A.N. Ostrovsky est né le 31 mars (12 avril) 1823 à Moscou, dans la famille d'un membre du clergé, fonctionnaire, puis avocat au tribunal de commerce de Moscou. La famille Ostrovsky vivait à Zamoskvorechye, un quartier commerçant et bourgeois du vieux Moscou. Par nature, le dramaturge était casanier : il a vécu presque toute sa vie à Moscou, dans le quartier de Yauza, voyageant régulièrement, à l'exception de plusieurs voyages à travers la Russie et à l'étranger, uniquement au domaine Shchelykovo dans la province de Kostroma. Ici, il mourut le 2 (14) juin 1886, au milieu des travaux de traduction pièce shakespearienne"Antoine et Cléopâtre".
Au début des années 1840. Ostrovsky a étudié à la Faculté de droit de l'Université de Moscou, mais n'a pas terminé ses études et est entré au service du tribunal de conscience de Moscou en 1843. Deux ans plus tard, il fut transféré au tribunal de commerce de Moscou, où il servit jusqu'en 1851. La pratique juridique donna au futur écrivain un matériel vaste et varié. Presque toutes ses premières pièces sur la modernité développaient ou décrivaient des intrigues criminelles. Ostrovsky a écrit sa première histoire à 20 ans, sa première pièce à 24 ans. Après 1851, sa vie est liée à la littérature et au théâtre. Ses principaux événements étaient des litiges avec censure, des éloges et des réprimandes de la part des critiques, des premières et des disputes entre acteurs sur les rôles dans les pièces de théâtre.
En près de 40 ans d'activité créatrice, Ostrovsky a créé un répertoire riche : une cinquantaine de pièces originales, plusieurs pièces écrites en collaboration. Il a également participé à des traductions et des adaptations de pièces d'autres auteurs. Tout cela constitue le « théâtre d’Ostrovsky » – c’est ainsi que fut définie l’ampleur de ce qui a été créé par le dramaturge I.A. Gontcharov.
Ostrovsky aimait passionnément le théâtre, le considérant comme la forme d'art la plus démocratique et la plus efficace. Parmi les classiques de la littérature russe, il fut le premier et reste le seul écrivain à se consacrer entièrement au théâtre. Toutes les pièces qu'il a créées n'étaient pas des « pièces à lire » : elles étaient écrites pour le théâtre. Pour Ostrovsky, la mise en scène est une loi immuable de la dramaturgie, c'est pourquoi ses œuvres appartiennent également à deux mondes : le monde de la littérature et le monde du théâtre.
Les pièces d'Ostrovsky étaient publiées dans des magazines presque simultanément avec leurs productions théâtrales et étaient perçues comme des phénomènes marquants de la vie littéraire et théâtrale. Dans les années 1860. ils suscitèrent le même vif intérêt du public que les romans de Tourgueniev, Gontcharov et Dostoïevski. Ostrovsky a fait de la dramaturgie une « vraie » littérature. Avant lui, dans le répertoire des théâtres russes, il n'y avait que quelques pièces qui semblaient être descendues sur scène des hauteurs de la littérature et restaient seules (« Malheur de l'esprit » de A.S. Griboïedov, « L'Inspecteur général » et « Mariage » par N.V. Gogol). Le répertoire théâtral était rempli soit de traductions, soit d'œuvres sans valeur littéraire notable.
Dans les années 1850-1860. les rêves des écrivains russes selon lesquels le théâtre deviendrait une puissante force éducative, un moyen de façonner opinion publique, ont trouvé un vrai terrain. Le théâtre a un public plus large. Le cercle des personnes alphabétisées s'est élargi - aussi bien les lecteurs que ceux pour qui la lecture sérieuse n'était pas encore accessible, mais le théâtre est accessible et compréhensible. Une nouvelle couche sociale se formait : l'intelligentsia commune, qui montrait un intérêt accru pour le théâtre. Le nouveau public, démocratique et diversifié par rapport au public de la première moitié du XIXe siècle, a donné un « ordre social » aux drames sociaux et quotidiens de la vie russe.
Le caractère unique de la position d'Ostrovsky en tant que dramaturge réside dans le fait qu'en créant des pièces basées sur de nouveaux matériaux, il a non seulement satisfait aux attentes des nouveaux spectateurs, mais a également lutté pour la démocratisation du théâtre : après tout, le théâtre est le spectacle le plus populaire - dans les années 1860. il restait encore élitiste ; il n’existait pas encore de théâtre public bon marché. Le répertoire des théâtres de Moscou et de Saint-Pétersbourg dépendait des fonctionnaires de la Direction des théâtres impériaux. Ostrovsky, réformant le drame russe, réforma également le théâtre. Il voulait voir non seulement l’intelligentsia et les marchands éclairés comme spectateurs de ses pièces, mais aussi les « propriétaires d’établissements artisanaux » et les « artisans ». L'idée originale d'Ostrovsky était le Théâtre Maly de Moscou, qui incarnait son rêve d'un nouveau théâtre pour un public démocratique.
Il y a quatre périodes dans le développement créatif d’Ostrovsky :
1) Première période (1847-1851)- l'époque des premières expérimentations littéraires. Ostrovsky a commencé tout à fait dans l'air du temps - avec une prose narrative. Dans ses essais sur la vie et les coutumes de Zamoskvorechye, le débutant s'est appuyé sur les traditions de Gogol et l'expérience créatrice de « l'école naturelle » des années 1840. Au cours de ces années, les premières œuvres dramatiques furent créées, dont la comédie « Bankrut » (« Nous compterons notre propre peuple ! »), qui devint l'œuvre principale de la première période.
2) Deuxième période (1852-1855) sont appelés « Moskvityanin », car au cours de ces années, Ostrovsky s'est rapproché des jeunes employés du magazine Moskvityanin : A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, B.N. Almazov et E.N. Edelson. Le dramaturge soutenait le programme idéologique du « jeune comité de rédaction », qui cherchait à faire du magazine un organe d'un nouveau courant de pensée sociale : le « pochvennichestvo ». Durant cette période, seules trois pièces de théâtre ont été écrites : « Ne montez pas dans votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice » et « Ne vivez pas comme vous voulez ».
3) Troisième période (1856-1860) marqué par le refus d'Ostrovsky de rechercher des principes positifs dans la vie des marchands patriarcaux (c'était typique des pièces écrites dans la première moitié des années 1850). Le dramaturge, sensible aux changements dans la vie sociale et idéologique de la Russie, s'est rapproché des dirigeants de la démocratie commune - les employés du magazine Sovremennik. Le résultat créatif de cette période fut les pièces « Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois », « Profitable Place » et « Thunderstorm », « la plus décisive », selon N.A. Dobrolyubov, l'œuvre d'Ostrovsky.
4) Quatrième période (1861-1886)- la plus longue période de l'activité créatrice d'Ostrovsky. L'éventail des genres s'est élargi, la poétique de ses œuvres s'est diversifiée. En vingt ans, des pièces de théâtre ont été créées qui peuvent être divisées en plusieurs genres et groupes thématiques : 1) les comédies de vie de marchand(« Tout n'est pas Maslenitsa pour le chat », « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur », « Le cœur n'est pas une pierre »), 2) comédies satiriques (« La simplicité suffit à tout sage », « Chaleureuse coeur", "Argent fou", "Loups et moutons", "Forêt"), 3) des pièces qu'Ostrovsky lui-même appelait « des images de la vie de Moscou » et des « scènes de la vie de l'outback » : elles sont unies par le thème de « petites gens » (« Un vieil ami vaut mieux que deux nouveaux », « Jours difficiles », « Jokers » et la trilogie sur Balzaminov), 4) des pièces de chroniques historiques (« Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk », « Touchino », etc.), et enfin 5) les drames psychologiques (« La dot », « La dernière victime » et etc.). La pièce de conte de fées « The Snow Maiden » se démarque.
Les origines de la créativité d’Ostrovsky remontent à « l’école naturelle » des années 1840, bien que l’écrivain moscovite n’ait aucun lien organisationnel avec la communauté créative des jeunes réalistes de Saint-Pétersbourg. En commençant par la prose, Ostrovsky s'est vite rendu compte que sa véritable vocation était le théâtre. Les premières expériences en prose sont déjà « scéniques », malgré les descriptions les plus détaillées de la vie et des coutumes caractéristiques des essais de « l’école naturelle ». Par exemple, la base du premier essai, « L'histoire de la façon dont le directeur trimestriel a commencé à danser, ou un pas du grand au ridicule » (1843), est une scène anecdotique avec une intrigue complètement complète.
Le texte de cet essai a été utilisé dans le premier ouvrage publié - "Notes d'un résident de Zamoskvoretsky" (publié en 1847 dans le journal "Moscow City Listok"). C'est dans « Notes... » qu'Ostrovsky, appelé par ses contemporains « Colomb de Zamoskvorechye », découvrit un « pays » jusqu'alors inconnu dans la littérature, habité par des marchands, des petits-bourgeois et des petits fonctionnaires. « Jusqu'à présent, seules la position et le nom de ce pays étaient connus », note l'écrivain, « quant à ses habitants, c'est-à-dire leur mode de vie, leur langue, leurs mœurs, leurs coutumes, leur degré d'éducation, tout cela était couvert dans le les ténèbres de l’inconnu. Une excellente connaissance du matériel vital a aidé le prosateur Ostrovsky à créer une étude détaillée de la vie et de l'histoire des marchands, qui a précédé ses premières pièces sur les marchands. Dans « Notes d'un résident de Zamoskvoretsky », deux traits caractéristiques de l'œuvre d'Ostrovsky sont apparus : l'attention portée à l'environnement quotidien qui détermine la vie et la psychologie des personnages « écrits d'après le vivant », et le caractère particulier et dramatique de la représentation de la vie quotidienne. L'écrivain a pu voir dans les histoires ordinaires du quotidien un matériau potentiel et inutilisé pour un dramaturge. Les essais sur la vie de Zamoskvorechye ont été suivis par les premières pièces de théâtre.
Ostrovsky considérait le jour le plus mémorable de sa vie comme étant le 14 février 1847 : ce jour-là, lors d'une soirée avec le célèbre professeur slavophile S.P. Shevyrev, il lut sa première courte pièce « Image de famille ». Mais le véritable début du jeune dramaturge est la comédie "We Will Be Numbered Our Own People!" (le titre original était "Le Faillite"), sur lequel il travailla de 1846 à 1849. La censure du théâtre interdisa immédiatement la pièce, mais, comme "Woe from Wit" d'A.S. Griboïedov, elle devint immédiatement un événement littéraire majeur et fut un succès. lu dans les maisons de Moscou pendant l'hiver 1849/50. par l'auteur lui-même et les principaux acteurs - P.M. Sadovsky et M.S. En 1850, la comédie fut publiée par le magazine « Moskvityanin », mais ce n'est qu'en 1861 qu'elle fut mise en scène.
L'accueil enthousiaste réservé à la première comédie de la vie marchande n'était pas seulement dû au fait qu'Ostrovsky, « Colomb de Zamoskvorechye », utilisait complètement nouveau matériel, mais aussi par l'étonnante maturité de son talent dramatique. Ayant hérité des traditions du comédien Gogol, le dramaturge a en même temps clairement défini son point de vue sur les principes de représentation des personnages ainsi que sur l'intrigue et l'incarnation compositionnelle du matériel quotidien. La tradition gogolienne se ressent dans la nature même du conflit : la fraude du marchand Bolchov est le produit de la vie marchande, de la moralité propriétaire et de la psychologie des héros voyous. Bolynov se déclare en faillite, mais il s'agit d'une fausse faillite, résultat de sa conspiration avec le commis Podkhalyuzin. L'affaire s'est terminée de manière inattendue : le propriétaire, qui espérait augmenter son capital, a été trompé par le commis, qui s'est avéré être un escroc encore plus grand. En conséquence, Podkhalyuzin reçut à la fois la main de la fille du marchand Lipochka et un capital. Le principe Gogol est palpable dans l'homogénéité de l'univers comique de la pièce : il n'y a pas cadeaux, comme dans les comédies de Gogol, le seul « héros » de ce type peut être appelé le rire.
La principale différence entre la comédie d’Ostrovsky et les pièces de son grand prédécesseur réside dans le rôle intrigue comique et attitude envers elle personnages. Dans «Notre peuple…», il y a des personnages et des scènes entières qui non seulement ne sont pas nécessaires au développement de l'intrigue, mais qui, au contraire, la ralentissent. Cependant, ces scènes ne sont pas moins importantes pour comprendre l’œuvre que l’intrigue basée sur la prétendue faillite de Bolchov. Ils sont nécessaires pour mieux décrire la vie et les coutumes des commerçants, les conditions dans lesquelles se déroule l'action principale. Pour la première fois, Ostrovsky utilise une technique qui est répétée dans presque toutes ses pièces, notamment « L'Orage », « La Forêt » et « La Dot » - une longue exposition au ralenti. Certains personnages ne sont pas du tout introduits pour compliquer le conflit. Ces « personnalités de la situation » (dans la pièce « Notre peuple - soyons numérotés ! » - l'entremetteuse et Tishka) sont intéressantes en elles-mêmes, en tant que représentantes de l'environnement quotidien, des mœurs et des coutumes. Leur fonction artistique est similaire à celle des détails ménagers dans les œuvres narratives : ils complètent l'image du monde marchand par de petites touches colorées mais lumineuses.
Au quotidien, les choses familières n'intéressent pas moins le dramaturge Ostrovsky que quelque chose qui sort de l'ordinaire, par exemple l'arnaque de Bolchov et Podkhalyuzin. Il trouve un moyen efficace de décrire de manière dramaturgique la vie quotidienne, en utilisant au maximum les possibilités de la parole entendue sur scène. Les conversations entre mère et fille sur les tenues et les mariés, les querelles entre elles, les grognements de la vieille nounou traduisent parfaitement l'atmosphère habituelle d'une famille de marchands, la diversité des intérêts et des rêves de ces personnes. Le discours oral des personnages est devenu un « miroir » exact de la vie quotidienne et de la morale.
Ce sont les conversations des personnages sur des sujets quotidiens, comme « exclus » de l'action de l'intrigue, qui jouent un rôle exceptionnel dans toutes les pièces d'Ostrovsky : interrompant l'intrigue, s'en retirant, ils plongent le lecteur et le spectateur dans le monde de l'humain ordinaire. relations, où le besoin de communication verbale n'est pas moins important que le besoin de nourriture, de nourriture et de vêtements. Tant dans la première comédie que dans les pièces suivantes, Ostrovsky ralentit souvent délibérément le développement des événements, jugeant nécessaire de montrer à quoi pensent les personnages, sous quelle forme verbale leurs pensées sont exprimées. Pour la première fois dans le drame russe, les dialogues entre les personnages sont devenus un moyen important de caractérisation.
Certains critiques considéraient l’utilisation intensive des détails du quotidien comme une violation des lois de la scène. La seule justification, selon eux, pourrait être que l’aspirant dramaturge était le pionnier de la vie marchande. Mais cette « violation » est devenue la loi de la dramaturgie d'Ostrovsky : déjà dans la première comédie, il combinait la sévérité de l'intrigue avec de nombreux détails quotidiens et non seulement n'abandonna pas ce principe plus tard, mais le développa également, obtenant l'impact esthétique maximal des deux composants. de la pièce - une intrigue dynamique et des scènes « conversationnelles » statiques.
