαινος της πατριαρχικής ζωής συνδυάζεται αντιφατικά σε αυτά τα έργα με την παραγωγή συγκινητικών κοινωνικά ζητήματα, αλλά η επιθυμία δημιουργίας εικόνων που θα ενσαρκώνουν τα εθνικά ιδεώδη (Ρουσάκοφ, Μπορόντκιν), με συμπάθεια για τους νέους που φέρνουν νέες φιλοδοξίες, αντίθεση σε καθετί πατριαρχικό και παλιό. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Αυτά τα έργα εξέφραζαν την επιθυμία του Οστρόφσκι να βρει μια φωτεινή, θετική αρχή στους απλούς ανθρώπους.

Έτσι προκύπτει το θέμα του λαϊκού ουμανισμού, το εύρος της φύσης του απλού ανθρώπου, το οποίο εκφράζεται στην ικανότητα να κοιτάζει με τόλμη και ανεξάρτητα το περιβάλλον και στην ικανότητα να θυσιάζει μερικές φορές τα συμφέροντά του για χάρη των άλλων.

Αυτό το θέμα ακούστηκε στη συνέχεια σε τέτοια κεντρικά έργα του Οστρόφσκι όπως "Η καταιγίδα", "Δάσος", "Προίκα".

Η ιδέα της δημιουργίας μιας λαϊκής παράστασης - μιας διδακτικής παράστασης - δεν ήταν ξένη στον Οστρόφσκι όταν δημιούργησε τα «Η φτώχεια δεν είναι βίτσιο» και «Μη ζεις όπως θέλεις».

Ο Οστρόφσκι προσπάθησε να μεταφέρει τις ηθικές αρχές των ανθρώπων, την αισθητική βάση της ζωής τους και να προκαλέσει μια απάντηση από έναν δημοκρατικό θεατή στην ποίηση της γενέτειρας ζωής τους και της εθνικής αρχαιότητας.

Ο Οστρόφσκι καθοδηγήθηκε από την ευγενή επιθυμία «να δώσει στον δημοκρατικό θεατή έναν αρχικό πολιτισμικό εμβολιασμό». Ένα άλλο πράγμα είναι η εξιδανίκευση της ταπεινοφροσύνης, της υπακοής και του συντηρητισμού.

Ενδιαφέρουσα είναι η αξιολόγηση των σλαβόφιλων θεατρικών έργων στα άρθρα του Chernyshevsky «Η φτώχεια δεν είναι βίτσιο» και του Dobrolyubov «The Dark Kingdom».

Ο Τσερνισέφσκι έγραψε το άρθρο του το 1854, όταν ο Οστρόφσκι ήταν κοντά στους Σλαβόφιλους και υπήρχε ο κίνδυνος να απομακρυνθεί ο Οστρόφσκι από ρεαλιστικές θέσεις. Ο Τσερνισέφσκι αποκαλεί τα έργα του Οστρόφσκι "Η φτώχεια δεν είναι βίτσιο" και "Μην κάθεσαι στο δικό σου έλκηθρο" "ψεύτικα", αλλά στη συνέχεια συνεχίζει: "Ο Οστρόφσκι δεν έχει καταστρέψει ακόμα το υπέροχο ταλέντο του, πρέπει να επιστρέψει στη ρεαλιστική κατεύθυνση". «Στην πραγματικότητα, η δύναμη του ταλέντου, η λάθος κατεύθυνση καταστρέφει ακόμα και το πιο δυνατό ταλέντο», καταλήγει ο Τσερνισέφσκι.

Το άρθρο του Dobrolyubov γράφτηκε το 1859, όταν ο Ostrovsky απελευθερώθηκε από τις σλαβόφιλες επιρροές. Ήταν άσκοπο να θυμηθούμε προηγούμενες παρανοήσεις και ο Dobrolyubov, περιοριζόμενος σε μια αόριστη υπόδειξη για αυτό το παρτιτούρα, εστιάζει στην αποκάλυψη της ρεαλιστικής αρχής αυτών των ίδιων έργων.

Οι εκτιμήσεις του Chernyshevsky και του Dobrolyubov αλληλοσυμπληρώνονται και αποτελούν παράδειγμα των αρχών της επαναστατικής-δημοκρατικής κριτικής.

Στις αρχές του 1856 αρχίζει νέο στάδιοστα έργα του Οστρόφσκι.

Ο θεατρικός συγγραφέας έρχεται πιο κοντά με τους εκδότες του Sovremennik. Αυτή η προσέγγιση συμπίπτει με την περίοδο της ανόδου των προοδευτικών κοινωνικών δυνάμεων, με την ωρίμανση μιας επαναστατικής κατάστασης.

Αυτός, σαν να ακολουθεί τη συμβουλή του Nekrasov, επιστρέφει στο μονοπάτι της μελέτης της κοινωνικής πραγματικότητας, στο μονοπάτι της δημιουργίας αναλυτικών θεατρικών έργων που δίνουν εικόνες της σύγχρονης ζωής.

(Σε μια ανασκόπηση του έργου «Μην ζεις όπως θέλεις», ο Νεκράσοφ τον συμβούλεψε, εγκαταλείποντας όλες τις προκατασκευασμένες ιδέες, να ακολουθήσει τον δρόμο στον οποίο θα οδηγούσε το δικό του ταλέντο: «να δώσει ελεύθερη ανάπτυξη στο ταλέντο σου» - το μονοπάτι απεικόνισης της πραγματικής ζωής).

Ο Τσερνισέφσκι τονίζει «Το υπέροχο ταλέντο του Οστρόφσκι, το δυνατό ταλέντο του. Dobrolyubov - «η δύναμη της καλλιτεχνικής αίσθησης» του θεατρικού συγγραφέα.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Οστρόφσκι δημιούργησε τόσο σημαντικά έργα όπως «Ο μαθητής», «Κερδοφόρος τόπος», η τριλογία για τον Μπαλζαμίνοφ και, τέλος, κατά τη διάρκεια της επαναστατικής κατάστασης - «Η καταιγίδα».

Αυτή η περίοδος του έργου του Ostrovsky χαρακτηρίζεται, πρώτα απ 'όλα, από μια διεύρυνση του πεδίου των φαινομένων της ζωής και μια επέκταση των θεμάτων.

Πρώτον, στο πεδίο της έρευνάς του, που περιελάμβανε τον γαιοκτήμονα, το δουλοπάροικο, ο Ostrovsky έδειξε ότι η γαιοκτήμονας Ulanbekova («Ο μαθητής») κοροϊδεύει τα θύματά της εξίσου σκληρά με τους αγράμματους, σκιερούς εμπόρους.

Ο Οστρόφσκι δείχνει ότι στο περιβάλλον των γαιοκτημόνων-ευγενών, όπως και στο περιβάλλον των εμπόρων, διεξάγεται ο ίδιος αγώνας ανάμεσα σε πλούσιους και φτωχούς, μεγαλύτερους και νεότερους.

Επιπλέον, κατά την ίδια περίοδο, ο Ostrovsky έθεσε το θέμα του φιλιστινισμού. Ο Οστρόφσκι ήταν ο πρώτος Ρώσος συγγραφέας που παρατήρησε και ανακάλυψε καλλιτεχνικά τον φιλιστινισμό ως κοινωνική ομάδα.

Ο θεατρικός συγγραφέας ανακάλυψε στον φιλιστινισμό ένα κυρίαρχο και επισκιάζοντας όλα τα άλλα ενδιαφέροντα για τα υλικά πράγματα, αυτό που ο Γκόρκι όρισε αργότερα ως «μια τερατώδη ανεπτυγμένη αίσθηση ιδιοκτησίας».

Στην τριλογία για τον Μπαλζαμίνοφ («Υπνος των διακοπών - πριν το μεσημεριανό γεύμα», «Τα δικά σου σκυλιά δαγκώνουν, μην πειράξεις κάποιου άλλου», «Αυτό που πας είναι αυτό που θα βρεις») /1857-1861/, ο Οστρόφσκι καταγγέλλει το αστικός τρόπος ύπαρξης, με τη νοοτροπία και τους περιορισμούς του, τη χυδαιότητα, τη δίψα για κέρδος, τα παράλογα όνειρα.

Η τριλογία για τον Μπαλζαμίνοφ δεν αποκαλύπτει απλώς άγνοια ή στενόμυαλα, αλλά κάποιου είδους πνευματική αθλιότητα, την κατωτερότητα της αστικής τάξης. Η εικόνα χτίζεται στην αντίθεση αυτής της ψυχικής κατωτερότητας, της ηθικής ασημαντότητας - και του εφησυχασμού, της εμπιστοσύνης στο δίκιο κάποιου.

Αυτή η τριλογία περιέχει στοιχεία βοντβίλ, μπουφόν και χαρακτηριστικά εξωτερικής κωμωδίας. Σε αυτήν όμως κυριαρχεί η εσωτερική κωμωδία, αφού η φιγούρα του Μπαλζαμίνοφ είναι εσωτερικά κωμική.

Ο Οστρόφσκι έδειξε ότι το βασίλειο των φιλισταίων είναι το ίδιο σκοτεινό βασίλειο της αδιαπέραστης χυδαιότητας, της αγριότητας, που στοχεύει σε έναν στόχο - το κέρδος.

Το επόμενο έργο, «Κερδοφόρος τόπος», υποδηλώνει την επιστροφή του Οστρόφσκι στο μονοπάτι της «ηθικής και καταγγελτικής» δραματουργίας. Την ίδια περίοδο, ο Οστρόφσκι ανακάλυψε ένα άλλο σκοτεινό βασίλειο - το βασίλειο των αξιωματούχων, τη βασιλική γραφειοκρατία.

Στα χρόνια της κατάργησης της δουλοπαροικίας, η καταγγελία των γραφειοκρατικών ταγμάτων είχε ιδιαίτερη πολιτική σημασία. Η γραφειοκρατία ήταν η πληρέστερη έκφραση του αυταρχικού-δουλοκτητικού συστήματος. Ενσάρκωσε την εκμεταλλευτική και ληστρική ουσία της απολυταρχίας. Αυτό δεν ήταν πλέον απλώς καθημερινή αυθαιρεσία, αλλά παραβίαση κοινών συμφερόντων στο όνομα του νόμου. Σε σχέση με αυτό το έργο ο Dobrolyubov επεκτείνει την έννοια της «τυραννίας», κατανοώντας από αυτήν την αυτοκρατορία γενικά.

Το «A Profitable Place» θυμίζει ως προς τη θεματολογία του την κωμωδία του N. Gogol «The General Inspector». Αλλά αν στον Γενικό Επιθεωρητή οι αξιωματούχοι που διαπράττουν ανομία αισθάνονται ένοχοι και φοβούνται την τιμωρία, τότε οι αξιωματούχοι του Οστρόφσκι είναι εμποτισμένοι με τη συνείδηση ​​της ορθότητας και της ατιμωρησίας τους. Η δωροδοκία και η κακοποίηση φαίνονται σε αυτούς και στους γύρω τους να είναι ο κανόνας.

Ο Οστρόφσκι τόνισε ότι η διαστρέβλωση όλων των ηθικών κανόνων στην κοινωνία είναι νόμος και ο ίδιος ο νόμος είναι κάτι απατηλό. Τόσο οι υπάλληλοι όσο και οι άνθρωποι που εξαρτώνται από αυτούς γνωρίζουν ότι οι νόμοι είναι πάντα με το μέρος αυτού που έχει την εξουσία.

Έτσι, για πρώτη φορά στη λογοτεχνία, ο Ostrovsky εμφανίζει τους αξιωματούχους ως ένα είδος εμπόρων του νόμου. (Ο υπάλληλος μπορεί να στρέψει τον νόμο όπως θέλει).

Ένας νέος ήρωας μπήκε επίσης στο έργο του Οστρόφσκι - ένας νεαρός αξιωματούχος, ο Ζάντοφ, που μόλις είχε αποφοιτήσει από το πανεπιστήμιο. Η σύγκρουση μεταξύ εκπροσώπων του παλιού σχηματισμού και Ζαντόφ αποκτά τη δύναμη μιας ασυμβίβαστης αντίφασης:

α/ Ο Οστρόφσκι μπόρεσε να δείξει την ασυνέπεια των ψευδαισθήσεων για έναν έντιμο αξιωματούχο ως δύναμη ικανή να σταματήσει τις καταχρήσεις της διοίκησης.

β/ αγώνας ενάντια στον «γιουσοβισμό» ή συμβιβασμό, προδοσία ιδανικών - στον Ζάντοφ δεν δόθηκε άλλη επιλογή.

Ο Οστρόφσκι κατήγγειλε το σύστημα, τις συνθήκες διαβίωσης που προκαλούν δωροδοκίες. Η προοδευτική σημασία της κωμωδίας έγκειται στο γεγονός ότι σε αυτήν η ασυμβίβαστη άρνηση του παλιού κόσμου και ο «γιουσοβισμός» συγχωνεύτηκαν με την αναζήτηση μιας νέας ηθικής.

Ο Ζάντοφ είναι αδύναμος άνθρωπος, δεν αντέχει τον αγώνα, πηγαίνει επίσης να ζητήσει μια «προσοδοφόρα θέση».

Ο Τσερνισέφσκι πίστευε ότι το έργο θα ήταν ακόμα πιο δυνατό αν είχε τελειώσει με την τέταρτη πράξη, δηλαδή με την κραυγή απελπισίας του Ζάντοφ: «Θα πάμε στον θείο για να ζητήσουμε μια προσοδοφόρα θέση!». Στο πέμπτο, ο Ζάντοφ αντιμετωπίζει την άβυσσο που σχεδόν τον κατέστρεψε ηθικά. Και, αν και το τέλος του Vyshimirsky δεν είναι τυπικό, υπάρχει ένα στοιχείο τύχης στη σωτηρία του Zhadov, τα λόγια του, η πίστη του ότι «κάπου υπάρχουν άλλοι, πιο επίμονοι, άξιοι άνθρωποι» που δεν θα συμβιβαστούν, δεν θα συμφιλιωθούν, δεν θα υποχωρήσουν. , μιλούν για την προοπτική περαιτέρω ανάπτυξης νέων κοινωνικών σχέσεων. Ο Οστρόφσκι προέβλεψε την επερχόμενη κοινωνική έξαρση.

Η ραγδαία ανάπτυξη του ψυχολογικού ρεαλισμού, που παρατηρούμε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, εκδηλώθηκε και στο δράμα. Το μυστικό της δραματικής γραφής του Οστρόφσκι δεν βρίσκεται στα μονοδιάστατα χαρακτηριστικά των ανθρώπινων τύπων, αλλά στην επιθυμία να δημιουργήσει ολόσωμους ανθρώπινους χαρακτήρες, οι εσωτερικές αντιφάσεις και αγώνες των οποίων χρησιμεύουν ως ισχυρή ώθηση για το δραματικό κίνημα. Ο G.A. Tovstonogov μίλησε καλά για αυτό το χαρακτηριστικό του δημιουργικού στυλ του Ostrovsky, αναφερόμενος ιδιαίτερα στον Glumov από την κωμωδία "Simplicity is Enough for Every Wise Man", έναν κάθε άλλο παρά ιδανικό χαρακτήρα: "Γιατί ο Glumov είναι γοητευτικός, αν και διαπράττει μια σειρά από άθλιες πράξεις. Σε τελική ανάλυση, αν δεν είναι συμπονετικός για εμάς, τότε δεν υπάρχει ερμηνεία που τον κάνει γοητευτικό είναι το μίσος του για αυτόν τον κόσμο, και εσωτερικά δικαιολογούμε τον τρόπο με τον οποίο το πληρώνει.

