- c'est l'un des principaux types arts visuels; représente image artistique monde d'objets avec des peintures colorées sur la surface. La peinture est divisée en : chevalet, monumentale et décorative.

- principalement représenté par les œuvres réalisées Peinture à l'huile sur toile (carton, planches de bois ou nue). Représente le plus apparition de masse peinture. C'est ce type qui est habituellement appliqué au terme " peinture".

est une technique de peinture sur les murs lors de la décoration des bâtiments et des éléments architecturaux des bâtiments. Particulièrement courant en Europe fresque - peinture monumentale sur plâtre humide avec peintures hydrosolubles. Cette technique de dessin est bien connue depuis l'Antiquité. Plus tard, cette technique fut utilisée dans la conception de nombreuses églises religieuses chrétiennes et de leurs voûtes.

Peinture décorative — (du mot latin de decoro - décorer) est une façon de dessiner et d'appliquer des images sur des objets et des détails intérieurs, des murs, des meubles et d'autres objets décoratifs. Désigne les arts décoratifs et appliqués.

Possibilités art pictural révèle particulièrement brillamment peinture sur chevalet depuis le XVe siècle, depuis l'utilisation massive des peintures à l'huile. C'est là qu'une variété particulière de contenu et une forme profondément développée sont disponibles. Au coeur du pittoresque moyens artistiques les couleurs (les possibilités des peintures) sont en unité inextricable avec le clair-obscur et la ligne ; la couleur et le clair-obscur sont développés et développés par des techniques de peinture avec une complétude et une luminosité inaccessibles aux autres types d'art. Cela détermine la perfection de la modélisation volumétrique et spatiale inhérente à la peinture réaliste, le rendu vif et précis de la réalité, la possibilité de réaliser les intrigues conçues par l'artiste (et les méthodes de construction des compositions) et d'autres avantages visuels.

Une autre différence dans les différences entre les types de peinture est la technique d'exécution selon les types de peintures. Les signes généraux ne suffisent pas toujours à déterminer. La frontière entre peinture et graphisme dans chaque cas individuel : par exemple, les œuvres réalisées à l’aquarelle ou au pastel peuvent appartenir aux deux domaines, selon la démarche de l’artiste et les tâches qu’il se fixe. Bien que les dessins sur papier soient liés aux graphiques, l'utilisation diverses techniques La peinture brouille parfois les différences entre peinture et graphisme.

Il faut tenir compte du fait que le terme sémantique « peinture » lui-même est un mot de la langue russe. Il a été utilisé comme terme lors de la formation des beaux-arts en Russie à l’époque baroque. L'usage du mot « peinture » à cette époque ne s'appliquait qu'à un certain type peintures réalistes. Mais à l’origine, cela vient de la technique ecclésiale de peinture d’icônes, qui utilise le mot « écrire » (lié à l’écriture) car ce mot est une traduction du sens des textes grecs (ceux-ci sont « perdus dans la traduction »). Le développement en Russie de sa propre école d'art et l'héritage des connaissances académiques européennes dans le domaine de l'art ont développé la portée du mot russe « peinture », en l'incorporant dans la terminologie pédagogique et langue littéraire. Mais dans la langue russe, une particularité du sens du verbe « écrire » s'est formée par rapport à l'écriture et au dessin.

Genres de peinture

Au cours du développement des beaux-arts, plusieurs genres classiques de peintures se sont formés, qui ont acquis leurs propres caractéristiques et règles.

Portrait est une représentation réaliste d'une personne dans laquelle l'artiste tente d'obtenir une ressemblance avec l'original. L'un des genres de peinture les plus populaires. La plupart des clients ont utilisé le talent des artistes pour perpétuer leur propre image ou, souhaitant se procurer une image un bien aimé, parent, etc. Les clients cherchaient à obtenir un portrait à l'image (voire à l'embellir) laissant une incarnation visuelle dans l'histoire. Les portraits de styles variés constituent la partie la plus populaire des expositions de la plupart des musées d’art et des collections privées. Ce genre comprend également un type de portrait tel que autoportrait - une image de l'artiste lui-même, peinte par lui-même.

Paysage- l'un des genres de peinture populaires dans lesquels l'artiste cherche à représenter la nature, sa beauté ou sa particularité. Différentes sortes la nature (l'ambiance de la saison et la météo) a un éclat impact Emotionnel pour tout spectateur - ceci caractéristique psychologique personne. Le désir de tirer une impression émotionnelle des paysages a fait de ce genre l'un des plus populaires en matière de créativité artistique.

- ce genre est à bien des égards similaire au paysage, mais présente une caractéristique clé : les peintures représentent des paysages avec la participation d'objets architecturaux, de bâtiments ou de villes. Une attention particulière est portée aux vues des rues des villes qui transmettent l'atmosphère d'un lieu. Une autre direction de ce genre est la représentation de la beauté de l'architecture d'un bâtiment particulier - son apparence ou les images de ses intérieurs.

- un genre dans lequel le sujet principal des tableaux est un événement historique ou son interprétation par l'artiste. Ce qui est intéressant c'est qu'il appartient à ce genre grande quantité peintures sur thème biblique. Car au Moyen Âge, les scènes bibliques étaient considérées comme des événements « historiques » et les principaux clients de ces peintures étaient l’église. Les sujets bibliques « historiques » sont présents dans les œuvres de la plupart des artistes. Deuxième naissance peinture historique se produit à l'époque du néoclassicisme, lorsque les artistes se tournent vers des sujets historiques bien connus, des événements de l'Antiquité ou des légendes nationales.

- reflète des scènes de guerres et de batailles. La particularité n'est pas seulement le désir de refléter un événement historique, mais aussi de transmettre au spectateur l'élévation émotionnelle de l'exploit et de l'héroïsme. Par la suite, ce genre devient aussi politique, permettant à l'artiste de transmettre au spectateur son point de vue (son attitude) sur ce qui se passe. Nous pouvons constater un effet similaire de l’accent politique et de la force du talent de l’artiste dans l’œuvre de V. Vereshchagin.

est un genre de peinture avec des compositions à partir d'objets inanimés, utilisant des fleurs, des produits et des plats. Ce genre est l’un des plus récents et s’est formé dans l’école de peinture hollandaise. Peut-être que son apparition est due à la particularité de l'école hollandaise. Le boom économique du XVIIe siècle en Hollande a suscité un désir de luxe abordable (peintures) parmi une partie importante de la population. Cette situation a attiré un grand nombre de artistes, provoquant une concurrence intense entre eux. Les modèles et les ateliers (personnes vêtues de vêtements appropriés) n'étaient pas accessibles aux artistes pauvres. Lorsqu’ils peignaient des tableaux destinés à la vente, ils utilisaient des moyens improvisés (objets) pour composer les tableaux. Cette situation dans l’histoire de l’école hollandaise est à l’origine du développement de la peinture de genre.

