Dans cette leçon, nous apprendrons ce que véhicule l'œuvre « Woe from Wit ». Nous examinerons également la langue dans laquelle la comédie est écrite.
Sujet : Chefs-d'œuvre russes littérature du 19ème siècle siècle
Leçon : Caractéristiques des personnages et langage de la comédie « Woe from Wit »
Nous continuons à parler de la comédie "Woe from Wit". Chaque fois que nous parlons de langue, nous ressentons un certain sentiment d’ennui. Le fait est que les cours de russe qui ont eu lieu à l'école ces dernières années et qui ont lieu aujourd'hui évoquent généralement le même ennui. Mais il n’y a rien de plus amusant que le langage de la comédie, qui donne constamment des raisons de rire.
Les styles de discours comme moyen de caractérisation
Il existe une explication assez claire de la façon dont les modes d'expression verbale, appelés caractéristiques stylistiques discours. Le style de discours détermine principalement tout ce que le discours peut accomplir. Le style est une manière de parler déterminée par son objectif.
L'histoire commence avec Griboïedov théâtre moderne en Russie. Chacun des personnages de sa comédie parle d'une manière très particulière, et il y a un personnage qui reste généralement silencieux, silencieux jusqu'à ce qu'on le force à dire quelque chose, il s'appelle Molchalin. Chaque personnage se caractérise le plus par le style avec lequel il construit son discours. Lizonka, flottant de phrases légères d'un interlocuteur à l'autre. Sophia, qui construit son discours comme une page de traduction de Français roman. Chatsky, qui s'enflamme avec ses tirades comme un orateur réunissant un cercle autour de lui lors d'un bal mondain. Famusov, combinant habilement ses enseignements, ses enseignements moraux et les ordres qu'il donne à ses subordonnés. Chacun d'eux a le sien style individuel. Par la façon dont le caractère de chacun est révélé dans ces remarques, nous pouvons contrôler l’intégrité du plan.
Il existe une légende selon laquelle Griboïedov a essayé pour la première fois de lire sa comédie par I.A. Krylov, qui maîtrisait parfaitement la liberté d'expression, détendu, combinant facilement différents personnages. Ainsi, selon cette version, Griboïedov a convenu avec Krylov qu'il écouterait autant qu'il le voudrait, au moment même où il serait fatigué, il pourrait se lever et partir. Krylov avait la réputation d'être un vieil homme grossier et direct qui évitait la décence sociale et les formalités. Krylov n'a pas interrompu la lecture de Griboïedov, puis l'a serré dans ses bras, l'a embrassé et l'a reconnu comme son successeur.
Un écrivain plein d’esprit a une expression très précise : « Le rire, c’est révéler la bêtise de quelqu’un. » Ainsi, la comédie de Griboïedov est construite sur la dénonciation de la stupidité. La langue est le principal moyen de l’exposer.
Nous parlons du sens exprimé dans les formes de discours. Le sens de ce que fait Griboïedov est que les personnages ne sont pas représentés, mais que les sentiments qui l'entraînent avec eux sont directement exprimés. personnages de scène. Les spectateurs, les acteurs et les lecteurs se reconnaissent en eux, ainsi que leurs contemporains et leurs connaissances.
La comédie de Griboïedov a été réécrite à plusieurs reprises. Cette méthode a contribué au développement de la comédie tout au long de son existence jusqu’à sa production sur scène en 1833, après la mort de Griboïedov. La comédie existe dans oralement. C’est exactement ce qu’imaginait A.S. Pouchkine, l'un des auditeurs les plus réfléchis, pas des lecteurs. En 1825, dans une lettre à Bestoujev, Pouchkine écrivait ceci : « J'ai écouté Chatsky, mais une seule fois et pas avec l'attention qu'il mérite. C’est ce que j’ai entrevu. Tout ce que Pouchkine remarque, il le remarque à l'oreille, et pour que nous puissions comprendre et apprécier comment Griboïedov sculpte les personnages à l'aide du langage, il est fondamentalement important pour nous d'entendre et de ne pas voir ce texte. Tout comme un sculpteur sculpte l'argile avec ses mains, créant ce qu'il veut montrer au spectateur, ainsi un dramaturge, à l'aide de mots, à l'aide d'images sonores, sculpte ce qu'il veut montrer. Ainsi, en décrivant ses personnages avec des sons, le dramaturge nous propose une tâche de perception très spécifique. Tous les dramaturges ont créé leurs histoires à peu près de la même manière. œuvres dramatiques. "Un écrivain dramatique doit être jugé selon les lois qu'il a lui-même reconnues au-dessus de lui-même" - ce sont les mots que Pouchkine a écrit dans cette même lettre à Bestoujev, où l'on parlait de l'audition de Chatsky. Le personnage principal de Pouchkine n'est pas Famusov, mais Chatsky, dont le discours contient toutes les impressions que Griboïedov veut exprimer plastiquement. Il exprime les sentiments que partage sa génération.