« Notre peuple, nous serons comptés ! » - une comédie accusatrice, une satire de la morale. Cependant, au début des années 1850. le dramaturge est venu à l'idée de la nécessité d'abandonner la critique des commerçants, du « sens accusateur ». Selon lui, la vision de la vie exprimée dans la première comédie était « jeune et trop dure ». Il justifie désormais une approche différente : un Russe doit se réjouir lorsqu'il se voit sur scène et ne pas être triste. "Il y aura des correcteurs même sans nous", a souligné Ostrovsky dans l'une de ses lettres. - Pour avoir le droit de corriger les gens sans les offenser, vous devez leur montrer que vous connaissez le bon en eux ; C’est ce que je fais désormais, allier le sublime au comique. » Selon lui, les idéaux populaires, les vérités acquises par le peuple russe au cours de plusieurs siècles de développement spirituel, sont « élevés ».
Le nouveau concept de créativité a rapproché Ostrovsky des jeunes employés du magazine Moskvityanin (publié par le célèbre historien M.P. Pogodin). Dans les travaux de l'écrivain et critique A.A. Grigoriev, le concept de « solisme », un mouvement idéologique influent des années 1850-1860, s'est formé. La base du « pochvennichestvo » est l’attention portée aux traditions spirituelles du peuple russe, aux formes de vie et de culture traditionnelles. Les marchands étaient particulièrement intéressants pour les « jeunes rédacteurs » de « Moskvityanin » : après tout, cette classe a toujours été financièrement indépendante et n'a pas subi l'influence pernicieuse du servage, que les « gens du sol » considéraient comme la tragédie du peuple russe. C'est dans le milieu marchand, de l'avis des « Moscovites », qu'il faut rechercher de véritables idéaux moraux développés par le peuple russe, non déformés par l'esclavage, comme la paysannerie serf, et la séparation du « sol » populaire, comme la noblesse. Dans la première moitié des années 1850. Ostrovsky a été fortement influencé par ces idées. De nouveaux amis, notamment A.A. Grigoriev, le poussèrent à exprimer le « point de vue russe indigène » dans ses pièces sur les marchands.
Dans les pièces de la période de créativité « moscovite » - « Ne montez pas dans votre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice » et « Ne vivez pas comme vous le souhaitez » - l'attitude critique d'Ostrovsky envers les marchands n'a pas disparu , mais a été grandement adouci. Une nouvelle tendance idéologique a émergé : le dramaturge a dépeint la morale des marchands modernes comme un phénomène historiquement changeant, essayant de découvrir ce qui a été préservé dans cet environnement de la riche expérience spirituelle accumulée par le peuple russe au fil des siècles, et ce qui a été déformé ou disparu. .
L’un des sommets de la créativité d’Ostrovsky est la comédie « La pauvreté n’est pas un vice », dont l’intrigue est basée sur un conflit familial. Gordey Tortsov, un marchand tyran impérieux, prédécesseur de Dikiy de Groza, rêve de marier sa fille Lyuba à African Korshunov, un marchand d'une nouvelle formation « européenne ». Mais son cœur appartient à quelqu'un d'autre : le pauvre employé Mitya. Le frère de Gordey, Lyubim Tortsov, aide à rompre le mariage avec Korshunov, et le père tyran, dans un accès de colère, menace de donner sa fille rebelle en mariage à la première personne qu'il rencontre. Par une heureuse coïncidence, il s’est avéré que c’était Mitya. Pour Ostrovsky, une intrigue comique réussie n'est qu'une « coquille » événementielle qui aide à comprendre le véritable sens de ce qui se passe : le choc de la culture populaire avec la « semi-culture » qui s'est développée parmi la classe marchande sous l'influence de la mode " pour l’Europe. » Le représentant de la fausse culture marchande dans la pièce est Korshunov, le défenseur du principe patriarcal du « sol » - Lyubim Tortsov, le personnage central de la pièce.
On aime Tortsov, un ivrogne qui défend les valeurs morales, attire le spectateur par sa bouffonnerie et sa bêtise. Tout le cours des événements de la pièce dépend de lui ; il aide tout le monde, notamment en favorisant le « rétablissement » moral de son frère tyran. Ostrovsky le présentait comme le personnage le plus « russe » de tous. Il n'a aucune prétention à l'éducation, comme Gordey, il pense simplement de manière sensée et agit selon sa conscience. Du point de vue de l’auteur, cela suffit amplement pour se démarquer du milieu marchand, pour devenir « notre homme de scène ».
L'écrivain lui-même croyait qu'une noble impulsion est capable de révéler chez chaque personne des qualités morales simples et claires : la conscience et la gentillesse. Il opposait l’immoralité et la cruauté de la société moderne à la moralité « patriarcale » russe, de sorte que le monde des pièces de théâtre de la période « moscovite », malgré la précision habituelle d’Ostrovsky sur « l’instrumentation quotidienne », est largement conventionnel et même utopique. La principale réalisation du dramaturge a été sa version d'un personnage folklorique positif. L'image du héraut ivre de la vérité, Lyubim Tortsov, n'a en aucun cas été créée selon des pochoirs fatigués. Ce n’est pas une illustration des articles de Grigoriev, mais une image artistique à part entière; ce n’est pas pour rien que le rôle de Lyubim Tortsov a attiré des acteurs de plusieurs générations.
Dans la seconde moitié des années 1850. Ostrovsky revient sans cesse sur le thème des marchands, mais son attitude envers cette classe a changé. Il prend du recul par rapport aux idées « moscovites », revenant sur de vives critiques contre la rigidité du milieu marchand. L'image vivante du tyran marchand Tit Titych (« Kita Kitych ») Bruskov, dont le nom est devenu un nom familier, a été créée dans la comédie satirique « Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois » (1856). Cependant, Ostrovsky ne s’est pas limité à « la satire des visages ». Ses généralisations sont devenues plus larges : la pièce dépeint un mode de vie qui résiste farouchement à tout ce qui est nouveau. Selon le critique N.A. Dobrolyubov, il s'agit d'un « royaume des ténèbres » qui vit selon ses propres lois cruelles. Défendant hypocritement le patriarcat, les tyrans défendent leur droit à l’arbitraire illimité.
La gamme thématique des pièces d'Ostrovsky s'est élargie et des représentants d'autres classes et groupes sociaux sont entrés dans son champ de vision. Dans la comédie "Profitable Place" (1857), il se tourna pour la première fois vers l'un des thèmes préférés des comédiens russes - la représentation satirique de la bureaucratie, et dans la comédie "L'Élève" (1858), il découvrit la vie d'un propriétaire foncier. Dans les deux œuvres, les parallèles avec les pièces de théâtre « marchandes » sont facilement visibles. Ainsi, le héros de "Un endroit rentable" Zhadov, dénonciateur de la corruption des fonctionnaires, est typologiquement proche du chercheur de vérité Lyubim Tortsov, et des personnages de "L'Élève" - le tyran propriétaire foncier Oulanbekova et sa victime, l'élève Nadya - ressemblent aux personnages des premières pièces d'Ostrovsky et de la tragédie "L'Orage" écrite un an plus tard " : Kabanikha et Katerina.
Résumant les résultats de la première décennie de l'œuvre d'Ostrovsky, A.A. Grigoriev, qui contestait l'interprétation de Dobrolyubov d'Ostrovsky comme un dénonciateur des tyrans et du « royaume des ténèbres », a écrit : « Le nom de cet écrivain, d'un si grand écrivain, malgré ses défauts, n'est pas un satiriste, mais un poète national. Le mot qui donne des indices sur ses activités n’est pas « tyrannie », mais « nationalité ». Seul ce mot peut être la clé pour comprendre ses œuvres. Tout le reste – plus ou moins étroit, plus ou moins théorique, arbitraire – restreint le cercle de sa créativité.
« L’Orage » (1859), qui faisait suite à trois comédies accusatrices, devint le summum du drame d’avant la réforme d’Ostrovsky. Revenant à la représentation des marchands, l'écrivain crée la première et la seule tragédie sociale de son œuvre.
Les œuvres d'Ostrovsky des années 1860-1880. exceptionnellement diversifié, bien que dans sa vision du monde vues esthétiques il n'y a pas eu de fluctuations aussi brusques qu'avant 1861. La dramaturgie d'Ostrovsky étonne par l'ampleur shakespearienne des problèmes et la perfection classique des formes artistiques. On peut noter deux tendances principales qui se sont clairement manifestées dans ses pièces : le renforcement du son tragique des intrigues comiques traditionnelles pour l'écrivain et la croissance du contenu psychologique des conflits et des personnages. Le « Théâtre Ostrovsky », déclaré « dépassé », « conservateur » par les dramaturges de la « nouvelle vague » dans les années 1890 et 1900, développait en fait précisément les tendances qui devinrent dominantes dans le théâtre du début du XXe siècle. Ce n’est pas du tout un hasard si, à commencer par « L’Orage », les pièces quotidiennes et moralement descriptives d’Ostrovsky étaient riches en symboles philosophiques et psychologiques. Le dramaturge a ressenti avec acuité l'insuffisance du réalisme scénique « quotidien ». Sans violer les lois naturelles de la scène, en maintenant la distance entre acteurs et spectateurs - base des fondements du théâtre classique, il se rapproche dans ses meilleures pièces de la sonorité philosophique et tragique des romans créés dans les années 1860-1870. ses contemporains Dostoïevski et Tolstoï, à la sagesse et à la force organique de l'artiste, dont Shakespeare fut pour lui un modèle.
Les aspirations innovantes d'Ostrovsky sont particulièrement visibles dans ses comédies satiriques et ses drames psychologiques. Quatre comédies sur la vie de la noblesse post-réforme - "Assez de simplicité pour chaque sage", "Loups et moutons", "Mad Money" et "Forest" - sont reliées par un thème commun. Le sujet du ridicule satirique en eux est la soif incontrôlable de profit, qui s'emparait à la fois des nobles, qui avaient perdu leur point d'appui - le travail forcé des serfs et de « l'argent fou », et des gens d'une nouvelle formation, des hommes d'affaires, amassant leur capitale sur les ruines du servage effondré.
Les comédies créent des images vivantes de « gens d’affaires » pour qui « l’argent n’a pas d’odeur » et pour qui la richesse devient le seul objectif de la vie. Dans la pièce «La simplicité suffit à chaque homme sage» (1868), une personne telle que le noble pauvre Glumov est apparu, qui rêve traditionnellement de recevoir un héritage, une épouse riche et une carrière. Son cynisme et son sens des affaires ne contredisent pas le mode de vie de la vieille bureaucratie noble : il est lui-même un vilain produit de cet environnement. Glumov est intelligent par rapport à ceux à qui il est obligé de se plier - Mamaev et Krutitsky, il n'hésite pas à se moquer de leur stupidité et de leur fanfaronnade, il est capable de se voir de l'extérieur. "Je suis intelligent, en colère, envieux", avoue Glumov. Il ne recherche pas la vérité, mais profite simplement de la bêtise des autres. Ostrovsky montre un nouveau phénomène social caractéristique de la Russie d’après-réforme : ce ne sont pas la « modération et la précision » des Molchalin qui conduisent à « l’argent fou », mais l’esprit caustique et le talent des Chatsky.
Dans la comédie « Mad Money » (1870), Ostrovsky poursuit sa « Chronique de Moscou ». Egor Glumov y réapparaît avec ses épigrammes « pour tout Moscou », ainsi qu'un kaléidoscope de types satiriques de Moscou : des mondains qui ont vécu plusieurs fortunes, des dames prêtes à devenir les servantes des « millionnaires », des amateurs d'alcool gratuit. , bavards et voluptueux. Le dramaturge a dressé le portrait satirique d’un mode de vie dans lequel l’honneur et l’intégrité sont remplacés par un désir effréné d’argent. L'argent détermine tout : les actions et le comportement des personnages, leurs idéaux et leur psychologie. Le personnage central de la pièce est Lydia Cheboksarova, qui met en vente sa beauté et son amour. Elle ne se soucie pas de savoir qui être – une épouse ou une femme entretenue. L’essentiel est de choisir un sac d’argent plus épais : après tout, selon elle, « on ne peut pas vivre sans or ». L’amour corrompu de Lydia dans « Mad Money » est le même moyen d’obtenir de l’argent que l’esprit de Glumov dans la pièce « La simplicité suffit à tout homme sage ». Mais l'héroïne cynique, qui choisit une victime plus riche, se retrouve elle-même dans une position stupide : elle épouse Vasilkov, séduite par les ragots sur ses mines d'or, est trompée par Telyatev, dont la fortune n'est qu'un mythe, ne dédaigne pas les caresses de " papa" Kuchumov, le faisant perdre de l'argent. Le seul antipode des attrapeurs « d'argent fou » dans la pièce est le « noble » homme d'affaires Vasilkov, qui parle d'argent « intelligent », obtenu par un travail honnête, économisé et dépensé judicieusement. Ce héros est le nouveau type de bourgeois « honnête » deviné par Ostrovsky.
La comédie « La Forêt » (1871) est consacrée à la littérature populaire russe des années 1870. le thème de l'extinction des « nids nobles » dans lesquels vivaient les « derniers Mohicans » de l'ancienne noblesse russe.
L'image de la « forêt » est l'une des plus vastes images symboliques Ostrovski. La forêt n'est pas seulement le décor dans lequel se déroulent les événements dans le domaine, situé à huit kilomètres du chef-lieu du district. C'est l'objet d'un accord entre la vieille dame Gurmyzhskaya et le marchand Vosmibratov, qui rachète leurs terres ancestrales à des nobles pauvres. La forêt est un symbole du désert spirituel : le domaine forestier « Penki » n'atteint presque pas le renouveau des capitales, le « silence séculaire » règne ici encore. Signification psychologique Le symbole devient clair si l'on met en corrélation la « forêt » avec la « forêt sauvage » de sentiments grossiers et d'actions immorales des habitants de la « forêt noble », à travers laquelle la noblesse, la chevalerie et l'humanité ne peuvent pas percer. «... - Et vraiment, frère Arkady, comment sommes-nous entrés dans cette forêt, dans cette forêt dense et humide ? - dit le tragédien Neschastlivtsev à la fin de la pièce, - Pourquoi, frère, avons-nous effrayé les hiboux et les hiboux ? Pourquoi les déranger ? Laissez-les vivre comme ils veulent ! Tout va bien ici, mon frère, comme il se doit dans la forêt. Les vieilles femmes épousent des lycéens, les jeunes filles se noient de la vie amère avec leurs proches : forêt, frère » (D. 5, Rév. IX).
"La Forêt" est une comédie satirique. La comédie se manifeste dans une variété de situations d'intrigue et de tournures d'action. Le dramaturge a créé, par exemple, un petit dessin animé social très actuel : des personnages presque gogoliens discutent du thème des activités des zemstvos, populaires à l'époque post-réforme - le sombre propriétaire terrien misanthrope Bodaev, qui rappelle Sobakevich, et Milonov, aussi beau- cœur comme Manilov. Cependant, l’objet principal de la satire d’Ostrovsky est la vie et les coutumes de la « forêt noble ». La pièce utilise un dispositif d'intrigue éprouvé - l'histoire du pauvre élève Aksyusha, qui est opprimé et humilié par le « bienfaiteur » hypocrite Gurmyzhskaya. Elle parle constamment de son veuvage et de sa pureté, même si en réalité elle est vicieuse, voluptueuse et vaniteuse. Les contradictions entre les affirmations de Gurmyzhskaya et la véritable essence de son personnage sont à l’origine de situations comiques inattendues.
