Né le 31 mars (12 avril) 1823 à Moscou, il grandit dans un milieu marchand. Sa mère est décédée quand il avait 8 ans. Et le père s'est remarié. Il y avait quatre enfants dans la famille.
Ostrovsky a fait ses études à la maison. Son père possédait une grande bibliothèque, où le petit Alexandre commença à lire de la littérature russe. Cependant, le père souhaitait donner à son fils une formation juridique. En 1835, Ostrovsky commença ses études au gymnase, puis entra à l'Université de Moscou à la Faculté de droit. En raison de ses intérêts pour le théâtre et la littérature, il n'a jamais terminé ses études universitaires (1843), après quoi il a travaillé comme scribe au tribunal sur l'insistance de son père. Ostrovsky a servi dans les tribunaux jusqu'en 1851.
La créativité d'Ostrovsky
En 1849, l’œuvre d’Ostrovsky « Notre peuple – Soyons numérotés ! » fut écrite, ce qui lui valut une renommée littéraire ; il fut très apprécié par Nikolaï Gogol et Ivan Gontcharov. Puis, malgré la censure, nombre de ses pièces de théâtre et de ses livres furent publiés. Pour Ostrovsky, les écrits sont un moyen de décrire fidèlement la vie des gens. Les pièces « L'Orage », « La dot », « La forêt » font partie de ses œuvres les plus importantes. La pièce "Dowry" d'Ostrovsky, comme d'autres drames psychologiques, décrit les personnages de manière non standard, monde intérieur, le tourment des héros.
Depuis 1856, l'écrivain participe à la publication de la revue Sovremennik.
Théâtre Ostrovski
Dans la biographie d'Alexandre Ostrovsky, le théâtre est à l'honneur.
Ostrovsky a fondé le Cercle Artistique en 1866, grâce auquel de nombreuses personnes talentueuses sont apparues dans le cercle du théâtre.
Avec le Cercle Artistique, il réforma et développa considérablement le théâtre russe.
La maison d'Ostrovsky était souvent visitée des personnes célèbres, dont I. A. Gontcharov, D. V. Grigorovich, Ivan Tourgueniev, A. F. Pisemsky, Fiodor Dostoïevski, P. M. Sadovsky, Mikhaïl Saltykov-Shchedrin, Léon Tolstoï, Piotr Tchaïkovski, M. N. Ermolova et d'autres.
Dans une brève biographie d'Ostrovsky, il convient de mentionner l'émergence en 1874 de la Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes, dont Ostrovsky était président. Grâce à ses innovations, il a amélioré la vie des acteurs de théâtre. Depuis 1885, Ostrovsky dirigeait l'école de théâtre et était à la tête du répertoire des théâtres de Moscou.
Vie personnelle de l'écrivain
On ne peut pas dire que la vie personnelle d’Ostrovsky ait été réussie. Le dramaturge vivait avec une femme issue d'une famille simple, Agafya, qui n'avait aucune éducation, mais qui fut la première à lire ses œuvres. Elle l'a soutenu dans tout. Tous leurs enfants sont morts en jeune âge. Ostrovsky a vécu avec elle pendant une vingtaine d'années. Et en 1869, il épousa l'artiste Maria Vasilievna Bakhmetyeva, qui lui donna six enfants.
dernières années de la vie
Jusqu'à la fin de sa vie, Ostrovsky a connu des difficultés financières. Le travail acharné a considérablement épuisé le corps et la santé de l’écrivain s’est de plus en plus détériorée. Ostrovsky rêvait de relancer une école de théâtre dans laquelle il serait possible d'enseigner aux professionnels agissant Cependant, la mort de l'écrivain a empêché la mise en œuvre de plans conçus depuis longtemps.
Ostrovsky est décédé le 2(14) juin 1886 dans son domaine. L'écrivain a été enterré à côté de son père, dans le village de Nikolo-Berezhki, province de Kostroma.
Tableau chronologique
Autres options de biographie
- Depuis son enfance, Ostrovsky connaissait le grec, l'allemand et le français et, plus tard, il apprit également l'anglais, l'espagnol et l'italien. Toute sa vie, il a traduit des pièces de théâtre dans différentes langues, améliorant ainsi ses compétences et ses connaissances.
- Le parcours créatif de l’écrivain s’étend sur 40 ans de travail réussi sur des œuvres littéraires et dramatiques. Ses activités ont influencé toute une époque du théâtre en Russie. Pour ses œuvres, l'écrivain reçut le prix Uvarov en 1863.
- Ostrovsky est le fondateur de l'art théâtral moderne, dont les adeptes étaient des personnalités aussi remarquables que Konstantin Stanislavsky et Mikhaïl Boulgakov.
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Drame d'Ostrovsky dot psychologique
Les services rendus par Ostrovsky au drame russe et au théâtre russe sont énormes. Depuis près de quarante ans activité créative UN. Ostrovsky a créé un riche répertoire : une cinquantaine de pièces originales, plusieurs pièces écrites en collaboration. Il a également participé à des traductions et des adaptations de pièces d'autres auteurs. A un moment donné, saluant le dramaturge à l'occasion du 35e anniversaire de sa carrière créatrice, I.A. Gontcharov a écrit : « Vous avez apporté toute une bibliothèque d'œuvres d'art en cadeau à la littérature, vous avez créé votre propre monde spécial pour la scène. Vous seul avez achevé l'édifice dont les fondations ont été posées par Fonvizine, Griboïedov, Gogol. Mais ce n’est qu’après vous que nous, Russes, pouvons dire avec fierté : « Nous avons notre propre théâtre national russe. Il devrait à juste titre s'appeler « Théâtre Ostrovsky » Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Théâtre A.N. Ostrovski. - M. : Art, 1986, p. 8..
Le talent d'Ostrovsky, qui a poursuivi les meilleures traditions du drame russe classique, affirmant le drame des personnages sociaux et de la morale, une généralisation profonde et large, a eu une influence décisive sur tout le développement ultérieur du drame russe progressiste. Dans une plus ou moins grande mesure, L. Tolstoï et Tchekhov ont appris de lui et sont venus de lui. C’est précisément à cette ligne de la dramaturgie psychologique russe, qu’Ostrovsky a si magnifiquement représentée, que la dramaturgie de Gorki est également liée. Les auteurs modernes apprennent et continueront longtemps à étudier les compétences dramatiques d’Ostrovsky.
Il serait juste de noter que même avant Ostrovsky, le théâtre progressiste russe comportait des pièces magnifiques. Souvenons-nous du « Mineur » de Fonvizine, du « Malheur de l’esprit » de Griboïedov, de « Boris Godounov » de Pouchkine, « L’Inspecteur général » de Gogol et « Mascarade » de Lermontov. Chacune de ces pièces pourrait enrichir et décorer, comme l'a écrit à juste titre Belinsky, la littérature de n'importe quel pays d'Europe occidentale.
Mais ces pièces étaient trop peu nombreuses. Et ils n'ont pas déterminé l'état du répertoire théâtral. Au sens figuré, ils s’élevaient au-dessus du niveau du drame de masse comme des montagnes solitaires et rares dans une plaine désertique sans fin. L'écrasante majorité des pièces qui remplissaient la scène théâtrale de cette époque étaient des traductions de vaudevilles vides et frivoles et de mélodrames réconfortants tissés d'horreurs et de crimes. Les vaudevilles et les mélodrames, terriblement éloignés de la vraie vie, surtout de la vraie réalité russe, n'en étaient même pas l'ombre.
Développement rapide réalisme psychologique, que l'on observe dans la seconde moitié du XIXe siècle, se manifeste également dans le théâtre. Intérêt pour personnalité humaine dans tous ses États, il a obligé les écrivains à chercher les moyens de s'exprimer. Dans le théâtre, le principal moyen était l’individualisation stylistique du langage des personnages, et le rôle principal dans le développement de cette méthode appartenait à Ostrovsky.
En outre, Ostrovsky a tenté d'aller plus loin dans le psychologisme, en s'efforçant de donner à ses personnages le maximum de liberté possible dans le cadre du plan de l'auteur - le résultat d'une telle expérience a été l'image de Katerina dans "L'Orage". Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky considérait le début de son parcours littéraire comme 1847, lorsqu'il lut la pièce « Photo de famille"dans la maison du professeur et écrivain SP. Chevyreva. Sa prochaine pièce, « Notre peuple – Soyons numérotés ! » (titre original « Faillite ») a fait connaître son nom dans toute la Russie. Depuis le début des années 50. il collabore activement à la revue de l'historien M.P. Pogodin « Moskvityanin » et bientôt, avec A.A. Grigoriev, L.A. Moi et d'autres avons formé le «jeune comité de rédaction» de «Moskvitianin», qui essayait de faire de la revue un organe d'un nouveau courant de pensée sociale, proche du slavophilisme et anticipant le pochvénisme. Le magazine promouvait l'art réaliste, l'intérêt pour la vie populaire et le folklore, l'histoire de la Russie, en particulier l'histoire des classes défavorisées.
Ostrovsky est arrivé à la littérature en tant que créateur d'un style national distinctif style théâtral, basé sur une poétique de la tradition folklorique. Cela s'est avéré possible parce qu'il a commencé par la représentation des couches patriarcales du peuple russe, qui ont conservé le mode de vie familial, quotidien et culturel d'avant Pétrine, presque non européanisé. Il s'agissait encore d'un environnement « prépersonnel » ; pour le représenter, on pouvait utiliser le plus largement possible la poétique du folklore dans son extrême généralité, avec des types stables, comme immédiatement reconnaissables par les auditeurs et les spectateurs, et même avec un thème principal répétitif. situation de l'intrigue - la lutte des amoureux pour leur bonheur. Sur cette base, le type de comédie psychologique populaire d'Ostrovsky a été créé. Littérature russe des XIXe-XXe siècles / Comp. BS. Bugrov, M.M. Golubkov. - M. : Aspect Presse, 2000, p. 202..
