Το τέλος του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα χαρακτηρίστηκε από μια ποικιλία πολιτιστικών και καλλιτεχνικά φαινόμενα, στυλ και κατευθύνσεις. Τεράστια επίδραση στο παγκόσμια τέχνηεπηρεάζει την αφροαμερικανική κουλτούρα, κυρίως μέσω της μουσικής και της νέας μουσικά είδηκαι στυλ όπως τζαζ, μπλουζ, ράγκταϊμ. Με βάση νέα μουσικήκαι αφρικανικά κινήματα, νέοι χοροί και στυλ χορού εμφανίζονται - "Shimmy", "Black Bottom", "Charleston", "Two-step", "cakewalk" κ.λπ.
Όλους αυτούς τους χορούς τους ενώνει η ελαφρότητα, η ευκολία και, θα έλεγε κανείς, η ανοησία. Με βάση αυτούς τους χορούς, αναδύονται στη συνέχεια νέα στυλ και υποτύποι χορού. Για παράδειγμα, η εμφάνιση ορισμένων τύπων επαγγελματικού χορού αιθουσών χορού - foxtrot, jive και quickstep, σχετίζονται στενά με τους χορούς cakewalk, δύο βημάτων, shimmy χορούς ( Κούνημα) και Black Bottom. Το στυλ των χορών από τις αρχές του 20ου αιώνα συναντάται στο μπαλέτο «The Golden Age» του D. Shostakovich, στην οπερέτα «Bayadera» του I. Kalman και σε άλλες παραστάσεις.
Σταδιακά, ο χορός της τζαζ παίρνει θεατρικές μορφές, γεγονός που οδηγεί στην εμφάνιση ενός νέου στυλ - της τζαζ του Μπρόντγουεϊ. Ο όρος Broadway jazz προέρχεται από το όνομα του θεάτρου που βρίσκεται στον ομώνυμο δρόμο της Νέας Υόρκης. Η τζαζ του Μπρόντγουεϊ συναντάται κυρίως σε μιούζικαλ, αλλά μπορεί επίσης να δει στον κινηματογράφο, σε διάφορες παραστάσεις και δραματικές παραστάσεις.
Ο χορογράφος και σκηνοθέτης Bob Fosse έχει μεγάλη επιρροή στην ανάπτυξη της τζαζ στο Broadway. Οι ταινίες του «Cabaret», «Sweet Charity», «All That Jazz» κ.λπ., καθώς και οι χοροί για αυτές, γνωρίζουν μεγάλη επιτυχία σήμερα. Η πλοκή της μουσικής ταινίας "Sweet Charity" δημιουργήθηκε με βάση την ταινία του F. Fellini "Nights of Cabiria". Ο Bob Fosse αποκαλύπτει τους χαρακτήρες των ανθρώπων από υψηλή κοινωνία, που δεν είναι τυπικό πνευματικός κόσμος- Ο κόσμος των πραγμάτων και των υλικών αξιών είναι κοντά τους. Αυτή η ιδέα μεταφέρεται με πολύ ακριβή τρόπο χορευτικές κινήσειςπου αποκαλύπτουν τις προσωπικότητες των χαρακτήρων.
Στις αρχές του 20ου αιώνα εμφανίστηκαν και τα στυλ Art Nouveau και ελεύθεροι χορού. Η πρώτη χορεύτρια που αντιτάχθηκε στις αυστηρές μορφές του κλασικού μπαλέτου ήταν η Αμερικανίδα Ισαντόρα Ντάνκαν. Οι χοροί της ήταν ελεύθεροι, ανάλαφροι και είχαν στοιχεία αρχαιοελληνικών πόζες και χειρονομίες. Ο Γκόρντον Κρεγκ, ένας Άγγλος σκηνοθέτης, έγραψε γι 'αυτήν: «Τι άλλο είχε μέσα της εκτός από αυτό, κανείς δεν θα μπορέσει ποτέ να προσδιορίσει. Ήταν η πρόδρομος. Ό,τι κι αν έκανε, όλα έγιναν με μεγάλη ευκολία - ή έτσι φαινόταν. Αυτό είναι που της έδινε την όψη δύναμης. Απελευθέρωσε τον χορό στον κόσμο μας με τη σταθερή σιγουριά ότι δημιουργούσε κάτι σπουδαίο και αληθινό».
Ο ελεύθερος χορός αναπτύχθηκε επίσης χάρη στην Αμερικανίδα χορεύτρια Ruth St. Denis και τον σύζυγό της, ηθοποιό και χορογράφο Ted Shawn. Η Ruth Saint Denis εμφανίστηκε με εξωτικά κοστούμια με πολυτελή διακόσμηση, γεγονός που έκανε τις συναυλίες της πιο θεαματικές. Ανάμεσα στις παραγωγές της ήταν το μπαλέτο «Radha» σε μουσική του L. Delibes (1906), στο οποίο χρησιμοποιήθηκαν μοτίβα ινδικού χορού ναών. Έτσι μίλησε για τον χορό: «Βλέπω τον Χορό ως έναν τρόπο επικοινωνίας ψυχής και ψυχής, μέσα από την έκφραση ό,τι είναι πολύ βαθύ, πολύ λεπτό για να μεταδοθεί με λόγια». Το 1915, η Ruth St. Denis, μαζί με τον σύζυγό της Ted Shawn, οργάνωσαν το θίασο και τη σχολή χορού Denishawn στο Λος Άντζελες. Αυτή η σχολή εκπαίδευσε πολλές από τις κορυφαίες φυσιογνωμίες του σύγχρονου χορού, συμπεριλαμβανομένων των Martha Graham, Doris Humphrey και Charles Weidman.
Χαρακτηριστικά γνωρίσματαο χορός και το μοντέρνο στυλ είναι μια απόρριψη του άμεσου, κλασικές γραμμέςκαι σχηματίζει υπέρ πιο φυσικών, «φυσικών», καθώς και ενδιαφέροντος για οτιδήποτε νέο. Αυτό το στυλ ήταν δημοφιλές όχι μόνο στον χορό, αλλά και στη ζωγραφική, τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική, ακόμη και στην ένδυση και την εσωτερική διακόσμηση. Χαρακτηριστικά της Art Nouveau μπορούν να βρεθούν στα έργα των G. Klimt, A. Mucha, L. Bakst, A. Benois, M. Vrubel και άλλων καλλιτεχνών που άντλησαν έμπνευση από την τέχνη της Ιαπωνίας. Αρχαία Αίγυπτοςκαι άλλους αρχαίους πολιτισμούς.
Ο 20ός αιώνας είναι η ακμή του ρωσικού μπαλέτου. Το μπαλέτο των «Ρωσικών εποχών» του Diaghilev δημιούργησε μια πραγματική αίσθηση στο Παρίσι και σε όλο τον κόσμο. Δεν ήταν απλώς ένα μπαλέτο, ήταν ένας μοναδικός συνδυασμός χορογραφίας, μουσικής, σκηνικών και της δεξιοτεχνίας των χορευτών. Η Anna Pavlova, η Tamara Karsavina, ο Vaslav Nijinsky, ο Serge Lifar και άλλοι έλαμψαν στο θίασο «Russian Seasons». Ο Μπενουά, ο Μπακστ, ο Σερόφ, ο Πικάσο, και τη μουσική για τα μπαλέτα έγραψαν οι Ιγκόρ Στραβίνσκι, Έρικ Σάτι, Σεργκέι Προκόφιεφ, Κλοντ Ντεμπυσσύ κ.ά.
«Ρωσικές εποχές» του Πικάσο. Στολή για το μπαλέτο "Cocked Corner"
Η Coco Chanel συνεργάστηκε επίσης με τον θίασο του Diaghilev - δημιούργησε κοστούμια για το μπαλέτο "Blue Express". Αυτές ήταν κλασικές φόρμες, ριγέ πουλόβερ και κάλτσες για το γόνατο και τουνίκ για τένις. Φυσικά, οι «ρωσικές εποχές» ήταν η προσωποποίηση κάθε τι καινούργιου, μοντέρνου και προοδευτικού, και ως εκ τούτου το γαλλικό κοινό τρελάθηκε από χαρά και σοκ.