Το ενδιαφέρον για την ανθρώπινη προσωπικότητα σε όλες τις καταστάσεις ανάγκασε τους συγγραφείς να αναζητήσουν μέσα για την έκφρασή τους. Στο δράμα, το κύριο τέτοιο μέσο ήταν η στυλιστική εξατομίκευση της γλώσσας των χαρακτήρων και ο πρωταγωνιστικός ρόλος στην ανάπτυξη αυτής της μεθόδου ανήκε στον Ostrovsky. Επιπλέον, ο Ostrovsky προσπάθησε να προχωρήσει περαιτέρω στον ψυχολογισμό του, στο μονοπάτι να παρέχει στους χαρακτήρες του τη μέγιστη δυνατή ελευθερία στο πλαίσιο του σχεδίου του συγγραφέα - το αποτέλεσμα ενός τέτοιου πειράματος ήταν η εικόνα της Κατερίνα στο "The Thunderstorm" .

Στο «The Thunderstorm», ο Οστρόφσκι ανέβηκε στο επίπεδο να απεικονίζει την τραγική σύγκρουση των ζωντανών ανθρώπινων συναισθημάτων με τη νεκρική οικιακή ζωή.

Παρά την ποικιλία των τύπων δραματικών συγκρούσεων που παρουσιάζονται στα πρώιμα έργα του Ostrovsky, η ποιητική τους και η γενική τους ατμόσφαιρα καθοριζόταν, πρώτα απ 'όλα, από το γεγονός ότι η τυραννία παρουσιάστηκε σε αυτά ως ένα φυσικό και αναπόφευκτο φαινόμενο της ζωής. Ακόμη και τα λεγόμενα «σλαβόφιλα» έργα, με την αναζήτηση φωτεινών και καλών αρχών, δεν κατέστρεψαν ούτε διατάραξαν την καταπιεστική ατμόσφαιρα της τυραννίας. Με αυτόν τον γενικό χρωματισμό χαρακτηρίζεται και το έργο «Η καταιγίδα». Και ταυτόχρονα, υπάρχει μια δύναμη μέσα της που αντιστέκεται αποφασιστικά στην τρομερή, θανατηφόρα ρουτίνα - αυτό είναι το στοιχείο των ανθρώπων, που εκφράζεται τόσο σε λαϊκούς χαρακτήρες (Κατερίνα, πρώτα απ 'όλα, Kuligin και ακόμη και Kudryash), όσο και στα ρωσικά φύση, που γίνεται ουσιαστικό στοιχείο της δραματικής δράσης.

Η παράσταση «Η καταιγίδα», ανέβηκε δύσκολες ερωτήσειςΗ σύγχρονη ζωή και εμφανίστηκε στα έντυπα και στη σκηνή λίγο πριν από τη λεγόμενη «απελευθέρωση» των αγροτών, μαρτυρούσε ότι ο Οστρόφσκι ήταν απαλλαγμένος από κάθε ψευδαίσθηση σχετικά με τα μονοπάτια της κοινωνικής ανάπτυξης στη Ρωσία.

Ακόμη και πριν από τη δημοσίευση, το "The Thunderstorm" εμφανίστηκε στη ρωσική σκηνή. Η πρεμιέρα έγινε στις 16 Νοεμβρίου 1859 στο θέατρο Maly. Στην παράσταση έπαιξαν υπέροχοι ηθοποιοί: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Dikoy), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) και άλλοι. Την παραγωγή σκηνοθέτησε ο ίδιος ο Ν. Οστρόφσκι. Η πρεμιέρα είχε τεράστια επιτυχία και οι επόμενες παραστάσεις ήταν θρίαμβος. Ένα χρόνο μετά τη λαμπρή πρεμιέρα του "The Thunderstorm", το έργο τιμήθηκε με το υψηλότερο ακαδημαϊκό βραβείο - το μεγάλο βραβείο Uvarov.

Στο «The Thunderstorm» καταγγέλλει δριμύτατα κοινωνική τάξηΡωσία και θάνατος κύριος χαρακτήραςφαίνεται από τη θεατρική συγγραφέα ως άμεση συνέπεια της απελπιστικής κατάστασής της στο «σκοτεινό βασίλειο». Η σύγκρουση στο «The Thunderstorm» βασίζεται στην ασυμβίβαστη σύγκρουση της φιλελεύθερης Κατερίνας και τρομακτικός κόσμοςάγρια ​​και αγριογούρουνα, με νόμους για τα ζώα που βασίζονται στη «σκληρότητα, το ψέμα, τον εμπαιγμό και την ταπείνωση του ανθρώπου, η Κατερίνα πήγε ενάντια στην τυραννία και τον σκοταδισμό, οπλισμένη μόνο με τη δύναμη των συναισθημάτων της, τη συνείδηση ​​του δικαιώματος στη ζωή». Η ευτυχία και η αγάπη, σύμφωνα με τη δίκαιη παρατήρηση του Dobrolyubov, «αισθάνεται την ευκαιρία να ικανοποιήσει τη φυσική δίψα της ψυχής της και δεν μπορεί να συνεχίσει να μένει ακίνητη: αγωνίζεται για μια νέα ζωή, ακόμα κι αν πρέπει να πεθάνει σε αυτή την παρόρμηση».

Από την παιδική της ηλικία, η Κατερίνα μεγάλωσε σε ένα μοναδικό περιβάλλον, που αναπτύχθηκε μέσα στη ρομαντική της ονειροπόληση, τη θρησκευτικότητα και τη δίψα για ελευθερία. Αυτά τα χαρακτηριστικά χαρακτήρα αργότερα καθόρισαν την τραγικότητα της κατάστασής της. Μεγαλωμένη σε θρησκευτικό πνεύμα, κατανοεί την «αμαρτωλότητα» των συναισθημάτων της για τον Μπόρις, αλλά δεν μπορεί να αντισταθεί στη φυσική έλξη και δίνεται ολοκληρωτικά σε αυτή την παρόρμηση.

Η Κατερίνα μιλάει όχι μόνο ενάντια στις «έννοιες της ηθικής του Kabanov». Διαμαρτύρεται ανοιχτά για τα αμετάβλητα θρησκευτικά δόγματα που επιβεβαιώνουν το κατηγορηματικό απαραβίαστο του εκκλησιαστικού γάμου και καταδικάζουν την αυτοκτονία ως αντίθετη με τη χριστιανική διδασκαλία. Έχοντας κατά νου αυτή την πληρότητα της διαμαρτυρίας της Κατερίνας, ο Dobrolyubov έγραψε: «Αυτή είναι η αληθινή δύναμη του χαρακτήρα, στην οποία σε κάθε περίπτωση μπορείτε να βασιστείτε! Αυτό είναι το ύψος στο οποίο φθάνει η εθνική μας ζωή στην ανάπτυξή της, αλλά στο οποίο πολύ λίγοι στη λογοτεχνία μας μπόρεσαν να ανέβουν και κανείς δεν ήξερε πώς να μείνει σε αυτό όσο ο Οστρόφσκι».

Η Κατερίνα δεν θέλει να τα βάλει με το θανατηφόρο περιβάλλον γύρω της. «Δεν θέλω να ζήσω εδώ, ακόμα κι αν με κόψεις!» λέει στη Βαρβάρα «Θλιβερή, πικρή είναι η απελευθέρωση», σημείωσε ο Ντομπρολιούμποφ Δεν υπάρχει άλλη διέξοδος» Ο χαρακτήρας της Κατερίνας είναι περίπλοκος και πολύπλευρος Αυτή η πολυπλοκότητα αποδεικνύεται με τον πιο εύγλωττο τρόπο, ίσως, από το γεγονός ότι πολλοί εξαιρετικοί ερμηνευτές, ξεκινώντας από τους φαινομενικά εντελώς αντίθετους κυρίαρχους του χαρακτήρα του κύριου ήρωα, δεν μπόρεσαν να το κάνουν πλήρως. εξαντλήσει όλα αυτά τα διαφορετικά, οι ερμηνείες δεν αποκάλυψαν πλήρως το κύριο πράγμα στον χαρακτήρα της Κατερίνας: ο έρωτάς της, στον οποίο παραδίδεται με όλο τον αυθορμητισμό της νεανικής της φύσης, η φύση της είναι ασήμαντη Η αίσθηση της ομορφιάς, μια ποιητική αντίληψη της φύσης, ωστόσο, ο χαρακτήρας της είναι δεδομένος στην κίνηση, στην ανάπτυξη, όπως ξέρουμε από το έργο, δεν χρειάζονται άλλες περιοχές εφαρμογής. Η προσευχή, η υπηρεσία, οι μύθοι είναι επίσης μέσα ικανοποίησης του ποιητικού αισθήματος του κύριου ήρωα.

Ο Dobrolyubov έγραψε: «Δεν είναι οι τελετουργίες που την απασχολούν στην εκκλησία: δεν ακούει καν τι τραγουδούν και διαβάζουν εκεί. έχει άλλη μουσική στην ψυχή της, διαφορετικά οράματα, γι' αυτήν η υπηρεσία τελειώνει ανεπαίσθητα, σαν σε ένα δευτερόλεπτο. Την καταλαμβάνουν δέντρα, ζωγραφισμένα παράξενα πάνω σε εικόνες, και φαντάζεται μια ολόκληρη χώρα με κήπους, όπου όλα τα δέντρα είναι έτσι, και όλα είναι ανθισμένα, ευωδιαστά, όλα είναι γεμάτα ουράνιο τραγούδι. Διαφορετικά, μια ηλιόλουστη μέρα, θα δει πώς "μια τέτοια φωτεινή κολόνα κατεβαίνει από τον τρούλο, και καπνός κινείται σε αυτήν την κολόνα, σαν σύννεφα", και τώρα βλέπει, "σαν άγγελοι να πετούν και να τραγουδούν σε αυτό κολόνα." Μερικές φορές θα παρουσιάσει τον εαυτό της - γιατί να μην πετάξει; Και όταν στέκεται σε ένα βουνό, την τραβάει να πετάξει: έτσι ακριβώς, θα έτρεχε, θα σήκωνε τα χέρια της και θα πετούσε...»

Μια νέα, αλλά ανεξερεύνητη σφαίρα εκδήλωσης των πνευματικών της δυνάμεων ήταν η αγάπη της για τον Μπόρις, που τελικά έγινε η αιτία της τραγωδίας της. «Το πάθος μιας νευρικής, παθιασμένης γυναίκας και ο αγώνας με το χρέος, η πτώση, η μετάνοια και η δύσκολη εξιλέωση της ενοχής - όλα αυτά είναι γεμάτα με το πιο ζωντανό δραματικό ενδιαφέρον και διεξάγονται με εξαιρετική τέχνη και γνώση της καρδιάς», I. A. Goncharov σωστά σημειώθηκε.

Πόσο συχνά καταδικάζεται το πάθος και ο αυθορμητισμός της φύσης της Κατερίνας και ο βαθύς πνευματικός της αγώνας γίνεται αντιληπτός ως εκδήλωση αδυναμίας. Εν τω μεταξύ, στα απομνημονεύματα του καλλιτέχνη E. B. Piunova-Schmidthof βρίσκουμε την περίεργη ιστορία του Ostrovsky για την ηρωίδα του: «Η Katerina», μου είπε ο Alexander Nikolaevich, «είναι μια γυναίκα με παθιασμένη φύση και δυνατό χαρακτήρα. Το απέδειξε με την αγάπη της για τον Μπόρις και την αυτοκτονία. Η Κατερίνα, αν και πνιγμένη από το περιβάλλον της, με την πρώτη ευκαιρία παραδίδεται στο πάθος της, λέγοντας πριν από αυτό: «Έλα ό,τι μπορεί, θα δω τον Μπόρις!». Μπροστά στην εικόνα της κόλασης, η Κατερίνα δεν οργίζεται και δεν ουρλιάζει, αλλά μόνο με το πρόσωπο και ολόκληρη τη φιγούρα της πρέπει να απεικονίζει τον θανάσιμο φόβο. Στη σκηνή του αποχαιρετισμού στον Μπόρις, η Κατερίνα μιλάει ήσυχα, σαν ασθενής και μόνο τελευταία λόγια: «Φίλε μου! Χαρά μου! Αντίο!" - προφέρει όσο πιο δυνατά γίνεται. Η κατάσταση της Κατερίνας έγινε απελπιστική. Δεν μπορείς να ζήσεις στο σπίτι του συζύγου σου... Δεν υπάρχει πουθενά να πας. Στους γονείς σου; Ναι, τότε θα την είχαν δέσει και θα την είχαν φέρει στον άντρα της. Η Κατερίνα κατέληξε στο συμπέρασμα ότι ήταν αδύνατο να ζήσει όπως ζούσε πριν, και έχοντας ισχυρή θέληση πνίγηκε τον εαυτό της...»

«Χωρίς φόβο ότι θα κατηγορηθώ για υπερβολή», έγραψε ο I. A. Goncharov, «μπορώ να πω με όλη τη συνείδηση ​​ότι δεν υπήρξε ποτέ στη λογοτεχνία μας ένα τέτοιο έργο ως δράμα. Αναμφίβολα καταλαμβάνει και πιθανότατα θα καταλαμβάνει για πολύ καιρό την πρώτη θέση στις υψηλές κλασικές ομορφιές. Ανεξάρτητα από ποια πλευρά είναι παρμένη, είτε από την πλευρά του σχεδίου δημιουργίας, είτε από τη δραματική κίνηση, είτε, τέλος, από τους χαρακτήρες, παντού αιχμαλωτίζεται από τη δύναμη της δημιουργικότητας, τη λεπτότητα της παρατήρησης και τη χάρη της διακόσμησης. ” Στο «The Thunderstorm», σύμφωνα με τον Goncharov, «μια ευρεία εικόνα της εθνικής ζωής και των ηθών έχει κατασταλάξει».

Ο Οστρόφσκι συνέλαβε την Καταιγίδα ως κωμωδία και στη συνέχεια την ονόμασε δράμα. Ο N. A. Dobrolyubov μίλησε πολύ προσεκτικά για τη φύση του είδους του "The Thunderstorm". Έγραψε ότι «οι αμοιβαίες σχέσεις τυραννίας και αφωνίας οδηγούνται στις πιο τραγικές συνέπειες».

ΝΑ μέσα του 19ουαιώνα, ο ορισμός του Dobrolyubov για το «παιχνίδι της ζωής» αποδείχθηκε πιο ευρύχωρος από τον παραδοσιακό διαχωρισμό της δραματικής τέχνης, που εξακολουθούσε να υφίσταται το βάρος των κλασικιστικών κανόνων. Στη ρωσική δραματουργία, υπήρχε μια διαδικασία προσέγγισης της δραματικής ποίησης στην καθημερινή πραγματικότητα, η οποία επηρέασε φυσικά το είδος τους. Ο Οστρόφσκι, για παράδειγμα, έγραψε: «Η ιστορία της ρωσικής λογοτεχνίας έχει δύο κλάδους που τελικά συγχωνεύθηκαν: ο ένας είναι εμβολιασμένος και είναι απόγονος ενός ξένου, αλλά με καλές ρίζες σπόρων. πηγαίνει από το Lomonosov μέσω των Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky και άλλων. στον Πούσκιν, όπου αρχίζει να συγκλίνει με έναν άλλο. το άλλο - από το Kantemir, μέσα από τις κωμωδίες του ίδιου Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboyedov έως Gogol. και τα δύο ήταν εντελώς συγχωνευμένα μέσα του. ο δυϊσμός τελείωσε. Από τη μια: αξιέπαινες ωδές, γαλλικές τραγωδίες, μιμήσεις των αρχαίων, η ευαισθησία του τέλους του 18ου αιώνα, γερμανικός ρομαντισμός, ξέφρενη νεανική λογοτεχνία? και από την άλλη: σάτιρες, κωμωδίες, κωμωδίες και « Dead Souls«Η Ρωσία φαινόταν ταυτόχρονα, στο πρόσωπο των καλύτερων συγγραφέων της, να ζει, περίοδο με την περίοδο, τη ζωή των ξένων λογοτεχνιών και να αναδεικνύει τη δική της παγκόσμια σημασία».