Il est important de comprendre ce qui a prédéterminé la présence d'un drame psychologique dans l'œuvre d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky. Tout d'abord, à notre avis, par le fait qu'il a d'abord créé ses œuvres pour le théâtre, pour la mise en scène. La représentation était pour Ostrovsky la forme la plus complète de publication d'une pièce de théâtre. Ce n’est que lors d’une représentation sur scène que l’imagination dramatique de l’auteur reçoit une forme complètement achevée et produit exactement cela. impact psychologique, dont l'auteur s'est fixé pour objectif la réalisation de Kotikov P.B. La voix du spectateur - un contemporain. (F.A. Koni à propos de A.N. Ostrovsky) // Littérature à l'école. - 1998. - N°3. - p. 18-22..
De plus, à l’époque d’Ostrovsky, le public du théâtre était plus démocratique, plus « varié » dans son niveau social et éducatif que les lecteurs. Selon l’opinion juste d’Ostrovsky, pour percevoir la fiction, il faut un certain niveau d’éducation et l’habitude de lire sérieusement. Le spectateur peut aller au théâtre simplement pour se divertir, et il appartient au théâtre et à l'auteur dramatique de faire de la représentation à la fois un plaisir et une leçon de morale. En d'autres termes, une représentation théâtrale doit avoir le maximum d'impact psychologique sur le spectateur.
L’accent mis sur l’existence scénique du drame détermine également l’attention particulière que l’auteur accorde à caractéristiques psychologiques chaque personnage : personnages principaux et secondaires.
Le psychologisme de la description de la nature a prédéterminé le futur décor de la scène.
UN. Ostrovsky a attribué un rôle important au titre de chacune de ses œuvres, en se concentrant également sur la mise en scène ultérieure, ce qui n'était en général pas typique de la littérature russe de l'ère du réalisme. Le fait est que le spectateur perçoit la pièce immédiatement ; il ne peut pas, comme le lecteur, s'arrêter et réfléchir, ni revenir au début. Il faut donc qu'il soit immédiatement réglé psychologiquement par l'auteur sur tel ou tel type de spectacle qu'il s'apprête à voir. Le texte de la pièce, comme on le sait, commence par une affiche, c'est-à-dire un titre, une définition du genre et une liste de personnages. L’affiche indiquait déjà au spectateur le contenu et « comment cela se terminerait », et souvent aussi la position de l’auteur : avec qui l’auteur sympathise, comment il évalue le résultat de l’action dramatique. Les genres traditionnels dans ce sens étaient les plus définis et les plus clairs. La comédie signifie que pour les personnages avec lesquels l'auteur et le spectateur sympathisent, tout se terminera bien (le sens de ce bien-être peut bien sûr être très différent, parfois en contradiction avec la perception du public) Zhuravleva A.I. Pièces d'A.N. Ostrovsky sur la scène du théâtre//La littérature à l'école. - 1998. - N°5. - p. 12-16..
Mais à mesure que la vie décrite dans la pièce devenait plus complexe, il devenait de plus en plus difficile de donner une définition claire du genre. Et refusant souvent le nom de « comédie », Ostrovsky appelle le genre « scènes » ou « images ». "Scènes" - ce genre est apparu chez Ostrovsky dans sa jeunesse. Ensuite, il était associé à la poétique de « l'école naturelle » et ressemblait à un essai dramatisé décrivant types caractéristiques dans l'intrigue, qui est un épisode distinct, une image de la vie des personnages. Dans les « scènes » et les « tableaux » des années 1860 et 1870, nous voyons quelque chose de différent. Nous avons ici une intrigue pleinement développée, un déroulement cohérent d'une action dramatique menant à un dénouement qui épuise complètement le conflit dramatique. La frontière entre « scènes » et comédie n’est pas toujours facile à déterminer à cette période. Peut-être pouvons-nous souligner deux raisons pour lesquelles Ostrovsky refuse de définition du genre. Dans certains cas, il semble au dramaturge que l'incident amusant évoqué dans la pièce n'est pas typique et suffisamment « à grande échelle » pour une généralisation profonde et des conclusions morales importantes - et c'est exactement ainsi qu'Ostrovsky a compris l'essence de la comédie (par exemple, "Ce n'est pas que Maslenitsa pour le chat"). Dans d'autres cas, dans la vie des héros, il y avait trop de triste et de difficile, même si la fin s'est avérée prospère (« Abyss », « Amour tardif") Zhuravleva A.I. Pièces d'A.N. Ostrovsky sur la scène du théâtre//La littérature à l'école. - 1998. - N°5. - p. 12-16..
Dans les pièces de théâtre des années 1860-1870, il y a eu une accumulation progressive de drame et la formation d'un héros nécessaire au genre dramatique au sens étroit du terme. Ce héros doit avant tout avoir une conscience personnelle développée. Tant qu'il ne se sent pas intérieurement et spirituellement opposé à l'environnement, ne s'en sépare pas du tout, il peut susciter de la sympathie, mais ne peut pas encore devenir le héros d'un drame, ce qui nécessite une lutte active et efficace du héros avec circonstances. La formation de la dignité morale personnelle et de la valeur extra-classe d'une personne dans l'esprit des travailleurs pauvres et des masses urbaines suscite un vif intérêt chez Ostrovsky. La montée du sentiment d’individualité provoquée par la réforme, qui a touché des couches assez larges Population russe, fournit du matériel et constitue la base du drame. Dans le monde artistique d'Ostrovsky, avec son brillant don comique, un conflit de nature dramatique continue souvent à être résolu dans une structure dramatique. « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » s'avère être une comédie littéralement au seuil du drame : la prochaine « grande pièce », dont il est question dans la lettre citée ci-dessus, est « La dot ». Ayant initialement conçu des « scènes » auxquelles il n'attachait pas beaucoup d'importance, Ostrovsky, au cours de son œuvre, a ressenti l'importance des personnages et des conflits. Et je pense que le point ici réside principalement dans le héros - Platon Zybkin.
Un ami de jeunesse d'Ostrovsky, un merveilleux poète et critique A.A. Grigoriev a vu dans Chatsky « l'une des plus hautes inspirations » d'Ostrovsky. Il a également qualifié Chatsky de « seule figure héroïque de notre littérature » (1862). À première vue, la remarque du critique peut surprendre : elle est très mondes différents interprété par Griboïedov et Ostrovsky. Cependant, à un niveau plus profond, la justesse inconditionnelle du jugement de Grigoriev se révèle.
Griboïedov a créé dans le drame russe le type de « grand héros », c'est-à-dire un héros qui, à travers un mot direct lyriquement proche de l'auteur, révèle la vérité, évalue les événements qui se produisent dans la pièce et influence leur déroulement. C'était un héros personnel, indépendant et résistant aux circonstances. À cet égard, la découverte de Griboïedov a influencé tout le cours ultérieur de la littérature russe du XIXe siècle et, bien sûr, Ostrovsky.
L’accent mis sur un large spectateur, immédiat dans ses perceptions et ses impressions, a déterminé l’originalité prononcée de la dramaturgie d’Ostrovsky. Il était convaincu que le public des drames et des tragédies avait besoin « d’un profond soupir dans tout le théâtre, de larmes chaleureuses et non feintes, de discours brûlants qui couleraient directement dans l’âme ».
À la lumière de ces exigences, le dramaturge a écrit des pièces d’une grande intensité idéologique et émotionnelle, comiques ou dramatiques, des pièces qui « captivent l’âme, font oublier le temps et le lieu ». Lors de la création de pièces de théâtre, Ostrovsky s'est principalement inspiré des traditions du drame populaire, des exigences d'un drame fort et d'une grande comédie. « Les auteurs russes veulent s'essayer, a-t-il déclaré, devant un public nouveau, dont les nerfs ne sont pas très souples, ce qui nécessite un drame fort, une grande comédie, provoquant des rires francs et bruyants, chauds, sentiments sincères, des personnages vifs et forts."
Célèbre critique de théâtre F.A. Kony, célèbre pour son ouverture d'esprit et son courage, a immédiatement apprécié haute qualitéœuvres d'Ostrovsky. Koni considérait que l’un des avantages d’une œuvre dramatique était la simplicité du contenu, et il voyait cette simplicité, élevée au rang d’art, dans les comédies d’Ostrovsky dans la représentation des visages. Koni a notamment écrit à propos de la pièce « Les Moscovites » : « Le dramaturge m'a fait tomber amoureux des personnages qu'il a créés. m'a fait tomber amoureux de Rusakov, Borodkin et Dunya, malgré leur maladresse extérieure caractéristique, parce qu'il était capable de révéler leur côté humain intérieur, qui ne pouvait que toucher l'humanité du public. Pour la pièce « Moscovites » // Répertoire et panthéon de la scène russe. - 1853. - N° 4. - P. 34//Voir. Kotikova P.B. La voix du spectateur - un contemporain. (F.A. Koni à propos de A.N. Ostrovsky)//Littérature à l'école. - 1998. - N°3. - p. 18-22..
Aussi A.F. Koni a noté qu'avant Ostrovsky, "même les contrastes (psychologiques) ne sont pas autorisés dans la comédie russe : tous les visages sont sur le même bloc - tous, sans exception, sont des canailles et des imbéciles". Quelle est la nationalité russe ? // Répertoire et panthéon de la scène russe. - 1853. - N° 4. - P. 3//Voir. Kotikova P.B. La voix du spectateur - un contemporain. (F.A. Koni à propos de A.N. Ostrovsky)//Littérature à l'école. - 1998. - N°3. - p. 18-22..