Les tirades de Chatsky
De tous les discours que les personnages de Griboïedov prononcent depuis la scène, les tirades prononcées par Chatsky sonnent de la manière la plus expressive et la plus claire. Ce n’est pas pour rien que Pouchkine a dit qu’il « écoutait Chatsky ». Famusov, avec tous ses discours, construit un traité sur le déclin de la morale contemporain de celuiépoque de la Russie. Tout ce que Chatsky lui répond est une réponse à un changement de morale, à la nécessité de reconsidérer les convictions politiques et étatiques qui ont guidé les peuples du siècle dernier. En substance, la dispute entre pères et fils, qui se poursuivra ensuite dans toute la littérature russe, atteint au tout début haute tension et une netteté extrême. En réponse au monologue de Famusov sur l'oncle Maxim Petrovich, Chatsky prononce quelque chose qui porte la principale différence sémantique, l'opposition de ce qui est idée principale le siècle présent et l'idée du siècle passé. Tout ce qu'il dit est intelligent. Mais ce qui nous importe, ce n’est pas ce qu’il dit, mais comment. La ferveur avec laquelle toute cette séquence de pensées est présentée est d’un intérêt tout particulier.
"..Et justement, le monde a commencé à devenir stupide,
Vous pouvez dire avec un soupir ;
Comment comparer et voir
Le siècle présent et le passé :
La légende est fraîche, mais difficile à croire,
Comme il était célèbre, dont le cou se courbait le plus souvent ;
Comme ce n'était pas en guerre, mais en paix, ils l'ont pris de front,
Ils ont touché le sol sans regret !
Qui en a besoin : ceux-là sont arrogants, ils gisent dans la poussière,
Et pour ceux qui sont plus élevés, la flatterie était tissée comme de la dentelle.
C'était une époque d'obéissance et de peur,
Tout cela sous couvert de zèle pour le roi.
Je ne parle pas de votre oncle ;
Nous ne dérangerons pas ses cendres :
Mais en attendant, qui mènera la chasse ?
Même dans la servilité la plus ardente,
Maintenant, pour faire rire les gens,
Sacrifier courageusement l’arrière de votre tête ?.. »
Dans la manière dont Chatsky construit les périodes de son discours, des traces claires de la rhétorique de la science même que Griboïedov a étudiée à l'internat noble de l'université sont visibles. Ce sont des périodes rhétoriques, construites dans le strict respect des canons de la rhétorique ancienne. Chatsky parle comme un homme d'État, contrairement à Famusov, qui se considère comme un militaire. «Je serais heureux de servir, mais être servi est écoeurant», déclare Chatsky.
Et voici comment Chatsky termine son monologue :
"... Bien qu'il y ait des chasseurs partout pour être méchants,
Oui, aujourd’hui le rire fait peur et maîtrise la honte ;
Ce n’est pas pour rien que les souverains les privilégient avec parcimonie… »
En évoquant le rire et la honte, Chatsky amène généralement le différend avec Famusov sur un autre plan. Le rire arrête une personne avant de commettre une action ; c'est le rire, que nous appelons aujourd'hui l'opinion publique. Pour Famusov, un tel concept n’existe pas du tout. Oui, il y a l'opinion de la princesse Marya Alekseevna, qui peut affecter sa réputation, mais le concept de « opinion publique« Famusov ne l’a pas. Mais Chatsky est précisément guidé par cette idée : il estime que l'opinion de la société est plus importante que l'opinion des individus. Il y a aussi le concept de honte, que Famusov n'a pas, mais pour Chatsky il est décisif. Le discours des personnages s'avère complètement différents niveaux conscience.
La structure de cette langue nécessite une explication particulière. Le fait est que dans notre discours de tous les jours nous utilisons un langage déterminé par la situation. Parfois, nous parlons dans un langage formel et strict, mais dans la plupart des cas, nous parlons dans le langage de tous les jours. Le langage courant n'a pas certaines règles ; nous ne pouvons pas terminer des phrases ou des mots. Nous pouvons simplement laisser des indices sans révéler notre pensée, même si elle sera claire. Cette langue est similaire à la langue des signes. Les mots peuvent être remplacés par des gestes ou des expressions faciales.