Peinture de genre - le sujet des peintures est scènes de tous les jours Vie courante ou des jours fériés, généralement avec la participation de gens ordinaires. Tout comme la nature morte, elle s'est répandue parmi les artistes hollandais au XVIIe siècle. A l'époque du romantisme et du néoclassicisme, ce genre prend une nouvelle naissance ; les peintures s'efforcent non pas tant de refléter la vie quotidienne, mais de la romantiser, de l'introduire dans l'intrigue. certaine signification ou la moralité.

Marina- un type de paysage qui représente des vues sur la mer, des paysages côtiers surplombant la mer, des levers et couchers de soleil en mer, des navires ou encore des batailles navales. Bien qu'il existe un genre de bataille distinct, les batailles navales appartiennent toujours au genre « marina ». Le développement et la vulgarisation de ce genre peuvent également être attribués à l'école hollandaise du XVIIe siècle. Il était populaire en Russie grâce au travail d'Aivazovsky.

— une particularité de ce genre est la création de peintures réalistes représentant la beauté des animaux et des oiseaux. Un des fonctionnalités intéressantes Ce genre est la présence de peintures représentant des animaux inexistants ou mythiques. Les artistes spécialisés dans les images d'animaux sont appelés animalistes.

Histoire de la peinture

Besoin de image réaliste existait depuis l'Antiquité, mais présentait un certain nombre d'inconvénients dus au manque de technologie, d'école et d'éducation systématisées. Dans l'Antiquité, on trouve plus souvent des exemples de peinture appliquée et monumentale avec la technique du dessin sur plâtre. Durant l'Antiquité, valeur plus élevée Compte tenu du talent de l'interprète, les artistes étaient limités dans la technologie de fabrication des peintures et dans la possibilité de recevoir une éducation systématique. Mais déjà dans l'Antiquité, des connaissances et des œuvres spécialisées se sont formées (Vitruve), qui seront à la base d'une nouvelle floraison de l'art européen à la Renaissance. Tableau décoratif reçu développement significatif durant l'Antiquité grecque et romaine (l'école fut perdue au Moyen Âge), dont le niveau ne fut atteint qu'après le XVe siècle.

Peinture d'une fresque romaine (Pompéi, 1er siècle avant JC), exemple du niveau de technologie de la peinture ancienne :

L'« Âge des ténèbres » du Moyen Âge, le christianisme militant et l'Inquisition conduisent à des interdictions d'étudier patrimoine artistique antiquité. La vaste expérience des maîtres anciens, les connaissances dans le domaine des proportions, de la composition, de l'architecture et de la sculpture sont interdites, et de nombreux valeurs artistiques détruits en raison de leur dévouement aux anciennes divinités. Un retour aux valeurs de l'art et de la science en Europe ne se produit qu'à la Renaissance (renaissance).

Pour les artistes début de la renaissance(renaissance) nous devons rattraper et faire revivre les réalisations et le niveau des artistes anciens. Ce que nous admirons dans les œuvres des artistes début de la Renaissance, était le niveau des maîtres de Rome. Un exemple clair de la perte de plusieurs siècles de développement de l'art (et de la civilisation) européenne pendant « l'âge des ténèbres » du Moyen Âge, le christianisme militant et l'Inquisition - la différence entre ces peintures du 14ème siècle !

L'émergence et la diffusion de la technologie de fabrication des peintures à l'huile et de la technique de peinture avec celles-ci au XVe siècle ont donné lieu au développement de la peinture sur chevalet et type particulier produits d'artistes - peintures à l'huile colorées sur toile ou bois apprêté.

La peinture a connu un énorme progrès qualitatif au cours de la Renaissance, en grande partie grâce au travail de Leon Battista Alberti (1404-1472). Il fut le premier à poser les fondements de la perspective en peinture (traité « De la peinture » de 1436). A lui (ses travaux sur la systématisation savoir scientifique) l'école d'art européenne est obligée de l'émergence (renouveau) d'une perspective réaliste et de proportions naturelles dans les peintures des artistes. Dessin célèbre et familier de Léonard de Vinci "Homme de Vitruve"(proportions humaines) de 1493, dédié à la systématisation des connaissances anciennes de Vitruve sur les proportions et la composition, a été créé par Léonard un demi-siècle plus tard que le traité d'Alberti « De la peinture ». Et le travail de Léonard s’inscrit dans la continuité du développement de l’école d’art européenne (italienne) de la Renaissance.

Mais la peinture connaît un développement brillant et massif à partir des XVIe-XVIIe siècles, lorsque la technique se généralise. peinture à l'huile, diverses technologies de fabrication de peinture sont apparues et des écoles de peinture ont été créées. C'est le système de connaissance et éducation artistique(technique du dessin), combinée à la demande d'œuvres d'art de la part de l'aristocratie et des monarques, conduit à l'épanouissement rapide des beaux-arts en Europe (période baroque).

Les capacités financières illimitées des monarchies, aristocraties et entrepreneurs européens sont devenues une excellente base pour la poursuite du développement peinture aux XVIIe-XIXe siècles. Et l'influence affaiblie de l'Église et image laïque leurs vies (multipliées par le développement du protestantisme) ont permis la naissance de nombreux sujets, styles et mouvements de la peinture (baroque et rococo).