Μπαλέτο "Blue Express" Πορτρέτο του Ντιαγκίλεφ (καλλιτέχνης V. Serov)
Με τον Ντιάγκιλεφ συνεργάστηκε και ο εξαιρετικός χορογράφος του 20ου αιώνα, Τζορτζ Μπαλαντσίν. Για τις ρωσικές σεζόν, ανέβασε τα μπαλέτα «Apollo Musagete» σε μουσική του Igor Stravinsky και « Άσωτος γιος«Στη μουσική του Σεργκέι Προκόφιεφ. Και τα δύο μπαλέτα ήταν επιτυχημένα, αλλά σύντομα ο George Balanchine άφησε τις «ρωσικές εποχές» και πήγε πρώτα στο Λονδίνο και την Κοπεγχάγη και αργότερα στις ΗΠΑ. Μαζί με τον L. Kerstein, έναν διάσημο καλλιτέχνη, ο Balanchine δημιουργεί την αμερικανική σχολή μπαλέτου και στη συνέχεια μια επαγγελματική ομάδα, γνωστή πλέον σε όλους ως Μπαλέτο της Νέας Υόρκης . Εδώ βάζει τα δικά του διάσημα μπαλέτα- «Σερενάτα» σε μουσική Τσαϊκόφσκι, «Κοντσέρτο μπαρόκ» στη μουσική του κοντσέρτου του Μπαχ για δύο βιολιά, «Συμφωνία σε ντο μείζονα» σε μουσική. Συμφωνίες του Bizet, "Brilliant Allegro" σε μουσική. 3ο κονσέρτο πιάνου Τσαϊκόφσκι, «Caracol» σε μουσική. Μότσαρτ, «Επεισόδια» για τη μουσική. Ο Βέμπερν και άλλοι συνέβαλαν τεράστια στην ανάπτυξη των κλασικών χορευτικών παραδόσεων στην Αμερική. Τα μπαλέτα του είναι ένας συνδυασμός κλασικής χορογραφίας με μια νέα αισθητική πόζες, χορευτικά μοτίβα και μουσικές προφορές. Ο Balanchine δημιούργησε ένα νέο στυλ χορού, το "νεοκλασικό", το οποίο έγινε κοντά σε πολλούς χορογράφους - Jerome Robbins, Alexei Ratmansky, Benjamin Millepied και άλλους.
Ο Balanchine και ο θίασος του. Φωτογραφία από τον Duane Michels
Η ανάπτυξη του ρωσικού (σοβιετικού) μπαλέτου τον 20ο αιώνα επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον χορογράφο και σκηνοθέτη Rostislav Zakharov. Τα μπαλέτα του Ζαχάρωφ είναι ολοκληρωμένα δραματικά έργα, κατάλληλα δομημένα από τη σκοπιά της σκηνοθεσίας. Ιδιαίτερη προσοχήαξίζει το μπαλέτο "The Bakhchisarai Fountain" σε μουσική του Asafiev, που ερμηνεύουν δύο θρυλικές μπαλαρίνες - η Galina Ulanova και η Maya Plisetskaya. Το μπαλέτο αντιπαραβάλλει την εξουσία και το πάθος της Zarema (Plisetskaya) με την τρυφερότητα και την πνευματική επιτήδευση της Maria (Ulanova). Η φύση δύο αντιθέτων μεταφέρεται όχι μόνο μέσω δράση, αλλά και μέσα από τις κινήσεις και τις πόζες που συνέλαβε ο χορογράφος, καθώς και μέσα από τη συναρπαστική μουσική του Asafiev.
Μπαλέτο "Bakhchisarai Fountain"
Η Γκαλίνα Ουλάνοβα και η Μάγια Πλισέτσκαγια
Ο μεγάλος χορογράφος Γιούρι Γκριγκόροβιτς άφησε τεράστιο σημάδι στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου. Τα μπαλέτα του «Romeo and Juliet», «Spartacus», «Legend of Love» και άλλα αποτελούν μια χρυσή συλλογή παραστάσεων Θέατρο Μπολσόι. Τα μπαλέτα του Γκριγκόροβιτς χαρακτηρίζονται από δύναμη πνεύματος, κλίμακας και ηρωισμού, που αντικατοπτρίζεται στη χορογραφία, τα σκηνικά και τη μουσική. Ο Γκριγκόροβιτς συνεργάστηκε με τον σχεδιαστή θεάτρου Simon Virsaladze, ο οποίος σχεδίασε όλα τα μπαλέτα του. Ο Γκριγκόροβιτς δίνει περισσότερη σημασία στη μουσική. Τα μπαλέτα του δεν μεταφέρουν μόνο το περιεχόμενο της πλοκής, αλλά και το περιεχόμενο της μουσικής. Συνεργάστηκε στενά με τους συνθέτες S. Prokofiev, A. Melikhov, A. Khachaturian, D. Shostokovich και άλλους ο V. Vanslov σημειώνει την εκπληκτική ενότητα της μουσικής, της χορογραφίας και διακόσμησημπαλέτα του Γκριγκόροβιτς: «Στις παραστάσεις του Yu.N. Ο Γκριγκόροβιτς πέτυχε μια ασυνήθιστα οργανική σύνθεση των τεχνών. Είναι δύσκολο να ονομάσουμε άλλες σκηνικές δημιουργίες όπου η μουσική, η χορογραφία, οι εικαστικές τέχνες, η χορογραφία και οι ερμηνευτικές δεξιότητες θα εμφανίζονταν σε μια τόσο εκπληκτική συγχώνευση, σαν να πηγάζουν όλα από μια μοναδική πηγή και να ξεχύνονται από έναν δημιουργό, σαν σε μια ανάσα. Η εμβάθυνση της σύνθεσης των τεχνών - πλαστική, σκηνή, οποιαδήποτε άλλη - είναι επίσης μια από τις τάσεις καλλιτεχνική κουλτούραΧΧ αιώνα».
Η Ekaterina Maksimova και ο Vladimir Vasiliev, η Maris Liepa, η Natalya Bessmertnova και άλλοι έλαμψαν στα μπαλέτα του Grigorovich, οι οποίοι δημιούργησαν νέες εικόνες και νέους χαρακτήρες στο μπαλέτο. Ο V. Vanslov γράφει σχετικά: «Στις παραστάσεις του Grigorovich, νέου τύπουένας χορευτής-ηθοποιός που ξέρει πώς να ενσωματώνει βαθύ δραματικό και ψυχολογικό περιεχόμενο σε ένα σύνθετο χορευτικό μέρος. Δεν είναι τεχνική δεξιοτεχνία έξω από την εικόνα και όχι η εικόνα έξω από την χορευτική εκφραστικότητα, αλλά μια οργανική συγχώνευση της υποκριτικής δημιουργικότητας με τον ανεπτυγμένο και πλούσιο χορό που χαρακτηρίζει το ερμηνευτικό στυλ στα μπαλέτα του Γκριγκόροβιτς».
Μπαλέτο "Σπάρτακος"
Σκηνογραφία για το μπαλέτο "Ivan the Terrible"
Τα μπαλέτα του σύγχρονου Ρώσου χορογράφου Μπόρις Άιφμαν διακρίνονται για την κλίμακα και το βάθος της χορογραφίας τους. Τα μπαλέτα του, βασισμένα στα έργα του Τολστόι, του Ντοστογιέφσκι, του Τσέχοφ και άλλων, είναι πραγματικά έργα τέχνης. Τα μπαλέτα είναι εμποτισμένα με βαθιά φιλοσοφία και ο Άιφμαν αποκαλείται «χορογράφος-φιλόσοφος». Οι χορογραφικές πόζες που εφευρέθηκε από τον Άιφμαν μπορούν να συγκριθούν με πίνακες και γλυπτά μεγάλων καλλιτεχνών και η πλαστική έχει το δικό της μοναδικό στυλ, συνδυάζοντας την κλασική βάση του χορού με σύγχρονες τάσεις. Τεχνική ικανότηταοι χορευτές εκπλήσσουν και ενθουσιάζουν τους γνώστες της τέχνης του μπαλέτου. «Ο Eifman ο δάσκαλος (και η αξία του σε αυτό δεν είναι μικρότερη από αυτή του χορογράφου) ανέδειξε έναν νέο τύπο παγκόσμιου χορευτή που μπορεί να κάνει τα πάντα. Οι χορευτές του Άιφμαν επιπλέουν στον αέρα, σαν να στερούνται τη βαρύτητα. Δεν γνωρίζουν όρια στον έλεγχο του σώματός τους. Μπορούν να χειριστούν τα πιο δύσκολα πράγματα ακροβατικά ακροβατικάκαι τα πιο αδιανόητα βήματα. Ο χορός δεν περιλαμβάνει μόνο τα χέρια και τα πόδια, αλλά ολόκληρο το σώμα. Οι μπαλαρίνες του Άιφμαν είναι χωρίς κόκαλα και αιθέριες: στα ντουέτα τυλίγονται γύρω από τον σύντροφό τους σαν κλήματα. Χορέψτε το Τσάρλεστον σαν πραγματικοί χορευτές καμπαρέ. στέκονται σε παπούτσια πουέντ και, με τα μάτια τους χαμηλωμένα, επιπλέουν στη σκηνή σαν να μην είχαν χορέψει ποτέ τίποτα εκτός από τη «Λίμνη των Κύκνων», γράφει η Bella Yezerskaya.
