Classicisme faits intéressants en littérature. Ensemble château et parc de Versailles. Concrétisation des caractéristiques artistiques

Le classicisme (du latin classicus - exemplaire) est un style et une orientation artistiques dans l'art européen des XVIIe et XIXe siècles. Il est basé sur les idées du rationalisme, dont l'objectif principal est d'éduquer le public sur la base d'un certain idéal, d'un modèle qui lui ressemble. La culture en est un exemple. ancien monde. Les règles et canons du classicisme étaient d'une importance primordiale ; ils devaient être observés par tous les artistes travaillant dans cette direction et ce style.

Histoire d'origine

En tant que mouvement, le classicisme a embrassé tous les types d’art : peinture, musique, littérature, architecture.

Le classicisme, dont l'objectif principal est d'éduquer le public sur la base d'un certain idéal et du respect de tous les canons généralement acceptés, est complètement opposé, qui niait toutes les règles et était une rébellion contre tout le monde. tradition artistique dans n'importe quelle direction.

Dans son développement, le classicisme est passé par 3 étapes :

1. Début du classicisme(années 1760 – début des années 1780) ;
2. Un classicisme strict(années 1780 – années 1790) ;
3. Classicisme tardif, appelé (les 30 premières années du 19ème siècle).

La photo montre l'Arc de Triomphe à Paris - un exemple frappant de classicisme.

Caractéristiques stylistiques

Le classicisme se caractérise par des formes géométriques claires, des matériaux de haute qualité, des finitions nobles et une sobriété. Majesté et harmonie, grâce et luxe – tels sont les principaux traits distinctifs du classicisme. plus tard affiché dans des intérieurs minimalistes.

Caractéristiques générales du style :

• murs lisses avec de doux motifs floraux ;
• éléments de l'Antiquité : palais et colonnes ;
• stuc;
• parquet exquis;
• papier peint en tissu sur les murs;
• mobilier élégant et gracieux.

Les particularités du style classique russe étaient des formes rectangulaires calmes, un design décoratif à la fois sobre et varié, des proportions précises, une apparence digne, une harmonie et un goût.

Extérieur

Les signes extérieurs de l'architecture classique sont clairement exprimés et peuvent être identifiés au premier coup d'œil sur le bâtiment.

• Conceptions : stable, massif, rectangulaire et voûté. Les compositions sont clairement planifiées, une stricte symétrie est respectée.
• Formes: géométrie claire, volume et monumentalité; statues, colonnes, niches, rotonde, hémisphères, frontons, frises.
• Lignes: strict; système de planification régulière; bas-reliefs, médaillons, motif lisse.
• Matériaux: pierre, brique, bois, stuc.
• Toit: forme complexe et complexe.
• Couleurs prédominantes : blanc riche, vert, rose, violet, bleu ciel, or.
• Éléments caractéristiques : décor sobre, colonnes, pilastres, ornements anciens, escalier en marbre, balcons.
• Fenêtre: semi-circulaire, rectangulaire, allongé vers le haut, modestement décoré.
• Des portes: rectangulaire, lambrissé, souvent décoré de statues (lion, sphinx).
• Décor: ciselure, dorure, bronze, nacre, marqueterie.

Intérieur

L'intérieur des locaux de l'ère du classicisme contient noblesse, retenue et harmonie. Cependant, tous les objets d'intérieur ne ressemblent pas à des pièces de musée, mais soulignent seulement le subtil goût artistique et la respectabilité du propriétaire.

La pièce a la forme correcte, remplie d’une atmosphère de noblesse, de confort, de chaleur et de luxe exquis ; pas surchargé de détails.

La place centrale dans la décoration intérieure est occupée par matériaux naturels, principalement des essences de bois précieuses, du marbre, de la pierre et de la soie.

• Plafonds : légers, hauts, souvent à plusieurs niveaux, avec stuc et ornements.
• Des murs: décoré avec des tissus, clairs mais pas brillants, des pilastres et des colonnes, du stuc ou de la peinture sont possibles.
• Sol: parquet en essences de bois précieuses (merbau, camsha, teck, jatoba) ou en marbre.
• Éclairage: lustres en cristal, en pierre ou en verre coûteux ; lustres dorés avec abat-jour en forme de bougie.
• Attributs intérieurs obligatoires : miroirs, cheminées, fauteuils bas cosy, tables basses, tapis clairs fait soi-même, des tableaux avec des scènes antiques, des livres, des vases au sol massifs stylisés comme l'Antiquité, des jardinières tripodes.

Des motifs anciens sont souvent utilisés dans la décoration de la pièce : méandres, festons, guirlandes de lauriers, rangs de perles. Des textiles coûteux sont utilisés pour la décoration, notamment des tapisseries, du taffetas et du velours.

Meubles

Les meubles de l'époque classique se distinguent par leur qualité et leur respectabilité, fabriqués à partir de matériaux coûteux, principalement du bois précieux. Il est à noter que la texture du bois agit non seulement comme matériau, mais aussi comme élément décoratif. Les meubles sont fabriqués à la main, décorés de sculptures, de dorures, d'incrustations, de pierres et de métaux précieux.

Mais la forme est simple : des lignes strictes, des proportions claires. Les tables et les chaises de la salle à manger sont dotées d'élégants pieds sculptés. Les plats sont en porcelaine, fine, presque transparente, avec un motif et une dorure. Un secrétaire au corps cubique sur pieds hauts était considéré comme l’un des attributs les plus importants du mobilier.

Architecture

Le classicisme s'est tourné vers les principes fondamentaux de l'architecture ancienne, en utilisant non seulement des éléments et des motifs, mais également des modèles de conception. La base du langage architectural est l'ordre avec sa stricte symétrie, la proportionnalité de la composition créée, la régularité de la disposition et la clarté de la forme volumétrique.

Le classicisme est tout le contraire avec sa prétention et ses excès décoratifs.

Des palais non fortifiés et des ensembles de jardins et de parcs furent créés, qui devinrent la base du jardin à la française avec ses allées redressées, ses pelouses taillées en forme de cônes et de boules. Les détails typiques du classicisme sont des escaliers accentués, un décor antique classique, un dôme dans les bâtiments publics. Le classicisme tardif (style Empire) acquiert des symboles militaires (« Arc de Triomphe » en France). En Russie, c'est canon style architectural

le classicisme peut s'appeler Saint-Pétersbourg, en Europe - ce sont Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg.

Sculpture À l'ère du classicisme, les monuments publics incarnant la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État se sont répandus. De plus, la principale solution pour les sculpteurs était le modèle de l'image de personnages célèbres dans l'image dieux antiques

(par exemple, Suvorov - sous la forme de Mars).

Il est devenu populaire parmi les particuliers de commander des pierres tombales à des sculpteurs pour perpétuer leurs noms. En général, les sculptures de l'époque se caractérisent par le calme, la retenue des gestes, les expressions impartiales et la pureté des lignes.

Les robes des femmes perdaient leurs montures, leurs rembourrages et leurs jupons et prenaient la forme de longues tuniques plissées, coupées sur les côtés et nouées avec une ceinture sous le buste. Ils étaient portés sur des collants couleur chair. Des sandales avec des rubans servaient de chaussures. Les coiffures sont copiées depuis l'Antiquité.

La poudre, utilisée pour couvrir le visage, les mains et le décolleté, est toujours à la mode.

Les accessoires comprenaient soit des turbans en mousseline décorés de plumes, des foulards turcs ou des châles cachemiriens.

Dès le début du XIXe siècle, les robes formelles ont commencé à être cousues avec des traînes et un décolleté profond. Et dans les robes de tous les jours, le décolleté était recouvert d'un foulard en dentelle. La coiffure change progressivement et la poudre devient inutilisable. La mode comprend les cheveux coupés courts, bouclés en boucles, attachés avec un ruban d'or ou décorés d'une couronne de fleurs. La mode masculine s'est développée sous l'influence des Britanniques.

Les fracs en tissu anglais, les redingotes (vêtements d'extérieur ressemblant à une redingote), les jabots et les manchettes deviennent populaires. C'est à l'ère du classicisme que les cravates pour hommes deviennent à la mode.

Art En peinture, le classicisme se caractérise aussi par la retenue et la sévérité. Les principaux éléments de forme sont la ligne, la lumière et l’ombre. La couleur locale souligne la plasticité des objets et des figures et divise le plan spatial de l'image. Le plus grand maître du XVIIe siècle. – Lorraine Claude, célèbre pour ses « paysages idéaux ». Pathétique civil et lyrisme se conjuguent dans les « paysages décoratifs » du peintre français Jacques Louis David (XVIIIe siècle).

Parmi les artistes russes, on peut citer Karl Bryullov, qui a combiné le classicisme avec le (XIXe siècle).

Le classicisme en musique est associé à de grands noms comme Mozart, Beethoven et Haydn, qui ont déterminé le développement ultérieur de l'art musical.

Littérature La littérature de l’époque classique promouvait les sentiments de conquête de la raison. Le conflit entre le devoir et les passions est à la base de l'intrigue d'une œuvre littéraire.

Des réformes linguistiques ont été menées dans de nombreux pays et les bases de l'art poétique ont été posées. Les principaux représentants de la direction sont François Malherbe, Corneille, Racine. Le principal principe de composition de l'œuvre est l'unité de temps, de lieu et d'action.

L'« âge d'or » est considéré comme l'ère du classicisme pour l'art théâtral, qui s'est développé de manière très dynamique et s'est amélioré. Le théâtre était assez professionnel, et l'acteur sur scène ne se contentait pas de jouer, mais vivait, expérimentait, tout en restant lui-même.

Le style théâtral a été proclamé art de la déclamation.