Η κωμωδία, λοιπόν, αποδείχθηκε ότι ήταν πιο κοντά στα καθημερινά φαινόμενα της ρωσικής ζωής, ανταποκρίθηκε με ευαισθησία σε όλα όσα ανησυχούσαν το ρωσικό κοινό και αναπαρήγαγε τη ζωή στις δραματικές και τραγικές εκδηλώσεις της. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο ο Dobrolyubov προσκολλήθηκε τόσο πεισματικά στον ορισμό του «παιχνιδιού της ζωής», βλέποντας σε αυτό όχι τόσο ένα συμβατικό νόημα του είδους, αλλά την ίδια την αρχή της αναπαραγωγής της σύγχρονης ζωής στο δράμα. Στην πραγματικότητα, ο Ostrovsky μίλησε επίσης για την ίδια αρχή: «Πολλοί συμβατικοί κανόνες έχουν εξαφανιστεί, και κάποιοι άλλοι θα εξαφανιστούν. Τώρα τα δραματικά έργα δεν είναι τίποτα άλλο από τη δραματοποιημένη ζωή." Αυτή η αρχή καθόρισε την ανάπτυξη των δραματικών ειδών στις επόμενες δεκαετίες του 19ου αιώνα. Όσον αφορά το είδος του, το "The Thunderstorm" είναι μια κοινωνική και καθημερινή τραγωδία.

Ο A. I. Revyakin σημειώνει σωστά ότι το κύριο χαρακτηριστικό της τραγωδίας - "η απεικόνιση ασυμβίβαστων αντιφάσεων ζωής που καθορίζουν τον θάνατο του κύριου χαρακτήρα, ο οποίος είναι ένα εξαιρετικό πρόσωπο" - είναι εμφανές στο "The Thunderstorm". Η απεικόνιση της λαϊκής τραγωδίας, φυσικά, συνεπαγόταν νέες, πρωτότυπες εποικοδομητικές μορφές υλοποίησής της. Ο Οστρόφσκι μίλησε επανειλημμένα ενάντια στον αδρανή, παραδοσιακό τρόπο κατασκευής δραματικών έργων. Το "The Thunderstorm" ήταν επίσης καινοτόμο από αυτή την άποψη. Μίλησε για αυτό, όχι χωρίς ειρωνεία, σε μια επιστολή προς τον Τουργκένεφ με ημερομηνία 14 Ιουνίου 1874, ως απάντηση σε μια πρόταση να εκδοθεί η «Καταιγίδα» μεταφρασμένη σε Γάλλος: "Δεν βλάπτει να τυπώσετε το "The Thunderstorm" σε μια καλή γαλλική μετάφραση, μπορεί να κάνει εντύπωση με την πρωτοτυπία του. αλλά το αν θα πρέπει να ανέβει στη σκηνή είναι κάτι που πρέπει να σκεφτούμε. Εκτιμώ ιδιαίτερα την ικανότητα των Γάλλων να κάνουν έργα και φοβάμαι να τους προσβάλω λεπτή γεύσημε την τρομερή του ανικανότητα. Από τη γαλλική σκοπιά, η κατασκευή του «Thunderstorm» είναι άσχημη και πρέπει να ομολογήσω ότι δεν είναι καθόλου συνεκτική. Όταν έγραψα το "The Thunderstorm", παρασύρθηκα με το τελείωμα των κύριων ρόλων και "αντιμετώπισα τη φόρμα με ασυγχώρητη επιπολαιότητα και ταυτόχρονα βιαζόμουν να βρεθώ εγκαίρως για την ευεργετική ερμηνεία του αείμνηστου Βασίλιεφ. .»

Το σκεπτικό της A.I Zhuravleva σχετικά με τη μοναδικότητα του είδους του «The Thunderstorm» είναι ενδιαφέρον: «Το πρόβλημα της ερμηνείας του είδους είναι το πιο σημαντικό κατά την ανάλυση αυτού του έργου. Αν στραφούμε στις επιστημονικές-κριτικές και θεατρικές παραδόσεις ερμηνείας αυτού του έργου, μπορούμε να εντοπίσουμε δύο επικρατούσες τάσεις. Ένα από αυτά υπαγορεύεται από την κατανόηση του «The Thunderstorm» ως κοινωνικού και καθημερινού δράματος, στο οποίο ιδιαίτερο νόημαπροσκολλημένο στην καθημερινότητα. Η προσοχή των σκηνοθετών και, κατά συνέπεια, του κοινού κατανέμεται εξίσου σε όλους τους συμμετέχοντες στη δράση, κάθε άτομο λαμβάνει την ίδια σημασία».

Μια άλλη ερμηνεία καθορίζεται από την κατανόηση του «The Thunderstorm» ως τραγωδίας. Η Zhuravleva πιστεύει ότι μια τέτοια ερμηνεία είναι βαθύτερη και έχει «μεγαλύτερη υποστήριξη στο κείμενο», παρά το γεγονός ότι η ερμηνεία του «The Thunderstorm» ως δράματος βασίζεται στον ορισμό του είδους του ίδιου του Ostrovsky. Ο ερευνητής σωστά σημειώνει ότι «αυτός ο ορισμός είναι ένας φόρος τιμής στην παράδοση». Πράγματι, ολόκληρη η προηγούμενη ιστορία του ρωσικού δράματος δεν παρείχε παραδείγματα τραγωδίας στην οποία οι ήρωες ήταν ιδιώτες και όχι ιστορικά πρόσωπα, ακόμη και θρυλικά. Η «καταιγίδα» παρέμεινε ένα μοναδικό φαινόμενο από αυτή την άποψη. Το βασικό σημείο για την κατανόηση του είδους ενός δραματικού έργου σε αυτή την περίπτωση δεν είναι η «κοινωνική θέση» των χαρακτήρων, αλλά, πρώτα απ 'όλα, η φύση της σύγκρουσης. Αν κατανοήσουμε τον θάνατο της Κατερίνας ως αποτέλεσμα σύγκρουσης με την πεθερά της και τη δούμε ως θύμα οικογενειακής καταπίεσης, τότε η κλίμακα των ηρώων φαίνεται πραγματικά πολύ μικρή για μια τραγωδία. Αλλά αν δείτε ότι η μοίρα της Κατερίνας καθορίστηκε από τη σύγκρουση δύο ιστορικών εποχών, τότε η τραγική φύση της σύγκρουσης φαίνεται απολύτως φυσική.

Χαρακτηριστικό γνώρισμα μιας τραγικής δομής είναι η αίσθηση της κάθαρσης που βιώνει το κοινό κατά τη διάρκεια του διαγωνισμού. Με το θάνατο, η ηρωίδα απελευθερώνεται τόσο από την καταπίεση όσο και από τις εσωτερικές αντιφάσεις που τη βασανίζουν.

Έτσι, το κοινωνικό και καθημερινό δράμα από τη ζωή της τάξης των εμπόρων εξελίσσεται σε τραγωδία. Μέσα από την αγάπη και την καθημερινή σύγκρουση, ο Οστρόφσκι μπόρεσε να δείξει την αλλαγή της εποχής που συντελείται στη λαϊκή συνείδηση. Η αφυπνιστική αίσθηση προσωπικότητας και μια νέα στάση απέναντι στον κόσμο, που δεν βασίζεται στην ατομική έκφραση της βούλησης, αποδείχθηκε ότι ήταν σε ασυμβίβαστο ανταγωνισμό όχι μόνο με την πραγματική, καθημερινή αξιόπιστη κατάσταση του σύγχρονου πατριαρχικού τρόπου ζωής του Ostrovsky, αλλά και με το ιδανικό ιδέα της ηθικής που ενυπάρχει στην υψηλή ηρωίδα.

Αυτή η μετατροπή του δράματος σε τραγωδία συνέβη επίσης χάρη στον θρίαμβο του λυρικού στοιχείου στο «The Thunderstorm».

Ο συμβολισμός του τίτλου του έργου είναι σημαντικός. Πρώτα απ 'όλα, η λέξη «καταιγίδα» έχει άμεση σημασία στο κείμενό της. Ο χαρακτήρας του τίτλου εντάσσεται από τον θεατρικό συγγραφέα στην εξέλιξη της δράσης και συμμετέχει άμεσα σε αυτήν ως φυσικό φαινόμενο. Το μοτίβο της καταιγίδας αναπτύσσεται στο έργο από την πρώτη έως την τέταρτη πράξη. Ταυτόχρονα, ο Οστρόφσκι αναδημιουργούσε επίσης την εικόνα μιας καταιγίδας ως τοπίο: σκοτεινά σύννεφα γεμάτα υγρασία («σαν ένα σύννεφο να κουλουριάζεται σε μια μπάλα»), νιώθουμε το μπούκωμα στον αέρα, ακούμε το βουητό της βροντής , παγώνουμε μπροστά στο φως του κεραυνού.

Ο τίτλος του έργου έχει και μεταφορική σημασία. Μια καταιγίδα μαίνεται στην ψυχή της Κατερίνας, εκδηλώνεται με τον αγώνα δημιουργικών και καταστροφικών αρχών, τη σύγκρουση φωτεινών και σκοτεινών προαισθημάτων, καλών και αμαρτωλών συναισθημάτων. Οι σκηνές με τον Γκρόχα μοιάζουν να προωθούν τη δραματική δράση του έργου.

Η καταιγίδα στο έργο αποκτά και συμβολικό νόημα, εκφράζοντας την ιδέα ολόκληρου του έργου στο σύνολό του. Εμφάνιση σε σκοτεινό βασίλειοάνθρωποι όπως η Κατερίνα και ο Κουλίγκιν είναι μια καταιγίδα πάνω από τον Καλίνοφ. Η καταιγίδα στο έργο μεταφέρει την καταστροφική φύση της ύπαρξης, την κατάσταση ενός κόσμου χωρισμένου στα δύο. Η ποικιλομορφία και η ευελιξία του τίτλου του έργου γίνεται ένα είδος κλειδιού για μια βαθύτερη κατανόηση της ουσίας του.

«Στο έργο του κυρίου Οστρόφσκι, που φέρει το όνομα «Η καταιγίδα», έγραψε ο A.D. Galakhov, «η δράση και η ατμόσφαιρα είναι τραγικές, αν και πολλά μέρη προκαλούν γέλιο». Το «The Thunderstorm» συνδυάζει όχι μόνο το τραγικό και το κωμικό, αλλά αυτό που είναι ιδιαίτερα σημαντικό, το επικό και το λυρικό. Όλα αυτά καθορίζουν την πρωτοτυπία της σύνθεσης του έργου. Ο V.E Meyerhold έγραψε για αυτό άριστα: «Η μοναδικότητα της κατασκευής της Καταιγίδας είναι ότι υψηλότερο σημείοΟ Οστρόφσκι δίνει ένταση στην τέταρτη πράξη (και όχι στη δεύτερη σκηνή της δεύτερης πράξης) και η αύξηση του σεναρίου δεν είναι σταδιακή (από τη δεύτερη πράξη μέχρι την τρίτη στην τέταρτη), αλλά με ένα σπρώξιμο, ή μάλλον, με δυο ωθήσεις? η πρώτη άνοδος υποδεικνύεται στη δεύτερη πράξη, στη σκηνή του αποχαιρετισμού της Κατερίνας στον Τίχων (η άνοδος είναι ισχυρή, αλλά όχι ακόμη πολύ δυνατή), και η δεύτερη άνοδος (πολύ δυνατή - αυτό είναι το πιο ευαίσθητο σοκ) στην τέταρτη πράξη , τη στιγμή της μετάνοιας της Κατερίνας.

Ανάμεσα σε αυτές τις δύο πράξεις (που σκηνοθετούνται σαν στις κορυφές δύο άνισων, αλλά απότομα υψωμένων λόφων), η τρίτη πράξη (και με τις δύο σκηνές) βρίσκεται, σαν να λέγαμε, σε μια κοιλάδα».

Δεν είναι δύσκολο να παρατηρήσετε ότι το εσωτερικό σχέδιο της κατασκευής του "The Thunderstorm", που αποκαλύπτεται διακριτικά από τον σκηνοθέτη, καθορίζεται από τα στάδια ανάπτυξης του χαρακτήρα της Κατερίνας, τα στάδια ανάπτυξης των συναισθημάτων της για τον Μπόρις.

Ο A. Anastasyev σημειώνει ότι το έργο του Ostrovsky έχει τη δική του, ιδιαίτερη μοίρα. Για πολλές δεκαετίες, το "The Thunderstorm" δεν άφησε τη σκηνή των ρωσικών θεάτρων N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasiliev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova, έπαιξαν τους κύριους ρόλους P.A.Srepetova, O. Koonen, V. N. Pashennaya. Και την ίδια στιγμή, «οι ιστορικοί του θεάτρου δεν έχουν δει ολοκληρωμένες, αρμονικές, εξαιρετικές παραστάσεις». Το άλυτο μυστήριο αυτής της μεγάλης τραγωδίας βρίσκεται, σύμφωνα με τον ερευνητή, «στην πολυιδεατή φύση της, στην ισχυρότερη συγχώνευση αναμφισβήτητης, άνευ όρων, συγκεκριμένης ιστορικής αλήθειας και ποιητικού συμβολισμού, στον οργανικό συνδυασμό πραγματικής δράσης και ενός βαθιά κρυμμένου λυρικού αρχή."

Συνήθως, όταν μιλούν για τον λυρισμό του «The Thunderstorm», εννοούν, πρώτα απ' όλα, το σύστημα κοσμοθεωρίας του κύριου χαρακτήρα του έργου που έχει λυρικό χαρακτήρα, μιλούν και για τον Βόλγα, που στην πιο γενική του μορφή Η φόρμα έρχεται σε αντίθεση με τον «αχυρώνα» τρόπο ζωής και που παραπέμπει στις λυρικές εκρήξεις του Kuligin. Όμως ο θεατρικός συγγραφέας δεν μπορούσε -λόγω των νόμων του είδους- να συμπεριλάβει τον Βόλγα, τα όμορφα τοπία του Βόλγα ή τη φύση γενικότερα, στο σύστημα της δραματικής δράσης. Έδειξε μόνο τον τρόπο με τον οποίο η φύση γίνεται αναπόσπαστο στοιχείο της σκηνικής δράσης. Η φύση εδώ δεν είναι μόνο αντικείμενο θαυμασμού και θαυμασμού, αλλά και κύριο κριτήριοεκτιμήσεις για όλα όσα υπάρχουν, επιτρέποντας σε κάποιον να δει το παράλογο και το αφύσικο της σύγχρονης ζωής. «Ο Οστρόφσκι έγραψε την Καταιγίδα; Ο Βόλγας έγραψε «Καταιγίδα»!» - αναφώνησε ο διάσημος θεατρολόγος και κριτικός S. A. Yuryev.