Μπαλέτο "Red Giselle". Ο χορογράφος B. Eifman, στη φωτογραφία η Vera Arbuzova (Φωτογραφία: Nina Alovert)
Μπαλέτο "Άννα Καρένινα"
Ο Άιφμαν δίνει ιδιαίτερη προσοχή στο corps de ballet, όπως γράφει η Bella Yezerskaya: «Ο Eifman δημιούργησε ένα corps de ballet που είναι σπάνιο στη συγχρονικότητα, την εκφραστικότητα και την ακρίβεια κάθε κίνησης. Τα πρόσθετα στις παραστάσεις του αποκτούν είτε γκροτέσκο οξύτητα, όπως, για παράδειγμα, στη σκηνή επίδειξης των επαναστατικών ψηφοφοριών στην «Κόκκινη Ζιζέλ», είτε γλυπτική εκφραστικότητα, όπως στο «Ρέκβιεμ» του Μότσαρτ, είτε κλασική πληρότητα, όπως στον «Τσαϊκόφσκι. ” Εκπλήσσει τελική σκηνήμπαλέτο "Anna Karenina", στο οποίο οι καλλιτέχνες απεικόνισαν με ακρίβεια την κίνηση του τρένου, με τη βοήθεια της χορογραφίας, καθώς και την εκλεπτυσμένη και εκλεπτυσμένη γεύση της χορογραφίας, των κοστουμιών και των σκηνικών που ενυπάρχουν στα μπαλέτα του Eifman.
Όσο για το δυτικό μπαλέτο, εκεί, η μοίρα της τέχνης του μπαλέτου αποφασίστηκε από εξαιρετικούς χορογράφους: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kylian, John Neumeier κ.λπ. Όλοι τους άφησαν το μοναδικό τους στίγμα στην ιστορία, φτάνοντας στο καρδιές του κοινού μέσα από τις παραγωγές τους και δημιουργώντας το δικό σας μοναδικό και αξέχαστο στυλ χορού, που δημιουργήθηκε σε κλασική βάση με την προσθήκη σύγχρονη χορογραφία.
Θα ήθελα να δώσω ιδιαίτερη προσοχή στο έργο του Jiri Kylian. Η χορογραφία του περιέχει ελαφρότητα, ακρίβεια πόζες και μοτίβα και απίστευτη μουσικότητα. Όπως έγραψε ο Rudolf Nureyev, «Υπάρχει ο Jiri Kylian, που θα έλεγα ότι έχει τα πιο «χρυσά» αυτιά. Μετατρέπει τις μεταφορές σε κινήσεις: Ο Κιλιάν ακούει μουσική και βλέπει κινήσεις». Συχνά τα έργα του είναι γεμάτα χιούμορ, αταξίες και επιδεξιότητα στην κίνηση. Αυτό φαίνεται στις παραγωγές του «Six Dances», «Symphony in D», «Birthday» κ.λπ. Αυτό είναι μεγάλο πλεονέκτημα για τον χορογράφο, γιατί το χιούμορ είναι απαραίτητο και απαραίτητο για τον άνθρωπο και την τέχνη. Υπάρχει θέση στη δημιουργικότητα τόσο για το παιδικό μπαλέτο «Το παιδί και η μαγεία» όσο και για το σοβαρό δραματικό έργο“The Story of a Soldier” σε σύνθετη μουσική του Στραβίνσκι..
Μπαλέτο "Παιδί και Μαγεία"
"Έξι χοροί"
Οι έννοιες του μεταμοντερνισμού που εμφανίστηκαν στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα είχαν μεγάλη επιρροή στη χορευτική τέχνη. Η κύρια και μοναδική αξία της μεταμοντέρνας τέχνης θεωρείται η απεριόριστη ελευθερία έκφρασης του καλλιτέχνη, η ελευθερία σκέψης και δημιουργικότητας. Όλα αυτά ήταν χαρακτηριστικά και της τέχνης του χορού, που ενσωμάτωσε τις βασικές αρχές του μεταμοντερνισμού. Χωρίς περιορισμούς ή σαφή όρια, η μεταμοντέρνα τέχνη δημιούργησε πολλά στυλ και νέες τάσεις στην τέχνη. Στους χορούς, αυτοί είναι σύγχρονοι, αυτοσχεδιασμός επαφής, χορός hip-hop, ποπ χορός, νόμος μύγας κ.λπ.
Ο σύγχρονος χορός συνδέεται με ονόματα όπως Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs και Meredith Monk κ.λπ. Η αρχή του μεταμοντερνισμού στον χορό θα πρέπει να θεωρηθεί το έργο του Judson Church Theatre (Judson Dance Theatre). Το Judson Church Theatre παρουσίασε μια ομάδα πειραματικών χορευτών που έπαιξαν στη Νέα Υόρκη στο Judson Memorial Church στο Greenwich Village, στο γκαλερί τέχνης, μουσεία από το 1962
Τα νέα πειράματα χορού βασίστηκαν στις αρχές του αυτοσχεδιασμού και της σύγχρονης χορογραφίας. επηρεάστηκαν πολύ από τον συνθέτη John Cage και τον χορογράφο Merce Cunningham. Ο Τζον Κέιτζ ενδιαφερόταν για τον Ζεν Βουδισμό και υπερασπίστηκε την αρχή της τύχης στη δημιουργική διαδικασία.
Την ίδια αρχή υπερασπίστηκε ο Merce Cunningham, πιστεύοντας ότι κατά τη σύνθεση συνθέσεων αυτό επιτρέπει σε κάποιον να απαλλαγεί από την πλοκή και τις στερεότυπες λύσεις (αν και, κατά τη γνώμη μας, η απουσία πλοκής στη χορογραφία είναι παράλειψη). Αλλά στον σύγχρονο χορό, η διαδικασία δημιουργίας χορών είναι συχνά σημαντική και όχι το αποτέλεσμα .
Επίσης, ο conceptual artist Robert Morris συνεργάστηκε με το Judson Theatre: «Συναντηθήκαμε μικρή ομάδαχορευτές, ζωγράφοι, μουσικοί και ποιητές τα βράδια της Κυριακής και πειραματίστηκαν με τον ήχο, το φως, τη γλώσσα και την κίνηση στο στούντιο. Αυτή ήταν η πρώτη μου ενασχόληση με την έρευνα που σχετίζεται με τον χορό. Όταν μετακόμισα στη Νέα Υόρκη το 1961, αυτές οι δραστηριότητες ήταν ακόμα νωπές στο μυαλό μου, οπότε με πλησίασε το Judson Open Meeting - αν και δεν θυμάμαι ακριβώς πώς συνδέθηκα μαζί τους» (R. Morris).
Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunne και Joseph Schlichter.
Δημιουργήθηκαν και άλλες παρόμοιες ομάδες που τηρούσαν παρόμοιες αρχές, όπως Grand Union, Living Theatre, Open theater κ.λπ. Αυτοί οι σύλλογοι υπερασπίστηκαν επίσης τις ιδέες της τύχης και συχνά η διαδικασία δημιουργίας χορών ήταν πιο σημαντική από το αποτέλεσμα. Ένα από τα μέλη της ομάδας ήταν ο Steve Paxton, ο δημιουργός του στυλ του επαφικού αυτοσχεδιασμού, η ιδέα του οποίου έγκειται στην αυθόρμητη επαφή των σωμάτων των ανθρώπων.
Στιβ Πάξτον
Όσο για τον χορό hip-hop, ξεκίνησε από τις αφροαμερικανικές μειονεκτικές γειτονιές της Νέας Υόρκης στα τέλη της δεκαετίας του '60. Αρχικά, η κουλτούρα και ο χορός της hip-hop επικεντρώθηκαν στα πάρτι και τη χαλάρωση (σκρατσισμένη μουσική των Τζαμαϊκανών DJs και ρετσιτάτι), αργότερα η κουλτούρα της hip-hop εμποτίστηκε με επιθετικά προκλητικούς στίχους κοινωνικής ραπ, που αντανακλούσαν τη σκληρή πραγματικότητα ( gangsta rap 90s)και σταδιακά διέρρευσε στις μάζες, πηγαίνοντας στο show business. Ο χορός χιπ χοπ, κατά συνέπεια, χωρίζεται σε παλιό σχολείο (παλιά σχολή χιπ-χοπ) και νέο στυλ ( νέο σχολείο). Η παλιά σχολή περιλαμβάνει popping, locking, breakdance και η νέα σχολή αντιπροσωπεύει πιο εμπορικό hip-hop με την προσθήκη διαφόρων στυλ χορογραφίας - jazz dance, contemporary dance, pop dance κ.λπ. Το hip-hop χαρακτηρίζεται από ελευθερία, ρυθμό, και κατεύθυνση των κινήσεων στο έδαφος, καθώς και χαλάρωση των γονάτων και ταλάντευση του σώματος, ο λεγόμενος «χορός χιπ-χοπ» είναι πολύ δημοφιλής στις μέρες μας και μπορεί να δει παντού - σε διάφορα σόου, μουσικά βίντεο. παραστάσεις κ.λπ. Βασισμένο σε περίπλοκα ακροβατικά και ακροβατικά, είναι αρκετά δύσκολο να παίξεις. Τώρα οι καλύτεροι χορευτές hip-hop είναι το χορευτικό δίδυμο Les Twins και μπορείτε επίσης να ονομάσετε τον Γάλλο χορευτή Dedson και Αμερικανίδα τραγουδίστριαΚρις Μπράουν.