Personnalités

• Parmi les classiques les plus brillants, on peut également souligner des noms tels que :
• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (architecture) ;
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Boris Orlovsky, Mikhail Kozlovsky (sculpture) ;
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (peinture) ;

Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Khemnitser (littérature).

Revue vidéo du classicisme

Conclusion

Les idées de l’ère du classicisme sont utilisées avec succès dans le design moderne. Il conserve noblesse et élégance, beauté et grandeur. Les principales caractéristiques sont les peintures murales, les draperies, les stucs et les meubles en bois naturel. Il y a peu de décorations, mais elles sont toutes luxueuses : miroirs, tableaux, lustres massifs.

En général, le style caractérise toujours le propriétaire comme une personne respectable, loin d'être pauvre.

Plus tard, une autre apparaît, qui marque l'arrivée d'une nouvelle ère : celle-ci. est devenu une combinaison de plusieurs styles modernes, qui incluent non seulement le classique, mais aussi le baroque (en peinture), la culture ancienne et la Renaissance. Qu’est-ce que le classicisme ? Classicisme est un mouvement artistique qui s'est développé dans la littérature européenne du XVIIe siècle, basé sur la reconnaissance de l'art ancien comme exemple le plus élevé, idéal et des œuvres de l'Antiquité comme norme artistique. L’esthétique repose sur le principe du rationalisme et de « l’imitation de la nature ». Culte de l'esprit. Œuvre d'art organisé comme un tout artificiel et logiquement construit. Intrigue stricte et organisation compositionnelle, schématisme. Les personnages humains sont représentés de manière simple ; positif et

Le classicisme est entré dans l’histoire de la littérature en tant que concept à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Ses principales caractéristiques ont été déterminées conformément à la théorie dramatique du XVIIe siècle et aux idées principales du traité L'Art Poétique de N. Boileau (1674). Le classicisme était considéré comme un mouvement orienté vers l’art ancien. La définition du classicisme mettait avant tout l'accent sur le désir de clarté et de précision de l'expression, de comparaison avec les modèles anciens et de stricte subordination aux règles. A l'ère du classicisme, les principes des trois unités s'imposent (unité de temps, unité de lieu, unité d'action), qui deviennent le symbole des trois règles définissant l'organisation du temps artistique, espace artistique et les événements dramatiques. Le classicisme doit sa longévité au fait que les écrivains de ce mouvement ont compris leur propre créativité non pas comme un moyen d'expression personnelle, mais comme la norme du véritable art, adressé à l'universel, immuable, à la belle nature en tant que catégorie permanente. Une sélection stricte, l'harmonie de la composition, un ensemble de thèmes spécifiques, des motifs, le matériau de la réalité, devenu l'objet d'une réflexion artistique dans le mot, étaient pour les écrivains classiques une tentative de surmonter esthétiquement les contradictions de la vie réelle. La poésie du classicisme recherche la clarté du sens et la simplicité de l'expression stylistique. Bien que les genres en prose tels que les aphorismes (maximes) et les personnages se développent activement dans le classicisme, les œuvres dramatiques et le théâtre lui-même revêtent une importance particulière, capables de remplir de manière brillante et organique des fonctions à la fois moralisatrices et divertissantes.

La norme esthétique collective du classicisme est la catégorie du bon goût, développée par la soi-disant bonne société. Le goût du classicisme préfère la brièveté à la verbosité, la prétention et la complexité de l'expression - clarté et simplicité, extravagante - décence. La loi fondamentale du classicisme est la vraisemblance artistique, qui représente les choses et les personnes telles qu'elles devraient être selon les normes morales, et non telles qu'elles sont en réalité. Les personnages du classicisme sont construits sur l'identification d'un trait dominant, qui devrait en faire des types humains universels.

Les exigences mises en avant par le classicisme en matière de simplicité et de clarté du style, de contenu sémantique des images, de sens des proportions et de normes dans la construction, l'intrigue et l'intrigue des œuvres conservent encore leur pertinence esthétique.

Université russe de l'amitié des peuples

Faculté de Philologie

Département de littérature russe et étrangère

cours "Histoire de la littérature russe du XIXe siècle"

Sujet:

"Classicisme. Principes de base. L'originalité du classicisme russe"

Interprété par l'étudiante Ivanova I.A.

Groupe FZHB-11

Conseiller scientifique:

Professeur agrégé Pryakhin M.N.

Moscou

Le concept de classicisme

Enseignement philosophique

Programme éthique et esthétique

Système de genre

Représentants du classicisme

Le concept de classicisme

Le classicisme est l’une des tendances les plus importantes de la littérature du passé. S'étant imposé dans les œuvres et la créativité de nombreuses générations, ayant mis en avant une brillante galaxie de poètes et d'écrivains, le classicisme a laissé de telles jalons en cours de route. développement artistique l'humanité, comme les tragédies de Corneille, Racine, Milton, Voltaire, les comédies de Molière et bien d'autres œuvres littéraires. L'histoire elle-même confirme la viabilité des traditions du système artistique classique et la valeur des concepts sous-jacents du monde et de la personnalité humaine, principalement l'impératif moral caractéristique du classicisme.

Le classicisme n'est pas toujours resté identique à lui-même en tout, mais il s'est constamment développé et amélioré. Cela est particulièrement évident si l’on considère le classicisme dans la perspective de ses trois siècles d’existence et dans les différentes versions nationales dans lesquelles il nous apparaît en France, en Allemagne et en Russie. Faisant ses premiers pas au XVIe siècle, c'est-à-dire pendant la Renaissance mûre, le classicisme absorba et refléta l'atmosphère de cette époque révolutionnaire, et en même temps il porta de nouvelles tendances qui n'étaient destinées à se manifester énergiquement qu'au siècle suivant.

Le classicisme est l'un des mouvements littéraires les plus étudiés et les plus théoriquement réfléchis. Malgré cela, son étude détaillée reste un sujet extrêmement pertinent pour les chercheurs modernes, en grande partie parce qu'elle nécessite une flexibilité et une subtilité d'analyse particulières.

La formation du concept de classicisme nécessite un travail systématique et ciblé de la part du chercheur, basé sur des attitudes envers la perception artistique et le développement de jugements de valeur lors de l'analyse du texte.

Littérature classique russe

Par conséquent, dans la science moderne, des contradictions surgissent souvent entre les nouvelles tâches de recherche littéraire et les anciennes approches de la formation de concepts théoriques et littéraires sur le classicisme.

Principes de base du classicisme

Le classicisme comme direction artistique Il est courant de refléter la vie dans des images idéales qui gravitent vers le modèle de « norme » universelle. D'où le culte de l'antiquité du classicisme : l'antiquité classique y apparaît comme un exemple d'art parfait et harmonieux.

Les genres, hauts et bas, étaient obligés d'instruire le public, d'élever ses mœurs et d'éclairer ses sentiments.

Les normes les plus importantes du classicisme sont l'unité d'action, de lieu et de temps. Afin de transmettre plus précisément l'idée au spectateur et de l'inspirer à des sentiments altruistes, l'auteur n'aurait dû rien compliquer. L'intrigue principale doit être suffisamment simple pour ne pas dérouter le spectateur et ne pas priver l'image de son intégrité. L’exigence de l’unité du temps était étroitement liée à l’unité de l’action. L'unité du lieu s'exprimait de différentes manières. Cela pourrait être l’espace d’un palais, d’une pièce, d’une ville, et même la distance que le héros pourrait parcourir en vingt-quatre heures.

Le classicisme se forme, subissant l'influence d'autres courants artistiques paneuropéens qui sont directement en contact avec lui : il s'appuie sur l'esthétique de la Renaissance qui l'a précédé et s'oppose au baroque.

Contexte historique classicisme

L'histoire du classicisme commence en Europe occidentale à la fin du XVIe siècle. Au 17ème siècle atteint son plus haut développement associé à la montée de la monarchie absolue Louis XIV en France et le plus haut essor de l'art théâtral du pays. Le classicisme a continué à exister fructueusement au XVIIIe et au début du XIXe siècle, jusqu'à ce qu'il soit remplacé par le sentimentalisme et le romantisme.

En tant que système artistique, le classicisme a finalement pris forme au XVIIe siècle, bien que le concept de classicisme lui-même soit né plus tard, au XIXe siècle, lorsqu'une guerre irréconciliable lui a été déclarée par la romance.

Après avoir étudié la poétique d'Aristote et la pratique du théâtre grec, les classiques français proposent dans leurs œuvres des règles de construction, fondées sur les fondements de la pensée rationaliste du XVIIe siècle. Tout d'abord, il s'agit du strict respect des lois du genre, de la division en genres supérieurs- ode (une chanson solennelle (lyrique) poème glorifiant la gloire, la louange, la grandeur, la victoire, etc.), la tragédie (une œuvre dramatique ou scénique qui dépeint un conflit irréconciliable entre une personne et les forces qui s'y opposent), une épopée (représente des actions ou événements de manière objective) forme narrative, caractérisée par une attitude calmement contemplative envers le sujet représenté) et inférieure - comédie (représentation dramatique ou composition pour le théâtre, où la société est présentée sous une forme drôle et amusante), satire (un type de comique, se distinguant des autres types (humour, ironie) par la netteté de son exposition) .

Les lois du classicisme s'expriment de la manière la plus caractéristique dans les règles de construction de la tragédie. L'auteur de la pièce devait tout d'abord exiger que l'intrigue de la tragédie, ainsi que les passions des personnages, soient crédibles. Mais les classiques ont leur propre compréhension de la vraisemblance : non seulement la similitude de ce qui est représenté sur scène avec la réalité, mais la cohérence de ce qui se passe avec les exigences de la raison, avec une certaine norme morale et éthique.