Au cours du développement des beaux-arts, les artistes ont formé de nombreux styles et techniques qui ont conduit à au plus haut niveau réalisme dans les œuvres. À la fin du XIXe siècle (avec l’avènement des mouvements modernistes), d’intéressantes transformations ont commencé dans la peinture. La disponibilité de l'éducation artistique, la concurrence de masse et les exigences élevées du public (et des acheteurs) envers les compétences des artistes donnent naissance à de nouvelles orientations dans les méthodes d'expression. Les beaux-arts ne sont plus limités uniquement par le niveau de technique que les artistes s'efforcent d'apporter ;

significations spéciales

, façons de « regarder » et philosophie. Ce qui se fait souvent au détriment du niveau de performance, devient de la spéculation ou une méthode de choc. La variété des styles émergents, les discussions animées et même les scandales suscitent le développement d'un intérêt pour les nouvelles formes de peinture. Les technologies modernes de dessin informatique (numérique) appartiennent au graphisme et ne peuvent pas être qualifiées de peinture, bien que de nombreux programmes et équipements informatiques vous permettent de répéter complètement n'importe quelle technique de peinture avec des peintures.

Image sur le plan des objets matériels et

monde spirituel ↓

. L'un des principaux types d'art. La peinture est divisée en de nombreux types et genres. La peinture à l'huile est une œuvre peinte avec des peintures à l'huile. La peinture murale est une œuvre de peinture exécutée directement sur une surface de maçonnerie spécialement préparée d'un mur, d'un plafond ou d'une voûte d'un bâtiment. Un autre nom est la peinture monumentale. La peinture à la détrempe est la principale technique de peinture d'icônes en Russie. La base de la peinture à la détrempe est le jaune d'œuf de poule, dilué avec du kvas. Au cours du processus de travail, les peintures sont appliquées progressivement, en plusieurs couches et dans un certain ordre. Depuis le 17ème siècle Aujourd’hui encore, la couche finale est parfois réalisée avec des peintures à l’huile. L'icône est écrite sur un tableau spécialement traité.