On peut donc dire que déjà à l’époque d’Ostrovsky les critiques notaient la présence dans son œuvres dramatiques un psychologisme subtil qui peut influencer la perception qu’a le public des personnages des pièces de théâtre.
Il convient de noter que dans ses comédies et drames, Ostrovsky ne se limite pas au rôle d'un accusateur satirique. Il a dépeint avec vivacité et sympathie les victimes du despotisme socio-politique et familial, les travailleurs, les amoureux de la vérité, les éducateurs, les protestants chaleureux contre la tyrannie et la violence. Ses héros étaient dans royaume des ténèbres autocratie aux « rayons lumineux » qui annonçaient la victoire inévitable du juge Lakshin V.Ya. Théâtre Ostrovski. - M. : Art, 1985, p. 28..
Punissant le pouvoir, les « oppresseurs », tyrans au jugement terrible, sympathisant avec les défavorisés, dessinant des héros dignes d'être imités, Ostrovsky fit du drame et du théâtre une école de morale sociale.
Le dramaturge a non seulement fait des héros positifs de ses pièces des gens du travail et du progrès, des porteurs de la vérité et de la sagesse du peuple, mais il a également écrit au nom du peuple et pour le peuple. Ostrovsky a représenté dans ses pièces la prose de la vie, des gens ordinaires dans des circonstances quotidiennes. Mais il élève cette prose de la vie dans le cadre de types artistiques d'une énorme généralisation.
1. A. N. Ostrovsky est l'un des représentants les plus éminents du théâtre réaliste russe. Il a créé son propre style, que l’on peut appeler le « théâtre d’Ostrovsky ». D'autres dramaturges appartiennent également à cette école, par exemple A.V. Sukhovo-Kobylin. La vie d'Ostrovsky était étroitement liée au théâtre : pendant de nombreuses années, il collabora fructueusement avec le Théâtre Maly. Son nom est important non seulement pour la tradition littéraire, mais aussi pour la tradition théâtrale. 2. Le genre préféré d’Ostrovsky est la comédie. "Selon mes conceptions de la grâce, considérant la comédie comme la meilleure forme pour atteindre des objectifs moraux et reconnaissant en moi la capacité de percevoir la vie principalement sous cette forme, je devais écrire une comédie ou ne rien écrire" (Ostrovsky à propos de sa première comédie, "Faillite », alias « Notre peuple - nous serons numérotés »). L'élément comique est invariablement présent dans les pièces d'Ostrovsky qui ne sont pas des comédies. Dans les pièces d'Ostrovsky, le drôle se combine organiquement avec le sublime, le grotesque avec le pathétique, la comédie grossière avec une haute rhétorique civique.3. La plupart des pièces d'Ostrovsky dépeignent le monde patriarcal russe : marchands, Zamoskvoretskoe (« En faillite ») et provinciaux (« Orage », « Dot »), fonctionnaires (« Lieu rentable »), propriétaires fonciers (« Forêt »), acteurs (« Forêt » , "Talents et fans"). Parfois, le thème de la pièce devenait des intrigues historiques (« Kuzma Minin ») ou même mythologiques (« Snow Maiden »).4. Le monde patriarcal se révèle, en règle générale, sous deux angles : social-actuel et folklore-mythologique. Les premières pièces d’Ostrovsky montrent avec une grande sympathie la vie des marchands de province, qui ont conservé les caractéristiques de « l’antiquité » pré-pétrinienne, un mode de vie et un mode de vie non européanisés. Les pièces ultérieures décrivent de nouvelles tendances dans la vie sociale (par ex. le pouvoir croissant du pouvoir de l'argent) et la crise du monde patriarcal est capturée, le thème des « tyrans » et des « victimes » apparaît plus souvent. Un exemple frappant d'une telle tendance est la pièce « L'Orage », où la vision folklore-mythologique et idéalisée du monde patriarcal (« Vous vivez dans la terre promise ») appartient au personnage caricatural et grotesque - Feklusha.5. Les intrigues des pièces d'Ostrovsky ont généralement une structure simple, des situations (par exemple : les jeunes recherchent leur bonheur) et certaines fonctions des personnages, quelque chose comme un rôle (par exemple : un parent empêchant le jeune de la réunion), sont préservés de pièce en pièce (Kabanikha dans « L'Orage » ", Gurmyzhskaya dans la comédie " Forest "). 6. Ostrovsky combine l'apparente simplicité du langage, l'influence du théâtre populaire populaire et du folklore en général (proverbes dans les titres de nombreuses pièces et son « proverbial » des propos des personnages) avec un jeu subtil de sous-textes psychologiques et culturels . 7. Dans de nombreuses pièces d'Ostrovsky, une ville distincte (souvent provinciale) est représentée comme un certain lieu spécifique, fermé et autosuffisant, dont l'image est mythifiée et est en même temps l'incarnation de la Russie. Cette tradition remonte à Pouchkine (le village de Goryukhino), à Gogol (Dikanka, Mirgorod, Saint-Pétersbourg) et trouve de nombreux autres exemples dans la littérature russe. Un rôle similaire peut être joué non pas par une ville, mais par un village ou une partie fermée et isolée de la ville. Telles sont les villes de Kalinov dans « L’Orage », de Briakhimov dans « La dot », du village de Penki dans « La Forêt », de Zamoskvorechye dans les premières comédies d’Ostrovsky.8. Dans de nombreuses pièces d'Ostrovsky, des images symboliques complexes et multiformes (« orage », « forêt » et « route à travers la forêt », « loups et moutons » dans les pièces du même nom) et des motifs transversaux (« péché », « jugement » dans « Orage », le motif de « théâtre » dans « Forêt »). Souvent, ces images et motifs sont déjà indiqués dans les titres des pièces de théâtre. 9. Dans les pièces d’Ostrovsky, les dialogues des personnages, créés avec une grande habileté poétique (individualisation verbale des images des personnages), revêtent une importance particulière. 10. Les traditions du classicisme dans les pièces d’Ostrovsky se manifestent par une certaine orientation vers le didactisme, des déclarations aphoristiques des personnages et la présence d’un héros-raisonneur idéologique exprimant la ligne de l’auteur.
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R.abstrait
Vie et originalité artistique des piècesUN.Ostrovski
Complété par D.R. Nikitine
« Vous avez fait don de toute une bibliothèque d'œuvres d'art à la littérature, vous avez créé votre propre monde spécial pour la scène... Je vous salue en tant que créateur immortel d'une gamme infinie de créations poétiques, de « La Fille des Neiges », « "Le rêve du voïvode" à "Talents et admirateurs" inclus, où nous voyons de nos propres yeux et entendons la vraie vie russe primordiale dans d'innombrables images vitales, avec sa véritable apparence, son style et son dialecte.
Avec ces mots I.A. Gontcharov s'est tourné vers Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky en 1882 - le jour de son trente-cinquième anniversaire activité littéraire grand dramaturge russe.
dramaturgie russe et Théâtre russeà partir des années 30-40 du 19ème siècle, ils ont connu crise aiguë. Malgré le fait que de nombreuses œuvres dramatiques aient été créées dans la première moitié du XIXe siècle (pièces de A.S. Griboïedov, A.S. Pouchkine, M.Yu. Lermontov, N.V. Gogol), la situation sur la scène dramatique russe reste déplorable. De nombreuses œuvres de ces dramaturges ont été persécutées par la censure et sont apparues sur scène plusieurs années après leur création.
L’attrait des travailleurs du théâtre russe pour le théâtre d’Europe occidentale n’a pas non plus amélioré la situation. Les œuvres des classiques du drame mondial n'étaient pas encore bien connues du public russe et il n'existait souvent pas de traductions satisfaisantes de leurs œuvres. C'est pourquoi la situation du théâtre dramatique russe a suscité l'inquiétude des écrivains.
Ostrovsky a noté : " La poésie dramatique est plus proche du peuple que toutes les autres branches de la littérature. Toutes les autres œuvres sont écrites pour des personnes instruites, et les drames et les comédies sont écrits pour le peuple tout entier... Cette proximité avec le peuple n'a rien à voir avec le peuple. dégrade le drame, mais, au contraire, multiplie sa force et ne le laisse pas devenir vulgaire et écrasé. »
Il commence à écrire des pièces de théâtre, connaissant très bien le théâtre de la capitale : son répertoire, la composition de la troupe et ses talents d’acteur. C’était l’époque du pouvoir presque indivis du mélodrame et du vaudeville. Gogol a dit à juste titre à propos des propriétés de ce mélodrame qu'il « réside de la manière la plus éhontée ». L’essence d’un vaudeville sans âme, plat et vulgaire est clairement révélée par le titre de l’un d’entre eux, représenté au Théâtre Maly en 1855 : « Nous nous sommes réunis, nous nous sommes mêlés et nous nous sommes séparés. »
Ostrovsky a créé ses pièces en opposition consciente au monde inventé du mélodrame romantique et protecteur et à la moquerie plate du vaudeville naturaliste pseudo-réaliste. Ses pièces modernisent radicalement le répertoire théâtral, y introduisent un principe démocratique et orientent brusquement les artistes vers les dilemmes brûlants de la réalité, vers le réalisme.
