- αυτός είναι ένας από τους κύριους τύπους εικαστικές τέχνες; αντιπροσωπεύει καλλιτεχνική εικόνακόσμο αντικειμένων με χρωματιστά χρώματα στην επιφάνεια. Η ζωγραφική χωρίζεται σε: καβαλέτο, μνημειακή και διακοσμητική.

- αντιπροσωπεύεται κυρίως από έργα που έχουν εκτελεστεί λαδομπογιέςσε καμβά (χαρτόνι, ξύλινες σανίδες ή γυμνό). Αντιπροσωπεύει τα περισσότερα μαζική εμφάνισηζωγραφική. Είναι αυτός ο τύπος που συνήθως εφαρμόζεται στον όρο " ζωγραφική".

είναι μια τεχνική ζωγραφικής σε τοίχους κατά τη διακόσμηση κτιρίων και αρχιτεκτονικών στοιχείων σε κτίρια. Ιδιαίτερα συνηθισμένο στην Ευρώπη τοιχογραφία - μνημειακή ζωγραφική σε υγρό σοβά με υδατοδιαλυτές βαφές. Αυτή η τεχνική σχεδίασης ήταν πολύ γνωστή από την αρχαιότητα. Αργότερα, αυτή η τεχνική χρησιμοποιήθηκε στο σχεδιασμό πολλών χριστιανικών θρησκευτικών εκκλησιών και των θόλων τους.

Διακοσμητική ζωγραφική — (από τη λατινική λέξη από το decoro - διακοσμώ) είναι ένας τρόπος σχεδίασης και εφαρμογής εικόνων σε αντικείμενα και εσωτερικές λεπτομέρειες, τοίχους, έπιπλα και άλλα διακοσμητικά αντικείμενα. Αναφέρεται σε διακοσμητικές και εφαρμοσμένες τέχνες.

Δυνατότητες εικαστική τέχνηαποκαλύπτει ιδιαίτερα έντονα καβαλέτο ζωγραφικήαπό τον 15ο αιώνα, από τη μαζική χρήση των λαδομπογιών. Σε αυτό είναι διαθέσιμη μια ειδική ποικιλία περιεχομένου και βαθιά ανεπτυγμένη μορφή. Στην καρδιά του γραφικού καλλιτεχνικά μέσαΤα χρώματα (οι δυνατότητες των χρωμάτων) βρίσκονται σε άρρηκτη ενότητα με το chiaroscuro και τη γραμμή. το χρώμα και το chiaroscuro αναπτύσσονται και αναπτύσσονται με τεχνικές ζωγραφικής με πληρότητα και φωτεινότητα απρόσιτη σε άλλα είδη τέχνης. Αυτό καθορίζει την τελειότητα της ογκομετρικής και χωρικής μοντελοποίησης που είναι σύμφυτη με τη ρεαλιστική ζωγραφική, τη ζωντανή και ακριβή απόδοση της πραγματικότητας, τη δυνατότητα πραγματοποίησης των πλοκών που σχεδίασε ο καλλιτέχνης (και τις μεθόδους κατασκευής συνθέσεων) και άλλα οπτικά πλεονεκτήματα.

Μια άλλη διαφορά στις διαφορές μεταξύ των τύπων ζωγραφικής είναι η τεχνική της εκτέλεσης σύμφωνα με τα είδη των χρωμάτων. Τα γενικά σημάδια δεν αρκούν πάντα για να γίνει αποφασιστικότητα. Το όριο μεταξύ ζωγραφικής και γραφικών σε κάθε μεμονωμένη περίπτωση: για παράδειγμα, τα έργα με ακουαρέλες ή παστέλ μπορούν να ανήκουν και στις δύο περιοχές, ανάλογα με την προσέγγιση του καλλιτέχνη και τα καθήκοντα που θέτει. Αν και τα σχέδια σε χαρτί σχετίζονται με γραφικά, η χρήση διάφορες τεχνικέςΗ ζωγραφική μερικές φορές θολώνει τις διαφορές μεταξύ ζωγραφικής και γραφικών.

Πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι ο ίδιος ο σημασιολογικός όρος "ζωγραφική" είναι λέξη στη ρωσική γλώσσα. Χρησιμοποιήθηκε ως όρος κατά τη διαμόρφωση των καλών τεχνών στη Ρωσία κατά την εποχή του μπαρόκ. Η χρήση της λέξης «ζωγραφική» εκείνη την εποχή αφορούσε μόνο ένα συγκεκριμένο είδοςρεαλιστικούς πίνακες ζωγραφικής. Αλλά αρχικά προέρχεται από την εκκλησιαστική τεχνική της ζωγραφικής εικόνων, η οποία χρησιμοποιεί τη λέξη «γράφω» (που σχετίζεται με τη γραφή) επειδή αυτή η λέξη είναι μετάφραση του νοήματος στα ελληνικά κείμενα (αυτά είναι «χαμένα στη μετάφραση»). Η ανάπτυξη στη Ρωσία της δικής της σχολής τέχνης και η κληρονομιά της ευρωπαϊκής ακαδημαϊκής γνώσης στον τομέα της τέχνης, ανέπτυξε το πεδίο εφαρμογής της ρωσικής λέξης «ζωγραφική», ενσωματώνοντάς την στην εκπαιδευτική ορολογία και λογοτεχνική γλώσσα. Αλλά στη ρωσική γλώσσα, σχηματίστηκε μια ιδιαιτερότητα της σημασίας του ρήματος "γράφω" σε σχέση με τη γραφή και τη σχεδίαση εικόνων.

Είδη ζωγραφικής

Στην πορεία της ανάπτυξης της καλών τεχνών διαμορφώθηκαν αρκετά κλασικά είδη ζωγραφικής, τα οποία απέκτησαν τα δικά τους χαρακτηριστικά και κανόνες.

Πορτρέτοείναι μια ρεαλιστική απεικόνιση ενός προσώπου στην οποία ο καλλιτέχνης προσπαθεί να πετύχει μια ομοιότητα με το πρωτότυπο. Ένα από τα πιο δημοφιλή είδη ζωγραφικής. Οι περισσότεροι πελάτες χρησιμοποίησαν το ταλέντο των καλλιτεχνών για να διαιωνίσουν τη δική τους εικόνα ή, θέλοντας να αποκτήσουν μια εικόνα αγαπημένος, συγγενής κ.λπ. Οι πελάτες προσπάθησαν να αποκτήσουν μια ομοιότητα πορτρέτου (ή ακόμα και να το στολίσουν) αφήνοντας μια οπτική ενσάρκωση στην ιστορία. Τα πορτρέτα διαφόρων στυλ είναι το πιο δημοφιλές μέρος της έκθεσης των περισσότερων μουσείων τέχνης και ιδιωτικών συλλογών. Αυτό το είδος περιλαμβάνει επίσης ένα τέτοιο είδος πορτρέτου όπως αυτοπροσωπογραφία - μια εικόνα του ίδιου του καλλιτέχνη, ζωγραφισμένη από τον ίδιο.

Τοπίο- ένα από τα δημοφιλή είδη ζωγραφικής στο οποίο ο καλλιτέχνης επιδιώκει να απεικονίσει τη φύση, την ομορφιά ή την ιδιαιτερότητά της. Διαφορετικά είδηφύση (η διάθεση της εποχής και ο καιρός) έχουν μια φωτεινή συναισθηματική επίδρασηγια κάθε θεατή - αυτό ψυχολογικό χαρακτηριστικόπρόσωπο. Η επιθυμία να αποκτήσετε μια συναισθηματική εντύπωση από τα τοπία έχει κάνει αυτό το είδος ένα από τα πιο δημοφιλή στην καλλιτεχνική δημιουργικότητα.

- αυτό το είδος μοιάζει από πολλές απόψεις με το τοπίο, αλλά έχει ένα βασικό χαρακτηριστικό: οι πίνακες απεικονίζουν τοπία με τη συμμετοχή αρχιτεκτονικών αντικειμένων, κτιρίων ή πόλεων. Ιδιαίτερη εστίαση είναι η θέα στους δρόμους των πόλεων που μεταφέρουν την ατμόσφαιρα ενός τόπου. Μια άλλη κατεύθυνση αυτού του είδους είναι η απεικόνιση της ομορφιάς της αρχιτεκτονικής ενός συγκεκριμένου κτιρίου - η εμφάνισή του ή οι εικόνες του εσωτερικού του.

- ένα είδος στο οποίο το κύριο θέμα των πινάκων είναι ένα ιστορικό γεγονός ή η ερμηνεία του από τον καλλιτέχνη. Αυτό που είναι ενδιαφέρον είναι ότι ανήκει σε αυτό το είδος μεγάλο ποσόζωγραφιές επάνω βιβλικό θέμα. Από τον Μεσαίωνα, οι βιβλικές σκηνές θεωρούνταν «ιστορικά» γεγονότα και οι κύριοι πελάτες αυτών των πινάκων ήταν η εκκλησία. «Ιστορικά» βιβλικά θέματα υπάρχουν στα έργα των περισσότερων καλλιτεχνών. Δεύτερη γέννηση ιστορική ζωγραφικήσυμβαίνει κατά την εποχή του νεοκλασικισμού, όταν οι καλλιτέχνες στρέφονται σε γνωστά ιστορικά θέματα, γεγονότα από την αρχαιότητα ή εθνικούς θρύλους.

- αντικατοπτρίζει σκηνές πολέμων και μαχών. Η ιδιαιτερότητα δεν είναι μόνο η επιθυμία να αντανακλά ένα ιστορικό γεγονός, αλλά και να μεταφέρει στον θεατή τη συναισθηματική εξύψωση του άθλου και του ηρωισμού. Στη συνέχεια, αυτό το είδος γίνεται και πολιτικό, επιτρέποντας στον καλλιτέχνη να μεταφέρει στον θεατή την άποψή του (τη στάση του) για το τι συμβαίνει. Μπορούμε να δούμε μια παρόμοια επίδραση της πολιτικής έμφασης και τη δύναμη του ταλέντου του καλλιτέχνη στο έργο του V. Vereshchagin.