Excellente définition

Définition incomplète Peinture Les peintres semblaient utiliser une peinture unicolore avec laquelle ils dessinaient les contours, tandis que les ombres étaient indiquées par des ombres. Le lieu le plus ancien de cet art en Grèce était, selon toute vraisemblance, le Péloponnèse dorien, principalement Corinthe et Sikyon ; le Corinthien Cléanthe, dit-on, fut le premier à dessiner des silhouettes, Ardicus et Téléphane améliorèrent les dessins linéaires, Cléophante inventa la peinture unicolore (monochromie), Kiomnus de Cléon fut le premier à donner du mouvement et de l'inclinaison à ses figures et fut le premier à faites attention au drapé des personnages. Jusqu'au 94ème siècle, lorsque l'Athénien Apollodore introduisit le pinceau, tout l'art de Jeanne consistait à dessiner des images à l'aide d'un stylet sur une planche préalablement enduite de peinture ; Les peintures elles-mêmes ont été appliquées en masse et de manière non transparente à l'aide d'une éponge. En général, dans les tableaux des peintres les plus anciens il n'y a que 4 couleurs ( Pline. 35, 7, 32) : blanc et noir, jaune et rouge. Même Zeuxis lui-même utilisait ces fleurs, mais si quelqu'un utilisait plus grand nombre couleurs, risquait, en renforçant son attrait, de nuire au summum de l'art. Les œuvres de ce type d'art comprenaient en partie des peintures murales (principalement en plein air) et en partie des peintures peintes sur des planches ; les premiers étaient écrits sur du plâtre frais, et les seconds sur du bois et encastrés dans les murs, par exemple des temples. Les tableaux étaient peints sur des planches avec de la colle ; plus tard, les peintures à l'encaustique étaient peintes avec des peintures à la cire, broyées avec du plomb sec puis fondues à l'aide d'un brasero. Âge de Périclès, donc milieu et 2e moitié du Ve siècle. J.-C., est considérée comme l'époque de la plus grande prospérité de cet art, ainsi que de la prospérité de tous. beaux-Arts, qui servit d'aide à J. De cette époque appartiennent également les peintures de grand format ; non seulement des salles peintes sont apparues, mais aussi galeries d'art(pinacothèque). Il convient de mentionner Pinène, le frère de Phidias, et le Thasien Polygiotas (qui reçut le droit de citoyenneté à Athènes en 463), connus par le tableau qu'ils peignirent ensemble. "Bataille marathon" V ??????? à Athènes. Ce dernier était célèbre pour son art de peindre des femmes vêtues de vêtements transparents ; il éliminait l'immobilité de l'expression faciale empruntée aux Égyptiens en ouvrant un peu la bouche ; ses tableaux étaient de véritables portraits (dans l’un d’eux, par exemple, on reconnaît facilement Elpinika, la sœur de Kimon), peints d’après nature, mais emportés dans un monde idéal. Pausanias (10, 25) a conservé une excellente description de l'une des plus grandes peintures situées à Lesha ( cm.?????, Lesha) à Delphes, qui représentait Troie conquise et fumante et les Grecs à l'Hellespont, chargés de butin et entourés de prisonniers, au moment où ils s'apprêtent à naviguer : « L'artiste a tout à fait su rendre ici le contraste entre les groupes de Grecs au premier plan et la destruction de Troie dont les rues dévastées sont visibles à travers les murs brisés par endroits. Le navire de Ménélas se tenait près du rivage, prêt à naviguer ; près de lui, on peut voir Hélène, la coupable de la guerre, entourée de Troyens blessés ; dans un autre groupe de dirigeants grecs, Cassandra est visible ; presque tout le monde reste profondément silencieux, à l'exception de Néoptolème, qui poursuit et tue toujours les Troyens. De l'autre côté de la Lesha était représentée l'entrée des enfers, du royaume des ténèbres avec Ulysse au bord de l'Achéron, le Tartare avec ses terribles tourments et Elisius avec les ombres des bienheureux. Dans le premier de ces tableaux, plus de 100 figures ont été dessinées, dans l'autre plus de 80 : pour chaque figure, coutume ancienne, le nom a également été attribué". De plus, Aglaophon, le père de Polygnote, et son petit-fils étaient connus comme peintres. le dernier même nom. Ce dernier était principalement crédité de deux tableaux, dont l'un représentait Alcibiade en vainqueur aux jeux. Épouser Cic. Brut. 18. Cic. de ou. 3,7. Quint. 12, 10. En général, le logement complétait l'architecture ; ses œuvres servaient à décorer aussi bien des bâtiments privés que des galeries et des temples. Alors que les arts plastiques progressaient rapidement dans leur développement, la peinture se développa lentement et atteignit le sommet de la perfection peu après la guerre du Péloponnèse, c'est-à-dire seulement lorsque l'art plastique, après sa plus grande prospérité, commença à décliner quelque peu. Les contemporains et disciples de Polygnote étaient : Mykon d'Égine, ses peintures remarquables étaient : "Antinoé", "Argonautes", "Astérope", "Pélius", "Thésée", "Un casting" et etc.; il a peint en partie et ??????? à Athènes, où il a représenté la bataille des Amazones et la bataille de Marathon, et il a particulièrement réussi à représenter des chevaux ; son fils; plus loin Onatus d'Égine et Denys de Colophon ; Agafarch a ensuite agi indépendamment en tant que peintre décorateur ( cm. Agatharchus, Agatharchus), qui satisfaisait également aux exigences du luxe, qui commençaient déjà à pénétrer dans la vie privée des Grecs ; mais le plus remarquable à cet égard est Apollodorus mentionné ci-dessus, appelé le skiagraph, car outre l'invention du pinceau, on lui attribue également l'art de la répartition de la lumière et de l'ombre. Son espèce primus exprimee instituit, Pline dit de lui (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit ; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. Suivant ses traces, son disciple Zeuxis d'Héraclée en Grande Grèce, qui vécut c. 397, bien qu'il appartienne cependant à une école différente, à savoir l'école ionienne, encline à la tendresse et au faste, par opposition à l'école attique ; il était particulièrement doué pour représenter le corps féminin. La preuve en est ce qu'il écrivit à la demande des Crotoniens. "Éléna"(a été placé dans temple célèbre Hera Lacinia), représentant la beauté parfaite sous la forme d'une femme terrestre ; de la même manière, il incarnait la plus haute idée de chaste modestie à l'image de Pénélope. Zeuxis n'a pas diverses compositions épiques, comme Polygnote, tout comme les expressions de diverses États d'esprit; sa principale attention était portée au pittoresque, au côté extérieur de l'objet, à l'illusion ; Par rapport aux époques ultérieures, il lui manquait une juxtaposition artistique et variée de couleurs. À propos de sa compétition avec Parrhasius ( cm. Parrhasius). Ce dernier et Timanthos de Sicyone étaient ses contemporains ; sur les peintures de ce dernier, entre lesquelles a été publié "Sacrifice d'Iphigénie", où il représentait Agamemnon avec le visage couvert pour exprimer une grande tristesse, déjà dans l'Antiquité, on exprimait l'opinion qu'ils faisaient deviner au spectateur plus que ce qui était réellement exprimé en eux ; l'imagination du spectateur complète le non-dit, non seulement parce que ces peintures représentent quelque chose d'idéal, mais aussi parce qu'elles contiennent une richesse de motifs. Le principal mérite de l'école Sikyon résidait au contraire dans l'exécution strictement scientifique du dessin et dans sa clarté la plus approfondie. Le fondateur de cette école était Eupompe de Sicyone, et son principal représentant était Pamphile, qui fut le premier à étudier méthodiquement l'art et à appliquer ses connaissances théoriques et géométriques aux dessins ; Son élève Melanphius se distinguait par son habile arrangement et sa composition de peintures et contribua grandement à l'amélioration de la couleur. Il est d'ailleurs classé parmi ces 4 peintres (Apelles, Echion, Nicomaque) qui n'ont utilisé que 4 couleurs. A l'époque d'Alexandre le Grand, Jeanne atteint le plus haut degré d'attractivité et de charme, grâce principalement à Apelles, originaire de l'île de Kos, élève de Pamphile (356-308). Il combine les avantages des deux écoles, tout en essayant de pénétrer encore plus profondément dans véritable signification J. et insuffle dans ses œuvres la richesse et la diversité de la vie ; il combinait fidélité à la nature et puissance créatrice, ce qui lui valut une faveur particulière d'Alexandre ; ce dernier louait particulièrement ses tableaux pour leur grâce, ?????; au premier plan, il y avait la perfection de la forme et non l'idéalité du contenu. En technique, tant par rapport au dessin lui-même que par rapport au choix des couleurs pour les scènes spectaculaires, il était maître de son métier. Dans le temple d'Artémis d'Éphèse, il peint une image d'Alexandre jetant les plumes de Zeus, et la main levée et les éclairs qui apparurent à la surface suscitèrent la plus grande surprise. Il a également peint les généraux d’Alexandre dans diverses positions, parfois séparément, parfois en groupes. À ses œuvres exemplaires avec contenu idéal appartenu à "Artémis", entouré d'un chœur de jeunes femmes faisant des sacrifices, et d'Aphrodite Anadyomène sortant de la mer ; ce dernier tableau, selon le verdict de tous les anciens, était considéré comme un modèle de grâce ; cependant, la partie inférieure de ce tableau est restée inachevée, la mort a kidnappé Apelles au travail, et aucun des artistes ultérieurs n'a osé se charger de le terminer. Initialement, il se trouvait dans le temple d'Aphrodite sur l'île de Cos, d'où Auguste le transféra à Rome et ordonna que César, qui comptait parmi les dieux, soit placé dans le temple. D'autres éléments de l'école de Sicyone appartenaient à : Euphranor, dont la gloire résidait dans la subtilité de sa représentation des dieux et des héros ; Echion, dont les œuvres sont remarquables par la peinture des jeunes mariés (dont une libre imitation est peut-être le mariage aldobrandien au Musée du Vatican à Rome) et Pausius de Sikyon, qui fut le premier, dit-on, à décorer les plafonds de les chambres, principalement avec des figures de garçons, des fleurs et des arabesques, et il était surtout célèbre pour ses peintures de fleurs ( Pline. 