Ce langage quotidien vivant et spontané, totalement inacceptable dans les livres, est nécessaire au discours scénique. Afin de se faire une idée de la personne sur scène, il faut transmettre par petits traits, avec des mots séparés, le sentiment de communiquer avec cette personne. C’est comme si nous communiquions avec les personnages que Griboïedov met en scène. Le principe de l’unité de lieu est respecté : toute l’action se déroule en même temps sur la scène, conçue comme une pièce de la maison des Famusov et très organiquement liée au cinéma maison où doit être présentée la comédie de Griboïedov. Le principe de l'unité d'action est respecté : tout ce qui se passe dans la comédie de Griboïedov se produit inextricablement, d'un seul tenant - ici et maintenant. La maison de Famusov devient une sorte de similitude avec la maison dans laquelle se trouve ce cinéma maison.
Unité de temps, unité de lieu, unité d'action - les trois principes formels du drame classique pour Griboïedov s'avèrent être un dispositif d'un type complètement différent. Il s’agit d’une technique qui permet une perception directe et naturelle de tout ce qui se passe sur scène et dans la salle également. La scène et la salle ont quelque chose en commun, et les phrases entendues sur scène sont perçues comme une conversation directe avec salle. Il y a donc une sorte de corde raide. Dans une conversation entre deux personnes, on a le sentiment qu'elles se comprennent à partir d'un demi-mot, à partir d'un demi-regard, parfois elles se comprennent sans aucun mot. Nous les comprenons également sans mots. Les mots prononcés en même temps ne servent qu’à entretenir cette tension émotionnelle.
Considérez la première scène de la comédie. Lizonka est assise dans le salon, gardant la paix de Sophia et Molchalin, et soudain maître Famusov entre... La façon dont ils échangent des phrases dans cette situation, exprimant ces mêmes sentiments sur lesquels il n'y a aucun moyen de le dire, illustre notre thèse. Le maître est entré, Lizonka avait peur, maintenant le maître découvre que Sophia est dans la chambre avec un homme, et cet homme est Molchalin, qui n'a pas sa place dans la chambre de la jeune femme. Cette peur ne peut donc pas être racontée, elle peut seulement être montrée. Voici comment cela se passe :
Lisa
Oh! maître!
Famussov
Maître, oui.
Après tout, quelle vilaine fille tu es.
Je n’arrivais pas à comprendre de quel genre de problème il s’agissait !
Maintenant vous entendez une flûte, maintenant c'est comme un piano ;
Serait-ce trop tôt pour Sophia ??
Lisa
Non, monsieur, je... juste par hasard...
Famussov
Par hasard, faites attention à vous ;
Oui, c'est vrai, avec intention.
Oh! potion, spoiler.
Et puis Famusov s'accroche à Lisa. Il est clair que les mots dans ce cas sont ceux la parole signifie, moyens d'expression plastiques, se retrouvent dans une sorte de contradiction avec les significations qui en découlent. Alors pour vous et moi, ce qui est important, ce n’est pas ce qui se dit dans une comédie, mais la manière dont parlent les personnages. Et cela est crucial pour la perception de toute œuvre dramatique.
Dans ce que dit chacun des personnages, on peut trouver des signes d'intelligence, et des signes de bêtise, et des signes de cette grande folie qui distingue les sages. Mais à chaque fois, ces mots n'acquièrent leur vrai sens et leur sens que lorsqu'ils sonnent avec l'intonation, le rythme de la parole, ainsi que le sens que l'acteur y met.
Pouchkine, dans une lettre que nous connaissons déjà à Bestoujev, dit que Chatsky est « un homme ardent, noble et gentil qui a passé du temps avec un homme très personne intelligente" Alors il dit des choses très intelligentes, mais à qui dit-il ? Il dit cela aux imbéciles. "Est-ce que ça vaut la peine de jeter des perles devant Repetilov ?" - écrit Pouchkine et demande de remettre cette lettre à Griboïedov. Il est bien évident que Chatsky n’est pas le porte-parole de l’idée de l’auteur, que nous avons l’habitude de rencontrer sur scène dans le drame classique. C'est un personnage complètement indépendant. Et l'auteur Griboïedov est un homme aux qualités épiques qui l'a imprégné de pensées. De la même manière, nous pouvons parler de chaque personnage d'une comédie, qu'il soit intelligent ou stupide, qu'il soit méchant ou gentil, cela dépend de la façon dont l'acteur le fait. Plus tard, cela dépendait du réalisateur, qui dictait sa volonté aux acteurs. Et la façon dont le lecteur, le spectateur, l'auditeur le percevra dépend de lui.