«Κάθε αληθινός καθημερινός άνθρωπος είναι ταυτόχρονα και αληθινός ρομαντικός», θα έλεγε αργότερα η διάσημη θεατρική φιγούρα A. I. Yuzhin-Sumbatov, αναφερόμενη στον Ostrovsky. Ένας ρομαντικός με την ευρεία έννοια της λέξης, έκπληκτος από την ορθότητα και τη σοβαρότητα των νόμων της φύσης και την παραβίαση αυτών των νόμων στη δημόσια ζωή. Αυτό ακριβώς συζήτησε ο Οστρόφσκι σε μια από τις πρώτες καταχωρίσεις του στο ημερολόγιό του μετά την άφιξή του στην Κόστρομα: «Και στην άλλη πλευρά του Βόλγα, ακριβώς απέναντι από την πόλη, υπάρχουν δύο χωριά. «Το ένα είναι ιδιαίτερα γραφικό, από το οποίο εκτείνεται το πιο σγουρό άλσος μέχρι τον Βόλγα, ο ήλιος κατά το ηλιοβασίλεμα σκαρφάλωσε με κάποιο τρόπο, από τις ρίζες, και δημιούργησε πολλά θαύματα.

Ξεκινώντας από αυτό σκίτσο τοπίου, ο Οστρόφσκι σκέφτηκε:

«Ήμουν κουρασμένος κοιτάζοντας αυτό. Φύση - είσαι πιστός εραστής, μόνο τρομερά ποθητής. όσο κι αν σ'αγαπώ, πάλι είσαι δυσαρεστημένος. ανικανοποίητο πάθος βράζει στο βλέμμα σου, κι όσο κι αν ορκίζεσαι ότι δεν μπορείς να ικανοποιήσεις τις επιθυμίες σου, δεν θυμώνεις, δεν απομακρύνεσαι, αλλά κοιτάς τα πάντα με τα παθιασμένα σου μάτια, κι αυτά τα βλέμματα γεμάτα Η προσδοκία είναι εκτέλεση και μαρτύριο για έναν άνθρωπο».

Ο λυρισμός του «The Thunderstorm», τόσο συγκεκριμένος σε μορφή (ο Απ. Γκριγκόριεφ παρατήρησε διακριτικά σχετικά: «... σαν να μην είναι ποιητής, αλλά ολόκληρους ανθρώπουςδημιουργήθηκε εδώ...»), προέκυψε ακριβώς λόγω της εγγύτητας του κόσμου του ήρωα και του συγγραφέα.

Ο προσανατολισμός προς ένα υγιές φυσικό ξεκίνημα έγινε στις δεκαετίες του '50 και του '60 η κοινωνική και ηθική αρχή όχι μόνο του Οστρόφσκι, αλλά ολόκληρης της ρωσικής λογοτεχνίας: από τον Τολστόι και τον Νεκράσοφ μέχρι τον Τσέχοφ και τον Κούπριν. Χωρίς αυτή την ιδιόμορφη εκδήλωση της φωνής του «συγγραφέα» στα δραματικά έργα, δεν μπορούμε να κατανοήσουμε πλήρως τον ψυχολογισμό της «Φτωχής νύφης» και τη φύση του λυρικού στο «The Thunderstorm» και την «Προίκα» και την ποιητική του νέου δράματος. του τέλους του 19ου αιώνα.

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του εξήντα, το έργο του Οστρόφσκι επεκτάθηκε θεματικά εξαιρετικά. Δείχνει πώς αναμειγνύεται το καινούργιο με το παλιό: στις γνώριμες εικόνες των εμπόρων του βλέπουμε στιλβωτικότητα και κοσμικότητα, παιδεία και «ευχάριστους» τρόπους. Δεν είναι πια ηλίθιοι δεσπότες, αλλά ληστρικοί κτήτορες, που κρατούν στη γροθιά τους όχι μόνο μια οικογένεια ή μια πόλη, αλλά ολόκληρες επαρχίες. Μια μεγάλη ποικιλία ανθρώπων βρίσκονται σε σύγκρουση μαζί τους. Και το καταγγελτικό πάθος των έργων είναι ισχυρότερο. Τα καλύτερα από αυτά: «Warm Heart», «Mad Money», «Forest», «Wolves and Sheep», «The Last Victim», «Dowry», «Talents and Admirers».

Οι αλλαγές στο έργο του Οστρόφσκι κατά την τελευταία του περίοδο είναι πολύ ορατές αν συγκρίνουμε, για παράδειγμα, το «Warm Heart» με το «Thunderstorm». Ο έμπορος Kuroslepov είναι ένας διάσημος έμπορος στην πόλη, αλλά όχι τόσο τρομερός όσο ο Dikoy, είναι μάλλον εκκεντρικός, δεν καταλαβαίνει τη ζωή και είναι απασχολημένος με τα όνειρά του. Η δεύτερη σύζυγός του, Ματρύωνα, έχει ξεκάθαρα σχέση με τον υπάλληλο Νάρκη. Και οι δύο ληστεύουν τον ιδιοκτήτη και ο Νάρκης θέλει να γίνει ο ίδιος έμπορος. Όχι, το «σκοτεινό βασίλειο» δεν είναι πλέον μονολιθικό. Ο τρόπος ζωής του Ντομοστρογέφσκι δεν θα σώζει πλέον τη θέληση του δημάρχου Γκραντόμποεφ. Το αχαλίνωτο γλέντι του πλούσιου εμπόρου Khlynov είναι σύμβολο χαμένης ζωής, φθοράς και ανοησίας: ο Khlynov διατάζει να ποτίζονται οι δρόμοι με σαμπάνια.

Η Parasha είναι ένα κορίτσι με «ζεστή καρδιά». Αλλά αν η Κατερίνα στο "The Thunderstorm" αποδειχτεί θύμα ενός ανεκπλήρωτου συζύγου και ενός αδύναμου εραστή, τότε η Parasha γνωρίζει την ισχυρή πνευματική της δύναμη. Θέλει επίσης να «πετάξει ψηλά». Αγαπά και καταριέται τον αδύναμο χαρακτήρα και την αναποφασιστικότητα του εραστή της: «Τι τύπος είναι αυτός, τι κραυγή με επιβλήθηκε... Προφανώς, πρέπει να σκεφτώ το κεφάλι μου».

Η εξέλιξη της αγάπης της Yulia Pavlovna Tugina για τον ανάξιο νεαρό γλεντζέ Ντουλτσίν στο «The Last Victim» παρουσιάζεται με μεγάλη ένταση. Στα μεταγενέστερα δράματα του Οστρόφσκι υπάρχει ένας συνδυασμός καταστάσεων γεμάτες δράση με λεπτομερή ψυχολογικά χαρακτηριστικά των βασικών χαρακτήρων. Δίνεται μεγάλη έμφαση στις αντιξοότητες του μαρτυρίου που βιώνουν, στο οποίο αρχίζει να καταλαμβάνει μεγάλη θέση η πάλη του ήρωα ή της ηρωίδας με τον εαυτό του, με τα δικά του συναισθήματα, λάθη και υποθέσεις.

Από αυτή την άποψη είναι χαρακτηριστική η «Προίκα». Εδώ, ίσως για πρώτη φορά, η προσοχή του συγγραφέα στρέφεται στο ίδιο το συναίσθημα της ηρωίδας, που έχει ξεφύγει από τη φροντίδα της μητέρας της και τον αρχαίο τρόπο ζωής. Σε αυτό το έργο δεν υπάρχει αγώνας μεταξύ φωτός και σκότους, αλλά ο αγώνας της ίδιας της αγάπης για τα δικαιώματα και την ελευθερία της. Η ίδια η Λάρισα προτίμησε την Παράτοβα από την Καραντίσεβα. Οι άνθρωποι γύρω της παραβίασαν κυνικά τα συναισθήματα της Λάρισας. Την κακομεταχειρίστηκε μια μητέρα που ήθελε να «πουλήσει» την «άνευ προίκας» κόρη της για έναν κερδισμένο άνθρωπο που ήταν ματαιόδοξος ότι θα ήταν ο ιδιοκτήτης ενός τέτοιου θησαυρού. Ο Παράτοφ την κακοποίησε, εξαπατώντας τις καλύτερες ελπίδες της και θεωρώντας την αγάπη της Λάρισας μια από τις φευγαλέες χαρές. Τόσο ο Κνούροφ όσο και ο Βοζεβάτοφ κακοποίησαν ο ένας τον άλλον, παίζοντας ένα πέταγμα μεταξύ τους.

Μαθαίνουμε από το έργο «Λύκοι και πρόβατα» σε ποιους κυνικούς μετατράπηκαν οι γαιοκτήμονες στη Ρωσία μετά τη μεταρρύθμιση, έτοιμοι να καταφύγουν σε πλαστογραφία, εκβιασμό και δωροδοκία για ιδιοτελείς σκοπούς. Οι «λύκοι» είναι ο γαιοκτήμονας Murzavetskaya, ο γαιοκτήμονας Berkutov και τα «πρόβατα» είναι η νεαρή πλούσια χήρα Kupavina, ο αδύναμος ηλικιωμένος κύριος Lynyaev. Η Μουρζαβέτσκαγια θέλει να παντρέψει τον ανιψιό της με την Κουπαβίνα, «τρομάζοντας» την με τους παλιούς λογαριασμούς του αείμνηστου συζύγου της. Στην πραγματικότητα, οι λογαριασμοί πλαστογραφήθηκαν από τον έμπιστο δικηγόρο Chugunov, ο οποίος υπηρετεί και ως Kupavina. Ο Μπερκούτοφ, γαιοκτήμονας και επιχειρηματίας, έφτασε από την Αγία Πετρούπολη, πιο βδελυρός από τους ντόπιους σκάρτους. Κατάλαβε αμέσως τι συνέβαινε. Πήρε την Κουπαβίνα με το τεράστιο κεφάλαιο της στα χέρια του χωρίς να μιλήσει για τα συναισθήματά του. Έχοντας «φοβίσει» επιδέξια τη Murzavetskaya αποκαλύπτοντας την πλαστογραφία, συνήψε αμέσως μια συμμαχία μαζί της: ήταν σημαντικό γι 'αυτόν να κερδίσει τις εκλογές για τον αρχηγό των ευγενών. Είναι ο πραγματικός «λύκος», όλοι οι άλλοι δίπλα του είναι «πρόβατα». Ταυτόχρονα, στο έργο δεν υπάρχει οξύς διαχωρισμός ανάμεσα σε αχρείαστους και αθώους. Φαίνεται να υπάρχει κάποιο είδος ποταπής συνωμοσίας μεταξύ των «λύκων» και των «προβατίων». Όλοι παίζουν πόλεμο μεταξύ τους και ταυτόχρονα κάνουν εύκολα ειρήνη και βρίσκουν κοινό όφελος.

Ένα από τα καλύτερα έργα σε ολόκληρο το ρεπερτόριο του Ostrovsky, προφανώς, είναι το έργο "Ένοχος χωρίς ενοχές". Συνδυάζει τα μοτίβα πολλών προηγούμενων έργων. Η ηθοποιός Kruchinina, η πρωταγωνίστρια, μια γυναίκα υψηλής πνευματικής κουλτούρας, βίωσε μια μεγάλη τραγωδία στη ζωή της. Είναι ευγενική και γενναιόδωρη, εγκάρδια και σοφή Στο αποκορύφωμα της καλοσύνης και του πόνου στέκεται η Kruchinina. Αν θέλετε, είναι μια "ακτίνα φωτός" στο "σκοτεινό βασίλειο", είναι το "τελευταίο θύμα", είναι "ζεστή καρδιά", είναι "προίκα", υπάρχουν "θαυμαστές" γύρω της, δηλαδή αρπακτικοί «λύκοι», λεφτά και κυνικοί. Η Kruchinina, χωρίς να υποθέσει ακόμη ότι ο Neznamov είναι ο γιος της, τον καθοδηγεί στη ζωή, αποκαλύπτει τη σκληρή καρδιά της: «Είμαι πιο έμπειρος από σένα και έχω ζήσει περισσότερα στον κόσμο. Ξέρω ότι υπάρχει πολλή αρχοντιά στους ανθρώπους, πολλή αγάπη, αυτοθυσία, ειδικά στις γυναίκες».

Αυτό το έργο είναι ένας πανηγυρικός για τη Ρωσίδα, η αποθέωση της αρχοντιάς και της αυτοθυσίας της. Αυτή είναι και η αποθέωση του Ρώσου ηθοποιού, του οποίου την πραγματική ψυχή ο Οστρόφσκι γνώριζε καλά.

Ο Οστρόφσκι έγραψε για το θέατρο. Αυτή είναι η ιδιαιτερότητα του ταλέντου του. Οι εικόνες και οι εικόνες της ζωής που δημιούργησε προορίζονται για τη σκηνή. Γι' αυτό η ομιλία των ηρώων του Οστρόφσκι είναι τόσο σημαντική, γι' αυτό και τα έργα του ακούγονται τόσο ζωντανά. Δεν είναι περίεργο που ο Innokenty Annensky τον αποκάλεσε «ακουστικό ρεαλιστή». Χωρίς να ανεβάζει τα έργα του στη σκηνή, ήταν σαν να μην ολοκληρώθηκαν τα έργα του, γι' αυτό ο Οστρόφσκι αντιμετώπισε τόσο σκληρά την απαγόρευση των έργων του από τη λογοκρισία του θεάτρου. (Η κωμωδία "We Will Be Numbered Our Own People" επιτράπηκε να ανέβει στο θέατρο μόνο δέκα χρόνια αφότου ο Pogodin κατάφερε να τη δημοσιεύσει στο περιοδικό.)

Με ένα αίσθημα απροκάλυπτης ικανοποίησης, ο A. N. Ostrovsky έγραψε στις 3 Νοεμβρίου 1878 στον φίλο του, καλλιτέχνη του θεάτρου της Αλεξάνδρειας A. F. Burdin: «Έχω ήδη διαβάσει το έργο μου στη Μόσχα πέντε φορές, ανάμεσα στους ακροατές υπήρχαν άνθρωποι που ήταν εχθρικοί απέναντί ​​μου, και αυτό είναι όλο."

Ο Οστρόφσκι ζούσε με την «Προίκα», μερικές φορές μόνο πάνω της, το σαράντα του στη σειρά, κατεύθυνε «την προσοχή και τη δύναμή του», θέλοντας να την «τελειώσει» με τον πιο προσεκτικό τρόπο. Τον Σεπτέμβριο του 1878, έγραψε σε έναν από τους γνωστούς του: «Δουλεύω το έργο μου με όλη μου τη δύναμη, φαίνεται ότι δεν θα βγει άσχημα».

Ήδη μια μέρα μετά την πρεμιέρα, στις 12 Νοεμβρίου, ο Ostrovsky μπορούσε, και αναμφίβολα το έμαθε, από το Russkiye Vedomosti πώς κατάφερε να «κουράσει ολόκληρο το κοινό, μέχρι τους πιο αφελείς θεατές». Γιατί εκείνη -το κοινό- έχει ξεπεράσει σαφώς τα θεάματα που της προσφέρει.

Στη δεκαετία του εβδομήντα, η σχέση του Οστρόφσκι με τους κριτικούς, τα θέατρα και το κοινό γινόταν όλο και πιο περίπλοκη. Η περίοδος που απολάμβανε την καθολική αναγνώριση, την οποία κέρδισε στα τέλη της δεκαετίας του '50 και στις αρχές του '60, αντικαταστάθηκε από μια άλλη, που αυξανόταν όλο και περισσότερο σε διαφορετικούς κύκλους ψυχραιμίας προς τον θεατρικό συγγραφέα.

