Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα κίνημα στη ζωγραφική που ξεκίνησε στη Γαλλία XIX-XX αιώνες, που είναι μια καλλιτεχνική προσπάθεια να αποτυπωθεί κάποια στιγμή της ζωής σε όλη της τη μεταβλητότητα και την κινητικότητά της. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι σαν μια καλά πλυμένη φωτογραφία, που αναβιώνει στη φαντασία τη συνέχεια της ιστορίας που βλέπουμε. Σε αυτό το άρθρο θα δούμε τους 10 πιο διάσημους ιμπρεσιονιστές στον κόσμο. Ευτυχώς, ταλαντούχους καλλιτέχνεςπολύ περισσότερα από δέκα, είκοσι ή και εκατό, οπότε ας επικεντρωθούμε σε εκείνα τα ονόματα που πρέπει οπωσδήποτε να γνωρίζετε.
Για να μην προσβάλλουν ούτε τους καλλιτέχνες ούτε τους θαυμαστές τους, η λίστα δίνεται με ρωσική αλφαβητική σειρά.
1. Άλφρεντ Σίσλεϊ
Αυτός ο Γάλλος ζωγράφος αγγλικής καταγωγής θεωρείται ο πιο πολύς διάσημος τοπιογράφοςδεύτερος μισό του 19ου αιώνααιώνας. Η συλλογή του περιέχει περισσότερους από 900 πίνακες, από τους οποίους οι πιο διάσημοι είναι οι «Rural Alley», «Frost in Louveciennes», «Bridge in Argenteuil», «Early Snow in Louveciennes», «Lawns in Spring» και πολλοί άλλοι.
2. Βαν Γκογκ
Γνωστός σε όλο τον κόσμο για τη θλιβερή ιστορία για το αυτί του (παρεμπιπτόντως, δεν έκοψε ολόκληρο το αυτί του, αλλά μόνο τον λοβό), ο Van Gon έγινε δημοφιλής μόνο μετά το θάνατό του. Και κατά τη διάρκεια της ζωής του μπόρεσε να πουλήσει έναν μόνο πίνακα, 4 μήνες πριν από το θάνατό του. Λένε ότι ήταν και επιχειρηματίας και ιερέας, αλλά συχνά κατέληγε σε ψυχιατρεία λόγω κατάθλιψης, οπότε όλη η εξέγερση της ύπαρξής του είχε ως αποτέλεσμα θρυλικά έργα.
3. Camille Pissarro
Ο Πισάρο γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά, σε οικογένεια αστών Εβραίων και ήταν ένας από τους λίγους ιμπρεσιονιστές του οποίου οι γονείς ενθάρρυναν το πάθος του και σύντομα τον έστειλαν στο Παρίσι για σπουδές. Πάνω απ 'όλα, στον καλλιτέχνη άρεσε η φύση, που είναι αυτό που απεικόνιζε σε όλα τα χρώματα, και για να είμαστε πιο ακριβείς, ο Pissarro είχε ένα ιδιαίτερο ταλέντο στην επιλογή της απαλότητας των χρωμάτων και της συμβατότητας, μετά από την οποία φαινόταν ο αέρας στους πίνακες.
4. Κλοντ Μονέ
Από την παιδική ηλικία, το αγόρι αποφάσισε ότι θα γίνει καλλιτέχνης, παρά τις οικογενειακές απαγορεύσεις. Έχοντας μετακομίσει στο Παρίσι μόνος του, ο Κλοντ Μονέ βυθίστηκε στη γκρίζα καθημερινότητα μιας σκληρής ζωής: δύο χρόνια υπηρεσίας στις ένοπλες δυνάμεις στην Αλγερία, δικαστικές διαμάχες με πιστωτές λόγω φτώχειας και ασθένειας. Ωστόσο, έχει κανείς την αίσθηση ότι οι δυσκολίες δεν κατάθλιψαν, αλλά, αντίθετα, ενέπνευσαν τον καλλιτέχνη να δημιουργήσει τόσο ζωντανούς πίνακες όπως "Impression, Sunrise", "Houses of Parliament στο Λονδίνο", "Bridge to Europe", "Autumn". στο Argenteuil», «On the Shore» Trouville», και πολλά άλλα.
5. Konstantin Korovin
Είναι ωραίο να γνωρίζουμε ότι ανάμεσα στους Γάλλους, τους γονείς του ιμπρεσιονισμού, μπορούμε να τοποθετήσουμε περήφανα τον συμπατριώτη μας, Κωνσταντίν Κοροβίν. Η παθιασμένη αγάπη για τη φύση τον βοήθησε να δώσει διαισθητικά αφάνταστη ζωντάνια σε μια στατική εικόνα, χάρη στη σύνδεση κατάλληλα χρώματα, πλάτος πινελιών, επιλογή θέματος. Είναι αδύνατο να περάσετε από τους πίνακές του "Αποβάθρα στο Γκουρζούφ", "Ψάρια, κρασί και φρούτα", " Φθινοπωρινό τοπίο», « Φεγγαρόφωτη νύχτα. Χειμώνας» και μια σειρά από έργα του αφιερωμένα στο Παρίσι.
6. Paul Gauguin
Μέχρι τα 26 του, ο Paul Gauguin δεν σκεφτόταν καν τη ζωγραφική. Ήταν επιχειρηματίας και είχε μεγάλη οικογένεια. Ωστόσο, όταν πρωτοείδα τους πίνακες του Camille Pissarro, αποφάσισα ότι θα ξεκινούσα οπωσδήποτε να ζωγραφίζω. Με την πάροδο του χρόνου, το ύφος του καλλιτέχνη άλλαξε, αλλά οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι "Garden in the Snow", "At the Cliff", "On the Beach in Dieppe", "Nude", "Palm Trees in Martinique" και άλλοι.
7. Paul Cezanne
Ο Σεζάν, σε αντίθεση με τους περισσότερους συναδέλφους του, έγινε διάσημος όσο ζούσε. Κατάφερε να οργανώσει τη δική του έκθεση και να κερδίσει σημαντικά έσοδα από αυτήν. Οι άνθρωποι γνώριζαν πολλά για τους πίνακές του - αυτός, όπως κανείς άλλος, έμαθε να συνδυάζει το παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, έδωσε μεγάλη έμφαση σε κανονικά και ακανόνιστα γεωμετρικά σχήματα, η σοβαρότητα του θέματος των έργων του ήταν σε αρμονία με τον ρομαντισμό.
8. Πιερ Ογκίστ Ρενουάρ
Μέχρι την ηλικία των 20 ετών, ο Ρενουάρ εργάστηκε ως διακοσμητής θαυμαστών για τον μεγαλύτερο αδερφό του και μόνο τότε μετακόμισε στο Παρίσι, όπου γνώρισε τον Μονέ, τον Μπάζιλ και τη Σίσλεϋ. Αυτή η γνωριμία τον βοήθησε στο μέλλον να πάρει το δρόμο του ιμπρεσιονισμού και να γίνει διάσημος σε αυτόν. Ο Ρενουάρ είναι γνωστός ως συγγραφέας συναισθηματικών πορτρέτων, από τα πιο σημαντικά έργα του είναι τα «On the Terrace», «A Walk», «Portrait of the Atress Jeanne Samary», «The Lodge», «Alfred Sisley and His Wife», « On the Swing», «The Paddling Pool» και πολλά άλλα.
9. Έντγκαρ Ντεγκά
Αν δεν έχετε ακούσει για Blue Dancers, Rehearsal Μπαλέτου, Σχολή μπαλέτου" και "Apsinthe" - βιαστείτε να μάθετε για το έργο του Edgar Degas. Η επιλογή πρωτότυπων χρωμάτων, μοναδικά θέματα για πίνακες ζωγραφικής, μια αίσθηση κίνησης της εικόνας - όλα αυτά και πολλά άλλα έκαναν τον Degas έναν από τους πιο διάσημους καλλιτέχνεςειρήνη.
10. Εντουάρ Μανέ
Μην μπερδεύετε τον Μανέ με τον Μονέ - είναι δύο διαφορετικοί άνθρωποι, που δούλευαν ταυτόχρονα και στα ίδια καλλιτεχνική διεύθυνση. Ο Μανέ πάντα έλκονταν από σκηνές της καθημερινής ζωής, ασυνήθιστη εμφάνισηκαι τύπους, σαν να «έπιασαν» κατά λάθος στιγμές, που στη συνέχεια αποτυπώθηκαν για αιώνες. Αναμεταξύ διάσημους πίνακες Manet: Olympia, Luncheon on the Grass, Bar at the Folies Bergere, The Flutist, Nana και άλλοι.