Le monde poétique d'Ostrovsky n'est que diversifié. Les chercheurs ont pu compter et révéler que dans 47 pièces - 728 (sans compter les pièces mineures et épisodiques) bons rôles pour acteurs de talents variés ; que toutes ses pièces représentent une vaste toile sur La vie russe en 180 actes, dont le théâtre est la Rus' - dans ses tournants les plus importants sur deux siècles et demi ; que dans les œuvres d’Ostrovsky sont représentés des gens de « différents rangs » et de diverses mœurs – et dans une grande variété de manifestations actuelles. Il a créé des chroniques dramatiques, des scènes de famille, des catastrophes, des images de la vie métropolitaine et des sketches dramatiques. Son talent est multidimensionnel : il est romantique, écrivain du quotidien, tragédien et comédien...
Ostrovsky ne résiste pas à une approche unidimensionnelle et unidimensionnelle, c'est pourquoi derrière la brillante manifestation satirique du talent, nous voyons la profondeur de l'analyse mentale, derrière la vie quotidienne visqueuse reproduite avec précision, nous voyons un lyrisme et une romance étroits.
Ostrovsky se souciait avant tout de s'assurer que tous les visages étaient pertinents et psychologiquement fiables. Sans cela, ils pourraient perdre leur confiance artistique. Il a noté : « Nous essayons maintenant de représenter nos normes et nos types, tirés de la vie, de la manière la plus réaliste et la plus véridique possible, jusque dans les moindres détails quotidiens, et plus important encore, nous considérons la première condition artistique dans la représentation d'un objet donné. le type soit le rendu correct de son type d'expression, c'est-à-dire du langage et même de la manière de parler, qui détermine le ton même du rôle. Désormais, la mise en scène (décors, costumes, maquillage) est en place. jeux de tous les jours a fait de grands progrès et a parcouru un long chemin pour se rapprocher progressivement de la vérité.
Le dramaturge répétait inlassablement que la vie est plus riche que tous les fantasmes de l'artiste, qu'un vrai peintre ne compose rien, mais s'efforce de comprendre les subtilités complexes de la réalité. « Le dramaturge ne compose pas d'intrigues », a déclaré Ostrovsky, « toutes nos intrigues sont tirées de la vie, de l'histoire, de l'histoire d'un ami, parfois d'un article de journal. Le dramaturge ne doit pas inventer ce qui s'est passé ; écrivez comment cela s'est produit ou aurait pu se produire. Voici tout son travail. Lorsqu'il attirera l'attention de ce côté, des vivants apparaîtront et parleront eux-mêmes.
Mais la représentation de la vie, basée sur une reproduction claire du réel, ne doit pas se limiter à la seule reproduction mécanique. "La naturalité n'est pas la qualité principale ; le principal avantage est l'expressivité, l'expression." Par conséquent, nous pouvons parler en toute sécurité d'un système intégral d'authenticité réelle, mentale et sensorielle dans les pièces du grand dramaturge. Dramaturge Ostrovsky
L'histoire a laissé sur scène des interprétations des pièces d'Ostrovsky qui diffèrent par leur niveau. Il y a eu des fortunes créatrices indéniables, et cela a provoqué de véritables malheurs. Que les réalisateurs ont oublié l'essentiel : l'authenticité réelle (et, par conséquent, sensorielle). Et cet élément principal se révélait parfois dans un détail ordinaire et, à première vue, insignifiant. Un exemple pertinent est l'âge de Katerina. Et en vérité, quel âge a le personnage principal est important ? L'une des plus grandes figures du théâtre russe, Babochkin, a écrit à ce propos : « Si Katerina a au moins 30 ans de la scène, alors la pièce prendra pour nous un sens nouveau et inutile. à l'âge de 17-18 ans. Selon Dobrolyubov, la pièce surprend Katerina au moment du passage de l'adolescence à la maturité. C'est absolument vrai et nécessaire.
La créativité d’Ostrovsky est étroitement liée aux principes de « l’école naturelle », qui affirme la « nature » comme point de départ de créativité artistique. Ce n’est pas un hasard si Dobrolyubov a qualifié les pièces d’Ostrovsky de « pièces de la vie ». Ils semblaient au critique un nouveau mot dans le drame ; il écrivait que les pièces d'Ostrovsky « ne sont pas des comédies d'intrigues ni en fait des comédies de mœurs, mais quelque chose de nouveau qui pourrait recevoir le titre de « pièces de la vie », si ce n'était pas le cas. très large et donc pas tout à fait précis". Parlant du caractère unique de l'action dramatique d'Ostrovsky, Dobrolyubov a noté: "Nous voulons dire qu'au premier plan, il y a toujours une situation de vie générale qui ne dépend d'aucun des personnages."
Cette « situation générale de la vie » se retrouve dans les pièces d’Ostrovsky dans les faits les plus quotidiens, les plus ordinaires de la vie, dans les petites configurations de l’âme humaine. Parlant de « la vie de ce sombre royaume », qui est devenu l’objet principal de la représentation dans les pièces du dramaturge, Dobrolyubov a noté qu’« une inimitié sans fin règne entre ses habitants.
Pour définir et reproduire artistiquement cette guerre en cours, il fallait des manières complètement nouvelles de l’étudier ; il fallait, selon les mots d’Herzen, introduire l’usage du microscope dans le monde moral. Dans « Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky » et dans « Images du bonheur domestique », les Ostrovsky ont pour la première fois donné une image fidèle du « royaume des ténèbres ».
Mais la représentation fidèle de la vie et des personnages de Zamoskvorechye dépassait les limites d'une simple description « physiologique » ; l'écrivain ne se limitait pas seulement à une image extérieure fidèle de la vie quotidienne. Il s'efforce de trouver des principes positifs dans la réalité russe, qui se reflètent initialement dans la représentation sympathique d'une « petite » personne. Ainsi, dans les « Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky », l'employé opprimé Ivan Erofeevich cherchait : « Montrez-moi comme je suis amer, comme je suis malheureux ! Montrez-moi dans toute mon indignation et dites-leur que je suis la même personne qu'eux. c'est que j'ai un bon cœur et une âme chaleureuse.
Ostrovsky a agi comme un continuateur de la tradition humaniste Littérature russe. Juste derrière Belinsky Higher aspect artistique Ostrovsky considérait le réalisme et le nationalisme comme artistiques. Ce qui est inimaginable à la fois sans une attitude sobre et critique à l’égard de la réalité et sans l’affirmation d’un principe populaire positif. « Plus l’œuvre est élégante, écrit le dramaturge, plus elle est populaire, plus elle contient cet élément accusateur. »
Ostrovsky pensait qu'un écrivain devait non seulement se rapprocher du peuple en étudiant sa langue, son mode de vie et ses personnages, mais qu'il devait également acquérir de nouvelles théories de l'art. Tout cela a affecté la vision d’Ostrovsky sur le théâtre, qui, de tous les types de littérature, est la plus proche des larges couches démocratiques de la population. Ostrovsky considérait la comédie comme une forme plus efficace et reconnaissait en lui la capacité de reproduire la vie dans dans une plus grande mesure sous cette forme. Pendant ce temps, le comédien Ostrovsky poursuit la ligne satirique du drame russe, en commençant par les comédies du XVIIIe siècle et en terminant par les comédies de Griboïedov et de Gogol.
En raison de sa proximité avec le peuple, de nombreux contemporains ont attribué Ostrovsky au camp slavophile. Mais Ostrovsky n'a partagé que pendant une courte période des opinions slavophiles communes, exprimées dans l'idéalisation des formes patriarcales de la vie russe. Ostrovsky révéla plus tard son attitude à l'égard du slavophilisme en tant que phénomène public spécifique dans une lettre à Nekrasov : « Vous et moi sommes les deux seuls vrais poètes populaires, nous sommes les deux seuls à le connaître, nous savons l'adorer et ressentir ses besoins avec nos cœurs sans occidentalisme de fauteuil et sans slavophilisme enfantin. Les slavophiles se sont comportés comme des paysans des arbres, et ils se consolent avec les pupes, ils n'ont pas besoin de les manger.
Néanmoins, des éléments de l’esthétique slavophile ont eu un impact positif sur l’œuvre d’Ostrovsky. Le dramaturge a éveillé un enthousiasme immuable pour la vie populaire, pour la poésie orale, pour discours populaire. Il a essayé de trouver des principes positifs dans la vie russe, a essayé de mettre en valeur le caractère positif du peuple russe. Il a écrit que « pour avoir le droit de corriger les gens, vous devez lui montrer que vous le savez bon ».
Il a trouvé des reflets du caractère de l’État russe dans le passé – dans les tournants de l’histoire de la Fédération de Russie. Les premiers projets sur un thème historique remontent à la fin des années 40. Il s'agissait d'une comédie "Lisa Patrikeevna", basée sur des actions de l'époque de Boris Godounov. La pièce est restée inachevée, mais le fait même de l’appel du jeune Ostrovsky à l’histoire indique que le dramaturge a tenté de trouver dans l’histoire la réponse aux problèmes modernes.
Selon Ostrovsky, une pièce historique présente un avantage indéniable sur les œuvres historiques les plus honnêtes. Si la tâche de l'historien est de transmettre « ce qui était », alors « le poète dramatique indique comment cela s'est passé, emmenant le spectateur sur le lieu même de l'action et faisant de lui un participant à l'action », a noté le dramaturge dans « Note sur l'état actuel de l'art dramatique dans la Fédération de Russie » (1881).
Cette expression exprime l’essence même de la pensée historique et artistique du dramaturge. Cette position s'est reflétée plus clairement dans la chronique dramatique « Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk », construite sur des recherches minutieuses. monuments historiques, chroniques, légendes et traditions populaires. Dans la véritable image poétique d'un passé lointain, Ostrovsky a pu trouver de véritables héros ignorés par le gouvernement officiel. science historique et n’étaient considérés que comme des « matériaux du passé ».