Η θεατρική λογοκρισία ήταν πιο αυστηρή από τη λογοτεχνική λογοκρισία. Αυτό δεν είναι τυχαίο. Στην ουσία της, η θεατρική τέχνη είναι δημοκρατική και απευθύνεται στο ευρύ κοινό πιο άμεσα από τη λογοτεχνία. Ο Οστρόφσκι, στο «Σημείωμα για την κατάσταση της δραματικής τέχνης στη Ρωσία στον παρόντα χρόνο» (1881), έγραψε ότι «η δραματική ποίηση είναι πιο κοντά στους ανθρώπους από ό,τι άλλοι κλάδοι της λογοτεχνίας Και οι κωμωδίες γράφονται για ολόκληρο τον λαό οι συγγραφείς πρέπει να το θυμούνται πάντα, πρέπει να είναι ξεκάθαρες και δυνατές. αφήστε το να γίνει χυδαίο και συνθλιμμένο». Ο Ostrovsky μιλά στο «Σημείωμά» του για το πώς επεκτάθηκε το θεατρικό κοινό στη Ρωσία μετά το 1861. Ο Ostrovsky γράφει για έναν νέο θεατή, όχι έμπειρο στην τέχνη: «Η ωραία λογοτεχνία είναι ακόμα βαρετή και ακατανόητη γι 'αυτόν, η μουσική επίσης, μόνο το θέατρο του δίνει απόλυτη ευχαρίστηση, εκεί βιώνει ό,τι συμβαίνει στη σκηνή σαν παιδί, συμπάσχει με το καλό και αναγνωρίζει το κακό, ξεκάθαρα παρουσιασμένο». Για ένα «φρέσκο ​​κοινό», έγραψε ο Ostrovsky, «ένα δυνατό δράμα, μια μεγάλη κωμωδία, προκλητικό, ειλικρινές, δυνατό γέλιο, ζεστά, ειλικρινή συναισθήματα απαιτούνται». Είναι το θέατρο, σύμφωνα με τον Οστρόφσκι, που έχει τις ρίζες του στη λαϊκή φάρσα, που έχει την ικανότητα να επηρεάζει άμεσα και έντονα τις ψυχές των ανθρώπων. Δυόμιση δεκαετίες αργότερα, ο Alexander Blok, μιλώντας για την ποίηση, θα γράψει ότι η ουσία της βρίσκεται στις κύριες, «περπατητικές» αλήθειες, στην ικανότητα να τις μεταφέρει στην καρδιά του αναγνώστη.

Οδηγήστε μαζί, πένθιμα γκρίνια!

Ηθοποιοί, κατακτήστε την τέχνη σας,

Ώστε από την περιπατητική αλήθεια

Όλοι ένιωσαν πόνο και φως!

("Balagan"; 1906)

Η τεράστια σημασία που έδωσε ο Οστρόφσκι στο θέατρο, οι σκέψεις του για τη θεατρική τέχνη, για τη θέση του θεάτρου στη Ρωσία, για τη μοίρα των ηθοποιών - όλα αυτά αντικατοπτρίστηκαν στα έργα του.

Στη ζωή του ίδιου του Ostrovsky, το θέατρο έπαιξε τεράστιο ρόλο. Έλαβε μέρος στην παραγωγή των έργων του, δούλεψε με τους ηθοποιούς, ήταν φίλος με πολλούς από αυτούς και αλληλογραφούσε μαζί τους. Έκανε μεγάλη προσπάθεια για να υπερασπιστεί τα δικαιώματα των ηθοποιών, επιδιώκοντας τη δημιουργία θεατρικής σχολής και δικό του ρεπερτόριο στη Ρωσία.

Ο Οστρόφσκι γνώριζε καλά την εσωτερική, παρασκηνιακή ζωή του θεάτρου, κρυμμένη από τα μάτια του κοινού. Ξεκινώντας με το "The Forest" (1871), ο Ostrovsky αναπτύσσει το θέμα του θεάτρου, δημιουργεί εικόνες ηθοποιών, απεικονίζει τη μοίρα τους - αυτό το έργο ακολουθούν οι "Κωμικός του 17ου αιώνα" (1873), "Ταλέντα και θαυμαστές" (1881). ), «Ένοχος χωρίς ενοχές» (1883).

Το θέατρο όπως απεικονίζεται από τον Ostrovsky ζει σύμφωνα με τους νόμους του κόσμου που είναι οικείοι στον αναγνώστη και τον θεατή από τα άλλα έργα του. Ο τρόπος με τον οποίο αναπτύσσονται τα πεπρωμένα των καλλιτεχνών καθορίζεται από τα ήθη, τις σχέσεις και τις συνθήκες της «γενικής» ζωής. Η ικανότητα του Οστρόφσκι να αναδημιουργεί μια ακριβή, ζωντανή εικόνα του χρόνου εκδηλώνεται πλήρως σε έργα για ηθοποιούς. Αυτή είναι η Μόσχα στην εποχή του Τσάρου Αλεξέι Μιχαήλοβιτς ("Κωμικός του 17ου αιώνα"), μια επαρχιακή πόλη σύγχρονη με τον Οστρόφσκι ("Ταλέντα και θαυμαστές", "Ένοχοι χωρίς ενοχές"), ένα ευγενές κτήμα ("Δάσος").

Στη ζωή του ρωσικού θεάτρου, το οποίο ο Οστρόφσκι γνώριζε τόσο καλά, ο ηθοποιός ήταν ένα αναγκαστικό άτομο, επανειλημμένα εξαρτημένο. «Τότε ήταν η ώρα των φαβορί και όλες οι διαχειριστικές εντολές του επιθεωρητή ρεπερτορίου περιελάμβαναν οδηγίες προς τον επικεφαλής σκηνοθέτη να προσέχει κάθε δυνατή προσπάθεια κατά τη σύνταξη του ρεπερτορίου, ώστε τα φαβορί, που λαμβάνουν μεγάλες πληρωμές για την παράσταση, να παίζουν κάθε μέρα. και, αν είναι δυνατόν, σε δύο θέατρα», έγραψε ο Οστρόφσκι στο «Σημείωση σχετικά με τα σχέδια κανόνων για τα αυτοκρατορικά θέατρα για δραματικά έργα» (1883).

Στην ερμηνεία του Ostrovsky, οι ηθοποιοί θα μπορούσαν να αποδειχθούν σχεδόν ζητιάνοι, όπως ο Neschastlivtsev και ο Schastlivtsev στο "The Forest", ταπεινωμένοι, χάνοντας την ανθρώπινη εμφάνισή τους λόγω μέθης, όπως ο Robinson στην "Προίκα", όπως ο Shmaga στο "Guilty Without Guilt". όπως ο Erast Gromilov στο "Talents" and fans", "Εμείς, οι καλλιτέχνες, η θέση μας είναι στον μπουφέ", λέει ο Shmaga με πρόκληση και κακή ειρωνεία.

Το θέατρο, η ζωή των επαρχιακών ηθοποιών στα τέλη της δεκαετίας του '70, περίπου την εποχή που ο Οστρόφσκι έγραφε έργα για ηθοποιούς, έδειξε επίσης τον Μ.Ε. Saltykov-Shchedrin στο μυθιστόρημα "The Golovlevs". Οι ανιψιές της Judushka, Lyubinka και Anninka, γίνονται ηθοποιοί, δραπετεύοντας από τη ζωή του Golovlev, αλλά καταλήγουν σε ένα άντρο. Δεν είχαν ούτε ταλέντο ούτε κατάρτιση, δεν είχαν εκπαιδευτεί στην υποκριτική, αλλά όλα αυτά δεν απαιτούνταν στην επαρχιακή σκηνή. Η ζωή των ηθοποιών εμφανίζεται στα απομνημονεύματα της Anninka ως μια κόλαση, ως εφιάλτης: «Εδώ είναι μια σκηνή με καπνιστή, αιχμαλωτισμένη και ολισθηρή από το υγρό τοπίο, εδώ η ίδια στριφογυρίζει στη σκηνή, απλώς στριφογυρίζει, φανταζόμενη ότι παίζει... Περαστικοί ιδιοκτήτες που βγάζουν βιαστικά μια μικρή πράσινη κάρτα από τα αδύνατα πορτοφόλια τους, επευφημούν τους «ηθοποιούς» νύχτες. Και η ζωή στα παρασκήνια είναι άσχημη, και αυτό που διαδραματίζεται στη σκηνή είναι άσχημο: «...Και η Δούκισσα του Gerolstein, εκπληκτική με το καπέλο του Hussar, και η Cleretta Ango, στο νυφικό, με σκίσιμο μπροστά μέχρι τη μέση, και η Ωραία Έλενα, με σκίσιμο μπροστά, πίσω και απ' όλες τις πλευρές... Τίποτα άλλο παρά ξεδιάντροπη και γύμνια... έτσι ήταν η ζωή!» Η Λιουμπίνκα στην αυτοκτονία.

Οι ομοιότητες μεταξύ Στσέντριν και Οστρόφσκι στην απεικόνιση του επαρχιακού θεάτρου είναι φυσικές - και οι δύο γράφουν για αυτό που ήξεραν καλά, γράφουν την αλήθεια. Αλλά ο Shchedrin είναι ένας ανελέητος σατιρικός, πυκνώνει τα χρώματα τόσο πολύ, η εικόνα γίνεται γκροτέσκα, ενώ ο Ostrovsky δίνει μια αντικειμενική εικόνα της ζωής, το «σκοτεινό βασίλειό» του δεν είναι απελπιστικό - δεν ήταν για τίποτα που ο N. Dobrolyubov έγραψε για ένα « ακτίνα φωτός».

Αυτό το χαρακτηριστικό του Ostrovsky σημειώθηκε από τους κριτικούς ακόμη και όταν εμφανίστηκαν τα πρώτα του έργα. «...Η ικανότητα απεικόνισης της πραγματικότητας ως έχει - «μαθηματική πίστη στην πραγματικότητα», η απουσία οποιασδήποτε υπερβολής... Όλα αυτά δεν είναι τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά της ποίησης του Γκόγκολ κωμωδία», έγραψε ο Μπ. Αλμάζοφ στο άρθρο «Ένα όνειρο σύμφωνα με την περίσταση μιας κωμωδίας». Ήδη στην εποχή μας, ο κριτικός λογοτεχνίας A. Skaftymov στο έργο του «Belinsky and the Drama of A.N Ostrovsky» σημείωσε ότι «η πιο εντυπωσιακή διαφορά μεταξύ των έργων του Gogol και του Ostrovsky είναι ότι στον Gogol δεν υπάρχει θύμα κακίας, ενώ στον Ostrovsky. υπάρχει πάντα ένα πάσχον θύμα... Με την απεικόνιση της κακίας, ο Οστρόφσκι προστατεύει κάτι από αυτό, προστατεύει κάποιον... Έτσι, ολόκληρο το περιεχόμενο του έργου αλλάζει , ηθικά αγνά ή ποιητικά συναισθήματα «να αναδεικνύουν απότομα την εσωτερική νομιμότητα, την αλήθεια και την ποίηση της αληθινής ανθρωπότητας, καταπιεσμένης και εκδιωγμένης σε ένα περιβάλλον κυρίαρχου συμφέροντος και εξαπάτησης». Η προσέγγιση του Οστρόφσκι στην απεικόνιση της πραγματικότητας, διαφορετική από αυτή του Γκόγκολ, εξηγείται, φυσικά, από την πρωτοτυπία του ταλέντου του, τις «φυσικές» ιδιότητες του καλλιτέχνη, αλλά και (αυτό επίσης δεν πρέπει να χάνεται) από την αλλαγή των εποχών: αυξημένη προσοχή στο άτομο, στα δικαιώματά του, αναγνώριση της αξίας του.

V.I. Ο Νεμίροβιτς-Νταντσένκο στο βιβλίο «Η γέννηση του θεάτρου» γράφει για το τι κάνει τα έργα του Οστρόφσκι ιδιαίτερα γραφικά: «μια ατμόσφαιρα καλοσύνης», «σαφή, σταθερή συμπάθεια από την πλευρά των προσβεβλημένων, στους οποίους η αίθουσα του θεάτρου είναι πάντα εξαιρετικά ευαίσθητη. .»

Σε έργα για το θέατρο και τους ηθοποιούς, ο Οστρόφσκι έχει σίγουρα την εικόνα ενός αληθινού καλλιτέχνη και υπέροχο άτομο. Στην πραγματική ζωή, ο Ostrovsky γνώριζε πολλούς εξαιρετικούς ανθρώπους κόσμο του θεάτρου, τους εκτιμούσε ιδιαίτερα και τους σεβόταν. Μεγάλο ρόλο στη ζωή του έπαιξε η L. Nikulina-Kositskaya, η οποία ερμήνευσε έξοχα την Κατερίνα στο "The Thunderstorm". Ο Ostrovsky ήταν φίλος με τον καλλιτέχνη A. Martynov, έτρεφε μια ασυνήθιστα μεγάλη εκτίμηση για τον N. Rybakov, τον G. Fedotov και τον M. Ermolov που έπαιζαν στα έργα του. Π. Στρεπέτοβα.

Στο έργο «Ένοχος χωρίς ενοχές», η ηθοποιός Έλενα Κρουτσινίνα λέει: «Ξέρω ότι οι άνθρωποι έχουν πολλή αρχοντιά, πολλή αγάπη, ανιδιοτέλεια». Και η ίδια η Otradina-Kruchinina ανήκει σε τόσο υπέροχους, ευγενείς ανθρώπους, είναι μια υπέροχη καλλιτέχνις, έξυπνη, σημαντική, ειλικρινής.

«Ωχ, μην κλαις, δεν αξίζουν τα δάκρυά σου Θαυμαστές» στη Σάσα Νεγίνα.

Η πιο εντυπωσιακή εικόνα ενός ευγενούς ηθοποιού που δημιούργησε ο Ostrovsky είναι ο τραγικός Neschastlivtsev στο "The Forest". Ο Οστρόφσκι απεικονίζει έναν «ζωντανό» άνθρωπο, με μια δύσκολη μοίρα, με μια θλιβερή ιστορία ζωής. Ο Neschastlivtsev, που πίνει πολύ, δεν μπορεί να ονομαστεί «λευκό περιστέρι». Αλλάζει όμως καθ' όλη τη διάρκεια του έργου η κατάσταση της πλοκής του δίνει την ευκαιρία να αποκαλύψει πλήρως τα καλύτερα χαρακτηριστικά της φύσης του. Αν στην αρχή η συμπεριφορά του Neschastlivtsev αποκαλύπτει τη στάση που ενυπάρχει σε έναν επαρχιακό τραγικό, μια προτίμηση για πομπώδη δήλωση (αυτές τις στιγμές είναι γελοίος). αν, ενώ παίζει τον κύριο, βρεθεί σε παράλογες καταστάσεις, τότε, έχοντας συνειδητοποιήσει τι συμβαίνει στο κτήμα Gurmyzhskaya, τι σκουπίδια είναι η ερωμένη του, παίρνει ένθερμο μέρος στη μοίρα του Aksyusha και δείχνει εξαιρετικές ανθρώπινες ιδιότητες. Αποδεικνύεται ότι ο ρόλος ευγενής ήρωαςγια αυτόν είναι οργανικό, αυτός είναι πραγματικά ο ρόλος του - και όχι μόνο στη σκηνή, αλλά και στη ζωή.