Old-school hip-hop
Η χορευτική κουλτούρα του 20ου και των αρχών του 21ου αιώνα είναι εξαιρετικά πλούσια και ποικιλόμορφη. Υπό την επίδραση των νέων μουσικών τάσεων και των νέων τάσεων στην τέχνη, ο χορός και η χορογραφία εμπλουτίστηκαν με νέα στυλ και τάσεις. Κατά τη διάρκεια του αιώνα, η αντίληψη, το όραμα και η προσέγγιση του χορού και της χορογραφίας άλλαξαν. Συνεχίζει να ζει, να αναπτύσσεται και κλασικό χορό, εμπλουτισμένο από μοντέρνα κινήματα, διατηρώντας το κλασικό στυλ και τα θεμέλια που έθεσαν αιώνες ιστορίας. Και αυτό είναι σωστό, αφού είναι δυνατό και απαραίτητο να συμβαδίζεις με την εποχή χωρίς να ξεχνάς το παρελθόν σου.
Σύναψη:
Η τέχνη της χορογραφίας είναι πολύπλευρη και μοναδική. Η χορογραφία μας μεταφέρει το περιεχόμενο και ένα ορισμένο νόημα που θέτει ο χορευτής ή ο χορογράφος μέσα από τη μυστηριώδη και αινιγματική γλώσσα του ανθρώπινου σώματος. Όπως είπε η Μάρθα Γκράχαμ, «Ο χορός είναι η μυστική γλώσσα της ψυχής» και «το σώμα λέει αυτό που οι λέξεις δεν μπορούν να πουν».
Κατά τη διάρκεια της έρευνας, εντοπίσαμε πώς άλλαξε ο χορός με την πάροδο των αιώνων της ιστορίας, ποια χαρακτηριστικά απέκτησε και τι ρόλο έπαιξε στις ζωές των ανθρώπων. Κάθε περίοδος της ιστορίας έχει αφήσει το δικό της μοναδικό και αμίμητο στίγμα στην τέχνη του χορού. Ο χορός πάντα ένωνε τους ανθρώπους, χρησίμευε ως τρόπος επικοινωνίας των ανθρώπων μεταξύ τους, καθώς και μέσο αυτοέκφρασης και ενεργειακής ανανέωσης. Η χορογράφος Alla Rubina μιλά για αυτό: «Ο χορός είναι αυτοέκφραση. Δηλαδή, ένας άνθρωπος εκφράζει τον εαυτό του, τις σκέψεις του, τη ζωή του και την κατανόηση της ζωής μέσω του χορού. Αυτή είναι η γνώση της ομορφιάς, η αυτογνωσία, που εμφανίζεται και σε αυτούς που χορεύουν και σε αυτούς που παρακολουθούν... Όταν χορεύεις, συσσωρεύεις ενέργεια και ανανεώνεσαι. Οποιαδήποτε κίνηση είναι ανανέωση του ενεργειακού πεδίου. Αυτή είναι μια καθαρά ιατρική λειτουργία...»
Μια παράσταση χορού είναι αδύνατη ή πολύ φτωχή χωρίς σκηνογραφία, κοστούμια και μουσική. Σε όλη την ιστορία, ο χορός, και αργότερα το μπαλέτο, συνδέθηκε στενά με τη μουσική και τις εικαστικές τέχνες. Ο J. J. Nover προσδιόρισε τα σημαντικά συστατικά μιας παράστασης μπαλέτου: «Η σκηνή, θα λέγαμε, είναι ο καμβάς στον οποίο ο χορογράφος αποτυπώνει τις σκέψεις του. Με την κατάλληλη επιλογή μουσικής, σκηνικών και κοστουμιών, δίνει στην εικόνα το χρώμα της, γιατί ο χορογράφος είναι ο ίδιος ζωγράφος». Ο V. Vanslov γράφει επίσης για τη σχέση μουσικής και χορού: «Η ανάδυση του χορού θα ήταν αδύνατη αν η μουσική δεν είχε βοηθήσει τις πλαστικές τέχνες. Ενισχύει την εκφραστικότητα της πλαστικότητας του χορού και του δίνει μια συναισθηματική και ρυθμική βάση». Όλα αυτά δείχνουν ότι η χορογραφία είναι μια συνθετική μορφή τέχνης που συνδυάζει διάφορα είδη τεχνών.
Η τέχνη του χορού εμπλουτίζεται συνεχώς και προχωρά, απορροφώντας όλες τις βασικές διαθέσεις της κοινωνίας, καθώς και αντανακλώντας σημαντικές ιστορικά γεγονότα, την κοινωνικοπολιτιστική και πολιτική ζωή. Ήταν ενδιαφέρον για μένα να παρακολουθήσω τη διαδικασία ανάπτυξης του χορού, αποκρυπτογραφώντας το νόημα και τη σημασία του σε όλη την ιστορία.
Λίστα χρησιμοποιημένης βιβλιογραφίας:
1. Thino Arbaud “On Dance and Music”
2. V. Vanslov «Για τη μουσική και το μπαλέτο»
3. Yu Bakhrushin «Ιστορία του ρωσικού μπαλέτου»
4. Vera Krasovskaya «Ιστορία του δυτικού μπαλέτου»
5. S. Khudekov «Ιστορία του χορού»
6. Χορός "Modern" http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1
7. V. Vanslov «Τα μπαλέτα του Γκριγκορόβιτς και τα προβλήματα της χορογραφίας» http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/
8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm
9. Lucian “Treatise on Dance”
10. Εγκυκλοπαίδεια μπαλέτου http://www.krugosvet.ru/
Ο 20ός αιώνας είναι μια εποχή εξέλιξης και προόδου. Αυτή η περίοδος μπορεί να συγκριθεί με ένα τεράστιο άλμα στον επιστημονικό και τεχνολογικό τομέα. Όμως η πρόοδος δεν επηρέασε μόνο την επιστήμη ή την τεχνολογία, αλλά και τον πολιτισμό γενικότερα. Μια τέτοια ραγδαία και δυναμική ανάπτυξη της κοινωνίας συνέβη παρά τους δύο παγκόσμιους πολέμους και πολλά άλλα γεγονότα που έφεραν την πλήρη καταστροφή. Αλλά η λαχτάρα της ανθρωπότητας για τελειότητα και αυτο-ανάπτυξη έχει συμβάλει στην απίστευτη εξέλιξη του ανθρώπου ως μέρος της πολιτιστικής κοινωνίας. Ο χορός ήταν ένα από τα πιο ισχυρά εργαλεία αυτοπραγμάτωσης και αυτοβελτίωσης. Έφεραν χαρά, μια αίσθηση ευτυχίας και αρμονίας στη ζωή των ανθρώπων του 20ού αιώνα, όταν η επιστημονική και τεχνολογική πρόοδος απομάκρυνε σχεδόν εντελώς την πνευματικότητα και την αντικατέστησε με τον πραγματισμό. Λόγω της έλλειψης «όμορφου» κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η κουλτούρα του χορού απλώς «εκραγεί» και εμφανίζεται ένας κολοσσιαίος αριθμός νέων τύπων και στυλ χορογραφίας.
Χορευτικό «καλειδοσκόπιο» του 20ου αιώνα
Από το ποικιλόμορφο και ετερόκλητο «καλειδοσκόπιο» των στυλ χορού του 20ου αιώνα, μπορεί κανείς να ξεχωρίσει όπως η ρούμπα, η χιπ-χοπ, η λαμάδα, η σύγχρονη και πολλά άλλα. Μια τέτοια ποικιλία χορών αποδεικνύει ότι ο 20ός αιώνας είναι ένα άλμα όχι μόνο στον επιστημονικό και τεχνολογικό τομέα, αλλά και ένα τεράστιο βήμα προόδου στον πολιτισμό, την τέχνη και την ανάπτυξη της κοινωνίας στο σύνολό της.