Dans le premier acte, Gurmyzhskaya fait une sorte de spectacle : pour démontrer sa vertu, elle invite ses voisins à signer un testament. Selon Milonov, « Raisa Pavlovna décore toute notre province de la sévérité de sa vie ; notre atmosphère morale, pour ainsi dire, évoque ses vertus. "Nous avions tous peur de votre vertu ici", répète Bodaev, rappelant qu'ils attendaient son arrivée au domaine il y a plusieurs années. Dans le cinquième acte, les voisins découvrent la métamorphose inattendue survenue avec Gurmyzhskaya. Une dame d'une cinquantaine d'années, qui parlait nonchalamment de pressentiments et de mort imminente (« si je ne meurs pas aujourd'hui, pas demain, au moins bientôt »), annonce sa décision d'épouser un lycéen décrocheur, Alexis Boulanov. Elle considère le mariage comme un sacrifice de soi, « afin d’organiser la succession et pour qu’elle ne tombe pas entre de mauvaises mains ». Cependant, les voisins ne remarquent pas la comédie dans le passage du testament mourant à l'union matrimoniale de la « vertu inébranlable » avec « la tendre et jeune branche de la noble pépinière ». « C'est un exploit héroïque ! Tu es une héroïne ! - s'exclame pathétiquement Milonov, admirant la matrone hypocrite et dépravée.
Un autre nœud de l'intrigue comique est l'histoire de mille roubles. L'argent circulait en cercle, ce qui permettait d'ajouter des touches importantes aux portraits de personnes diverses. Le marchand Vosmibratov a tenté d'empocher mille dollars en payant le bois acheté. Neschastlivtsev, après avoir rassuré et « provoqué » le commerçant (« l'honneur est infini. Et vous ne l'avez pas »), l'a incité à restituer l'argent. Gurmyzhskaya a donné mille « égarés » à Boulanov pour une robe, puis le tragédien, menaçant le malheureux jeune avec un faux pistolet, a emporté l'argent, avec l'intention de le dépenser pour une virée avec Arkady Schastlivtsev. En fin de compte, les milliers sont devenus la dot d'Aksyusha et... sont retournés à Vosmibratov.
La situation comique tout à fait traditionnelle du « métamorphe » a permis d'opposer la sinistre comédie des habitants de la « forêt » à une grande tragédie. Le pathétique « comédien » Neschastlivtsev, le neveu de Gurmyzhskaya, s'est avéré être un fier romantique qui regarde sa tante et ses voisins à travers les yeux d'un homme noble, choqué par le cynisme et la vulgarité des « hiboux et hiboux ». Ceux qui le traitent avec mépris, le considérant comme un perdant et un renégat, se comportent comme de mauvais acteurs et des plaisanteries ordinaires. « Des comédiens ? Non, nous sommes des artistes, des artistes nobles, et vous êtes des comédiens », leur lance avec colère Neschastlivtsev. - Si on aime, on aime ; si nous n’aimons pas, nous nous disputons ou nous battons ; Si nous aidons, c’est avec notre dernier centime. Et toi? Toute votre vie, vous parlez du bien de la société, de l'amour de l'humanité. Qu'est-ce que tu as fait? Qui as-tu nourri ? Qui a été consolé ? Vous ne vous amusez que vous-même, vous vous amusez. Vous êtes des comédiens, des bouffons, pas nous » (D. 5, Rév. IX).
Ostrovsky oppose la farce grossière jouée par Gurmyzhsky et Boulanov à la perception véritablement tragique du monde que représente Neschastlivtsev. Au cinquième acte, la comédie satirique se transforme : si auparavant le tragédien se comportait de manière démonstrative avec les « clowns » de manière bouffonne, soulignant son mépris pour eux, ironisant avec méchanceté leurs actes et leurs paroles, alors dans le final de la pièce la scène, sans cesser d'être un espace d'action comique, se transforme en théâtre tragique d'un acteur, qui commence son monologue final en artiste « noble », pris pour un bouffon, et se termine en « noble voleur » du drame de F. Schiller - pour reprendre les mots célèbres de Karl Moor. La citation de Schiller parle encore de la « forêt », ou plus précisément de tous les « habitants sanguinaires des forêts ». Leur héros voudrait « faire rage contre cette génération infernale » qu’il a rencontrée dans le domaine noble. La citation, non reconnue par les auditeurs de Neschastlivtsev, souligne le sens tragi-comique de ce qui se passe. Après avoir écouté le monologue, Milonov s'exclame : "Mais excusez-moi, vous pouvez être tenu responsable de ces propos !" « Oui, juste au policier. Nous en sommes tous témoins », répond Boulanov, « né pour commander », comme en écho.
Neschastlivtsev est un héros romantique, il y a beaucoup en lui de Don Quichotte, le « chevalier de l'image triste ». Il s’exprime pompeusement, théâtralement, comme s’il ne croyait pas au succès de sa bataille contre les « moulins à vent ». "Où peux-tu me parler", Neschastlivtsev s'adresse à Milonov. "Je me sens et je parle comme Schiller, et toi comme un employé." Jouant comiquement sur les mots que Karl Moor vient de prononcer à propos des « habitants assoiffés de sang de la forêt », il rassure Gurmyzhskaya, qui a refusé de lui tendre la main pour un baiser d'adieu : « Je ne mordrai pas, n'aie pas peur. Tout ce qu'il peut faire, c'est s'éloigner des gens qui, à son avis, sont pires que les loups : « Donne-moi un coup de main, camarade ! (Il donne la main à Schastlivtsev et s'en va). Derniers mots et le geste de Neschastlivtsev est symbolique : il tend la main à son camarade, le « comédien », et se détourne fièrement des habitants de la « forêt noble » avec lesquels il n'est pas sur le même chemin.
Le héros de « La Forêt » est l'un des premiers de la littérature russe à « éclater », « enfants prodigues » de sa classe. Ostrovsky n'idéalise pas Neschastlivtsev, soulignant ses défauts quotidiens : lui, comme Lyubim Tortsov, n'hésite pas à faire la fête, est enclin à la supercherie et se comporte comme un gentleman arrogant. Mais l’essentiel est que c’est Neschastlivtsev, l’un des héros les plus appréciés du théâtre d’Ostrovsky, qui exprime de hauts idéaux moraux, complètement oubliés des bouffons et des pharisiens du domaine forestier. Ses idées sur l'honneur et la dignité d'une personne sont proches de l'auteur lui-même. Comme pour briser le « miroir » de la comédie, Ostrovsky, par la bouche d'un tragédien provincial au triste nom de famille Neschastlivtsev, a voulu rappeler aux gens le danger du mensonge et de la vulgarité, qui remplacent facilement la vraie vie.
L’un des chefs-d’œuvre d’Ostrovsky, le drame psychologique « La dot » (1878), comme beaucoup de ses œuvres, est une pièce de « marchand ». La première place y est occupée par les motifs favoris du dramaturge (l'argent, le commerce, le « courage » des marchands), types traditionnels que l'on retrouve dans presque chacune de ses pièces (des marchands, un fonctionnaire mineur, une fille en âge de se marier et sa mère, essayant de "vendre" sa fille plus cher, un acteur provincial). L'intrigue ressemble également à des intrigues précédemment utilisées : plusieurs rivaux se battent pour Larisa Ogudalova, chacun ayant son propre « intérêt » pour la fille.
Cependant, contrairement à d'autres œuvres, par exemple la comédie "Forest", dans laquelle le pauvre élève Aksyusha n'était qu'un "personnage de la situation" et ne prenait pas une part active aux événements, l'héroïne de "Dowry" - personnage central pièces. Larisa Ogudalova n'est pas seulement une belle « chose », mise sans vergogne aux enchères par sa mère Kharita Ignatievna et « achetée » par de riches marchands de la ville de Bryakhimov. C'est une personne richement douée, pensante, ressentant profondément, comprenant l'absurdité de sa situation, et en même temps une nature contradictoire, essayant de faire « d'une pierre deux coups » : elle veut à la fois un grand amour et de la richesse, belle vie. Il combine idéalisme romantique et rêves de bonheur bourgeois.
La principale différence entre Larisa et Katerina Kabanova, à qui elle est souvent comparée, est la liberté de choix. Elle doit elle-même faire son choix : devenir la femme entretenue du riche marchand Knurov, une participante aux divertissements audacieux du « brillant maître » Paratov, ou l'épouse d'un fier néant - un fonctionnaire « ambitieux » Karandyshev. La ville de Briakhimov, comme Kalinov dans « L’Orage », est aussi une ville « sur la haute rive de la Volga », mais elle n’est plus le « royaume des ténèbres » d’une force tyrannique et maléfique. Les temps ont changé : les « nouveaux Russes » éclairés de Briakhimov n'épousent pas des filles dotées d'une dot, mais les achètent. L'héroïne elle-même peut décider de participer ou non à la vente aux enchères. Tout un « défilé » de prétendants passe devant elle. Contrairement à Katerina, sans contrepartie, l’opinion de Larisa n’est pas négligée. En un mot, les « derniers temps » que Kabanikha redoutait tant sont arrivés : l’ancien « ordre » s’est effondré. Larisa n'a pas besoin de supplier son fiancé Karandyshev, comme Katerina l'a supplié Boris (« Emmène-moi avec toi d'ici ! »). Karandyshev lui-même est prêt à l'éloigner des tentations de la ville - dans la lointaine Zabolotye, où il veut devenir juge de paix. Le marais, que sa mère imagine comme un endroit où il n'y a que la forêt, le vent et les loups hurlants, semble à Larisa comme une idylle de village, une sorte de « paradis » marécageux, un « coin tranquille ». Dans le destin dramatique de l'héroïne, l'historique et le quotidien, la tragédie de l'amour inassouvi et de la farce bourgeoise s'entremêlent, un drame psychologique subtil et un vaudeville pathétique. Le motif principal de la pièce n’est pas le pouvoir de l’environnement et des circonstances, comme dans « L’Orage », mais le motif de la responsabilité de l’homme dans son destin.
"La Dot" est avant tout un drame sur l'amour : c'est l'amour qui est devenu la base de l'intrigue et la source des contradictions internes de l'héroïne. L'amour dans la « dot » est un concept symbolique à valeurs multiples. "Je cherchais l'amour et je ne l'ai pas trouvé" - telle est la conclusion amère que tire Larisa à la fin de la pièce. Elle veut dire amour-sympathie, amour-compréhension, amour-pitié. Dans la vie de Larisa l'amour vrai remplacé « l’amour » mis en vente, l’amour comme marchandise. Le marchandage dans la pièce est précisément à cause d'elle. Seuls ceux qui ont plus d’argent peuvent acheter un tel « amour ». Pour les marchands « européanisés » Knurov et Vozhevatov, l’amour de Larisa est un objet de luxe qui s’achète pour meubler leur vie avec un chic « européen ». La mesquinerie et la prudence de ces « enfants » de Dikiy ne se manifestent pas par des jurons désintéressés pour un sou, mais par de vilains marchandages amoureux.
Sergei Sergeevich Paratov, le plus extravagant et le plus imprudent parmi les marchands représentés dans la pièce, est un personnage parodique. Il s’agit du « marchand Péchorine », un idole qui a un penchant pour les effets mélodramatiques. Il considère sa relation avec Larisa Ogudalova comme une expérience amoureuse. "Je veux savoir combien de temps une femme oublie son être cher passionnément : le lendemain de sa séparation, une semaine ou un mois plus tard", avoue Paratov. L’amour, selon lui, ne convient qu’« à un usage domestique ». Le « voyage sur l’île de l’amour » de Paratov avec la dot de Larisa fut de courte durée. Elle a été remplacée par des réjouissances bruyantes avec des gitans et un mariage avec une riche épouse, ou plutôt sa dot - des mines d'or. « Moi, Mokiy Parmenych, je n'ai rien de précieux ; Si je trouve un profit, je vendrai tout, comme je veux», tel est le principe de vie de Paratov, le nouveau «héros de notre temps» aux habitudes d'un employé brisé d'un magasin de mode.
Le fiancé de Larisa, l'« excentrique » Karandyshev, qui est devenu son assassin, est une personne pitoyable, comique et en même temps sinistre. Il mélange les « couleurs » de diverses images scéniques dans une combinaison absurde. Il s'agit d'une caricature d'Othello, une parodie d'un voleur « noble » (lors d'une soirée costumée « il s'est déguisé en voleur, a pris une hache dans ses mains et a jeté des regards brutaux sur tout le monde, surtout Sergei Sergeich ») et en même temps autrefois un « philistin parmi la noblesse ». Son idéal est une « calèche avec musique », un appartement luxueux et des dîners. Il s'agit d'un fonctionnaire ambitieux qui s'est retrouvé à une fête marchande tumultueuse, où il a reçu un prix immérité - la belle Larisa. L'amour de Karandyshev, le marié « de rechange », est amour-vanité, amour-protection. Pour lui, Larisa est aussi une « chose » dont il se vante et la présente à toute la ville. L'héroïne de la pièce elle-même perçoit son amour comme une humiliation et une insulte : « Comme tu me dégoûtes, si tu savais !... Pour moi, l'insulte la plus grave est ton patronage ; Je n’ai reçu aucune autre insulte de la part de qui que ce soit.
Le trait principal qui apparaît dans l’apparence et le comportement de Karandyshev est assez « tchékhovien » : c’est la vulgarité. C'est cette caractéristique qui donne à la figure du fonctionnaire une saveur sombre et inquiétante, malgré sa médiocrité par rapport aux autres acteurs du marché de l'amour. Larisa n'est pas tuée par l'« Othello » provincial, non par le comédien pathétique qui change facilement de masque, mais par la vulgarité qu'il incarne, qui - hélas ! - est devenu pour l'héroïne la seule alternative au paradis amoureux.
Pas un seul trait psychologique chez Larisa Ogudalova n’est parvenu à son terme. Son âme est remplie d'impulsions et de passions sombres et vagues qu'elle-même ne comprend pas pleinement. Elle n'est pas capable de faire un choix, d'accepter ou de maudire le monde dans lequel elle vit. En pensant au suicide, Larisa n'a jamais pu se jeter dans la Volga, comme Katerina. Contrairement à l'héroïne tragique de "L'Orage", elle n'est qu'une participante à un drame vulgaire. Mais le paradoxe de la pièce est que c'est précisément la vulgarité qui a tué Larisa et qui, dans les derniers instants de sa vie, a fait d'elle une héroïne tragique, s'élevant au-dessus de tous les personnages. Personne ne l'a aimé comme elle le souhaiterait, mais elle meurt avec des paroles de pardon et d'amour, envoyant un baiser aux personnes qui l'ont presque forcée à renoncer à la chose la plus importante de sa vie : l'amour : « Tu dois vivre, mais je besoin de vivre. Je ne me plains de personne, je ne m'offusque de personne... vous êtes tous de bonnes personnes... Je vous aime tous... tout le monde... » (Envoie un baiser). Ce dernier soupir tragique de l'héroïne n'a été répondu que par un « chœur bruyant de gitans », symbole de tout le mode de vie « gitan » dans lequel elle vivait.
Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky
Ostrovsky Alexander Nikolaevich (1823, Moscou - 1886, domaine Shchelykovo, province de Kostroma) - dramaturge. Genre. dans la famille d'un fonctionnaire de justice.
Après avoir reçu une éducation sérieuse à la maison, il obtient son diplôme d'études secondaires et entre en 1840 à la faculté de droit de Moscou.
Université, d'où il quitta sans terminer ses cours en 1843. Il entra au service des institutions judiciaires, ce qui permit à O. de rassembler du matériel vivant pour ses pièces de théâtre. Malgré des difficultés sans fin avec la censure, Ostrovsky a écrit environ 50 pièces de théâtre (les plus célèbres sont « Lieux rentables », « Loups et moutons », « Orage », « Forêt », « Dot »), créant une toile artistique grandiose illustrant la vie de divers classes de Russie au deuxième siècle. XIXème siècle Il a été l'un des organisateurs du Cercle Artistique, Society -Rus. auteurs dramatiques et compositeurs d'opéra, ont fait beaucoup pour améliorer la situation du théâtre en Russie. En 1866, peu avant sa mort, Ostrovsky dirigea la partie répertoire des éviers. théâtres L’importance des activités d’Ostrovsky fut reconnue par ses contemporains. I.A. Gontcharov lui a écrit : « Vous seul avez achevé le bâtiment dont les fondations ont été posées par Fonvizine, Griboïedov, Gogol. Mais seulement après vous, nous, les Russes, pouvons dire avec fierté : « Nous avons notre propre théâtre national russe. en toute honnêteté, , devrait s'appeler "Théâtre Ostrovsky".
Matériel de livre utilisé : Shikman A.P.
Extrait de : Histoire mondiale. Tome VI. M., 1959, p. 670.
OSTROVSKY Alexandre Nikolaïevitch (1823 - 1886), dramaturge. Né le 31 mars (12 avril n.s.) à Moscou dans la famille d'un fonctionnaire noble. Ses années d'enfance se sont déroulées à Zamoskvorechye, un quartier commerçant et bourgeois de Moscou. Il a reçu une bonne éducation à la maison, étudiant les langues étrangères depuis son enfance. Par la suite, il connut le grec, le français, l'allemand et plus tard l'anglais, l'italien et l'espagnol.
À l'âge de 12 ans, il fut envoyé au 1er gymnase de Moscou, dont il sortit diplômé en 1840 et entra à la Faculté de droit de l'Université de Moscou (1840 - 43). J'ai écouté les conférences de professeurs aussi avancés que T. Granovsky, M. Pogodin. Le désir de créativité littéraire coïncide avec une passion pour le théâtre, sur les scènes duquel se produisaient à cette époque les grands acteurs M. Shchepkin et P. Mochalov.
Ostrovsky quitte l'université - il ne s'intéresse plus aux sciences juridiques et décide d'étudier sérieusement la littérature. Mais, sur l'insistance de son père, il entra au service du Tribunal de Conscience de Moscou. Le travail au tribunal a donné au futur dramaturge un riche matériel pour ses pièces.
En 1849, la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés !" est écrite, qui fait connaître l'auteur, même si elle n'apparaît sur scène que 11 ans plus tard (elle est interdite par Nicolas 1er et Ostrovsky est placé sous surveillance policière). Inspiré par le succès et la reconnaissance, Ostrovsky a écrit une, et parfois plusieurs pièces de théâtre chaque année, créant ainsi tout un « Théâtre Ostrovsky », comprenant 47 pièces de genres différents.
En 1850, il devient employé de la revue « Moskvityanin » et entre dans le cercle des écrivains, acteurs, musiciens et artistes. Ces années ont donné au dramaturge beaucoup de créativité. A cette époque, « Le matin d'un jeune homme » et « Un incident inattendu » (1850) sont écrits.
En 1851, Ostrovsky quitte le service pour consacrer tout son temps et son énergie à la créativité littéraire.
Poursuivant les traditions accusatrices de Gogol, il écrit les comédies « La pauvre mariée » (1851), « Les personnages ne correspondent pas » (1857).
Mais en 1853, abandonnant la vision « dure » de la vie russe, il écrit à Pogodine : « Il vaut mieux pour un Russe se réjouir lorsqu'il se voit sur scène que d'être triste, même sans nous, on trouvera des correcteurs. Suivent les comédies : « Ne monte pas dans ton propre traîneau » (1852), « La pauvreté n'est pas un vice » (1853), « Ne vis pas comme tu veux » (1854). N. Chernyshevsky a reproché au dramaturge la fausseté idéologique et artistique de sa nouvelle position. Ostrovsky participa à une expédition organisée par le ministère maritime pour étudier la vie et les métiers de la population liés aux rivières et à la navigation (1856). Il fit un voyage le long de la Volga, depuis ses sources jusqu'à Nijni Novgorod, au cours duquel il prit des notes détaillées et étudia la vie de la population locale.
En 1855-60, dans la période précédant la réforme, il se rapproche des démocrates révolutionnaires, parvient à une sorte de « synthèse », revenant à la dénonciation des « dirigeants » et à l'opposition de son « petit peuple » avec eux. Les pièces suivantes parurent : « Il y a une gueule de bois au festin de quelqu'un d'autre » (1855), « Un endroit rentable » (1856), « Le jardin d'enfants » (1858), « L'orage » (1859). Dobrolyubov a apprécié avec enthousiasme le drame "L'Orage", consacrant l'article "Un rayon de lumière dans" (1860).
royaume des ténèbres Dans les années 1860, Ostrovsky se tourna vers le drame historique, considérant de telles pièces nécessaires dans le répertoire du théâtre : les chroniques « Touchino » (1867), « Dmitry le prétendant et Vassili Chouïski
", drame psychologique "Vasilisa Melentyeva" (1868).
Dans les années 1870, il dépeint la vie de la noblesse post-réforme : « La simplicité suffit à tout sage », « L'argent fou » (1870), « La Forêt » (1871), « Les loups et les moutons » (1875). Une place particulière est occupée par la pièce «La Fille des neiges» (1873), qui exprime le début lyrique de la dramaturgie d'Ostrovsky.
Au cours de la dernière période de créativité, toute une série de pièces de théâtre ont été écrites consacrées au sort des femmes dans les conditions de la Russie entrepreneuriale 1870-80 : « La dernière victime », « La dot », « Le cœur n'est pas une pierre », « Les talents et admirateurs », « Coupables sans culpabilité », etc. Matériaux utilisés du livre : écrivains et poètes russes. Bref dictionnaire biographique
. Moscou, 2000.
Ostrovsky Alexander Nikolaevich (31.03.1823-2.06.1886), dramaturge, figure de théâtre. Né à Moscou à Zamoskvorechye - un quartier commerçant et philistin-bureaucratique de Moscou. Le père est un fonctionnaire, fils d'un prêtre, diplômé de l'académie de théologie, entré dans la fonction publique et reçu plus tard la noblesse. Mère - issue du clergé pauvre, se distinguait, outre la beauté, par de hautes qualités spirituelles, mourut prématurément (1831) ; La belle-mère d'Ostrovsky, issue d'une vieille famille noble de Suédois russifiés, a transformé la vie patriarcale de la famille Zamoskvoretsky en une voie noble, s'est occupée de la bonne éducation à domicile de ses enfants et de ses beaux-enfants, pour laquelle la famille disposait des revenus nécessaires. Son père, en plus de la fonction publique, exerçait une pratique privée et, en 1841, après avoir pris sa retraite, il devint avocat juré au tribunal de commerce de Moscou. En 1840, Ostrovsky est diplômé du 1er gymnase de Moscou, qui était à l'époque un établissement d'enseignement secondaire exemplaire à vocation humanitaire. En 1840-43, il étudia à la Faculté de droit de l'Université de Moscou, où enseignaient à cette époque M. P. Pogodin, T. N. Granovsky et P. G. Redkin. Alors qu'il était encore au gymnase, Ostrovsky s'est intéressé à créativité littéraire Durant ses années d'études, il devient un passionné de théâtre. Les grands acteurs P. S. Mochalov et M. S. Shchepkin, qui ont eu une grande influence sur la jeunesse, ont brillé sur la scène moscovite au cours de ces années. Dès que les cours dans des disciplines juridiques spéciales ont commencé à interférer avec les aspirations créatives d'Ostrovsky, il a quitté l'université et, sur l'insistance de son père, en 1843, il est devenu greffier au tribunal de conscience de Moscou, où se sont prononcés les conflits de propriété, les délits juvéniles, etc. ont été traités ; en 1845, il fut transféré au tribunal de commerce de Moscou, d'où il quitta en 1851 pour devenir écrivain professionnel. Le travail dans les tribunaux a considérablement enrichi l’expérience de vie d’Ostrovsky, lui donnant une connaissance de la langue, de la vie et de la psychologie de la « troisième classe » marchande petite-bourgeoise de Moscou et de la bureaucratie. A cette époque, Ostrovsky s'essaye à divers domaines de la littérature, continue de composer de la poésie, écrit des essais et des pièces de théâtre. Ostrovsky considérait la pièce « Photo de famille » comme le début de son activité littéraire professionnelle, publiée le 14 février. 1847 a été lu avec succès dans la maison du professeur d'université et écrivain S.P. Shevyrev. Les « Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky » remontent à cette époque (pour eux, en 1843, il était écrit"L'histoire de la façon dont le superviseur trimestriel a commencé à danser, ou il n'y a qu'un pas du grand au ridicule"). La pièce suivante est « Notre propre peuple - nous serons comptés ! » (titre original « Faillite ») a été écrit en 1849, en 1850 il a été publié dans la revue « Moskvityanin » (n° 6), mais n'a pas été autorisé sur scène. Pour cette pièce, qui a fait connaître le nom d'Ostrovsky dans toute la lecture de la Russie, il a été placé sous surveillance policière secrète.
Sn. Dans les années 50, Ostrovsky est devenu un collaborateur actif de "Moskvityanin", publié par M. P. Pogodin, et bientôt, avec A. A. Grigoriev, E. N. Edelson, B. N. Almazov et d'autres, il a formé ce qu'on appelle. les « jeunes rédacteurs » qui ont tenté de relancer le magazine en promouvant l'art réaliste et l'intérêt pour la vie populaire et le folklore. Le cercle des jeunes employés de « Moskvityanin » comprenait non seulement des écrivains, mais aussi des acteurs (P. M. Sadovsky, I. F. Gorbunov), des musiciens (A. I. Dyubuk), des artistes et des sculpteurs (P. M. Boklevsky, N. A. Ramazanov) ; Les Moscovites avaient des amis parmi les « gens ordinaires » - interprètes et amateurs de chansons folkloriques. Ostrovsky et ses camarades de « Moskvitianin » ne formaient pas seulement un groupe de personnes partageant les mêmes idées, mais aussi un cercle amical. Ces années ont donné à Ostrovsky beaucoup de créativité et surtout une connaissance approfondie du folklore « vivant », non académique, de la parole et de la vie des gens ordinaires urbains.
Tout R. Dans les années 40, Ostrovsky a contracté un mariage civil avec la fille bourgeoise A. Ivanova, qui est restée avec lui jusqu'à sa mort en 1867. Peu instruite, elle avait de l'intelligence et du tact, une excellente connaissance de la vie des gens ordinaires et chantait à merveille, son rôle dans vie créative le dramaturge était sans aucun doute important. En 1869, Ostrovsky épousa l'actrice du Théâtre Maly M.V. Vasilyeva (avec qui il avait déjà des enfants à cette époque), qui était encline à des formes de vie nobles et « laïques », ce qui compliquait sa vie. Pendant de nombreuses années, Ostrovsky a vécu au bord de la pauvreté. En tant que leader reconnu des dramaturges russes, il était constamment dans le besoin, même dans ses années de déclin, gagnant sa vie grâce à un travail littéraire infatigable. Malgré cela, il se distinguait par son hospitalité et sa volonté constante d'aider toute personne dans le besoin.
Toute la vie d'Ostrovsky est liée à Moscou, qu'il considérait comme le cœur de la Russie. Parmi les voyages relativement peu nombreux d'Ostrovsky (1860 - un voyage avec A.E. Martynov, qui était en tournée, à Voronej, Kharkov, Odessa, Sébastopol, au cours duquel le grand acteur mourut ; un voyage à l'étranger en 1862 en Allemagne, en Autriche, en Italie avec une visite à Paris et Londres ; un voyage avec I . F. Gorbunov le long de la Volga en 1865 et avec son frère M. N. Ostrovsky en Transcaucasie en 1883), la plus grande influence sur son œuvre fut l'expédition organisée par le ministère maritime, qui envoya des écrivains à étudier la vie et les métiers de la population liés au fleuve et à la navigation. Ostrovsky a fait un voyage le long de la Volga, depuis ses sources jusqu'à N. Novgorod (1856), au cours duquel il a pris des notes détaillées et compilé un dictionnaire des termes de navigation, de construction navale et de pêche de la région de la Haute Volga. Grande importance
avait pour lui la vie dans son domaine bien-aimé de Kostroma Shchelykov, que le père de l'écrivain a acheté en 1847. Le tout premier voyage là-bas (1848, en chemin, Ostrovsky a examiné les anciennes villes russes de Pereslavl Zalessky, Rostov, Yaroslavl, Kostroma) a fait une énorme impression sur Ostrovsky (il y avait une note enthousiaste dans le journal). Après la mort de son père, Ostrovsky et son frère M. N. Ostrovsky achetèrent le domaine à leur belle-mère (1867). L'histoire de la création de nombreuses pièces de théâtre est liée à Shchelykov.
En général, la concentration passionnée d’Ostrovsky sur la créativité et les affaires théâtrales, rendant sa vie pauvre en événements extérieurs, la liait inextricablement au sort du théâtre russe. L'écrivain est décédé dans son bureau à Chtchelykovo, alors qu'il travaillait sur une traduction de la pièce de Shakespeare Antoine et Cléopâtre.
La pièce « Notre peuple - nous serons comptés ! » a une structure de composition assez complexe qui combine la description morale avec une intrigue intense, et en même temps la lenteur du déroulement des événements caractéristique d'Ostrovsky. La vaste exposition au ralenti s’explique par le fait que l’action dramatique d’Ostrovsky ne se limite pas à l’intrigue. Il comprend également des épisodes moralement descriptifs avec des conflits potentiels (les disputes de Lipochka avec sa mère, les visites de l'entremetteuse, les scènes avec Tishka). Les conversations des personnages sont également particulièrement dynamiques, ne conduisant à aucun résultat immédiat, mais ayant leur propre « microaction », que l’on peut appeler un mouvement de parole. La parole, la manière même de raisonner, est si importante et intéressante que le spectateur suit tous les détours d'un bavardage apparemment vide. Chez Ostrovsky, le discours des personnages lui-même est presque un objet indépendant de représentation artistique.