Κατά την άποψή του, η τέχνη και η ζωή συνδέονται άρρηκτα, ο ηθοποιός δεν είναι ηθοποιός, δεν είναι υποκριτής, η τέχνη του βασίζεται σε γνήσια συναισθήματα, γνήσιες εμπειρίες, δεν πρέπει να έχει καμία σχέση με προσποίηση και ψέματα στη ζωή. Αυτό είναι το νόημα της παρατήρησης που ρίχνει η Gurmyzhskaya σε αυτήν και σε ολόκληρη την παρέα της Neschastlivtsev: «...Είμαστε καλλιτέχνες, ευγενείς καλλιτέχνες, και εσείς οι κωμικοί».

Ο κύριος κωμικός στην παράσταση ζωής που παίζεται στο "The Forest" αποδεικνύεται ότι είναι ο Gurmyzhskaya. Επιλέγει μόνη της τον ελκυστικό, συμπαθητικό ρόλο μιας γυναίκας αυστηρών ηθικών κανόνων, μιας γενναιόδωρη φιλάνθρωπος που αφιερώνεται σε καλές πράξεις («Κύριοι, ζω πραγματικά για τον εαυτό μου; Ό,τι έχω, όλα μου τα λεφτά ανήκουν στους φτωχούς. «Είμαι απλώς μια υπάλληλος με τα χρήματά μου, αλλά κάθε φτωχός, κάθε άτυχος είναι ο αφέντης του», εμπνέει τους γύρω της). Αλλά όλα αυτά είναι υποκριτική, μια μάσκα που κρύβει το αληθινό της πρόσωπο. Η Gurmyzhskaya εξαπατά, προσποιείται ότι είναι καλόκαρδη, δεν σκέφτηκε καν να κάνει τίποτα για τους άλλους, να βοηθήσει κανέναν: "Γιατί έπαιζες και παίζεις έναν ρόλο και μετά παρασύρεσαι". Η Gurmyzhskaya όχι μόνο παίζει έναν εντελώς ξένο ρόλο για αυτήν, αλλά αναγκάζει και άλλους να παίξουν μαζί της, τους επιβάλλει ρόλους που θα πρέπει να την παρουσιάζουν με το πιο ευνοϊκό φως: στον Neschastlivtsev ανατίθεται να παίξει το ρόλο ενός ευγνώμονα ανιψιού που την αγαπά. Ο Aksyusha είναι ο ρόλος της νύφης, ο Bulanov είναι ο γαμπρός του Aksyusha. Αλλά η Aksyusha αρνείται να της ανεβάσει μια κωμωδία: "Δεν θα τον παντρευτώ, οπότε γιατί αυτή η κωμωδία;" Η Gurmyzhskaya, χωρίς να κρύβει πλέον ότι είναι η σκηνοθέτις της παράστασης, βάζει με αγένεια την Aksyusha στη θέση της: «Κωμωδία, θα σε ταΐσω και θα σε ντύσω; Θα σε κάνω να παίξεις μια κωμωδία».

Ο κωμικός Schastlivtsev, ο οποίος αποδείχθηκε πιο διορατικός από τον τραγικό Neschastlivtsev, ο οποίος πήρε για πρώτη φορά την παράσταση του Gurmyzhskaya, κατάλαβε την πραγματική κατάσταση μπροστά του, λέει στον Neschastlivtsev: «Ο μαθητής γυμνασίου είναι προφανώς πιο έξυπνος καλύτερο από το δικό σου... Αυτός παίζει ο εραστής, κι εσύ είσαι... απλός».

Ο θεατής παρουσιάζεται με την πραγματική Gurmyzhskaya, χωρίς την προστατευτική φαρισαϊκή μάσκα - μια άπληστη, εγωίστρια, δόλια, διεφθαρμένη κυρία. Η παράσταση που ερμήνευσε επιδίωκε χαμηλούς, ποταπούς, βρώμικους στόχους.

Πολλά από τα έργα του Οστρόφσκι παρουσιάζουν ένα τέτοιο απατηλό «θέατρο» ζωής. Ο Podkhalyuzin στο πρώτο έργο του Ostrovsky "Our People - Let's Be Numbered" παίζει το ρόλο του πιο αφοσιωμένου και πιστού ατόμου στον ιδιοκτήτη και έτσι επιτυγχάνει τον στόχο του - έχοντας εξαπατήσει τον Bolshov, ο ίδιος γίνεται ιδιοκτήτης. Ο Glumov στην κωμωδία "Every Wise Man Has Enough Simplicity" χτίζει μια καριέρα για τον εαυτό του σε ένα περίπλοκο παιχνίδι, βάζοντας τη μια ή την άλλη μάσκα. Μόνο η ευκαιρία τον εμπόδισε να πετύχει τον στόχο του στην ίντριγκα που ξεκίνησε. Στην «Προίκα» όχι μόνο ο Ρόμπινσον, διασκεδάζοντας τον Βοζεβάτοφ και τον Παράτοφ, αυτοσυστήνεται ως άρχοντας. Ο αστείος και αξιολύπητος Καραντίσεφ προσπαθεί να φανεί σημαντικός. Έχοντας γίνει ο αρραβωνιαστικός της Λάρισας, «... σήκωσε το κεφάλι του τόσο ψηλά που, ιδού, θα έπεφτε σε κάποιον, επιπλέον, έβαλε γυαλιά για κάποιο λόγο, αλλά δεν τα φόρεσε ποτέ», λέει ο Βοζεβάτοφ . Όλα όσα κάνει ο Καραντίσεφ είναι τεχνητά, όλα είναι για επίδειξη: το αξιολύπητο άλογο που πήρε, το χαλί με τα φτηνά όπλα στον τοίχο και το δείπνο που κανονίζει. Ο Παράτοφ είναι ένας άνθρωπος -υπολογιστικός και άψυχος- παίζει το ρόλο μιας καυτής, ανεξέλεγκτα πλατιάς φύσης.

Το θέατρο στη ζωή, οι εντυπωσιακές μάσκες γεννιούνται από την επιθυμία να μεταμφιέσεις, να κρύψεις κάτι ανήθικο, ντροπιαστικό, να περάσεις το μαύρο για άσπρο. Πίσω από μια τέτοια απόδοση συνήθως κρύβεται ο υπολογισμός, η υποκρισία και το προσωπικό συμφέρον.

Ο Neznamov στο έργο "Ένοχος χωρίς ενοχές", βρίσκοντας τον εαυτό του θύμα της ίντριγκας που ξεκίνησε η Korinkina, και πιστεύοντας ότι η Kruchinina παρίστανε μόνο μια ευγενική και ευγενική γυναίκα, λέει με πικρία: "Ηθοποιός! Εκεί πληρώνουν χρήματα για καλή προσποίηση και για να παίζουν στη ζωή με απλές, ευκολόπιστες καρδιές, που δεν χρειάζονται το παιχνίδι, που ζητούν την αλήθεια... πρέπει να εκτελεστούμε γι' αυτό... δεν χρειαζόμαστε εξαπάτηση." Δώσε μας την αλήθεια, την καθαρή αλήθεια! Ο ήρωας του έργου εδώ εκφράζει μια πολύ σημαντική ιδέα για τον Οστρόφσκι για το θέατρο, για το ρόλο του στη ζωή, για τη φύση και τον σκοπό της υποκριτικής. Ο Οστρόφσκι αντιπαραβάλλει την κωμωδία και την υποκρισία στη ζωή με την τέχνη στη σκηνή γεμάτη αλήθεια και ειλικρίνεια. Το πραγματικό θέατρο και η εμπνευσμένη παράσταση του καλλιτέχνη είναι πάντα ηθική, φέρνουν καλοσύνη και διαφωτίζουν τους ανθρώπους.

Τα έργα του Οστρόφσκι για τους ηθοποιούς και το θέατρο, τα οποία αντανακλούσαν με ακρίβεια τις συνθήκες της ρωσικής πραγματικότητας στις δεκαετίες του '70 και του '80 του περασμένου αιώνα, περιέχουν σκέψεις για την τέχνη που είναι ακόμα ζωντανές σήμερα. Αυτές είναι σκέψεις για τη δύσκολη, ενίοτε τραγική μοίρα ενός αληθινού καλλιτέχνη που συνειδητοποιώντας τον εαυτό του, ξοδεύεται και καίγεται, για την ευτυχία της δημιουργικότητας που βρίσκει, την πλήρη αφοσίωση, για την υψηλή αποστολή της τέχνης που επιβεβαιώνει την καλοσύνη και την ανθρωπιά. Ο ίδιος ο Οστρόφσκι εκφράστηκε, αποκάλυψε την ψυχή του στα έργα που δημιουργούσε, ίσως ιδιαίτερα ανοιχτά σε έργα για το θέατρο και τους ηθοποιούς. Πολλά σε αυτά συμφωνούν με αυτό που γράφει ο ποιητής του αιώνα μας σε υπέροχους στίχους:

Όταν μια γραμμή υπαγορεύεται από ένα συναίσθημα,

Στέλνει έναν σκλάβο στη σκηνή,

Και εδώ τελειώνει η τέχνη,

Και το χώμα και η μοίρα αναπνέουν.

(Μπ. Παστερνάκ» Α, μακάρι να το ήξερα

ότι αυτό συμβαίνει...»).

Ολόκληρες γενιές υπέροχων Ρώσων καλλιτεχνών μεγάλωσαν παρακολουθώντας παραγωγές έργων του Οστρόφσκι. Εκτός από τους Sadovsky, υπάρχουν και οι Martynov, Vasilyeva, Strepetova, Ermolova, Massalitinova, Gogoleva. Οι τοίχοι του θεάτρου Maly είδαν τον ζωντανό μεγάλο θεατρικό συγγραφέα και οι παραδόσεις του εξακολουθούν να πολλαπλασιάζονται στη σκηνή.

Η δραματική ικανότητα του Οστρόφσκι είναι πλεονέκτημα σύγχρονο θέατρο, αντικείμενο στενής μελέτης. Δεν είναι καθόλου ξεπερασμένο, παρά τον κάπως παλιομοδίτικο χαρακτήρα πολλών τεχνικών. Αλλά αυτή η παλιομοδιότητα είναι ακριβώς ίδια με αυτή του θεάτρου του Σαίξπηρ, του Μολιέρου, του Γκόγκολ. Αυτά είναι παλιά, γνήσια διαμάντια. Τα έργα του Οστρόφσκι περιέχουν απεριόριστες δυνατότητες για σκηνική απόδοση και υποκριτική ανάπτυξη.

Η κύρια δύναμη του θεατρικού συγγραφέα είναι η κατακτητική αλήθεια, το βάθος της τυποποίησης. Ο Dobrolyubov σημείωσε επίσης ότι ο Ostrovsky απεικονίζει όχι μόνο τύπους εμπόρων και ιδιοκτητών γης, αλλά και καθολικούς τύπους. Όλα τα σημάδια είναι μπροστά μας η υψηλότερη τέχνηπου είναι αθάνατο.

Η πρωτοτυπία της δραματουργίας του Οστρόφσκι και η καινοτομία της εκδηλώνονται ιδιαίτερα καθαρά στην τυποποίηση. Αν οι ιδέες, τα θέματα και οι πλοκές αποκαλύπτουν την πρωτοτυπία και την καινοτομία του περιεχομένου της δραματουργίας του Οστρόφσκι, τότε οι αρχές της τυποποίησης των χαρακτήρων αφορούν επίσης την καλλιτεχνική της απεικόνιση και τη μορφή της.

Ο A. N. Ostrovsky, ο οποίος συνέχισε και ανέπτυξε τις ρεαλιστικές παραδόσεις του δυτικοευρωπαϊκού και ρωσικού δράματος, προσελκύθηκε, κατά κανόνα, όχι από εξαιρετικές προσωπικότητες, αλλά από συνηθισμένους, συνηθισμένους κοινωνικούς χαρακτήρες μεγαλύτερης ή μικρότερης τυπικότητας.

Σχεδόν κάθε χαρακτήρας του Ostrovsky είναι μοναδικός. Ταυτόχρονα, το άτομο στα έργα του δεν έρχεται σε αντίθεση με το κοινωνικό.

Εξατομικεύοντας τους χαρακτήρες του, ο θεατρικός συγγραφέας ανακαλύπτει το δώρο της βαθύτερης διείσδυσης στον ψυχολογικό τους κόσμο. Πολλά επεισόδια των έργων του Οστρόφσκι είναι αριστουργήματα ρεαλιστικής απεικόνισης της ανθρώπινης ψυχολογίας.

"Ο Ostrovsky", έγραψε σωστά ο Dobrolyubov, "ξέρει πώς να κοιτάζει στα βάθη της ψυχής ενός ατόμου, ξέρει πώς να διακρίνει τη φύση από όλες τις εξωτερικά αποδεκτές παραμορφώσεις και αυξήσεις. Γι' αυτό η εξωτερική καταπίεση, το βάρος της όλης κατάστασης που καταπιέζει έναν άνθρωπο, γίνεται αισθητή στα έργα του πολύ πιο έντονα από ό,τι σε πολλές ιστορίες, τρομερά εξωφρενικά σε περιεχόμενο, αλλά με την εξωτερική, επίσημη πλευρά του θέματος να επισκιάζει εντελώς την εσωτερική, ανθρώπινη πλευρά." Στην ικανότητα να "παρατηρεί τη φύση, να διεισδύει στα βάθη της ψυχής ενός ατόμου, να συλλαμβάνει τα συναισθήματά του, ανεξάρτητα από την απεικόνιση των εξωτερικών επίσημων σχέσεών του", ο Dobrolyubov αναγνώρισε μια από τις κύριες και καλύτερες ιδιότητες του ταλέντου του Ostrovsky.

Στο έργο του στους χαρακτήρες, ο Ostrovsky βελτίωνε συνεχώς τις τεχνικές της ψυχολογικής του μαεστρίας, επεκτείνοντας το φάσμα των χρωμάτων που χρησιμοποιούσε, περιπλέκοντας το χρωματισμό των εικόνων. Στην πρώτη κιόλας δουλειά του έχουμε φωτεινούς, αλλά λίγο-πολύ μονογραμμικούς χαρακτήρες των χαρακτήρων. Περαιτέρω εργασίες παρέχουν παραδείγματα πιο εις βάθος και σύνθετης αποκάλυψης ανθρώπινων εικόνων.