Le langage du spectateur et celui de l'acteur dans la salle doivent coïncider - c'est très condition importante. La réplique qui retentit depuis la scène doit être perçue dans la salle comme si elle était vivante, comme une adresse au public. Tout ce que disent les personnages sur scène ne s'adresse pas tant les uns aux autres qu'à salle. C'est absolument accueil spécial, réception de ce stand de foire théâtre folklorique, à partir duquel est né à la fois le théâtre européen, bientôt imité par les classiques russes, et son propre théâtre russe. Mais le théâtre de Griboïedov ne s’oriente pas vers Shakespeare, Molière, Schiller, il s’oriente surtout vers cette querelle très populaire du lancer de mots qui existe dans les stands de foire. Les personnages échangent des mots comme des jongleurs lancent différents objets dans l'arène. En ce sens, Griboïedov a apparemment jeté les bases d’un théâtre qui n’était pas encore né en Europe à cette époque. Un théâtre qui apparaîtra au XXe siècle et qui se retrouvera dans une autre crise au XXIe siècle. Mais c'est le sujet de nos prochaines leçons.
1. Korovina V.Ya., Zhuravlev V.P., Korovin V.I. Littérature. 9e année. M. : Éducation, 2008.
2. Ladygin M.B., Esin A.B., Nefedova N.A. Littérature. 9e année. M. : Outarde, 2011.
3. Chertov V.F., Trubina L.A., Antipova A.M. Littérature. 9e année. M. : Éducation, 2012.
1. Parlez-nous des caractéristiques de la comédie « Woe from Wit »
2. Pourquoi Chatsky est-il le personnage principal de la comédie pour Pouchkine ?
3. Le langage du spectateur et le langage de l'acteur, quelle est leur particularité ?
Le langage de la comédie « Malheur de l’esprit » de A. S. Griboïedov
La comédie « Malheur de l'esprit » de A. S. Griboïedov, écrite entre 1815 et 1820 et publiée en 1824, reste dans la littérature russe le plus grand monument. L'auteur, qui disait de lui-même : « Comme je vis, j'écris librement et librement », a créé une œuvre qui a marqué l'émergence d'un nouveau style artistique réaliste pour la littérature russe du XIXe siècle.
Griboïedov a également déclaré qu'il s'efforçait de décrire la « nature des événements », qui était pour lui à la fois une source et un sujet d'art. Mais en même temps, il n’a pas pour ambition de copier la réalité ; il qualifie les images naturalistes de caricatures : « Je déteste les caricatures, vous n’en trouverez pas dans mon tableau. C'est ma poésie." C'était la poétique d'un artiste réaliste qui, grâce au pouvoir de l'art, transforme la « nature des événements » et parvient à en souligner ce qu'ils ont de plus essentiel et de plus typique. Griboïedov était le même artiste réaliste et innovateur dans le domaine langue littéraire. En résolvant les problèmes de langage, il était en avance sur la plupart des écrivains - ses contemporains. Le critique Orlov croyait que, avec Krylov et Pouchkine, Griboïedov était le véritable créateur de notre langue littéraire. D'une part, il cherchait à s'éloigner du langage doux et impersonnel des comédies d'amour profanes, écrites par des dramaturges à la mode à cette époque. D’un autre côté, il essayait de débarrasser ses vers des lourdes techniques de discours des livres anciens.
Griboïedov considérait que sa tâche artistique était l'enrichissement du langage littéraire par la pratique vivante. discours familier. Par conséquent, dans "Woe from Wit", il a largement utilisé un langage familier et, en outre, a doté chacun de ses personnages de son propre caractéristiques de la parole. Ainsi, le discours de Skalozub est plein de termes militaires, de phrases semblables à des ordres militaires, d'expressions militaires grossières : « vous ne pouvez pas vous évanouir en apprenant », « enseignez à notre manière : un, deux ». Le discours silencieux est laconique, insinuant, délicat, rempli de paroles respectueuses. La dame moscovite expérimentée Khlestova parle dans un langage grossier et sans cérémonie, reflétant clairement son essence. Le discours de Chatsky est très diversifié et riche en nuances. Cela ressemble soit à une sensibilité romantique, soit à une passion ardente, soit à une satire dure, exposant les vices de la société Famus. En même temps, il est capable de révéler avec précision et expressivité la faible essence des représentants de cette société en seulement deux ou trois mots. Le héros ressent subtilement l'originalité et la richesse de sa langue maternelle. Étant un homme de haute culture, il a rarement recours à mots étrangers, en faisant consciemment son principe : « pour que notre peuple intelligent et joyeux, même par la langue, ne nous considère pas comme des Allemands ». On ne peut pas en dire autant du discours du seigneur Moscou, dans lequel apparaît un monstrueux mélange de français et de Nijni Novgorod. Dans sa comédie, Griboïedov ridiculise subtilement et méchamment le fait que la majorité des représentants de la noblesse ne parlent pas leur langue maternelle.
