Ανταποκριτής στο Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Μπολσόι της Λευκορωσίας Naviny . με Έμαθα από πρώτο χέρι τι φορούν οι χορευτές μπαλέτου κάτω από το καλσόν και γιατί πιστεύεται ότι πολλοί από αυτούς είναι γκέι.Διαβάστε για την εγκυμοσύνη των μπαλαρινών και μια μέρα άδεια την εβδομάδα στα 10 δεδομένα μας.
Για να καταλάβουμε ποιες φήμες για το μπαλέτο της Λευκορωσίας είναι αληθινές και ποιες είναι καθαρή μυθοπλασία, ας αφήσουμε τον ανταποκριτή Naviny. μεβοήθησε καλλιτέχνης του θεάτρου Γκενάντι Κουλίνκοβιτςμε βοηθούς μπαλαρίνας.
1. Είναι οι χορευτές μπαλέτου εύθραυστοι και χνουδωτές;
Ακρόαση: Κατά τη διάρκεια μιας παράστασης, ένας χορευτής μπαλέτου σηκώνει και μεταφέρει περίπου 2 τόνους βάρους.
Είναι αλήθεια: Φυσική άσκησηπολύ μεγάλο. Στη σκηνή - εξαρτάται φυσικά από την παραγωγή - ένας χορευτής μπαλέτου, ένας άντρας σηκώνει τη μπαλαρίνα πολλές φορές. Στις σύγχρονες παραγωγές το μόνο που κάνεις είναι να σηκώνεις και να στήνεις, να σηκώνεις και να σετάρεις, να σηκώνεις, να κυκλώνεις, να σετάρεις. Εάν μετρήσετε τον αριθμό των ανελκυστήρων, τότε ναι, δύο τόνοι είναι πραγματικός αριθμός.
Επιπλέον, οι χορευτές μπαλέτου κάνουν πολλές πρόβες και προπονούνται. Είναι και αυτό ένα βάρος. Έχουμε πρόβες κάθε μέρα, εκτός από το ρεπό που είναι μια φορά την εβδομάδα. Συν παραστάσεις.
2. Οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά
Ακρόαση: Λόγω μεγάλου φόρτου εργασίας και συνεχών δίαιτων, οι χορευτές μπαλέτου αρρωσταίνουν πιο συχνά από άλλους.
Είναι αλήθεια:Οι αίθουσες προβών μπαλέτου του θεάτρου Μπολσόι της Λευκορωσίας είναι εξοπλισμένες με βακτηριοκτόνες λάμπες, όπως σε νοσοκομείο. Το χειμώνα που αρχίζει η γρίπη και εμφανίζονται άλλες ιώσεις, τότε μεμονωμένος υπάλληλοςανάβει αυτές τις λάμπες για μισή ώρα για να απολυμάνει το δωμάτιο. Αυτό είναι πολύ σημαντικό για να μην εξαπλωθούν οι ασθένειες: όλοι εργαζόμαστε σε στενή επαφή, προπονούμαστε και κάνουμε πρόβες για πολλές ώρες. Αν κάποιος έφερε μια ασθένεια, τότε αυτή εξουδετερώνεται.
3. Επαγγελματικές ασθένειες στο μπαλέτο
Ακρόαση: Τα πόδια είναι η πιο επώδυνη θέση στο σώμα ενός χορευτή.
Είναι αλήθεια:Αυτό είναι εν μέρει αλήθεια. Οι επαγγελματικές ασθένειες των χορευτών είναι παθήσεις των αρθρώσεων. Οι χορευτές μπαλέτου έχουν προεξέχοντα οστά στα μεγάλα δάχτυλα των ποδιών τους, οι αρθρώσεις τους φλεγμονώνονται και φυσικά πονάνε. Οι γυναίκες έχουν επίσης αυτή την ασθένεια, αλλά προκαλείται από άβολα, στενά παπούτσια που παραμορφώνουν το πόδι. Για τους μπαλέτους, υπάρχει συνεχές άγχος στα δάχτυλα των ποδιών και στο μπροστινό μέρος του ποδιού: πολλές κινήσεις στο μπαλέτο εκτελούνται στα δάχτυλα των ποδιών.
Η δεύτερη κοινή κατηγορία προβλημάτων υγείας είναι η πρόπτωση εσωτερικών οργάνων από συνεχή άλμα. Όλα είναι ατομικά, αλλά συχνά τα νεφρά, η καρδιά και άλλα εσωτερικά όργανα, που στη συνέχεια ασκούν πίεση στην ουροδόχο κύστη.
4. Νέοι συνταξιούχοι
Ακρόαση: Κάποιοι πιστεύουν ότι οι μπαλαρίνες αποσύρονται πολύ νωρίς.
Είναι αλήθεια.Σύμφωνα με το νόμο, οι χορευτές μπαλέτου συνταξιοδοτούνται μετά από 23 χρόνια εργασιακής εμπειρίας. Ο χρόνος άδειας μητρότητας δεν υπολογίζεται στον χρόνο υπηρεσίας. Ως αποτέλεσμα, οι χορευτές μπαλέτου γίνονται νέοι συνταξιούχοι. Ωστόσο, πολλοί από αυτούς στην πραγματικότητα δεν συνταξιοδοτούνται: ανάλογα με την κατάσταση της υγείας τους, οι συνταξιούχοι χορευτές εργάζονται ως δάσκαλοι, δάσκαλοι, υπεύθυνοι σκηνής, σκηνοθέτες, ενδυματολόγοι κ.λπ.
Στον συνομιλητή Naviny. μεΟ Γκενάντι Κουλίνκοβιτς έχει δύο χρόνια μέχρι τη σύνταξη. Στο μέλλον, η χορεύτρια σχεδιάζει να ασχοληθεί και με τη διδασκαλία.
5. Μη φυσιολογική λειτουργία
Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες του θεάτρου μπαλέτου έχουν δύο μέρες άδεια την εβδομάδα, όπως και οι απλοί πολίτες
Είναι αλήθεια.Οι χορευτές μπαλέτου εργάζονται 6 ημέρες την εβδομάδα. Υπάρχει μόνο μία μέρα άδεια - Δευτέρα. Κατά τη διάρκεια του καλοκαιριού, λόγω του γεγονότος ότι οι θεατές μεταναστεύουν σε ντάκες και στη θάλασσα, η ημέρα άδειας στο Θέατρο Μπολσόι μεταφέρεται για το Σάββατο. Το γυναικείο μέρος του θιάσου είναι χαρούμενο για αυτό: επιτέλους υπάρχει η ευκαιρία να περάσουν χρόνο με την οικογένειά τους. Οι άντρες γκρινιάζουν: όταν η Δευτέρα είναι ρεπό, μπορείς τουλάχιστον να χαλαρώσεις και να μην κάνεις δουλειές του σπιτιού.
Η εργάσιμη ημέρα των δεξιοτεχνών του μπαλέτου είναι επίσης αφύσικη στην κατανόηση φυσιολογικό άτομο: από τις 10:00 έως τις 15:00, μετά τρίωρο διάλειμμα, μετά το διάλειμμα, οι εργασίες συνεχίζονται στις 18:00 λόγω βραδινών παραστάσεων. Η επίσημη εργάσιμη ημέρα για τους εργάτες του μπαλέτου λήγει στις 21:00.
Ένα μεγάλο διάλειμμα είναι απαραίτητο ώστε μετά πρωινές προπονήσειςκαι τις πρόβες, το σώμα είχε χρόνο να ξεκουραστεί και να αναρρώσει πριν από τη βραδινή δουλειά.
Αυτό είναι βολικό για τους νεαρούς χορευτές: μπορούν να μελετήσουν κατά τη διάρκεια του διαλείμματος. Ο Gennady Kullinkovich, για παράδειγμα, έλαβε μια ανώτερη χορογραφική εκπαίδευση με αυτόν τον τρόπο. Τώρα όμως βλέπει λίγα πλεονεκτήματα σε αυτό το πρόγραμμα.
«Με ένα τέτοιο πρόγραμμα είναι πολύ δύσκολο να κανονίσεις μια προσωπική ζωή. Κοιτάξτε με: 38 χρονών, χωρίς οικογένεια, χωρίς παιδιά. Όλη μου η ζωή είναι στο θέατρο».- λέει ο Γκενάντι.
6. Είναι ασυμβίβαστο το μπαλέτο και τα παιδιά;
Ακρόαση: Λόγω απαιτήσεων εμφάνισης, οι μπαλαρίνες πρέπει να εγκαταλείψουν τη μητρότητα.