είναι ένα είδος ζωγραφικής με συνθέσεις από άψυχα αντικείμενα, χρησιμοποιώντας λουλούδια, προϊόντα και πιάτα. Αυτό το είδος είναι ένα από τα τελευταία και διαμορφώθηκε στην ολλανδική σχολή ζωγραφικής. Ίσως η εμφάνισή του να οφείλεται στην ιδιαιτερότητα της ολλανδικής σχολής. Η οικονομική άνθηση του 17ου αιώνα στην Ολλανδία οδήγησε στην επιθυμία για προσιτή πολυτέλεια (πίνακες ζωγραφικής) σε σημαντικό αριθμό του πληθυσμού. Αυτή η κατάσταση προσέλκυσε ένας μεγάλος αριθμός απόκαλλιτέχνες, προκαλώντας έντονο ανταγωνισμό μεταξύ τους. Μοντέλα και εργαστήρια (άνθρωποι με κατάλληλα ρούχα) δεν ήταν διαθέσιμα σε φτωχούς καλλιτέχνες. Όταν ζωγράφιζαν πίνακες προς πώληση, χρησιμοποιούσαν αυτοσχέδια μέσα (αντικείμενα) για να συνθέσουν τους πίνακες. Αυτή η κατάσταση στην ιστορία της ολλανδικής σχολής είναι η αιτία για την ανάπτυξη της ζωγραφικής του είδους.

Είδος ζωγραφικής - το θέμα των πινάκων είναι καθημερινές σκηνές Καθημερινή ζωήή αργίες, συνήθως με τη συμμετοχή απλών ανθρώπων. Όπως και η νεκρή φύση, έγινε ευρέως διαδεδομένη μεταξύ των Ολλανδών καλλιτεχνών τον 17ο αιώνα. Κατά την περίοδο του ρομαντισμού και του νεοκλασικισμού, αυτό το είδος αποκτά μια νέα γέννηση, οι πίνακες ζωγραφικής προσπαθούν όχι τόσο να αντανακλούν την καθημερινή ζωή, αλλά να την ρομαντικοποιήσουν, να την φέρουν στην πλοκή ορισμένη σημασίαή ηθική.

Μαρίνα- ένας τύπος τοπίου που απεικονίζει θέα στη θάλασσα, παράκτια τοπία με θέα στη θάλασσα, ανατολές και ηλιοβασιλέματα στη θάλασσα, πλοία ή ακόμα και ναυμαχίες. Αν και υπάρχει ένα ξεχωριστό είδος μάχης, οι ναυμαχίες εξακολουθούν να ανήκουν στο είδος της «μαρίνας». Η ανάπτυξη και η εκλαΐκευση αυτού του είδους μπορεί να αποδοθεί και στην ολλανδική σχολή του 17ου αιώνα. Ήταν δημοφιλής στη Ρωσία χάρη στο έργο του Aivazovsky.

— χαρακτηριστικό αυτού του είδους είναι η δημιουργία ρεαλιστικών πινάκων που απεικονίζουν την ομορφιά των ζώων και των πουλιών. Ενας από ενδιαφέροντα χαρακτηριστικάΑυτό το είδος είναι η παρουσία πινάκων που απεικονίζουν ανύπαρκτα ή μυθικά ζώα. Καλούνται οι καλλιτέχνες που ειδικεύονται σε εικόνες ζώων ζώων.

Ιστορία της ζωγραφικής

Ανάγκη μέσα ρεαλιστική εικόναυπήρχε από τα αρχαία χρόνια, αλλά είχε μια σειρά από μειονεκτήματα λόγω της έλλειψης τεχνολογίας, συστηματοποιημένου σχολείου και εκπαίδευσης. Στην αρχαιότητα, μπορεί κανείς να βρει πιο συχνά παραδείγματα εφαρμοσμένης και μνημειακής ζωγραφικής με την τεχνική του σχεδίου σε γύψο. Κατά την αρχαιότητα, υψηλότερη τιμήδεδομένου του ταλέντου του ερμηνευτή, οι καλλιτέχνες ήταν περιορισμένοι στην τεχνολογία κατασκευής χρωμάτων και την ευκαιρία να λάβουν συστηματική εκπαίδευση. Ήδη όμως στην αρχαιότητα διαμορφώθηκαν εξειδικευμένες γνώσεις και έργα (Βιτρούβιος), που θα αποτελέσουν τη βάση για μια νέα άνθιση της ευρωπαϊκής τέχνης στην Αναγέννηση. Παραλήφθηκε διακοσμητικός πίνακας σημαντική ανάπτυξηκατά την ελληνική και ρωμαϊκή αρχαιότητα (η σχολή χάθηκε στο Μεσαίωνα), το επίπεδο της οποίας έφτασε μόλις μετά τον 15ο αιώνα.

Ζωγραφική ρωμαϊκής τοιχογραφίας (Πομπηία, 1ος αιώνας π.Χ.), ένα παράδειγμα του επιπέδου τεχνολογίας της αρχαίας ζωγραφικής:

Ο «Σκοτεινός Αιώνας» του Μεσαίωνα, ο μαχητικός Χριστιανισμός και η Ιερά Εξέταση οδηγούν σε απαγορεύσεις σπουδών καλλιτεχνική κληρονομιάαρχαιότητα. Η τεράστια εμπειρία των αρχαίων δασκάλων, οι γνώσεις στον τομέα των αναλογιών, της σύνθεσης, της αρχιτεκτονικής και της γλυπτικής απαγορεύονται και πολλά καλλιτεχνικές αξίεςκαταστράφηκαν λόγω της αφοσίωσής τους στις αρχαίες θεότητες. Η επιστροφή στις αξίες της τέχνης και της επιστήμης στην Ευρώπη συμβαίνει μόνο κατά την Αναγέννηση (αναγέννηση).

Για καλλιτέχνες πρώιμη αναγέννηση(αναβίωση) πρέπει να αναπληρώσουμε και να αναβιώσουμε τα επιτεύγματα και το επίπεδο των αρχαίων καλλιτεχνών. Αυτό που θαυμάζουμε στα έργα των καλλιτεχνών πρώιμη Αναγέννηση, ήταν το επίπεδο των κυρίων της Ρώμης. Ένα ξεκάθαρο παράδειγμα της απώλειας αρκετών αιώνων ανάπτυξης της ευρωπαϊκής τέχνης (και πολιτισμού) κατά τους «Σκοτεινούς Αιώνες» του Μεσαίωνα, τον μαχητικό Χριστιανισμό και την Ιερά Εξέταση - η διαφορά μεταξύ αυτών των πινάκων του 14ου αιώνα!

Η εμφάνιση και η εξάπλωση της τεχνολογίας κατασκευής λαδομπογιών και η τεχνική ζωγραφικής με αυτά τον 15ο αιώνα οδήγησαν στην ανάπτυξη της ζωγραφικής με καβαλέτο και ιδιαίτερο είδοςπροϊόντα καλλιτεχνών - χρωματιστές ελαιογραφίες σε ασταρωμένο καμβά ή ξύλο.

Η ζωγραφική έλαβε ένα τεράστιο άλμα στην ποιοτική ανάπτυξη κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, σε μεγάλο βαθμό χάρη στο έργο του Leon Battista Alberti (1404-1472). Ήταν ο πρώτος που έθεσε τα θεμέλια της προοπτικής στη ζωγραφική (η πραγματεία «Περί ζωγραφικής» του 1436). Σε αυτόν (τα έργα του για τη συστηματοποίηση επιστημονική γνώση) η ευρωπαϊκή σχολή τέχνης υποχρεούται στην ανάδειξη (αναβίωση) ρεαλιστικής προοπτικής και φυσικών διαστάσεων στους πίνακες των καλλιτεχνών. Διάσημο και οικείο σχέδιο του Λεονάρντο ντα Βίντσι "Άνθρωπος του Βιτρούβιου"(ανθρώπινες αναλογίες) του 1493, αφιερωμένο στη συστηματοποίηση της αρχαίας γνώσης του Βιτρούβιου για τις αναλογίες και τη σύνθεση, δημιουργήθηκε από τον Λεονάρντο μισό αιώνα αργότερα από την πραγματεία του Alberti «On Painting». Και το έργο του Λεονάρντο είναι μια συνέχεια της ανάπτυξης της ευρωπαϊκής (ιταλικής) σχολής τέχνης της Αναγέννησης.

Αλλά η ζωγραφική έλαβε μια φωτεινή και μαζική ανάπτυξη ξεκινώντας από τον 16ο-17ο αιώνα, όταν η τεχνική έγινε ευρέως διαδεδομένη ελαιογραφία, εμφανίστηκαν διάφορες τεχνολογίες κατασκευής χρωμάτων και διαμορφώθηκαν σχολές ζωγραφικής. Είναι το σύστημα της γνώσης και καλλιτεχνική εκπαίδευση(τεχνική σχεδίασης), σε συνδυασμό με τη ζήτηση για έργα τέχνης μεταξύ της αριστοκρατίας και των μοναρχών, οδηγεί σε μια ραγδαία άνθιση των καλών τεχνών στην Ευρώπη (περίοδος μπαρόκ).

Οι απεριόριστες οικονομικές δυνατότητες των ευρωπαϊκών μοναρχιών, αριστοκρατών και επιχειρηματιών έγιναν μια εξαιρετική βάση για περαιτέρω ανάπτυξηζωγραφική τον 17ο-19ο αιώνα. Και η αποδυνάμωση της επιρροής της εκκλησίας και κοσμική εικόναζωές (πολλαπλασιασμένες με την ανάπτυξη του προτεσταντισμού) επέτρεψαν τη γέννηση πολλών θεμάτων, τεχνοτροπιών και κινημάτων στη ζωγραφική (Μπαρόκ και ροκοκό).