Το Salsa είναι ένα από τα πιο δημοφιλείς τύποιχορός τον 20ο αιώνα. Αυτός ο λατινοαμερικάνικος χορός ξεκίνησε από την Κούβα τη δεκαετία του '20 και ήταν η πιο δημοφιλής χορογραφική σύνθεση από τότε. Η Salsa έχει κερδίσει τέτοια παγκόσμια αγάπη χάρη στον απίστευτο φλογερό, χαριτωμένο και εκπληκτικό ρυθμό της. Αυτός ο χορός μπορεί να σας κάνει να απολαύσετε τη ζωή και να δείτε τον κόσμο μόνο μέσα φωτεινά χρώματα. Η Salsa έχει διάφορες κατευθύνσεις: cha-cha-cha, rumba, bocacha, mambo και άλλες.
Salsa
Το τάνγκο είναι απίστευτα όμορφο και παθιασμένος χορόςμε αργεντίνιες ρίζες. Από την ίδρυσή του, δηλαδή τον 19ο αιώνα, έγινε η πιο δημοφιλής και αγαπημένη χορογραφική παραγωγή σε όλη την Αργεντινή, το Λονδίνο, το Παρίσι, τη Νέα Υόρκη κ.λπ. Αυτός ο χορός σύντομα «φώτισε» όλη την Ευρώπη, την Αμερική και όλο τον κόσμο. Το τάνγκο τον 20ο αιώνα ήταν ακόμη και ένα είδος λατρείας - δημιουργήθηκαν ολόκληρα σύνολα, πάρτι αφιερωμένα ειδικά σε αυτό και μουσικές συνθέσεις που γράφτηκαν ειδικά για το τάνγκο.
Ταγκό
Ένας άλλος φανταστικά δημοφιλής και μοναδικός χορός του 20ου αιώνα είναι το ροκ εν ρολ. Αυτό χορογραφική παράστασηέκανε μια πραγματική επανάσταση στον πολιτισμό, την τέχνη και την κοινωνική ζωή. Το ροκ εν ρολ εμφανίστηκε τη δεκαετία του '50 στην Αμερική. Η απαρχή του, πρώτα από όλα, ξεκίνησε με τη μουσική, η οποία έδωσε ώθηση στην εμφάνιση αυτού του είδους χορού. Το ροκ εν ρολ έχει κατακτήσει νεανικές καρδιές σε όλο τον κόσμο με την ορμή, τη «σπίθα» και τον απίστευτο δυναμισμό του. Αυτός ο χορός χαρακτηρίζεται από πολύ περίπλοκες ανυψώσεις, άλματα, ρίψεις και μια ορισμένη απρόσεκτη στάση του συντρόφου προς τον σύντροφο. Το σύνθημα του ροκ εν ρολ ακουγόταν σαν «σεξ, ναρκωτικά και ροκ-ν-ρολ», επομένως, λόγω υπερβολικής ειλικρίνειας και ακόμη και χυδαιότητας, αυτό το είδος χορού θεωρήθηκε ανήθικο και απαγορευμένο. Αλλά αυτό δεν τον εμπόδισε να παραμείνει εξαιρετικά δημοφιλής στη δεκαετία του '20 και ακόμη και στην εποχή μας.
Στα πρώτα χρόνια του 20ου αιώνα, πριν από το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, υπήρχαν δύο εμφανείς τάσεις στην ανάπτυξη του χορού. Σαν κατά κάποιο τρόπο αντιλήφθηκαν την επικείμενη καταστροφή, οι πλούσιες κοινωνίες της Ευρώπης και της Αμερικής επιδόθηκαν στη διασκέδαση, με κυριότερους τους γρήγορος χορόςόπως τα βαλς και οι καλπασμοί. Ταυτόχρονα, έγιναν προσπάθειες αναβίωσης τέτοιων μεσαιωνικών χορών όπως το μενουέτο, το γκαβότ και το παβάνε, αν και αυτό αποδείχθηκε μάλλον άσχημα. Ωστόσο, σχεδόν ποτέ δεν υπήρξε τόσο ξέφρενη αναζήτηση νέων μορφών, τόσο ριζική αλλαγή νοημάτων που προηγουμένως θεωρούνταν δεδομένες, τέτοιο πάθος στη νεολαία όλων των χωρών για ατομική έκφραση και έναν πιο δυναμικό τρόπο ζωής. Όλες οι τέχνες έχουν επηρεαστεί βαθιά από την ταχεία συσσώρευση ανακαλύψεων στη φυσική και κοινωνικές επιστήμες, καθώς και αυξανόμενη ευαισθητοποίηση για κοινωνικά ζητήματα.
Συνολικά, ήταν μια απίστευτα συναρπαστική περίοδος για την ανάπτυξη του χορού: ποτέ πριν δεν είχαν δημιουργηθεί τόσες πολλές νέες ιδέες και τόσοι πολλοί άνθρωποι προσελκύονταν από τον χορό. Το μπαλέτο ανανεώθηκε πλήρως υπό τις οδηγίες του Ρώσου ιμπρεσάριου Σεργκέι Ντιαγκίλεφ (1872-1929). Το μπαλέτο έχει εμπνεύσει μερικά από τα περισσότερα εξαιρετικοί συνθέτεςκαι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής, αποτελώντας την κύρια βάση για τα περισσότερα έργα στη χορευτική τέχνη. Οι υποστηρικτές ενός άλλου κινήματος μεταρρύθμισης του σύγχρονου χορού, βασισμένου στους χορούς της Αμερικανίδας μπαλαρίνας Isadora Duncan, άρχισαν να προσπαθούν να απομακρυνθούν από τις συμβάσεις που είχαν γίνει υποχρεωτικές κατά τη διάρκεια του ρομαντικού μπαλέτου.
Αυτό το νέο κίνημα αναπτύχθηκε ιδιαίτερα δυναμικά στη Γερμανία, όπου οι εξπρεσιονιστικές του μορφές ονομάζονταν Ausdruckstanz («εξπρεσιονιστικός χορός»). Ο χορός στην αίθουσα χορού έχει αλλάξει αρκετά με την προσθήκη φρέσκων επιρροών από τη Νότια Αμερική, την κρεολική και αφρικανικοί πολιτισμοί. Μετά ισχυρή ανάπτυξηδημοτικότητα της αφροαμερικανικής τζαζ, ολόκληρο το πνεύμα και το στυλ κοινωνικός χορόςάλλαξαν ριζικά και στις επόμενες δεκαετίες έγιναν πολύ πιο ελεύθεροι, ήρεμοι και «οικείοι».
Ανανεώθηκε επίσης το ενδιαφέρον για τους λαϊκούς χορούς που ήταν αυτοέκφραση απλοί άνθρωποισε περασμένους αιώνες. Αυτό διευκολύνθηκε εν μέρει από ειδικούς συλλόγους λαϊκών χορών, καθώς και διάφορα νεανικά κινήματα, που είδαν ότι αυτοί οι χοροί μπορούσαν να βοηθήσουν στη διαμόρφωση νέων κοινωνικών συναισθημάτων. Οι θεατρικοί χοροί όλων των ειδών, που σχηματίστηκαν από τους στυλιζαρισμένους αιωνόβιους χορούς της Ανατολής, έφτασαν σε νέα ύψη δημοτικότητας.
Κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1830 και του 1840, το Ρομαντικό Κίνημα οδήγησε στη σκηνή του μπαλέτου να κατακλύζεται από πνεύματα της φύσης, νεράιδες και σύλφους. Η λατρεία της μπαλαρίνας αντικατέστησε τη λατρεία του χορευτή, ο τελευταίος και μεγαλύτερος εκπρόσωπος της οποίας ήταν ο Γάλλος χορευτής ιταλικής καταγωγής Gaetin Vestris (1729–1808). Οι τεχνικές του γυναικείου χορού βελτιώθηκαν πολύ. Το μήκος της φούστας μειώθηκε ακόμη περισσότερο και εισήχθησαν παπούτσια μπαλέτου, που επέτρεπαν τον χορό στις μύτες των ποδιών. Οι χορογράφοι συνέχισαν να προσπαθούν για πιο εκφραστικές κινήσεις και δίνοντας έμφαση στις ατομικές ιδιότητες των χορευτών τους.
Το μπαλέτο La Sylphide (1836) απέδειξε τέλεια το κύριο θέμα του ρομαντικού μπαλέτου - τον αγώνα μεταξύ πραγματικό κόσμοκαι τον πνευματικό κόσμο. Αυτό το θέμα επεκτάθηκε στις Giselle (1841) και Ondine (1843). Εκείνη την εποχή, το Παρίσι και το Λονδίνο ήταν γευστικοί, και ήταν στο Λονδίνο το 1845 που έγινε η πρεμιέρα του «Pas de quatre» - μια παραγωγή μπαντέτ, για την παράσταση σε 4 πράξεις από τις οποίες ο Γάλλος χορογράφος Ζυλ Περό κάλεσε τέσσερις από τους Οι μεγαλύτερες μπαλαρίνες εκείνης της εποχής: Marie Taglioni (1804–84), Carlotta Grisi (1819–99), Fanny Cerrito (1817–1909) και Lucile Gran (1819–1907).