Αν έχετε έστω και την παραμικρή ευκαιρία να δείτε ζωντανά τους πίνακες αυτών των δασκάλων, θα ερωτευτείτε για πάντα τον ιμπρεσιονισμό!
«Ο νέος κόσμος γεννήθηκε όταν τον ζωγράφισαν οι ιμπρεσιονιστές»
Henri Kahnweiler
19ος αιώνας. Γαλλία. Συνέβη κάτι πρωτόγνωρο στη ζωγραφική. Μια ομάδα νέων καλλιτεχνών αποφάσισε να ταρακουνήσει παραδόσεις 500 ετών. Αντί για ένα καθαρό σχέδιο, χρησιμοποίησαν ένα φαρδύ, «ατημέλητο» κτύπημα.
Και εγκατέλειψαν εντελώς τις συνηθισμένες εικόνες. Απεικονίζοντας τους πάντες. Και κυρίες της εύκολης αρετής, και κύριοι αμφίβολης φήμης.
Το κοινό δεν ήταν έτοιμο για ιμπρεσιονιστική ζωγραφική. Τους χλεύασαν και τους μάλωσαν. Και το πιο σημαντικό, δεν αγόρασαν τίποτα από αυτούς.
Όμως η αντίσταση έσπασε. Και μερικοί από τους ιμπρεσιονιστές έζησαν για να δουν τον θρίαμβό τους. Είναι αλήθεια ότι ήταν ήδη πάνω από 40. Όπως ο Claude Monet ή ο Auguste Renoir. Κάποιοι περίμεναν την αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής τους, όπως ο Camille Pissarro. Κάποιοι δεν έζησαν για να τον δουν, όπως ο Άλφρεντ Σίσλεϊ.
Τι επαναστάτη πέτυχε ο καθένας τους; Γιατί το κοινό άργησε να τα αποδεχτεί; Εδώ είναι οι 7 πιο διάσημοι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές. Που γνωρίζει όλος ο κόσμος.
1. Εντουάρ Μανέ (1832 – 1883)
Εντουάρ Μανέ. Αυτοπροσωπογραφία με παλέτα. 1878 Ιδιωτική συλλογήΟ Μανέ ήταν μεγαλύτερος από τους περισσότερους ιμπρεσιονιστές. Ήταν η κύρια έμπνευσή τους για αλλαγή.
Ο ίδιος ο Μανέ δεν ισχυρίστηκε ότι ήταν ο αρχηγός των επαναστατών. Αυτός ήταν κοσμικός άνθρωπος. Ονειρευόμουν επίσημα βραβεία.
Αλλά περίμενε πολύ καιρό για την αναγνώριση. Το κοινό ήθελε να δει ελληνικές θεές. Ή στη χειρότερη νεκρές φύσεις. Για να δείχνεις όμορφη στην τραπεζαρία. Ο Μανέ ήθελε να γράψει μοντέρνα ζωή. Για παράδειγμα, εταίρες.
Το αποτέλεσμα ήταν «Πρωινό στο γρασίδι». Δύο dandies χαλαρώνουν παρέα με κυρίες της εύκολης αρετής. Ένας από αυτούς, σαν να μην είχε συμβεί τίποτα, κάθεται δίπλα ντυμένοι άντρες.
Εντουάρ Μανέ. Πρωινό στο γρασίδι. 1863, Παρίσι Συγκρίνετε το μεσημεριανό του γεύμα στο γρασίδι με το Romans in Decline του Thomas Couture. Ο πίνακας του Couture δημιούργησε αίσθηση. Ο καλλιτέχνης έγινε αμέσως διάσημος.
Το «Breakfast on the Grass» κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Στις έγκυες γυναίκες δεν συνιστάται σοβαρά να το δουν.
Thomas Couture. Ρωμαίοι στην παρακμή τους. 1847 Musée d'Orsay, Παρίσι. artchive.ru Στη ζωγραφική του Couture βλέπουμε όλες τις ιδιότητες του ακαδημαϊσμού (παραδοσιακή ζωγραφική του 16ου-19ου αιώνα). Στήλες και αγάλματα. Άνθρωποι απολλώνιας εμφάνισης. Παραδοσιακά σιωπηλά χρώματα. Τρόποι πόζες και χειρονομίες. Μια πλοκή από τη μακρινή ζωή ενός εντελώς διαφορετικού λαού.
Το «Breakfast on the Grass» του Manet είναι διαφορετικής μορφής. Πριν από αυτόν, κανείς δεν είχε απεικονίσει εταίρες τόσο εύκολα. Κοντά σε αξιοσέβαστους πολίτες. Αν και πολλοί άντρες εκείνης της εποχής περνούσαν τον ελεύθερο χρόνο τους έτσι. Πραγματική ζωή αληθινοί άνθρωποι.
Κάποτε έγραψα σε μια αξιοσέβαστη κυρία. Ασχημος. Δεν μπορούσε να την κολακέψει με ένα πινέλο. Η κυρία ήταν απογοητευμένη. Τον άφησε με κλάματα.
Εντουάρ Μανέ. Αντζελίνα. 1860 Musée d'Orsay, Παρίσι. Wikimedia.commons.org Έτσι συνέχισε να πειραματίζεται. Για παράδειγμα, με χρώμα. Δεν προσπάθησε να απεικονίσει το λεγόμενο φυσικό χρώμα. Αν έβλεπε το γκρι-καφέ νερό ως έντονο μπλε, τότε το απεικόνιζε ως έντονο μπλε.
Αυτό φυσικά εκνεύρισε το κοινό. Εξάλλου, ακόμη και η Μεσόγειος Θάλασσα δεν μπορεί να καυχηθεί ότι είναι τόσο γαλάζια όσο το νερό του Μανέ, ειρωνεύτηκαν.
Εντουάρ Μανέ. Argenteuil. 1874 Μουσείο καλές τέχνες, Tournai, Βέλγιο. Wikipedia.org Όμως το γεγονός παραμένει γεγονός. Ο Μανέ άλλαξε ριζικά τον σκοπό της ζωγραφικής. Ο πίνακας έγινε η ενσάρκωση της ατομικότητας του καλλιτέχνη. Όποιος γράφει όπως θέλει. Ξεχνώντας τα πρότυπα και τις παραδόσεις.
Όλες οι καινοτομίες δεν τον συγχώρεσαν για πολύ καιρό. Έλαβε αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής του. Όταν δεν το χρειαζόταν πια. Πέθανε οδυνηρά από ανίατη ασθένεια.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Κλοντ Μονέ. Αυτοπροσωπογραφία σε μπερέ. 1886 Ιδιωτική συλλογή Ο Κλοντ Μονέ μπορεί να ονομαστεί χριστιανός ιμπρεσιονιστής. Αφού ήταν πιστός σε αυτή την κατεύθυνση όλο του μακροζωία.
Δεν ζωγράφισε αντικείμενα και ανθρώπους, αλλά μια μονόχρωμη κατασκευή από ανταύγειες και σημεία. Ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Αέριες δονήσεις.
Κλοντ Μονέ. Κωπηλασία πισίνα. 1869 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη. metmuseum.org Ο Μονέ ζωγράφισε όχι μόνο τη φύση. Ήταν επίσης καλός στα τοπία της πόλης. Ένα από τα πιο διάσημα - .
Υπάρχει πολλή φωτογραφία σε αυτή την εικόνα. Για παράδειγμα, η κίνηση μεταδίδεται μέσω μιας θολής εικόνας.
Παρατηρήστε πώς τα μακρινά δέντρα και οι φιγούρες φαίνονται να βρίσκονται σε ομίχλη.
Κλοντ Μονέ. Boulevard des Capucines στο Παρίσι. 1873 (Πινακοθήκη Ευρωπαϊκής και Αμερικανικής Τέχνης 19ου-20ου αιώνα), Μόσχα Μπροστά μας είναι μια παγωμένη στιγμή στην πολυσύχναστη ζωή του Παρισιού. Χωρίς σκηνικό. Κανείς δεν ποζάρει. Οι άνθρωποι απεικονίζονται ως μια συλλογή από πινελιές. Τέτοια έλλειψη πλοκής και εφέ "freeze-frame" - κύριο χαρακτηριστικόιμπρεσιονισμός.