35, 40 mentionnent la belle Glyceria, habile à tisser des couronnes, dont il soumit l'image au concours) ; il était célèbre pour avoir porté la méthode de l'encaustique à un haut degré de développement. A ce moment, soit env. 370-330, le Thébain Aristide s'épanouit également, remarquable principalement par son art de représenter les batailles et les conquêtes de villes et sa capacité magistrale à donner vie et expressivité à ses peintures, même si sa répartition des couleurs n'était pas particulièrement réussie. Son tableau représentant la bataille des Macédoniens contre les Perses contenait jusqu'à 100 personnages ; La triste scène de la destruction de la ville était considérée comme son œuvre magistrale, et le groupe principal représentant une mère mourante et un bébé attrapant son sein attirait une attention particulière ; mais elle le repousse de peur qu'il ne suce du sang au lieu du lait. À cette époque, Protogène de la ville de Kavna en Carie acquit une renommée encore plus grande, qui jusqu'à l'âge de 50 ans soutenait son existence avec les œuvres les plus ordinaires ; mais le célèbre Apelle l'a reconnu et, appréciant son art, lui a acheté quelques tableaux pour une somme d'argent importante, montrant à ces concitoyens leur incapacité à apprécier les œuvres de Protogène et en même temps essayant d'éveiller en eux le soupçon qu'il voulait les faire passer pour les siens. Cela a aidé le pauvre homme à se faire un nom auprès de ses concitoyens. Ci-dessus son meilleur tableau, où il représente Ialisa ( cm. Ialis) un chasseur avec un chien haletant sur le côté, il a travaillé pendant 7 voire 11 ans. Lorsque Démétrius Poliorcète assiégeait Rhodes, il ne pouvait pas décider d'attaquer du côté où il savait que se trouvait ce tableau, et pour cette raison il n'a pas gagné. Il a envoyé des gardes pour garder l'artiste, dont l'atelier se trouvait dans l'endroit le plus dangereux en dehors des murs de la ville, et lui a même rendu visite personnellement. A l'époque de Pline, ce tableau se trouvait à Rome, dans le temple du monde, mais déjà à l'époque de Plutarque il fut détruit par un incendie. Sa photo "Le satyre au repos", qu'il a placé sur une colonne, a été écrit par lui pendant le siège, lorsque les armes tonnaient partout, et a également été considéré comme une œuvre exemplaire. Le principal mérite de Protogen, comme d'Apelle, n'était pas tant dans la richesse de la pensée ou du contenu poétique, mais dans la charmante exécution artistique, et l'illusion était portée au plus haut degré ; mais chez Apelles, c'était une conséquence de son talent naturel, et chez Protogènes, cela fut réalisé grâce à sa plus grande patience et à son remarquable zèle. Alors que tout le monde était surpris de son assiduité et de sa persévérance dans ses œuvres, dans celles de son contemporain Nicomaque, originaire de la ville de Thèbes, qui vécut à la fin du IVe siècle. BC, fils et élève d'Aristodème, fut très étonné par la rapidité d'exécution combinée à un talent artistique remarquable. Ils ont été écrits - "Le viol de Proserpine", au Capitole, dans le Temple de Minerve ; "Déesse de la Victoire", sur un quatre-roues, et "Compétence" dans le temple de la déesse de la paix. D'autres remarquables sont : Théon de l'île de Samos, qui a surpris par la vivacité de son imagination et a vécu à l'époque des rois macédoniens Philippe et Alexandre ; Il possède: "Oreste fou" et kifared "Thamiris", Nicias, originaire d'Athènes (peint des animaux et des batailles à l'encaustique ; beaucoup de ses tableaux se trouvaient à Rome ; l'un des meilleurs était "Le Royaume des Ombres selon Homère"; ils louaient la couleur, la position et la rondeur des personnages de ses tableaux, notamment féminins), Antiphilus ( "Le garçon attisant le feu", "Atelier de travail de la laine") et Ctésilochus (caricaturant la naissance de Dionysos de la cuisse de Zeus). Selon toute vraisemblance, Aetion (??????) avec son célèbre tableau appartient à l'époque alexandrine - "Le mariage d'Alexandre et Roxana" (Cic. Brut. 18, où certains lisent cependant Echion ; Lucien de Merc. cond. 42.imagg. 7). Dès lors, l'art commence à décliner et ne se distingue plus par la grâce et l'ingéniosité, mais seulement par le soin apporté à la décoration. Ainsi, Peyraijk transmettait au pinceau des scènes de la vie quotidienne, représentait avec une habileté remarquable les ateliers de cordonniers, de barbiers, les cuisines, les marchés, etc., ce qui était particulièrement apprécié par les Romains, qui respectaient moins la complexité de la composition que la exactitude et clarté du dessin; Ainsi, il est devenu le meilleur maître de la véritable peinture de genre, la soi-disant riparographie. Quant aux Romains, il faut surtout souligner leur manque de compréhension des œuvres d'art ; Même la prise de Corinthe n’a pas pu produire pendant longtemps une révolution bénéfique dans l’art. Très souvent, il y avait des exemples où soldats et généraux non seulement ne respectaient pas, mais détruisaient même les précieuses œuvres de J. Mummius ne comprenait pas, par exemple, comment Attale de Pergame pouvait apprécier si chèrement le tableau d'Aristide représentant Bacchus ; Croyant qu'un pouvoir secret était caché en elle, il l'emmena avec lui et la plaça dans le temple de Cérès. Mais peu de temps après, les Romains, et dans ce cas précis, démontrèrent très clairement leur système avare d'accumulation colossale des trésors d'autrui ; ils ont commencé à décorer leurs maisons, salles à manger, datchas, etc. avec des peintures précieuses. Par conséquent, d’une manière générale, nous ne pouvons que souligner noms individuels des artistes, comme Timomaque de Byzance, célèbre pour sa capacité à représenter de manière touchante les passions contenues, comme il le prouve dans sa peinture "Ajax furieux", dont César ordonna l'installation à Rome ; Timomakh vivait à le siècle dernier J.-C. À l'époque d'Auguste, Ludius était célèbre. Pendant ce temps, sous le règne des empereurs, de nombreux peintres grecs s'installèrent à Rome, dont le talent et le goût se traduisent par les élégantes décorations des célèbres bains de Titus. Les mosaïques se sont également développées de manière similaire à des fins de luxe ; citons principalement Coca de Pergame, qui a peint l'image d'un bassin avec des pigeons sur le sol d'une pièce, mais la meilleure œuvre de mosaïque était considérée comme l'image de tout un ensemble. "Iliade" sur les étages du magnifique navire du roi Hiéron II de Syracuse. Nos informations sur les sources et les objets de l’histoire ancienne sont extrêmement rares. Restes de peintures redécouvertes près d’Athènes en grec pierres tombales ne sont pas particulièrement précieux, mais de nombreux dessins sur des récipients grecs en argile indiquent déjà un certain savoir-faire, et les peintures murales trouvées à Herculanum et Pompéi n'appartiennent pas à l'époque où cet art était florissant et peuvent être considérées comme des décorations intérieures plus ou moins légères. En général, même en peinture, les anciens se distinguaient par le choix de belles figures, la simplicité des scènes et des compositions, et la justesse du dessin, mais par l'application des lois de la perspective dans les tableaux de grandes dimensions, par les ombres qui en résultaient d'une certaine combinaison et fusion de couleurs, et principalement en profondeur poétique, ils étaient bien inférieurs le dernier art. Épouser histoire de l'art Schnaase, Kugler´a, L?bke et autres ; surtout Brunn, Geschichte der. chagrin. K?nstler, II, p. 3-316 et Wörmann, die Malerei des Alterhums (dans Woltmann´a Gesch. der Malerei, vol. ?, 1879, p. 32-140).