Ostrovsky dépeint les gens comme le principal force motrice l’histoire comme force principale de libération de la patrie. L’un des représentants du peuple est le chef du zemstvo de Nijni Possad, Kozma Zakharyich Minin, de Sukhoruk, qui a organisé la milice populaire. Ostrovsky voit la grande signification de l'ère de troubles dans le fait que « le peuple s'est réveillé... l'aube de la libération ici à Nijni s'est répandue dans toute la Russie ». Souligner rôle décisif les gens dans événements historiques et la représentation de Minine comme un véritable héros d'État a provoqué le rejet de la chronique dramatique d'Ostrovsky par les cercles officiels et la critique. Les idées patriotiques de la chronique dramatique semblaient très modernes. Le critique Shcherbin a écrit, par exemple, que la chronique dramatique d'Ostrovsky ne reflète pratiquement pas l'esprit de cette époque, qu'elle ne contient pratiquement aucune morale, que personnage principal on dirait un homme qui a beaucoup lu sur le poète moderne Nekrasov. D'autres critiques, au contraire, voulaient créer en Minine un prédécesseur des zemstvos. "...Maintenant, tout le monde est saisi d'une rage véhémente", a écrit Ostrovsky, "et ils veulent créer un démagogue en Minine. Cela n'a pas eu lieu, et je n'accepte pas de mentir."
Réfutant les innombrables reproches des critiques selon lesquels Ostrovsky était un copiste ordinaire de la vie, un « poète sans norme » très impartial (comme le disait Dostoïevski), Kholodov écrit que « le dramaturge avait évidemment son propre point de vue. position du dramaturge, c'est-à-dire d'un artiste qui, de par la nature même de la forme d'art qu'il a choisie, révèle son attitude face à la vie non pas spécifiquement, mais médiocrement, sous la forme la plus impartiale. Les chercheurs ont démontré des formes d'expression incroyablement différentes de la « voix » de l'auteur, la conscience de l'auteur dans les pièces d'Ostrovsky. Dans la plupart des cas, on ne la retrouve pas ouvertement, mais dans les principes mêmes d'organisation du matériel dans les pièces de théâtre.
L'originalité de l'action dramatique dans les pièces d'Ostrovsky a déterminé l'interaction Différents composants dans la structure de l’ensemble, à savoir la fonction extraordinaire de la fin, qui est toujours structurellement significative : elle ne complète pas tant le développement d’une véritable collision dramatique, mais révèle plutôt la conscience de la vie de l’auteur. Les différends sur Ostrovsky, sur le lien entre les principes épiques et dramatiques de ses œuvres, d'une manière ou d'une autre, affectent également le dilemme de la fin, dont les fonctions dans les pièces d'Ostrovsky ont été interprétées différemment par les critiques. Certains le pensaient. La fin d'Ostrovsky met généralement l'action au ralenti. Ainsi, un critique des « Notes russes » a écrit que dans « La Pauvre Femme », la fin est le 4ème acte, et non le 5ème, qui est nécessaire « pour déterminer la morale qui n'a pas été déterminée dans les 4 premiers actes », et s'avère être inutile pour le déroulement de l’acte, car « l’action est déjà terminée ». Et dans ce décalage, le décalage entre la « portée de l’acte » et la définition de la morale, le critique voyait une violation des lois simples de l’art dramatique.
D'autres critiques pensaient que la fin des pièces d'Ostrovsky coïncide dans la plupart des cas avec le dénouement et ne ralentit pas du tout le rythme de l'action. Pour prouver cette thèse, ils se référaient généralement à Dobrolyubov, qui soulignait «la nécessité décisive de la fin fatale de Katerina dans L'Orage». Mais la «fin fatale» de l'héroïne et la fin de l'œuvre sont loin de coïncider. Expression célèbre Pisemsky concernant le dernier acte de « La Pauvre Femme » (« Le dernier acte est écrit avec le pinceau de Shakespeare ») ne peut pas non plus servir de base pour identifier la fin et le dénouement, car Pisemsky ne parle pas d'architectonique, mais d'images de la vie. , reproduit de manière colorée par l'artiste et ultérieur dans ses pièces « l'une après l'autre, comme des peintures dans un panorama ».
L'action dans une œuvre dramatique, qui a des limites temporelles et spatiales, est spécifiquement liée à l'interaction des situations conflictuelles initiales et finales ; il se déplace à l'intérieur de ces limites, mais n'est pas limité par celles-ci. Contrairement à œuvres épiques, le passé et le futur du drame apparaissent sous une forme particulière : la préhistoire des héros sous leur forme spécifique ne peut être introduite dans la structure du drame (elle ne peut être donnée que dans les récits des héros eux-mêmes), et leur prochain le destin n'apparaît sous sa forme la plus générale que dans les scènes finales et les tableaux.
Dans les œuvres dramatiques d’Ostrovsky, on peut observer comment la séquence temporelle et la concentration d’un acte sont brisées : le créateur désigne directement des périodes de temps significatives séparant un acte d’un autre. Mais de telles pauses temporaires se retrouvent le plus souvent dans les chroniques d’Ostrovsky, qui poursuivent le but d’une épopée plutôt que d’une reproduction dramatique de la vie. Dans les drames et les comédies, les intervalles de temps entre les actes aident à identifier les facettes de la morale des personnages qui ne peuvent être révélées que dans des situations nouvelles et modifiées. Rompus par un intervalle de temps significatif, les actes d'une œuvre dramatique acquièrent une relative indépendance et sont inclus dans la structure globale de l'œuvre en tant qu'étapes individuelles dans une action et un mouvement moral en développement continu. Dans certaines pièces d'Ostrovsky (« Les Jokers », « Jours sombres », « Sin and Failure Live on No One », « In a Lively Place », « The Voivode », « The Abyss », etc.), l'isolement d'un une structure d'actes relativement indépendante est obtenue, à savoir le fait que dans chacun d'eux une liste spéciale de personnages est donnée.
Mais même avec une telle structure de l'œuvre, la fin ne peut être infiniment éloignée du point culminant et du dénouement ; dans ce cas, son lien organique avec le conflit principal sera rompu, et la fin gagnera en indépendance sans être convenablement subordonnée à l'action de l'œuvre dramatique. Un exemple plus approprié d'une telle organisation structurelle du matériau est la pièce "The Abyss", dernier acte qui fut présentée à Tchekhov sous la forme d’une « pièce entière ».
Le secret de l'écriture dramatique d'Ostrovsky ne réside pas dans les propriétés unidimensionnelles des types humains, mais dans le désir de créer une morale humaine à part entière, dont les contradictions et les luttes internes servent d'impulsion massive au mouvement dramatique. Tovstonogov a parfaitement parlé de cette caractéristique de la manière créative d'Ostrovsky, c'est-à-dire de Glumov de la comédie « La simplicité suffit à chaque homme sage », un personnage loin d'être parfait : « Pourquoi Glumov est-il charmant, bien qu'il commette un certain nombre de mauvaises actions ? Après tout, s'il nous est antipathique, alors il n'y a pas de performance. Ce qui le rend charmant, c'est sa haine de ce monde, et nous justifions intérieurement sa méthode pour le rembourser.
En quête d'une divulgation complète de la morale, Ostrovsky semble la transformer en différentes facettes, notant les différents états psychologiques des personnages dans de nouveaux « tournants » de l'action. Cette caractéristique de la dramaturgie d'Ostrovsky a été remarquée par Dobrolyubov, qui a vu dans le 5ème acte de "L'Orage" l'apothéose du personnage de Katerina. Le développement de l'état sensoriel de Katerina peut être conditionnellement divisé en plusieurs étapes : l'enfance et toute la vie avant le mariage - un état d'harmonie ; son zèle pour le vrai bonheur et l'amour, son combat spirituel ; le temps des rencontres avec Boris est une lutte aux couleurs d'un bonheur fiévreux ; signe avant-coureur d'un orage, d'un orage, apogée d'une lutte désespérée et de la mort.
Le mouvement du personnage de la situation conflictuelle initiale à la situation finale, en passant par un certain nombre d'étapes mentales précisément désignées, a déterminé dans L'Orage la similitude dans la structure externe du premier et du dernier acte. Les deux ont un début similaire – ils s’ouvrent sur les effusions poétiques de Kuligin. Les actions dans les deux actes se déroulent à la même heure de la journée : le soir. Mais ce sont les changements dans l'alignement des forces opposées qui ont conduit Katerina à une fin fatale. Ils ont été soulignés par le fait que l'action du premier acte s'est déroulée dans la lueur modérée du soleil couchant, dans le dernier - dans l'atmosphère oppressante d'un crépuscule de plus en plus profond. La fin des sujets a créé un sentiment de clôture. L'incomplétude du processus même de la vie et du mouvement de la morale, car après la mort de Katerina, c'est-à-dire après la résolution du conflit central du drame, un certain nouveau changement, bien que faiblement exprimé, dans la conscience des héros a été révélé (selon les mots de Tikhon, par exemple), contenant le potentiel de conflits supplémentaires.
Et dans « La Pauvre Femme », la fin dehors représente une certaine partie indépendante. Le dénouement dans « La pauvre femme » n'est pas que Marya Andreevna a donné son consentement pour épouser Benevolensky, mais qu'elle n'a pas renoncé à son propre consentement. C’est là la clé pour résoudre la difficulté de la fin, dont la fonction ne peut être réalisée qu’en tenant compte de la structure générale des pièces d’Ostrovsky, qui deviennent des « pièces de la vie ». En parlant des fins d'Ostrovsky, nous pouvons dire qu'une excellente scène contient plus d'idées que l'ensemble du drame ne peut en offrir d'événements.