Στα μέσα της δεκαετίας του '80, οι καλλιτέχνες απογοητεύτηκαν από τον ιμπρεσιονισμό. Η αισθητική είναι, φυσικά, καλή. Αλλά η έλλειψη πλοκής καταθλίβει πολλούς.
Μόνο ο Μονέ συνέχισε να επιμένει. Υπερβολικός ιμπρεσιονισμός. Το οποίο εξελίχθηκε σε μια σειρά από πίνακες.
Απεικόνισε το ίδιο τοπίο δεκάδες φορές. ΣΕ διαφορετική ώραημέρες. Σε διαφορετικές εποχές του χρόνου. Για να δείξει πώς η θερμοκρασία και το φως μπορούν να αλλάξουν το ίδιο είδος πέρα από την αναγνώριση.
Έτσι, εμφανίστηκαν αμέτρητες θημωνιές.
Πίνακες του Claude Monet στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Αριστερά: Haystacks στο ηλιοβασίλεμα στο Giverny, 1891. Δεξιά: Haystack (φαινόμενο χιονιού), 1891.
Σημειώστε ότι οι σκιές σε αυτούς τους πίνακες είναι έγχρωμες. Και όχι γκρι ή μαύρο, όπως συνηθιζόταν πριν από τους ιμπρεσιονιστές. Αυτό είναι ένα άλλο χαρακτηριστικό τους.
Ο Μονέ κατάφερε να απολαύσει την επιτυχία και υλική ευημερία. Μετά τα 40, ξέχασε ήδη τη φτώχεια. Απέκτησε ένα σπίτι και έναν όμορφο κήπο. Και δημιούργησε για δική του ευχαρίστηση πολλά χρόνια.
Διαβάστε για τον πιο εμβληματικό πίνακα του πλοιάρχου στο άρθρο
3. Ογκίστ Ρενουάρ (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1875 Ινστιτούτο Τέχνης Sterling and Francine Clark, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ. Pinterest.ru Ο ιμπρεσιονισμός είναι ο πιο θετικός πίνακας. Και το πιο θετικό μεταξύ των ιμπρεσιονιστών ήταν ο Ρενουάρ.
Δεν θα βρείτε δράμα στους πίνακές του. Ούτε μαύρη μπογιά δεν χρησιμοποίησε. Μόνο η χαρά της ύπαρξης. Ακόμα και τα πιο μπανάλ πράγματα στο Ρενουάρ φαίνονται όμορφα.
Σε αντίθεση με τον Μονέ, ο Ρενουάρ ζωγράφιζε ανθρώπους πιο συχνά. Τα τοπία ήταν λιγότερο σημαντικά για αυτόν. Στους πίνακές του οι φίλοι και οι γνωστοί του χαλαρώνουν και απολαμβάνουν τη ζωή.
Pierre-Auguste Renoir. Το πρωινό των κωπηλατών. 1880-1881 Phillips Collection, Ουάσιγκτον, Η.Π.Α. Wikimedia.commons.org Δεν θα βρείτε κανένα βάθος στο Ρενουάρ. Ήταν πολύ χαρούμενος που προσχώρησε στους ιμπρεσιονιστές. Ο οποίος αρνήθηκε εντελώς τα οικόπεδα.
Όπως είπε και ο ίδιος, επιτέλους έχει την ευκαιρία να γράψει λουλούδια και να τα αποκαλεί απλά «Λουλούδια». Και μην επινοείτε ιστορίες για αυτούς.
Pierre-Auguste Renoir. Γυναίκα με μια ομπρέλα στον κήπο. 1875 Μουσείο Thyssen-Bormenis, Μαδρίτη. arteuam.com Ο Ρενουάρ ένιωθε καλύτερα παρέα με γυναίκες. Ζήτησε από τις υπηρέτριές του να τραγουδήσουν και να αστειευτούν. Όσο πιο ηλίθιο και αφελές ήταν το τραγούδι, τόσο το καλύτερο για αυτόν. Και οι αντρικές φλυαρίες τον κούρασαν. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι ο Ρενουάρ φημίζεται για τα γυμνά του.
Το μοντέλο στον πίνακα «Nude in ηλιακό φως» φαίνεται να εμφανίζεται σε ένα πολύχρωμο αφηρημένο φόντο. Γιατί για τον Ρενουάρ τίποτα δεν είναι δευτερεύον. Το μάτι του μοντέλου ή ένα τμήμα του φόντου είναι ισοδύναμα.
Pierre-Auguste Renoir. Γυμνό στο φως του ήλιου. 1876 Musée d'Orsay, Παρίσι. wikimedia.commons.org Ο Ρενουάρ έζησε πολύ. Και δεν αφήνω ποτέ κάτω το πινέλο και την παλέτα μου. Ακόμη και όταν τα χέρια του ήταν τελείως δεσμευμένα από ρευματισμούς, έδεσε τη βούρτσα στο χέρι του με ένα σχοινί. Και ζωγράφισε.
Όπως ο Μονέ, περίμενε την αναγνώριση μετά από 40 χρόνια. Και είδα τους πίνακές μου στο Λούβρο, δίπλα σε έργα διάσημων δασκάλων.
Διαβάστε για ένα από τα πιο γοητευτικά πορτρέτα του Ρενουάρ στο άρθρο
4. Έντγκαρ Ντεγκά (1834 – 1917)
Έντγκαρ Ντεγκά. Αυτοπροσωπογραφία. 1863 Μουσείο Calouste Gulbenkian, Λισαβόνα, Πορτογαλία. καλλιεργημένος.com Ο Ντεγκά δεν ήταν κλασικός ιμπρεσιονιστής. Δεν του άρεσε να δουλεύει στο ύπαιθρο (open air). Δεν θα βρείτε μια εσκεμμένα φωτισμένη παλέτα μαζί του.
Αντίθετα, αγαπούσε μια ξεκάθαρη γραμμή. Έχει μπόλικο μαύρο. Και δούλευε αποκλειστικά στο στούντιο.
Αλλά και πάλι βρίσκεται πάντα σε μια σειρά με άλλους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Γιατί ήταν ιμπρεσιονιστής χειρονομίας.
Απροσδόκητες γωνίες. Ασυμμετρία στη διάταξη των αντικειμένων. Χαρακτήρες ξαφνιασμένοι. Όλα αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων του.
Σταμάτησε μια στιγμή ζωής, μην του επιτρέψει να συνέλθει. Απλώς δείτε την «Ορχήστρα της Όπερας» του.
Έντγκαρ Ντεγκά. Ορχήστρα όπερας. 1870 Musée d'Orsay, Παρίσι. commons.wikimedia.org Σε πρώτο πλάνο είναι η πλάτη μιας καρέκλας. Η πλάτη του μουσικού είναι σε εμάς. Και επάνω Ιστορικόοι μπαλαρίνες στη σκηνή δεν χωρούσαν στο «κάδρο». Τα κεφάλια τους είναι ανελέητα «κομμένα» από την άκρη της εικόνας.
Γι' αυτό οι χορευτές που αγαπούσε τόσο δεν απεικονίζονται πάντα όμορφες πόζες. Μερικές φορές κάνουν απλώς διατάσεις.
Αλλά τέτοιος αυτοσχεδιασμός είναι φανταστικός. Φυσικά, ο Ντεγκά σκέφτηκε προσεκτικά τη σύνθεση. Αυτό είναι απλώς ένα εφέ παγώματος καρέ, όχι ένα πραγματικό καρέ παγώματος.
Έντγκαρ Ντεγκά. Δύο χορευτές μπαλέτου. 1879 Μουσείο Shelburne, Βερμούτ, Η.Π.Α Ο Έντγκαρ Ντεγκά λάτρευε να ζωγραφίζει γυναίκες. Όμως η ασθένεια ή τα χαρακτηριστικά του σώματος δεν του επέτρεπαν να έχει σωματική επαφή μαζί τους. Δεν έχει παντρευτεί ποτέ. Κανείς δεν τον είχε δει ποτέ με γυναίκα.
Η απουσία πραγματικών θεμάτων στην προσωπική του ζωή πρόσθεσε έναν λεπτό και έντονο ερωτισμό στις εικόνες του.
Έντγκαρ Ντεγκά. αστέρι του μπαλέτου. 1876-1878 Musee d'Orsay, Παρίσι. wikimedia.comons.org Σημειώστε ότι στον πίνακα "Αστέρι του Μπαλέτου" απεικονίζεται μόνο η ίδια η μπαλαρίνα. Οι συνάδελφοί της στα παρασκήνια φαίνονται μετά βίας. Μόνο λίγα πόδια.