Στο ρωσικό δράμα, η σχολή Οστρόφσκι χαρακτηρίζεται φυσικά. Περιλαμβάνει τους I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Μελετώντας από τον Ostrovsky, ο I. F. Gorbunov δημιούργησε υπέροχες σκηνές από τη ζωή του αστού εμπόρου και τεχνίτη. Ακολουθώντας τον Οστρόφσκι, ο Α. Α. Ποτέχιν αποκάλυψε στα έργα του τη φτωχοποίηση της αριστοκρατίας ("The Newest Oracle"), την αρπακτική ουσία της πλούσιας αστικής τάξης ("The Guilty One"), τη δωροδοκία, τον καριερισμό της γραφειοκρατίας ("Tinsel"), η πνευματική ομορφιά της αγροτιάς ("A Sheep's Fur Coat - the human soul"), η εμφάνιση νέων ανθρώπων μιας δημοκρατικής τάσης ("The Cut Off Chunk"). Το πρώτο δράμα του Potekhin, «Human Court is Not God», που εμφανίστηκε το 1854, θυμίζει τα έργα του Ostrovsky, γραμμένα υπό την επίδραση του σλαβοφιλισμού. Στα τέλη της δεκαετίας του '50 και στις αρχές της δεκαετίας του '60, τα έργα του I. E. Chernyshev, καλλιτέχνη του θεάτρου Alexandrinsky και μόνιμο συνεργάτη του περιοδικού Iskra, ήταν πολύ δημοφιλή στη Μόσχα, την Αγία Πετρούπολη και τις επαρχίες. Αυτά τα έργα, γραμμένα με φιλελεύθερο-δημοκρατικό πνεύμα, μιμούνται ξεκάθαρα το καλλιτεχνικό ύφος του Οστρόφσκι, εντυπωσιάστηκαν με την αποκλειστικότητα των κύριων χαρακτήρων και την οξεία παρουσίαση ηθικών και καθημερινών θεμάτων. Για παράδειγμα, στην κωμωδία «Groom from the Debt Branch» (1858) αφορούσε έναν φτωχό άνδρα που προσπαθούσε να παντρευτεί έναν πλούσιο γαιοκτήμονα στην κωμωδία «Money Can't Buy Happiness» (1859) απεικονίστηκε ένας άψυχος ληστρικός έμπορος. στο δράμα «Ο Πατέρας της Οικογένειας» (1860) ένας τύραννος γαιοκτήμονας και στην κωμωδία «Spoiled Life» (1862) απεικονίζουν έναν εξαιρετικά έντιμο, ευγενικό αξιωματούχο, την αφελή σύζυγό του και έναν ανέντιμα ύπουλο παππού που παραβίασε την ευτυχία τους.

Υπό την επιρροή του Οστρόφσκι, διαμορφώθηκαν αργότερα, στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα, δραματουργοί όπως ο A.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naydenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich και πολλοί άλλοι.

Η αδιαμφισβήτητη εξουσία του Οστρόφσκι ως πρώτου θεατρικού συγγραφέα της χώρας αναγνωρίστηκε από όλες τις προοδευτικές λογοτεχνικές προσωπικότητες. Εκτιμώντας ιδιαίτερα τη δραματουργία του Οστρόφσκι ως «εθνική», ακούγοντας τις συμβουλές του, ο Λ. Ν. Τολστόι του έστειλε το έργο «Ο πρώτος αποστακτήρας» το 1886. Αποκαλώντας τον Οστρόφσκι «πατέρα του ρωσικού δράματος», ο συγγραφέας του «Πόλεμος και Ειρήνη» του ζήτησε σε μια συνοδευτική επιστολή να διαβάσει το έργο και να εκφράσει την «πατρική του ετυμηγορία» γι' αυτό.

Τα έργα του Οστρόφσκι, τα πιο προοδευτικά στη δραματουργία του δεύτερου μισό του 19ου αιώνααιώνα, αποτελούν ένα βήμα μπροστά στην ανάπτυξη της παγκόσμιας δραματικής τέχνης, ένα ανεξάρτητο και σημαντικό κεφάλαιο.

Η τεράστια επιρροή του Οστρόφσκι στη δραματουργία των ρωσικών, σλαβικών και άλλων λαών είναι αναμφισβήτητη. Όμως το έργο του δεν συνδέεται μόνο με το παρελθόν. Ζει ενεργά στο παρόν. Ως προς τη συμβολή του στο θεατρικό ρεπερτόριο, που αποτελεί έκφραση της σημερινής ζωής, ο μεγάλος θεατρικός συγγραφέας είναι ο σύγχρονος μας. Η προσοχή στο έργο του δεν μειώνεται, αλλά αυξάνεται.

Ο Οστρόφσκι θα προσελκύει για πολύ καιρό τα μυαλά και τις καρδιές των εγχώριων και ξένων θεατών με το ανθρωπιστικό και αισιόδοξο πάθος των ιδεών του, τη βαθιά και ευρεία γενίκευση των ηρώων του, το καλό και το κακό, τις καθολικές ανθρώπινες ιδιότητες τους και τη μοναδικότητα του πρωτότυπου. δραματική δεξιότητα.

30 Οκτωβρίου 2010

Μια εντελώς νέα σελίδα στην ιστορία του ρωσικού θεάτρου συνδέεται με το όνομα του A. N. Ostrovsky. Αυτός ο μεγαλύτερος Ρώσος θεατρικός συγγραφέας ήταν ο πρώτος που έθεσε στον εαυτό του το καθήκον να εκδημοκρατίσει το θέατρο, και ως εκ τούτου φέρνει νέα θέματα στη σκηνή, αναδεικνύει νέους ήρωες και δημιουργεί αυτό που με σιγουριά μπορεί να ονομαστεί ρωσικό εθνικό θέατρο. Το δράμα στη Ρωσία, βέβαια, είχε πλούσια παράδοση και πριν από τον Οστρόφσκι. Το κοινό ήταν εξοικειωμένο με πολλά έργα από την εποχή του κλασικισμού, υπήρχε επίσης μια ρεαλιστική παράδοση, που αντιπροσωπεύεται από εξαιρετικά έργα όπως το "We from Wit", "The General Inspector" και "Marriage" του Gogol.

Αλλά ο Οστρόφσκι εισέρχεται στη λογοτεχνία ακριβώς ως «φυσικό σχολείο», και ως εκ τούτου το αντικείμενο της έρευνάς του γίνονται αδιάκριτοι άνθρωποι και η ζωή της πόλης. Ο Οστρόφσκι κάνει τη ζωή των Ρώσων εμπόρων ένα σοβαρό, «υψηλό» θέμα ο συγγραφέας βιώνει ξεκάθαρα την επιρροή του Μπελίνσκι και ως εκ τούτου συνδέει την προοδευτική σημασία της τέχνης με την εθνικότητα της και σημειώνει τη σημασία του καταγγελτικού προσανατολισμού της λογοτεχνίας. Καθορίζοντας το καθήκον της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας, λέει: «Το κοινό αναμένει από την τέχνη να παρουσιάσει την κρίση του για τη ζωή σε μια ζωντανή, κομψή μορφή, περιμένει τον συνδυασμό σε ολοκληρωμένες εικόνες των σύγχρονων κακών και ελλείψεων που παρατηρήθηκαν στον αιώνα...»

Είναι η «κρίση της ζωής» που γίνεται αποφασιστική καλλιτεχνική αρχήΗ δημιουργικότητα του Οστρόφσκι. Στις κωμωδίες «Οι άνθρωποι μας - Ας είμαστε αριθμημένοι», ο θεατρικός συγγραφέας γελοιοποιεί τα βασικά στοιχεία της ζωής των Ρώσων εμπόρων, δείχνοντας ότι οι άνθρωποι οδηγούνται, πρώτα απ 'όλα, από το πάθος για κέρδος. Στην κωμωδία «Η φτωχή νύφη» το θέμα των περιουσιακών σχέσεων μεταξύ των ανθρώπων καταλαμβάνει μεγάλη θέση. Ο θεατρικός συγγραφέας προσπαθεί να δείξει πώς το περιβάλλον διαφθείρει έναν άνθρωπο. Οι κακίες των χαρακτήρων του είναι σχεδόν πάντα συνέπεια όχι των προσωπικών τους ιδιοτήτων, αλλά του περιβάλλοντος στο οποίο ζουν

Το θέμα της «τυραννίας» κατέχει ιδιαίτερη θέση στον Οστρόφσκι. Ο συγγραφέας αναδεικνύει εικόνες ανθρώπων που το νόημα της ζωής τους είναι να καταπιέζουν την προσωπικότητα ενός άλλου ανθρώπου. Τέτοιοι είναι οι Samson Bolshoye, Marfa Kabanova, Dikoy. Αλλά ο συγγραφέας, φυσικά, δεν ενδιαφέρεται για το ίδιο το samoda: το χαντάκι. Εξερευνά τον κόσμο στον οποίο ζουν οι ήρωές του. Οι ήρωες της παράστασης «Η καταιγίδα» ανήκουν στον πατριαρχικό κόσμο και η σχέση αίματος με αυτόν, η υποσυνείδητη εξάρτησή τους από αυτόν είναι το κρυφό ελατήριο ολόκληρης της δράσης του έργου, το ελατήριο που αναγκάζει τους ήρωες να παίξουν κυρίως «μαριονέτα ” κινήσεις. τονίζει συνεχώς την έλλειψη ανεξαρτησίας τους. Σύστημα εικόναςτο δράμα σχεδόν επαναλαμβάνει το κοινωνικό και οικογενειακό μοντέλο του πατριαρχικού κόσμου.

Τα οικογενειακά και οικογενειακά προβλήματα τοποθετούνται στο επίκεντρο της αφήγησης, καθώς και στο επίκεντρο της πατριαρχικής κοινότητας. Κυρίαρχος αυτού του μικρού κόσμου είναι η μεγαλύτερη της οικογένειας, η Marfa Ignatievna. Γύρω της, τα μέλη της οικογένειας ομαδοποιούνται σε διάφορες αποστάσεις - κόρη, γιος, νύφη και οι σχεδόν ανίσχυροι κάτοικοι του σπιτιού: η Glasha και η Feklusha. Η ίδια «ευθυγράμμιση δυνάμεων» οργανώνει ολόκληρη τη ζωή της πόλης: στο κέντρο - Dikoya (και έμποροι του επιπέδου του δεν αναφέρονται), στην περιφέρεια - άτομα όλο και μικρότερης σημασίας, χωρίς χρήματα και κοινωνική θέση.

Ο Οστρόφσκι είδε τη θεμελιώδη ασυμβατότητα του πατριαρχικού κόσμου και κανονική ζωή, ο χαμός μιας παγωμένης ιδεολογίας ανίκανης για ανανέωση. Αντιστεκόμενος στις επικείμενες καινοτομίες, εκτοπίζοντάς το με «όλη τη βιαστική ζωή», ο πατριαρχικός κόσμος αρνείται γενικά να παρατηρήσει αυτή τη ζωή, δημιουργεί γύρω του έναν ιδιαίτερο μυθοποιημένο χώρο στον οποίο -το μοναδικό- μπορεί να είναι η ζοφερή, εχθρική του απομόνωση σε οτιδήποτε άλλο. δικαιολογημένη. Ένας τέτοιος κόσμος συνθλίβει το άτομο και δεν έχει σημασία ποιος ασκεί πραγματικά αυτή τη βία. Σύμφωνα με τον Dobrolyubov, ο τύραννος «είναι από μόνος του ανίσχυρος και ασήμαντος. μπορεί να εξαπατηθεί, να εξαλειφθεί, να πεταχτεί σε μια τρύπα, τελικά... Το γεγονός όμως είναι ότι με την καταστροφή του η τυραννία δεν εξαφανίζεται».

Φυσικά, η «τυραννία» δεν είναι το μόνο κακό που βλέπει ο Οστρόφσκι στη σύγχρονη κοινωνία του. Ο θεατρικός συγγραφέας ειρωνεύεται τη μικροπρέπεια των φιλοδοξιών πολλών συγχρόνων του. Ας θυμηθούμε τον Misha Balzaminov, που στη ζωή του ονειρεύεται μόνο ένα μπλε αδιάβροχο, «ένα γκρίζο άλογο και έναν αγωνιστικό droshky». Έτσι αναδύεται στα έργα το θέμα του φιλιστινισμού. Οι εικόνες των ευγενών - των Murzavetskys, Gurmyzhskys, Telyatevs - σημειώνονται με τη βαθύτερη ειρωνεία. Ένα παθιασμένο όνειρο για ειλικρινείς ανθρώπινες σχέσεις, και όχι αγάπη που βασίζεται στους υπολογισμούς, είναι το πιο σημαντικό χαρακτηριστικό του έργου «Προίκα». Ο Οστρόφσκι υποστηρίζει πάντα τις ειλικρινείς και ευγενείς σχέσεις μεταξύ των ανθρώπων της οικογένειας, της κοινωνίας και της ζωής γενικότερα.

Ο Ostrovsky θεωρούσε πάντα το θέατρο ως ένα σχολείο για την εκπαίδευση των ηθών στην κοινωνία και κατανοούσε την υψηλή ευθύνη του καλλιτέχνη. Ως εκ τούτου, προσπάθησε να απεικονίσει την αλήθεια της ζωής και ήθελε ειλικρινά η τέχνη του να είναι προσβάσιμη σε όλους τους ανθρώπους. Και η Ρωσία θα θαυμάζει πάντα το έργο αυτού του λαμπρού θεατρικού συγγραφέα. Δεν είναι τυχαίο ότι το θέατρο Maly φέρει το όνομα του A. N. Ostrovsky, ενός ανθρώπου που αφιέρωσε όλη του τη ζωή στη ρωσική σκηνή.

Χρειάζεστε ένα φύλλο εξαπάτησης; Στη συνέχεια αποθηκεύστε - «Το νόημα της δραματουργίας του Οστρόφσκι. Λογοτεχνικά δοκίμια!

Σε σχέση με την 35η επέτειο της δραστηριότητας του Ostrovsky, ο Goncharov του έγραψε: «Εσύ μόνος έχτισες το κτίριο, τα θεμέλια του οποίου έθεσαν οι Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Αλλά μόνο μετά από εσάς μπορούμε, οι Ρώσοι, να πούμε περήφανα: «Έχουμε το δικό μας, ρωσικό, εθνικό θέατρο». Για να είμαστε δίκαιοι, θα πρέπει να ονομάζεται "Θέατρο Ostrovsky".

Ο ρόλος που έπαιξε ο Οστρόφσκι στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου και του δράματος μπορεί κάλλιστα να συγκριθεί με τη σημασία που είχε ο Σαίξπηρ για τον αγγλικό πολιτισμό και ο Μολιέρος για τον γαλλικό πολιτισμό. Ο Οστρόφσκι άλλαξε τη φύση του ρεπερτορίου του ρωσικού θεάτρου, συνόψισε όλα όσα είχαν γίνει πριν από αυτόν και άνοιξε νέους δρόμους για τη δραματουργία. Η επιρροή του στη θεατρική τέχνη ήταν εξαιρετικά μεγάλη. Αυτό ισχύει ιδιαίτερα για το θέατρο Maly της Μόσχας, το οποίο παραδοσιακά ονομάζεται επίσης Σπίτι Ostrovsky. Χάρη σε πολλά έργα του μεγάλου θεατρικού συγγραφέα, που καθιέρωσε τις παραδόσεις του ρεαλισμού στη σκηνή, έλαβε περαιτέρω ανάπτυξηεθνική σχολή υποκριτικής. Ένας ολόκληρος γαλαξίας από υπέροχους Ρώσους ηθοποιούς, βασισμένοι στα έργα του Ostrovsky, μπόρεσαν να επιδείξουν ξεκάθαρα το μοναδικό τους ταλέντο και να καθιερώσουν την πρωτοτυπία της ρωσικής θεατρικής τέχνης.

Στο επίκεντρο της δραματουργίας του Οστρόφσκι βρίσκεται ένα πρόβλημα που έχει περάσει από όλη τη ρωσική κλασική λογοτεχνία: η σύγκρουση ενός ατόμου με τις δυσμενείς συνθήκες ζωής που του αντιτίθενται, τις διαφορετικές δυνάμεις του κακού. διεκδίκηση του δικαιώματος του ατόμου για ελεύθερη και ολοκληρωμένη ανάπτυξη. Ένα ευρύ πανόραμα της ρωσικής ζωής αποκαλύπτεται στους αναγνώστες και τους θεατές των έργων του μεγάλου θεατρικού συγγραφέα. Πρόκειται στην ουσία για μια εγκυκλοπαίδεια ζωής και εθίμων μιας ολόκληρης ιστορικής εποχής. Έμποροι, αξιωματούχοι, γαιοκτήμονες, αγρότες, στρατηγοί, ηθοποιοί, επιχειρηματίες, προξενητές, επιχειρηματίες, φοιτητές - αρκετές εκατοντάδες χαρακτήρες που δημιούργησε ο Ostrovsky έδωσαν μια συνολική ιδέα της ρωσικής πραγματικότητας της δεκαετίας του '40-80. σε όλη την πολυπλοκότητα, την ποικιλομορφία και την ασυνέπειά του.