Enseignement philosophique

Contrairement au baroque irrationnel, le classicisme était rationnel et faisait appel non à la foi, mais à la raison. Il cherchait à équilibrer tous les mondes les uns avec les autres : divin, naturel, social et spirituel. Il a plaidé pour un équilibre dynamique de tous ces domaines, qui ne devraient pas entrer en conflit les uns avec les autres, mais coexister pacifiquement dans les limites et les impératifs fixés par la raison.

La place centrale dans le classicisme était occupée par l'idée d'ordre, dans l'établissement de laquelle le rôle principal appartient à la raison et à la connaissance. De l'idée de la priorité de l'ordre et de la raison découle une conception caractéristique de l'homme, qui pourrait se réduire à trois principes ou principes directeurs :

) le principe de la priorité de la raison sur les passions, la croyance que la plus haute vertu consiste à résoudre les contradictions entre la raison et les passions en faveur de la première, et que la plus haute valeur et la plus haute justice résident respectivement dans des actions prescrites non par les passions, mais par raison;

) le principe de moralité primordiale et de respect des lois de l'esprit humain, la croyance que c'est la raison qui est capable de conduire une personne à la vérité, au bien et à la justice par le chemin le plus court ;

) le principe du service social, qui affirmait que le devoir prescrit par la raison réside dans le service honnête et désintéressé d'une personne envers son souverain et l'État.

En termes socio-historiques, moraux et juridiques, le classicisme était associé au processus de centralisation du pouvoir et au renforcement de l'absolutisme dans un certain nombre d'États européens. Il assume le rôle d'idéologie, défendant les intérêts des maisons royales cherchant à unir les nations autour d'elles.

Programme éthique et esthétique

Le principe initial du code esthétique du classicisme est l’imitation de la belle nature. La beauté objective pour les théoriciens du classicisme (Boileau, André) est l'harmonie et la régularité de l'univers, qui a pour source un principe spirituel qui façonne la matière et la met en ordre. La beauté, donc, en tant que loi spirituelle éternelle, s'oppose à tout ce qui est sensuel, matériel, changeant. Par conséquent, la beauté morale est supérieure à la beauté physique ; la création des mains humaines est plus belle que la beauté brute de la nature.

Les lois de la beauté ne dépendent pas de l'expérience de l'observation ; elles sont extraites de l'analyse de l'activité spirituelle interne.

L'idéal du langage artistique du classicisme est le langage de la logique - précision, clarté, cohérence. La poétique linguistique du classicisme évite, autant que possible, la figuration objective du mot. Son remède habituel est une épithète abstraite.

La relation entre les éléments individuels d'une œuvre d'art est construite sur les mêmes principes, c'est-à-dire une composition qui est généralement une structure géométriquement équilibrée basée sur une division symétrique stricte du matériau. Ainsi, les lois de l’art sont assimilées aux lois de la logique formelle.

Idéal politique classicisme

Dans son lutte politique Les bourgeois et plébéiens révolutionnaires en France, tant dans les décennies précédant la révolution que dans les années turbulentes de 1789 à 1794, ont largement utilisé les traditions anciennes, l'héritage idéologique et les formes extérieures de la démocratie romaine. Donc, au tournant des XVIII-XIX siècles. dans la littérature et l'art européens s'est développé nouveau genre le classicisme, nouveau dans son contenu idéologique et social par rapport au classicisme du XVIIe siècle, à la théorie et à la pratique esthétiques de Boileau, Corneille, Racine, Poussin.

L'art du classicisme de l'époque de la révolution bourgeoise était strictement rationaliste, c'est-à-dire requis une correspondance logique complète de tous les éléments forme artistique intention très clairement exprimée.

Classicisme des XVIIIe-XIXe siècles. n’était pas un phénomène homogène. En France, période héroïque de la révolution bourgeoise de 1789-1794. a précédé et accompagné le développement du classicisme républicain révolutionnaire, incarné dans les drames de M.Zh. Chénier, dans début de la peinture David, etc. En revanche, durant les années du Directoire et surtout du Consulat et de l'Empire napoléonien, le classicisme perdit son esprit révolutionnaire et se transforma en un mouvement académique conservateur.

Parfois sous l'influence directe de l'art français et des événements de la Révolution française, et dans certains cas indépendamment d'eux et même en les précédant dans le temps, elle s'est développée nouveau classicisme en Italie, Espagne, pays scandinaves, USA. En Russie, le classicisme atteint son apogée dans l'architecture du premier tiers du XIXe siècle.

L'une des réalisations idéologiques et artistiques les plus importantes de cette époque fut l'œuvre des grands poètes et penseurs allemands - Goethe et Schiller.

Avec toute la variété des variantes de l’art classique, il y avait beaucoup de points communs. Et le classicisme révolutionnaire des Jacobins, et le classicisme philosophique et humaniste de Goethe, Schiller, Wieland, et le classicisme conservateur de l'Empire napoléonien, et le classicisme très diversifié - tantôt progressiste-patriotique, tantôt réactionnaire - de grande puissance - en Russie étaient produits contradictoires du même époque historique.

Système de genre

Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable).

À PROPOS? Oui- une œuvre poétique, ainsi que musicale et poétique, distinguée par la solennité et la sublimité, dédiée à un événement ou à un héros.

Trague? diya- un genre de fiction basé sur le développement d'événements qui, en règle générale, sont inévitables et conduisent nécessairement à une issue catastrophique pour les personnages.

La tragédie est marquée par un sérieux sévère, dépeint la réalité de la manière la plus pointue, comme un tas de contradictions internes, révèle les conflits les plus profonds de la réalité sous une forme extrêmement intense et riche qui prend du sens. symbole artistique; Ce n’est pas un hasard si la plupart des tragédies sont écrites en vers.

Épique? je- désignation générique des grandes œuvres épiques et assimilées :

.Un récit détaillé en vers ou en prose sur des événements historiques nationaux marquants.

2.Une longue et complexe histoire de quelque chose, comprenant un certain nombre d’événements majeurs.

Coma? diya- un genre de fiction caractérisé par une approche humoristique ou satirique.

Satire- une manifestation du comique dans l'art, qui est une dénonciation poétique et humiliante de phénomènes utilisant divers moyens comiques : sarcasme, ironie, hyperbole, grotesque, allégorie, parodie, etc.

Ba? dormir- une œuvre littéraire poétique ou prosaïque à caractère moralisateur et satirique. À la fin de la fable, il y a une courte conclusion moralisatrice - la soi-disant moralité. Les personnages sont généralement des animaux, des plantes, des choses. La fable ridiculise les vices des gens.

Représentants du classicisme

En littérature, le classicisme russe est représenté par les œuvres d'A.D. Kantemira, V.K. Trediakovski, M.V. Lomonosov, A.P. Sumarokova.

ENFER. Kantemir était le fondateur du classicisme russe, le fondateur de la direction satirique réelle la plus vitale - telles sont ses célèbres satires.

CV. Trediakovsky, avec ses travaux théoriques, a contribué à l'établissement du classicisme, mais dans ses œuvres poétiques, le nouveau contenu idéologique n'a pas trouvé de forme artistique correspondante.

Les traditions du classicisme russe se sont manifestées différemment dans les œuvres d'A.P. Sumarokov, qui défendait l'idée de​​l'inséparabilité des intérêts de la noblesse et de la monarchie. Sumarokov a jeté les bases du système dramatique du classicisme. Dans ses tragédies, sous l'influence de la réalité de l'époque, il aborde souvent le thème du soulèvement contre le tsarisme. Dans son travail, Sumarokov poursuivait des objectifs sociaux et éducatifs, prêchant des sentiments civiques élevés et des actes nobles.

Le prochain représentant éminent du classicisme russe, dont le nom est connu de tous sans exception, est M.V. Lomonossov (1711-1765). Lomonossov, contrairement à Kantemir, ridiculise rarement les ennemis des Lumières. Il réussit à retravailler presque entièrement la grammaire basée sur les canons français, et apporta des modifications à la versification. En fait, c'est Mikhaïl Lomonossov qui fut le premier à pouvoir introduire les principes canoniques du classicisme dans la littérature russe. En fonction du mélange quantitatif de mots de trois sortes, l'un ou l'autre style est créé. C'est ainsi qu'ont émergé les « trois calmes » de la poésie russe : « élevé » - les mots slaves de l'Église et les mots russes.

Le summum du classicisme russe est l'œuvre de D.I. Fonvizine (Brigadier, Mineur), créateur d'une comédie nationale vraiment originale, qui a posé les bases du réalisme critique au sein de ce système.

Gabriel Romanovich Derzhavin était le dernier des plus grands représentants du classicisme russe. Derzhavin a réussi à combiner non seulement les thèmes de ces deux genres, mais aussi le vocabulaire : « Felitsa » combine organiquement les mots de « grand calme » et vernaculaire. Ainsi, Gabriel Derzhavin, qui a pleinement développé les possibilités du classicisme dans ses œuvres, est devenu simultanément le premier poète russe à surmonter les canons du classicisme.

Le classicisme russe, son originalité

L'attitude qualitativement différente de nos auteurs envers les traditions de la culture nationale des périodes précédentes, en particulier envers le folklore national, a joué un rôle important dans le changement du genre dominant dans le système artistique du classicisme russe. Le code théorique du classicisme français - « L'art poétique » Boileau démontre une attitude nettement hostile envers tout ce qui, d'une manière ou d'une autre, avait un lien avec l'art des masses. Dans son attaque contre le théâtre de Tabarin, Boileau nie les traditions de la farce populaire et retrouve des traces de cette tradition chez Molière. Les critiques acerbes de la poésie burlesque témoignent également de son caractère antidémocratique bien connu. programme esthétique. Il n’y avait aucune place dans le traité de Boileau pour caractériser un genre littéraire tel que la fable, qui est étroitement lié aux traditions de la culture démocratique des masses.