Dans les pièces d'Ostrovsky, le cadre d'un certain problème artistique est préservé, qui est prouvé et illustré par des scènes vivantes et des peintures. "Pas un seul acte n'est prêt pour moi tant qu'il n'est pas écrit le dernier mot du dernier acte », a noté le dramaturge, affirmant ainsi la subordination interne de toutes les scènes et tableaux, dispersés à première vue, à l'idée générale de l'œuvre, non limitée par le cadre du « cercle serré de la vie personnelle .»
Les visages des pièces d'Ostrovsky ne sont pas basés sur le principe « les uns contre les autres », mais sur le principe « chacun contre les uns ». Ainsi - non seulement le calme épique du déroulement de l'acte et la couverture panoramique des phénomènes actuels, mais aussi le caractère multi-conflit de ses pièces - comme reflet typique de la complexité des relations humaines et de l'impossibilité de les réduire à un seul affrontement. Le drame intérieur de la vie, la tension intérieure deviennent progressivement l'objet principal de l'image.
Les « fins abruptes » des pièces d'Ostrovsky, étant structurellement situées loin des fins, n'éliminaient pas la « longitude », comme le croyait Nekrasov, mais contribuaient au contraire au déroulement épique de l'action, qui durait même après l'un de ses cycles terminés. Après la tension et le dénouement culminants, l'action dramatique à la fin des pièces d'Ostrovsky semble reprendre de la force, s'efforçant d'atteindre de nouvelles élévations culminantes. L'action ne se termine pas par un dénouement, même si la situation conflictuelle finale subit des changements importants par rapport à la situation initiale. De l’extérieur, la fin paraît ouverte, et la fonction du dernier acte ne se réduit pas à un épilogue. L’ouverture externe et interne de la fin deviendra alors l’un des traits structurels distinctifs du drame psychique.
L'ouverture externe et interne de la fin s'est ensuite reflétée particulièrement clairement dans les œuvres dramatiques de Tchekhov, qui n'ont pas donné de formules et de conclusions toutes faites. Il s'est consciemment concentré sur la « perspective des pensées » évoquée par son œuvre. En raison de sa propre difficulté, il correspondait à son caractère réalité moderne, pour qu'il mène loin, oblige le spectateur à renoncer à toutes les « formules », à réévaluer et à reconsidérer presque tout ce qui semblait décidé.
"Tout comme dans la vie, nous devenons plus conscients des gens si nous voyons l'environnement dans lequel ils vivent", a écrit Ostrovsky, "de même sur scène, un environnement véridique nous fait immédiatement connaître la position des personnages et rend les types dérivés plus vivant et compréhensible pour le public. Dans la vie de tous les jours, dans l'environnement extérieur, Ostrovsky recherche des supports mentaux supplémentaires pour révéler la morale des personnages. Ce principe de révélation des mœurs a donné naissance à de plus en plus de scènes et de peintures nouvelles, de sorte qu'un sentiment de redondance s'est immédiatement créé. Mais, d’une part, leur sélection délibérée a rendu le point de vue de l’auteur accessible au spectateur, d’autre part, elle a souligné la continuité du mouvement de la vie.
Et parce que de nouvelles scènes et images ont été introduites même après l’issue du conflit dramatique, elles ont elles-mêmes fourni l’opportunité de nouveaux tournants d’action, susceptibles de contenir de futurs conflits et affrontements. Ce qui est arrivé à Marya Andreevna à la fin de « La pauvre femme » peut être considéré comme l'intrigue psychologique et situationnelle du drame « L'Orage ». Marya Andreevna épouse un homme haineux. Une vie difficile l’attend, car ses idées sur sa vie future sont catastrophiquement incompatibles avec les rêves de Benevolevsky. Dans le drame "L'Orage", toute l'histoire du mariage de Katerina est laissée en dehors de la pièce et n'est décrite en termes les plus généraux que dans les mémoires de l'héroïne elle-même. Le créateur ne répète pas cette image à un moment donné. Mais dans « L’Orage », nous voyons une analyse typique des conséquences de la situation finale de « La Pauvre Femme ». Cette conclusion vers de nouveaux domaines d’analyse est grandement facilitée par le cinquième acte de « La Pauvre Femme », qui non seulement contenait les conditions préalables à de futurs affrontements, mais les esquissait aussi clairement. La forme structurelle de la fin d’Ostrovsky, qui s’est révélée par conséquent inacceptable pour certains critiques, a suscité l’admiration des autres pour cette raison même. Ce qui semblait être une « pièce entière » capable de vivre une vie indépendante.
Et cette connexion, la corrélation des situations conflictuelles finales de certaines œuvres et des situations conflictuelles initiales d'autres, combinées selon le principe d'un diptyque, permet de ressentir la vie dans son flux épique continu. Ostrovsky s'est tourné vers de telles tournures mentales qu'à chaque instant de leur manifestation, des milliers de fils invisibles étaient reliés entre eux à d'autres moments similaires ou proches. Avec tout cela, cela s’est avéré totalement sans importance. Que la cohésion situationnelle des œuvres contredisait le principe chronologique. Chaque nouvelle œuvre d'Ostrovsky semblait se développer sur la base de ce qui avait été fait précédemment et en même temps ajouter quelque chose, clarifier quelque chose dans ce qui avait été fait précédemment.
C’est l’une des principales caractéristiques de l’œuvre d’Ostrovsky. Pour nous en assurer à nouveau, examinons de plus près le drame « Le péché et l’échec ne vivent sur personne ». La situation initiale de cette pièce est comparable à la situation finale de la pièce « Rich Wives ». A la fin de ce dernier, des notes majeures retentissent : Tsyplunov a retrouvé sa bien-aimée. Il en rêve. Qu'il vivra « joyeusement et joyeusement » avec Belesova ; dans les beaux traits de Valentina, il voit « une pureté et une clarté enfantines ». C'est exactement là que tout a commencé pour un autre héros, Krasnov (« Le péché et l'échec ne vivent sur personne »), qui non seulement rêvait, mais s'efforçait également de vivre « gaiement et joyeusement » avec Tatiana. Une fois de plus, la situation initiale est laissée en dehors de la pièce et le spectateur ne peut que la deviner. La pièce elle-même commence par des « moments prêts à l'emploi » ; il dénoue un nœud typologiquement comparable au plan final de la pièce « Rich Wives ».
Les personnages des différentes œuvres d'Ostrovsky sont psychologiquement comparables les uns aux autres. Chambinago écrit qu'Ostrovsky affine subtilement et délicieusement son propre style « en fonction des catégories mentales des personnages » : « Pour chaque personnage, masculin et féminin, un langage spécial a été forgé pour conclure que son propriétaire, en tant que type, est un. développement à venir ou variation d’un type déjà développé dans d’autres pièces. Cette technique ouvre des capacités curieuses pour comprendre les catégories mentales conçues par le créateur. Les observations de Chambinago sur cette caractéristique du style d'Ostrovsky sont directement liées non seulement à la répétition des types dans différentes pièces de théâtre Ostrovsky, et par conséquent - à une certaine répétition situationnelle. Qualifiant l’analyse mentale de « La pauvre femme » de « restrictive à tort », I.S. Tourgueniev condamne la manière d'Ostrovsky de « pénétrer dans l'âme de chacun de ses visages ». Mais Ostrovsky avait apparemment une idée différente. Il s'est rendu compte que la capacité de « pénétrer dans l'âme » de chacun des personnages dans une situation mentale choisie était loin d'être épuisée, et plusieurs années plus tard, il le répéterait dans « Dowry ».
Ostrovsky ne se limite pas à décrire la moralité dans la seule situation probable ; il se réfère à ces mœurs à plusieurs reprises. Ceci est facilité par des images répétées (par exemple, des scènes d'orage dans la comédie "The Joker" et dans le drame "The Thunderstorm") et par les noms et prénoms répétés des personnages.
Ainsi, la trilogie amusante sur Balzaminov est une construction en trois parties de situations similaires liées aux tentatives de Balzaminov pour retrouver sa femme. Dans la pièce "Blank Days", nous rencontrons à nouveau des "étrangers familiers" - Tit Titych Bruskov, sa femme Nastasya Pankratievna, son fils Andrei Titych, la servante Lusha, qui est apparue pour la première fois dans la comédie "Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois". Nous reconnaissons également l'avocat Dosuzhev, que nous avons déjà rencontré dans la pièce « A Profitable Place ». Il est également curieux que ces individus dans différentes pièces apparaissent dans des rôles similaires et agissent dans des situations similaires. La similitude situationnelle et caractérologique des différentes œuvres d'Ostrovsky permet de parler de la similitude des fins : en conséquence, l'influence bénéfique de personnages vertueux tels que le professeur Ivanov (« Chez quelqu'un d'autre est une gueule de bois »), l'avocat Dosuzhev ( "Dark Days"), Tit Titych Bruskov non seulement ne résiste pas, mais contribue même à l'accomplissement d'une bonne action - le mariage de la progéniture avec sa fille bien-aimée.
Dans de telles fins, il est facile de discerner une leçon cachée : c’est ainsi que cela devrait être. Le « caractère déraisonnable et visible des fins » dans les comédies d’Ostrovsky dépendait du matériau qui devenait l’objet de l’image. « Où pouvons-nous trouver la rationalité si elle ne se trouve pas dans la vie elle-même, telle que décrite par le créateur ? - a noté Dobrolyubov.
Mais cela n'était pas et ne pouvait pas être le cas dans la réalité, et cela est devenu la base de l'action dramatique et de la décision finale dans des pièces aux couleurs plutôt catastrophiques que drôles. Dans le drame "Dowry", par exemple, cela se faisait clairement entendre dans les derniers mots de l'héroïne : "C'est moi-même... Je ne me plains de personne, je ne m'offusque de personne."