Είναι αλήθεια: Το να έχουν οικογένεια και παιδιά στο απόγειο της καριέρας τους είναι πράγματι πιο δύσκολο για τους χορευτές μπαλέτου παρά για τους εκπροσώπους άλλων επαγγελμάτων: τόσο το πρόγραμμα εργασίας όσο και το γεγονός ότι η αποκατάσταση του σχήματος μετά τον τοκετό απαιτεί χρόνο και προσπάθεια. Τα κορίτσια λοιπόν χρησιμοποιούν δύο στρατηγικές: είτε να δημιουργήσουν οικογένεια και παιδιά αμέσως μετά το κολέγιο/πανεπιστήμιο, είτε να το αναβάλουν μέχρι να συνταξιοδοτηθούν.
Παρά τις δυσμενείς συνθήκες, υπάρχουν μπαλαρίνες στο Θέατρο Μπολσόι της Λευκορωσίας που έχουν δύο, και μερικές ακόμη και τρία, παιδιά.
«Εμείς, όπως οι γιατροί και οι δάσκαλοι, συνδυάζουμε δουλειά και εγκυμοσύνη. Σχεδιάζουμε, πηγαίνουμε άδεια μητρότητας, αναρρώνουμε και συνεχίζουμε να εργαζόμαστε. Αυτό είναι θέμα για κάθε καλλιτέχνη ξεχωριστά, αλλά κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης, όσο πιο γρήγορα αφήσετε τον χορό, τόσο το καλύτερο για εσάς και το αγέννητο παιδί σας. Αυτό συνδέεται με κινδύνους: εδώ πρέπει να λυγίσεις, να πηδήξεις, να πέσεις και να πληγωθείς».- είπε δικτυακός τόποςμπαλαρίνες των Μπολσόι.
«Είμαστε οι καλύτερες μητέρες, σύζυγοι και ξέρουμε επίσης πώς να χορεύουμε και να πατάμε στις μύτες των ποδιών στην κουζίνα».- αστειεύονται οι μπαλαρίνες απαντώντας σε μια ερώτηση σχετικά με τις ιδιαιτερότητες της οικογενειακής ζωής.
7. Αν χορεύει στο μπαλέτο, αυτό σημαίνει ότι είναι γκέι.
Ακρόαση: Υπάρχουν πολλοί γκέι ανάμεσα στους χορευτές μπαλέτου.
Είναι αλήθεια: Αυτό είναι ένα κοινό στερεότυπο, λέει ο χορευτής μπαλέτου Gennady Kullinkovich. Δεν αντιδρούμε πλέον σε αυτό. Αυτό λένε για όλους τους άντρες που χορεύουν. Γεννιέται από μια παρεξήγηση εκ μέρους του θεατή: πώς μπορούν οι άντρες να μένουν αδιάφοροι και ήρεμοι περιτριγυρισμένοι από τόση ομορφιά και γυμνό. Οι θεατές βρίσκονται συχνά στα παρασκήνια, και οι άντρες σοκάρονται: εδώ όλοι αλλάζουν ρούχα, τα οικεία μέρη του σώματός τους είναι μακριά... Αλλά το έχουμε ήδη συνηθίσει και αντιδρούμε σαν να είναι κάτι φυσιολογικό. Έτσι ο θεατής πιστεύει ότι οι άνδρες του μπαλέτου είναι ομοφυλόφιλοι.
8. Τι φοράει ένας χορευτής κάτω από το καλσόν του;
Ακρόαση: Οι χορευτές δεν φορούν εσώρουχα.
Φωτογραφία pixabay.com
Είναι αλήθεια: Γίνεται περισσότερος λόγος για τα εσώρουχα των ανδρών καλλιτεχνών παρά για τα εσώρουχα των μπαλαρινών: ο θεατής κάτω από ένα ασπρόμαυρο καλσόν, προς έκπληξή του, δεν βλέπει τα αναμενόμενα περιγράμματα του εσώρουχου.
Ο Gennady Kulinkovich είπε ότι οι χορευτές έχουν τα δικά τους μυστικά. Οι κατασκευαστές ενδυμάτων χορού ανταποκρίνονται στις προσδοκίες των καλλιτεχνών και παράγουν απρόσκοπτα μοντέλα ειδικών εσωρούχων που είναι αόρατα κάτω από το κοστούμι - επιδέσμους. Ένα κατάστημα που βρίσκεται κοντά στο Μπολσόι πουλάει ειδικά ρούχα για χορευτές.
9. Κρέας σε παπούτσια πουέντ
Ακρόαση: Οι μπαλαρίνες βάζουν κρέας στα πουέντ παπούτσια τους για να μειώσουν τον τραυματισμό στα πόδια τους.
Είναι αλήθεια: Δεν περιλαμβάνεται κρέας. Υπάρχουν περισσότερα σύγχρονες μεθόδουςπροστασία ποδιών. Οι εταιρείες μπαλέτου παράγουν ειδικά μισά παπούτσια που καλύπτουν μόνο τα δάχτυλα των ποδιών. Είναι σιλικόνη. Μερικοί άνθρωποι δεν προσθέτουν τίποτα - είναι ήδη βολικό για αυτούς. Τα ένθετα σιλικόνης για παπούτσια pointe δεν παράγονται στη Λευκορωσία, κατασκευάζονται στις ΗΠΑ, την Κίνα και τη Ρωσία.
Φωτογραφία pixabay.com
Κατά τη διάρκεια ενός έτους, μια μπαλαρίνα φοράει 5-10 ζευγάρια παπούτσια πουέντ, ανάλογα με το φορτίο. Μερικοί καλλιτέχνες έχουν τη δική τους διάρκεια - τρισδιάστατα αντίγραφα ποδιών που κατασκευάζονται από μάστερ, από τα οποία κατασκευάζονται παπούτσια πουέντ κατά παραγγελία.
10. Ο χορός πληρώνει καλά.
Ακρόαση: Οι καλλιτέχνες κερδίζουν πολλά.
Είναι αλήθεια: Όλα είναι σχετικά. Τα κέρδη των χορευτών μπαλέτου εξαρτώνται από τη θέση τους στον θίασο: κορυφαίος σκηνοθέτης, σολίστ ή χορευτής μπαλέτου. Ο αριθμός των σκηνών που δουλεύτηκαν σε παραγωγές επηρεάζει επίσης. Για κάθε παράσταση απονέμονται βαθμοί, οι οποίοι τηρούνται από ειδικό θεατρικό υπάλληλο. Ο αριθμός των πόντων για κάθε χορό είναι διαφορετικός, τυπικός για όλους τους καλλιτέχνες, εξαρτάται από την πολυπλοκότητα και τη διάρκεια της παράστασης. Το ποσό των πόντων που λαμβάνετε επηρεάζει το μπόνους. Έτσι, ο μισθός ενός χορευτή μπαλέτου είναι περίπου 120 ρούβλια και το μπόνους που απονέμεται για παραστάσεις μπορεί να το υπερβεί αρκετές φορές.
Φωτογραφία του Sergei Balay
Το στυλ χορού αυτής της μπαλαρίνας δεν μπορεί να συγχέεται με κανέναν άλλο. Μια καθαρή, προσεκτικά ακονισμένη χειρονομία, μετρημένη κίνηση γύρω από τη σκηνή, ο απόλυτος λακωνισμός κοστουμιών και κινήσεων - αυτά είναι τα χαρακτηριστικά που διακρίνουν αμέσως τη Μ. Πλισέτσκαγια.
Αφού αποφοίτησε από τη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας, όπου η Plisetskaya σπούδασε με δασκάλους E. P. Gerdt και M. M. Leontyeva, από το 1943 εργάστηκε στο Θέατρο Μπολσόι. Από την αρχή δημιουργική διαδρομήΑναδείχθηκε η ιδιαίτερη καλλιτεχνική ατομικότητα της Plisetskaya. Το έργο της διακρίνεται από έναν σπάνιο συνδυασμό καθαρότητας γραμμής με επιβλητική έκφραση και επαναστατική δυναμική του χορού. Και τα εξαιρετικά εξωτερικά χαρακτηριστικά της - ένα μακρύ βήμα, ένα ψηλό, ελαφρύ άλμα, γρήγορες περιστροφές, ασυνήθιστα ευέλικτα, εκφραστικά χέρια και η καλύτερη μουσικότητα - επιβεβαιώνουν για άλλη μια φορά ότι η Plisetskaya όχι μόνο έγινε μπαλαρίνα, αλλά γεννήθηκε.
Άννα Παβλόβνα Πάβλοβα(12 Φεβρουαρίου 1881 – 23 Ιανουαρίου 1931), Ρωσίδα μπαλαρίνα.