Le classicisme russe n'a pas hésité à s'intéresser au folklore national. Au contraire, dans la perception des traditions de la culture poétique populaire dans certains genres, il a trouvé des incitations à son enrichissement. Même aux origines de la nouvelle direction, en entreprenant une réforme de la versification russe, Trediakovsky se réfère directement aux chants du peuple comme modèle qu'il a suivi pour établir ses règles.

L'absence de rupture entre la littérature du classicisme russe et les traditions du folklore national explique ses autres caractéristiques. Ainsi, dans le système russe des genres poétiques littérature XVIII siècle, notamment dans l'œuvre de Sumarokov, le genre de la chanson d'amour lyrique, dont Boileau ne parle pas du tout, connaît un épanouissement inattendu. Dans « Épistole 1 sur la poésie », Sumarokov donne une description détaillée de ce genre ainsi que les caractéristiques des genres reconnus du classicisme, tels que l'ode, la tragédie, l'idylle, etc. Dans son « Épistole », Sumarokov inclut également une description du genre fable, en s'appuyant sur l'expérience de La Fontaine. Et dans sa pratique poétique, tant dans les chansons que dans les fables, Sumarokov, comme nous le verrons, était souvent directement guidé par les traditions folkloriques.

originalité processus littéraire fin XVII - début XVIII siècles. explique une autre caractéristique du classicisme russe : son lien avec système artistique Baroque dans sa version russe.

Bibliographie

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.S.V. Touraev "Littérature. Matériel de référence". Maison d'édition "Lumières" 1988.

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Peinture

L'intérêt pour l'art de la Grèce antique et de Rome est apparu dès la Renaissance, qui, après des siècles du Moyen Âge, s'est tournée vers les formes, les motifs et les sujets de l'Antiquité. Le plus grand théoricien de la Renaissance, Léon Batista Alberti, au XVe siècle. exprime des idées qui préfigurent certains principes du classicisme et se manifestent pleinement dans la fresque de Raphaël « L’École d’Athènes » (1511).

La systématisation et la consolidation des réalisations des grands artistes de la Renaissance, notamment florentins dirigés par Raphaël et son élève Giulio Romano, constituèrent le programme de l'école bolognaise de la fin du XVIe siècle, dont les représentants les plus caractéristiques furent les Carracci. frères. Dans leur influente Académie des Arts, les Bolonais prêchaient que le chemin vers les sommets de l'art passait par une étude scrupuleuse de l'héritage de Raphaël et de Michel-Ange, l'imitation de leur maîtrise de la ligne et de la composition.

Au début du XVIIe siècle, les jeunes étrangers affluaient à Rome pour se familiariser avec le patrimoine de l'Antiquité et de la Renaissance. La place la plus importante parmi eux était occupée par le Français Nicolas Poussin, dans ses peintures, principalement sur les thèmes de l'Antiquité antique et de la mythologie, qui a fourni des exemples inégalés de composition géométriquement précise et de relations réfléchies entre les groupes de couleurs. Un autre Français, Claude Lorrain, dans ses paysages antiques des environs de la « ville éternelle », ordonnait les tableaux de la nature en les harmonisant avec la lumière du soleil couchant et en introduisant des scènes architecturales particulières.

Le normativisme froidement rationnel de Poussin rencontra l'approbation de la cour de Versailles et fut poursuivi par des artistes de la cour comme Le Brun, qui voyait dans la peinture classique le langage artistique idéal pour louer l'état absolutiste du « Roi Soleil ». Bien que les clients privés privilégient diverses variantes du baroque et du rococo, la monarchie française maintient le classicisme à flot en finançant des institutions académiques telles que l'École des Beaux-Arts. Le Prix de Rome a offert aux étudiants les plus talentueux la possibilité de visiter Rome et de se familiariser directement avec les grandes œuvres de l'Antiquité.

La découverte de la peinture ancienne « authentique » lors des fouilles de Pompéi, la déification de l'Antiquité par le critique d'art allemand Winckelmann et le culte de Raphaël, prêché par l'artiste Mengs, qui lui fut proche dans les vues, dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le XVIIIe siècle a insufflé un nouveau souffle au classicisme (dans la littérature occidentale, cette étape est appelée néoclassicisme). Le plus grand représentant du « nouveau classicisme » était Jacques-Louis David ; son langage artistique extrêmement laconique et dramatique servit avec un égal succès à promouvoir les idéaux de la Révolution française (« Mort de Marat ») et du Premier Empire (« Dévouement de l'empereur Napoléon Ier »).

Au XIXe siècle, la peinture classique entre dans une période de crise et devient un frein au développement de l’art, non seulement en France, mais aussi dans d’autres pays. La ligne artistique de David a été poursuivie avec succès par Ingres, qui, tout en conservant le langage du classicisme dans ses œuvres, s'est souvent tourné vers des sujets romantiques à saveur orientale (« Bains turcs ») ; ses œuvres de portraits sont marquées par une subtile idéalisation du modèle. Des artistes d'autres pays (comme par exemple Karl Bryullov) ont également imprégné des œuvres de forme classique de l'esprit du romantisme ; cette combinaison s'appelait l'académisme. De nombreuses académies d’art lui servent de vivier. Au milieu du XIXe siècle, une jeune génération tournée vers le réalisme, représentée en France par le cercle Courbet et en Russie par les Vagabonds, s'insurge contre le conservatisme de l'establishment académique.

Sculpture

L'impulsion pour le développement de la sculpture classique au milieu du XVIIIe siècle fut les écrits de Winckelmann et fouilles archéologiques villes anciennes, qui ont élargi les connaissances des contemporains sur la sculpture ancienne. En France, des sculpteurs comme Pigalle et Houdon oscillaient à la limite du baroque et du classicisme. Le classicisme atteint sa plus haute incarnation dans le domaine de l'art plastique dans les œuvres héroïques et idylliques d'Antonio Canova, qui s'inspire principalement des statues de l'époque hellénistique (Praxitèle). En Russie, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky et Ivan Martos se sont tournés vers l'esthétique du classicisme.

Les monuments publics, qui se sont répandus à l'époque du classicisme, ont donné aux sculpteurs l'occasion d'idéaliser la valeur militaire et la sagesse des hommes d'État. La fidélité au modèle ancien obligeait les sculpteurs à représenter des modèles nus, ce qui était en contradiction avec les normes morales acceptées. Pour résoudre cette contradiction, les figures modernes ont été initialement représentées par les sculpteurs du classicisme sous la forme d'anciens dieux nus : Souvorov - sous la forme de Mars et Polina Borghèse - sous la forme de Vénus. Sous Napoléon, le problème a été résolu en passant à la représentation de personnages modernes en toges anciennes (il s'agit des figures de Koutouzov et Barclay de Tolly devant la cathédrale de Kazan).

Les clients privés de l’époque classique préféraient immortaliser leur nom sur des pierres tombales. La popularité de cette forme sculpturale a été facilitée par l'aménagement de cimetières publics dans les principales villes d'Europe. Conformément à l’idéal classique, les personnages sur les pierres tombales sont généralement dans un état de profond repos. La sculpture du classicisme est généralement étrangère aux mouvements brusques et aux manifestations extérieures d'émotions comme la colère.

Architecture

Pour plus de détails, voir Palladianisme, Empire, Néo-grec.

La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté forme volumétrique. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système d'urbanisme régulier.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi. Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l'architecture des temples antiques à un point tel qu'ils les ont même appliqués à la construction d'hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.

À cette époque, la satiété de la « crème fouettée » du baroque tardif et du rococo commençait à s’accumuler parmi les intellectuels de l’Europe continentale. Né des architectes romains Bernini et Borromini, le baroque s'est éclairci pour devenir le rococo, un style à prédominance de chambre mettant l'accent sur la décoration intérieure et les arts décoratifs. Cette esthétique était peu utile pour résoudre de grands problèmes d’urbanisme. Déjà sous Louis XV (1715-74), des ensembles urbanistiques sont construits à Paris dans le style « roman antique », comme la place de la Concorde (architecte Jacques-Ange Gabriel) et l'église Saint-Sulpice, et sous Louis XVI (1774-92), un «noble laconisme» similaire est déjà en train de devenir la principale direction architecturale.

Les intérieurs les plus importants du style classique ont été conçus par l'Écossais Robert Adam, qui est revenu de Rome dans son pays natal en 1758. Il fut très impressionné à la fois par les recherches archéologiques des scientifiques italiens et par les fantaisies architecturales de Piranèse. Selon l’interprétation d’Adam, le classicisme était un style à peine inférieur au rococo dans la sophistication de ses intérieurs, ce qui lui a valu une popularité non seulement parmi les cercles démocratiques de la société, mais aussi parmi l’aristocratie. Comme ses collègues français, Adam prêchait un rejet total des détails dépourvus de fonction constructive.

Le Français Jacques-Germain Soufflot, lors de la construction de l'église Sainte-Geneviève à Paris, a démontré la capacité du classicisme à organiser de vastes espaces urbains. La grandeur massive de ses créations préfigurait la mégalomanie du style Empire napoléonien et du classicisme tardif. En Russie, Bajenov va dans la même direction que Soufflot. Les Français Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé sont allés encore plus loin dans le développement d'un style visionnaire radical en mettant l'accent sur la géométrisation abstraite des formes. Dans la France révolutionnaire, le pathétique civique ascétique de leurs projets était peu demandé ; L'innovation de Ledoux n'a été pleinement appréciée que par les modernistes du XXe siècle.