Αυτό δεν σημαίνει ότι ο Ντεγκά δεν ολοκλήρωσε τον πίνακα. Αυτή είναι η υποδοχή. Κρατήστε μόνο τα πιο σημαντικά πράγματα στο επίκεντρο. Κάνε τα υπόλοιπα να εξαφανιστούν, δυσανάγνωστα.
Διαβάστε για άλλους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Εντουάρ Μανέ. Πορτρέτο του Berthe Morisot. 1873 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι. Η Berthe Morisot σπάνια τοποθετείται στην πρώτη σειρά με τους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Είμαι σίγουρος ότι δεν αξίζει. Είναι στη δουλειά της που θα βρείτε όλα τα κύρια χαρακτηριστικά και τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Και αν σας αρέσει ο ιμπρεσιονισμός, θα λατρέψετε τη δουλειά της με όλη σας την καρδιά.
Το Morisot λειτούργησε γρήγορα και ορμητικά. Μεταφέροντας τις εντυπώσεις σας σε καμβά. Οι φιγούρες φαίνεται ότι πρόκειται να διαλυθούν στο διάστημα.
Berthe Morisot. Καλοκαίρι. 1880 Μουσείο Fabray, Μονπελιέ, Γαλλία. Όπως και ο Ντεγκά, συχνά άφηνε κάποιες λεπτομέρειες ημιτελείς. Και ακόμη και μέρη του σώματος του μοντέλου. Δεν μπορούμε να διακρίνουμε τα χέρια του κοριτσιού στον πίνακα "Καλοκαίρι".
Η πορεία του Morisot προς την αυτοέκφραση ήταν δύσκολη. Όχι μόνο ασχολήθηκε με την «απρόσεκτη» ζωγραφική. Ήταν ακόμα γυναίκα. Εκείνες τις μέρες, μια γυναίκα υποτίθεται ότι ονειρευόταν να παντρευτεί. Μετά από αυτό τα χόμπι ξεχάστηκαν.
Ως εκ τούτου, η Bertha αρνήθηκε τον γάμο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Μέχρι που βρήκε έναν άντρα που σεβόταν το επάγγελμά της. Ο Ευγένιος Μανέ ήταν αδελφός του καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ. Λαχταρούσε υπηρεσιακά το καβαλέτο και τις μπογιές της γυναίκας του.
Berthe Morisot. Ο Eugene Manet με την κόρη του στο Bougival. 1881 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι. Αλλά και πάλι ήταν στον 19ο αιώνα. Όχι, δεν φόρεσα παντελόνι Morisot. Αλλά δεν μπορούσε να αντέξει την πλήρη ελευθερία κινήσεων.
Δεν μπορούσε να πάει στο πάρκο για να δουλέψει μόνη της. Ασυνόδευτος από κάποιο κοντινό σου πρόσωπο. Δεν μπορούσα να κάτσω μόνος μου σε ένα καφέ. Επομένως, οι πίνακές της είναι ανθρώπων από τον οικογενειακό κύκλο. Σύζυγος, κόρη, συγγενείς.
Berthe Morisot. Μια γυναίκα με ένα παιδί σε έναν κήπο στο Bougival. 1881 Εθνικό μουσείοΟυαλία, Κάρντιφ. Ο Μορισό δεν περίμενε την αναγνώριση. Πέθανε σε ηλικία 54 ετών από πνευμονία. Χωρίς να πουλήσει σχεδόν κανένα έργο του όσο ζούσε. Στο πιστοποιητικό θανάτου της, υπήρχε μια παύλα στη στήλη «κατοχή». Ήταν αδιανόητο μια γυναίκα να λέγεται καλλιτέχνης. Ακόμα κι αν ήταν πραγματικά.
Διαβάστε για τους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Αυτοπροσωπογραφία. 1873 Musée d'Orsay, Παρίσι. Wikipedia.org Camille Pissarro. Χωρίς σύγκρουση, λογικό. Πολλοί τον αντιλαμβάνονταν ως δάσκαλο. Ακόμη και οι πιο ιδιοσυγκρασιακές συνάδελφοι δεν μίλησαν άσχημα για τον Πισάρο.
Ήταν πιστός οπαδός του ιμπρεσιονισμού. Σε μεγάλη ανάγκη, με πέντε παιδιά και μια γυναίκα, δούλευε ακόμα σκληρά στο ίδιο στυλ. Και δεν πέρασα ποτέ στη ζωγραφική στο σαλόνι. Για να γίνει πιο δημοφιλής. Δεν είναι γνωστό από πού βρήκε τη δύναμη να πιστέψει πλήρως στον εαυτό του.
Για να μην πεθάνει καθόλου από την πείνα, ο Πισάρο ζωγράφισε θαυμαστές. Τα οποία αγοράστηκαν με ανυπομονησία. Όμως η πραγματική αναγνώριση του ήρθε μετά από 60 χρόνια! Όταν επιτέλους κατάφερε να ξεχάσει την ανάγκη του.
Camille Pissarro. Πούλμαν στη Λουβεσιέν. 1869 Musée d'Orsay, Παρίσι Ο αέρας στους πίνακες του Pissarro είναι πυκνός και πυκνός. Ένας εξαιρετικός συνδυασμός χρώματος και όγκου.
Ο καλλιτέχνης δεν φοβόταν να ζωγραφίσει τα πιο ευμετάβλητα φυσικά φαινόμενα. Που θα εμφανιστεί για μια στιγμή και θα εξαφανιστεί. Πρώτο χιόνι, παγωμένος ήλιος, μακριές σκιές.
Camille Pissarro. Παγωνιά. 1873 Musée d'Orsay, Παρίσι Τα πιο διάσημα έργα του είναι οι απόψεις του Παρισιού. Με φαρδιές λεωφόρους, πολύβουο και πολύχρωμο πλήθος. Τη νύχτα, τη μέρα, με διαφορετικό καιρό. Κατά κάποιο τρόπο απηχεί μια σειρά από πίνακες του Κλοντ Μονέ.
Ένα από τα μεγαλύτερα κινήματα στην τέχνη τις τελευταίες δεκαετίεςΟ δέκατος ένατος αιώνας και οι αρχές του εικοστού είναι ο ιμπρεσιονισμός, ο οποίος εξαπλώθηκε σε όλο τον κόσμο από τη Γαλλία. Οι εκπρόσωποί του ασχολήθηκαν με την ανάπτυξη τέτοιων μεθόδων και τεχνικών ζωγραφικής που θα επέτρεπαν να αντικατοπτρίζεται πιο ζωντανά και φυσικά ο πραγματικός κόσμος στη δυναμική, να μεταφέρονται φευγαλέες εντυπώσεις από αυτόν.
Πολλοί καλλιτέχνες δημιούργησαν τους καμβάδες τους στο στυλ του ιμπρεσιονισμού, αλλά οι ιδρυτές του κινήματος ήταν οι Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Είναι αδύνατο να ονομάσουμε τα καλύτερα έργα τους, αφού είναι όλα πανέμορφα, αλλά υπάρχουν τα πιο διάσημα και θα συζητηθούν περαιτέρω.
Claude Monet: «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου"
Ο καμβάς με τον οποίο πρέπει να ξεκινήσετε μια συζήτηση για τους καλύτερους πίνακες των ιμπρεσιονιστών. Ο Κλοντ Μονέ το ζωγράφισε το 1872 από τη ζωή στο παλιό λιμάνι της Χάβρης της Γαλλίας. Δύο χρόνια αργότερα, ο πίνακας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό στο πρώην στούντιο του Γάλλου καλλιτέχνη και γελοιογράφου Nadar. Αυτή η έκθεση έγινε μοιραία για τον κόσμο της τέχνης. Εντυπωσιασμένος (καθόλου) με την καλύτερη έννοια) του Monet, του οποίου ο τίτλος στην αρχική γλώσσα ακούγεται σαν «Impression, soleil levant», ο δημοσιογράφος Louis Leroy επινόησε για πρώτη φορά τον όρο «ιμπρεσιονισμός», δηλώνοντας μια νέα κατεύθυνση στη ζωγραφική.
Ο πίνακας κλάπηκε το 1985 μαζί με έργα των O. Renoir και B. Morisot. Ανακαλύφθηκε πέντε χρόνια αργότερα. Επί του παρόντος «Impression. Ανατολή του ηλίου«Ανήκει στο Μουσείο Marmottan-Monet στο Παρίσι.