La comédie d'Ostrovsky, décrivant la vie apparemment exotique du monde marchand fermé, reflétait en fait à sa manière les processus et les changements dans toute la Russie. Ici aussi, il y a un conflit entre « pères » et « enfants ». Ici, ils parlent d’illumination et d’émancipation, sans bien sûr connaître ces mots ; mais dans un monde dont la base même est la tromperie et la violence, tous ces concepts élevés et l'esprit libérateur de la vie sont déformés, comme dans un miroir déformant. L'antagonisme entre riches et pauvres, dépendants, « jeunes » et « seniors » se déploie et se manifeste dans le domaine de la lutte non pour l'égalité ou la liberté des sentiments personnels, mais pour des intérêts égoïstes, le désir de s'enrichir et de « vivre selon ses propres intérêts ». propre volonté. » Les valeurs élevées ont été remplacées par leurs homologues parodiques.
Dans la comédie d'Ostrovsky, il y a une guerre de tous contre tous, et dans l'antagonisme même le dramaturge révèle la profonde unité des personnages : ce qui a été obtenu par la tromperie n'est retenu que par la violence, la grossièreté des sentiments est un produit naturel de la grossièreté de morale et contrainte. La sévérité de la critique sociale n'interfère pas avec l'objectivité dans la représentation des personnages, particulièrement visible à l'image de Bolchov.
Sa tyrannie brutale se conjugue avec franchise et simplicité, avec une souffrance sincère dans les scènes finales. En introduisant dans la pièce, pour ainsi dire, 3 étapes de la biographie d'un marchand (mention du passé de Bolchov, l'image de Tishka avec sa thésaurisation naïve, le « dévoué » Podkhalyuzin, volant le propriétaire), Ostrovsky atteint une profondeur épique, montrant les origines de caractère et la « crise ». L’histoire de la maison marchande Zamoskvoretsky n’apparaît pas comme une « anecdote », le résultat de vices personnels, mais comme une manifestation des schémas de vie.
Après qu'Ostrovsky ait créé la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés!" Face à un tableau si sombre de la vie intérieure d'une maison de marchand, il avait besoin de trouver des principes positifs capables de résister à l'immoralisme et à la cruauté de sa société contemporaine. L’orientation de la recherche a été déterminée par la participation du dramaturge à la « jeune rédaction » de « Moskvityanin ». A la toute fin du règne de l'Empereur. Nicolas Ier Ostrovsky crée une sorte d'utopie patriarcale dans les pièces de théâtre de la période moscovite.
Même pendant cette période, Ostrovsky voit le conflit social dans la vie qu'il dépeint et montre que l'idylle d'une famille patriarcale est pleine de drames. Il est vrai que dans la première pièce moscovite « Ne montez pas dans votre propre traîneau », le drame des relations intra-familiales est catégoriquement dénué de connotations sociales. Les motivations sociales ici ne sont liées qu'à l'image du noble meneur de jeu Vikhorev. Mais le prochain
En explorant les formes de vie archaïques dans les relations familiales des marchands de la période moscovite, Ostrovsky crée une utopie artistique, un monde où, en s'appuyant sur des idées populaires (paysannes à l'origine) sur la moralité, il s'avère possible de surmonter la discorde. et un individualisme féroce, qui se répand de plus en plus dans la société moderne, pour réaliser l'unité perdue, détruite par l'histoire, des peuples. Mais le changement dans toute l'atmosphère de la vie russe à la veille de l'abolition du servage conduit Ostrovsky à comprendre l'utopisme et l'irréalisabilité de cet idéal. Une nouvelle étape de son parcours commence avec la pièce « Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois » (1855-56), où il crée l'image la plus lumineuse le marchand-tyran Tit Titych Bruskov, devenu un nom familier.
Ostrovsky couvre plus largement la vie de la société, se tournant vers des thèmes traditionnels de la littérature russe et les développant de manière tout à fait originale. Abordant le sujet largement débattu de la bureaucratie dans « Place rentable » (1856), Ostrovsky dénonce non seulement l'extorsion et l'arbitraire, mais révèle les racines historiques et sociales de la « philosophie cléricale » (l'image de Yusov), le caractère illusoire des espoirs. pour une nouvelle génération de fonctionnaires instruits : la vie elle-même les pousse au compromis (Zhadov). Dans "L'Élève" (1858), Ostrovsky dépeint la vie de "tyran" d'un domaine foncier sans le moindre lyrisme, si courant chez les écrivains de la noblesse lorsqu'ils évoquent la vie locale. Mais la plus grande réalisation artistique d’Ostrovsky dans les années précédant la réforme fut « L’Orage » (1859), dans lequel il découvrit le folklore personnage héroïque . La pièce montre comment une violation de l'harmonie idyllique de la vie familiale patriarcale peut conduire à une tragédie. Le personnage principal de la pièce, Katerina, vit à une époque où l'esprit même est détruit - l'harmonie entre un individu et les idées morales de l'environnement. Dans l'âme de l'héroïne naît une attitude envers le monde, un nouveau sentiment, encore flou pour elle, - un sentiment de personnalité éveillé qui, conformément à sa position et à son expérience de vie, prend la forme d'un amour individuel et personnel. . La passion naît et grandit chez Katerina, mais cette passion est plus haut degré spirituel, loin du désir irréfléchi de joies cachées. Le sentiment d'amour éveillé est perçu par Katerina comme un péché terrible et indélébile, car l'amour pour un étranger est pour elle,, il y a une violation du devoir moral. Pour Katerina, les commandements moraux du monde patriarcal sont pleins de sens et de signification primordiale. Ayant déjà réalisé son amour pour Boris, elle s'efforce d'y résister de toutes ses forces, mais ne trouve pas de soutien dans cette lutte : tout autour d'elle s'effondre déjà, et tout ce sur quoi elle essaie de s'appuyer s'avère être une coquille vide, dépourvu de véritable contenu moral. Pour Katerina, la forme et le rituel en eux-mêmes n'ont pas d'importance - l'essence humaine des relations est importante pour elle. Katerina ne doute pas de la valeur morale de ses idées morales ; elle voit seulement que personne au monde ne se soucie de la véritable essence de ces valeurs et qu'elle est seule dans sa lutte. Le monde des relations patriarcales est en train de mourir et l’âme de ce monde meurt dans la douleur et la souffrance. Sous la plume d'Ostrovsky, le drame social et quotidien planifié de la vie des marchands s'est transformé en tragédie. Il a montré le caractère du peuple à un tournant historique brutal - d'où l'échelle " histoire de famille", la symbolique puissante de "Orage".
Bien que le drame social moderne constitue l’essentiel de l’héritage d’Ostrovsky, dans les années 60, il s’est tourné vers le drame historique, partageant l’intérêt général de la culture russe de cette période du passé. En ce qui concerne la compréhension éducative des tâches du théâtre, Ostrovsky considérait les pièces sur des thèmes de l'histoire nationale comme nécessaires au répertoire, estimant que les drames et les chroniques historiques «développent la connaissance de soi et cultivent l'amour conscient pour la patrie». Pour Ostrovsky, l'histoire est la sphère la plus élevée de l'existence nationale (cela a déterminé l'appel à la forme poétique). Les pièces historiques d'Ostrovsky sont de genre hétérogène. Parmi eux, il y a des chroniques (« Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk », 1862 ; « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », 1867 ; « Touchino », 1867), des comédies historiques et quotidiennes (« Voevoda », 1865 ; « Comédien du 17e siècle", 1873), drame psychologique "Vasilisa Melentyeva" (co-écrit avec S. A. Gedeonov, 1868). La préférence pour la chronique par rapport au genre traditionnel de la tragédie historique, ainsi que l'appel au Temps des Troubles, ont été déterminés par le caractère folklorique du théâtre d'Ostrovsky, son intérêt pour les actes historiques du peuple russe.
Dans la période post-réforme en Russie, l’isolement des groupes de classe et des groupes culturels et quotidiens de la société s’effondre ; Le mode de vie « européanisé », qui était auparavant le privilège de la noblesse, devient la norme. La diversité sociale caractérise également l'image de la vie créée par Ostrovsky dans la période post-réforme. L'éventail thématique et temporel de sa dramaturgie devient extrêmement large : de événements historiques et vie privée du XVIIe siècle. au sujet le plus brûlant du jour ; des habitants de l’outback, des banlieues pauvres de la classe moyenne aux magnats des affaires « civilisés » modernes ; des salons nobles perturbés par les réformes à la route forestière sur laquelle se rencontrent les acteurs Schastlivtsev et Neschastlivtsev (« Forêt »).
Au début, Ostrovsky n’avait pas le héros intellectuel, le noble, caractéristique de la plupart des écrivains classiques russes. personne supplémentaire" À la fin des années 60, il s'est tourné vers le type de noble héros-intellectuel. La comédie « Assez de simplicité pour chaque sage » (1868) est le début d'une sorte de cycle anti-noble. Bien qu'il y ait des critiques sociales dans toutes les pièces d'Ostrovsky, il a peu de véritables comédies satiriques : « La simplicité suffit à chaque homme sage », « L'argent fou » (1870), « La Forêt » (1871), « Les loups et les moutons » ( 1875). Ici, la sphère de la représentation satirique n'implique pas des personnages individuels ou des intrigues, mais la vie entière représentée, non pas tant de personnes, de personnalités, mais le mode de vie dans son ensemble, le cours des choses. Les pièces ne sont pas reliées par une intrigue, mais il s'agit précisément d'un cycle qui, dans son ensemble, offre une large toile de la vie de la noblesse post-réforme.
Selon les principes de la poétique, ces pièces diffèrent considérablement du genre principal de la créativité d'avant la réforme - le type de comédie populaire créée par Ostrovsky.
Le tableau général des processus sociaux complexes qui se déroulent en Russie après une décennie de réformes rapproche La Forêt des grands romans russes des années 70. Comme L. N. Tolstoï, F. M. Dostoïevski, M. E. Saltykov-Shchedrin (c'est à cette époque qu'il a créé son « roman familial immobilier » « Les Golovlev »), Ostrovsky a compris avec sensibilité qu'en Russie « tout a basculé et cela ne fait que se préparer ». (comme indiqué dans « Anna Karénine »). Et cette nouvelle réalité se reflète dans le miroir de la famille. À travers le conflit familial de la comédie d'Ostrovsky, les énormes changements qui se produisent dans la vie russe transparaissent.
Le domaine noble, son propriétaire et ses voisins invités respectables sont représentés par Ostrovsky avec toute la force de la dénonciation satirique. Badaev et Milonov, avec leurs conversations sur « l’époque actuelle », ressemblent aux personnages de Shchedrin. N'étant pas participants à l'intrigue, ils sont cependant nécessaires non seulement pour caractériser l'environnement, mais également pour participer à l'action en tant que spectateurs nécessaires de la pièce jouée par les principaux antagonistes de la pièce - Gurmyzhskaya et Neschastlivtsev.
Chacun d’eux réalise sa propre performance. Le chemin de Neschastlivtsev dans la pièce est une percée d'un mélodrame farfelu vers de véritables sommets de la vie, la défaite du héros dans la « comédie » et une victoire morale dans la vraie vie. Dans le même temps, et sortant du rôle mélodramatique, Neschastlivtsev se révèle être un acteur. Son dernier monologue se transforme imperceptiblement en monologue de Karl More tiré des « Voleurs » de F. Schiller, comme si Schiller jugeait les habitants de cette « forêt ». Le mélodrame est abandonné, le grand art véritable vient en aide à l'acteur. Gurmyzhskaya a refusé le rôle coûteux de chef d'une famille noble patriarcale, s'occupant de ses parents les moins fortunés. L'élève Aksyusha, qui a reçu une dot d'un pauvre acteur, quitte le domaine de Penka pour la maison d'un marchand. Le dernier Gurmyzhsky, l'acteur ambulant Neschastlivtsev, part à pied par les routes de campagne, un sac à dos sur les épaules. La famille disparaît, s'effondre ; Une « famille aléatoire » (selon l’expression de Dostoïevski) apparaît : un couple marié composé d’un propriétaire terrien de plus de cinquante ans et d’un lycéen décrocheur. En travail sur des comédies satiriques de Vie moderne, basé en poétique sur la tradition folklorique (qui était déterminée par la nature de l'environnement « prépersonnel » décrit par le premier Ostrovsky). Le nouveau style est associé à la tradition littéraire générale du XIXe siècle, aux découvertes de la prose narrative, à l'étude du héros-contemporain personnel. Nouvelle tâche a préparé le développement du psychologisme dans l’art d’Ostrovsky.
La pièce « La Fille des neiges » (1873) occupe une place très particulière dans l’héritage d’Ostrovsky et dans le drame russe en général. Conçue comme une extravagance, un spectacle joyeux pour des spectacles festifs, écrit sur l'intrigue de contes populaires et utilisant largement d'autres formes de folklore, principalement la poésie calendaire, la pièce a dépassé son concept en cours de création. En termes de genre, il est comparable au drame philosophique et symbolique européen, par exemple. avec Peer Gynt d'Ibsen. Dans « La Fille des neiges », le début lyrique de la dramaturgie d’Ostrovsky s’exprime avec une grande force. Parfois, « La Fille des Neiges » est qualifiée d’utopie sans raison suffisante. Pendant ce temps, l'utopie contient l'idée d'une structure de société idéalement juste, du point de vue de ses créateurs ; elle doit être absolument optimiste ; le genre lui-même est, pour ainsi dire, conçu pour surmonter les contradictions tragiques de la vie, les résoudre dans une harmonie fantastique. Cependant, la vie décrite dans The Snow Maiden, belle et poétique, est loin d'être idylle. Les Berendey sont extrêmement proches de la nature, ils ne connaissent ni le mal ni la tromperie, tout comme la nature ne le sait pas. Mais tout ce qui, par sa propre volonté ou par la force des circonstances, sort de ce cycle de la vie naturelle doit inévitablement périr ici. Et cette catastrophe tragique de tout ce qui dépasse les limites de la vie « organique » est incarnée par le sort de Snow Maiden ; Ce n'est pas un hasard si elle meurt précisément au moment où elle accepte la loi de la vie des Berendey et est prête à traduire son amour éveillé dans des formes quotidiennes. Ceci est inaccessible ni à elle ni à Mizgir, dont la passion, inconnue des Berendey, le pousse hors du cercle. Une interprétation sans ambiguïté optimiste de la fin crée une contradiction avec la sympathie immédiate du public pour les héros déchus, elle est donc incorrecte. "The Snow Maiden" ne rentre pas dans le genre d'un conte de fées ; il s'approche d'une action mystérieuse. Une intrigue mythologique ne peut pas avoir une fin imprévisible. L'arrivée de l'été est inévitable et la Snow Maiden ne peut s'empêcher de fondre. Tout cela ne dévalorise cependant pas son choix et son sacrifice.
Les personnages ne sont pas du tout passifs et soumis - l'action n'annule en rien l'action habituelle. L’action mystérieuse est à chaque fois une nouvelle incarnation des fondements essentiels de la vie. La libre expression de Snow Maiden et Mizgir à Ostrovsky est incluse dans ce cycle de vie. La tragédie de Snow Maiden et Mizgir non seulement ne secoue pas le monde, mais contribue même au flux normal de la vie et sauve même le royaume de Berendey du « froid ». Le monde d’Ostrovsky est peut-être tragique, mais pas catastrophique. D’où la combinaison inhabituelle et inattendue de tragédie et d’optimisme dans le final.