L’esthétique du classicisme a favorisé les projets d’urbanisme à grande échelle et a conduit à la rationalisation du développement urbain à l’échelle de villes entières. En Russie, presque toutes les villes de province et de nombreuses villes de district ont été replanifiées conformément aux principes du rationalisme classique. Aux musées authentiques du classicisme sous à ciel ouvert des villes comme Saint-Pétersbourg, Helsinki, Varsovie, Dublin, Édimbourg et plusieurs autres sont devenues. Un langage architectural unique, remontant à Palladio, dominait tout l'espace, de Minusinsk à Philadelphie. Le développement ordinaire a été réalisé conformément aux albums de projets standards.

Dans la période qui suit les guerres napoléoniennes, le classicisme doit cohabiter avec un éclectisme teinté de romantisme, notamment avec le retour de l'intérêt pour le Moyen Âge et la mode du néo-gothique architectural. En lien avec les découvertes de Champollion, les motifs égyptiens gagnent en popularité. L'intérêt pour l'architecture romaine antique est remplacé par le respect pour tout ce qui est grec ancien (« néo-grec »), particulièrement prononcé en Allemagne et aux États-Unis. Les architectes allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel ont respectivement construit Munich et Berlin avec de grandioses musées et autres bâtiments publics dans l'esprit du Parthénon. En France, la pureté du classicisme se dilue avec de libres emprunts au répertoire architectural de la Renaissance et du baroque (voir Beaux-Arts).

Littérature

Boileau est devenu célèbre dans toute l'Europe comme le « législateur du Parnasse », le plus grand théoricien du classicisme, qui a exprimé ses vues dans le traité poétique « L'art poétique ». Il a influencé les poètes britanniques John Dryden et Alexander Pope, qui ont fait des alexandrins la principale forme de poésie anglaise. La prose anglaise de l'ère du classicisme (Addison, Swift) se caractérise également par une syntaxe latinisée.

Le classicisme du XVIIIe siècle s'est développé sous l'influence des idées des Lumières. L'œuvre de Voltaire (-) est dirigée contre le fanatisme religieux, l'oppression absolutiste et est remplie du pathos de la liberté. Le but de la créativité est de changer le monde meilleur côté, construction conforme aux lois du classicisme de la société elle-même. Du point de vue du classicisme, l'Anglais Samuel Johnson a passé en revue la littérature contemporaine, autour de laquelle s'est formé un brillant cercle de personnes partageant les mêmes idées, dont l'essayiste Boswell, l'historien Gibbon et l'acteur Garrick. Les œuvres dramatiques se caractérisent par trois unités : l'unité de temps (l'action se déroule un jour), l'unité de lieu (en un seul lieu) et l'unité d'action (un scénario).

En Russie, le classicisme est né au XVIIIe siècle, après les réformes de Pierre Ier. Lomonosov a procédé à une réforme du vers russe, a développé la théorie des « trois calmes », qui était essentiellement une adaptation du vers français. règles classiquesà la langue russe. Les images du classicisme sont dépourvues de caractéristiques individuelles, car elles sont conçues principalement pour capturer des caractéristiques génériques stables qui ne se transmettent pas dans le temps, agissant comme l'incarnation de forces sociales ou spirituelles.

Le classicisme en Russie s'est développé sous la grande influence des Lumières - les idées d'égalité et de justice ont toujours été au centre de l'attention des écrivains classiques russes. Ainsi, dans le classicisme russe, les genres qui nécessitent une évaluation obligatoire de la réalité historique par l'auteur ont reçu un grand développement : la comédie (

Classicisme en architecture et urbanisme.

La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité du tracé et la clarté des formes volumétriques. La base du langage architectural du classicisme était l'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité. Le classicisme se caractérise par des compositions axiales symétriques, une décoration sobre et un système d'urbanisme régulier.

Le langage architectural du classicisme a été formulé à la fin de la Renaissance par le grand maître vénitien Palladio et son disciple Scamozzi.

Les Vénitiens ont absolutisé les principes de l'architecture des temples antiques à un point tel qu'ils les ont même appliqués à la construction d'hôtels particuliers tels que la Villa Capra. Inigo Jones a amené le palladianisme au nord de l'Angleterre, où les architectes palladiens locaux ont suivi les principes palladiens avec plus ou moins de fidélité jusqu'au milieu du XVIIIe siècle.

À Venise, Palladio, commandé par l'Église, réalise plusieurs projets et construit plusieurs églises (San Pietro in Castello, 1558 ; cloître de l'église de Santa Maria della Carita [aujourd'hui Musée de l'Académie] ; façade de l'église de San Francesco della Vigna, 1562 ; San Giorgio Maggiore sur la même île, 1565 [achevé par V. Scamozzi vers 1610] ; « Il Redentore », c'est-à-dire [l'église] du Sauveur, sur l'île de la Giudecca, 1576-1592 ; Santa Maria della Présentation, ou "Le Santa Lucia" ; milieu du XIXe siècle lors de la construction de la gare). Si les villas de Palladio dans leur ensemble sont unies par l'impression d'harmonie et de tranquillité des formes, alors dans ses églises l'essentiel est la dynamique des formes, parfois excitées par le pathétique.

Robert Adam (travaillant en collaboration avec son frère James) est devenu l'architecte le plus recherché de Grande-Bretagne. Les connaisseurs de la beauté admiraient la liberté avec laquelle il combinait des éléments classiques auparavant considérés comme incompatibles. Nouvelle approche l’agencement de techniques architecturales familières (fenêtre thermique, serliano) témoignait de la profonde pénétration d’Adam dans l’essence de l’art ancien. Bâtiments : Kedleston Hall, Syon House, Register House, Osterley Park.

Le classicisme en peinture.

Peu peintures Agostino Carrache (les meilleures d'entre elles sont les fresques du Palais Farnèse à Rome, réalisées avec le frère Annibale, « La Communion de Saint Jérôme » et « L'Assomption de la Vierge » à la Pinacothèque de Bologne) se distinguent par l'exactitude du dessin et une couleur claire et gaie.

Agostino était un graveur plus célèbre que son frère Annibale. Imitant Cornelis Cort, il atteint de grands sommets dans l'art de la gravure. Les plus célèbres de ses gravures sont : « La Crucifixion » (avec le Tintoret, 1589), « Enée et Anchise » (avec Barocchio, 1595), « La Vierge à l'Enfant » (avec le Corrège), « La Tentation de Saint-Pierre ». Antoine", "St. Jérôme" (avec le Tintoret), ainsi que quelques gravures tirées de ses propres œuvres.

Claude Lorrain a représenté avec une grande habileté le jeu des rayons du soleil à différentes heures de la journée, la fraîcheur du matin, la chaleur de midi, le scintillement mélancolique du crépuscule, les ombres fraîches des nuits chaudes, l'éclat des eaux calmes ou légèrement agitées. , la transparence de l'air pur et la distance parcourue par un léger brouillard. Dans son œuvre, deux styles peuvent être distingués : les peintures datant du début de son activité sont peintes avec force, épaisseur, dans des couleurs chaudes ; les suivants - plus doux, sur un ton froid. Les personnages avec lesquels ses paysages sont habituellement animés.

Lorrain, contrairement à Poussin, est allé au-delà du paysage métaphysique (lire académique). La lumière est toujours importante dans son travail. Il est le premier à étudier le problème de l'éclairement solaire, matin et soir ; le premier qui s'est sérieusement intéressé à l'atmosphère et à sa saturation lumineuse. Son travail a influencé le développement de la peinture paysagère européenne, en particulier William Turner

Le classicisme en musique

La musique de la période du classicisme, ou musique du classicisme, fait référence à la période de développement de la musique européenne comprise approximativement entre 1730 et 1820 (voir « Calendrier des périodes de développement musique classique» pour une couverture plus détaillée des questions liées à l'identification de ces cadres). Le concept de classicisme en musique est fermement associé aux œuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, appelés les classiques viennois et qui ont déterminé l'orientation du développement ultérieur de la composition musicale.

Particularité La créativité de Mozart est une étonnante combinaison de formes strictes et claires avec une profonde émotivité. Le caractère unique de son œuvre réside dans le fait qu'il a non seulement écrit dans toutes les formes et tous les genres qui existaient à son époque, mais qu'il a également laissé dans chacun d'eux des œuvres d'une importance durable. La musique de Mozart révèle de nombreux liens avec différentes cultures nationales (notamment italiennes), mais elle appartient néanmoins au sol national viennois et porte la marque de l'individualité créatrice du grand compositeur.

Mozart est l'un des plus grands mélodistes. Sa mélodie combine les caractéristiques des chansons folkloriques autrichiennes et allemandes avec la mélodie de la cantilène italienne. Malgré le fait que ses œuvres se distinguent par la poésie et la grâce subtile, elles contiennent souvent des mélodies de nature masculine, avec un grand pathétique dramatique et des éléments contrastés. Les opéras les plus populaires étaient « Les Noces de Figaro », « Don Giovanni » et « La Flûte enchantée ».

Questions et tâches :

1) Classicisme (classicisme français, du latin classicus - exemplaire) - style artistique et direction esthétique dans l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.

Il y a deux étapes dans le développement du classicisme : le XVIIe siècle. et XVIII - début XIX siècles. Au XVIIIe siècle

Le classicisme est basé sur les idées du rationalisme, qui se sont formées simultanément avec les mêmes idées dans la philosophie de Descartes. Une œuvre d'art, du point de vue du classicisme, doit être construite sur la base de canons stricts, révélant ainsi l'harmonie et la logique de l'univers lui-même. Le classicisme n'intéresse que l'éternel, l'immuable - dans chaque phénomène, il s'efforce de reconnaître uniquement les caractéristiques typologiques essentielles, en écartant les caractéristiques individuelles aléatoires. L'esthétique du classicisme attache une grande importance à la fonction sociale et éducative de l'art. Le classicisme reprend de nombreuses règles et canons de l'art ancien (Aristote, Horace).