Η τέχνη της Πάβλοβα είναι ένα μοναδικό φαινόμενο στην ιστορία του παγκόσμιου μπαλέτου. Για πρώτη φορά μετέτρεψε τον ακαδημαϊκό χορό μαζική εμφάνισητέχνη, κοντινή και κατανοητή ακόμα και στο πιο απροετοίμαστο κοινό.
Οι θρύλοι τυλίγουν ολόκληρη τη ζωή της από τη γέννηση μέχρι το θάνατο. Σύμφωνα με τα έγγραφα, ο πατέρας της ήταν στρατιώτης του Συντάγματος των Life Guards Preobrazhensky. Ωστόσο, ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής της μπαλαρίνας, οι εφημερίδες έγραψαν για την αριστοκρατική καταγωγή της.
Γκαλίνα Σεργκέεβνα
Ουλανόβα(8 Ιανουαρίου 1910 – 21 Μαρτίου 1998), Ρωσίδα μπαλαρίνα.
Το έργο της Ουλανόβα αποτέλεσε μια ολόκληρη εποχή στην ιστορία του παγκόσμιου μπαλέτου. Δεν χαιρόταν μόνο με τη φιλιγκράν τέχνη του χορού, αλλά και με κάθε κίνηση που μετέφερε Κατάσταση μυαλούτης ηρωίδας σου, της διάθεσης και του χαρακτήρα της.
Η μελλοντική μπαλαρίνα γεννήθηκε σε μια οικογένεια όπου ο χορός ήταν επάγγελμα. Ο πατέρας της ήταν διάσημος χορευτήςκαι χορογράφος, και η μητέρα του ήταν μπαλαρίνα και δασκάλα. Ως εκ τούτου, η εισαγωγή της Ulanova στη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ ήταν απολύτως φυσική. Στην αρχή σπούδασε με τη μητέρα της και στη συνέχεια η διάσημη μπαλαρίνα A. Vaganova έγινε δασκάλα της.
Το 1928, η Ulanova αποφοίτησε έξοχα από το κολέγιο και έγινε δεκτός στο θίασο του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ. Σύντομα γίνεται η κορυφαία ερμηνεύτρια των ρόλων του κλασικού ρεπερτορίου - στα μπαλέτα του P. Tchaikovsky " Λίμνη των κύκνων» και «Ο Καρυοθραύστης», ο Α. Άνταμ «Ζιζέλ» και άλλοι. Το 1944 έγινε σολίστ στο Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας.
Μάριους Ιβάνοβιτς Πετίπα(11 Μαρτίου 1818 - 14 Ιουλίου 1910), Ρώσος καλλιτέχνης, χορογράφος.
Το όνομα του Marius Petipa είναι γνωστό σε όλους όσοι είναι έστω και λίγο εξοικειωμένοι με την ιστορία του μπαλέτου. Όπου σήμερα υπάρχουν θέατρα μπαλέτου και σχολεία, όπου προβάλλονται ταινίες και τηλεοπτικά προγράμματα αφιερωμένα στο μπαλέτο, εκδίδονται βιβλία για αυτό καταπληκτική τέχνη, γνωρίστε και τιμήστε αυτό το άτομο. Αν και γεννήθηκε στη Γαλλία, εργάστηκε όλη του τη ζωή στη Ρωσία και είναι ένας από τους ιδρυτές του σύγχρονου μπαλέτου.
Ο Petipa παραδέχτηκε κάποτε ότι από τη γέννησή του ολόκληρη η ζωή του ήταν συνδεδεμένη με τη σκηνή. Πράγματι, ο πατέρας και η μητέρα του ήταν διάσημους καλλιτέχνεςμπαλέτο και ζούσε στο μεγάλο λιμάνι της Μασσαλίας. Αλλά η παιδική ηλικία του Marius δεν πέρασε στη νότια Γαλλία, αλλά στις Βρυξέλλες, όπου η οικογένεια μετακόμισε αμέσως μετά τη γέννησή του σε σχέση με το νέο ραντεβού του πατέρα του.
Οι μουσικές ικανότητες του Marius έγιναν αντιληπτές πολύ νωρίς και στάλθηκε αμέσως στο Great College και το Conservatory για να σπουδάσει βιολί. Όμως ο πρώτος του δάσκαλος ήταν ο πατέρας του, ο οποίος δίδασκε ένα μάθημα μπαλέτου στο θέατρο. Στις Βρυξέλλες, η Petipa εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη σκηνή ως χορεύτρια.
Ήταν μόλις δώδεκα χρονών εκείνη την εποχή. Και ήδη στα δεκαέξι του έγινε χορευτής και χορογράφος στη Νάντη. Είναι αλήθεια ότι εργάστηκε εκεί μόνο για ένα χρόνο και στη συνέχεια, μαζί με τον πατέρα του, πήγε στην πρώτη του περιοδεία στο εξωτερικό στη Νέα Υόρκη. Όμως, παρά την καθαρά εμπορική επιτυχία που τους συνόδευε, έφυγαν γρήγορα από την Αμερική, συνειδητοποιώντας ότι δεν υπήρχε κανείς εκεί να εκτιμήσει την τέχνη τους.
Επιστρέφοντας στη Γαλλία, ο Petipa συνειδητοποίησε ότι έπρεπε να λάβει βαθύτερη εκπαίδευση και έγινε μαθητής του διάσημου χορογράφου Vestris. Τα μαθήματα απέδωσαν γρήγορα αποτελέσματα: σε μόλις δύο μήνες έγινε χορευτής και αργότερα χορογράφος στο θέατρο μπαλέτου του Μπορντό.
Σεργκέι Παβλόβιτς Ντιαγκίλεφ(31 Μαρτίου 1872 - 19 Αυγούστου 1929), Ρωσική θεατρική προσωπικότητα, ιμπρεσάριος, εκδότης.
Ο Ντιάγκιλεφ δεν γνώριζε τη μητέρα του, πέθανε κατά τη διάρκεια του τοκετού. Τον μεγάλωσε η μητριά του, η οποία του αντιμετώπιζε το ίδιο με τα δικά της παιδιά. Ως εκ τούτου, για τον Diaghilev, ο θάνατος του ετεροθαλή αδερφού του Σοβιετική εποχήέγινε πραγματική τραγωδία. Ίσως γι' αυτό σταμάτησε να προσπαθεί να επιστρέψει στην πατρίδα του.
Ο πατέρας του Ντιαγκίλεφ ήταν κληρονομικός ευγενής, φρουρός ιππικού. Αλλά λόγω χρεών, αναγκάστηκε να εγκαταλείψει το στρατό και να εγκατασταθεί στο Περμ, που θεωρούνταν εκείνη την εποχή Ρωσική αυλή. Το σπίτι του γίνεται σχεδόν αμέσως το κέντρο πολιτιστική ζωήπόλεις. Οι γονείς έπαιζαν συχνά μουσική και τραγουδούσαν στις βραδιές που γίνονταν στο σπίτι τους. Ο γιος τους έκανε και μαθήματα μουσικής. Ο Σεργκέι έλαβε τόσο ποικιλόμορφη εκπαίδευση που όταν τελείωσε στην Αγία Πετρούπολη μετά την αποφοίτησή του από το γυμνάσιο, δεν ήταν σε καμία περίπτωση κατώτερος σε γνώσεις από τους συνομηλίκους του στην Αγία Πετρούπολη και μερικές φορές τους ξεπερνούσε ακόμη και ως προς την πολυμάθεια και τη γνώση της ιστορίας και των ρωσικών Πολιτισμός.
Η εμφάνιση του Ντιάγκιλεφ αποδείχτηκε απατηλή: ο μεγαλόσωμος επαρχιώτης, που φαινόταν σαν τσαμπουκάς, ήταν αρκετά διαβασμένος και μιλούσε άπταιστα πολλές γλώσσες. Μπήκε εύκολα στο πανεπιστημιακό περιβάλλον και άρχισε να καταγράφεται ως φοιτητής στη Νομική Σχολή του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης.
Παράλληλα, βυθίστηκε στο θεατρικό και μουσική ζωήπρωτεύουσες. Ο νεαρός κάνει ιδιαίτερα μαθήματα πιάνου από τον Ιταλό A. Cotogna, παρακολουθεί ένα μάθημα στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης, προσπαθεί να συνθέσει μουσική και μελετά ιστορία καλλιτεχνικά στυλ. Στις διακοπές, ο Ντιαγκίλεφ έκανε το πρώτο του ταξίδι στην Ευρώπη. Φαίνεται να αναζητά την κλήση του, στρέφοντας προς διάφορες περιοχέςτέχνη. Μεταξύ των φίλων του είναι οι L. Bakst, E. Lanseray, K. Somov - ο μελλοντικός πυρήνας της ένωσης World of Art.