Μετά από αυτό, το Ρομαντικό Μπαλέτο γρήγορα παρήκμασε, τουλάχιστον σε αυτές τις πόλεις. Ωστόσο, στην Κοπεγχάγη συνέχισε να ανθίζει στις αρχές της δεκαετίας του 1860 χάρη στον χορογράφο Auguste Bournonville, του οποίου το ρεπερτόριο υιοθετήθηκε από το Βασιλικό Μπαλέτο της Δανίας στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα. Η Ρωσία εκείνη την εποχή, χάρη στον Γαλλικής καταγωγής χορογράφο Marius Petipa (1819–1910) και τον Ρώσο βοηθό του Lev Ivanov (1834–1901), κατάφερε να δημιουργήσει μια παγκοσμίου φήμης κουλτούρα μπαλέτου από μόνη της. Αρχικά, οι ρωσικές θεατρικές παραδόσεις συνδέθηκαν στενά με το Παρίσι, αλλά σταδιακά αναπτύχθηκε η δική τους κουλτούρα μπαλέτου. Η καλύτερη ώραΤο κλασικό μπαλέτο στην τσαρική Ρωσία επιτεύχθηκε σε παραγωγές της Αγίας Πετρούπολης όπως η Ωραία Κοιμωμένη (1890), Ο Καρυοθραύστης (1892) και Λίμνη των Κύκνων"(1895), τη μουσική για την οποία συνέθεσε ο Pyotr Ilyich Tchaikovsky, καθώς και το "Raymonda" (1898) του Alexander Glazunov (1865–1936). Ενώ το μπαλέτο άκμασε στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, παρήκμασε στο Παρίσι. Οι μπαλαρίνες άρχισαν να εμφανίζονται ακόμη και σε ανδρικούς ρόλους, για παράδειγμα στο «Coppelia» (1870).
Ο 19ος αιώνας είδε επίσης μια άνευ προηγουμένου αύξηση των ταξιδιών και των διαπολιτισμικών επιρροών. Χάρη σε αυτό, πολλά «εξωτικά» στυλ χορού εμφανίστηκαν στη δυτική σκηνή. Θίασοι από την Ινδία και την Ιαπωνία ήρθαν σε εκθέσεις στο Παρίσι, οι οποίες προκάλεσαν έντονο ενδιαφέρον για τους λαϊκούς και εθνοτικούς χορούς. Οι μπαλαρίνες του Ρομαντικού Μπαλέτου έκαναν περιοδεία παντού Ευρωπαϊκές πόλεις: από το Μιλάνο και το Λονδίνο στη Μόσχα. Η Αυστριακή χορεύτρια Fanny Elssler πραγματοποίησε μια διετή περιοδεία στη Βόρεια και Νότια Αμερική στις αρχές της δεκαετίας του 1840. Σε όλες τις πόλεις ταξίδεψαν και σπουδαίοι χορογράφοι. Η γλώσσα του χορού έγινε πραγματικός τρόπος διεθνούς επικοινωνίας, γιατί δεν εξαρτιόταν από τη χώρα ή τη γλώσσα που ομιλούνταν σε αυτήν.
Χορός στις ΗΠΑ τον 19ο αιώνα
Κατά τη διάρκεια του 19ου αιώνα στην Ευρώπη, άλλες χορευτικές διασκεδάσεις που ήταν πιο «ελαφριές» από το κλασικό μπαλέτο κέρδισαν επίσης τεράστια δημοτικότητα. Στο Παρίσι, το γυναικείο cancan έγινε το απόγειο της μόδας. Η τρελή του ενέργεια, η ζέση και το φλερτ του σε σημείο φάουλ έγιναν πραγματική αποκάλυψη για το κοινό. Μετά το 1844, αυτός ο χορός έγινε χαρακτηριστικό των μουσικών αιθουσών, των επιθεωρήσεων και των οπερετών. Το είδος αναπτύχθηκε από τον συνθέτη της οπερέτας Jacques Offenbach (1819–80) και απεικονίστηκε ζωντανά από τον ζωγράφο Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901).
Στο Λονδίνο εκείνη την εποχή άκμασαν τα Alhambra και Imperial Ballet, τα οποία ανέβαζαν κυρίως κλασικά μπαλέτα διάφορα θέματα. Αλλά η μεγαλύτερη ποικιλία χορών παρείχε η Αμερική, όπου μετά τον πόλεμο, με φόντο ένα πατριωτικό κύμα μετά τον πόλεμο της ανεξαρτησίας, άρχισαν να εμφανίζονται μαζικά διάφορους χορούςμε θέμα την ελευθερία, καθώς και την αναβίωση χορών από την εποχή του αποικισμού της Αμερικής.
Ξεχωριστά, πρέπει να σημειωθεί ότι τα σόου με μινστρέλ, οι υπερβολές, τα μπουρλέσκ και οι βοντβίλ έγιναν δημοφιλή στην Αμερική τον 19ο και τον 20ο αιώνα. Αντιπροσώπευαν μια συγχώνευση μιας ευρείας ποικιλίας χορού και θεατρικών επιρροών, ειδικά προερχόμενες από τη μαύρη κουλτούρα. Οι λευκοί άρχισαν να χορεύουν «μαύρους χορούς», ενώ βάφουν τα πρόσωπά τους μαύρα, και οι σκουρόχρωμοι άσπρισαν τα πρόσωπά τους και χόρεψαν λευκούς χορούς. ΣΕ θεατρικές παραγωγέςΆρχισαν να εμφανίζονται κάθε είδους χοροί, από μπαλέτα που εισάγονταν από την Ευρώπη μέχρι εντελώς αυθεντικούς γυναικείους χορούς ντόπιων Ινδιάνων, που ήταν στα πρόθυρα του στριπτίζ. Οι Αμερικανοί χορευτές άρχισαν να απολαμβάνουν καλή φήμη τόσο στην Αμερική όσο και στην Ευρώπη. Η μπαλαρίνα Augusta Maywood (1825–1876) ήταν η πρώτη Αμερικανίδα χορεύτρια που εμφανίστηκε στην Όπερα του Παρισιού.
Ο 19ος αιώνας είδε επίσης μια τεράστια αύξηση στον αριθμό των δημόσιων αιθουσών χορού και άλλων ιδρυμάτων που σχετίζονται με τον χορό στις ταχέως αναπτυσσόμενες πόλεις των Δυτικών Ηνωμένων Πολιτειών. Εδώ, άρχισαν να αναβιώνουν οι ιθαγενείς αγροτικοί χοροί της Αμερικής, ένα πολύ γρήγορο σε δύο βήματα που εκτελούνται σε πορείες και cakewalk. Για πρώτη φορά, η Ευρώπη βρήκε κάτι νέο στον Νέο Κόσμο για να μάθει από τη χορευτική σκηνή της. Επίσης εκείνη την εποχή ο ρυθμός των χορών επιταχύνθηκε σημαντικά, αντανακλώντας ίσως τον επιταχυνόμενο ρυθμό της ζωής και κοινωνική αλλαγήαιώνας.
Χοροί των αρχών του 20ου αιώνα
Στα πρώτα χρόνια του 20ου αιώνα, πριν από το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, υπήρχαν δύο εμφανείς τάσεις στην ανάπτυξη του χορού. Σαν να είχαν συνειδητοποιήσει με κάποιο τρόπο την επικείμενη καταστροφή, οι πλούσιες κοινωνίες της Ευρώπης και της Αμερικής επιδόθηκαν στη διασκέδαση, ένας από τους κυριότερους ήταν τόσο γρήγοροι χοροί όπως τα βαλς και οι καλπασμοί. Ταυτόχρονα, έγιναν προσπάθειες αναβίωσης τέτοιων μεσαιωνικών χορών όπως το μενουέτο, το γκαβότ και το παβάνε, αν και αυτό αποδείχθηκε μάλλον άσχημα. Ωστόσο, σχεδόν ποτέ δεν υπήρξε τόσο ξέφρενη αναζήτηση νέων μορφών, τόσο ριζική αλλαγή νοημάτων που προηγουμένως θεωρούνταν δεδομένες, τέτοιο πάθος στη νεολαία όλων των χωρών για ατομική έκφραση και έναν πιο δυναμικό τρόπο ζωής. Όλες οι τέχνες επηρεάστηκαν βαθιά από την ταχεία συσσώρευση ανακαλύψεων στις φυσικές και κοινωνικές επιστήμες, καθώς και από την αυξανόμενη συνειδητοποίηση των κοινωνικών προβλημάτων.