Εντουάρ Μονέ: «Ολυμπία»
Ο πίνακας «Ολυμπία», που φιλοτέχνησε ο Γάλλος ιμπρεσιονιστής Εντουάρ Μανέ το 1863, είναι ένα από τα αριστουργήματα της σύγχρονης ζωγραφικής. Παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο Salon του Παρισιού το 1865. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες και οι πίνακές τους βρίσκονταν συχνά στο κέντρο σκάνδαλα υψηλού προφίλ. Ωστόσο, η Ολυμπία προκάλεσε τη μεγαλύτερη από αυτές στην ιστορία της τέχνης.
Στον καμβά βλέπουμε μια γυμνή γυναίκα, με το πρόσωπο και το σώμα της στραμμένα προς το κοινό. Ο δεύτερος χαρακτήρας είναι μια μελαχρινή υπηρέτρια που κρατά ένα πολυτελές μπουκέτο τυλιγμένο σε χαρτί. Στο πόδι του κρεβατιού υπάρχει ένα μαύρο γατάκι σε χαρακτηριστική πόζα με τοξωτή πλάτη. Δεν είναι γνωστά πολλά για την ιστορία του πίνακα. Το μοντέλο ήταν πιθανότατα το αγαπημένο μοντέλο του Manet, το Quiz Meunard. Υπάρχει η άποψη ότι ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε την εικόνα της Marguerite Bellanger, της ερωμένης του Ναπολέοντα.
Την περίοδο της δημιουργικότητας που δημιουργήθηκε η Olympia, ο Manet γοητεύτηκε Ιαπωνική τέχνη, και ως εκ τούτου αρνήθηκε εσκεμμένα να επεξεργαστεί τις αποχρώσεις του σκοταδιού και του φωτός. Εξαιτίας αυτού, οι σύγχρονοί του δεν είδαν τον όγκο της εικονιζόμενης μορφής και τον θεώρησαν επίπεδο και τραχύ. Ο καλλιτέχνης κατηγορήθηκε για ανηθικότητα και χυδαιότητα. Ποτέ άλλοτε οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες δεν προκάλεσαν τέτοιο ενθουσιασμό και κοροϊδία από το πλήθος. Η διοίκηση αναγκάστηκε να τοποθετήσει φρουρούς γύρω της. Ο Ντεγκά συνέκρινε τη φήμη του Μανέ μέσω της Ολυμπίας και το θάρρος με το οποίο δεχόταν την κριτική με την ιστορία ζωής του Γκαριμπάλντι.
Για σχεδόν ένα τέταρτο του αιώνα μετά την έκθεση, ο καμβάς κρατήθηκε μακριά από το στούντιο του καλλιτέχνη. Στη συνέχεια εκτέθηκε ξανά στο Παρίσι το 1889. Σχεδόν αγοράστηκε, αλλά οι φίλοι του καλλιτέχνη συγκέντρωσαν το απαιτούμενο ποσό και αγόρασαν την «Ολυμπία» από τη χήρα του Μανέ και στη συνέχεια τη δώρησαν στο κράτος. Τώρα ο πίνακας ανήκει στο Μουσείο Ορσέ στο Παρίσι.
Auguste Renoir: "Great Bathers"
Η εικόνα είναι ζωγραφισμένη Γάλλος καλλιτέχνηςτο 1884-1887 Λαμβάνοντας υπόψη όλους τους γνωστούς σήμερα ιμπρεσιονιστικούς πίνακες μεταξύ του 1863 και των αρχών του εικοστού αιώνα, οι «Μεγάλοι Λουόμενοι» αποκαλούνται ο μεγαλύτερος καμβάς με γυμνές γυναικείες φιγούρες. Ο Ρενουάρ εργάστηκε σε αυτό για περισσότερα από τρία χρόνια και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιουργήθηκαν πολλά σκίτσα και σκίτσα. Δεν υπήρχε άλλος πίνακας στο έργο του που να αφιέρωσε τόσο χρόνο.
Σε πρώτο πλάνο, ο θεατής βλέπει τρεις γυμνές γυναίκες, δύο από τις οποίες είναι στην ακτή και η τρίτη στέκεται στο νερό. Οι φιγούρες είναι ζωγραφισμένες πολύ ρεαλιστικά και καθαρά, πράγμα που είναι χαρακτηριστικό στοιχείοστυλ του καλλιτέχνη. Τα μοντέλα του Renoir ήταν η Alina Charigo (η μέλλουσα σύζυγός του) και η Suzanne Valadon, η οποία στο μέλλον έγινε διάσημη καλλιτέχνης.
Έντγκαρ Ντεγκά: «Μπλε χορευτές»
Δεν ήταν όλοι οι διάσημοι πίνακες των ιμπρεσιονιστών που αναφέρονται στο άρθρο ζωγραφισμένοι με λάδι σε καμβά. Η παραπάνω φωτογραφία σάς επιτρέπει να καταλάβετε τι αντιπροσωπεύει ο πίνακας "Μπλε Χορευτές". Κατασκευάστηκε σε παστέλ σε φύλλο χαρτιού διαστάσεων 65x65 εκ. και ανήκει όψιμη περίοδοςδημιουργικότητα του καλλιτέχνη (1897). Το ζωγράφισε με ήδη μειωμένη όραση, επομένως αποδίδεται ύψιστη σημασία στη διακοσμητική οργάνωση: η εικόνα γίνεται αντιληπτή ως μεγάλες κηλίδες χρώματος, ειδικά όταν την βλέπουμε από κοντά. Το θέμα των χορευτών ήταν κοντά στον Ντεγκά. Επαναλαμβανόταν πολλές φορές στο έργο του. Πολλοί κριτικοί πιστεύουν ότι λόγω της αρμονίας του χρώματος και της σύνθεσης, οι Μπλε Χορευτές μπορούν να θεωρηθούν καλύτερη δουλειάκαλλιτέχνη σε αυτό το θέμα. Επί του παρόντος, ο πίνακας φυλάσσεται στο Μουσείο Τέχνης. A. S. Pushkin στη Μόσχα.
Frédéric Bazille: "Ροζ Φόρεμα"
Ένας από τους ιδρυτές Γαλλικός ιμπρεσιονισμόςΟ Frédéric Bazille γεννήθηκε σε μια αστική οικογένεια ενός πλούσιου οινοποιού. Ενώ ακόμη σπούδαζε στο Λύκειο, άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική. Έχοντας μετακομίσει στο Παρίσι, γνώρισε τον C. Monet και τον O. Renoir. Δυστυχώς, ο καλλιτέχνης προοριζόταν για λίγο μονοπάτι ζωής. Πέθανε σε ηλικία 28 ετών στο μέτωπο κατά τη διάρκεια του Γαλλοπρωσικού πολέμου. Ωστόσο, οι πίνακές του, αν και ελάχιστοι σε αριθμό, δίκαια περιλαμβάνονται στη λίστα των « Οι καλύτεροι πίνακες ζωγραφικήςΙμπρεσιονιστές». Ένα από αυτά είναι « Ροζ φόρεμα», γραμμένο το 1864. Σύμφωνα με όλες τις ενδείξεις, ο καμβάς μπορεί να αποδοθεί στον πρώιμο ιμπρεσιονισμό: χρωματιστικές αντιθέσεις, προσοχή στο χρώμα, το φως του ήλιου και μια σταματημένη στιγμή, αυτό ακριβώς που ονομαζόταν «εντύπωση». Μια από τις ξαδέρφες του καλλιτέχνη, η Teresa de Hors, ενήργησε ως μοντέλο. Ο πίνακας σήμερα ανήκει στο Musée d'Orsay στο Παρίσι.
Camille Pissarro: «Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστο"
Ο Camille Pissarro έγινε διάσημος χάρη στα τοπία του, χαρακτηριστικό στοιχείοπου είναι το σχέδιο φωτός και φωτισμένων αντικειμένων. Τα έργα του είχαν σημαντική επιρροή στο είδος του ιμπρεσιονισμού. Ο καλλιτέχνης ανέπτυξε ανεξάρτητα πολλές από τις εγγενείς αρχές του, οι οποίες αποτέλεσαν τη βάση για τη μελλοντική του δημιουργικότητα.