Βάσλαβ Φόμιτς Νιζίνσκι(12 Μαρτίου 1890 – 8 Απριλίου 1950), Ρώσος χορευτής και χορογράφος.
Στη δεκαετία του 1880, ένας θίασος Πολωνών χορευτών εμφανίστηκε με επιτυχία στη Ρωσία. Στελεχώθηκε από σύζυγο - Tomasz και Eleanor Nijinsky. Έγιναν γονείς του μελλοντικού μεγάλου χορευτή. Το θέατρο και ο χορός μπήκαν στη ζωή του Βάτσλαβ από τους πρώτους μήνες της ζωής του. Όπως έγραψε αργότερα ο ίδιος, «η επιθυμία να χορέψω ήταν τόσο φυσική για μένα όσο και η αναπνοή».
Το 1898 μπήκε στη Σχολή Μπαλέτου της Αγίας Πετρούπολης, αποφοίτησε το 1907 και έγινε δεκτός στο θέατρο Μαριίνσκι. Το εξαιρετικό ταλέντο ενός χορευτή και ηθοποιού έφερε αμέσως τον Nijinsky στη θέση του πρωθυπουργού. Έπαιξε πολλά μέρη του ακαδημαϊκού ρεπερτορίου και ήταν συνεργάτης λαμπρών μπαλαρινών όπως οι O. I. Preobrazhenskaya, A. P. Pavlova,.
Ήδη σε ηλικία 18 ετών, ο Nijinsky χόρεψε τους κύριους ρόλους σχεδόν σε όλα τα νέα μπαλέτα που ανέβηκαν στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky. Το 1907 χόρεψε το White Slave στο περίπτερο της Armida, το 1908 το Slave in Egyptian Nights και το Young Man in Chopiniana σε σκηνή του M. M. Fokine και ένα χρόνο αργότερα ερμήνευσε τον ρόλο του Hurricane στο μπαλέτο Talisman του Drigo σε σκηνοθεσία N. G. Legat.
Κι όμως, το 1911, ο Νιζίνσκι απολύθηκε από το Θέατρο Μαριίνσκι επειδή, ενώ έπαιζε στο μπαλέτο «Ζιζέλ», έβαλε οικειοθελώς ένα νέο κοστούμι φτιαγμένο σύμφωνα με ένα σκίτσο του Α. Ν. Μπενουά. Εμφανιζόμενος στη σκηνή ημίγυμνος, ο ηθοποιός εκνεύρισε τα μέλη της βασιλικής οικογένειας που κάθονταν στα κουτιά. Ακόμη και το γεγονός ότι εκείνη τη στιγμή ήταν ένας από τους πιο διάσημους χορευτές του ρωσικού μπαλέτου δεν μπορούσε να τον προστατεύσει από την απόλυση.
Ekaterina Sergeevna Maksimova(1 Φεβρουαρίου 1939 - 28 Απριλίου 2009), Ρωσίδα Σοβιετική και Ρωσίδα μπαλαρίνα, χορογράφος, χορογράφος, δάσκαλος, Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ.
Αυτή η μοναδική μπαλαρίνα δεν έχει φύγει από τη σκηνή εδώ και τριάντα πέντε χρόνια. Ωστόσο, η Maksimova εξακολουθεί να συνδέεται με το μπαλέτο σήμερα, καθώς είναι δασκάλα και δασκάλα στο θέατρο μπαλέτου του Κρεμλίνου.
Η Ekaterina Maksimova έλαβε ειδική εκπαίδευσηστη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας, όπου δάσκαλός της ήταν ο περίφημος E. P. Gerdt. Ενώ ήταν ακόμη μαθητής, η Maksimova έλαβε το πρώτο βραβείο στον Διαγωνισμό Μπαλέτου All-Union στη Μόσχα το 1957.
Ξεκίνησε την υπηρεσία της στην τέχνη το 1958. Μετά την αποφοίτησή της από το κολέγιο, η νεαρή μπαλαρίνα ήρθε στο μυαλό Μεγάλο Θέατροκαι εργάστηκε εκεί μέχρι το 1988. Μικρό ανάστημα, τέλειες αναλογίες και εκπληκτικά ευέλικτο, φαινόταν ότι η ίδια η φύση προοριζόταν για κλασικούς ρόλους. Αλλά σύντομα έγινε φανερό ότι οι δυνατότητές της ήταν πραγματικά απεριόριστες: ερμήνευσε τόσο κλασικούς όσο και μοντέρνους ρόλους με την ίδια λαμπρότητα.
Το μυστικό της επιτυχίας της Maximova είναι ότι συνέχισε να μελετά όλη της τη ζωή. Η διάσημη μπαλαρίνα G. Ulanova της μετέφερε την πλούσια εμπειρία της. Ήταν από αυτήν που η νεαρή ηθοποιός μπαλέτου υιοθέτησε την τέχνη του δραματικού χορού. Δεν είναι τυχαίο ότι, σε αντίθεση με πολλούς ηθοποιούς μπαλέτου, έπαιξε ολόκληρη γραμμήρόλους σε τηλεοπτικές παραστάσεις μπαλέτου. Το ασυνήθιστα εκφραστικό πρόσωπο της Maximova με τα μεγάλα μάτια αντανακλούσε τις πιο λεπτές αποχρώσεις κατά την εκτέλεση κωμικών, λυρικών και δραματικούς ρόλους. Επιπλέον, ερμήνευσε έξοχα όχι μόνο γυναικείους, αλλά και ανδρικούς ρόλους, όπως, για παράδειγμα, στην παράσταση μπαλέτου "Chapliniana".
Σεργκέι Μιχαήλοβιτς Λίφαρ(2 (15 Απριλίου), 1905 - 15 Δεκεμβρίου 1986), Ρώσος και Γάλλος χορευτής, χορογράφος, δάσκαλος, συλλέκτης και καλλιτέχνης.
Ο Σεργκέι Λιφάρ γεννήθηκε στο Κίεβο στην οικογένεια ενός εξέχοντος αξιωματούχου, η μητέρα του προερχόταν από την οικογένεια του διάσημου εμπόρου σιτηρών Marchenko. Έλαβε την πρωτοβάθμια εκπαίδευση στο ιδιαίτερη πατρίδα, έχοντας εισέλθει στο Αυτοκρατορικό Λύκειο του Κιέβου το 1914, όπου έλαβε την απαραίτητη εκπαίδευση για έναν μελλοντικό αξιωματικό.
Παράλληλα, από το 1913 έως το 1919, ο Lifar παρακολούθησε μαθήματα πιάνου στο Ωδείο Taras Shevchenko. Αφού αποφάσισε να αφιερώσει τη ζωή του στο μπαλέτο, μπήκε στο δημόσιο σχολείοτέχνες (μάθημα χορού) στην Όπερα του Κιέβου και έλαβε τα βασικά της χορογραφικής εκπαίδευσης στο στούντιο της B. Nijinska.
Το 1923, μετά από σύσταση του δασκάλου, μαζί με τέσσερις άλλους μαθητές του, ο Lifar προσκλήθηκε σε οντισιόν για τον θίασο Ρωσικού Μπαλέτου του S.P. Ντιαγκίλεφ. Ο Σεργκέι κατάφερε να περάσει τον ανταγωνισμό και να μπει στη διάσημη ομάδα. Από εκείνη την εποχή ξεκίνησε η δύσκολη διαδικασία να μετατραπεί ένας αρχάριος ερασιτέχνης σε επαγγελματία χορευτή. Ο Lifar παραχώρησε μαθήματα από τον διάσημο δάσκαλο E. Cecchetti.
Ταυτόχρονα, έμαθε πολλά από επαγγελματίες: μετά από όλα, οι καλύτεροι χορευτές στη Ρωσία ήρθαν παραδοσιακά στον θίασο του Diaghilev. Επιπλέον, χωρίς να έχει δικές του ιδέες, ο Diaghilev συγκέντρωσε προσεκτικά τα καλύτερα που υπήρχαν στη ρωσική χορογραφία, υποστήριξε την αναζήτηση για τον George Balanchine και τον Mikhail Fokine. Σκηνογραφία και θεατρικό σκηνικόαρραβωνιάστηκαν διάσημους καλλιτέχνεςΡωσία. Ως εκ τούτου, σταδιακά το Ρωσικό Μπαλέτο μετατράπηκε σε ένα από τις καλύτερες ομάδεςστον κόσμο.