Στην πορεία της ανάπτυξης των καλών τεχνών, οι καλλιτέχνες έχουν διαμορφώσει πολλά στυλ και τεχνικές που οδηγούν σε στο υψηλότερο επίπεδορεαλισμός στα έργα. Μέχρι το τέλος του 19ου αιώνα (με την έλευση των μοντερνιστικών κινημάτων), άρχισαν ενδιαφέρουσες μεταμορφώσεις στη ζωγραφική. Η διαθεσιμότητα της καλλιτεχνικής εκπαίδευσης, ο μαζικός ανταγωνισμός και οι υψηλές απαιτήσεις για τις δεξιότητες των καλλιτεχνών από το κοινό (και τους αγοραστές) δημιουργούν νέες κατευθύνσεις στις μεθόδους έκφρασης.Η τέχνη δεν περιορίζεται πλέον μόνο από το επίπεδο της τεχνικής που προσπαθούν να φέρουν οι καλλιτέχνες

ειδικές έννοιες

, τρόποι «φαίνεσθαι» και φιλοσοφία. Αυτό που συχνά έρχεται σε βάρος του επιπέδου απόδοσης, γίνεται εικασίες ή μέθοδος σοκ. Η ποικιλία των αναδυόμενων στυλ, οι ζωηρές συζητήσεις, ακόμη και τα σκάνδαλα προκαλούν την ανάπτυξη του ενδιαφέροντος για νέες μορφές ζωγραφικής.Οι σύγχρονες τεχνολογίες σχεδίασης υπολογιστών (ψηφιακών) ανήκουν στα γραφικά και δεν μπορούν να ονομαστούν ζωγραφική, αν και πολλά προγράμματα και εξοπλισμός υπολογιστών σας επιτρέπουν να επαναλάβετε πλήρως οποιαδήποτε τεχνική ζωγραφικής με χρώματα.

Εικόνα στο επίπεδο των αντικειμένων υλικού και

πνευματικός κόσμος ↓

. Ένα από τα κύρια είδη καλών τεχνών. Η ζωγραφική χωρίζεται σε πολλά είδη και είδη. Η ελαιογραφία είναι ένα έργο ζωγραφισμένο με λαδομπογιές είναι ένα έργο ζωγραφικής που εκτελείται απευθείας σε μια ειδικά προετοιμασμένη επιφάνεια τοιχοποιίας ενός τοίχου, οροφής ή θόλου. Ένα άλλο όνομα είναι μνημειακή ζωγραφική. Η ζωγραφική με τέμπερες είναι η κύρια τεχνική της αγιογραφίας στη Ρωσία. Η βάση της βαφής τέμπερας είναι ο κρόκος ενός αυγού κοτόπουλου, αραιωμένος με kvass. Κατά τη διαδικασία της εργασίας, τα χρώματα εφαρμόζονται σταδιακά, σε πολλαπλές στρώσεις και με συγκεκριμένη σειρά. Από τον 17ο αιώνα Μέχρι σήμερα, η τελική στρώση γίνεται μερικές φορές με λαδομπογιές. Το εικονίδιο είναι γραμμένο σε ειδικά επεξεργασμένο πίνακα.