Image sur le plan des objets matériels et

Définition incomplète ↓

Une personne aspire à la perfection et recherche l'harmonie dans le monde qui l'entoure. Trouvant la beauté, il essaie de trouver un moyen de préserver cette beauté et de la transmettre à ses descendants. Les beaux-arts sont l’une des rares méthodes inventées par l’homme à l’époque primitive. Ensuite, les peuples anciens peignaient sur les rochers et les parois des grottes, représentant des scènes de la vie de leur peuple. C’est ainsi que l’art de la peinture commença à émerger dans la société primitive. Au fil du temps, les artistes ont appris à utiliser une variété de médias et de méthodes de peinture. De nouveaux genres et types de peinture sont apparus. En transmettant les connaissances et l'expérience accumulées de génération en génération, les gens ont réussi à préserver l'image du monde dans sa forme originale. Et aujourd’hui, nous avons l’occasion d’admirer toutes les régions du monde en regardant les œuvres d’artistes de différentes époques.

Différence avec les autres types d'art

La peinture, contrairement à d'autres méthodes de transmission d'images visuelles, est réalisée en appliquant de la peinture sur une toile, du papier ou une autre surface. Ce type d'art a un caractère inhabituel style artistique expressions. L'artiste, jouant avec l'imagination et les nuances de peinture, est capable de présenter au spectateur plus qu'un simple reflet. monde visible, mais en ajoutant de nouvelles images de vous-même, transmettez votre vision et mettez l'accent sur quelque chose de nouveau et d'inhabituel.

Types de peinture et leurs brèves caractéristiques

Ce type d'art se caractérise en fonction des peintures et des matériaux utilisés. Il existe différents types différentes techniques et les types de peinture. Il en existe 5 variétés principales : miniature, chevalet, monumentale, théâtrale et décorative et décorative.

Peinture miniature

Son développement a commencé avant même l’invention de l’imprimerie, au Moyen Âge. À cette époque, il existait des livres manuscrits que les maîtres de l'art décoraient avec des têtes et des fins finement dessinées, et décoraient également les textes avec des illustrations miniatures colorées. Dans la première moitié du XIXe siècle, la peinture miniature était utilisée pour créer de petits portraits. Pour cela, les artistes préféraient l'aquarelle, car grâce aux couleurs pures et profondes et à leurs combinaisons, les portraits acquéraient une grâce et une noblesse particulières.

Peinture sur chevalet

Cet art de la peinture doit son nom au fait que les peintures sont réalisées à l'aide d'un chevalet, c'est-à-dire d'une machine. Les toiles sont le plus souvent peintes sur toile, tendue sur un châssis. En outre, le papier, le carton et le bois peuvent être utilisés comme base matérielle. Un tableau peint sur un chevalet est complètement un travail indépendant. Il peut représenter à la fois ce qui est imaginé par l’artiste et ce qui est factuel dans toutes ses manifestations. Il peut s'agir à la fois d'objets inanimés et de personnes, de la modernité et d'événements historiques.

Peinture monumentale

Ce type d'art représente des peintures à grande échelle. La peinture monumentale est utilisée pour décorer les plafonds et les murs des bâtiments, ainsi que diverses structures de construction. Avec son aide, les artistes identifient des événements sociaux et historiques importants qui influencent le développement de la société et contribuent à la formation des personnes dans un esprit de progrès, de patriotisme et d'humanité.

Peinture théâtrale et décorative

Ce type est utilisé pour le maquillage, les accessoires, la décoration des costumes et les décors qui aident à révéler l'intrigue de la pièce. Les costumes, le maquillage et les décors sont réalisés d'après les croquis de l'artiste, qui s'efforce de transmettre le style de l'époque, le statut social et le caractère personnel des personnages.

Peinture décorative

Il s’agit de décorer l’intérieur et les bâtiments à l’aide de panneaux colorés, qui créent une augmentation ou une diminution visuelle de la taille de la pièce, l’illusion d’un mur percé, etc.

Peindre en Russie

Nous avons répertorié les principaux types de peinture, qui diffèrent par la manière dont le peintre utilise le matériau pour sa créativité. Parlons maintenant des caractéristiques de ce type d'art inhérentes à notre pays. La Russie a toujours été célèbre pour ses vastes étendues abritant une flore et une faune riches. Et chaque artiste s'est efforcé de capturer sur toile toute la beauté de la nature et de transmettre la splendeur des images au spectateur.

Différents types de paysages en peinture peuvent être observés sur les toiles de créateurs célèbres. Chacun d'eux, utilisant sa propre technique, a tenté de transmettre au spectateur ses propres émotions et sa propre vision. La peinture russe est glorifiée par des maîtres tels que Levitan, Shishkin, Savrasov, Aivazovsky et bien d'autres. Pour écrire votre de célèbres tableaux ils ont utilisé des techniques différentes. Et tout comme les mondes intérieurs des maîtres de la peinture sont diversifiés, leurs créations et les émotions suscitées chez le spectateur sont également multiformes. Les sentiments les plus sincères et les plus profonds donnent naissance à oeuvres célébres nos peintres.

Ainsi, par exemple, « Matin forêt de pins"Shishkina nous remplit d'une lumière raffinée et nous apporte la paix. C'est comme si nous sentions le matin Air frais, en vous plongeant dans l'atmosphère des conifères et en regardant les jeux des oursons. Tandis que « Seashore » d’Aivazovsky nous entraîne dans l’abîme des émotions et de l’anxiété. Village paysages d'automne Levitan se voit présenter une part de nostalgie et de souvenirs. Et la création de Savrasov «Les Rooks sont arrivés» nous enveloppe d'une légère tristesse et donne de l'espoir.