Dans "The Snow Maiden", l'image la plus généralisée du "monde d'Ostrovsky" est créée, reproduisant sous forme folklorique et symbolique l'idée profondément lyrique de l'auteur sur l'essence de la vie nationale, surmontant, mais non annulant, la tragédie de l'existence personnelle individuelle. . Dans le système artistique d’Ostrovsky, le drame se formait au plus profond de la comédie. L'écrivain développe un type de comédie dans lequel, avec caractères négatifs
La formation de la dignité morale personnelle des travailleurs pauvres, des masses urbaines, la conscience dans cet environnement de la valeur extra-classe de l’individu suscite un vif intérêt chez Ostrovsky.
La montée du sentiment d’individualité provoquée par la réforme, qui a conquis des pans assez larges de la population russe, fournit matière à création dramatique. Dans le monde artistique d'Ostrovsky, ce conflit, de nature dramatique, continue cependant souvent de s'incarner dans une structure comique. L'un des exemples les plus expressifs de la lutte entre le dramatique et le comique est « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » (1876).
La formation du drame était associée à la recherche d'un héros capable, d'une part, de se lancer dans une lutte dramatique et, d'autre part, de susciter la sympathie du spectateur, ayant un objectif louable. L’intérêt d’un tel drame doit être porté sur l’action elle-même, sur les vicissitudes de cette lutte. Dans les conditions de la réalité russe post-réforme, Ostrovsky n'a cependant pas trouvé de héros qui puisse à la fois se révéler être un homme d'action, capable de s'engager dans une lutte sérieuse pour la vie et de susciter la sympathie du public avec sa moralité. qualités. Tous les héros des drames d'Ostrovsky sont soit des hommes d'affaires insensibles et prospères, des gaspilleurs de vie vulgaires et cyniques, soit des idéalistes au beau cœur, dont l'impuissance devant « l'homme d'affaires » est prédéterminée. Ils ne pouvaient pas devenir le centre de l'action dramatique - une femme devient le centre, ce qui s'explique par sa position même dans la société moderne d'Ostrovsky.
Dans cette pièce, il n'y a pas de confrontation absolue entre l'héroïne et l'environnement : contrairement à l'héroïne de « L'Orage », Larisa est dépourvue d'intégrité. Un désir spontané de pureté morale, de véracité - tout ce qui vient de sa nature richement douée élève l'héroïne bien au-dessus de son entourage. Mais le drame quotidien de Larissa lui-même est le résultat du fait que les idées bourgeoises sur la vie ont du pouvoir sur elle. Après tout, Paratova est tombée amoureuse non pas inconsciemment, mais, selon ses propres mots, parce que « Sergei Sergeich est... l'idéal d'un homme ». Pendant ce temps, le motif du marchandage, qui traverse toute la pièce et se concentre dans l'action principale de l'intrigue - le marchandage pour Larisa - couvre tous les héros masculins, parmi lesquels Larisa doit la faire choix de vie. Et Paratov non seulement ne fait pas exception ici, mais il s'avère qu'il est le participant le plus cruel et le plus malhonnête des négociations.
Les moyens des caractéristiques psychologiques chez Ostrovsky ne sont pas l'auto-reconnaissance des héros, ni le raisonnement sur leurs sentiments et leurs propriétés, mais principalement leurs actions et leur dialogue quotidien et non analytique. Comme c'est généralement le cas dans le drame classique, les personnages ne changent pas au cours de l'action dramatique, mais ne sont révélés que progressivement au public. On peut dire la même chose de Larisa : elle commence à voir la lumière, apprend la vérité sur les gens qui l’entourent et prend la terrible décision de devenir « une chose très coûteuse ». Et seule la mort la libère de tout ce que l'expérience quotidienne lui a doté. A ce moment, elle semble revenir à la beauté naturelle de sa nature. Le final puissant du drame - la mort de l'héroïne au milieu du bruit festif, accompagné du chant des gitans - étonne par son audace artistique.
État d'esprit
Larisa est montrée par Ostrovsky dans le style du « drame fort » caractéristique de son théâtre et en même temps avec une précision psychologique impeccable. Elle est adoucie et calmée, pardonne à tout le monde, car elle est heureuse d'avoir enfin provoqué une explosion de sentiments humains - l'acte imprudent et suicidaire de Karandyshev, qui l'a libérée de la terrible vie de femme gardée. Ostrovsky construit l’effet artistique rare de cette scène sur une collision aiguë d’émotions multidirectionnelles : plus l’héroïne est douce et indulgente, plus le jugement du spectateur est strict.
Dans l'œuvre d'Ostrovsky, le drame psychologique était donc un genre émergent, avec des pièces aussi importantes que « La dernière victime » (1878), « Talents et admirateurs » (1882), « Coupable sans culpabilité » (1884), un chef-d'œuvre tel que "Dot", dans ce genre, l'écrivain a également connu des échecs relatifs. Cependant, les meilleures œuvres d'Ostrovsky ont jeté les bases du développement ultérieur du drame psychologique. Après avoir créé tout un répertoire pour le théâtre russe (environ 50 pièces originales), Ostrovsky a également cherché à le reconstituer à la fois avec des classiques mondiaux et des pièces d'auteurs dramatiques russes et européens modernes. Il a traduit 22 pièces de théâtre, dont La Mégère apprivoisée de Shakespeare, Le Café de Goldoni, les Interludes de Cervantes et bien d'autres. Le Dr Ostrovsky a lu de nombreux manuscrits d'aspirants dramaturges, les a aidés en leur donnant des conseils et, dans les années 70 et 80, il a écrit plusieurs pièces en collaboration avec N. Ya Solovyov (« Happy Day », 1877 ; « Le Mariage de Belugin », 1878 ; « Femme sauvage ») », 1880 ; « Il brille, mais ne réchauffe pas », 1881) et P. M. Nevezhin (« Caprice », 1881 ; « Vieux d'une manière nouvelle », 1882).
Ostrovsky, Alexander Nikolaevich - célèbre écrivain dramatique. Né le 31 mars 1823 à Moscou, où son père siégeait à la chambre civile puis exerçait le droit privé. : ce jour-là, il a rendu visite à S.P. Shevyrev et, en présence d'A.S. Zhuravleva A. , qui venaient de commencer leur carrière littéraire (B.N. Almazov, N.V. Berg, L.A. Mei, T.I. Filippov, N.I. Shapovalov, E.N. Edelson). Tous entretenaient des relations étroites et amicales avec Ostrovsky depuis ses années d'étudiant et tous ont accepté l'offre de Pogodine de travailler dans le Moskvitianin actualisé, formant ainsi la soi-disant « jeune rédaction » de ce magazine. Bientôt, Apollo Grigoriev occupa une position importante dans ce cercle, agissant comme un héraut de l'originalité dans la littérature et devenant un ardent défenseur et loueur d'Ostrovsky, en tant que représentant de cette originalité. La comédie d'Ostrovsky, sous le titre modifié : "Notre peuple - nous serons comptés", après bien des ennuis avec la censure, qui en arriva au point de faire appel aux plus hautes autorités, fut publiée dans le livre du 2 mars de "Moskvityanin" en 1850, mais n'a pas été autorisé à être présenté; Chernyshevsky avait une attitude très négative envers la pièce « La pauvreté n'est pas un vice », y voyant une sorte de douceur sentimentale dans la représentation d'une vie désespérée, soi-disant « patriarcale » ; importance nationale . Ne se limitant pas à la vie des marchands Zamoskvoretsky, Ostrovsky introduit dans le cercle des personnages le monde des grands et petits fonctionnaires, puis des propriétaires fonciers. En 1857, « Un endroit rentable » et « Un sommeil festif avant le déjeuner » ont été écrits (la première partie de la « trilogie » sur Balzaminov ; deux autres parties - « Vos chiens mordent, ne harcelez pas celui des autres » et « Quoi vous allez, c'est ce que vous trouverez » - paru en 1861), en 1858 - « Ils ne s'entendent pas » (écrit à l'origine sous forme d'histoire), en 1859 - « L'élève ». "Minin", qui a reçu l'aval du souverain, a cependant été interdit par une censure dramatique et n'a pu apparaître sur scène que 4 ans plus tard. Sur scène, la pièce n'a pas eu de succès en raison de sa prolixité et de son lyrisme pas toujours réussi, mais les critiques n'ont pu s'empêcher de remarquer la haute dignité des scènes et des personnages individuels. En 1863, Ostrovsky publie un drame de la vie populaire : « Le péché et le malheur ne vivent de personne », puis revient aux images de Zamoskvorechye dans des comédies : « Hard Days » (1863) et « Jokers » (1864). Parallèlement, il s'occupe de traiter une grande pièce en vers, commencée lors d'un voyage dans la Volga, de la vie du XVIIe siècle. Cette période d'activité d'Ostrovsky comprend : « L'amour tardif » et « Le pain du travail » (1874), « Les loups et les moutons » (1875), « Les épouses riches » (1876), « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » (1877) , « La dernière victime » (1878), « La dot » et « Le bon maître » (1879), « Le cœur n'est pas une pierre » (1880), « Femmes esclaves » (1881), « Talents et admirateurs » ( 1882), « Bel homme » (1883), « Coupable sans culpabilité » (1884) et, enfin, la dernière pièce, faible dans sa conception et son exécution : « Pas de ce monde » (1885). De plus, plusieurs pièces ont été écrites par Ostrovsky en collaboration avec d'autres personnes : avec N.Ya. Soloviev - « Le Mariage de Belugin » (1878), « Sauvage » (1880) et « Il brille mais ne réchauffe pas » (1881) ; avec P.M. Nevezhin - "Caprice" (1881). Ostrovsky possède également un certain nombre de traductions de pièces de théâtre étrangères : « Pacification of the Wayward » de Shakespeare (1865), « Le Grand Banquier » d'Italo Franchi (1871), « Le mouton perdu » de Teobaldo Ciconi (1872), « Le Café " de Goldoni (1872), " La famille d'un criminel " de Giacometti (1872), une adaptation du français de " L'esclavage des maris " et, enfin, une traduction de 10 intermèdes de Cervantes, publiée séparément en 1886. Il n'a écrit que 49 pièces originales. Toutes ces pièces offrent une galerie des types russes les plus divers, remarquables par leur vitalité et leur véracité, avec toutes les particularités de leurs mœurs, de leur langage et de leur caractère. Par rapport à la technique dramatique et à la composition réelles, les pièces d'Ostrovsky sont souvent faibles : l'artiste, profondément véridique par nature, était lui-même conscient de son impuissance à inventer une intrigue, à en arranger le début et la fin ; Un dramaturge talentueux, soutenu par des artistes tout aussi talentueux, a provoqué une concurrence entre ses pairs qui ont suivi le même chemin : les dramaturges d'un courant homogène étaient Pisemsky, A. Potekhin et d'autres écrivains, moins remarquables, mais qui ont connu à leur époque un succès bien mérité. Consacré de toute son âme au théâtre et à ses intérêts, Ostrovsky a également consacré beaucoup de temps et de travail aux préoccupations pratiques concernant le développement et l'amélioration de l'art dramatique et l'amélioration de la situation financière des auteurs dramatiques. Il rêvait de l'opportunité de transformer le goût artistique des artistes et du public et de créer une école de théâtre, également utile à la fois pour l'éducation esthétique de la société et pour la formation d'artistes de scène dignes. Au milieu de toutes sortes de chagrins et de déceptions, il resta fidèle jusqu'à la fin de sa vie à ce rêve chéri, dont la réalisation fut en partie le Cercle Artistique qu'il créa en 1866 à Moscou, qui donna plus tard de nombreuses figures talentueuses sur la scène moscovite. Dans le même temps, Ostrovsky souhaitait améliorer la situation financière des dramaturges russes : grâce à ses œuvres, la Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes fut créée (1874), dont il resta le président permanent jusqu'à sa mort. En général, au début des années 80, Ostrovsky a fermement pris la place du leader et professeur du théâtre et de la scène russes. En travaillant dur au sein de la commission créée en 1881 sous la direction des Théâtres impériaux « pour réviser les règlements sur toutes les parties de la gestion théâtrale », il a réalisé de nombreux changements qui ont considérablement amélioré la situation des artistes et ont permis d'organiser plus efficacement l'enseignement théâtral. En 1885, Ostrovsky est nommé chef du département de répertoire des théâtres de Moscou et directeur de l'école de théâtre.
Les œuvres d'Ostrovsky ont été publiées à plusieurs reprises ; la publication la plus récente et la plus complète - le Partenariat des Lumières (Saint-Pétersbourg, 1896 - 97, en 10 volumes, édité par M.I. Pisarev et avec une notice biographique par I. Nosov). Les « Traductions dramatiques » (Moscou, 1872), « Interlude de Cervantes » (Saint-Pétersbourg, 1886) et « Œuvres dramatiques de A. Ostrovsky et N. Soloviev » (Saint-Pétersbourg, 1881) ont été publiés séparément. Pour la biographie d'Ostrovsky, l'ouvrage le plus important est le livre du scientifique français J. Patouillet « O. et son théâtre de moeurs russes » (Paris, 1912), qui contient toute la littérature sur Ostrovsky. Voir les mémoires de S.V. Maksimov dans « Russian Thought » 1897 et Kropachev dans « Russian Review » 1897 ; I. Ivanov "A.N. Ostrovsky, sa vie et son activité littéraire" (Saint-Pétersbourg, 1900). Le meilleur articles critiques sur Ostrovsky ont été écrits par Apollon Grigoriev (dans "Moskvityanin" et "Time"), Edelson ("Bibliothèque pour la lecture", 1864), Dobrolyubov ("Le Royaume des Ténèbres" et "Un rayon de lumière dans le Royaume des Ténèbres") et Boborykin ("La Parole", 1878 ). - Mer. également des livres d'A.I. Nezelenova "Ostrovsky dans ses œuvres" (Saint-Pétersbourg, 1888) et Or. F. Miller "Les écrivains russes après Gogol" (Saint-Pétersbourg, 1887).
P. Morozov.
Réimprimé à partir de l'adresse : http://www.rulex.ru/
OSTROVSKY Alexandre Nikolaïevitch (31.03.1823-2.06.1886), un écrivain et dramaturge russe exceptionnel. Fils d'huissier de justice.
Après avoir obtenu son diplôme du 1er gymnase de Moscou (1840), Ostrovsky entre à la Faculté de droit. Université de Moscou, mais un an avant l'obtention de son diplôme, en raison d'un conflit avec les enseignants, il fut contraint d'abandonner ses études et de devenir « serviteur de bureau » - d'abord au tribunal de conscience de Moscou (1843), et deux ans plus tard - au tribunal de commerce de Moscou.
Dès sa jeunesse, Ostrovsky avait une passion pour le théâtre et connaissait étroitement les artistes Théâtre Maly : P. S. Mochalov, M. S. Shchepkin, P. M. Sadovsky. En 1851, il quitte le service et se consacre entièrement aux activités littéraires et théâtrales. Le travail dans les tribunaux de Moscou, l'étude des réclamations des marchands, dont le père d'Ostrovsky s'occupait souvent, ont fourni au futur dramaturge un riche matériel vital lié à la vie et aux coutumes des Russes. les commerçants, et lui permet de créer par la suite des œuvres dans lesquelles l'éclat artistique des personnages est étroitement lié à leur réalisme.