Λίγα χρόνια μετά το θάνατο του Maris Liepa, αποφασίστηκε να απαθανατιστούν πέντε από τα σχέδιά του σε μορφή μετάλλων. Πραγματοποιήθηκαν υπό την καθοδήγηση Ιταλός κύριος D. Montebello στη Ρωσία και πωλούνται σε βραδιές μνήμης Liepa στη Μόσχα και στο Παρίσι. Είναι αλήθεια ότι η πρώτη κυκλοφορία ήταν μόνο εκατόν έως εκατόν πενήντα μετάλλια.
Μετά την αποφοίτησή του από τη Χορογραφική Σχολή της Ρίγας με τον V. Blinov, ο Maris Liepa ήρθε στη Μόσχα για να σπουδάσει επίσης στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας με τον N. Tarasov. Μετά την αποφοίτησή του το 1955, δεν επέστρεψε ποτέ στην ιστορική του πατρίδα και εργάστηκε στη Μόσχα σχεδόν όλη του τη ζωή. Εδώ έλαβε την αναγνώριση από τους θαυμαστές και τη φήμη του ως εξαιρετικός χορευτής μπαλέτου.
Αμέσως μετά την αποφοίτησή του από το κολέγιο, ο Maris Liepa εντάχθηκε στον θίασο του θεάτρου K. Stanislavsky, όπου χόρεψε τον ρόλο του Lionel στο μπαλέτο «Joan of Arc», Phoebus και Conrad. Ήδη σε αυτά τα παιχνίδια έδειξαν κύρια χαρακτηριστικάΤο ταλέντο του είναι ένας συνδυασμός εξαιρετικής τεχνικής με ζωηρή εκφραστικότητα κάθε κίνησης. Δουλειά νεαρός καλλιτέχνηςτράβηξε την προσοχή κορυφαίων ειδικών του μπαλέτου και από το 1960 ο Λιέπα έγινε μέλος της ομάδας του θεάτρου Μπολσόι.
Matilda Feliksovna Kshesinskaya(Maria-Matilda Adamovna-Feliksovna-Valerievna Krzesinska) (19 (31) Αυγούστου 1872 - 6 Δεκεμβρίου 1971), Ρωσίδα μπαλαρίνα.
Η Matilda Kshesinskaya ήταν μικροκαμωμένη, μόλις 1 μέτρο 53 εκατοστά ύψος και η μελλοντική μπαλαρίνα μπορούσε να καυχηθεί για τις καμπύλες της, σε αντίθεση με τις λεπτές φίλες της. Αλλά, παρά το ύψος της και το κάπως υπέρβαρο για το μπαλέτο, το όνομα της Kshesinskaya για πολλές δεκαετίες δεν άφησε τις σελίδες των κουτσομπολίστικων στηλών, όπου παρουσιάστηκε ανάμεσα στις ηρωίδες των σκανδάλων και των "famme fatales". Αυτή η μπαλαρίνα ήταν η ερωμένη του τελευταίου Ρώσου Τσάρου Νικολάου Β' (όταν ήταν ακόμη διάδοχος του θρόνου), καθώς και η σύζυγος του Μεγάλου Δούκα Αντρέι Βλαντιμίροβιτς. Μιλούσαν για αυτήν ως μια φανταστική ομορφιά, κι όμως ήταν ασυνήθιστα διαφορετική. όμορφη φιγούρα. Κάποτε ήταν η Kshesinskaya διάσημη μπαλαρίνα. Και παρόλο που το επίπεδο του ταλέντου ήταν πολύ κατώτερο από, ας πούμε, μια τέτοια σύγχρονη όπως η Άννα Πάβλοβα, πήρε ακόμα τη θέση της στη ρωσική τέχνη μπαλέτου.
Η Kshesinskaya γεννήθηκε σε ένα κληρονομικό καλλιτεχνικό περιβάλλον, το οποίο για αρκετές γενιές συνδέθηκε με το μπαλέτο. Ο πατέρας της Ματίλντα ήταν διάσημος χορευτής και κορυφαίος καλλιτέχνης στα αυτοκρατορικά θέατρα.
Ο πατέρας έγινε ο πρώτος δάσκαλος της μικρότερης κόρης του. Ακολουθώντας τη μεγαλύτερη αδερφή και τον αδελφό της, η Ματίλντα έγινε δεκτή στη χορογραφική σχολή, μετά την οποία ξεκίνησε η μακροχρόνια υπηρεσία της στα αυτοκρατορικά θέατρα.
Είναι ευάερα, λεπτά, ελαφριά. Ο χορός τους είναι μοναδικός. Ποιες είναι αυτές οι εξαιρετικές μπαλαρίνες του αιώνα μας;
Agrippina Vaganova (1879-1951)
Ένα από τα πιο σημαντικά χρόνια στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου είναι το 1738. Χάρη στην πρόταση του Γάλλου χορευτικού δάσκαλου Jean-Baptiste Lande και την έγκριση του Peter I, άνοιξε η πρώτη σχολή χορού μπαλέτου στη Ρωσία στην Αγία Πετρούπολη, που υπάρχει μέχρι σήμερα και ονομάζεται Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. ΚΑΙ ΕΓΩ. Βαγκάνοβα. Ήταν η Agrippina Vaganova που συστηματοποίησε τις παραδόσεις του κλασικού αυτοκρατορικού μπαλέτου στη σοβιετική εποχή. Το 1957, το όνομά της δόθηκε στη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ.
Μάγια Πλισέτσκαγια (1925)
Μια εξαιρετική χορεύτρια του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα, που έμεινε στην ιστορία του μπαλέτου με την εκπληκτική δημιουργική της μακροζωία, η Maya Mikhailovna Plisetskaya γεννήθηκε στις 20 Νοεμβρίου 1925 στη Μόσχα.
Τον Ιούνιο του 1934, η Μάγια μπήκε στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας, όπου σπούδασε με συνέπεια με τους δασκάλους E. I. Dolinskaya, E. P. Gerdt, M. M. Leontyeva, αλλά θεωρεί την Agrippina Yakovlevna Vaganova, την οποία γνώρισε ήδη στο Θέατρο Μπολσόι, την καλύτερη δασκάλα της, όπου και έγινε δεκτός την 1η Απριλίου 1943.
Η Μάγια Πλισέτσκαγια είναι σύμβολο του ρωσικού μπαλέτου. Έπαιξε έναν από τους κύριους ρόλους της ως Odette-Odile από τη Λίμνη των Κύκνων στις 27 Απριλίου 1947. Ήταν αυτό το μπαλέτο του Τσαϊκόφσκι που έγινε ο πυρήνας της βιογραφίας της.
Matilda Kshesinskaya (1872-1971)
Γεννήθηκε στην οικογένεια του χορευτή F.I Kshesinsky, Πολωνού στην εθνικότητα. Το 1890 αποφοίτησε από το τμήμα μπαλέτου της Θεατρικής Σχολής της Αγίας Πετρούπολης. Το 1890-1917 χόρεψε στο θέατρο Μαριίνσκι. Έγινε διάσημη στους ρόλους της Aurora (Η Ωραία Κοιμωμένη, 1893), της Εσμεράλντας (1899), της Τερέζας (Υπόλοιπο του Ιππικού) κ.λπ. Ο χορός της ξεχώριζε για τη λαμπερή καλλιτεχνία και το κέφι του. Στις αρχές του 1900 συμμετείχε στα μπαλέτα του M. M. Fokine: «Eunika», «Chopiniana», «Eros» και το 1911-1912 έπαιξε στο θίασο του ρωσικού μπαλέτου Diaghilev.
Άννα Πάβλοβα (1881-1931)
Γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη. Μετά την αποφοίτησή της από τη Θεατρική Σχολή της Αγίας Πετρούπολης, το 1899 έγινε δεκτή στον θίασο του θεάτρου Μαριίνσκι. Χόρεψε το μέρος κλασικά μπαλέτα«Ο Καρυοθραύστης», «Το Μικρό Αλογάκι», «Raymonda», «La Bayadère», «Giselle». Οι φυσικές ικανότητες και η συνεχής βελτίωση των δεξιοτήτων εκτέλεσης βοήθησαν την Πάβλοβα να γίνει η κορυφαία χορεύτρια του θιάσου το 1906.