Εξαιρετικός ορισμός

Ελλιπής ορισμός ΖωγραφικήΟι ζωγράφοι φαινόταν να χρησιμοποιούν μονόχρωμη μπογιά με την οποία σχεδίαζαν περιγράμματα, ενώ οι σκιές υποδεικνύονταν με σκίαση. Ο αρχαιότερος τόπος αυτής της τέχνης στην Ελλάδα ήταν, κατά πάσα πιθανότητα, η Δωρική Πελοπόννησος, κυρίως η Κόρινθος και η Σικυώνα. ο Κορίνθιος Κλεάνθης, λένε, ήταν ο πρώτος που σχεδίασε σιλουέτες, ο Άρδικος και ο Τηλέφανης βελτίωσαν τα γραμμικά σχέδια, ο Κλεόφαντος εφηύρε τη μονόχρωμη ζωγραφική (μονοχρωματία), ο Κίομνος του Κλέωνα ήταν ο πρώτος που έδωσε κίνηση και κλίση στις φιγούρες του και ήταν ο πρώτος που δώστε προσοχή στην κουρτίνα των φιγούρων. Μέχρι τον 94ο αιώνα, όταν ο Αθηναίος Απολλόδωρος εισήγαγε το πινέλο, όλη η τέχνη της Jeanne συνίστατο στο σχέδιο εικόνων χρησιμοποιώντας μια γραφίδα σε έναν πίνακα που προηγουμένως είχε επικαλυφθεί με μπογιά. Τα ίδια τα χρώματα εφαρμόστηκαν χύμα και όχι απρόσκοπτα χρησιμοποιώντας σφουγγάρι. Γενικά, στους πίνακες των πιο αρχαίων ζωγράφων υπάρχουν μόνο 4 χρώματα ( Plin. 35, 7, 32): λευκό και μαύρο, κίτρινο και κόκκινο. Ακόμα και ο ίδιος ο Ζευξής χρησιμοποίησε αυτά τα λουλούδια, αλλά αν κάποιος τα χρησιμοποιούσε μεγαλύτερο αριθμόχρώματα, κινδύνευε, ενισχύοντας την ελκυστικότητά του, να αφαιρέσει από το ύψος της τέχνης. Έργα αυτού του είδους τέχνης περιελάμβαναν εν μέρει τοιχογραφίες (κυρίως υπαίθριες) και εν μέρει ζωγραφικούς πίνακες ζωγραφισμένους σε σανίδες. τα πρώτα ήταν γραμμένα σε φρέσκο ​​γύψο και τα δεύτερα σε ξύλο και ήταν ενσωματωμένα στους τοίχους, για παράδειγμα, ναών. Οι εικόνες ήταν ζωγραφισμένες σε σανίδες με κόλλα. αργότερα οι εγκαυστικοί πίνακες ζωγραφίστηκαν με κερί χρώματα, τα οποία αλέθονταν με ξηρούς αγωγούς και στη συνέχεια έλιωναν χρησιμοποιώντας ένα μαγκάλι. Εποχή του Περικλή, επομένως μέσα και β' μισό του 5ου αι. π.Χ., θεωρείται η εποχή της μεγαλύτερης ακμής αυτής της τέχνης, μαζί με την ακμή όλων καλές τέχνες, που χρησίμευσε ως βοήθεια στον J. Σε αυτή την εποχή ανήκουν και πίνακες μεγάλου μεγέθους· εμφανίστηκαν όχι μόνο βαμμένες αίθουσες, αλλά και γκαλερί τέχνης(πινακοθέκ). Αξίζει να αναφερθεί ο Πηνηνός, ο αδερφός του Φειδία, και η Θασία Πολυγιώτα (που έλαβε το δικαίωμα της ιθαγένειας στην Αθήνα το 463), γνωστά από την εικόνα που ζωγράφισαν μαζί. "Μάχη Μαραθώνα" V??????? στην Αθήνα. Ο τελευταίος ήταν διάσημος για την τέχνη του να ζωγραφίζει γυναίκες με διαφανή ρούχα. Εξάλειψε την ακινησία στην έκφραση του προσώπου που δανείστηκε από τους Αιγύπτιους, κλείνοντας το στόμα του κάπως ανοιχτό. Οι πίνακές του ήταν πραγματικά πορτρέτα (σε ένα, για παράδειγμα, μπορείς εύκολα να αναγνωρίσεις την Ελπινίκα, την αδερφή του Κίμωνα), ζωγραφισμένα από τη ζωή, αλλά παρασυρμένα σε έναν ιδανικό κόσμο. Ο Παυσανίας (10, 25) έχει διατηρήσει μια εξαιρετική περιγραφή ενός από τους μεγαλύτερους πίνακες που βρίσκονται στο Lesha ( εκ.? «Ο καλλιτέχνης ήταν αρκετά ικανός να απεικονίσει εδώ την αντίθεση ανάμεσα στις ομάδες των Ελλήνων στο προσκήνιο και την καταστροφή της Τροίας, οι κατεστραμμένοι δρόμοι της οποίας είναι ορατοί μέσα από τους σπασμένους κατά τόπους τοίχους. Το πλοίο του Μενέλαου στεκόταν κοντά στην ακτή, έτοιμο να πλεύσει κοντά του μπορεί κανείς να δει την Ελένη, την ένοχη του πολέμου, περικυκλωμένη από τραυματίες Τρώες. Σε μια άλλη ομάδα Ελλήνων ηγετών, η Κασσάνδρα είναι ορατή. σχεδόν όλοι παραμένουν βαθιά σιωπηλοί, με εξαίρεση τον Νεοπτόλεμο, ο οποίος εξακολουθεί να καταδιώκει και να σκοτώνει τους Τρώες. Στην άλλη πλευρά του Λέσα απεικονιζόταν η είσοδος στον κάτω κόσμο, στο βασίλειο του σκότους με τον Οδυσσέα στην όχθη του Αχέροντα, τον Τάρταρο με τα τρομερά μαρτύριά του και τον Ελίσιο με τις σκιές των μακαριστών. Στον πρώτο από αυτούς τους πίνακες σχεδιάστηκαν περισσότερες από 100 φιγούρες, στον άλλο περισσότερες από 80: για κάθε φιγούρα, αρχαίο έθιμο, αποδόθηκε και το όνομα». Επιπλέον, ο πατέρας του Πολύγνωτου Αγλαόφων και ο εγγονός του ήταν γνωστοί ως ζωγράφοι το τελευταίοίδιο όνομα. Ο τελευταίος αποδόθηκε κυρίως με δύο πίνακες, ο ένας από τους οποίους απεικόνιζε τον Αλκιβιάδη ως νικητή στους αγώνες. Νυμφεύομαι Cic. Brut. 18. Cic. ντε ή. 3,7. Πεντάδυμο. 12, 10. Γενικά, η στέγαση συμπλήρωνε την αρχιτεκτονική. τα έργα της χρησίμευσαν για να διακοσμήσουν τόσο ιδιωτικά κτίρια όσο και γκαλερί και ναούς. Ενώ οι πλαστικές τέχνες προχώρησαν γρήγορα στην ανάπτυξή τους, η ζωγραφική αναπτύχθηκε αργά και έφτασε στο απόγειο της τελειότητας αμέσως μετά τον Πελοποννησιακό πόλεμο, δηλαδή μόνο όταν η πλαστική τέχνη, μετά την υψηλότερη ακμή της, άρχισε να παρακμάζει κάπως. Σύγχρονοι και οπαδοί του Πολύγνωτου ήταν οι: Μύκωνας από την Αίγινα, αξιόλογοι πίνακές του ήταν: "Antinoe", "Αργοναύτες", "Αστερόπη", "Πήλιος", "Θησέας", "Acast"και τα λοιπά.; ζωγράφισε εν μέρει και ??????? στην Αθήνα, όπου απεικόνισε τη Μάχη των Αμαζόνων και τη Μάχη του Μαραθώνα και είχε ιδιαίτερη επιτυχία στην απεικόνιση αλόγων. ο γιος του; περαιτέρω Ονάτος της Αίγινας και Διονύσιος ο Κολοφώνας· στη συνέχεια ενεργούσε ανεξάρτητα ως διακοσμητικός ζωγράφος Agafarch ( εκ. Agatharchus, Agatharchus), που επίσης ικανοποιούσε τις απαιτήσεις της πολυτέλειας, που είχαν ήδη αρχίσει να διεισδύουν στην ιδιωτική ζωή των Ελλήνων· αλλά ακόμη πιο εξέχων από αυτή την άποψη είναι ο προαναφερόμενος Απολλόδωρος, που ονομάζεται σκιαγράφος, γιατί εκτός από την εφεύρεση του πινέλου, του αποδόθηκε και τέχνη στη διανομή φωτός και σκιάς. Το primus species exprimere instituit του, λέει για αυτόν ο Πλίνιος (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. Ο μαθητής του Ζεύξις από την Ηράκλεια της Μεγάλης Ελλάδας, που έζησε γ. 397, αν και, ωστόσο, ανήκε σε διαφορετική σχολή, δηλαδή στην Επτανησιακή, επιρρεπής στην τρυφερότητα και την μεγαλοπρέπεια, σε αντίθεση με την αττική σχολή. ήταν ιδιαίτερα καλός στην απεικόνιση του γυναικείου σώματος. Απόδειξη είναι το βιβλίο που έγραψε μετά από παράκληση των Κροτωνιανών. "Ελενα"(τοποθετήθηκε σε διάσημος ναός Hera Lacinia), που αντιπροσωπεύει την τέλεια ομορφιά με τη μορφή μιας γήινης γυναίκας. με τον ίδιο τρόπο ενσάρκωσε την υψηλότερη ιδέα της αγνής σεμνότητας στην εικόνα της Πηνελόπης. Ο Ζεύξης δεν έχει διάφορες επικές συνθέσεις, όπως ο Πολύγνωτος, όπως και οι εκφράσεις διαφόρων νοητικές καταστάσεις; Η κύρια προσοχή του δόθηκε στη γραφικότητα, στην εξωτερική πλευρά του αντικειμένου, στην ψευδαίσθηση. Σε σύγκριση με μεταγενέστερες εποχές, του έλειπε μια καλλιτεχνική και ποικίλη αντιπαράθεση χρωμάτων. Σχετικά με τον ανταγωνισμό του με τον Parrhasius ( εκ.Παρράσιος). Ο τελευταίος και ο Τίμανθος ο Σικυώνας ήταν σύγχρονοί του. για τους πίνακες του τελευταίου, μεταξύ των οποίων εκδόθηκε «Θυσία Ιφιγένειας», όπου απεικόνιζε τον Αγαμέμνονα με καλυμμένο το πρόσωπό του για να εκφράσει μεγάλη θλίψη, ήδη στην αρχαιότητα διατυπώθηκε η άποψη ότι κάνουν τον θεατή να μαντέψει περισσότερα από το πόσα πραγματικά εκφράζονται σε αυτά· η φαντασία του θεατή συμπληρώνει τα ανείπωτα, όχι μόνο επειδή αυτοί οι πίνακες απεικόνιζαν κάτι ιδανικό, αλλά και επειδή περιέχουν πληθώρα κινήτρων. Το κύριο πλεονέκτημα της σχολής της Σικυώνος, αντίθετα, συνίστατο στην αυστηρά επιστημονική εκτέλεση του σχεδίου και στην πιο εμπεριστατωμένη διαύγειά του. Ιδρυτής αυτής της σχολής ήταν ο Ευπόμπος της Σικυώνος και κύριος εκπρόσωπος της ήταν ο Πάμφιλος, ο οποίος ήταν ο πρώτος που μελέτησε μεθοδικά την τέχνη και εφάρμοσε τις θεωρητικές και γεωμετρικές του γνώσεις στα σχέδια. Ο μαθητής του Melanphius ήταν ο πιο εξαιρετικός στην επιδέξια διάταξη και σύνθεση των πινάκων και συνέβαλε τα μέγιστα στη βελτίωση του χρώματος. Κατατάσσεται, παρεμπιπτόντως, στους 4 ζωγράφους (Απελλής, Εχιών, Νικόμαχος) που χρησιμοποίησαν μόνο 4 χρώματα. Την εποχή του Μεγάλου Αλεξάνδρου, η Jeanne έφτασε στον υψηλότερο βαθμό ελκυστικότητας και γοητείας, χάρη κυρίως στον Απελλή, καταγόμενο από το νησί της Κω, μαθητή του Παμφίλου (356-308). Συνδύασε τα πλεονεκτήματα και των δύο σχολείων, ενώ προσπάθησε να διεισδύσει ακόμα βαθύτερα αληθινό νόημα J. και εισπνεύστε στα έργα του τον πλούτο και την ποικιλομορφία της ζωής. Συνδύασε την πίστη στη φύση με τη δημιουργική δύναμη, κάτι που του χάρισε μια ιδιαίτερη εύνοια από τον Αλέξανδρο. ο τελευταίος επαίνεσε ιδιαίτερα τους πίνακές του για τη χάρη τους, ?????; σε πρώτο πλάνο είχε την τελειότητα της μορφής, και όχι την ιδεατότητα του περιεχομένου. Στην τεχνική, τόσο σε σχέση με το ίδιο το σχέδιο όσο και σε σχέση με την επιλογή των χρωμάτων για θεαματικές σκηνές, ήταν μάστορας της τέχνης του. Στο ναό της Αρτέμιδος της Εφέσου ζωγράφισε μια εικόνα του Αλέξανδρου να ρίχνει τα φτερά του Δία και το σηκωμένο χέρι και ο κεραυνός που εμφανίστηκαν στην επιφάνεια προκάλεσαν τη μεγαλύτερη έκπληξη. Ζωγράφισε επίσης τους στρατηγούς του Αλεξάνδρου σε διάφορες θέσεις, άλλοτε χωριστά, άλλοτε σε ομάδες. Στα υποδειγματικά έργα του με ιδανικό περιεχόμενοανήκε σε "Αρτεμις", που περιβάλλεται από μια χορωδία νεαρών γυναικών που κάνουν θυσίες και η Αφροδίτη Αναδυωμένη που αναδύεται από τη θάλασσα. Αυτή η τελευταία εικόνα, σύμφωνα με την ετυμηγορία όλων των αρχαίων, θεωρήθηκε πρότυπο χάριτος. Ωστόσο, το κάτω μέρος αυτής της εικόνας παρέμεινε ημιτελές, ο θάνατος απήγαγε τον Απελλή στη δουλειά και κανένας από τους επόμενους καλλιτέχνες δεν τόλμησε να αναλάβει το έργο να το τελειώσει. Αρχικά, βρισκόταν στο ναό της Αφροδίτης στο νησί Κως, από όπου ο Αύγουστος το μετέφερε στη Ρώμη και διέταξε να το τοποθετήσουν στο ναό του Καίσαρα, ο οποίος ήταν μεταξύ των θεών. Στη σχολή της Σικυώνος ανήκε περισσότερο: ο Ευφράνωρ, του οποίου η δόξα βρισκόταν στη λεπτότητα της απεικόνισης θεών και ηρώων. Ο Εχίων, από τα έργα του οποίου είναι αξιοσημείωτος ο πίνακας του νεόνυμφου (ελεύθερη απομίμηση του οποίου είναι, ίσως, ο Αλδομπρανδικός γάμος στο Μουσείο του Βατικανού στη Ρώμη) και ο Παύσιος ο Σικυώνας, που ήταν ο πρώτος, λένε, που διακόσμησε τα ταβάνια στο τα δωμάτια, κυρίως με φιγούρες αγοριών, λουλούδια και αραβουργήματα, και ήταν κυρίως διάσημος για τις ζωγραφιές του με λουλούδια ( Plin. 35, 40 αναφέρει την πανέμορφη Γλυκερία, ειδικευμένη στην ύφανση στεφάνων, της οποίας την εικόνα υπέβαλε στον διαγωνισμό). ήταν διάσημος επειδή έφερε την εγκαυστική μέθοδο σε υψηλό βαθμό ανάπτυξης. Αυτή τη στιγμή, δηλ. περίπου. 370-330, άκμασε και ο Θηβαίος Αριστείδης, αξιοσημείωτος κυρίως για την τέχνη του να απεικονίζει μάχες και κατακτήσεις πόλεων και την αριστοτεχνική του ικανότητα να δίνει ζωή και εκφραστικότητα στους πίνακές του, αν και η διανομή των χρωμάτων του δεν ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένη. Ο πίνακας του που απεικονίζει τη μάχη των Μακεδόνων με τους Πέρσες περιείχε έως και 100 φιγούρες. Η θλιβερή σκηνή κατά την καταστροφή της πόλης θεωρήθηκε το αριστοτεχνικό του έργο και η κύρια ομάδα που απεικονίζει μια ετοιμοθάνατη μητέρα και ένα μωρό να πιάνει το στήθος της τράβηξε ιδιαίτερη προσοχή. αλλά τον απωθεί από φόβο μήπως ρουφήξει αίμα αντί για γάλα. Εκείνη την εποχή, ακόμη μεγαλύτερη φήμη πέτυχε ο Πρωτογένης από την πόλη Κάβνα της Καρίας, ο οποίος μέχρι τα 50 του υποστήριξε την ύπαρξή του με τα πιο συνηθισμένα έργα. αλλά ο διάσημος Απελλής το αναγνώρισε αυτό και, εκτιμώντας την τέχνη του, αγόρασε από αυτόν μερικούς πίνακες για ένα σημαντικό χρηματικό ποσό, δείχνοντας σε αυτούς τους συμπολίτες την αδυναμία τους να εκτιμήσουν τα έργα του Πρωτογένη και ταυτόχρονα προσπαθώντας να τους κινήσει την υποψία ότι ήθελε να τα περάσει για δικά του. Αυτό βοήθησε τον φτωχό να κάνει όνομα στους συμπολίτες του. Πάνω από τον καλύτερο πίνακα του, όπου απεικόνισε την Ιαλίσα ( εκ.Ιαλής) κυνηγός με σκύλο λαχανιασμένο στο πλάι, δούλεψε 7 ή και 11 χρόνια. Όταν ο Δημήτριος Πολιορκητής πολιορκούσε τη Ρόδο, δεν μπορούσε να αποφασίσει να επιτεθεί από την πλευρά όπου ήξερε ότι βρισκόταν αυτός ο πίνακας και γι' αυτό δεν κέρδισε. Έστειλε φρουρούς να φρουρούν τον καλλιτέχνη, του οποίου το εργαστήριο βρισκόταν στο πιο επικίνδυνο μέρος έξω από τα τείχη της πόλης, και μάλιστα τον επισκέφτηκε προσωπικά. Την εποχή του Πλίνιου, αυτός ο πίνακας βρισκόταν στη Ρώμη, στον ναό του κόσμου, αλλά ήδη από την εποχή του Πλούταρχου καταστράφηκε από πυρκαγιά. Η φωτογραφία του "Ο αναπαυόμενος σάτυρος", που τοποθέτησε σε μια κολόνα, γράφτηκε από τον ίδιο κατά τη διάρκεια της πολιορκίας, όταν βροντούσαν ολόγυρα όπλα, και θεωρήθηκε επίσης υποδειγματικό έργο. Η κύρια αξία του Protogen, όπως και του Apelles, δεν ήταν τόσο στον πλούτο της σκέψης ή στο ποιητικό περιεχόμενο, αλλά στη γοητευτική καλλιτεχνική εκτέλεση και η ψευδαίσθηση έφτασε στον υψηλότερο βαθμό. αλλά με τον Απελλή αυτό ήταν συνέπεια του φυσικού του ταλέντου και με τον Πρωτογένη αυτό επιτεύχθηκε με τη μεγαλύτερη υπομονή και την αξιοσημείωτη επιμέλειά του. Ενώ όλοι έμειναν έκπληκτοι με την εργατικότητα και την επιμονή του στα έργα του, στα έργα του συγχρόνου του, Νικομάχου, καταγόμενου από την πόλη της Θήβας, που έζησε στα τέλη του 4ου αιώνα. π.Χ., ο γιος και μαθητής του Αριστόδημου, έμειναν έκπληκτοι με την ταχύτητα της εκτέλεσης σε συνδυασμό με την αξιοσημείωτη τέχνη. γράφτηκαν - «Ο βιασμός της Προσερπίνας», στο Καπιτώλιο, στο Ναό της Μινέρβα. "Θεά της νίκης", καβάλα σε τετράτροχο, και "Skilla"στο ναό της θεάς της ειρήνης. Περαιτέρω αξιοσημείωτοι είναι: ο Θεόν από το νησί της Σάμου, που προκάλεσε έκπληξη με τη ζωντάνια της φαντασίας του και έζησε την εποχή των Μακεδόνων βασιλιάδων Φιλίππου και Αλεξάνδρου. του ανήκει: «Τρελός Ορέστης»και κιφαρίστηκε "Θαμίρης", Νικίας, με καταγωγή από την Αθήνα (ζωγράφισε ζώα και μάχες εγκαυστικά· πολλοί από τους πίνακές του ήταν στη Ρώμη· ένας από τους καλύτερους ήταν "Το βασίλειο των σκιών κατά τον Όμηρο"; ύμνησαν το χρώμα, τη θέση και τη στρογγυλότητα των μορφών στους πίνακές του, ιδιαίτερα των γυναικείων, Αντίφιλος ( "Το αγόρι που πυροδοτεί τη φωτιά", "Εργαστήριο για μάλλινες εργασίες") και ο Κτησίλοχος (καρικατούρα τη γέννηση του Διονύσου από το μηρό του Δία). Κατά πάσα πιθανότητα, ο Αετίων (??????) με τον περίφημο πίνακα του ανήκει στην αλεξανδρινή εποχή - «Ο γάμος του Αλέξανδρου και της Ρωξάνας» (Cic. Brut. 18, όπου μερικοί, ωστόσο, διάβασαν το Echion. Lucian de Merc. συν. 42.imagg. 7). Από τότε η τέχνη αρχίζει να παρακμάζει και δεν διακρίνεται πια από χάρη και ευρηματικότητα, αλλά μόνο από φροντίδα στη διακόσμηση. Έτσι, ο Peyraijk μετέφερε σκηνές από την καθημερινή ζωή με ένα πινέλο, απεικόνιζε με αξιοσημείωτη δεξιοτεχνία εργαστήρια υποδηματοποιών, κουρέων, κουζινών, αγορών κ.λπ., κάτι που εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τους Ρωμαίους, οι οποίοι δεν σεβάστηκαν τόσο την πολυπλοκότητα της σύνθεσης. ορθότητα και σαφήνεια του σχεδίου · Έτσι, έγινε ο καλύτερος δεξιοτέχνης της ζωγραφικής του πραγματικού είδους, της λεγόμενης ριπαρογραφίας. Όσο για τους Ρωμαίους, θα πρέπει κυρίως να επισημάνουμε την έλλειψη κατανόησης των έργων τέχνης. Ακόμη και η κατάληψη της Κορίνθου δεν μπορούσε να προκαλέσει μια ευεργετική επανάσταση στην τέχνη για πολύ καιρό. Πολύ συχνά υπήρχαν παραδείγματα όπου στρατιώτες και στρατηγοί όχι μόνο δεν σεβάστηκαν, αλλά ακόμη και κατέστρεψαν τα πολύτιμα έργα του J. Mummius δεν καταλάβαινε, για παράδειγμα, πώς ο Άτταλος της Περγάμου μπορούσε να εκτιμήσει τόσο πολύ τον πίνακα του Αριστείδη που απεικονίζει τον Βάκχο. Πιστεύοντας ότι κάποια μυστική δύναμη κρυβόταν μέσα της, την πήρε μαζί του και την τοποθέτησε στο ναό της Ceres. Αλλά αμέσως μετά οι Ρωμαίοι, και σε αυτήν την περίπτωση, απέδειξαν ξεκάθαρα το άπληστο σύστημα κολοσσιαίας συσσώρευσης θησαυρών άλλων ανθρώπων. άρχισαν να στολίζουν τα σπίτια, τις τραπεζαρίες, τις ντάκες κ.λπ. με πολύτιμους πίνακες ζωγραφικής. Επομένως, σε γενικές γραμμές, μπορούμε μόνο να επισημάνουμε μεμονωμένα ονόματακαλλιτέχνες, όπως ο Τιμομάχος από το Βυζάντιο, διάσημος για την ικανότητά του να απεικονίζει συγκινητικά τα συγκρατημένα πάθη, όπως απέδειξε στη ζωγραφική του "Φουριόζος Άγιαξ", που ο Καίσαρας διέταξε να εγκατασταθεί στη Ρώμη. Ο Timomakh έζησε μέσα προηγούμενος αιώναςπ.Χ. Την εποχή του Αυγούστου, ο Λούδιος ήταν διάσημος. Εν τω μεταξύ, κατά τη διάρκεια της βασιλείας των αυτοκρατόρων, πολλοί Έλληνες ζωγράφοι μετακόμισαν στη Ρώμη, των οποίων το ταλέντο και το γούστο μπορούν να γίνουν κατανοητά από την κομψή διακόσμηση στα περίφημα λουτρά του Τίτου. Τα μωσαϊκά αναπτύχθηκαν επίσης με παρόμοιο τρόπο για λόγους πολυτέλειας. δείχνουν κυρίως την Κόκα της Περγάμου, η οποία ζωγράφισε μια εικόνα μιας πισίνας με περιστέρια στο πάτωμα ενός δωματίου, αλλά το καλύτερο ψηφιδωτό έργο θεωρήθηκε ότι ήταν η εικόνα ενός συνόλου "Ιλιάδα"στους ορόφους του υπέροχου πλοίου του βασιλιά Ιέρωνα Β' των Συρακουσών. Οι πληροφορίες μας για τις πηγές και τα αντικείμενα της αρχαίας ιστορίας είναι εξαιρετικά σπάνιες. Ανακαλύφθηκαν ξανά υπολείμματα ζωγραφικής κοντά στην Αθήνα στα ελληνικά επιτύμβιες στήλεςδεν είναι ιδιαίτερα πολύτιμα, αλλά πολλά σχέδια σε ελληνικά πήλινα αγγεία υποδηλώνουν ήδη κάποια δεξιοτεχνία και οι τοιχογραφίες που βρέθηκαν στο Herculaneum και στην Πομπηία δεν ανήκουν στην εποχή που άκμασε αυτή η τέχνη και μπορούν να θεωρηθούν ως λίγο πολύ ελαφριές διακοσμήσεις εσωτερικών χώρων. Γενικά, ακόμη και στη ζωγραφική, οι αρχαίοι διακρίνονταν για την επιλογή των όμορφων μορφών, την απλότητα των σκηνών και των συνθέσεων και την ορθότητα του σχεδίου, αλλά στην εφαρμογή των νόμων της προοπτικής σε πίνακες μεγάλων μεγεθών, στις σκιές που προέκυψαν από κάποιο συνδυασμό και συγχώνευση χρωμάτων, και κυρίως σε ποιητικό βάθος, ήταν πολύ κατώτερα η τελευταία τέχνη. Νυμφεύομαιιστορία τέχνης Schnaase, Kugler´a, L?bke και άλλοι. ιδιαίτερα Brunn, Geschichte der. griech. K?nstler, II, Π. 3-316 και W?rmann, die Malerei des Alterhums (στο Woltmann´a Gesch. der Malerei, vol.?, 1879, Π. 32-140).