Συνολικά, ήταν μια απίστευτα συναρπαστική περίοδος για την ανάπτυξη του χορού: ποτέ πριν δεν είχαν δημιουργηθεί τόσες πολλές νέες ιδέες και τόσοι πολλοί άνθρωποι προσελκύονταν από τον χορό. Το μπαλέτο ανανεώθηκε πλήρως υπό τις οδηγίες του Ρώσου ιμπρεσάριου Σεργκέι Ντιαγκίλεφ (1872-1929). Το μπαλέτο ενέπνευσε μερικούς από τους πιο εξέχοντες συνθέτες και καλλιτέχνες της εποχής, αποτελώντας τη βάση για μεγάλο μέρος του έργου στη χορευτική τέχνη. Οι υποστηρικτές ενός άλλου κινήματος μεταρρύθμισης του σύγχρονου χορού, βασισμένου στους χορούς της Αμερικανίδας μπαλαρίνας Isadora Duncan, άρχισαν να προσπαθούν να απομακρυνθούν από τις συμβάσεις που είχαν γίνει υποχρεωτικές κατά τη διάρκεια του ρομαντικού μπαλέτου.
Αυτό το νέο κίνημα αναπτύχθηκε ιδιαίτερα δυναμικά στη Γερμανία, όπου οι εξπρεσιονιστικές του μορφές ονομάζονταν Ausdruckstanz («εξπρεσιονιστικός χορός»). Ο χορός στην αίθουσα χορού έχει τροποποιηθεί αρκετά προσθέτοντας φρέσκες επιρροές από νοτιοαμερικανικούς, κρεολικούς και αφρικανικούς πολιτισμούς. Μετά την έντονη άνοδο της δημοτικότητας της αφροαμερικανικής τζαζ, ολόκληρο το πνεύμα και το στυλ του κοινωνικού χορού άλλαξε ριζικά και έγινε πολύ πιο ελεύθερο, πιο ήρεμο και πιο οικείο τις επόμενες δεκαετίες.
Ανανεώθηκε επίσης το ενδιαφέρον για τους λαϊκούς χορούς, που αποτελούσαν την αυτοέκφραση των απλών ανθρώπων κατά τους περασμένους αιώνες. Αυτό διευκολύνθηκε εν μέρει από ειδικούς συλλόγους λαϊκών χορών, καθώς και διάφορα νεανικά κινήματα, που είδαν ότι αυτοί οι χοροί μπορούσαν να βοηθήσουν στη διαμόρφωση νέων κοινωνικών συναισθημάτων. Οι θεατρικοί χοροί όλων των ειδών, που σχηματίστηκαν από τους στυλιζαρισμένους αιωνόβιους χορούς της Ανατολής, έφτασαν σε νέα ύψη δημοτικότητας.
Στη δεκαετία του 20 του 20ου αιώνα, ο χορός Τσάρλεστον έγινε ιδιαίτερα δημοφιλής. Πιστεύεται ότιΤσάρλεστον(Τσάρλεστον) έχει αφροαμερικανικές ρίζες και κατάγεται από την πόλη Τσάρλεστον (Νότια Καρολίνα).Το αν είναι έτσι δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα. Ο ρυθμός αυτού του χορού ήταν τόσο φλογερός που όλος ο κόσμος άρχισε να χορεύει το Τσάρλεστον. Ο χορός δεν έπιασε αμέσως, πολλές από τις κινήσεις του θεωρήθηκαν ακόμη και απρεπείς, αλλά με τον καιρό απέκτησε τεράστια δημοτικότητα, το 1926. Ο σκηνοθέτης Ernest Lubitsch, ο οποίος γύρισε την ταινία "This is Paris", έβαλε έναν μεγαλειώδη αριθμό σε αυτό - "Ball in Masquerade", όπου 2.500 συμμετέχοντες στα γυρίσματα χόρεψαν το Charleston.
Στη δεκαετία του '30 Ένα κύμα νέων χορών αναδύεται στην αμερικανική ήπειρο και στην Ευρώπη. Ένα από αυτά είναιLindy Hop(Λίντι Χοπ). Αυτό χορός στην αίθουσα χορούμε άλματα πήρε το όνομά του προς τιμή του διάσημου πιλότου Lindbergh, ο οποίος ήταν ο πρώτος που πέταξε πέρα από τον Ατλαντικό. Υπό την επίδραση της τζαζ, το Lindy hop μετατράπηκε σταδιακά σε swing και οι ιδιοσυγκρασιακές μαύρες μελωδίες σημάδεψαν την αρχήμπούγκι-γουγκί. Στην Αμερική αυτός ο χορός λεγόταν συχνότερατρέμουλο(Jitterbag), στις Βρετανικές Νήσους -jive. Τώρα γνωρίζουμε αυτόν τον χορό ωςροκ εν ρολ.Το ίδιο το jitterbug, συνδυάζοντας τις κινήσεις του Lindy Hop και του Charleston, οδήγησε στην εμφάνιση της ντίσκο ως στυλ χορού.
Στις αρχές της δεκαετίας του '50, ο πυρετός του ροκ εν ρολ ξέσπασε στον κόσμο.^ Το 1954 Οι ταινίες "Rock Around the Clock" και "Seed of Violence" με τη συμμετοχή του Bill Haley προβλήθηκαν στις ευρωπαϊκές οθόνες, γεγονός που συνέβαλε στην αύξηση της δημοτικότητας του χορού. Στις αρχές της δεκαετίας του '60, το πρώτο κύμα του ροκ εν ρολ είχε σβήσει. Ήρθε η ώρασυστροφή, λαιμός, μπιτκαι άλλους χορούς. Η επιστροφή του χορού ξεκίνησε το 1968 και συνδέθηκε με το έργο των Beatles. Από το 1974 -1975, το ροκ εν ρολ θεωρείται ένας από τους μοντέρνους χορούς και πλέον ονομάζεται σύγχρονος αθλητικός χορός.
Στη δεκαετία του '70 κερδίζει δημοτικότηταχορός ντίσκο. Η εμφάνιση των ηλεκτρονικών οργάνων δεν θα μπορούσε παρά να επηρεάσει τη φύση της μουσικής και τον τρόπο εκτέλεσης.. Μια πραγματική έκρηξη της ντίσκο προκάλεσε η ταινία που κυκλοφόρησε το 1977. ταινία "Saturday Night Fever". Σε αυτό ο Τζον Τραβόλτα χορεύει ντίσκο με όλα τα χαρακτηριστικά εκείνης της εποχής. Στην ταινία "Glory" στη δεκαετία του '80, χίλιοι πεντακόσιοι άνθρωποι χόρεψαν ντίσκο στο δρόμο. Στη χώρα μας, η μεγάλη δημοτικότητα του στυλ ντίσκο διευκολύνθηκε από τις παραστάσεις του τηλεοπτικού μπαλέτου της ΛΔΓ "Friedrichstadt Palace".Σήμερα, οι κινήσεις ντίσκο χρησιμοποιούνται από όλους σχεδόν τους καλλιτέχνες ποπ και σύγχρονου χορού.
Όσο πιο πλούσια και ποικιλόμορφη γινόταν η μουσική με την έλευση των νέων ηλεκτρομουσικών οργάνων, τόσο περισσότερες διαφορετικές μουσικές τάσεις εμφανίζονταν και μαζί τους διάφορα στυλχορός.
Στα τέλη της δεκαετίας του '80 και στις αρχές της δεκαετίας του '90, με την έλευση του βίντεο, ορισμένα στυλ κέρδισαν δημοτικότητα. Το έργο του Μάικλ Τζάκσον, ο οποίος ήταν τότε γνωστός ως ο βασιλιάς της ποπ μουσικής και ο βασιλιάς του χορού, έδωσε αφορμή για ένα νέο είδος παράστασης - "α λα Τζάκσον". Τα πιο διάσημα βίντεο του από τα άλμπουμ «Thriller», «Bad», χρησιμοποιούσαν κινήσεις ντίσκο, break, hip-hop.
Δημοτικότητα Χοροί της Λατινικής Αμερικήςγέννησε τέτοια μαζικοί χοροίΠωςΛαμπάδαΚαι Μακαρένα. Οι εμπρηστικές μελωδίες με έναν χαρακτηριστικό τρόπο απόδοσης γέννησαν ένα συγκεκριμένο σύνολο κινήσεων, οι οποίες έγιναν πολύ δημοφιλείς χοροί - Lambada και Macarena.