Η Πάβλοβα είχε τεράστια επιρροή στον εντοπισμό νέων ευκαιριών στο ερμηνευτικό στυλ της Πάβλοβα. συνεργασίαμε καινοτόμους χορογράφους A. Gorsky και, ιδιαίτερα, M. Fokin. Η Πάβλοβα ερμήνευσε τους κύριους ρόλους στα μπαλέτα του Φόκινε Σοπινιάνα, Το περίπτερο της Αρμίδας, Αιγυπτιακές νύχτες κ.λπ. ), που αργότερα έγινε ποιητικό σύμβολο του ρωσικού μπαλέτου του 20ού αιώνα.
Σβετλάνα Ζαχάροβα (1979)
Η Σβετλάνα Ζαχάροβα γεννήθηκε στο Λούτσκ της Ουκρανίας στις 10 Ιουνίου 1979. Σε ηλικία έξι ετών, η μητέρα της την πήγε σε μια χορογραφική λέσχη, όπου σπούδαζε η Σβετλάνα δημοτικούς χορούς. Σε ηλικία δέκα ετών μπήκε στη Χορογραφική Σχολή του Κιέβου.
Αφού σπούδασε για τέσσερις μήνες, η Ζαχάροβα εγκατέλειψε το σχολείο καθώς η οικογένειά της μετακόμισε στην Ανατολική Γερμανία σύμφωνα με τη νέα αποστολή του στρατιωτικού πατέρα της. Επιστρέφοντας στην Ουκρανία έξι μήνες αργότερα, η Ζαχάροβα πέρασε ξανά τις εξετάσεις στη Χορογραφική Σχολή του Κιέβου και έγινε αμέσως δεκτή στη δεύτερη τάξη. Στη Σχολή του Κιέβου σπούδασε κυρίως με τη Valeria Sulegina.
Η Σβετλάνα εμφανίζεται σε πολλές πόλεις σε όλο τον κόσμο. Τον Απρίλιο του 2008, αναγνωρίστηκε ως η σταρ του διάσημου θεάτρου του Μιλάνου La Scala.
Galina Ulanova (1909-1998)
Η Galina Sergeevna Ulanova γεννήθηκε στην Αγία Πετρούπολη στις 8 Ιανουαρίου 1910 (σύμφωνα με το παλιό στυλ, 26 Δεκεμβρίου 1909), σε μια οικογένεια μπαλέτων.
Το 1928, η Ulanova αποφοίτησε από τη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ. Πολύ σύντομα εντάχθηκε στο θίασο του κράτους του Λένινγκραντ ακαδημαϊκό θέατροόπερας και μπαλέτου (τώρα Μαριίνσκι).
Η Ουλάνοβα έπρεπε να εγκαταλείψει το αγαπημένο της θέατρο Μαριίνσκι κατά τη διάρκεια της πολιορκίας του Λένινγκραντ. Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, η Ουλάνοβα χόρευε στα θέατρα στο Περμ, στην Άλμα-Άτα, στο Σβερντλόφσκ, παίζοντας σε νοσοκομεία μπροστά στους τραυματίες. Το 1944 Η Galina Sergeevna μετακομίζει στο Θέατρο Μπολσόι, όπου παίζει περιοδικά από το 1934.
Το πραγματικό επίτευγμα της Γκαλίνα ήταν η εικόνα της Ιουλιέτας στο μπαλέτο του Προκόφιεφ Ρωμαίος και Ιουλιέτα. Αυτήν τους καλύτερους χορούςείναι επίσης ο ρόλος της Μάσα από τον «Καρυοθραύστη» του Τσαϊκόφσκι, της Μαρίας από το «Σιντριβάνι του Μπαχτσισαράι» και της Ζιζέλ Αντάνα.
Tamara Karsavina (1885-1978)
Γεννημένος στην Αγία Πετρούπολη στην οικογένεια του χορευτή του θεάτρου Mariinsky, Platon Karsavin, ανιψιά Alexei Khomyakov, εξέχων φιλόσοφος και συγγραφέας του 1ου μισό του 19ου αιώνααιώνα, αδερφή του φιλοσόφου Λεβ Καρσάβιν.
Σπούδασε με τον A. Gorsky στη Θεατρική Σχολή Peturburg, την οποία αποφοίτησε το 1902. Ενώ ήταν ακόμη φοιτήτρια, ερμήνευσε το σόλο μέρος του Έρως στην πρεμιέρα του μπαλέτου Δον Κιχώτης που ανέβασε ο Γκόρσκι.
Ξεκίνησε τη δραστηριότητά της στο μπαλέτο σε μια περίοδο ακαδημαϊκής κρίσης και αναζήτησης διεξόδου από αυτήν. Οι θαυμαστές του ακαδημαϊκού μπαλέτου βρήκαν πολλά ελαττώματα στην απόδοση της Καρσαβίνα. Η μπαλαρίνα βελτίωσε τις ερμηνευτικές της δεξιότητες με τους καλύτερους Ρώσους και Ιταλούς δασκάλους
Το αξιοσημείωτο χάρισμα της Καρσαβίνα φάνηκε στη δουλειά της στις παραγωγές του Μ. Φόκιν. Ο Καρσαβίνα ήταν ο ιδρυτής θεμελιωδών νέων τάσεων στην τέχνη του μπαλέτου στις αρχές του 20ού αιώνα, που αργότερα ονομάστηκε «πνευματική τέχνη».
Η ταλαντούχα Καρσαβίνα πέτυχε γρήγορα την ιδιότητα της πρίμα μπαλαρίνας. Έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους στα μπαλέτα Καρναβάλι, Ζιζέλ, Λίμνη των Κύκνων, Ωραία Κοιμωμένη, Ο Καρυοθραύστης και πολλά άλλα.
Ulyana Lopatkina (1973)
Η Ulyana Vyacheslavna Lopatkina γεννήθηκε στο Kerch (Ουκρανία) στις 23 Οκτωβρίου 1973. Ως παιδί, σπούδασε σε συλλόγους χορού και στο τμήμα καλλιτεχνική γυμναστική. Με πρωτοβουλία της μητέρας της, μπήκε στην Ακαδημία Ρωσικού Μπαλέτου. ΚΑΙ ΕΓΩ. Vaganova στο Λένινγκραντ.
Το 1990, ως φοιτήτρια, η Λοπάτκινα συμμετείχε στο Δεύτερο Πανρωσικός ανταγωνισμόςτους. ΚΑΙ ΕΓΩ. Vaganova για μαθητές χορογραφικών σχολών και έλαβε το πρώτο βραβείο..
Το 1995, η Ulyana έγινε πρίμα μπαλαρίνα. Στο ιστορικό της καλύτερους ρόλουςσε κλασικές και σύγχρονες παραγωγές.
Ekaterina Maksimova (1931-2009)
Γεννήθηκε στη Μόσχα την 1η Φεβρουαρίου 1939. Από την παιδική ηλικία, η μικρή Katya ονειρευόταν να χορεύει και σε ηλικία δέκα ετών μπήκε στη Χορογραφική Σχολή της Μόσχας. Στην έβδομη τάξη, χόρεψε τον πρώτο της ρόλο - Μάσα στον Καρυοθραύστη. Μετά το κολέγιο, μπήκε στο Θέατρο Μπολσόι και αμέσως, παρακάμπτοντας ουσιαστικά το σώμα του μπαλέτου, άρχισε να χορεύει σόλο μέρη.
Ιδιαίτερη σημασία στο έργο της Maximova ήταν η συμμετοχή της στα τηλεοπτικά μπαλέτα, η οποία αποκάλυψε μια νέα ποιότητα του ταλέντου της - το κωμικό ταλέντο.
Από το 1990, η Maksimova είναι δασκάλα και δάσκαλος στο θέατρο μπαλέτου του Κρεμλίνου. Από το 1998 - χορογράφος-δάσκαλος του θεάτρου Μπολσόι.
Natalya Dudinskaya (1912-2003)
Γεννήθηκε στις 8 Αυγούστου 1912 στο Χάρκοβο.
Το 1923-1931 σπούδασε στη Χορογραφική Σχολή του Λένινγκραντ (μαθήτρια της A.Ya. Vaganova).
Το 1931-1962 - κορυφαίος χορευτής του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου του Λένινγκραντ. ΕΚ. ο Κίροφ. Έπαιξε τους βασικούς ρόλους στα μπαλέτα «Η Λίμνη των Κύκνων» και «Η Ωραία Κοιμωμένη» του Τσαϊκόφσκι, «Σταχτοπούτα» του Προκόφιεφ, «Ραϊμόντα» του Γκλαζούνοφ, «Ζιζέλ» του Άνταμ κ.ά.
Θαυμάζουμε την ικανότητα αυτών των λαμπρών μπαλαρινών. Έκαναν τεράστια συμβολή στην ανάπτυξη του ρωσικού μπαλέτου!