Le classicisme établit une hiérarchie stricte de genres, qui sont divisés en hauts (ode, tragédie, épopée) et bas (comédie, satire, fable). Chaque genre a des caractéristiques strictement définies dont le mélange n'est pas autorisé.

Comment s'est formée une certaine direction en France, au XVIIe siècle. Le classicisme français affirmait la personnalité de l'homme comme la valeur la plus élevée de l'existence, le libérant de l'influence religieuse et ecclésiale.

Peinture, sculpture, architecture, littérature, musique, le classicisme est représenté.

2) D'un bâtiment monumental, ils arrivent à un bâtiment exprimant une certaine fonction sociale, l'unité de ces fonctions crée un organisme urbain, et sa structure est la coordination de ces fonctions. Puisque la coordination sociale repose sur les principes de rationalité, les plans urbains deviennent plus rationnels, c'est-à-dire qu'ils suivent des motifs géométriques rectangulaires ou radiaux clairs constitués de rues larges et droites, de grandes zones carrées ou circulaires. L'idée du rapport entre la société humaine et la nature s'exprime dans la ville par l'introduction de vastes espaces verts, le plus souvent des parcs à proximité de palais ou de jardins d'anciens monastères devenus propriété de l'État après la révolution. Réduire l'architecture à la seule réalisation de tâches d'urbanisme implique une simplification et une typification de ses formes.

3) L'architecte du classicisme rejette la « chantilly » du baroque et insiste sur les normes d'harmonie, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. En fait, pour lui, il n’y avait aucun doute quant à savoir si l’art était objectif ou non. Bien sûr, objectivement, mais lui-même sert l'éternité et tout ce qui est immuable. D’où l’accent mis sur le système d’ordre, la régularité de l’agencement et la symétrie. Mec, si nous nous en souvenons, cela semble fier. Et la régularité et la clarté sont précisément ce qui distingue la création humaine de l'asymétrie spontanée de la nature. Pour les bâtiments et les parcs, tout cela signifiait l’apparition de rangées de colonnes s’étendant en perspective, de buissons parfaitement taillés et de dizaines de mètres de sculptures parfaites. Et les boucles, les plis architecturaux et les volants viennent du malin. L'architecte du classicisme était le plus souvent un touriste et voyageait en Italie et en Grèce pour admirer les ruines, les œuvres de Palladio, Scamozzi et les dessins de Piranesi, puis il transmettait ses connaissances à propre pays. Cela s'est produit en particulier avec Inigo Jones, responsable de l'introduction du classicisme en Grande-Bretagne, et avec Robert Adam, qui a changé le visage de l'Écosse. Les Allemands Leo von Klenze et Karl Friedrich Schinkel, devenus fous de la beauté du Parthénon, ont construit Munich et Berlin dans l'esprit néo-grec avec de grandioses musées et autres édifices publics.

Les Français Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux et Etienne-Louis Boullé ont créé leurs propres versions du classicisme : le premier maîtrisait de plus en plus les espaces autour du bâtiment, tandis que Ledoux et Boullé se laissaient emporter par la géométrisation radicale des formes. Les Français (et après eux les Russes), de tous les Européens, se révélèrent les plus sensibles au luxe de la Rome impériale et n'hésitèrent pas à copier les arcs et les colonnes de triomphe.

4) Voir la question n°3.

5) Une caractéristique distinctive de l’œuvre de Mozart est l’étonnante combinaison de formes strictes et claires avec une profonde émotivité. Le caractère unique de son œuvre réside dans le fait qu'il a non seulement écrit dans toutes les formes et tous les genres qui existaient à son époque, mais qu'il a également laissé dans chacun d'eux des œuvres d'une importance durable. La musique de Mozart révèle de nombreux liens avec différentes cultures nationales (notamment italiennes), mais elle appartient néanmoins au sol national viennois et porte la marque de l'individualité créatrice du grand compositeur.

6) Nicolas Poussin. Maître de la composition martelée et rythmée. Il fut l'un des premiers à apprécier la monumentalité de la couleur locale.

Né en Normandie, original éducation artistique reçu dans son pays natal, puis étudie à Paris, sous la direction de Quentin Varenne et de J. Lallemand. En 1624, déjà artiste assez connu, Poussin se rend en Italie et se lie d'amitié à Rome avec le poète Marino, qui lui inculque le goût d'étudier les poètes italiens, dont les œuvres fournissent à Poussin un matériau abondant pour ses compositions. Après la mort de Marino, Poussin se retrouve à Rome sans aucun soutien. Sa situation ne s'améliora qu'après avoir trouvé des mécènes en la personne du cardinal Francesco Barberini et du cavalier Cassiano del Pozzo, pour qui il écrivit Les Sept Sacrements. Grâce à une série de ces excellents tableaux, Poussin fut invité par le cardinal Richelieu à Paris en 1639 pour décorer la galerie du Louvre. Louis XIII l'élève au titre de son premier peintre. A Paris, Poussin a de nombreuses commandes, mais il forme un parti d'opposants en la personne des artistes Vouet, Bréquier et Mercier, qui avaient auparavant travaillé à la décoration du Louvre. L'école de la Vue, qui bénéficiait du patronage de la reine, intriguait particulièrement contre lui. Ainsi, en 1642, Poussin quitte Paris et retourne à Rome, où il réside jusqu'à sa mort.

Poussin était particulièrement fort en paysage. Profitant des résultats obtenus dans ce type de peinture par l'école bolognaise et les Hollandais vivant en Italie, il créa ce qu'on appelle le « paysage héroïque », qui, étant disposé selon les règles d'une répartition équilibrée des masses, avec ses formes agréables et majestueuses lui servaient de scène pour dépeindre un âge d'or idyllique. Les paysages de Poussin sont empreints d'une ambiance sérieuse et mélancolique. Dans la représentation des personnages, il adhère aux antiquités, à travers lesquelles il détermine le chemin ultérieur que l'école de peinture française suit après lui. En tant que peintre d'histoire, Poussin avait une connaissance approfondie du dessin et un don pour la composition. Dans le dessin, il se distingue par une stricte cohérence de style et d'exactitude.

« La Générosité de Scipion », « Les Bergers d'Arcadie », « Tancrède et Erminia ».

La générosité de Scipion.

Peinture basée sur la prise de Nouvelle Carthage (Carthagène moderne), le fief espagnol des Puniques pendant la deuxième guerre punique, que Scipion a capturé avec d'innombrables trésors, des otages des tribus espagnoles et gros stock des provisions. Au fait, je l'ai capturé en une journée.

En fait, la générosité de Scipion réside dans le fait qu'il a libéré les otages et organisé leur renvoi chez eux, et a également préservé l'honneur des filles nobles de ces tribus espagnoles, ce qui a gagné l'amitié et la faveur de nombreux Espagnols qui se sont rangés du côté de Rome.

N° 21 Fondements de la vision du monde dans la culture éducative. Les Lumières en Europe et en Amérique

La formation d'une nouvelle idéologie est associée à la formation d'une nouvelle couche sociale. Convaincu des idées du rationalisme, instruit. Pas des aristocrates. Ils dénoncent la pauvreté et l'humiliation du peuple, la décomposition couches supérieures et se sont fixé pour objectif de changer la situation, en utilisant une vision scientifique du monde qui peut influencer l'humeur des masses. (Ce sont des fauteurs de troubles et des esclaves)

Ils prônent la reconnaissance des droits individuels, et c’est ainsi qu’apparaissent les doctrines du droit naturel. Ils apparaissent dans les enseignements de Hobbes, Locke et Grotius au XVIIIe siècle. L'idée originale de Hobbes sur la loi naturelle est que la nature humaine est mauvaise et égoïste. « L’homme est un loup pour l’homme », l’état naturel est « une guerre de tous contre tous ». Dans cette guerre, l’homme est guidé par sa loi naturelle : la loi de la force. La loi naturelle s'oppose aux lois naturelles, qui constituent le principe moral rationnel de l'homme. Lois d'auto-préservation et de satisfaction des besoins. Puisque la guerre de tous contre tous menace l’humanité d’autodestruction, il est nécessaire de changer l’état de nature en un état civil. Un contrat social doit être conclu. Les gens cèdent volontairement certains de leurs droits et libertés à l’État et acceptent de se conformer aux lois. Ainsi la loi naturelle de la force est remplacée par l'harmonie des lois naturelles et civiles. L’État est donc une condition nécessaire à la culture. Locke croyait que la vérité de la vie sociale ne réside pas dans l’État, mais dans l’homme lui-même. Les gens s'unissent dans la société pour garantir les droits naturels d'une personne. Selon Locke, il s’agit du droit à la vie, à la propriété et au travail. Le travail et la propriété donnent aux gens liberté et égalité. L'État est tenu de protéger la libre vie privée d'une personne. Dès le début, les théories du droit naturel avaient une orientation anti-ecclésiale et anti-féodale, car l'accent était mis sur l'origine naturelle du droit. Ce qui s'oppose à la théorie du droit divin selon laquelle la religion est à l'origine de l'État féodal et des inégalités sociales. Le terme illumination est utilisé pour la première fois par Aviary. La priorité dans le développement de l'éducation appartient à la France. Et Herder, avec Voltaire, a inventé ce chapeau : l'illumination. Kant a écrit que l’illumination est un moyen de sortir d’un état de minorité dans lequel une personne se trouvait volontairement. Un mineur de plein gré est celui dont les causes ne résident pas dans des déficiences de la raison, mais dans un manque de détermination et de courage pour l'utiliser sans l'aide de quelqu'un d'autre. La devise de l’illumination selon Kant est d’avoir le courage d’utiliser son propre esprit.