Le 9 janvier 1847, le journal « Moskovsky Listok » a publié une scène de la comédie d'Ostrovsky « Le débiteur insouciant », intitulée plus tard « Notre peuple - nous serons numérotés ». La même année, la comédie « Picture of Family Happiness » est écrite. Ces œuvres, créées dans l’esprit de « l’école naturelle » N. V. Gogol, a apporté à l'auteur sa première renommée. Les prochaines expériences dramatiques d'Ostrovsky, qui consolidèrent ses premiers succès, furent les pièces de 1851-54 : « Pauvre mariée », « Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice », « Ne vivez pas comme You Want », dont les héros sont des personnes issues de milieux pauvres, agissent comme des porteurs de vérité et d'humanité.
En 1856-59, il publia des pièces de théâtre fortement satiriques : « Il y a une gueule de bois au festin de quelqu'un d'autre », « Un endroit rentable », « La maternelle » et le drame « L'orage », qui provoqua une large réaction du public, pour lequel en 1859 Ostrovsky a reçu le prix Uvarov.
Dans les années 1860, Ostrovsky a créé des comédies et des drames sociaux et quotidiens - "Le péché et le malheur ne vivent de personne", "Jokers", "On a Lively Place", "The Deep", ainsi qu'un certain nombre de pièces sur des sujets historiques : à propos de l'époque Ivan le Terrible(« Vasilisa Melentyevna ») et à propos de Le temps des troubles(« Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk », « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », « Touchino »). Dans les années 1870-80, des pièces de théâtre bien connues sont apparues : « Loups et moutons », « Forêt », « Bel homme », « Chaque homme sage a assez de simplicité » - de la vie d'un provincial la noblesse;« Talents et fans », « Coupable sans culpabilité » - sur la vie quotidienne des acteurs ; « La Fille des Neiges » est l'incarnation de motifs de contes de fées et de folklore ; «Dowry» est une sorte d'apogée de la créativité d'Ostrovsky, se distinguant parmi d'autres œuvres par sa profonde révélation socio-psychologique des images.
Au total, Ostrovsky a écrit 47 œuvres littéraires et dramatiques, ainsi que 7 autres pièces écrites en collaboration avec d'autres auteurs. Les pièces d'Ostrovsky occupaient une place prépondérante dans le répertoire du Théâtre de Moscou Théâtre Maly, avec qui l'écrivain était étroitement associé : il a agi à plusieurs reprises en tant que metteur en scène de ses propres pièces et a été le mentor créatif de nombreux merveilleux acteurs de ce théâtre. Un certain nombre d'opéras ont été créés sur la base des œuvres d'Ostrovsky, parmi lesquels les plus célèbres sont « La Fille des Neiges ». N.A. Rimski-Korsakov,« Voïvoda » P.I. Tchaïkovski,"Puissance ennemie" A.N. Serova.
A propos du théâtre. Notes, discours, lettres. L. ; M., 1947 ;
À propos de la littérature et du théâtre / Comp., intro. Art. et commenter.
Député Lobanova.
Littérature:
Lotman L.M. UN. Ostrovsky et le drame russe de son temps. M-L. 1961. C'est le nom de A. N. Ostrovsky qui est à l'origine du développement de la langue russe.. Ses drames sont encore très populaires à ce jour grâce à la saveur extraordinaire de son talent d'écrivain et de dramaturge, qui a toujours ressenti ce que le public laïc attendait de lui. Par conséquent, il est intéressant de savoir quel genre de personne était Alexandre Ostrovsky. Ses livres contiennent un énorme héritage créatif. Parmi ses œuvres les plus célèbres : « Coupable sans culpabilité », « Dot », « Orage », « Loups et moutons », « Fille des neiges », « Au festin de quelqu'un d'autre, il y a une gueule de bois », « Ce que vous recherchez, c'est ce que vous trouvera", "Votre propre peuple" - réglons-nous", "L'argent fou", etc.
Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky. courte biographie
Alexandre Nikolaïevitch est né au printemps du 31 mars (12 avril) 1823. Il a grandi à Malaya Ordynka à Moscou. Son père était le fils d'un prêtre et il s'appelait Nikolai Fedorovich. Après avoir reçu une formation au séminaire de Kostroma, il part étudier à l'Académie théologique de Moscou. Mais il n'est jamais devenu prêtre, mais a commencé à exercer comme avocat dans les institutions judiciaires. Au fil du temps, il accède au rang de conseiller titulaire et reçoit le titre de noblesse.
La biographie (courte) d'Ostrovsky dit que la mère d'Ostrovsky, Lyubov Ivanovna, est décédée quand il avait 7 ans. Il reste six enfants dans la famille. Par la suite, leur belle-mère, Emilia Andreevna von Tesin, fille d'un noble suédois, s'est occupée de la famille. La famille Ostrovsky n'avait besoin de rien ; une grande attention était accordée à l'éducation et à l'éducation des enfants.
Enfance
Ostrovsky a passé presque toute son enfance à Zamoskvorechye. Son père possédait une grande bibliothèque, le garçon a commencé très tôt à étudier la littérature russe et a ressenti un besoin d'écriture, mais son père voulait que son fils devienne avocat.
De 1835 à 1940, Alexandre étudie au Gymnase de Moscou. Il entre ensuite à l’Université de Moscou et commence des études pour devenir avocat. Mais une dispute avec un professeur ne lui permet pas de terminer sa dernière année d'université. Et puis son père lui a trouvé un emploi au tribunal. Il a reçu son premier salaire d'un montant de 4 roubles, mais il est ensuite passé à 15 roubles.
Création
En outre, la biographie (bref) d'Ostrovsky indique que la renommée et la popularité d'Alexandre Ostrovsky en tant que dramaturge lui ont été apportées par la pièce « Notre peuple - Soyons numérotés ! », publiée en 1850. Cette pièce a été approuvée par I. A. Goncharov et N. V. Gogol. Mais cela n'a pas plu aux marchands de Moscou et ils se sont plaints au souverain. Puis, sur ordre personnel de Nicolas Ier, son auteur fut démis de ses fonctions et placé sous surveillance policière, qui ne fut levée que sous Alexandre II. Et en 1861, la pièce revint sur la scène théâtrale.
Pendant la période de disgrâce d’Ostrovsky, la première pièce jouée à Saint-Pétersbourg s’intitulait « Ne montez pas dans votre propre traîneau ». La biographie (bref) d'Ostrovsky contient des informations selon lesquelles ses pièces ont été jouées pendant 30 ans aux théâtres Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg et Maly de Moscou. En 1856, Ostrovsky commença à travailler pour le magazine Sovremennik.
Ostrovsky Alexandre Nikolaïevitch. Travaux
En 1859, Ostrovsky, avec le soutien de G. A. Kushelev-Bezborodko, publia le premier recueil d'essais en deux volumes. À ce stade, le critique russe Dobrolyubov fera remarquer qu’Ostrovsky est un portrait fidèle du « royaume des ténèbres ».
En 1860, après « L’Orage », Dobrolyubov l’appelait « un rayon de lumière dans un royaume sombre ».
En effet, Alexandre Ostrovsky a su captiver par son talent remarquable. "L'Orage" est devenu l'une des œuvres les plus marquantes du dramaturge, dont l'écriture était également associée à son drame personnel. Le prototype du personnage principal de la pièce était l'actrice Lyubov Pavlovna Kositskaya; il entretenait une relation étroite avec elle depuis longtemps, même s'ils n'étaient pas tous deux des personnes libres. Elle fut la première à jouer ce rôle. Ostrovsky a rendu l'image de Katerina tragique à sa manière, il y a donc reflété toute la souffrance et le tourment de l'âme d'une femme russe.
Berceau de talents
En 1863, Ostrovsky reçut le prix Uvarov et devint membre correspondant élu de l'Académie des sciences de Saint-Pétersbourg. Plus tard, en 1865, il organise le Cercle Artistique, qui devient le berceau de nombreux talents.
Ostrovsky a accueilli dans sa maison des invités éminents tels que F. M. Dostoïevski, L. N. Tolstoï, P. I. Tchaïkovski, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. S. Tourgueniev, etc.
En 1874, l'écrivain et dramaturge fonde la Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes, dont Ostrovsky reste le président jusqu'à sa mort. Il a également siégé à la commission associée à la révision du règlement de gestion du théâtre, qui a conduit à de nouveaux changements, grâce auxquels la situation des artistes s'est considérablement améliorée.
En 1881, une représentation-bénéfice de l'opéra « La Fille des neiges » de N. A. Rimsky-Korsakov a eu lieu au Théâtre Mariinsky. La biographie (bref) d'Ostrovsky indique qu'à ces moments-là, Ostrovsky était incroyablement satisfait de la conception musicale du grand compositeur.
Dernières années
En 1885, le dramaturge devient chef du département du répertoire des théâtres de Moscou et dirige l'école de théâtre. Ostrovsky avait presque toujours des problèmes financiers, même s'il percevait de bons cachets pour ses pièces et disposait d'une pension attribuée par l'empereur Alexandre III. Ostrovsky avait de nombreux projets, il brûlait littéralement au travail, cela affectait sa santé et appauvrissait sa vitalité.
Le 2 juin 1886, il décède dans son domaine de Shchelykovo près de Kostroma. Il avait 63 ans. Son corps a été enterré à côté de la tombe de son père, dans l'église Saint-Nicolas le Wonderworker, dans la province de Kostroma, dans le village de Nikolo-Berezhki.
La veuve, l'actrice Maria Andreevna Bakhmetyeva, ses trois fils et sa fille ont reçu une pension du tsar Alexandre III.
Son domaine à Shchelykovo est aujourd'hui un mémorial et un musée naturel d'Ostrovsky.
Conclusion
Ostrovsky a créé sa propre école de théâtre avec sa conception holistique de la production théâtrale. L'élément principal de son théâtre était qu'il ne contenait pas de situations extrêmes, mais représentait des situations de vie qui remontaient à la vie quotidienne et à la psychologie d'une personne de cette époque, qu'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky connaissait très bien. Une courte biographie décrit que le théâtre d’Ostrovsky avait de nombreuses idées, mais que pour leur donner vie, il fallait une nouvelle esthétique scénique et de nouveaux acteurs. Tout cela a ensuite été évoqué par K. S. Stanislavsky et M. A. Boulgakov.
Les drames d'Ostrovsky ont servi de base à des adaptations cinématographiques et à des séries télévisées. Parmi eux figurent le film « Le mariage de Balzaminov », tourné en 1964 d'après la pièce « Ce que vous recherchez, c'est ce que vous trouverez » du réalisateur K. Voinov, le film « Romance cruelle", filmé en 1984 d'après "Dowry" du réalisateur Eldar Ryazanov. En 2005, Evgeny Ginzburg a réalisé le film « Anna » basé sur la pièce « Coupable sans culpabilité ».
Ostrovsky a créé un vaste répertoire pour la scène théâtrale russe, qui comprenait 47 pièces très originales. Il a travaillé en collaboration avec de jeunes dramaturges talentueux, dont P. M. Nevezhin et N. Ya Solovyov. La dramaturgie d'Ostrovsky est devenue nationale en raison de ses origines et de ses traditions.
Alexander Nikolaevich Ostrovsky est un dramaturge et écrivain russe dont le travail a joué un rôle important dans le développement du théâtre national russe. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages célèbres, dont certains figurent dans la littérature destinée aux programmes scolaires.
Famille d'écrivain
Le père d'Ostrovsky, Nikolai Fedorovich, fils d'un prêtre, était avocat dans la capitale et vivait à Zamoskvorechye. Il est diplômé du Séminaire théologique de Moscou, ainsi que du séminaire de Kostroma. Sa mère était issue d'une famille plutôt pauvre et est décédée quand Ostrovsky avait sept ans. Outre Alexandre, trois autres enfants sont nés dans la famille. À la mort de leur mère, leur père se remaria quelques années plus tard et la baronne Emilia Andreevna von Tessin devint son élue. Elle s'occupa en outre des enfants, se chargeant de les élever et de recevoir une éducation adéquate.
En 1835, Alexandre Ostrovsky entra au gymnase de Moscou et, cinq ans plus tard, il entra à l'université de la capitale pour étudier le droit. C'est à cette époque qu'il commence à éprouver un intérêt accru pour les productions théâtrales. Le jeune Ostrovsky visite souvent les théâtres Petrovsky et Maly. Ses études sont soudainement interrompues par un échec à un examen et une querelle avec l'un des professeurs, et il quitte l'université de son plein gré, après quoi il obtient un emploi de scribe dans un tribunal de Moscou. En 1845, il trouve du travail dans un tribunal de commerce, à la chancellerie. Pendant tout ce temps, Ostrovsky accumule des informations pour sa future œuvre littéraire.
Au cours de sa vie, l'écrivain s'est marié deux fois. Il a vécu avec sa première épouse, Agafya, dont le nom de famille n'a pas survécu à ce jour, pendant environ 20 ans. Malheureusement, ses enfants issus de ce mariage moururent très jeunes. Sa deuxième épouse était Maria Bakhmetyeva, avec laquelle il eut six enfants - deux filles et quatre fils.
Activité créative
La première publication littéraire, « En attendant le marié », parut en 1847 dans la Liste de la ville de Moscou, décrivant des scènes de la vie marchande de cette époque. L'année prochaine, Ostrovsky termine l'écriture de la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés !" Il a été mis en scène sur la scène théâtrale et a reçu un succès considérable, ce qui a incité Alexandre à finalement prendre la décision de consacrer toutes ses énergies au théâtre. La société a réagi chaleureusement et avec intérêt à ce travail, mais il est également devenu un motif de persécution de la part des autorités, en raison de sa satire trop franche et de son caractère oppositionnel. Après la première représentation, la pièce a été interdite de production en salles et l'écrivain a été sous surveillance policière pendant environ cinq ans. En conséquence, en 1859, la pièce fut considérablement modifiée et rééditée avec une fin complètement différente.
En 1850, le dramaturge fréquente un cercle d'écrivains, où il reçoit le titre tacite de chanteur d'une civilisation épargnée par le mensonge. Depuis 1856, il devient l'auteur de la revue Sovremennik. Parallèlement, Ostrovsky et ses collègues entreprennent une expédition ethnographique dont la tâche était de décrire les peuples vivant sur les rives des fleuves de la Russie, dans sa partie européenne. Fondamentalement, l'écrivain a étudié la vie des peuples vivant sur la Volga, à propos de laquelle il a écrit un grand ouvrage "Voyage le long de la Volga depuis les sources jusqu'à Nijni Novgorod", reflétant les principales caractéristiques ethniques des habitants de ces lieux. , leur vie et leurs coutumes.
En 1860, sort la pièce la plus célèbre d’Ostrovsky, « L’Orage », dont l’action se déroule précisément sur les rives de la Volga. En 1863, il reçut un prix et fut membre honoraire de l'Académie des sciences de Saint-Pétersbourg.
Ostrovsky mourut en 1886 et fut enterré dans le village de Nikolo-Berezhki.
- La vision conceptuelle du théâtre d'Ostrovsky est la construction de scènes basées sur des conventions, utilisant les richesses du discours russe et son utilisation compétente pour révéler des personnages ;
- École de théâtre, fondée par Ostrovsky, s'est ensuite développée sous la direction de Stanislavski et de Boulgakov ;
- Tous les acteurs n'ont pas bien réagi aux innovations du dramaturge. Par exemple, le fondateur du réalisme dans l’art théâtral russe, l’acteur M. S. Shchepkin, a quitté la répétition générale de « L’Orage », qui s’est déroulée sous la direction d’Ostrovsky.
Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky est né le 31 mars (12 avril) 1823 à Moscou. Son père, diplômé du Séminaire théologique de Moscou, a siégé au tribunal municipal de Moscou. Il exerçait une pratique privée en matière de litige en matière immobilière et commerciale. La mère issue d'une famille du clergé, fille d'un sacristain et d'un malteur, est décédée alors que le futur dramaturge avait huit ans. Ostrovsky passe son enfance et sa petite jeunesse à Zamoskvorechye - un coin spécial de Moscou avec sa vie marchande et bourgeoise établie. Alexander est devenu accro à la lecture lorsqu'il était enfant, reçoit une bonne éducation à la maison, connaît le grec, le latin, le français, l'allemand et plus tard l'anglais, l'italien et l'espagnol. Quand Alexandre avait treize ans, son père se maria une seconde fois avec la fille d’un baron suédois russifié, qui ne s’impliquait pas beaucoup dans l’éducation des enfants issus du premier mariage de son mari. Avec son arrivée, le mode de vie du ménage change sensiblement, la vie officielle est remodelée de manière noble, l'environnement change, de nouveaux discours se font entendre dans la maison.
A cette époque, le futur dramaturge avait relu presque toute la bibliothèque de son père. De 1835 à 1840 - Ostrovsky étudie au premier gymnase de Moscou. En 1840, après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, il fut inscrit à la faculté de droit de l'Université de Moscou. À l'université, l'étudiant en droit Ostrovsky a eu la chance d'écouter les conférences d'experts en histoire, droit et littérature tels que T.N. Granovsky, N.I. Krylov, député. Pogodine. Ici, pour la première fois, le futur auteur de « Minine » et « Voevoda » découvre la richesse des chroniques russes, la langue se présente devant lui dans une perspective historique. Mais en 1843, Ostrovsky quitta l'université, ne voulant pas repasser l'examen. En même temps, il entra au bureau du tribunal de conscience de Moscou, puis servit au tribunal de commerce (1845-1851). Cette expérience a joué un rôle important dans l'œuvre d'Ostrovsky. La deuxième université est le Théâtre Maly. Devenu accro à la scène dès ses années de lycée, Ostrovsky est devenu un habitué du plus ancien théâtre russe. 1847 - dans le "Dépliant de la ville de Moscou", Ostrovsky publie la première ébauche de la future comédie "Notre peuple - Nous serons numérotés" sous le titre "Le débiteur insolvable", puis la comédie "Image du bonheur familial" (plus tard "Image de famille ") et l'essai en prose "Notes d'un résident de Zamoskvoretsky" . "Le jour le plus mémorable de ma vie", se souvient Ostrovsky, "le 14 février 1847... À partir de ce jour, j'ai commencé à me considérer comme un écrivain russe et, sans doute ni hésitation, j'ai cru en ma vocation". La comédie d'Ostrovsky "Notre peuple - Soyons numérotés" (titre original - "Bankrut", achevée fin 1849) apporte la reconnaissance à Ostrovsky. Même avant sa publication, il est devenu populaire (selon la lecture de l'auteur et de P.M. Sadovsky), a suscité des réponses approbatrices de N.V. Gogol, I.A. Gontcharova, T.H. Granovsky et d'autres. "Il a commencé d'une manière extraordinaire..." témoigne I.S. Tourgueniev. Sa première grande pièce, « We Will Be Numbered as Our Own People », a fait une énorme impression. On l'appelait la « Tartuffe » russe, le « brigadier » du XIXe siècle, le « malheur de l'esprit » du marchand, comparé à « l'inspecteur général » ; Hier, le nom encore inconnu d'Ostrovsky a été placé à côté des noms des plus grands auteurs de comédie - Molière, Fonvizine, Griboïedov, Gogol.
Possédant un tempérament social extraordinaire, Ostrovsky a passé toute sa vie à lutter activement pour la création d'un nouveau type de théâtre réaliste, pour un répertoire national véritablement artistique et pour une nouvelle éthique de l'acteur. Il crée le cercle artistique de Moscou en 1865, fonde et dirige la Société des écrivains dramatiques russes (1870), écrit de nombreuses « Notes », « Projets », « Considérations » à divers départements, proposant de prendre des mesures urgentes pour arrêter le déclin. arts théâtraux. L'œuvre d'Ostrovsky a eu une influence décisive sur le développement du drame et du théâtre russes. En tant que dramaturge et metteur en scène, Ostrovsky a contribué à la formation nouvelle école jeu réaliste, promotion d'une galaxie d'acteurs (notamment au Théâtre Maly de Moscou : la famille Sadovsky, S.V. Vasiliev, L.P. Kositskaya, plus tard G.N. Fedotova, M.N. Ermolova, etc.). La biographie théâtrale d'Ostrovsky ne coïncidait pas avec sa biographie littéraire. Le public a découvert ses pièces dans un ordre complètement différent de celui dans lequel elles ont été écrites et publiées.
Six ans seulement après le début de la publication d'Ostrovsky, le 14 janvier 1853, le rideau se levait sur la première représentation de la comédie « Ne montez pas dans votre propre traîneau » au Théâtre Maly. La première pièce présentée au public était la sixième pièce achevée d'Ostrovsky. Dans le même temps, le dramaturge a contracté un mariage civil avec la fille Agafya Ivanovna Ivanova (qui a eu quatre enfants de lui), ce qui a entraîné une rupture des relations avec son père. Selon des témoins oculaires, c'était une femme gentille et chaleureuse, à qui Ostrovsky devait une grande partie de sa connaissance de la vie moscovite. En 1869, après la mort d'Agafya Ivanovna des suites de la tuberculose, Ostrovsky contracta un nouveau mariage avec l'actrice du Théâtre Maly Maria Vasilyeva. De son deuxième mariage, l'écrivain a eu cinq enfants. Membre correspondant de l'Académie impériale des sciences de Saint-Pétersbourg (1863) Les vues littéraires d'Ostrovsky se sont formées sous l'influence de l'esthétique de V.G. Belinsky. Pour Ostrovsky, comme pour d'autres écrivains qui ont débuté dans les années 40, un artiste est une sorte de chercheur-« physiologiste » qui soumet diverses parties de l'organisme social à une étude particulière, ouvrant ainsi à ses contemporains des domaines de la vie encore inexplorés. DANS espace ouvert Ces tendances ont trouvé leur expression dans le genre de ce qu’on appelle « l’essai physiologique », très répandu dans la littérature des années 40 et 50.
Ostrovsky était l’un des représentants les plus convaincus de cette tendance. Beaucoup de ses premières œuvres ont été écrites à la manière d'une « esquisse physiologique » (esquisses de la vie de Zamoskvoretsky ; esquisses dramatiques et « peintures » : « Image de famille », « Matin d'un jeune homme », « Un cas inattendu » ; plus tard, en 1857, « Les personnages n'étaient pas d'accord »). Dans une réfraction plus complexe, les caractéristiques de ce style se reflètent dans la plupart des autres œuvres d’Ostrovsky : il étudie la vie de son époque, l’observant comme au microscope, en chercheur et expérimentateur attentif. Ceci est clairement démontré par les journaux de ses voyages à travers la Russie et en particulier par les documents d'un voyage de plusieurs mois (1865) le long de la haute Volga dans le but d'un examen complet de la région. Le rapport publié par Ostrovsky sur ce voyage et les brouillons de notes représentent une sorte d'encyclopédie d'informations sur l'économie, la composition de la population, les coutumes et la morale de cette région. Dans le même temps, Ostrovsky ne cesse pas d'être un artiste - après ce voyage, le paysage de la Volga comme leitmotiv poétique est inclus dans plusieurs de ses pièces, en commençant par « L'Orage » et en terminant par « Dot » et « Voevoda (Dream sur la Volga). Par ailleurs, l'idée d'un cycle de pièces de théâtre intitulé « Nuits sur la Volga » surgit (partiellement réalisée). « Coupable sans culpabilité » est le dernier des chefs-d’œuvre d’Ostrovsky. En août 1883, juste au moment où il travaillait sur cette pièce, le dramaturge écrivait à son frère : « Le souci de l'écrivain : il y a beaucoup de choses qui ont été commencées, il y a de bonnes intrigues, mais... elles sont gênantes, il faut choisir quelque chose de plus petit. Je vis déjà ma vie. " "Quand aurai-je le temps de parler et d'aller dans ma tombe sans faire tout ce que je pouvais faire?" À la fin de sa vie, Ostrovsky a finalement atteint la richesse matérielle (il a reçu une pension à vie de 3 000 roubles) et en 1884, il a pris le poste de chef du département de répertoire des théâtres de Moscou (le dramaturge rêvait de servir le théâtre toute sa vie). vie). Mais sa santé était mise à mal, ses forces étaient épuisées. Ostrovsky n'a pas seulement enseigné, il a aussi étudié.
Les nombreuses expériences d’Ostrovsky dans le domaine de la traduction de la littérature dramatique ancienne, anglaise, espagnole, italienne et française ne témoignent pas seulement de son excellente connaissance de littérature dramatique de tous les temps et de tous les peuples, mais ils ont également été considérés à juste titre par les chercheurs de son œuvre comme une sorte d'école de talent dramatique, qu'Ostrovsky a étudiée tout au long de sa vie (il a commencé en 1850 avec une traduction de la comédie de Shakespeare « La Mégère apprivoisée »). . La mort l'a trouvé traduisant la tragédie de Shakespeare "Antoine et Cléopâtre") le 2 (14) juin 1886 dans le domaine de Shchelykovo, région de Kostroma, à cause d'une maladie héréditaire - l'angine de poitrine. Il est allé dans sa tombe sans avoir fait tout ce qu'il aurait pu faire, mais il a fait une somme extraordinaire. Après la mort de l'écrivain, la Douma de Moscou a créé une salle de lecture nommée d'après A.N. Ostrovski. le 27 mai 1929, à Moscou, le Place du Théâtre Devant le Théâtre Maly, où étaient jouées ses pièces, un monument à Ostrovsky a été inauguré (sculpteur N.A. Andreev, architecte I.P. Mashkov). UN. Ostrovsky est répertorié dans le Livre des records russe Divo comme « le dramaturge le plus prolifique » (1993). L'œuvre d'Ostrovsky peut être divisée en trois périodes : 1ère - (1847-1860), 2ème - (1850-1875), 3ème - (1875-1886). PREMIÈRE PÉRIODE (1847-1860) Cela comprend des pièces reflétant la vie de la Russie d'avant la réforme. Au début de cette période, Ostrovsky collabora activement en tant qu'éditeur et critique avec la revue Moskvityanin, y publiant ses pièces. D'abord comme continuateur de la tradition accusatrice de Gogol (« Nous serons notre propre peuple », « Pauvre fiancée », « Nous ne nous entendions pas »), puis, en partie sous l'influence du principal idéologue de la revue « Moskvitianin » Les AA Grigoriev, dans les pièces d'Ostrovsky, les motifs d'idéalisation du patriarcat russe et des coutumes de l'Antiquité commencent à résonner (« Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau » (1852), « La pauvreté n'est pas un vice » (1853), « Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau » (1852), « La pauvreté n'est pas un vice » (1853), « Ne vivez comme vous voulez » (1854). Ces sentiments étouffent le pathos critique d'Ostrovsky. Depuis 1856, Ostrovsky, collaborateur régulier de la revue Sovremennik, s'est rapproché des figures du journalisme démocratique russe au cours des années d'essor social avant le paysan. réforme de 1861, la critique sociale dans son œuvre s'intensifie à nouveau, le drame des conflits devient plus aigu ("Dans le festin de quelqu'un d'autre." gueule de bois" (1855), "Lieu rentable" (1856), "Orage", (1859). DEUXIÈME PÉRIODE (1860-1875) Cela comprend des pièces reflétant la vie de la Russie après la réforme. Ostrovsky continue d'écrire des comédies et des drames de tous les jours (". Des journées difficiles", 1863, "Jokers", 1864, "Les Abysses", 1865), - toujours très talentueux, mais consolidant plutôt des motifs déjà trouvés que d'en maîtriser de nouveaux. A cette époque, Ostrovsky se tourna également vers les problèmes de l'histoire russe, vers un thème patriotique. S'appuyant sur l'étude d'un large éventail de sources, il crée un cycle de pièces historiques : « Kozma Zakharyich Minin - Sukhoruk » (1861 ; 2e édition 1866), « Voevoda » (1864 ; 2e édition 1885), « Dmitry ». le prétendant et Vasily Shuisky » (1866), « Touchino » (1866). En outre, une série de comédies satiriques a été créée (« La simplicité suffit à chaque homme sage » (1868), « Warm Heart » (1868), « Mad Argent" (1869), "Forêt" (1870), "Loups et moutons" (1875), le poème dramatique en vers "La Fille des neiges" (1873) se distingue parmi les pièces de la deuxième période - "le printemps". conte de fées", selon la définition de l'auteur, créé sur la base de contes populaires, de croyances, de coutumes. TROISIÈME PÉRIODE (1875 - 1886) Presque toutes les œuvres dramatiques d'Ostrovsky des années 70 et du début des années 80 sont publiées dans la revue Otechestvennye zapiski. Au cours de cette période, Ostrovsky a créé d'importants drames et comédies socio-psychologiques sur destins tragiques des femmes riches et sensibles dans le monde du cynisme et de l'intérêt personnel (« Dot », 1878, « La dernière victime », 1878, « Talents et admirateurs », 1882, etc.). Ici l'écrivain développe de nouvelles formes expressivité scénique, anticipant à certains égards les pièces d'A.P. Tchekhov : tout en conservant les traits caractéristiques de sa dramaturgie, Ostrovsky s'efforce d'incarner la « lutte interne » dans « une comédie intelligente et subtile » (voir « A.N. Ostrovsky dans les mémoires de ses contemporains », 1966, p. 294). Le dramaturge est resté dans l'histoire de la littérature russe non seulement comme « Colomb de Zamoskvorechye », comme l'appelait la critique littéraire, mais aussi comme le créateur du théâtre démocratique russe, qui a appliqué les acquis de la prose psychologique russe du XIXe siècle à la pratique théâtrale. Ostrovsky est un exemple rare de longévité sur scène ; ses pièces ne quittent pas la scène - c'est le signe d'un écrivain vraiment populaire. Le drame d'Ostrovsky englobait toute la Russie : son mode de vie, ses coutumes, son histoire, ses contes de fées, sa poésie. Il nous est même difficile d’imaginer à quel point notre idée de la Russie, du peuple russe, de la nature russe et même de nous-mêmes serait plus pauvre si le monde des créations d’Ostrovsky n’existait pas pour nous. Non pas avec une froide curiosité, mais avec pitié et colère, nous regardons la vie incarnée dans les pièces d’Ostrovsky. Sympathie pour les défavorisés et indignation contre le « royaume des ténèbres » - tels sont les sentiments qu'a éprouvés le dramaturge et qu'il évoque invariablement en nous. Mais nous sommes particulièrement proches de l'espérance et de la foi qui ont toujours vécu dans ce merveilleux artiste. Et nous savons que cette espérance est pour nous, c'est la foi en nous.
Dramaturge de créativité du répertoire Ostrovsky