Στον Pissarro άρεσε να ζωγραφίζει το ίδιο μέρος σε διαφορετικές ώρες της ημέρας. Έχει μια ολόκληρη σειρά από καμβάδες με παριζιάνικες λεωφόρους και δρόμους. Το πιο διάσημο από αυτά είναι το «Boulevard Montmartre» (1897). Αντικατοπτρίζει όλη τη γοητεία που βλέπει ο καλλιτέχνης στη βροχερή και ανήσυχη ζωή αυτής της γωνιάς του Παρισιού. Βλέποντας τη λεωφόρο από το ίδιο σημείο, τη δείχνει στον θεατή μια ηλιόλουστη και συννεφιασμένη μέρα, πρωί, απόγευμα και αργά το βράδυ. Η παρακάτω φωτογραφία δείχνει τον πίνακα "Montmartre Boulevard at Night".
Αυτό το στυλ υιοθετήθηκε στη συνέχεια από πολλούς καλλιτέχνες. Θα αναφέρουμε μόνο ποιοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες γράφτηκαν υπό την επίδραση του Πισάρο. Αυτή η τάση είναι ξεκάθαρα ορατή στο έργο του Μονέ (τη σειρά πινάκων «Haystacks»).
Άλφρεντ Σίσλεϋ: «Γκαζόν την Άνοιξη»
Το "Laws in Spring" είναι ένας από τους τελευταίους πίνακες του τοπιογράφου Alfred Sisley, ζωγραφισμένος το 1880-1881. Σε αυτό, ο θεατής βλέπει ένα δασικό μονοπάτι στις όχθες του Σηκουάνα με ένα χωριό στην απέναντι όχθη. Στο προσκήνιο είναι ένα κορίτσι - η κόρη του καλλιτέχνη Jeanne Sisley.
Τα τοπία του καλλιτέχνη μεταφέρουν την αυθεντική ατμόσφαιρα της ιστορικής περιοχής του Ile-de-France και διατηρούν μια ιδιαίτερη απαλότητα και διαφάνεια φυσικά φαινόμενα, χαρακτηριστικό συγκεκριμένων εποχών του χρόνου. Ο καλλιτέχνης δεν ήταν ποτέ υποστηρικτής των ασυνήθιστων εφέ και τηρούσε μια απλή σύνθεση και μια περιορισμένη παλέτα χρωμάτων. Ο πίνακας τώρα φυλάσσεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου.
Έχουμε παραθέσει τους πιο γνωστούς πίνακες ιμπρεσιονιστών (με ονόματα και περιγραφές). Αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Το μοναδικό στυλ ζωγραφικής, που προέρχεται από τη Γαλλία, έγινε αρχικά αντιληπτό με χλεύη και ειρωνεία, οι κριτικοί τόνισαν την ανοιχτή αμέλεια των καλλιτεχνών στη ζωγραφική των καμβάδων τους. Τώρα σχεδόν κανείς δεν θα τολμούσε να αμφισβητήσει την ιδιοφυΐα του. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες εκτίθενται στα πιο διάσημα μουσεία του κόσμου και αποτελούν ένα πολυπόθητο έκθεμα για κάθε ιδιωτική συλλογή.
Το στυλ δεν έχει βυθιστεί στη λήθη και έχει πολλούς followers. Ο συμπατριώτης μας Andrei Koch, ο Γάλλος ζωγράφος Laurent Parselier, οι Αμερικανίδες Diana Leonard και Karen Tarleton είναι διάσημοι σύγχρονοι ιμπρεσιονιστές. Οι πίνακές τους είναι φτιαγμένες με τις καλύτερες παραδόσεις του είδους, γεμάτες φωτεινα χρωματα, τολμηρά κτυπήματα και ζωή. Στην παραπάνω φωτογραφία είναι το έργο του Laurent Parselier “In the Rays of the Sun”.
Ιμπρεσιονισμός (από τα γαλλικά" εντύπωση" - εντύπωση) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη (λογοτεχνία, ζωγραφική, αρχιτεκτονική), εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα στη Γαλλία και γρήγορα διαδόθηκε σε άλλες χώρες του κόσμου. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης, που πίστευαν ότι οι ακαδημαϊκές, παραδοσιακές τεχνικές, για παράδειγμα, στη ζωγραφική ή την αρχιτεκτονική, δεν μπορούν να μεταδώσουν πλήρως την πληρότητα και τις μικρότερες λεπτομέρειες του γύρω κόσμου, στράφηκαν στη χρήση εντελώς νέων τεχνικών και μεθόδων, πρώτα απ 'όλα στη ζωγραφική, μετά στη λογοτεχνία και τη μουσική. Κατέστησαν δυνατή την πιο ζωντανή και φυσική απεικόνιση όλης της κινητικότητας και της μεταβλητότητας πραγματικό κόσμομεταφέροντας όχι τη φωτογραφική του εμφάνιση, αλλά μέσα από το πρίσμα των εντυπώσεων και των συναισθημάτων των συγγραφέων για αυτό που είδαν.
Ο συγγραφέας του όρου «ιμπρεσιονισμός» θεωρείται ότι είναι Γάλλος κριτικόςκαι ο δημοσιογράφος Louis Leroy, ο οποίος εντυπωσιασμένος από την επίσκεψή του στην έκθεση μιας ομάδας νέων καλλιτεχνών «The Salon of the Rejected» το 1874 στο Παρίσι, τους αποκαλεί στο φειλέτο του ιμπρεσιονιστές, ένα είδος «ιμπρεσιονιστές», και αυτή η δήλωση είναι κάπως απορριπτικό και ειρωνικό χαρακτήρα. Η βάση για το όνομα αυτού του όρου ήταν ο πίνακας του Claude Monet "Impression" που είδε ένας κριτικός. Ανατολή του ηλίου". Και παρόλο που στην αρχή πολλοί από τους πίνακες αυτής της έκθεσης υπόκεινται σε έντονη κριτική και απόρριψη, αργότερα αυτή η κατεύθυνση έλαβε ευρύτερη δημόσια αναγνώριση και έγινε δημοφιλής σε όλο τον κόσμο.
Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική
(Claude Monet "Βάρκες στην παραλία")
Το νέο στυλ, τρόπος και τεχνική απεικόνισης δεν επινοήθηκαν από Γάλλους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες, βασίστηκαν στην εμπειρία και τα επιτεύγματα των πιο ταλαντούχων ζωγράφων της Αναγέννησης: Rubens, Velazquez, El Greco, Goya. Από αυτούς, οι ιμπρεσιονιστές πήραν τέτοιες μεθόδους για πιο ζωντανή και ζωντανή μετάδοση του περιβάλλοντος κόσμου ή την εκφραστικότητα των καιρικών συνθηκών όπως η χρήση ενδιάμεσων τόνων, η χρήση τεχνικών φωτεινών ή, αντίθετα, θαμπών πινελιών, μεγάλων ή μικρών, που χαρακτηρίζονται από αφηρημένη. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης στη ζωγραφική είτε εγκατέλειψαν εντελώς τον παραδοσιακό ακαδημαϊκό τρόπο σχεδίασης, είτε αναμόρφωσαν εντελώς τις μεθόδους και τις μεθόδους απεικόνισης με τον δικό τους τρόπο, εισάγοντας τέτοιες καινοτομίες όπως:
- Αντικείμενα, αντικείμενα ή φιγούρες απεικονίστηκαν χωρίς περίγραμμα, αντικαταστάθηκαν από μικρές και αντίθετες πινελιές.
- Δεν χρησιμοποιήθηκε παλέτα για την ανάμειξη χρωμάτων επιλέχθηκαν που αλληλοσυμπληρώνονται και δεν απαιτούν συγχώνευση. Μερικές φορές το χρώμα πιέζονταν στον καμβά απευθείας από έναν μεταλλικό σωλήνα, δημιουργώντας ένα καθαρό, αστραφτερό χρώμα με ένα εφέ πινελιάς.
- Εικονική απουσία μαύρου χρώματος.
- Οι καμβάδες ζωγραφίστηκαν ως επί το πλείστον σε εξωτερικούς χώρους, από τη φύση, προκειμένου να μεταφέρουν πιο ζωντανά και εκφραστικά τα συναισθήματα και τις εντυπώσεις τους από αυτό που είδαν.
- Η χρήση χρωμάτων με υψηλή καλυπτική ικανότητα.
- Εφαρμόζοντας φρέσκες πινελιές απευθείας στην ακόμα υγρή επιφάνεια του καμβά.
- Δημιουργία βρόχων ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣπροκειμένου να μελετηθούν οι αλλαγές στο φως και τη σκιά («Haystacks» του Claude Monet).