La communauté littéraire des années 20 du XIXe siècle était ravie de l'habileté avec laquelle Griboïedov « transformait » la « langue familière » vivante en rimes faciles. Parler de comédies en versà cette époque, le critique V.F. Odoevsky écrivait : « Chez Griboïedov seul, nous trouvons une langue détendue, facile, tout à fait similaire à celle qui est parlée dans nos sociétés ; chez lui seul, nous trouvons la saveur russe dans sa syllabe. » L’éclat et la nationalité du langage poétique de la comédie de Griboïedov ont suscité des critiques élogieuses non seulement de la part de ses contemporains. I. A. Gontcharov, qui a écrit en 1872 l'article de critique littéraire « Un million de tourments », qui reste jusqu'à présent un ouvrage classique sur la comédie « Malheur de l'esprit », était ravi de sa vivacité de conversation, de son aphorisme et de sa précision. « Sel, épigramme, satire, ce vers familier, écrit-il, semble ne jamais mourir, tout comme l'esprit russe vif et caustique et vivant qui y est dispersé, que Griboïedov a emprisonné, comme une sorte d'esprit sorcier, dans son château, et il y éclate d'un rire diabolique. Il est impossible d’imaginer qu’un autre discours, plus naturel, plus simple, plus tiré du vivant, puisse un jour apparaître. La prose et le vers se sont alors fondus ici en quelque chose d'inséparable, semble-t-il, afin qu'il soit plus facile de les retenir en mémoire et de remettre en circulation toute l'intelligence, l'humour, les plaisanteries et la colère de l'auteur de l'esprit et de la langue russes.
Le vers de la comédie, ainsi que son langage, ont étonné les contemporains par sa facilité et son naturel. En utilisant l'hexamètre iambique habituel, il l'intercale en même temps avec d'autres mètres - du monomètre au pentamètre. Grâce à cela, ses vers deviennent légers, colorés et diversifiés. La forme poétique elle-même dans « Woe from Wit » apporte beaucoup de nouveautés. Ici, l'auteur a atteint une étonnante légèreté de vers, qui est presque imperceptible dans le dialogue et en même temps inhabituellement claire et expressive. Le style d'écriture libre de Griboïedov a préparé la transition du drame russe, en particulier de la comédie, vers le langage en prose.
Il a créé une œuvre qui reste encore dans la littérature russe le plus grand monument du réalisme linguistique, reflétant toute la diversité, toute la flexibilité du discours russe vivant. Il s’est tourné vers les richesses de la langue nationale commune et en a beaucoup appris. D'un autre côté, et son travail créatif est devenu propriété publique. On dit souvent : « Bienheureux celui qui croit… », « heures heureuses ils n'observent pas », « la légende est fraîche, mais elle est difficile à croire », sans même remarquer que nous parlons dans la poésie de Griboïedov.
Le langage de "Woe from Wit" différait considérablement du langage de la comédie de ces années-là. Griboïedov opposait l’esthétisme et la sensibilité sentimentalistes, ainsi que la « théorie classique des trois calmes », au principe réaliste de la nationalité. Le discours des personnages de la pièce est d'abord celui qu'on pouvait effectivement entendre dans les salons et les salons, « en se promenant sous le porche », dans les auberges, dans les clubs et dans les réunions d'officiers. Un tel rejet des principes fondamentaux des belles lettres a suscité une controverse critique. Dmitriev, déjà mentionné, a reproché à Griboïedov un certain nombre de phrases et de modèles de discours qui, de l’avis du critique, ne pouvaient être acceptables en littérature. Cependant, la plupart des critiques ont loué l'innovation linguistique du dramaturge. "Je ne parle pas de poésie, la moitié devrait devenir un proverbe" - c'est ainsi que Pouchkine a évalué les compétences de Griboïedov. « Quant aux poèmes avec lesquels « Malheur de l'esprit » est écrit, à cet égard, Griboïedov a longtemps tué toute possibilité de comédie russe en vers pour continuer avec succès l'œuvre commencée par Griboïedov. ", a écrit Belinsky dans l'un de ses articles.