Les idées des Lumières sont basées sur les idées du rationalisme. Ce n'est pas un hasard si la littérature et l'art glorifient la raison, le pouvoir de l'esprit humain - c'est une vision du monde optimiste. Croyance au pouvoir de l'esprit humain. Pauvillon - « Merveilles de l'esprit humain ». Au centre du concept de l'homme des Lumières se trouve l'idée d'un homme naturel, et le roman de Daniel Defoe « Robinson Crusoé » - un homme à l'état de nature - a joué un rôle énorme dans sa formation. C'est une histoire sur la vie de l'humanité, qui est passée de la sauvagerie à la civilisation. C'est l'état naturel qui éduque Robinson. J.-J. lui succède. Rousseau. Dans un traité sur le raisonnement sur les sciences et les arts, il rapporte que l'homme naturel est éclairé, mais pas par les sciences et les arts, dont les despotes ont besoin pour briser la résistance des hommes. La civilisation n'a pu créer que des esclaves heureux ; Rousseau les oppose aux sauvages de l'Amérique. Ne comptant que sur la chasse, ils sont invincibles. Aucun joug ne peut être imposé à des personnes qui n’ont aucun besoin. Rousseau développe également le concept d'homme naturel dans des traités sur l'origine et les fondements de l'inégalité entre les hommes et sur le contrat social. L’origine des inégalités s’explique historiquement. Voltaire et Montesquieu ont vivement critiqué l'idée du pouvoir sacré du clergé. Dieu s'est discrédité car pendant longtemps son nom a été utilisé par les oligarques pour tromper le peuple et renforcer son pouvoir. Ensuite, les éclaireurs ont travaillé au développement d’utopies sociales.

D’abord se construit la reconstruction de la société, puis la théorie d’une société universelle. Tout le monde a essayé de déterminer l'état naturel de l'homme, qui se reflétait dans la réalité sociale du bien-être matériel. Rousseau croyait pouvoir bien-être matériel, richesse - les capacités humaines se développent, les idées se développent, les sentiments sont ennoblis, l'âme est élevée.

Claude Helvétius a formulé le concept de vertu, qui pour lui se mesure par l'utilité, et non par l'abnégation, comme c'était le cas dans la morale chrétienne. Autrement dit, une personne devrait profiter de la vie et ne pas servir Dieu avec l’abnégation caractéristique d’un chrétien. Cette idée a été soutenue par l'éducateur anglais Bentham, qui croyait que la vertu devait être basée sur le bénéfice personnel, en tenant compte des intérêts publics de la société. Ainsi commence une nouvelle étape dans le développement des Lumières, qui a en général connu une évolution : depuis des tentatives éparses pour établir l'idée des Lumières, jusqu'à l'unification des forces des éclaireurs ; du déisme de Walter à l'athéisme de Denis Diderot. De l'idée d'une monarchie éclairée, la passion pour le système anglais au développement d'un changement révolutionnaire dans le système social français jusqu'à l'instauration de l'idée de république, du principe d'égalité. Le slogan le plus important est « Liberté, égalité, fraternité ». En général, les éducateurs créent une image harmonieuse du monde parce qu’elle est optimiste. L'idée d'universalité, de culture mondiale se forme. Le plus célèbre était Johann Herder. Il affirme l'égalité des cultures divers peuples et les époques. Dans le même temps, le terrain apparaît pour le développement de l’eurocentrisme. Pendant longtemps, les Européens n’ont pas connu les cultures étrangères et lorsqu’ils ont conquis les peuples d’Amérique et d’Australie, ils ont agi en conquérants. Ils ont ignoré la culture de leurs ennemis. Alors qu’avec le développement de l’idée d’universalité, en comparant les cultures sur un pied d’égalité, la sienne s’avère plus importante, supérieure à celle des autres. Le développement des idées de Rousseau par la Révolution française a témoigné d'une nouvelle attitude envers l'homme, si bien que socialement, des idées ont commencé à apparaître qui contredisaient les idées de l'esclavage.

Les Droits de l'homme de Thomas Pen ont été publiés en 1791.

"Une justification des droits des femmes" par Ounstonecraft, 1792. Le Danemark a été le premier pays à interdire l'esclavage. Puis, en 1794, la France l'a interdit. En 1807, l’esclavage est aboli dans l’Empire britannique. Les idées des Lumières ont déterminé le développement de la culture américaine. Philadelphie devient le centre de l'éducation en Amérique ; la première bibliothèque d'Amérique et la première revue juridique y sont créées. La première école de médecine et hôpital, les activités éducatives de Benjamin Franklin, qui a formulé les principes classiques de la morale bourgeoise, sont associées à cette ville. Un héros des temps modernes est une personne qui ne doit tout qu’à elle-même. Il se caractérise par la sobriété d'esprit, la rationalité, la concentration sur la vraie vie, avec ses joies matérielles. C'est à lui que parlent de nombreux aphorismes de la culture bourgeoise et de la moralité bourgeoise : « Le temps, c'est de l'argent », « L'épargne et le travail mènent à la richesse », etc.

La culture éducative est basée sur les idées de Cottan Mather et Jonathan Edwards.

L'idéologie des Lumières a contribué au développement de l'éducation. Les Lumières croient que l'éducation dans l'esprit de la science moderne, la connaissance moderne peut améliorer la vie des gens ; ce n'est pas un hasard si Diderot a uni les forces des éclaireurs Voltaire et Montesquieu pour créer ; dictionnaire explicatif ou Encyclopédie des sciences, des arts et des métiers.

Peu à peu, une situation plus favorable à l'obtention d'une éducation se développe en Amérique que dans l'ancien monde. Ceci explique l'apparition des pères fondateurs de la république.

Thomas Jefferson auteur de la Déclaration d'Indépendance. Il devient l'interprète américain des enseignements de Locke. Il considérait que le but de l'État était de protéger les droits de l'homme : les droits à la vie, à la propriété, à la liberté et au bonheur. Le peuple peut renverser l’État. L'essentiel est de répartir correctement le pouvoir. La liberté est étroitement liée aux responsabilités.

La déception à l'égard des idéaux des Lumières a été exprimée dans le roman Gulliver's Travels de Jonathan Swift - une satire sur les idées des Lumières. Swift doutait du progrès scientifique.

Le siècle des Lumières a duré environ 100 ans, puis est venue la réaction aux résultats de la Révolution française. La partie pensante de l’humanité européenne estimait que l’idéal de l’homme, formé par la culture de la Renaissance, ne correspondait pas à la réalité.

N° 22,23 Le romantisme comme paradigme culturel, Le romantisme en Europe

Au XVIIIe siècle se forme le préromantisme, dont J.-J. Rousseau joue un rôle particulier dans la formation, principalement avec la célèbre confession. L’âge de raison parlait de la primauté du sentiment, de la singularité de chaque personne. En Allemagne, le romantisme est alimenté par les idées du mouvement littéraire et social « Storm and Drang ». Les œuvres des premiers Goethe, Schiller. Parmi les sources importantes figurent la philosophie de Fichte avec son absolutisation de la liberté créatrice. Et Arthur Schopenhauer avec son idée d'une volonté aveugle et déraisonnable qui crée le monde selon sa propre volonté. La réalité semblait défavorable, parfois terrible, et la raison ne pouvait la corriger. La vision du monde des romantiques est irrationnelle. L'idée de l'existence de forces d'un autre monde est un produit fantastique, non contrôlé par l'esprit éclairé. Cette tendance s'est manifestée dans la créativité artiste espagnol Francisco Goya. Il reflète de nouvelles thématiques, remet en question le culte du principe rationnel humain, la croyance en l'humanité originelle. Les affaires humaines jettent un profond doute sur les affirmations précédentes. Goya refuse de diviser la vie entre le bien et le mal, le haut et le bas. L’expérience de la nouvelle ère, secouée par les révolutions et les guerres, a réfuté l’idée selon laquelle les principes de l’obscurité et de la lumière sont incompatibles. La vie s'est avérée plus compliquée et tout ce qui existe - les gens, l'histoire, l'homme, avec ses rêves, ses fantasmes, est impliqué dans un processus continu de changement et de formation. D'un côté, Goya fait preuve de courage, de persévérance, de grandeur d'âme, de l'autre, il sait montrer le crime, l'inhumanité. Le romantisme naît en réaction à Révolution française, sur l'idée de leur culte de la raison. Et la raison de son développement est aussi le mouvement de libération nationale. Initialement, le terme romantisme était utilisé dans la littérature des peuples germano-romains ; il recouvrait ensuite la musique et les arts visuels. L'idée de mondes doubles, c'est-à-dire la comparaison et le contraste des mondes réels et représentés, est devenue fondamentale pour l'art romantique. Vrai vie ou bien la prose de la vie, avec son manque de spiritualité et d'utilitarisme, est considérée comme une illusion indigne de l'homme, opposée au monde vrai. L'affirmation du développement d'un bel idéal en tant que réalité réalisée au moins dans les rêves est la caractéristique principale du romantisme. La réalité moderne est rejetée comme dépositaire de tous les vices, donc le romantique la fuit. L'évacuation s'effectue dans les directions suivantes :

1. Aller dans la nature, la nature est donc un diapason d'expériences émotionnelles, l'incarnation d'une liberté réelle, d'où l'intérêt pour la campagne, la critique de la ville. Intérêt pour le folklore, les mythes anciens, les contes, les épopées.
2. Évadez-vous vers des pays exotiques, une civilisation bourgeoise préservée aux yeux des romantiques.
3. A défaut d’une véritable adresse territoriale de fuite, elle s’invente, se construit dans l’imaginaire.
4. Évadez-vous vers un autre temps. Le romantisme cherche avant tout à s’échapper jusqu’au Moyen Âge. Il y a là un bel idéal chevaleresque.