- Έλλειψη απεικόνισης πιεστικών κοινωνικών, φιλοσοφικών ή θρησκευτικών ζητημάτων, ιστορικών ή σημαντικών γεγονότων. Τα έργα των ιμπρεσιονιστών είναι γεμάτα θετικά συναισθήματα, δεν υπάρχει χώρος για κατήφεια και βαριές σκέψεις, υπάρχει μόνο ελαφρότητα, χαρά και ομορφιά κάθε στιγμής, ειλικρίνεια των συναισθημάτων και ειλικρίνεια των συναισθημάτων.
(Εντουάρ Μανέ «Διαβάζω»)
Και παρόλο που δεν τήρησαν όλοι οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος ιδιαίτερη ακρίβεια στην εκτέλεση όλων των ακριβών χαρακτηριστικών του ιμπρεσιονιστικού στυλ (Ο Edouard Manet τοποθετήθηκε ως μεμονωμένος καλλιτέχνης και δεν συμμετείχε ποτέ σε κοινές εκθέσεις (υπήρχαν 8 συνολικά από το 1874 έως το 1886) Ο Έντγκαρ Ντεγκά δημιούργησε μόνο στο δικό του εργαστήριο) αυτό δεν τους εμπόδισε να δημιουργήσουν αριστουργήματα εικαστικές τέχνες, ακόμα αποθηκευμένο σε καλύτερα μουσείακαι ιδιωτικές συλλογές σε όλο τον κόσμο.
Ρώσοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες
Το να είσαι εντυπωσιασμένος από δημιουργικές ιδέεςΓάλλοι ιμπρεσιονιστές, Ρώσοι καλλιτέχνες στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα δημιούργησαν τα αυθεντικά αριστουργήματα καλών τεχνών τους, αργότερα γνωστά ως συνηθισμένο όνομα«Ρωσικός ιμπρεσιονισμός».
(V. A. Serov "Κορίτσι με ροδάκινα")
Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποί του είναι ο Konstantin Korovin ("Portrait of a Chorus Girl", 1883, "Northern Idyll" 1886), ο Valentin Serov (" Ανοιχτό παράθυρο. Πασχαλιά», 1886, «Κορίτσι με ροδάκινα», 1887), Arkhip Kuindzhi («North», 1879, «Dnieper in the Morning» 1881), Abram Arkhipov («North Sea», «Landscape. Study with a Log House») , «όψιμος» ιμπρεσιονιστής Igor Grabar («Birch Alley», 1940, «Winter Landscape», 1954).
(Borisov-Musatov "Το τραγούδι του φθινοπώρου")
Οι μέθοδοι και ο τρόπος απεικόνισης που είναι εγγενείς στον ιμπρεσιονισμό έλαβαν χώρα στα έργα τέτοιων εξαιρετικών Ρώσων καλλιτεχνών όπως ο Borisov-Musatov, ο Bogdanov Belsky, ο Nilus. Οι κλασικοί κανόνες του γαλλικού ιμπρεσιονισμού στους πίνακες των Ρώσων καλλιτεχνών έχουν υποστεί κάποιες αλλαγές, ως αποτέλεσμα των οποίων αυτή η κατεύθυνση έχει αποκτήσει μια μοναδική εθνική ιδιαιτερότητα.
Ξένοι ιμπρεσιονιστές
Ένα από τα πρώτα έργα που εκτελέστηκαν με ύφος ιμπρεσιονισμού θεωρείται ο πίνακας του Εντουάρ Μανέ «Luncheon on the Grass», ο οποίος εκτέθηκε στο κοινό το 1860 στο «Salon of the Rejected» του Παρισιού, όπου καμβάδες που δεν πέρασαν επιλογή του Salon of Arts του Παρισιού θα μπορούσε να αποσυναρμολογηθεί. Ο πίνακας, ζωγραφισμένος σε στυλ που ήταν ριζικά διαφορετικό από τον παραδοσιακό τρόπο απεικόνισης, προκάλεσε πολλά επικριτικά σχόλια και συγκέντρωσε τους οπαδούς του νέου καλλιτεχνικού κινήματος γύρω από τον καλλιτέχνη.
(Εντουάρ Μανέ «Στην ταβέρνα του πατέρα Λατουίλ»)
Οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες περιλαμβάνουν τον Edouard Manet ("Bar at the Folies-Bergere", "Music in the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "At Father Lathuile's", "Argenteuil"), Claude Monet ("Field of Poppies" στο Argenteuil», «Walk to the Cliff in Pourville», «Women in the Garden», «Lady with an Umbrella», «Boulevard des Capucines», σειρά έργων «Water Lilies», «Impression»). Alfred Sisley ("Rural Alley", "Frost at Louveciennes", "Bridge at Argenteuil", "Early Snow at Louveciennes", "Lawns in Spring"), Pierre Auguste Renoir ("Breakfast of the Rowers", "Ball at the Moulin" de la Galette», «Dance in the Country», «Umbrellas», «Dance at Bougival», «Girls at the Piano»), Camille Pizarro («Boulevard Montmartre at Night», «Harvest at Eragny», «Reapers Resting» , “Garden at Pontoise”, “Entering the Village of Voisin”) , Edgar Degas (“Dance Class”, “Rehearsal”, “Concert at the Ambassador Café”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Lovers ”), Georges Seurat (“Sunday Afternoon”, “Cancan”, “Models”) και άλλοι.
(Πωλ Σεζάν «Ο Πιερό και ο Αρλεκίνος»")
Τέσσερις καλλιτέχνες στη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα δημιούργησαν μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη βασισμένη στον ιμπρεσιονισμό και αυτοαποκαλούνταν μετα-ιμπρεσιονιστές (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Το έργο τους χαρακτηρίζεται από τη μετάδοση όχι φευγαλέων αισθήσεων και εντυπώσεων από τον κόσμο γύρω τους, αλλά από τη γνώση της αληθινής ουσίας των πραγμάτων, που κρύβεται κάτω από το εξωτερικό τους κέλυφος. Οι περισσότεροι από αυτούς διάσημα έργα: Paul Gauguin ("A Mischievous Joke", "La Orana Maria", "The Fight of Jacob with the Angel", "Yellow Christ"), Paul Cezanne ("Pierrot and Arlequin", " Μεγάλοι λουόμενοι", "Lady in Blue"), Vincent Van Gogh ( Starlight Night», «Sunflowers», «Irises»), Henri de Toulouse-Lautrec («The Laundress», «Toilet», «Dance Training at the Moulin Rouge»).
Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική
(Ογκίστ Ροντέν «Ο στοχαστής»)
Ο ιμπρεσιονισμός δεν αναπτύχθηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση στην αρχιτεκτονική γλυπτικές συνθέσειςκαι μνημεία. Γλυπτική αυτό το στυλΔίνει ελεύθερη πλαστικότητα στις απαλές φόρμες, δημιουργούν ένα εκπληκτικό παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια των μορφών και δίνουν κάποια αίσθηση ατελείας, οι γλυπτικοί χαρακτήρες απεικονίζονται συχνά τη στιγμή της κίνησης. Να δουλεύει μέσα προς αυτή την κατεύθυνσηπεριλαμβάνουν γλυπτά του διάσημου Γάλλου γλύπτη Auguste Rodin («Το φιλί», «Ο στοχαστής», «Ποιητής και μούσα», «Ρωμαίος και Ιουλιέτα», «Αιώνια Άνοιξη»), Ιταλός καλλιτέχνηςκαι ο γλύπτης Medardo Rosso (φιγούρες από πηλό και γύψο γεμάτες με κερί για να επιτευχθεί ένα μοναδικό εφέ φωτισμού: «The Gatekeeper and the Mistress», «The Golden Age», «Motherhood»), Ρωσικά ιδιοφυές ψήγμα Pavel Trubetskoy (χάλκινη προτομή του Λέοντος Τολστόι, μνημείο Αλέξανδρος Γ'Στην Πετρούπολη).
Ο ιμπρεσιονισμός είναι μια κατεύθυνση στη ζωγραφική που ξεκίνησε στη Γαλλία τον 19ο-20ο αιώνα, η οποία είναι μια καλλιτεχνική προσπάθεια να συλλάβει κάποια στιγμή της ζωής σε όλη της τη μεταβλητότητα και την κινητικότητά της. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι σαν μια καλά πλυμένη φωτογραφία, που αναβιώνει στη φαντασία τη συνέχεια της ιστορίας που βλέπουμε. Σε αυτό το άρθρο θα δούμε τους 10 πιο διάσημους ιμπρεσιονιστές στον κόσμο. Ευτυχώς, υπάρχουν πολλοί περισσότεροι από δέκα, είκοσι ή και εκατό ταλαντούχοι καλλιτέχνες, οπότε ας επικεντρωθούμε σε εκείνα τα ονόματα που σίγουρα πρέπει να γνωρίζετε.