^ Διάλειμμα (Διακοπή χορός) Και Hip-Hop (Ισχίο- λυκίσκος) στυλ. Ο χορός, που μοιάζει πολύ με το σπάσιμο, ήταν γνωστός κατά τη διάρκεια της σκλαβιάς. Στη Νέα Ορλεάνη τον ονόμασαν τετράγωνο χορό Kongo. Πήρε αυτό το όνομα από το όνομα της πλατείας - πλατεία Κονγκό, όπου μαζεύονταν κάποτε σκλάβοι. Εκεί όχι μόνο επικοινώνησαν και χαλάρωσαν, αλλά διαγωνίστηκαν και στην τέχνη του χορού. Υπήρχαν σκλάβοι διαφορετικές εθνικότητες: Αφρικανοί, Λατινοαμερικανοί, κ.λπ. Ο χωρισμός σε «ομάδες» με βάση την εθνικότητα έδωσε ιδιαίτερη βαρύτητα στον διαγωνισμό. Στοιχεία ακροβατικών στο χορό βρίσκονται σε πολλά έθνη. Το διάλειμμα περιέχει στοιχεία αφρικανικών χορών, κομμάτια βραζιλιάνικου πολεμική τέχνησκλάβοι - "capoeira" και πολλά άλλα.
Η ίδια η ιστορία του διαλείμματος ξεκίνησε το 1962. στο Νότιο Μπρονξ. Ιδρυτής θεωρείται ο DJ Cool Herk. Ήρθε στο Μπρονξ από την Τζαμάικα και έφερε μαζί του τις καλύτερες παραδόσεις του Κίνγκστον χορός στο δρόμο. Το σκέφτηκε το 1969. ο όρος "B-Whoa" προέρχεται από τη συντομογραφία "break boy", που σημαίνει "τύπος, break dancing" Από το πλήθος των χορευτών, οι καλύτεροι από τους καλύτερους χορευτές βγήκαν στη σκηνή και έδειξαν τις ικανότητές τους. Τα λεγόμενα «break fights».
Την ίδια περίπου εποχή, το 1969. Ο DJ Africa Bambaata επινόησε τον όρο «Hip-hop» ως χαρακτηρισμό μιας ολόκληρης κουλτούρας νεότερης γενιάς. Περιλάμβανε όχι μόνο τον χορό, αλλά και την τέχνη της ανάγνωσης κειμένου σε μουσική (ραπ) και γκράφιτι (ζωγραφική σε τοίχους με σπρέι).
Στα τέλη της δεκαετίας του '60, το σπάσιμο υπήρχε με τη μορφή δύο στυλ χορού: Ακροβατικό στυλ Νέας Υόρκης (κάτω ή σπάσιμο) και στυλ μιμικής του Λος Άντζελες (κορυφή ή «ηλεκτρικό μπούκι»). Με τις αλλαγές στις μουσικές τάσεις, οι τεχνικές break dancing αλλάζουν και γίνονται πιο σύνθετες.. Στη δεκαετία του '80 κυκλοφορούν ταινίες για break και hip-hop:Αγριος Στυλ», « Στυλ Πόλεμοι», « Ρυθμός δρόμος», « Γκράφιτι Βράχος" Ένα χρόνο αργότερα, το San Francisco Ballet Theatre άνοιξε τη σεζόν με μια εορταστική συναυλία 46 breakers. Εκατοντάδες breakers χόρεψαν στην τελετή λήξης των Ολυμπιακών Αγώνων του Λος Άντζελες.
Το Breaking ήρθε στη Ρωσία στα τέλη της δεκαετίας του '80 - οι ταινίες "How to Become a Star", "Courier", κλπ. Φεστιβάλ Break dancing πραγματοποιήθηκαν στο Σότσι, στην περιοχή της Μόσχας κ.λπ. Στη συνέχεια, η μόδα για το σπάσιμο υποχώρησε. Το 1995 - 1997 Το σπάσιμο έγινε ξανά της μόδας: πιο ενεργητικό, γεμάτο ακροβατικά και power στοιχεία, γρήγορους βηματισμούς και άλματα. Οι διεθνείς μάχες - ομαδικοί αγώνες - άρχισαν να εμφανίζονται.
Hot Top Τεχνικός (Καυτό
κορυφή-
techno)
μεταφρασμένο από την αγγλική αργκό αυτή είναι μια τεχνική hot κίνησης. Το στυλ εμφανίστηκε στη δεκαετία του '70 - στις αρχές της δεκαετίας του '80. Δημιουργήθηκε υπό την επίδραση της σύγχρονης τζαζ και άλλων σχολών. Είναι street styleχορός, περιλαμβάνει στοιχεία ντίσκο, flash, street jazz. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli, κ.λπ.)
Αν κοιτάξετε προσεκτικά τα σύγχρονα στυλ και τις τεχνικές των χορευτών, μπορείτε εύκολα να δείτε σε αυτά κινήσεις που έχουν ανάλογες στον λαϊκό χορό. Κάθε στυλ, κατά τη διαμόρφωσή του, απορρόφησε την ιδιαιτερότητα που χαρακτηρίζει το εθνικό περιβάλλον ή την εθνικότητα του ερμηνευτή.
Δεν μπορούμε να πούμε ότι όλα τα στυλ χορού έχουν ήδη διαμορφωθεί πλήρως. Κάθε ερμηνευτής, χορογράφος, σκηνοθέτης φέρνει κάτι σε αυτούς συνέχεια. Η δημοτικότητα του χορού εξασφαλίζεται από την παράσταση μεγάλου αριθμού ομάδων και μεμονωμένων χορευτών. Οι επαγγελματίες και οι χορευτές του δρόμου είχαν τεράστια επιρροή στη διαμόρφωση πολλών στυλ. Μοντέρνος χορός- Αυτός δεν είναι μόνο ένας μοντέρνος χορός, αλλά και ένας χορός δρόμου.
Ο σύγχρονος χορός είναι συνώνυμος με την έκφραση - " λαϊκός χορός», «ποπ χορός». Ο σύγχρονος χορός μπορεί να είναι ποπ, αλλά ο ποπ χορός δεν είναι πάντα μοντέρνος.
Ο όρος «ποπ χορός» είναι προϊόν της κοσμικής ιστορίας της τέχνης και αντικατοπτρίζει, πρώτα απ' όλα, το μέρος όπου εισέρχεται ο ερμηνευτής. Δηλαδή όχι θεατρική σκηνή, αλλά χώρος βαριετέ ή αίθουσα συναυλιών. Η έννοια του «ποπ χορού» περιλαμβάνει επίσης σχηματοποιήσεις λαϊκών χορών, αθλητικό χορό, ημι-κλασικοί, χοροί στα στυλ της καθημερινής χορογραφίας, βήμα, αυτή τη στιγμή στη σκηνή βλέπουμε πάρα πολλές παραγωγές που εκτελούνται με τα μέσα του τζαζ χορού ή του σύγχρονου χορού. Έτσι, η έννοια του «ποπ χορού» ενώνει πολλούς τομείς της χορογραφικής τέχνης. Ωστόσο, επί του παρόντος, πολλά πανεπιστήμια και ινστιτούτα πολιτισμού και τέχνης διαθέτουν τμήματα «ποπ» χορού. Δυστυχώς, δεν μπορεί να γίνει τίποτα για αυτήν την ορολογική σύγχυση.
Συνοψίζοντας, υπάρχουν επί του παρόντος 4 κύρια ΣΥΣΤΗΜΑΤΑ χορού. κλασικός χορός, σύγχρονος χορός τζαζ, μοντέρνος χορός και λαϊκός χορός. Αυτές είναι οι περιοχές του χορού που έχουν τη δική τους ιστορία, τη δική τους σχολή, το δικό τους σύστημα εκπαίδευσης των καλλιτεχνών, το δικό τους λεξιλόγιο.
Παράλληλα υπάρχουν και αναπτύσσονται κατευθύνσεις χορευτικής τέχνης. Αυτά περιλαμβάνουν χορό στην αίθουσα χορού, χορό βήμα, φλαμένκο, κοινωνικό ή καθημερινό χορό.
Ωστόσο, σε τα τελευταία χρόνιαΥπάρχουν όλο και περισσότερες μικτές τεχνικές χορού που συνδυάζουν όλα τα κύρια συστήματα. Οι χορογράφοι στις παραγωγές τους προσπαθούν να βρουν, πρώτα απ 'όλα, κάτι νέο και ασυνήθιστο, ανεξάρτητα από τη λεξιλογική τους σχέση. Ένας χορογράφος σκέφτεται με κίνηση, και εφόσον οι επαγγελματίες χορογράφοι κατακτούν πολλές τεχνικές χορού, η διαδικασία του δανεισμού και του συνδυασμού είναι αναπόφευκτη. Και τα τελευταία χρόνια εμφανίστηκε ένας όρος - ΣΥΓΧΡΟΝΟΣ ΧΟΡΟΣ, μια χορευτική κατεύθυνση που δεν μπορεί να αποδοθεί σε κανένα ύφος ή σύστημα. Και αυτό φυσική διαδικασίαολοκλήρωση.