En effet, de nombreuses lignes de la comédie ont commencé à être perçues comme des aphorismes, slogans, vivant leur vie indépendante. Dire : « Les gens heureux ne regardent pas l’heure » ; « Je suis entré dans une pièce et je me suis retrouvé dans une autre » ; « le péché n'est pas un problème, la rumeur n'est pas bonne » ; « et le chagrin attend au coin de la rue » ; « et la fumée de la Patrie nous est douce et agréable » ; « en plus grand nombre, à un prix moins cher » ; « avec émotion, avec sens, avec arrangement » ; « Je serais heureux de servir, mais c'est écœurant d'être servi » ; « la légende est fraîche, mais difficile à croire » ; " mauvaises langues pire qu'un pistolet » ; « le héros n'est pas mon roman » ; « mentez, mais connaissez vos limites » ; « bah ! tous des visages familiers" - beaucoup de gens ne se souviennent pas d'où viennent ces phrases.
Le langage dans la comédie est à la fois un moyen d’individualisation des personnages et une méthode de typification sociale. Skalozub, par exemple, en tant que type social de militaire, utilise très souvent le vocabulaire militaire (« frunt », « grades », « sergent-major », « tranchée »), et caractéristiques individuelles ses discours reflètent sa confiance en soi et son impolitesse (« tu ne m'évanouiras pas en apprenant », « mais fais un bruit, cela te calmera instantanément »), une éducation insuffisante, se manifestant par l'incapacité de construire une phrase (« le 3 août, nous nous sommes assis dans une tranchée : elle lui a été donnée avec un arc, à moi sur le cou") et dans un choix de mots inexact ("avec cette estimation" au lieu de "netteté"). En même temps, il essaie de faire des blagues (« elle et moi n’avons pas servi ensemble »).
Le discours de Famusov est ce qu'on appelle la noble langue vernaculaire de Moscou (« ils ne soufflent la gueule à personne », « tu devrais fumer à Tver », « je t'ai fait peur », « problèmes dans le service »), rempli de formes diminutives (« à la petite croix, au shtetl", "outlet"). Ce personnage apparaît dans la pièce dans différentes situations, c'est pourquoi son discours est si varié : tantôt ironique (« Après tout, je lui ressemble un peu », dit-il à propos de Sofia à Chatsky), tantôt colérique (« Donnez-vous du travail ! Installez-vous ! »), puis effrayé.
Surtout les monologues et les remarques de Chatsky, qui apparaît comme un nouveau type social, proche dans ses caractéristiques de discours du pathos décembriste, ont nécessité beaucoup de travail d'auteur. Son discours contient souvent des questions rhétoriques (« Oh ! si quelqu'un pénétrait dans les gens : qu'y a-t-il de pire en eux ? l'âme ou le langage ? »), des inversions (« N'es-tu pas celui pour qui j'étais encore dans les linceuls, pour une sorte de projets ?" incompréhensible, ont-ils amené des enfants à s'incliner ?", des antithèses ("lui-même est gros, ses artistes sont maigres"), des exclamations et un vocabulaire particulier ("faiblesse", "le plus vil", "affamé", "esclave". ", "le plus saint"). En même temps, dans le discours de Chatsky, on retrouve le langage vernaculaire de Moscou (« okrome », « je ne m’en souviendrai pas »). Le langage du personnage principal contient le plus d'aphorismes, d'ironie et de sarcasme. De plus, ce discours véhicule un large éventail de caractéristiques psychologiques caractère : amour, colère, sympathie amicale, espoir, orgueil blessé, etc. Le langage révèle également les côtés négatifs du caractère de Chatsky : la dureté et l’obstination. Alors, à la question de Famusov : « …voudriez-vous vous marier ? - il répond : « De quoi as-tu besoin ? », et Sophia déclare : « Ton oncle a-t-il sauté de la vie ? Les monologues et les remarques du héros tombent toujours juste et il est toujours difficile de les éviter ou de les parer. Il ne manque aucune raison sérieuse, pas la moindre raison de frapper, et ne donne pas la possibilité de battre en retraite avec honneur, puis ses adversaires s'unissent. Chatsky est un véritable guerrier, comme l'a montré de manière convaincante Gontcharov, mais la guerre entraîne toujours du chagrin et de la souffrance.