Για να μην προσβάλλουν ούτε τους καλλιτέχνες ούτε τους θαυμαστές τους, η λίστα δίνεται με ρωσική αλφαβητική σειρά.
1. Άλφρεντ Σίσλεϊ
Αυτός ο Γάλλος ζωγράφος αγγλικής καταγωγής θεωρείται ο πιο διάσημος τοπιογράφος του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα. Η συλλογή του περιέχει περισσότερους από 900 πίνακες, από τους οποίους οι πιο διάσημοι είναι οι «Rural Alley», «Frost in Louveciennes», «Bridge in Argenteuil», «Early Snow in Louveciennes», «Lawns in Spring» και πολλοί άλλοι.
2. Βαν Γκογκ
Γνωστός σε όλο τον κόσμο για τη θλιβερή ιστορία για το αυτί του (παρεμπιπτόντως, δεν έκοψε ολόκληρο το αυτί του, αλλά μόνο τον λοβό), ο Van Gon έγινε δημοφιλής μόνο μετά το θάνατό του. Και κατά τη διάρκεια της ζωής του μπόρεσε να πουλήσει έναν μόνο πίνακα, 4 μήνες πριν από το θάνατό του. Λένε ότι ήταν και επιχειρηματίας και ιερέας, αλλά συχνά κατέληγε σε ψυχιατρεία λόγω κατάθλιψης, οπότε όλη η εξέγερση της ύπαρξής του είχε ως αποτέλεσμα θρυλικά έργα.
3. Camille Pissarro
Ο Πισάρο γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά, σε οικογένεια αστών Εβραίων και ήταν ένας από τους λίγους ιμπρεσιονιστές του οποίου οι γονείς ενθάρρυναν το πάθος του και σύντομα τον έστειλαν στο Παρίσι για σπουδές. Πάνω απ 'όλα, στον καλλιτέχνη άρεσε η φύση, που είναι αυτό που απεικόνιζε σε όλα τα χρώματα, και για να είμαστε πιο ακριβείς, ο Pissarro είχε ένα ιδιαίτερο ταλέντο στην επιλογή της απαλότητας των χρωμάτων και της συμβατότητας, μετά από την οποία φαινόταν ο αέρας στους πίνακες.
4. Κλοντ Μονέ
Από την παιδική ηλικία, το αγόρι αποφάσισε ότι θα γίνει καλλιτέχνης, παρά τις οικογενειακές απαγορεύσεις. Έχοντας μετακομίσει στο Παρίσι μόνος του, ο Κλοντ Μονέ βυθίστηκε στη γκρίζα καθημερινότητα μιας σκληρής ζωής: δύο χρόνια υπηρεσίας στις ένοπλες δυνάμεις στην Αλγερία, δικαστικές διαμάχες με πιστωτές λόγω φτώχειας και ασθένειας. Ωστόσο, έχει κανείς την αίσθηση ότι οι δυσκολίες δεν κατάθλιψαν, αλλά, αντίθετα, ενέπνευσαν τον καλλιτέχνη να δημιουργήσει τόσο ζωντανούς πίνακες όπως "Impression, Sunrise", "Houses of Parliament στο Λονδίνο", "Bridge to Europe", "Autumn". στο Argenteuil», «On the Shore» Trouville», και πολλά άλλα.
5. Konstantin Korovin
Είναι ωραίο να γνωρίζουμε ότι ανάμεσα στους Γάλλους, τους γονείς του ιμπρεσιονισμού, μπορούμε να τοποθετήσουμε περήφανα τον συμπατριώτη μας, Κωνσταντίν Κοροβίν. Η παθιασμένη αγάπη για τη φύση τον βοήθησε να δώσει διαισθητικά αφάνταστη ζωντάνια σε μια στατική εικόνα, χάρη στον συνδυασμό των κατάλληλων χρωμάτων, του πλάτους των πινελιών και της επιλογής του θέματος. Είναι αδύνατο να περάσετε από τους πίνακές του «Αποβάθρα στο Γκουρζούφ», «Ψάρια, κρασί και φρούτα», «Φθινοπωρινό τοπίο», «Φεγγαρόλουστη νύχτα. Χειμώνας» και μια σειρά από έργα του αφιερωμένα στο Παρίσι.
6. Paul Gauguin
Μέχρι τα 26 του, ο Paul Gauguin δεν σκεφτόταν καν τη ζωγραφική. Ήταν επιχειρηματίας και είχε μεγάλη οικογένεια. Ωστόσο, όταν πρωτοείδα τους πίνακες του Camille Pissarro, αποφάσισα ότι θα ξεκινούσα οπωσδήποτε να ζωγραφίζω. Με την πάροδο του χρόνου, το ύφος του καλλιτέχνη άλλαξε, αλλά οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι "Garden in the Snow", "At the Cliff", "On the Beach in Dieppe", "Nude", "Palm Trees in Martinique" και άλλοι.
7. Paul Cezanne
Ο Σεζάν, σε αντίθεση με τους περισσότερους συναδέλφους του, έγινε διάσημος όσο ζούσε. Κατάφερε να οργανώσει τη δική του έκθεση και να κερδίσει σημαντικά έσοδα από αυτήν. Οι άνθρωποι γνώριζαν πολλά για τους πίνακές του - αυτός, όπως κανείς άλλος, έμαθε να συνδυάζει το παιχνίδι του φωτός και της σκιάς, έδωσε μεγάλη έμφαση σε κανονικά και ακανόνιστα γεωμετρικά σχήματα, η σοβαρότητα του θέματος των έργων του ήταν σε αρμονία με τον ρομαντισμό.
8. Πιερ Ογκίστ Ρενουάρ
Μέχρι την ηλικία των 20 ετών, ο Ρενουάρ εργάστηκε ως διακοσμητής θαυμαστών για τον μεγαλύτερο αδερφό του και μόνο τότε μετακόμισε στο Παρίσι, όπου γνώρισε τον Μονέ, τον Μπάζιλ και τη Σίσλεϋ. Αυτή η γνωριμία τον βοήθησε στο μέλλον να πάρει το δρόμο του ιμπρεσιονισμού και να γίνει διάσημος σε αυτόν. Ο Ρενουάρ είναι γνωστός ως συγγραφέας συναισθηματικών πορτρέτων, από τα πιο σημαντικά έργα του είναι τα «On the Terrace», «A Walk», «Portrait of the Atress Jeanne Samary», «The Lodge», «Alfred Sisley and His Wife», « On the Swing», «Splash Pool» και πολλά άλλα.
9. Έντγκαρ Ντεγκά
Αν δεν έχετε ακούσει τίποτα για τους «Μπλε χορευτές», «Πρόβα μπαλέτου», «Σχολή μπαλέτου» και «Αψέντι», βιαστείτε να μάθετε για τη δουλειά του Έντγκαρ Ντεγκά. Η επιλογή πρωτότυπων χρωμάτων, μοναδικά θέματα για πίνακες ζωγραφικής, η αίσθηση κίνησης της εικόνας - όλα αυτά και πολλά άλλα έκαναν τον Degas έναν από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες στον κόσμο.
10. Εντουάρ Μανέ
Μην μπερδεύετε τον Μανέ με τον Μονέ - πρόκειται για δύο διαφορετικούς ανθρώπους που εργάστηκαν ταυτόχρονα και στην ίδια καλλιτεχνική κατεύθυνση. Ο Μανέ έλκονταν πάντα από σκηνές της καθημερινής ζωής, ασυνήθιστες εμφανίσεις και τύπους, σαν να «έπιασαν» κατά λάθος στιγμές, που στη συνέχεια απαθανατίστηκαν για αιώνες. Ανάμεσα στους διάσημους πίνακες του Μανέ: «Ολυμπία», «Μεσημεριανό γεύμα στο γρασίδι», «Μπαρ στο Folies Bergere», «The Flutist», «Nana» και άλλοι.
Αν έχετε έστω και την παραμικρή ευκαιρία να δείτε ζωντανά τους πίνακες αυτών των δασκάλων, θα ερωτευτείτε για πάντα τον ιμπρεσιονισμό!
Alexandra Skripkina,