La peinture russe confirme le potentiel et le talent colossaux du peuple russe, ainsi que l'amour de sa patrie et de la nature. Chacun peut le vérifier en regardant les peintures de nos compatriotes. ET la tâche principale- préserver la tradition vivante de la peinture russe et les capacités créatrices du peuple.

Qu'est-ce que la peinture ?

La peinture est un type d’art dont les œuvres sont créées à l’aide de peintures appliquées sur n’importe quelle surface.
« La peinture n’est pas qu’une sorte de fantasme. C’est un travail, un travail qui doit être fait consciencieusement, comme le fait tout travailleur consciencieux », affirmait Renoir.

La peinture est miracle étonnant rendre tout le monde accessible matériel d'art dans les images visibles les plus diverses de la réalité. Maîtriser l'art de la peinture, c'est être capable de représenter des objets réels de n'importe quelle forme, couleur différente et du matériel dans n'importe quel espace.
La peinture, comme toutes les autres formes d’art, a une particularité langage artistique, à travers lequel l'artiste reflète le monde. Mais, exprimant sa compréhension du monde, l'artiste incarne simultanément ses pensées et ses sentiments, ses aspirations, ses idéaux esthétiques dans ses œuvres, évalue les phénomènes de la vie, expliquant à sa manière leur essence et leur sens.
DANS œuvres d'art différents genres d'art créés par les peintres utilisent le dessin, la couleur, la lumière et l'ombre, l'expressivité des traits, la texture et la composition. Cela permet de reproduire sur plan la richesse colorée du monde, le volume des objets, leur originalité matérielle qualitative, leur profondeur spatiale et leur environnement lumière-air.
Le monde de la peinture est riche et complexe, ses trésors ont été accumulés par l’humanité au fil de plusieurs millénaires. Les œuvres de peinture les plus anciennes ont été découvertes par des scientifiques sur les parois des grottes dans lesquelles ils vivaient peuple primitif. Les premiers artistes ont représenté des scènes de chasse et des habitudes animales avec une précision et une netteté étonnantes. C'est ainsi qu'est né l'art de la peinture murale, qui présente des caractéristiques caractéristiques de la peinture monumentale.
Il existe deux principaux types de peinture monumentale : la fresque et la mosaïque.
La fresque est une technique de peinture avec des peintures diluées avec de l'eau propre ou de la chaux sur du plâtre frais et humide.
La mosaïque est une image composée de particules de pierre, de smalt, de carreaux de céramique, de matériaux homogènes ou différents, qui sont fixés dans une couche de sol - chaux ou ciment.
La fresque et la mosaïque sont les principaux types d'art monumental qui, en raison de leur durabilité et de la solidité des couleurs, sont utilisés pour décorer les volumes et les plans architecturaux (peintures murales, abat-jour, panneaux).
La peinture sur chevalet (image) a un caractère et une signification indépendants. L'étendue et l'exhaustivité de la couverture de la vie réelle se reflètent dans la variété des types et des genres inhérents à la peinture de chevalet : portrait, paysage, nature morte, genres quotidiens, historiques, de bataille.
Contrairement à la peinture monumentale, la peinture de chevalet n’est pas reliée au plan du mur et peut être librement exposée.
La signification idéologique et artistique des œuvres d'art de chevalet ne change pas selon le lieu où elles se trouvent, même si leur sonorité artistique dépend des conditions d'exposition.
En plus des types de peinture ci-dessus, il existe des peintures décoratives - des croquis décor de théâtre, décors et costumes de cinéma, ainsi que miniatures et iconographie.
Pour créer une œuvre d'art miniature ou monumentale (par exemple, une peinture sur un mur), l'artiste doit connaître non seulement l'essence constructive des objets, leur volume, leur matérialité, mais aussi les règles et lois de la représentation picturale des objets. la nature, l'harmonie des couleurs et la couleur.

Dans une image picturale tirée de la nature, il est nécessaire de prendre en compte non seulement la variété des couleurs, mais également leur unité, déterminée par la force et la couleur de la source lumineuse. Aucune tache de couleur ne doit être introduite dans l’image sans la faire correspondre à l’état général des couleurs. La couleur de chaque objet, tant dans la lumière que dans l’ombre, doit être liée à la couleur d’ensemble. Si les couleurs de l’image ne traduisent pas l’influence de la couleur de l’éclairage, elles ne seront pas soumises à une palette de couleurs unique. Dans une telle image, chaque couleur apparaîtra comme quelque chose d’étranger et d’étranger à un état d’éclairage donné ; cela apparaîtra aléatoire et ruinera l’intégrité des couleurs de l’image.
Ainsi, l'unification naturelle des couleurs des peintures par la couleur générale de l'éclairage constitue la base de la création d'une structure de couleur harmonieuse de l'image.
La couleur est l’un des moyens les plus expressifs utilisés en peinture. L'artiste transmet sur l'avion la richesse colorée de ce qu'il a vu, en utilisant la forme des couleurs pour connaître et refléter le monde qui l'entoure. Dans le processus de représentation de la nature, un sens de la couleur et de ses nombreuses nuances se développe, ce qui permet d'utiliser des peintures comme élément principal. des moyens d'expression peinture.
La perception de la couleur, et l'œil de l'artiste est capable de distinguer plus de 200 de ses nuances, est peut-être l'une des qualités les plus heureuses dont la nature a doté l'homme.
Connaissant les lois du contraste, l'artiste navigue dans ces changements de couleur de la nature représentée, qui dans certains cas sont difficiles à capter à l'œil nu. La perception de la couleur dépend de l'environnement dans lequel se trouve l'objet. Par conséquent, l'artiste, lorsqu'il transmet la couleur de la nature, compare les couleurs entre elles, s'assurant qu'elles sont perçues dans une interconnexion ou une relation mutuelle.
« Prendre des relations d'ombre et de lumière » signifie préserver la différence entre les couleurs en termes de luminosité, de saturation et de teinte, selon la façon dont elles se produisent dans la nature.
Le contraste (à la fois en termes de lumière et de couleur) est particulièrement visible sur les bords des taches de couleur adjacentes. Le flou des limites entre les couleurs contrastées renforce l'effet de contraste des couleurs et la clarté des limites des taches le réduit. La connaissance de ces lois élargit les capacités techniques de la peinture, permet à l'artiste, à l'aide du contraste, d'augmenter l'intensité de la couleur des peintures, d'augmenter leur saturation, d'augmenter ou de diminuer leur luminosité, ce qui enrichit la palette du peintre. Ainsi, sans utiliser de mélanges, mais uniquement des combinaisons contrastées de couleurs chaudes et froides, vous pouvez obtenir une sonorité coloristique particulière du tableau.