Εικόνα στο επίπεδο των αντικειμένων υλικού και

Ελλιπής ορισμός ↓

Ένα άτομο προσπαθεί για την τελειότητα, αναζητώντας την αρμονία στον κόσμο που τον περιβάλλει. Βρίσκοντας την ομορφιά, προσπαθεί να βρει έναν τρόπο να διατηρήσει αυτή την ομορφιά και να τη μεταφέρει στους απογόνους του. Η τέχνη είναι μια από τις λίγες μεθόδους που εφευρέθηκε από τον άνθρωπο στα πρωτόγονα χρόνια. Στη συνέχεια οι αρχαίοι άνθρωποι ζωγράφιζαν σε βράχους και τοίχους σπηλαίων, απεικονίζοντας σκηνές από τη ζωή του λαού τους. Έτσι άρχισε να αναδύεται η τέχνη της ζωγραφικής στην πρωτόγονη κοινωνία. Με τον καιρό, οι καλλιτέχνες έμαθαν να χρησιμοποιούν ποικίλα μέσα και μεθόδους ζωγραφικής. Εμφανίστηκαν νέα είδη και είδη ζωγραφικής. Μεταδίδοντας τη συσσωρευμένη γνώση και εμπειρία από γενιά σε γενιά, οι άνθρωποι κατάφεραν να διατηρήσουν την εικόνα του κόσμου στην αρχική της μορφή. Και σήμερα έχουμε την ευκαιρία να θαυμάσουμε όλα τα μέρη του κόσμου, κοιτάζοντας τα έργα καλλιτεχνών από διαφορετικές εποχές.

Διαφορά από άλλα είδη καλών τεχνών

Η ζωγραφική, σε αντίθεση με άλλες μεθόδους μετάδοσης οπτικών εικόνων, πραγματοποιείται με την εφαρμογή μπογιάς σε καμβά, χαρτί ή άλλη επιφάνεια. Αυτό το είδος καλών τεχνών έχει ένα ασυνήθιστο στυλ τέχνηςεκφράσεις. Ο καλλιτέχνης, παίζοντας με τη φαντασία και τις αποχρώσεις του χρώματος, είναι σε θέση να παρουσιάσει στον θεατή κάτι περισσότερο από μια απλή αντανάκλαση ορατό κόσμο, αλλά προσθέτοντας φρέσκες εικόνες από τον εαυτό σας, μεταφέρετε το όραμά σας και δώστε έμφαση σε κάτι νέο και ασυνήθιστο.

Είδη ζωγραφικής και συνοπτικά χαρακτηριστικά τους

Αυτό το είδος τέχνης χαρακτηρίζεται ανάλογα με τα χρώματα και τα υλικά που χρησιμοποιούνται. Υπάρχουν διάφοροι τύποι διαφορετικές τεχνικέςκαι είδη ζωγραφικής. Υπάρχουν 5 κύριες ποικιλίες: μινιατούρα, καβαλέτο, μνημειακή, θεατρική και διακοσμητική και διακοσμητική.

Μινιατούρα ζωγραφική

Άρχισε να αναπτύσσεται ακόμη και πριν από την εφεύρεση της τυπογραφίας, τον Μεσαίωνα. Εκείνη την εποχή υπήρχαν χειρόγραφα βιβλία, τα οποία οι δεξιοτέχνες τα διακοσμούσαν με λεπτογραμμένα κεφαλάρια και τελειώματα, αλλά και τα κείμενα με πολύχρωμες μικροσκοπικές εικονογραφήσεις. Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, η μινιατούρα χρησιμοποιήθηκε για τη δημιουργία μικρών πορτρέτων. Για αυτό, οι καλλιτέχνες προτιμούσαν τις ακουαρέλες, γιατί χάρη στα καθαρά και βαθιά χρώματα και τους συνδυασμούς τους, τα πορτρέτα απέκτησαν ιδιαίτερη χάρη και αρχοντιά.

Καβαλέτο ζωγραφική

Αυτή η τέχνη της ζωγραφικής πήρε το όνομά της λόγω του γεγονότος ότι οι πίνακες γίνονται χρησιμοποιώντας καβαλέτο, δηλαδή μηχανή. Οι καμβάδες ζωγραφίζονται πιο συχνά σε καμβά, ο οποίος τεντώνεται σε φορείο. Επίσης, το χαρτί, το χαρτόνι και το ξύλο μπορούν να χρησιμοποιηθούν ως υλική βάση. Ένας πίνακας ζωγραφισμένος σε καβαλέτο είναι εντελώς μια ανεξάρτητη εργασία. Μπορεί να απεικονίσει τόσο αυτό που φαντάζεται ο καλλιτέχνης όσο και αυτό που είναι πραγματικό σε όλες τις εκφάνσεις του. Αυτά μπορεί να είναι και άψυχα αντικείμενα και άνθρωποι, τόσο νεωτερικότητα όσο και ιστορικά γεγονότα.

Μνημειακή ζωγραφική

Αυτό το είδος καλών τεχνών αντιπροσωπεύει πίνακες ζωγραφικής σε μεγάλη κλίμακα. Η μνημειακή ζωγραφική χρησιμοποιείται για τη διακόσμηση των οροφών και των τοίχων των κτιρίων, καθώς και για διάφορες κατασκευές. Με τη βοήθειά του, οι καλλιτέχνες εντοπίζουν σημαντικά κοινωνικά και ιστορικά γεγονότα που επηρεάζουν την ανάπτυξη της κοινωνίας και συμβάλλουν στη διαμόρφωση ανθρώπων με πνεύμα προόδου, πατριωτισμού και ανθρωπιάς.

Θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική

Αυτός ο τύπος χρησιμοποιείται για μακιγιάζ, στηρίγματα, διακόσμηση κοστουμιών και σκηνικά που βοηθούν στην αποκάλυψη της πλοκής του έργου. Κοστούμια, μακιγιάζ και σκηνικά είναι φτιαγμένα σύμφωνα με σκίτσα του καλλιτέχνη, ο οποίος προσπαθεί να μεταφέρει το στυλ της εποχής, την κοινωνική θέση και τον προσωπικό χαρακτήρα των χαρακτήρων.

Διακοσμητική ζωγραφική

Σημαίνει διακόσμηση του εσωτερικού και των κτιρίων χρησιμοποιώντας πολύχρωμα πάνελ, τα οποία δημιουργούν μια οπτική αύξηση ή μείωση του μεγέθους του δωματίου, την ψευδαίσθηση ότι ένας τοίχος διαπερνά κ.λπ.

Ζωγραφική στη Ρωσία

Έχουμε παραθέσει τα κύρια είδη ζωγραφικής, τα οποία διαφέρουν στον τρόπο με τον οποίο ο ζωγράφος χρησιμοποιεί υλικό για δημιουργικότητα. Τώρα ας μιλήσουμε για τα χαρακτηριστικά αυτού του τύπου τέχνης που είναι εγγενή στη χώρα μας. Η Ρωσία ήταν ανέκαθεν διάσημη για τις τεράστιες εκτάσεις της με πλούσια χλωρίδα και πανίδα. Και κάθε καλλιτέχνης προσπάθησε να αποτυπώσει στον καμβά όλη την ομορφιά της φύσης και να μεταδώσει το μεγαλείο των εικόνων στον θεατή.

Διάφοροι τύποι τοπίων στη ζωγραφική μπορούν να παρατηρηθούν στους καμβάδες διάσημων δημιουργών. Ο καθένας τους, χρησιμοποιώντας τη δική του τεχνική, προσπάθησε να μεταφέρει στον θεατή τα δικά του συναισθήματα και το δικό του όραμα. Η ρωσική ζωγραφική δοξάζεται από δασκάλους όπως ο Levitan, ο Shishkin, ο Savrasov, ο Aivazovsky και πολλοί άλλοι. Για να γράψετε το δικό σας διάσημους πίνακεςχρησιμοποίησαν διαφορετικές τεχνικές. Και όπως οι εσωτερικοί κόσμοι των δασκάλων της ζωγραφικής είναι διαφορετικοί, έτσι και οι δημιουργίες τους και τα συναισθήματα που προκαλούνται στους θεατές είναι τελικά πολύπλευρα. Τα πιο ειλικρινή και βαθύτερα συναισθήματα γεννούν διάσημα έργατους ζωγράφους μας.

Έτσι, για παράδειγμα, «Πρωί μέσα πευκόδασος«Η Shishkina μας γεμίζει με εκλεπτυσμένο φως και μας δίνει γαλήνη. Είναι σαν να νιώθουμε το πρωί Καθαρός αέρας, βυθιζόμενος στην κωνοφόρα ατμόσφαιρα και παρακολουθώντας τα παιχνίδια των αρκούδων. Ενώ το «Seashore» του Aivazovsky μας μεταφέρει στην άβυσσο των συναισθημάτων και του άγχους. Χωριό φθινοπωρινά τοπίαΟ Levitan παρουσιάζεται με μια μερίδα νοσταλγίας και αναμνήσεων. Και η δημιουργία του Savrasov «The Rooks Have Arrived» μας τυλίγει σε μια μικρή θλίψη και μας δίνει ελπίδα.