Το μπαλέτο ονομάζεται αναπόσπαστο κομμάτι της τέχνης της χώρας μας. Το ρωσικό μπαλέτο θεωρείται το πιο έγκυρο στον κόσμο, το πρότυπο. Αυτή η ανασκόπηση περιέχει τις ιστορίες επιτυχίας πέντε σπουδαίων Ρώσων μπαλαρινών που εξακολουθούν να αναζητούν μέχρι σήμερα.
Άννα Πάβλοβα
Εξαιρετική μπαλαρίνα Άννα Πάβλοβαγεννήθηκε σε μια οικογένεια μακριά από την τέχνη. Ανέπτυξε την επιθυμία να χορέψει σε ηλικία 8 ετών αφού το κορίτσι είδε παράσταση μπαλέτου"Ωραία Κοιμωμένη". Σε ηλικία 10 ετών, η Άννα Πάβλοβα έγινε δεκτή στη Σχολή Αυτοκρατορικού Θεάτρου και μετά την αποφοίτησή της έγινε δεκτή στον θίασο του θεάτρου Μαριίνσκι.
Το αξιοπερίεργο είναι ότι η επίδοξη μπαλαρίνα δεν τοποθετήθηκε στο corps de ballet, αλλά άρχισε αμέσως να της δίνει υπεύθυνους ρόλους σε παραγωγές. Η Άννα Πάβλοβα χόρεψε υπό τη διεύθυνση αρκετών χορογράφων, αλλά το πιο επιτυχημένο και γόνιμο tandem, που είχε θεμελιώδη επιρροή στο στυλ ερμηνείας της, ήταν με τον Mikhail Fokin.
Η Άννα Πάβλοβα υποστήριξε τις τολμηρές ιδέες του χορογράφου και συμφώνησε πρόθυμα να πειραματιστεί. Μινιατούρα "The Dying Swan", που έγινε αργότερα επαγγελματική κάρταΤο ρωσικό μπαλέτο ήταν σχεδόν αυτοσχέδιο. Σε αυτή την παραγωγή, η Fokine έδωσε στην μπαλαρίνα περισσότερη ελευθερία, επιτρέποντάς της να νιώσει ανεξάρτητα τη διάθεση του "The Swan" και να αυτοσχεδιάσει. Σε μια από τις πρώτες κριτικές, ο κριτικός θαύμασε αυτό που είδε: «Αν μια μπαλαρίνα στη σκηνή μπορεί να μιμηθεί τις κινήσεις των ευγενέστερων πουλιών, τότε αυτό έχει επιτευχθεί:».
Γκαλίνα Ουλάνοβα
Η μοίρα της Galina Ulanova ήταν προκαθορισμένη από την αρχή. Η μητέρα του κοριτσιού εργαζόταν ως δασκάλα μπαλέτου, οπότε η Γκαλίνα, ακόμα κι αν ήθελε πραγματικά, δεν μπόρεσε να παρακάμψει το μπαλέτο. Χρόνια εξαντλητικής εκπαίδευσης οδήγησαν στην Galina Ulanova να γίνει η πιο τιμημένη καλλιτέχνιδα της Σοβιετικής Ένωσης.
Μετά την αποφοίτησή της από τη χορογραφική τεχνική σχολή το 1928, η Ulanova έγινε δεκτή θίασος μπαλέτουΘέατρο Όπερας και Μπαλέτου Λένινγκραντ. Από τις πρώτες κιόλας παραστάσεις, η νεαρή μπαλαρίνα τράβηξε την προσοχή θεατών και κριτικών. Ένα χρόνο αργότερα, στην Ulanova ανατέθηκε να παίξει τον πρωταγωνιστικό ρόλο της Odette-Odile στη Λίμνη των Κύκνων. Η Ζιζέλ θεωρείται ένας από τους θριαμβευτικούς ρόλους της μπαλαρίνας. Ερμηνεύοντας τη σκηνή της τρέλας της ηρωίδας, η Galina Ulanova το έκανε τόσο με ψυχή και ανιδιοτέλεια που ακόμη και οι άνδρες του κοινού δεν μπορούσαν να συγκρατήσουν τα δάκρυά τους.
Γκαλίνα Ουλάνοβαέφτασε . Την μιμήθηκαν, οι δάσκαλοι των κορυφαίων σχολών μπαλέτου στον κόσμο απαίτησαν από τους μαθητές να κάνουν βήματα «σαν την Ουλάνοβα». Η διάσημη μπαλαρίνα είναι η μόνη στον κόσμο στην οποία είχαν στηθεί μνημεία όσο ζούσε.
Η Galina Ulanova χόρευε στη σκηνή μέχρι τα 50 της χρόνια. Ήταν πάντα αυστηρή και απαιτητική με τον εαυτό της. Ακόμη και σε μεγάλη ηλικία, η μπαλαρίνα ξεκινούσε κάθε πρωί με μαθήματα και ζύγιζε 49 κιλά.
Όλγα Λεπεσίνσκαγια
Για παθιασμένο ταμπεραμέντο, αστραφτερή τεχνική και ακρίβεια κινήσεων Όλγα Λεπεσίνσκαγιαμε το παρατσούκλι «Jumping Dragonfly». Η μπαλαρίνα γεννήθηκε σε οικογένεια μηχανικών. ΜΕ παιδική ηλικίατο κορίτσι κυριολεκτικά λαχταρούσε για τον χορό, οπότε οι γονείς της δεν είχαν άλλη επιλογή από το να τη στείλουν στη σχολή μπαλέτου στο Θέατρο Μπολσόι.
Η Olga Lepeshinskaya αντιμετώπισε εύκολα τόσο το κλασικό μπαλέτο ("Λίμνη των Κύκνων", "Ωραία Κοιμωμένη") όσο και με σύγχρονες παραγωγές ("Red Poppy", "Flames of Paris".) Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικού Πολέμου, η Lepeshinskaya εμφανίστηκε άφοβα στο μέτωπο, ανεβάζοντας το μαχητικό πνεύμα στρατιώτη.
Title="Olga Lepeshinskaya -
μπαλαρίνα με παθιασμένο ταμπεραμέντο. | Φωτογραφία: www.etoretro.ru." border="0" vspace="5">!}
Olga Lepeshinskaya -
μπαλαρίνα με παθιασμένο ταμπεραμέντο. | Φωτογραφία: www.etoretro.ru.
Παρά το γεγονός ότι η μπαλαρίνα ήταν η αγαπημένη του Στάλιν και είχε πολλά βραβεία, ήταν πολύ απαιτητική από τον εαυτό της. Ήδη σε προχωρημένη ηλικία, η Olga Lepeshinskaya είπε ότι η χορογραφία της δεν μπορούσε να χαρακτηριστεί εξαιρετική, αλλά η «φυσική τεχνική και το φλογερό της ταμπεραμέντο» την έκαναν αμίμητη.
Μάγια Πλισέτσκαγια
Μάγια Πλισέτσκαγια- μια άλλη εξαιρετική μπαλαρίνα, το όνομα της οποίας είναι εγγεγραμμένο με χρυσά γράμματα στην ιστορία του ρωσικού μπαλέτου. Όταν η μελλοντική καλλιτέχνης ήταν 12 ετών, υιοθετήθηκε από τη θεία Shulamith Messerer. Ο πατέρας της Plisetskaya πυροβολήθηκε και η μητέρα και ο μικρός αδερφός της στάλθηκαν στο Καζακστάν σε ένα στρατόπεδο για τις συζύγους των προδοτών της πατρίδας.
Η θεία Πλισέτσκαγια ήταν μπαλαρίνα στο Θέατρο Μπολσόι, έτσι η Μάγια άρχισε επίσης να παρακολουθεί μαθήματα χορογραφίας. Το κορίτσι πέτυχε μεγάλη επιτυχία σε αυτόν τον τομέα και μετά την αποφοίτησή του από το κολέγιο έγινε δεκτή στο θίασο του θεάτρου Μπολσόι.
Η έμφυτη καλλιτεχνία, η εκφραστική πλαστικότητα και τα εκπληκτικά άλματα της Πλισέτσκαγια την έκαναν πρίμα μπαλαρίνα. Η Μάγια Πλισέτσκαγια έπαιξε πρωταγωνιστικούς ρόλους σε όλες τις κλασικές παραγωγές. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία τραγικές εικόνες. Επίσης, η μπαλαρίνα δεν φοβόταν τα πειράματα στη σύγχρονη χορογραφία.