Il y a des œuvres d'art qui semblent frapper le spectateur par-dessus la tête, époustouflantes et étonnantes. D’autres vous entraînent dans la réflexion et dans la recherche de couches de sens et de symbolisme secret. Certaines peintures sont entourées de secrets et de mystères mystiques, tandis que d'autres surprennent par des prix exorbitants.

Nous avons soigneusement examiné toutes les principales réalisations de la peinture mondiale et en avons sélectionné deux douzaines de peintures parmi les plus étranges. Salvador Dali, dont les œuvres s'inscrivent entièrement dans le format de ce matériel et sont les premières à venir à l'esprit, n'ont pas été volontairement incluses dans cette collection.

Il est clair que la « bizarrerie » est une notion plutôt subjective et que chacun a sa propre idée. peintures étonnantes, se démarquant des autres œuvres d'art. Nous serons heureux si vous les partagez dans les commentaires et nous en parlez un peu.

"Crier"

Edvard Munch. 1893, carton, huile, détrempe, pastel.
Galerie nationale, Oslo.

Le Cri est considéré comme un événement expressionniste marquant et l’une des peintures les plus célèbres au monde.

Il existe deux interprétations de ce qui est représenté : c'est le héros lui-même qui est saisi d'horreur et crie silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles ; ou le héros ferme ses oreilles au cri du monde et de la nature qui résonne autour de lui. Munch a écrit quatre versions de "Le Cri", et il existe une version selon laquelle ce tableau est le fruit de la psychose maniaco-dépressive dont souffrait l'artiste. Après un traitement à la clinique, Munch n'est pas retourné travailler sur la toile.

« Je marchais sur le chemin avec deux amis. Le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes au-dessus du fjord et de la ville d'un noir bleuâtre. Mes amis sont partis et je me suis levé, tremblant d'excitation, sentant un cri sans fin perçant la nature », a déclaré Edvard Munch à propos de l'histoire du tableau.

"D'où sommes-nous venus? Qui sommes nous? Où allons-nous?"

Paul Gauguin. 1897-1898, huile sur toile.
Musée des Beaux-Arts, Boston.

Selon Gauguin lui-même, le tableau doit être lu de droite à gauche : trois groupes principaux de personnages illustrent les questions posées dans le titre.

Trois femmes avec un enfant représentent le début de la vie ; groupe intermédiaire symbolise l'existence quotidienne de la maturité; dans le groupe final, selon le plan de l'artiste, « la vieille femme, proche de la mort, semble réconciliée et livrée à ses pensées », à ses pieds « un étrange oiseau blanc...représente la futilité des mots.

La peinture profondément philosophique du post-impressionniste Paul Gauguin a été peinte par lui à Tahiti, où il a fui Paris. Une fois l’œuvre terminée, il voulut même se suicider : « Je crois que ce tableau est supérieur à tous mes précédents et que je ne créerai jamais quelque chose de meilleur ou même de similaire. » Il vécut encore cinq ans, et c'est ce qui arriva.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, huile sur toile.
Musée Reina Sofia, Madrid.

Guernica présente des scènes de mort, de violence, de brutalité, de souffrance et d'impuissance, sans préciser leurs causes immédiates, mais elles sont évidentes. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut convoqué à la Gestapo de Paris. La conversation s’est immédiatement tournée vers le tableau. "Est-ce que c'est toi qui as fait ça?" - "Non, tu l'as fait."

L'immense fresque « Guernica », peinte par Picasso en 1937, raconte l'histoire d'un raid d'une unité de volontaires de la Luftwaffe sur la ville de Guernica, à la suite de laquelle la ville de six mille habitants fut complètement détruite. Le tableau a été peint littéralement en un mois - les premiers jours de travail sur le tableau, Picasso a travaillé pendant 10 à 12 heures, et déjà dans les premiers croquis, on pouvait voir idée principale. C’est l’une des meilleures illustrations du cauchemar du fascisme, ainsi que de la cruauté et du chagrin humains.

"Portrait du couple Arnolfini"

Jan van Eyck. 1434, bois, huile.
Galerie nationale de Londres, Londres.

Le célèbre tableau est entièrement rempli de symboles, d'allégories et de références diverses - jusqu'à la signature "Jan van Eyck était ici", qui a transformé le tableau non seulement en une œuvre d'art, mais en un document historique confirmant la réalité de l'événement. à laquelle l'artiste était présent.

Le portrait supposé de Giovanni di Nicolao Arnolfini et de son épouse est l'une des œuvres les plus complexes de l'école occidentale de peinture de la Renaissance du Nord.

En Russie, ces dernières années, le tableau a acquis une grande popularité en raison de la ressemblance du portrait d’Arnolfini avec Vladimir Poutine.

"Démon assis"

Mikhaïl Vroubel. 1890, huile sur toile.
État Galerie Tretiakov, Moscou.

"Les mains lui résistent"

Bill Stoneham. 1972.

Bien entendu, cette œuvre ne peut pas être classée parmi les chefs-d'œuvre de la peinture mondiale, mais son étrangeté est un fait.

Il existe des légendes autour du tableau représentant un garçon, une poupée et ses mains pressées contre la vitre. De « des gens meurent à cause de cette image » à « les enfants qui y figurent sont vivants ». L'image a l'air vraiment effrayante, ce qui suscite beaucoup de craintes et de spéculations parmi les personnes au psychisme faible.

L'artiste a insisté sur le fait que le tableau le représentait à l'âge de cinq ans, que la porte représentait la ligne de démarcation entre le monde réel et le monde des rêves et que la poupée était un guide qui pouvait guider le garçon à travers ce monde. Les mains représentent vies alternatives ou des possibilités.

Le tableau a gagné en notoriété en février 2000 lorsqu’il a été mis en vente sur eBay avec une histoire disant que le tableau était « hanté ». "Hands Resist Him" ​​a été acheté pour 1 025 $ par Kim Smith, qui a ensuite été simplement inondé de lettres contenant des histoires effrayantes et exigeant de brûler le tableau.