Η ρωσική ζωγραφική επιβεβαιώνει τις κολοσσιαίες δυνατότητες και το ταλέντο του ρωσικού λαού, καθώς και την αγάπη για την πατρίδα και τη φύση τους. Ο καθένας μπορεί να το επαληθεύσει βλέποντας τους πίνακες των συμπατριωτών μας. ΚΑΙ το κύριο καθήκον- διατήρηση της ζωντανής ρωσικής ζωγραφικής παράδοσης και των δημιουργικών ικανοτήτων των ανθρώπων.

Τι είναι η ζωγραφική;

Η ζωγραφική είναι ένα είδος καλών τεχνών, έργα της οποίας δημιουργούνται χρησιμοποιώντας χρώματα που εφαρμόζονται σε οποιαδήποτε επιφάνεια.
«Η ζωγραφική δεν είναι απλώς κάποιο είδος φαντασίας, είναι δουλειά, δουλειά που πρέπει να γίνει με συνείδηση, όπως κάνει κάθε ευσυνείδητος εργάτης», υποστήριξε ο Ρενουάρ.

Η ζωγραφική είναι καταπληκτικό θαύμακαθιστώντας τους πάντες προσβάσιμους υλικά τέχνηςστις πιο διαφορετικές ορατές εικόνες της πραγματικότητας. Η κυριαρχία στην τέχνη της ζωγραφικής σημαίνει ότι μπορείς να απεικονίσεις πραγματικά αντικείμενα οποιουδήποτε σχήματος, διαφορετικό χρώμακαι υλικό σε κάθε χώρο.
Η ζωγραφική, όπως όλες οι άλλες μορφές τέχνης, έχει ένα ιδιαίτερο καλλιτεχνική γλώσσα, μέσω των οποίων ο καλλιτέχνης αντικατοπτρίζει τον κόσμο. Όμως, εκφράζοντας την κατανόησή του για τον κόσμο, ο καλλιτέχνης ενσωματώνει ταυτόχρονα τις σκέψεις και τα συναισθήματά του, τις φιλοδοξίες, τα αισθητικά ιδανικά στα έργα του, αξιολογεί τα φαινόμενα της ζωής, εξηγώντας την ουσία και το νόημά τους με τον δικό του τρόπο.
ΣΕ έργα τέχνηςδιαφορετικά είδη καλών τεχνών που δημιουργούνται από ζωγράφους χρησιμοποιούν σχέδιο, χρώμα, φως και σκιά, εκφραστικότητα των πινελιών, υφή και σύνθεση. Αυτό καθιστά δυνατή την αναπαραγωγή σε ένα επίπεδο του πολύχρωμου πλούτου του κόσμου, του όγκου των αντικειμένων, της ποιοτικής υλικής πρωτοτυπίας τους, του χωρικού βάθους και του περιβάλλοντος φωτός-αέρα.
Ο κόσμος της ζωγραφικής είναι πλούσιος και πολύπλοκος, οι θησαυροί του έχουν συσσωρευτεί από την ανθρωπότητα για πολλές χιλιετίες. Τα αρχαιότερα έργα ζωγραφικής ανακαλύφθηκαν από επιστήμονες στους τοίχους των σπηλαίων στα οποία ζούσαν πρωτόγονους ανθρώπους. Οι πρώτοι καλλιτέχνες απεικόνισαν σκηνές κυνηγιού και ζωικές συνήθειες με εκπληκτική ακρίβεια και ευκρίνεια. Έτσι προέκυψε η τέχνη της ζωγραφικής στον τοίχο, που είχε χαρακτηριστικά γνωρίσματα της μνημειακής ζωγραφικής.
Υπάρχουν δύο κύριοι τύποι μνημειακής ζωγραφικής - νωπογραφία και ψηφιδωτό.
Το Fresco είναι μια τεχνική ζωγραφικής με χρώματα αραιωμένα με καθαρό ή ασβεστόνερο σε φρέσκο, υγρό σοβά.
Το μωσαϊκό είναι μια εικόνα από σωματίδια πέτρας, σμάλτου, κεραμικών πλακιδίων, ομοιογενών ή διαφορετικών σε υλικό, τα οποία στερεώνονται σε ένα στρώμα χώματος - ασβέστη ή τσιμέντο.
Οι νωπογραφίες και τα μωσαϊκά είναι τα κύρια είδη μνημειακής τέχνης, τα οποία, λόγω της αντοχής τους και της χρωματικής τους αντοχής, χρησιμοποιούνται για τη διακόσμηση αρχιτεκτονικών τόμων και επιπέδων (τοιχογραφίες, αμπαζούρ, πάνελ).
Η ζωγραφική με καβαλέτο (εικόνα) έχει ανεξάρτητο χαρακτήρα και νόημα. Το εύρος και η πληρότητα της κάλυψης της πραγματικής ζωής αντικατοπτρίζεται στην ποικιλία των τύπων και των ειδών που είναι εγγενή στη ζωγραφική του καβαλέτο: πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, καθημερινή, ιστορική, είδη μάχης.
Σε αντίθεση με τη μνημειακή ζωγραφική, η ζωγραφική με καβαλέτο δεν συνδέεται με το επίπεδο του τοίχου και μπορεί να εκτεθεί ελεύθερα.
Η ιδεολογική και καλλιτεχνική έννοια των έργων καβαλέτας δεν αλλάζει ανάλογα με τον τόπο που βρίσκονται, αν και ο καλλιτεχνικός τους ήχος εξαρτάται από τις συνθήκες έκθεσης.
Εκτός από τα παραπάνω είδη ζωγραφικής, υπάρχουν διακοσμητικοί πίνακες – σκίτσα θεατρικό σκηνικό, σκηνικά και κοστούμια για τον κινηματογράφο, καθώς και μινιατούρες και εικονογραφίες.
Για να δημιουργήσει ένα μικροσκοπικό έργο τέχνης ή ένα μνημειακό έργο (για παράδειγμα, έναν πίνακα σε έναν τοίχο), ο καλλιτέχνης πρέπει να γνωρίζει όχι μόνο την εποικοδομητική ουσία των αντικειμένων, τον όγκο, την υλικότητά τους, αλλά και τους κανόνες και τους νόμους της εικαστικής αναπαράστασης φύση, την αρμονία του χρώματος και του χρώματος.

Σε μια εικονογραφική εικόνα από τη φύση, είναι απαραίτητο να ληφθεί υπόψη όχι μόνο η ποικιλία των χρωμάτων, αλλά και η ενότητά τους, που καθορίζεται από τη δύναμη και το χρώμα της πηγής φωτός. Κανένα σημείο χρώματος δεν πρέπει να εισάγεται στην εικόνα χωρίς να ταιριάζει με τη συνολική κατάσταση χρώματος. Το χρώμα κάθε αντικειμένου, τόσο στο φως όσο και στη σκιά, πρέπει να σχετίζεται με το χρωματικό σύνολο. Εάν τα χρώματα της εικόνας δεν μεταφέρουν την επίδραση του χρώματος του φωτισμού, δεν θα υπόκεινται σε ένα μόνο χρωματικό συνδυασμό. Σε μια τέτοια εικόνα, κάθε χρώμα θα ξεχωρίζει ως κάτι ξένο και ξένο σε μια δεδομένη κατάσταση φωτισμού. θα εμφανιστεί τυχαία και θα καταστρέψει τη χρωματική ακεραιότητα της εικόνας.
Έτσι, η φυσική ενοποίηση χρωμάτων των χρωμάτων από το γενικό χρώμα του φωτισμού είναι η βάση για τη δημιουργία μιας αρμονικής χρωματικής δομής της εικόνας.
Το χρώμα είναι ένα από τα πιο εκφραστικά μέσα που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική. Ο καλλιτέχνης μεταφέρει στο αεροπλάνο τον πολύχρωμο πλούτο αυτού που είδε, χρησιμοποιώντας τη χρωματική μορφή για να αναγνωρίσει και να αντικατοπτρίσει τον κόσμο γύρω του. Κατά τη διαδικασία απεικόνισης της φύσης, αναπτύσσεται μια αίσθηση του χρώματος και των πολλών αποχρώσεων του, η οποία επιτρέπει τη χρήση χρωμάτων ως κύρια μέσα έκφρασηςζωγραφική.
Η αντίληψη του χρώματος και το μάτι του καλλιτέχνη είναι σε θέση να διακρίνει περισσότερες από 200 αποχρώσεις του, είναι ίσως ένα από τα πιο χαρούμενα προσόντα με τα οποία η φύση έχει προικίσει τον άνθρωπο.
Γνωρίζοντας τους νόμους της αντίθεσης, ο καλλιτέχνης περιηγείται σε εκείνες τις αλλαγές στο χρώμα της απεικονιζόμενης φύσης, που σε ορισμένες περιπτώσεις είναι δύσκολο να τραβήξει το μάτι. Η αντίληψη του χρώματος εξαρτάται από το περιβάλλον στο οποίο βρίσκεται το αντικείμενο. Επομένως, ο καλλιτέχνης, όταν μεταφέρει το χρώμα της φύσης, συγκρίνει τα χρώματα μεταξύ τους, διασφαλίζοντας ότι γίνονται αντιληπτά σε διασύνδεση ή αμοιβαίες σχέσεις.
«Λήψη σχέσεων φωτός και σκιάς» σημαίνει διατήρηση της διαφοράς μεταξύ των χρωμάτων σε ελαφρότητα, κορεσμό και απόχρωση, ανάλογα με το πώς εμφανίζεται στη φύση.
Η αντίθεση (τόσο στο φως όσο και στο χρώμα) είναι ιδιαίτερα αισθητή στις άκρες των παρακείμενων χρωματικών κηλίδων. Το θάμπωμα των ορίων μεταξύ των αντίθεσης χρωμάτων ενισχύει το αποτέλεσμα της χρωματικής αντίθεσης και η σαφήνεια των ορίων των κηλίδων το μειώνει. Η γνώση αυτών των νόμων διευρύνει τις τεχνικές δυνατότητες στη ζωγραφική, επιτρέπει στον καλλιτέχνη, με τη βοήθεια της αντίθεσης, να αυξήσει την ένταση του χρώματος των χρωμάτων, να αυξήσει τον κορεσμό τους, να αυξήσει ή να μειώσει την ελαφρότητά τους, πράγμα που εμπλουτίζει την παλέτα του ζωγράφου. Έτσι, χωρίς τη χρήση μειγμάτων, αλλά μόνο αντιθετικών συνδυασμών ζεστών και ψυχρών χρωμάτων, μπορείτε να επιτύχετε μια ιδιαίτερη χρωματική ηχητικότητα του πίνακα.