Μετά την απόλυση της μπαλαρίνας από το Θέατρο Μπολσόι το 1990, δεν απελπίστηκε και συνέχισε να δίνει σόλο παραστάσεις. Η υπερχείλιση της ενέργειας επέτρεψε στην Plisetskaya να κάνει το ντεμπούτο της στην παραγωγή του "Ave Maya" στα 70α γενέθλιά της.
Λιουντμίλα Σεμενιάκα
Όμορφη μπαλαρίνα Λιουντμίλα Σεμενιάκαέπαιξε στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky όταν ήταν μόλις 12 ετών. Το ταλαντούχο ταλέντο δεν μπορούσε να περάσει απαρατήρητο, οπότε μετά από λίγο καιρό η Lyudmila Semenyaka προσκλήθηκε στο Θέατρο Μπολσόι. Σημαντική επιρροήΗ Galina Ulanova, η οποία έγινε μέντοράς της, επηρέασε τη δουλειά της μπαλαρίνας.
Η Semenyaka αντιμετώπισε οποιοδήποτε μέρος τόσο φυσικά και αβίαστα που από έξω φαινόταν σαν να μην έκανε καμία προσπάθεια, αλλά απλώς απολάμβανε το χορό. Το 1976, η Lyudmila Ivanovna τιμήθηκε με το βραβείο Anna Pavlova από την Ακαδημία Χορού του Παρισιού.
Στα τέλη της δεκαετίας του 1990, η Lyudmila Semenyaka ανακοίνωσε την αποχώρησή της από την καριέρα της μπαλαρίνας, αλλά συνέχισε τις δραστηριότητές της ως δασκάλα. Από το 2002, η Lyudmila Ivanovna είναι δασκάλα-δάσκαλος στο Θέατρο Μπολσόι.
Αλλά κατέκτησε την τέχνη του μπαλέτου στη Ρωσία και πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του παίζοντας στις ΗΠΑ.
ΣΕ προεπαναστατική Ρωσίατο μπαλέτο ήταν πολύ δημοφιλές. Παρά το γεγονός ότι μετά την επανάσταση πολλοί χορευτές του αυτοκρατορικού θεάτρου έφυγαν από τη χώρα και άρχισαν να παίζουν σε σκηνές ξένων θεάτρων, έμειναν πολλοί καλλιτέχνες στη Ρωσία που μπόρεσαν να αναβιώσουν την τέχνη του μπαλέτου στη χώρα και βρήκαν το σοβιετικό μπαλέτο . Και ο πρώτος τους βοήθησε σε αυτό λαϊκός κομισάριοςαπό την εκπαίδευση Anatoly Lunacharsky, ο οποίος κατέβαλε πολλές προσπάθειες για να διατηρήσει και να αναπτύξει αυτό το είδος τέχνης σε ερειπωμένη κατάσταση. Στη δεκαετία του '30 του 20ου αιώνα, άρχισαν να εμφανίζονται τα πρώτα αστέρια του σοβιετικού μπαλέτου. Πολλοί από αυτούς πήραν τον τίτλο Λαϊκός καλλιτέχνης RSFSR και ΕΣΣΔ:
- Ekaterina Geltser;
- Agrippina Vaganova;
- Galina Ulanovna;
- Olga Lepeshinskaya;
- Vasily Tikhomirov;
- Μιχαήλ Γκαμπόβιτς;
- Alexey Ermolaev;
- Rostislav Zakharov;
- Asaf Messerer;
- Konstantin Sergeev και άλλοι.
Δεκαετία 40 - 50
Αυτά τα χρόνια το Αυτοκρατορικό Θέατρο της Αγίας Πετρούπολης μετονομάστηκε σε Μπαλέτο. Kirov (τώρα το θέατρο Mariinsky), και καλλιτεχνικός διευθυντήςΑυτό το θέατρο έγινε η τιμώμενη μπαλαρίνα Agrippina Vaganova, μαθήτρια των Petipa και Cecchetti. Αναγκάστηκε να μεταμορφωθεί ιστορίες, υποτάσσοντάς τους στις σοβιετικές ιδεολογικές αρχές. Για παράδειγμα, το τέλος του μπαλέτου «Λίμνη των Κύκνων» άλλαξε από τραγικό σε υπέροχο. Ένας Αυτοκρατορικός Σχολή Μπαλέτουέγινε το Κρατικό Χορογραφικό Ινστιτούτο του Λένινγκραντ. Οι μελλοντικοί αστέρες του σοβιετικού μπαλέτου εκπαιδεύτηκαν εδώ. Μετά τον θάνατο της εξαιρετικής μπαλαρίνας το 1957, αυτό εκπαιδευτικό ίδρυμαμετονομάστηκε σε Agrippina Vaganova Academy of Russian Ballet. Έτσι λέγεται μέχρι σήμερα. Δημοφιλέστερος θέατρα μπαλέτουχώρες έγιναν το Θέατρο Μπολσόι στη Μόσχα και το Θέατρο που πήρε το όνομά του. Kirov (Θέατρο Mariinsky) στο Λένινγκραντ. Το ρεπερτόριο των θεάτρων περιελάμβανε έργα ξένων και Ρώσων Σοβιετικοί συνθέτες. Ιδιαίτερα δημοφιλή ήταν τα μπαλέτα «Σταχτοπούτα» και «Ρωμαίος και Ιουλιέτα» και άλλα Το μπαλέτο δεν σταμάτησε να παίζει με τα χρόνια Πατριωτικός Πόλεμος. Ωστόσο, έφτασε στο αποκορύφωμά της στα μέσα του αιώνα. Διψασμένοι για πολιτιστικές εκδηλώσεις στα χρόνια του πολέμου σοβιετικός λαόςπλημμύρισε αίθουσες θεάτρου, και κάθε νέα παράσταση ήταν sold out. Οι χορευτές μπαλέτου ήταν πολύ δημοφιλείς. Κατά τη διάρκεια αυτών των χρόνων, εμφανίστηκαν νέα αστέρια του σοβιετικού μπαλέτου: Tatyana Zimina, Maya Plisetskaya, Yuri Grigorovich, Maris Liepa, Raisa Struchkova, Boris Bregvadze, Vera Dubrovina, Inna Zubkovskaya, Askold Makarov, Tamara Seifert, Nadezhda Nadezhdav, και Verdolet. οι υπολοιποι.
Δεκαετίες 60 - 70
Τα επόμενα χρόνια, το σοβιετικό μπαλέτο έγινε το σήμα κατατεθέν της ΕΣΣΔ. Οι θίασοι των θεάτρων Μπολσόι και Κίροφ περιόδευσαν με επιτυχία σε όλο τον κόσμο, ταξιδεύοντας ακόμη και πίσω από το Σιδηρούν Παραπέτασμα. Μερικοί αστέρες του σοβιετικού μπαλέτου, που βρέθηκαν «πάνω από το λόφο» και ζυγίζοντας όλα τα υπέρ και τα κατά, αποφάσισαν να μείνουν εκεί και ρώτησαν πολιτικό άσυλο. Στην πατρίδα τους θεωρούνταν προδότες και τα μέσα ενημέρωσης έγραψαν για διάσημους «αποστάτες». Alexander Godunov, Natalya Markova, Valery Panov, Rudolf Nuriev - όλοι είχαν μεγάλη επιτυχία και ήταν περιζήτητοι στο σκηνές μπαλέτουτα πιο διάσημα θέατρα στον κόσμο. Ωστόσο, ο Σοβιετικός χορευτής μπαλέτου ο Μεγάλος Ρούντολφ Νουρέγιεφ κέρδισε τη μεγαλύτερη δημοτικότητα στον κόσμο. Έγινε θρύλος στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού. Από το 1961, δεν επέστρεψε από την περιοδεία του Παρισιού και έγινε ο πρώτος στο Covent Garden και από τη δεκαετία του 1980 έγινε διευθυντής της Grand Opera στο Παρίσι.
συμπέρασμα
Σήμερα, το ρωσικό μπαλέτο δεν χάνει τη δημοτικότητά του και οι νέοι καλλιτέχνες που ανατρέφονται από σοβιετικούς χορογράφους είναι περιζήτητοι σε όλο τον κόσμο. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες μπαλέτου στον 21ο αιώνα είναι ελεύθεροι στις δράσεις τους. Μπορούν ελεύθερα να συνάψουν συμβόλαια και να παίξουν σε σκηνές ξένων θεάτρων και, με τις λαμπρές τους ερμηνείες, να αποδείξουν σε όλους ότι το ρωσικό μπαλέτο είναι το καλύτερο σε ολόκληρο τον κόσμο.