Ostrovsky, ο οποίος δημιούργησε μια ολόκληρη γκαλερί αξιοσημείωτων γυναικείες εικόνες, συνέχισε εκείνη την ευγενή παράδοση που είχε ήδη οριστεί στους Ρώσους κλασικούς. Ο θεατρικός συγγραφέας εξυψώνει τις δυνατές, αναπόσπαστες φύσεις, που σε ορισμένες περιπτώσεις αποδεικνύονται ηθικά ανώτερες από τον αδύναμο, ανασφαλή ήρωα. Πρόκειται για την Κατερίνα («Η καταιγίδα»), τη Νάντια («Η μαθήτρια»), την Κρουτσινίνα («Ένοχη χωρίς ενοχές»), τη Νατάλια («Εργατικό ψωμί») κ.λπ.

Αναλογιζόμενος τη μοναδικότητα της ρωσικής δραματικής τέχνης, πάνω της δημοκρατική βάση, ο Οστρόφσκι έγραψε: Λαϊκοί συγγραφείςθέλουν να δοκιμάσουν τις δυνάμεις τους μπροστά σε ένα φρέσκο ​​κοινό, του οποίου τα νεύρα δεν είναι πολύ εύκαμπτα, που απαιτεί δυνατό δράμα, υπέροχη κωμωδία, που προκαλεί ειλικρινές, δυνατό γέλιο, καυτά, ειλικρινή συναισθήματα, ζωηρά και δυνατούς χαρακτήρες" Ουσιαστικά αυτό είναι ένα χαρακτηριστικό των δημιουργικών αρχών του ίδιου του Ostrovsky.

Η δραματουργία του συγγραφέα του «The Thunderstorm» διακρίνεται από την ποικιλομορφία των ειδών, έναν συνδυασμό τραγικών και κωμικών στοιχείων, καθημερινού και γκροτέσκου, φαρσικού και λυρικού. Τα έργα του μερικές φορές είναι δύσκολο να ταξινομηθούν σε ένα συγκεκριμένο είδος. Έγραψε όχι τόσο πολύ δράμα ή κωμωδία, αλλά μάλλον «θεατρικά έργα ζωής», σύμφωνα με εύστοχος ορισμός Dobrolyubova. Η δράση των έργων του εκτελείται συχνά σε έναν ευρύ χώρο διαβίωσης. Ο θόρυβος και η φλυαρία της ζωής ξεσπούν σε δράση και γίνονται ένας από τους παράγοντες που καθορίζουν την κλίμακα των γεγονότων. Οικογενειακές συγκρούσειςμετατραπούν σε δημόσια. Υλικό από τον ιστότοπο

Η δεινότητα του θεατρικού συγγραφέα εκδηλώνεται στην ακρίβεια των κοινωνικών και ψυχολογικά χαρακτηριστικά, στην τέχνη του διαλόγου, σε εύστοχο, ζωηρό λαϊκός λόγος. Η γλώσσα των χαρακτήρων γίνεται ένα από τα κύρια μέσα του για τη δημιουργία μιας εικόνας, ένα εργαλείο ρεαλιστικής τυποποίησης.

Εξαιρετικός γνώστης της προφορικής λαϊκής τέχνης, ο Οστρόφσκι χρησιμοποίησε εκτενώς τις λαογραφικές παραδόσεις, το πλουσιότερο θησαυροφυλάκιο λαϊκής σοφίας. Ένα τραγούδι μπορεί να αντικαταστήσει έναν μονόλογο, μια παροιμία ή ένα ρητό μπορεί να γίνει ο τίτλος ενός θεατρικού έργου.

Η δημιουργική εμπειρία του Οστρόφσκι είχε τεράστιο αντίκτυπο στην περαιτέρω ανάπτυξη του ρωσικού δράματος και της θεατρικής τέχνης. Ο V. I. Nemirovich-Danchenko και ο K. S. Stanislavsky, οι ιδρυτές του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, προσπάθησαν να δημιουργήσουν « λαϊκό θέατρομε περίπου τα ίδια καθήκοντα και σχέδια που ονειρευόταν ο Οστρόφσκι». Η δραματική καινοτομία του Τσέχοφ και του Γκόρκι θα ήταν αδύνατη χωρίς την κυριαρχία τους στις καλύτερες παραδόσεις του αξιοσημείωτου προκατόχου τους.

Δεν βρήκατε αυτό που ψάχνατε; Χρησιμοποιήστε την αναζήτηση

Σε αυτή τη σελίδα υπάρχει υλικό για τα ακόλουθα θέματα:

• Δοκίμιο για τη ζωή του Ostpovsky και τη σημασία του στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου
• Άρθρα του Ostrovsky για το θέατρο
• περίληψη του θεάτρου Ostrovsky

Η λογοτεχνική ζωή της Ρωσίας αναστατώθηκε όταν μπήκαν τα πρώτα έργα του Οστρόφσκι: πρώτα στην ανάγνωση, μετά σε εκδόσεις περιοδικών και, τέλος, στη σκηνή. Ίσως τη μεγαλύτερη και βαθύτερη κριτική κληρονομιά αφιερωμένη στη δραματουργία του άφησε ο Απ.Α. Ο Γκριγκόριεφ, φίλος και θαυμαστής του έργου του συγγραφέα, και ο Ν.Α. Dobrolyubov. Το άρθρο του Dobrolyubov "A Ray of Light in a Dark Kingdom" σχετικά με το δράμα "The Thunderstorm" έχει γίνει πολύ γνωστό και βιβλίο.

Ας στραφούμε στις εκτιμήσεις του Απ.Α. Γκριγκόριεβα. Ένα εκτενές άρθρο με τίτλο «Μετά το «The Thunderstorm» του Ostrovsky. Γράμματα στον Ιβάν Σεργκέεβιτς Τουργκένεφ» (1860), έρχεται σε μεγάλο βαθμό σε αντίθεση με τη γνώμη του Ντομπρολιούμποφ και πολεμά μαζί του. Η διαφωνία ήταν θεμελιώδης: δύο επικριτές υποστήριξαν διαφορετική κατανόησηεθνικότητες στη λογοτεχνία. Ο Γκριγκόριεφ θεώρησε ότι η εθνικότητα δεν ήταν τόσο αντανάκλαση καλλιτεχνική δημιουργικότηταΟι ζωές των εργατικών μαζών, όπως ο Dobrolyubov, είναι εξίσου έκφραση του γενικού πνεύματος του λαού, ανεξαρτήτως θέσης και τάξης. Από τη σκοπιά του Γκριγκόριεφ, ο Ντομπρολιούμποφ ανάγει τα περίπλοκα ζητήματα των θεατρικών έργων του Οστρόφσκι στην καταγγελία της τυραννίας και του «σκοτεινού βασιλείου» γενικά, και αναθέτει στον θεατρικό συγγραφέα μόνο το ρόλο του σατιρικού-κατήγορου. Αλλά όχι το «κακό χιούμορ ενός σατιρικού», αλλά η «αφελής αλήθεια ενός λαϊκού ποιητή» - αυτή είναι η δύναμη του ταλέντου του Οστρόφσκι, όπως το βλέπει ο Γκριγκόριεφ. Ο Γκριγκόριεφ αποκαλεί τον Οστρόφσκι «έναν ποιητή που παίζει σε όλους τους τρόπους της λαϊκής ζωής». «Το όνομα για αυτόν τον συγγραφέα, για έναν τόσο σπουδαίο συγγραφέα, παρά τις ελλείψεις του, δεν είναι σατιρικός, αλλά λαϊκός ποιητής«- αυτή είναι η κύρια διατριβή του Απ.Α. Ο Γκριγκόριεφ σε πολεμική με τον Ν.Α. Dobrolyubov.

Την τρίτη θέση, που δεν συμπίπτει με τις δύο αναφερόμενες, κατείχε ο Δ.Ι. Πισάρεφ. Στο άρθρο «Motives of Russian Drama» (1864), αρνείται εντελώς κάθε θετικό και φωτεινό ότι ο A.A. Grigoriev και N.A. Ο Dobrolyubov εθεάθη στην εικόνα της Κατερίνας στο "The Thunderstorm". Ο «ρεαλιστής» Pisarev έχει διαφορετική άποψη: η ρωσική ζωή «δεν περιέχει τάσεις ανεξάρτητης ανανέωσης» και μόνο άνθρωποι όπως ο V.G. Belinsky, ο τύπος που εμφανίστηκε στην εικόνα του Bazarov στο "Fathers and Sons" του I.S. Τουργκένεφ. Σκοτάδι κόσμος τέχνηςΟ Οστρόφσκι είναι απελπισμένος.

Τέλος, ας σταθούμε στη θέση του θεατρικού συγγραφέα και δημόσιο πρόσωποΕΝΑ. Ο Οστρόφσκι στο πλαίσιο της πάλης στη ρωσική λογοτεχνία μεταξύ των ιδεολογικών ρευμάτων της ρωσικής κοινωνικής σκέψης - σλαβοφιλίας και δυτικισμού. Η εποχή της συνεργασίας του Οστρόφσκι με το περιοδικό "Moskvityanin" M.P Pogodin συνδέεται συχνά με τις σλαβόφιλες απόψεις του. Όμως ο συγγραφέας ήταν πολύ ευρύτερος από αυτές τις θέσεις. Κάποιος έπιασε μια δήλωση από αυτήν την περίοδο, όταν από το Zamoskvorechye του κοίταξε το Κρεμλίνο στην απέναντι όχθη και είπε: «Γιατί χτίστηκαν αυτές οι παγόδες εδώ;» (φαινομενικά ξεκάθαρα «δυτικός»), επίσης δεν αντανακλούσε τις πραγματικές του φιλοδοξίες. Ο Οστρόφσκι δεν ήταν ούτε δυτικός ούτε σλαβόφιλος. Το ισχυρό, πρωτότυπο, λαϊκό ταλέντο του θεατρικού συγγραφέα άνθισε κατά την περίοδο διαμόρφωσης και ανόδου της ρωσικής ρεαλιστικής τέχνης. Η ιδιοφυΐα του P.I Τσαϊκόφσκι; προέκυψε στο γύρισμα της δεκαετίας 1850-1860 XIX αιώνα δημιουργικής κοινότητας Ρώσων συνθετών " Πανίσχυρο μάτσο"; Η ρωσική ρεαλιστική ζωγραφική άκμασε: δημιούργησαν I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy και άλλοι σημαντικοί καλλιτέχνες - έτσι ήταν σε πλήρη εξέλιξη η ζωή για τους πλούσιους σε ταλέντα των καλών τεχνών και μουσική τέχνηδεύτερο ημίχρονο XIX αιώνες. Το πορτρέτο του A. N. Ostrovsky ανήκει στο πινέλο του V. G. Perov, ο N. A. Rimsky-Korsakov δημιουργεί μια όπερα βασισμένη στο παραμύθι "The Snow Maiden". ΕΝΑ. Ο Ostrovsky εισήλθε στον κόσμο της ρωσικής τέχνης φυσικά και πλήρως.

Όσο για το ίδιο το θέατρο, ο ίδιος ο θεατρικός συγγραφέας, αξιολογώντας καλλιτεχνική ζωήΗ δεκαετία του 1840 - η εποχή της πρώτης του λογοτεχνικής αναζήτησης, μιλά για μια μεγάλη ποικιλία ιδεολογικών κινημάτων και καλλιτεχνικών ενδιαφερόντων, πολλούς κύκλους, αλλά σημειώνει ότι όλοι ένωνονταν από μια κοινή, τρέλα για το θέατρο. Συγγραφείς της δεκαετίας του 1840 που ανήκαν στη φυσική σχολή, συγγραφείς της καθημερινής ζωής και δοκιμιογράφοι (η πρώτη συλλογή της φυσικής σχολής ονομαζόταν «Φυσιολογία της Αγίας Πετρούπολης», 1844-1845) συμπεριέλαβαν στο δεύτερο μέρος ένα άρθρο του Β.Γ. Μπελίνσκι «Θέατρο Αλεξανδρίνσκι». Το θέατρο θεωρήθηκε ως ένα μέρος όπου οι τάξεις της κοινωνίας συγκρούονταν «για να δουν καλά η μια την άλλη». Και αυτό το θέατρο περίμενε έναν τέτοιου είδους θεατρικό συγγραφέα, που εκδηλώθηκε στον Α.Ν. Οστρόφσκι. Η σημασία του έργου του Οστρόφσκι για τη ρωσική λογοτεχνία είναι εξαιρετικά μεγάλη: ήταν πραγματικά ο διάδοχος της παράδοσης του Γκόγκολ και ο ιδρυτής ενός νέου, εθνικού ρωσικού θεάτρου, χωρίς το οποίο η εμφάνιση της δραματουργίας του A.P. θα ήταν αδύνατη. Τσέχοφ. Δεύτερο ημίχρονο XIX αιώναΗ ευρωπαϊκή λογοτεχνία δεν έχει δημιουργήσει ούτε έναν θεατρικό συγγραφέα συγκρίσιμο σε κλίμακα με τον A. N. Ostrovsky. Η εξέλιξη της ευρωπαϊκής λογοτεχνίας προχώρησε διαφορετικά. Γαλλικός ρομαντισμός V. Hugo, Georges Sand, κριτικός ρεαλισμός Stendhal, P. Merimee, O. de Balzac, μετά το έργο του G. Flaubert, ο αγγλικός κριτικός ρεαλισμός των C. Dickens, W. Thackeray, C. Bronte άνοιξε το δρόμο όχι για το δράμα, αλλά για το έπος, πρώτα απ' όλα, για το μυθιστόρημα, και (όχι τόσο αισθητά) στίχους. Τα θέματα, οι χαρακτήρες, οι πλοκές, η απεικόνιση του ρωσικού χαρακτήρα και της ρωσικής ζωής στα έργα του Οστρόφσκι είναι τόσο μοναδικά εθνικά, τόσο κατανοητά και σε αρμονία με τον Ρώσο αναγνώστη και θεατή που ο θεατρικός συγγραφέας δεν είχε τέτοιο αντίκτυπο στον κόσμο λογοτεχνική διαδικασία, όπως ο Τσέχοφ αργότερα. Και από πολλές απόψεις ο λόγος για αυτό ήταν η γλώσσα των έργων του Ostrovsky: αποδείχθηκε ότι ήταν αδύνατο να τα μεταφράσει, διατηρώντας την ουσία του πρωτοτύπου, να μεταφέρει αυτό το ιδιαίτερο και ιδιαίτερο πράγμα με το οποίο γοητεύει τον θεατή.

Πηγή (συντομογραφία): Michalskaya, A.K. Λογοτεχνία: Βασικό επίπεδο: 10η τάξη. Στις 2 μ.μ. Μέρος 1: μελέτη. επίδομα / Α.Κ. Mikhalskaya, O.N. Ζαϊτσέβα. - M.: Bustard, 2018