La comédie de A. S. Griboïedov « Malheur de l'esprit » a été écrite après Guerre patriotique 1812, pendant la période de l'essor de la vie spirituelle de la Russie. La comédie soulevait des questions sociales d'actualité de l'époque : la situation du peuple russe, les relations entre propriétaires terriens et paysans, le pouvoir autocratique, le gaspillage insensé des nobles, l'état des Lumières, les principes d'éducation et d'éducation, l'indépendance et la liberté personnelle. , identité nationale. Le sens idéologique de la comédie réside dans l'opposition de deux forces sociales, modes de vie, visions du monde : anciennes, servage et nouvelles, progressistes, dans l'exposition de tout ce qui était arriéré et la proclamation des idées avancées de l'époque. Le conflit de la comédie est le conflit entre Chatsky et Société Famusovsky , entre « le siècle présent et le siècle passé », la société de la comédie porte le nom de Pavel Afanasyevich Famusov. Ce héros est un représentant typique de la vieille société moscovite. Il a tous les avantages qui sont valorisés ici - richesse, relations, donc Famusov est un exemple à suivre. Chatsky est un représentant du « siècle présent », un représentant des idées avancées de son temps. Ses monologues révèlent un programme politique global : il dénonce le servage et ses produits - inhumanité, hypocrisie, stupidité militaire, ignorance, faux patriotisme. Les représentants de la noblesse moscovite sont privés de toute pensée et intérêt civiques. Ils voient le sens de la vie avant tout dans le bien-être matériel et vital. Ce sont des carriéristes et des hypocrites qui sont au pouvoir et occupent une position sociale élevée. Les Famus considèrent le service uniquement comme une source de revenus, comme un moyen de recevoir des honneurs immérités. La confession de Famusov lui-même est très révélatrice : Et quelle est mon affaire, qu'est-ce qui ne l'est pas, Ma coutume est la suivante : Signé, sur vos épaules, dans la société des nobles de Moscou, des phénomènes tels que le népotisme et le népotisme sont courants. Famussov dit : « Eh bien, comment ne pas plaire à sa petite personne » et ne cache pas que ses « employés étrangers sont très rares : de plus en plus de sœurs, de belles-sœurs, d'enfants sont privés ». du sens de l’humanité, ils sont les ennemis de la liberté et les étrangleurs de l’illumination, de leur désir le plus profond : « prendre tous les livres et les brûler ». L'un d'eux échange une foule de ses serviteurs contre trois lévriers. Un autre, pour un amusement vide, conduit « les enfants rejetés de leurs mères et pères » au ballet des serfs, puis les vend un par un, dénonçant de manière satirique la noblesse locale et bureaucratique, l'ensemble du système féodal-servage, A. S. Griboïedov. Il voyait clairement les forces sociales positives de son époque : l’émergence et la croissance d’aspirations et d’idées nouvelles et progressistes. Ainsi, Skalozub se plaint à Famusov que son cousin, ayant acquis « de nouvelles règles », a négligé le rang qui le suivait, a quitté le service et « a commencé à lire des livres dans le village ». La princesse Tugoukhovskaya dit que son parent, qui a étudié à l'institut pédagogique, "ne veut pas connaître les grades !" Famussov, faisant référence à la prévalence généralisée de la libre pensée, qualifie son époque de « siècle terrible ». Mais l'éveil de la conscience nationale et sociale s'incarne le plus pleinement dans l'image de Chatsky. C'est sans aucun doute un ardent patriote, un adversaire intrépide du servage et de l'autocratie despotique, un juge impitoyable de tous les mensonges et mensonges, de tout ce qui. est hostile au nouveau, qui fait obstacle à la raison. Chatsky stigmatise l'ignorance, dénonce la noblesse et agit comme un ardent propagandiste de la science, de l'éducation et de l'art. Dans la comédie, le conflit se termine par la reconnaissance universelle de Chatsky comme fou, et le drame amoureux se termine par la révélation de l'histoire d'amour menée. par Molchalin. À la fin de la pièce, Chatsky se sent abandonné de tous et son sentiment d'aliénation par rapport à la société à laquelle il appartenait s'intensifie. Dénouement drame d'amour influence le conflit principal : Chatsky laisse toutes les contradictions non résolues et quitte Moscou Dans un affrontement avec la société Famus, Chatsky est vaincu, mais, perdant, il reste invaincu, car il comprend la nécessité de combattre le « siècle passé », ses normes, ses idéaux. , et position de vie En tant que première comédie réaliste de la nouvelle littérature russe, « Malheur de l'esprit » porte en soi les signes d'un brillant. originalité artistique. Le réalisme de la comédie se manifeste dans l'art de l'individualisation verbale des personnages : chaque héros parle dans sa propre langue, révélant ainsi son caractère unique. Griboïedov le réaliste a considérablement enrichi le langage de la nouvelle littérature russe avec des éléments de discours familier, y compris la langue vernaculaire et la maîtrise de la langue populaire. Avant Malheur de l'esprit, les comédies étaient écrites en hexamètre iambique et les dialogues perdaient la saveur d'un discours vivant.