Compte tenu des fins des pièces d'Ostrovsky, Markov accorde une attention accrue à leur efficacité scénique. Mais d’après la logique du raisonnement du chercheur, il est clair que par éclat scénique, il entendait uniquement des moyens spectaculaires et extérieurs de finition des scènes et des peintures. Une caractéristique très importante des fins des pièces d'Ostrovsky reste inexpliquée. Le dramaturge réalise ses œuvres en tenant compte de la nature de leur perception par le spectateur. De cette manière, l’action dramatique semble être transférée vers son nouvel état de qualité. Le rôle des traducteurs, « transformateurs » d’un acte dramatique, permet généralement de joindre les deux bouts, ce qui détermine leur extraordinaire efficacité scénique.
Très souvent, dans les documents de recherche, on dit qu’Ostrovsky a anticipé la technique dramatique de Tchekhov dans presque tout. Mais cette conversation ne va souvent pas au-delà des déclarations et des prémisses générales. Il suffit cependant de donner quelques exemples de la façon dont cette disposition acquiert un poids extraordinaire. Parlant de la polyphonie à Tchekhov, ils donnent généralement un exemple du premier acte des « 3 Sœurs » sur la façon dont les rêves des sœurs Prozorov à Moscou sont interrompus par les remarques de Chebutykin et Tuzenbach : « Au diable ! et "Naturellement, un non-sens!" Mais nous trouvons une structure similaire de dialogue dramatique avec à peu près la même charge multifonctionnelle et psycho-émotionnelle beaucoup plus tôt - dans « La Pauvre Femme » d'Ostrovsky. Marya Andreevna Nezabudkina essaie de se réconcilier avec son propre destin, elle espère pouvoir faire de Benevolevsky une personne décente : « J'ai pensé et pensé... mais comprenez-vous ce que j'ai trouvé ? moi que je l'épouserais ensuite pour l'améliorer, pour faire de lui une personne honnête." Même si ici elle exprime une hésitation : « N'est-ce pas stupide, Platon Makarych ? Ce n'est rien, hein ? Platon Makarych, n'est-ce pas ? L’hésitation rampante ne la quitte pas, même si elle essaie de se convaincre du contraire. "Il me semble que je serai heureuse..." dit-elle à sa mère, et cette phrase est comme un sortilège. Mais la phrase-incantation est interrompue par une « voix de la foule » : « L'autre, maman, est têtue, elle aime se faire plaisir. Cette phrase transfère l’attention et les sentiments du public vers une sphère émotionnelle et sémantique complètement différente.
Ostrovsky savait bien qu'en monde moderne la vie est composée d’événements et de faits discrets qui ne se remarquent pas de l’extérieur. Avec cette conscience de la vie, Ostrovsky anticipait la dramaturgie de Tchekhov, dans laquelle tout ce qui semble extérieurement spectaculaire et significatif est fondamentalement exclu. Chez Ostrovsky, la représentation de la vie quotidienne devient la base fondamentale sur laquelle se construit l'action dramatique.
La contradiction entre la loi naturelle de la vie et la loi inexorable de la vie quotidienne, qui défigure l'âme humaine, détermine l'action dramatique, d'où ont émergé différents types de solutions finales - du comique réconfortant au désespérément tragique. À la fin, l'analyse socio-psychologique la plus approfondie de la vie a duré ; aux extrémités, comme dans des points focaux, tous les rayons, tous les résultats des observations, convergeaient, trouvant leur consécration dans la forme didactique des proverbes et des dictons.
La représentation d'une option distincte, dans son sens et son essence propres, dépassait les limites du caractère personnel et acquis compréhension philosophique vie. Et s'il est impossible d'accepter pleinement l'idée de Komissarzhevsky selon laquelle la vie d'Ostrovsky est « amenée à son terme », alors avec l'affirmation selon laquelle chaque image du dramaturge « acquiert le sens le plus profond, le plus éternel, signification symbolique", il est possible et nécessaire d'être d'accord. Tel est, par exemple, le sort de l'épouse marchande Katerina, dont l'amour est catastrophiquement incompatible avec les principes de vie existants. Mais même les défenseurs des concepts de Domostroevski ne peuvent pas se sentir détendus, car le même les fondements de cette vie s'effondrent - la vie dans laquelle "les vivants envient les morts". Ostrovsky reproduisait la vie russe dans un tel état où "tout était bouleversé". On pouvait encore espérer trouver au moins une formule abstraite du bonheur et de la vérité universels.
Ostrovsky "tisse les fils d'or du romantisme dans le tissu grisâtre de la vie quotidienne, créant à partir de cette combinaison un tout étonnamment artistique et véridique - un drame réaliste".
La contradiction irréconciliable entre la loi naturelle et les lois de la vie quotidienne est révélée à différents niveaux caractérologiques - dans la parabole poétique « La Fille des Neiges », dans la comédie « Forêt », dans la chronique « Touchino », dans les drames sociaux « Dot » , "L'Orage", etc. En fonction de cela, le contenu et le caractère de la fin changent. Personnages centraux n'acceptez pas intensément les lois de la vie quotidienne. Souvent, ne défendant pas un principe positif, ils recherchent néanmoins de nouvelles solutions, même si elles ne sont pas toujours là où elles devraient être trouvées. Dans leur propre déni du droit établi, ils dépassent, parfois inconsciemment, les limites de ce qui est permis, franchissant la ligne fatale des règles simples de la société humaine.
Ainsi, Krasnov (« Le péché et l'échec vivent sur chacun »), en affirmant son propre bonheur, sa propre vérité, sort de manière décisive de la sphère fermée de la vie établie. Il défend sa vérité jusqu’à la fin désastreuse.
Alors, énumérons brièvement les caractéristiques des pièces d’Ostrovsky :
Toutes les pièces d'Ostrovsky sont profondément réalistes. Ils reflètent vraiment la vie les Russes milieu du XIXe siècle, aussi une histoire de temps troublés.
Toutes les pièces d'Ostrovsky se sont développées sur la base de ce qui avait été réalisé précédemment et ont été combinées selon le principe d'un diptyque.
Les personnages des différentes œuvres d'Ostrovsky sont psychologiquement comparables les uns aux autres. Ostrovsky ne se limite pas à décrire la morale dans la seule situation probable ; il se réfère à ces mœurs à plusieurs reprises.
Ostrovsky est le créateur du genre du drame mental. Dans ses pièces, on peut observer non seulement le conflit externe, mais aussi le conflit interne.
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résumé, ajouté le 30/01/2008
Les principaux aspects du chemin de vie d’A.N. Ostrovsky : la famille, l’éducation reçue. Premiers succès dans l'écriture de pièces de théâtre. Le rôle d'un voyage le long de la Volga pour la formation d'une vision du monde. Oeuvres de 1860-1880 : mise en scène de la noblesse post-réforme, du sort des femmes.
présentation, ajouté le 20/03/2014
Moyens et techniques de la bande dessinée. Caractéristiques de l'utilisation de moyens linguistiques pour créer des bandes dessinées dans les œuvres de Viktor Dyachenko. Caractéristiques de la parole et prononcer des noms héros des pièces de l'écrivain. L'originalité et la problématique des œuvres de V.A. Diachenko.
travail de cours, ajouté le 12/08/2010
L'espace et le temps dans une œuvre d'art. Espace artistique dans le nouveau drame. Cinéma et théâtre du XXe siècle. La fermeture de l'espace, la pertinence des indicateurs des limites de cette fermeture, le déplacement de l'accent mis sur l'espace extérieur dans les pièces de Botho Strauss.
thèse, ajoutée le 20/06/2013
Travaux de recherche sur la créativité d'A.N. Ostrovski. Critiques des œuvres du dramaturge. Travaux scientifiques sur la symbolique dans les drames de l’écrivain. L'image d'un rayon de soleil et du soleil lui-même, personnifiant Dieu, la Volga dans les pièces "Dowry" et "Snow Maiden".
travail de cours, ajouté le 12/05/2016
Pathos idéologique pièces d'A.N. Ostrovski. Déterminer la place occupée par les pièces « Orage » et « Dot » dans son créativité littéraire. Les héroïnes de Kabanova et Ogudalova comme reflet du féminin russe caractère national. Analyse comparative des images.
travail de cours, ajouté le 08/05/2012
Biographie et parcours créatif d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky. Représentation de la classe marchande, de la bureaucratie, de la noblesse et du milieu du théâtre dans les œuvres du dramaturge. Étapes de la créativité d'Ostrovsky. Caractéristiques originales du réalisme d'A.N. Ostrovsky dans le drame "L'Orage".
présentation, ajouté le 18/05/2014
"Les Abysses" est l'une des pièces les plus profondes et les plus sages d'Ostrovsky - histoire l'âme humaine, faible et gentil, noyé dans les abysses de la mer de la vie. Une ribambelle de personnages vivants et diversifiés, caractéristiques des personnages. Développement du conflit et dénouement de la pièce.
analyse du livre, ajouté le 10/01/2008
Jean Molière est le créateur du genre comédie classique. Années de vie et d'œuvre du dramaturge français. La période parisienne : des hauts et des bas. Mettre en scène au théâtre les pièces et comédies les plus mystérieuses et polysémantiques du metteur en scène de « Don Juan », « Le Misanthrope » et bien d'autres.
présentation, ajouté le 29/04/2014
L'œuvre du grand acteur et dramaturge français, qui a créé et établi les genres de la comédie et de la farce sur la scène du théâtre. Les premières œuvres de Molière. Les intrigues des célèbres pièces "Drôle Primitif", "Tartuffe", "Don Juan ou l'invité de pierre" et "Le Misanthrope".