C’est dans la vie du cœur que les romantiques voient le contraire de l’absence de cœur du monde extérieur. Un portrait romantique, un autoportrait, se développe en peinture. Les héros des portraits sont des personnalités créatives extraordinaires. Des poètes, des écrivains qui ont un monde intérieur extraordinaire. L'image du monde intérieur devient dominante. L'une des premières images d'une personnalité libre a été incarnée par l'écrivain et poète Byron, « Le voyage et le pèlerinage de Chaid Harold ». L'image d'une personnalité libre a été appelée le héros byronique. Il se caractérise par des traits tels que la solitude et l'égocentrisme. Libéré de la société, ce héros est malheureux. L'indépendance lui est plus précieuse que le confort et la paix. Le thème de la solitude se reflète dans le travail de Caspar David Friedrich lorsqu'il représente des figures humaines solitaires sur fond de nature. Hector Berlioz devient le fondateur du français. À cet égard, cela devient une symphonie fantastique. Fantastique est le reflet du monde intérieur du héros lyrique, un poète fugitif solitaire et méconnu, tourmenté par un amour non partagé. La vision romantique du monde s'exprimait en deux versions : 1) le monde semblait être une subjectivité cosmique sans fin et sans visage, l'énergie créatrice de l'esprit étant le début de la création de l'harmonie mondiale. Celui-ci se caractérise par une image panthéiste du monde, l'optimisme, sensation sublime. 2) La subjectivité humaine est prise en compte, ce qui est en conflit avec monde extérieur. Cette attitude est caractérisée par le pessimisme.

Les formes nationales du romantisme, si elles présentent des traits communs, sont originales. Le romantisme allemand est donc sérieux, mystique. En Allemagne, la théorie et l'esthétique du romantisme prennent forme (Fichte, Schopenhauer). Dans le même temps, naissent ici des chefs-d'œuvre de la musique et de la littérature, destinés à l'approfondissement. Le romantisme français est impétueux et épris de liberté. Tout d’abord, cela s’est manifesté par peinture de genre. Dans l'histoire et image de tous les jours, dans le genre du portrait, dans la romance. Le romantisme anglais sentimental et sensuel utilisait des formes fantastiques, allégoriques et symboliques pour représenter le monde, l'ironie et le grotesque.

Le fondateur du romantisme français est Théodore Géricault. Il surmonte l'influence du classicisme, ses œuvres reflètent la diversité de la nature. En introduisant la vie humaine dans la composition, Géricault s’efforce de révéler de la manière la plus vivante possible les expériences et les émotions intérieures d’une personne. Ayant conservé le besoin classique de généralisation et d'images héroïques, Géricault pour la première fois Peinture française imprégné d'un sens aigu des conflits dans le monde. Il incarne les phénomènes dramatiques de la modernité, une passion forte. Les premières œuvres de Geriot reflétaient l'héroïsme guerres Napoléoniennes. « Officier des rangers à cheval de la garde impériale partant à l'attaque », « Cuirassier blessé sortant du champ de bataille ». Composition et couleur dynamiques. L'une des œuvres centrales de Géricault est « Le Radeau de Méduse ». Il a été écrit sur une histoire d’actualité sur la frégate perdue « Medusa ». Géricault donne une signification historique et symbolique à un événement privé. L'œuvre révèle une gamme complexe de sentiments. Du désespoir complet à l’apathie totale et à l’espoir passionné de salut. L'idée d'un artiste romantique en tant que personne libre et indépendante, profondément émotive. Géricault l'a exprimé dans une série de ses portraits. (Portrait de Delacroix, vingt ans) et autoportraits. La série de portraits de malades mentaux est significative. La tradition de Géricault a été reprise par Eugène Delacroix. "Dante et Virgile" ou "Le bateau de Dante") La même passion et la même protestation contre toute violence marquent ses œuvres ultérieures. "Massacre à Yos" ou "La Grèce sur les ruines de Messalonga") Les événements de la défense des Grecs contre l'invasion turque sont reflétés. « La liberté sur les barricades » a été écrit sur le thème des événements contemporains. Sa symbolique romantique et révolutionnaire s'exprime par la figure allégorique de la liberté, avec le développement du savoir en main. De nombreuses œuvres sont inspirées de voyages en Afrique du Nord. « Femmes algériennes dans leurs appartements », « Mariage juif au Maroc », « Chasse au lion au Maroc ». Delacroix aimait les courses et les chevaux. Delacroix peint des portraits de compositeurs (Chopin, Paganini). L'expression du romantisme dans la peinture allemande est l'œuvre de K.D. Friedrich. Déjà là premières œuvres l'atmosphère mystique complète de son art était déterminée. Il s'agit de peintures telles que "Hunn Tomb in the Snow", Cross in the Mountains, "Moine by the Sea". Il représente le spectateur comme un personnage contemplant le paysage avec détachement. Une nature mystérieusement silencieuse se révèle à ce contemplateur. Divers symboles d'existence surnaturelle. (Horizon marin, sommet d'une montagne, bateau, ville lointaine, crucifix de voyage, croix, cimetière) Pour Friedrich, la nature est porteuse d'expériences religieuses profondes. Le paysage était utilisé comme moyen d’afficher des expériences émotionnelles profondes. Il y a quatre âges de la vie dans le travail programmatique. Des personnages de différents âges sont représentés sur une côte arctique déserte et quatre navires s'approchant du rivage. C'est ainsi que l'artiste a représenté le passage du temps, le passage du temps, la mortalité vouée à l'échec de l'homme. La scène elle-même sur fond de coucher de soleil évoque sentiment aigu nostalgie mélancolique. Le titre d’une autre œuvre parle de lui-même : « L’effondrement de l’espoir ». Les Préraphaélites sont une confrérie d'artistes anglais. (Rosetti, Milles, Hunt). Les crises économiques et les révolutions des années 1840 n’ont pas affecté l’Angleterre. C’est l’apogée du capitalisme britannique. Le diktat esthétique de l’Angleterre. Le nom Préraphaélites est apparu en raison du fait que les membres de la société adoraient l'art du pré-Cinquecento. Ils s'appuient principalement sur le Quattrocento et le Trecento. La peinture préraphaélite est devenue une réaction au pragmatisme du monde bourgeois et une critique du capitalisme du point de vue de la beauté. Il s’agit d’une tentative de créer une meilleure réalité basée sur l’harmonie spirituelle, physique et sociale. Le sens divin de la beauté idéale, le sens universel de l'existence, la haute spiritualité se révèlent dans la nature et Vie courante. L'intérêt pour le Moyen Âge était dû au désir de renouveau religieux. «La Mariée» - Rosetti, l'image de la féminité apparaît. Les peintures de Hunt sont imprégnées de symbolisme. « Le berger engagé » La tête de mort est un symbole de rétribution, la pomme est un symbole de tentation. "Je me suis réveillé de la honte" Hunt. La « Lampe du Monde » représente le Christ marchant. "Le bouc émissaire" est une allégorie du Christ dans le désert. Milles « Le Christ dans la maison de ses parents », le tableau était aussi appelé « l’atelier du menuisier ». Le romantisme en Amérique est né sous l'influence culture européenne. Il y avait une tendance à romantiser la Révolution américaine, présentée comme une voie vers plus haut degré développement, placent les États-Unis à la tête du progrès mondial. Ainsi, l’exclusivité de la voie américaine a été affirmée. Le genre biographique se développe. Washington est devenu le premier héros. Père biographie américaine- Gérard Sparks. Il a créé 12 volumes sur Washington, 10 volumes sur Franklin. L’industrialisation rapide des États du Nord détruisait les traditions.

N°24 Système de valeurs et culture de la société industrielle

Principes démocratiques dans la structure sociale, le développement de la science expérimentale et l'industrialisation. Celui-ci a été créé au 17ème siècle. Le résultat de la révolution industrielle a été l’émergence d’une société industrielle. Dont les idéaux sont le travail, la production, la science, l'éducation, la démocratie. Saint-Simon rêve d'une société organisée comme une immense usine dirigée par des industriels et des scientifiques. L'usine à cette époque a changé la manufacture, entraînant une augmentation sans précédent de la productivité du travail social. L'introduction d'innovations techniques s'est accompagnée de la consolidation des entreprises et de la transition vers la production de produits de masse et standardisés. La production de masse a conduit à l'urbanisation. (croissance urbaine) Les États-Unis ont démontré la perspective d’un développement accéléré du capitalisme. Le processus est devenu global et plus homogène, le processus de transformation de l'histoire en l'histoire du monde. La formation de la culture comme unité, la diversité des cultures nationales et écoles d'art. Les pays traditionnels, comme le Japon, sont également inclus dans ce processus. Le problème du dialogue culturel acquiert une saveur particulière. Un nouveau système de valeurs est en train d’émerger. La sensibilité est basée sur le bénéfice, la prospérité, le confort. Le progrès s’identifie au progrès économique. Dans le même temps, le principe du bénéfice transforme la notion de vérité. L’essentiel est ce qui est pratique et utile. L'étiquette prend un caractère utilitaire. Régulation des relations entre partenaires libres par les moyens d'achat et de vente. Le vendeur doit être poli et courtois, mais pas l’acheteur. L'attention n'est portée qu'à ceux qui sont utiles. Les relations sont formalisées.