Dans l’œuvre de Fonvizine, il y a une nette transition du classicisme, qui prédomine dans son œuvre. premiers travaux, au réalisme, qui apparaît clairement dans la comédie « Minor ».
Classicisme et réalisme dans l'œuvre
Fonvizin s'est développé en tant qu'écrivain dans les années 60 du XVIIIe siècle. Toutes ses œuvres portent, à un degré ou à un autre, l'empreinte du classicisme qui dominait la littérature de l'époque.
Mais Fonvizine, artiste original et fort, a développé surtout les côtés forts et progressistes du classicisme : le principe de « l'imitation de la nature », la dénonciation côtés obscurs la vie à la lumière de « l'esprit », l'harmonie de la composition, la clarté des images, c'est-à-dire tout cela à partir duquel a commencé la nouvelle attitude réaliste de l’artiste envers la réalité. Dans «Le Mineur», les traits du classicisme se mêlent aux traits du réalisme, et un reflet véridique et polyvalent de la vie dans des images à la fois typiques et spécifiques l'emporte ici.
La comédie est construite selon les règles du classicisme. Il observe strictement l'unité de temps et de lieu, ainsi que la division nette des héros en positifs et négatifs. Néanmoins, malgré une construction quelque peu artificielle, « Nedorosl » donne une excellente image de la réalité du servage russe. Les images des propriétaires féodaux sont éclairées si clairement et si vivement que la comédie peut à juste titre être qualifiée de merveilleuse œuvre populaire de la vie quotidienne. Côté faible la comédie est une image cadeaux: il est pâle, sommaire. L'auteur n'y dessine pas de personnages typiques des gens de son temps, mais transmet ses pensées. Et Starodum, Pravdin et Milon ne sont que des porte-parole pour proclamer les idées de l’auteur.
Le langage de la comédie "Mineur"
Contour réaliste convexe caractères négatifs et le pâle schématisme des positifs se révèlent clairement dans le langage personnages comédies. L'étroitesse d'esprit, l'impolitesse et l'ignorance de Skotinine trouvent une excellente expression dans son discours. « Chaque fois que quelque chose me vient à l’esprit, dit ce héros de basse-cour, on ne peut pas l’abattre avec un clou. » Il menace de « briser Mitrofanushka comme un diable » et le traite de « maudit cochon ». Mme Prostakova ne s'exprime pas moins grossièrement : « Laisse-moi partir, père. Donnez-moi un visage, un visage..." "Oh, c'est une bête", s'exclame-t-elle à propos de Palashka, qui est malade. Déprimé et effrayé par sa femme, M. Prostakov parle d'une manière balbutiante, obséquieuse et suppliante : « C'est un peu ample », il définit les mérites du caftan cousu pour son fils, pensant avec une telle définition faire plaisir à sa femme. "Oh, mon cher père", dit-il timidement à Pravdin à la nouvelle de l'arrivée des soldats dans le village. "Je n'ose pas me présenter à eux." Le langage des personnages négatifs révèle l'apparence individuelle de chacun. Les personnages positifs parlent tous presque le même langage : celui de l’auteur lui-même.
Saisie de caractères
Le principal avantage de la comédie réside dans sa large généralisation typique des représentants de la classe dirigeante. La typicité des Skotinins a été notée par Fonvizine lui-même. Pour lui, ces images sont collectives. "Je pense que les Skotinins sont tous volontaires de naissance", explique Starodum. Pravdin parle également de « tous » les Skotinines.
Pouchkine a également compris cette typicité. « Le couple Skotinine aux cheveux gris » apparaît dans son « Eugène Onéguine ». Et toute la noblesse provinciale représentée satiriquement par Pouchkine ressemble à bien des égards aux images des Skotinins et des Prostakov.
La comédie « Le Mineur » a eu une grande influence sur les écrivains des générations suivantes, notamment sur œuvres dramatiques Griboïedov (« Malheur à l'esprit ») et Gogol (« L'Inspecteur général », « Mariage »).