Pour 1847 – 1886 Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky (voir son mémoire et sa biographie sur notre site Internet) a écrit une quarantaine de pièces en prose et huit autres en vers blancs. Elles ont toutes des mérites différents, mais dans l’ensemble elles représentent sans aucun doute la collection d’œuvres dramatiques la plus remarquable qui existe en langue russe. Griboïedov et Gogol ont écrit de grandes pièces tout à fait originales, et leur génie a surpassé Ostrovsky, mais c'est Ostrovsky qui était destiné à créer l'école d'art dramatique russe, le théâtre russe digne d'être à côté de lui. théâtres nationaux L’Occident, sinon comme un égal, du moins comme comparable à eux.
Portrait d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky. Artiste V. Perov, 1871
Les limites de l'art d'Ostrovsky sont évidentes. Ses pièces (à quelques exceptions près) ne sont ni des tragédies ni des comédies, mais appartiennent au genre dramatique moyen et bâtard. Plan dramatique La plupart d'entre eux, sacrifiés à la méthode de la « tranche de vie », n'ont pas la solide consistance de l'art classique. A quelques exceptions près, il n'y a pas de poésie dans ses drames, et même là où elle est présente, comme dans Orage, c'est la poésie de l'atmosphère, pas des mots et de la texture. Ostrovsky, bien qu'un étonnant maître du dialogue typique et individualisé, n'est pas un maître du langage au sens où l'étaient Gogol et Leskov. D’une certaine manière, même son enracinement sur le sol russe est limité, car ses pièces sont toujours étroitement locales et n’ont pas de portée universelle. Sans cette limitation, s'il avait été universel tout en restant national, sa place aurait été parmi les plus grands dramaturges.
russe littérature du 19ème siècle siècle. Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky. Conférence vidéo
Cependant, l’étendue, la portée et la diversité de sa vision de la vie russe sont presque illimitées. Il est le moins subjectif des écrivains russes. Ses personnages ne sont en aucun cas une émanation de l'auteur. Ce sont de véritables reflets des « autres ». Il n’est pas un psychologue et ses personnages ne sont pas ceux de Tolstoï, dans le monde intérieur duquel nous sommes entraînés par la force puissante de l’intuition de l’auteur – ce sont simplement des personnes telles que les autres les voient. Mais ce réalisme superficiel n'est pas le réalisme extérieur et pittoresque de Gogol et de Gontcharov, c'est un véritable réalisme dramatique, car il représente les gens dans leurs relations avec les autres, ce qui est la manière la plus simple et la plus ancienne de caractérisation, acceptée à la fois dans le récit et dans le drame. - par la parole et les actes ; seulement ici, cette méthode s'enrichit d'une énorme abondance de détails sociaux et ethnographiques. Et malgré cette superficialité, les personnages d’Ostrovsky ont une individualité et un caractère unique.
Ces remarques générales s'appliquent principalement aux œuvres les plus anciennes et les plus caractéristiques d'Ostrovsky, écrites avant 1861 environ. Les intrigues de ces pièces sont tirées, en règle générale, de la vie des marchands de Moscou et de province et des couches inférieures de la bureaucratie. Le tableau large et diversifié de la vie non européanisée des marchands russes de l’Ancien Testament a surtout frappé les contemporains d’Ostrovsky dans son œuvre, car ils s’intéressaient à la réalité incarnée dans la créativité littéraire, et non à sa transformation en art. Les critiques des années 1850 ont fait couler beaucoup d’encre, clarifiant l’attitude d’Ostrovsky à l’égard des marchands russes de l’Ancien Testament. Il a lui-même fourni une matière abondante à de telles discussions et à toutes interprétations, car ses sympathies artistiques se répartissent différemment selon les pièces. Toute interprétation, depuis l'idéalisation la plus enthousiaste d'un conservatisme inébranlable et d'un despotisme patriarcal jusqu'à la dénonciation furieuse des marchands comme un royaume obscur incorrigible, pouvait trouver un appui dans le texte de ses pièces. La véritable attitude d’Ostrovsky à l’égard de tout cela n’était tout simplement pas toujours la même ; la position morale et sociale était pour lui des circonstances essentiellement secondaires. Sa tâche était de construire des pièces de théâtre à partir d'éléments de la réalité telle qu'il la voyait. Les questions de sympathie et d'antipathie étaient pour lui une question de pure technique, d'opportunité dramatique, car, bien qu'il fût un « anti-artiste » et un réaliste, il ressentait très profondément ces lois internes selon lesquelles, et non selon les lois de la vie, il lui fallait construire chaque nouvelle pièce. Ainsi, pour Ostrovsky, l'appréciation morale du père de famille marchand, tyrannisant ses proches, dépendait de sa fonction dramatique dans cette pièce. Mais à part cela, il est extrêmement difficile de se faire une idée de la vision sociale et politique d’Ostrovsky. Il était l'écrivain le plus objectif et le plus impartial, et l'interprétation que son ami et propagandiste Apollo Grigoriev donne à ses pièces - « un plaisir effréné dans les forces organiques de la vie nationale intacte » - est aussi étrangère au véritable Ostrovsky que l'anti-traditionnel. et la propagande révolutionnaire qu'il a extraite de laquelle Dobrolyubov.
Techniquement, les pièces les plus intéressantes d'Ostrovsky sont les deux premières : Faillite(écrit entre 1847 et 1849 et publié sous le titre Notre peuple - comptons en 1850) et Pauvre mariée(publié en 1852 et mis en scène en 1853). Le premier fut le début d’activité du jeune auteur le plus étonnant et le plus sensationnel qui ait jamais eu lieu dans la littérature russe. Gogol dans Mariage donner l'exemple d'une image caractéristique du milieu marchand. En particulier, le type d’entremetteur pratiqué entre commerçants était déjà largement utilisé. En ne représentant que des personnages désagréables, Ostrovsky a suivi les traces de Gogol dans Inspecteur. Mais il est allé encore plus loin et a rejeté la plus vénérable et la plus ancienne des traditions comiques : la justice poétique punissant le vice. Le triomphe du vice, le triomphe du plus éhonté des personnages de la pièce lui confèrent une note particulière d'originalité audacieuse. C’est précisément ce qui a indigné même les vieux réalistes comme Chtchepkine, qui a trouvé la pièce d'Ostrovsky cynique et sale. Le réalisme d'Ostrovsky, malgré l'influence évidente de Gogol, est essentiellement à l'opposé de lui. Il est étranger à l'expressivité pour le plaisir de l'expressivité ; il ne tombe ni dans la caricature ni dans la farce ; il est basé sur une connaissance approfondie et approfondie de la vie décrite. Le dialogue vise la vérité de la vie et non la richesse verbale. La capacité d'utiliser un langage réaliste de manière discrète, sans tomber dans le grotesque, est une caractéristique essentielle de l'art des réalistes russes, mais chez Ostrovsky, elle a atteint la perfection. Enfin, la construction non théâtrale des pièces est totalement anti-gogolienne et, abandonnant consciemment toutes les astuces et tous les calculs pour l'effet scénique, Ostrovsky atteint le sommet dès le début. L'essentiel de la pièce, ce sont les personnages, et l'intrigue est entièrement déterminée par eux. Mais les personnages sont pris en compte aspect social. Ce ne sont pas des hommes et des femmes en général, ce sont des commerçants et des employés moscovites qui ne peuvent être séparés de leur situation sociale.
DANS Banque Ostrovsky a presque pleinement démontré l'originalité de sa technique. Dans sa deuxième pièce, il va plus loin dans le sens d’une déthéâtralisation du théâtre. Pauvre mariée tant par le ton que par l'atmosphère, il n'est pas du tout similaire à Banqueruta. L’environnement ici n’est pas celui des marchands, mais celui des petits bureaucrates. Le sentiment désagréable qu'elle évoque est racheté par l'image de l'héroïne, une fille forte qui n'est pas inférieure et bien plus vive que les héroïnes de Tourgueniev. Son histoire a une fin caractéristique : après que son prétendant romantique idéal l'a quittée, elle se soumet au destin et épouse le rustre à succès Benevolensky, qui seul peut sauver sa mère d'une ruine inévitable. Chaque personnage est un chef-d’œuvre, et la capacité d’Ostrovsky à construire l’action entièrement sur les personnages est ici à son meilleur. Mais le dernier acte est particulièrement remarquable : une innovation technique audacieuse. La pièce se termine scène de masse: La foule discute du mariage de Benevolensky, et ici une note étonnamment nouvelle est introduite avec l'apparition de son ancienne maîtresse dans la foule. La retenue et le contenu intérieur de ces dernières scènes, dans lesquelles les personnages principaux apparaissent à peine, étaient véritablement un mot nouveau dans l'art dramatique. La force d'Ostrovsky à créer une atmosphère poétique s'est manifestée pour la première fois précisément dans le cinquième acte Pauvre mariée.
Ostrovsky ne s'est jamais arrêté et a toujours continué à chercher de nouvelles voies et méthodes. Dans ses dernières pièces ( Sans dot, 1880), il essaya une méthode plus psychologique pour créer des personnages. Mais en général, ses dernières pièces témoignent d'un certain tarissement des forces créatrices. Au moment de sa mort, il dominait la scène russe par la quantité de ses œuvres. Mais les héritiers qu'il a laissés étaient des gens moyens et peu créatifs, capables seulement d'écrire des pièces de théâtre avec des « rôles reconnaissants » pour d'excellents acteurs et actrices élevés à l'école de Chtchepkine et d'Ostrovsky, mais incapables de perpétuer la tradition vivante du drame littéraire.