Υπάρχουν έργα τέχνης που φαίνονται να χτυπούν τον θεατή πάνω από το κεφάλι, εκπληκτικά και εκπληκτικά. Άλλοι σε παρασύρουν στη σκέψη και στην αναζήτηση στρωμάτων νοήματος και μυστικού συμβολισμού. Μερικοί πίνακες καλύπτονται από μυστικά και μυστικιστικά μυστήρια, ενώ άλλοι εκπλήσσουν με εξωφρενικές τιμές.

Εξετάσαμε προσεκτικά όλα τα κύρια επιτεύγματα της παγκόσμιας ζωγραφικής και επιλέξαμε δύο δωδεκάδες από τους πιο περίεργους πίνακες από αυτούς. Ο Salvador Dali, τα έργα του οποίου εμπίπτουν πλήρως στη μορφή αυτού του υλικού και είναι τα πρώτα που μου έρχονται στο μυαλό, δεν συμπεριλήφθηκαν επίτηδες σε αυτή τη συλλογή.

Είναι ξεκάθαρο ότι το «παράξενο» είναι μια μάλλον υποκειμενική έννοια και ο καθένας έχει τη δική του καταπληκτικοί πίνακες ζωγραφικής, ξεχωρίζοντας από άλλα έργα τέχνης. Θα χαρούμε να τα μοιραστείτε στα σχόλια και να μας πείτε λίγα λόγια για αυτά.

"Κραυγή"

Έντβαρντ Μουνκ. 1893, χαρτόνι, λάδι, τέμπερα, παστέλ.
Εθνική Πινακοθήκη, Όσλο.

Η Κραυγή θεωρείται ένα ορόσημο εξπρεσιονιστικό γεγονός και ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.

Υπάρχουν δύο ερμηνείες αυτού που απεικονίζεται: είναι ο ίδιος ο ήρωας που τον πιάνει ο τρόμος και ουρλιάζει σιωπηλά, πιέζοντας τα χέρια του στα αυτιά του. ή ο ήρωας κλείνει τα αυτιά του από την κραυγή του κόσμου και της φύσης που ηχεί γύρω του. Ο Μουνκ έγραψε τέσσερις εκδοχές του "The Scream" και υπάρχει μια εκδοχή ότι αυτός ο πίνακας είναι ο καρπός της μανιοκαταθλιπτικής ψύχωσης από την οποία υπέφερε ο καλλιτέχνης. Μετά από μια πορεία θεραπείας στην κλινική, ο Munch δεν επέστρεψε για να εργαστεί στον καμβά.

«Περπατούσα στο μονοπάτι με δύο φίλους. Ο ήλιος έδυε - ξαφνικά ο ουρανός έγινε κόκκινος, σταμάτησα, αισθάνθηκα εξαντλημένος και έγειρα στον φράχτη - κοίταξα το αίμα και τις φλόγες πάνω από το γαλαζομαύρο φιόρδ και την πόλη. Οι φίλοι μου προχώρησαν και εγώ στάθηκα, τρέμοντας από ενθουσιασμό, νιώθοντας μια ατελείωτη κραυγή να διαπερνά τη φύση», είπε ο Edvard Munch για την ιστορία του πίνακα.

«Από πού ήρθαμε; Ποιοι είμαστε; Που πάμε;"

Πολ Γκογκέν. 1897-1898, λάδι σε καμβά.
Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη.

Σύμφωνα με τον ίδιο τον Γκωγκέν, ο πίνακας πρέπει να διαβάζεται από τα δεξιά προς τα αριστερά - τρεις κύριες ομάδες μορφών απεικονίζουν τις ερωτήσεις που τίθενται στον τίτλο.

Τρεις γυναίκες με ένα παιδί αντιπροσωπεύουν την αρχή της ζωής. μεσαία ομάδασυμβολίζει την καθημερινή ύπαρξη της ωριμότητας. στην τελική ομάδα, σύμφωνα με το σχέδιο του καλλιτέχνη, «η ηλικιωμένη γυναίκα, που πλησιάζει στον θάνατο, φαίνεται συμφιλιωμένη και εντρυφημένη στις σκέψεις της», στα πόδια της «ένα παράξενο Λευκό πουλί...αντιπροσωπεύει τη ματαιότητα των λέξεων».

Ο βαθιά φιλοσοφικός πίνακας του μετα-ιμπρεσιονιστή Πολ Γκογκέν ζωγραφίστηκε από τον ίδιο στην Ταϊτή, όπου έφυγε από το Παρίσι. Με την ολοκλήρωση του έργου, θέλησε ακόμη και να αυτοκτονήσει: «Πιστεύω ότι αυτός ο πίνακας είναι ανώτερος από όλους τους προηγούμενους μου και ότι δεν θα δημιουργήσω ποτέ κάτι καλύτερο ή ακόμα και παρόμοιο». Έζησε άλλα πέντε χρόνια και έτσι έγινε.

"Γκουέρνικα"

Πάμπλο Πικάσο. 1937, λάδι σε καμβά.
Μουσείο Reina Sofia, Μαδρίτη.

Η Γκερνίκα παρουσιάζει σκηνές θανάτου, βίας, βαρβαρότητας, βασάνων και αδυναμίας, χωρίς να προσδιορίζει τα άμεσα αίτια τους, αλλά είναι προφανείς. Λέγεται ότι το 1940, ο Πάμπλο Πικάσο κλήθηκε στην Γκεστάπο στο Παρίσι. Η συζήτηση στράφηκε αμέσως στον πίνακα. "Το έκανες αυτό;" - «Όχι, το έκανες».

Η τεράστια τοιχογραφία «Guernica», ζωγραφισμένη από τον Πικάσο το 1937, αφηγείται την ιστορία μιας επιδρομής εθελοντικής μονάδας της Luftwaffe στην πόλη Guernica, ως αποτέλεσμα της οποίας η πόλη των έξι χιλιάδων καταστράφηκε ολοσχερώς. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε κυριολεκτικά σε ένα μήνα - τις πρώτες ημέρες εργασίας στον πίνακα, ο Πικάσο δούλεψε για 10-12 ώρες και ήδη στα πρώτα σκίτσα μπορούσε κανείς να δει κύρια ιδέα. Αυτή είναι μια από τις καλύτερες απεικονίσεις του εφιάλτη του φασισμού, καθώς και της ανθρώπινης σκληρότητας και θλίψης.

«Πορτρέτο του ζευγαριού Αρνολφίνι»

Γιαν βαν Άικ. 1434, ξύλο, λάδι.
London National Gallery, Λονδίνο.

Ο διάσημος πίνακας είναι πλήρως γεμάτος με σύμβολα, αλληγορίες και διάφορες αναφορές - μέχρι την υπογραφή «Ο Jan van Eyck was here», που μετέτρεψε τον πίνακα όχι μόνο σε έργο τέχνης, αλλά σε ένα ιστορικό ντοκουμέντο που επιβεβαιώνει την πραγματικότητα του γεγονότος στο οποίο ήταν παρών ο καλλιτέχνης.

Το πορτρέτο, υποτίθεται του Τζιοβάνι ντι Νικολάο Αρνολφίνι και της συζύγου του, είναι ένα από τα πιο σύνθετα έργα της δυτικής σχολής της ζωγραφικής της Βόρειας Αναγέννησης.

Στη Ρωσία, τα τελευταία χρόνια, ο πίνακας έχει κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα λόγω της ομοιότητας του πορτρέτου του Arnolfini με τον Βλαντιμίρ Πούτιν.

"Ο δαίμονας καθισμένος"

Μιχαήλ Βρούμπελ. 1890, λάδι σε καμβά.
κατάσταση Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα.

«Τα χέρια του αντιστέκονται»

Μπιλ Στόουνχαμ. 1972.

Το έργο αυτό, φυσικά, δεν μπορεί να καταταγεί στα αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής, αλλά το ότι είναι περίεργο είναι γεγονός.

Υπάρχουν θρύλοι γύρω από τον πίνακα με ένα αγόρι, μια κούκλα και τα χέρια του πιεσμένα στο γυαλί. Από «οι άνθρωποι πεθαίνουν εξαιτίας αυτής της εικόνας» έως «τα παιδιά σε αυτήν είναι ζωντανά». Η εικόνα φαίνεται πραγματικά ανατριχιαστική, γεγονός που προκαλεί πολλούς φόβους και εικασίες μεταξύ των ανθρώπων με αδύναμη ψυχή.

Ο καλλιτέχνης επέμεινε ότι ο πίνακας απεικόνιζε τον εαυτό του σε ηλικία πέντε ετών, ότι η πόρτα αντιπροσώπευε τη διαχωριστική γραμμή μεταξύ του πραγματικού κόσμου και του κόσμου των ονείρων και η κούκλα ήταν ένας οδηγός που μπορούσε να οδηγήσει το αγόρι σε αυτόν τον κόσμο. Τα χέρια αντιπροσωπεύουν εναλλακτικές ζωέςή δυνατότητες.

Ο πίνακας κέρδισε τη φήμη τον Φεβρουάριο του 2000 όταν τέθηκε προς πώληση στο eBay με μια ιστορία που έλεγε ότι ο πίνακας ήταν «στοιχειωμένος». Το «Hands Resist Him» αγοράστηκε για 1.025 δολάρια από την Kim Smith, η οποία τότε απλώς πλημμύρισε με γράμματα με ανατριχιαστικές ιστορίες και απαιτεί να κάψει τον πίνακα.