Concepto de pedagogía musical de la educación para el desarrollo. Un enfoque integrado de la educación musical. Cuestiones de teoría y metodología.

piano de formación de conjunto musical

La reestructuración que se está produciendo en el ámbito pedagógico no puede dejar indiferentes a los profesores músicos. Afectando directamente la esfera emocional y moral. arte musical Juega un papel muy importante en la formación de una personalidad espiritualmente rica y de pensamiento creativo. El contenido mismo del arte requiere una relación especial entre profesor y alumno basada en una comprensión empática. “La tendencia más importante en la pedagogía musical avanzada de nuestro tiempo determina en gran medida sus métodos. puede caracterizarse como el deseo de lograr, junto con la pedagogía general, el desarrollo armonioso de la personalidad humana logrando un equilibrio entre lo racional y lo espiritual (0 p. 0).

Pero los fenómenos negativos observados en el sistema educativo general no han pasado por alto la educación musical. Muchos profesores-músicos consideran que su tarea consiste en desarrollar en los estudiantes un fondo limitado de conocimientos y habilidades interpretativas. El estilo de enseñanza autoritario no estimula el desarrollo del sentido de inteligencia y los intereses cognitivos de los estudiantes. No es ningún secreto que la mayoría de los estudiantes de las escuelas de música para niños abandonan las clases de música inmediatamente después de graduarse. No dominan los métodos de creación musical independiente y pierden el amor por el arte de la música.

Junto a esto, la pedagogía ha acumulado una gran experiencia de destacados profesores de música. Las ideas que se han establecido en las últimas dos décadas sobre los métodos de enseñanza instrumental son esencialmente la encarnación práctica del concepto pedagógico de cooperación. Brillantes ejemplos de pedagogía del desarrollo están representados por el trabajo de los maestros de las escuelas de piano rusas y soviéticas: A.G. y N.G. Rubinsteinov V.I. Safonova A.N. Esipova N.S. Zvereva F.M. Blumenfeld K.N. Igumnogo G.G. Neuhausa L.V. Nikoláeva A.B. Gondelweiser y otros.

¿Cómo se refracta la idea de educación para el desarrollo en relación con la teoría y la práctica de la enseñanza del piano? Tsypin cree que, en primer lugar, las técnicas y métodos de enseñanza en el sistema de educación y educación musical masiva deben estar directamente relacionados con el dominio interpretativo por parte del estudiante de las obras que se le asignan y, en segundo lugar, es necesario que las mismas técnicas y métodos actividades educacionales contribuiría al desarrollo musical general de los estudiantes.

El problema de la relación entre formación y desarrollo también es relevante en pedagogía musical. Desafortunadamente, aún hoy muchos practicantes están convencidos de que formación y desarrollo en la interpretación musical son conceptos sinónimos. De ahí la desproporción entre formación y desarrollo. El aprendizaje ocurre en lugar de según el concepto didáctico de L.S. El "correr por delante del desarrollo" de Vygotsky "se aleja" de él, y luego la formación de habilidades de juego profesionales agota casi por completo el contenido del proceso educativo. La tarea de un docente que trabaja en el sistema de educación masiva. educación musical- lograr el mayor efecto de desarrollo posible. La relación entre la adquisición de conocimientos musicales y habilidades interpretativas, por un lado, y el desarrollo musical, por el otro... no es en absoluto tan directa y sencilla como a veces piensan algunos profesores. La enseñanza masiva de piano a menudo “puede ir por la tangente del desarrollo y no tener un impacto significativo en él; La enseñanza dogmática que conduce a la asimilación y memorización de ciertos patrones musicales puede ralentizar el desarrollo y distorsionar el pensamiento del alumno (0 p. 000).

La pobreza y el alcance limitado del repertorio musical estudiado, el enfoque limitado de las lecciones individuales en la clase de piano, el estilo autoritario de enseñanza: todo esto es una manifestación del concepto según el cual el desarrollo de los estudiantes es una consecuencia inevitable de formación que no requiere cuidados especiales.

Trabajar en una pieza musical se convierte en un fin en sí mismo, dictado por el deseo de obtener grandes elogios por una interpretación. De ahí el “entrenamiento”, cuando el alumno sigue obedientemente las numerosas instrucciones del profesor, puliendo los contornos sonoros externos de la composición. En esencia, el profesor interpreta la pieza con las manos del alumno.

El pulido de obras de varios días limita drásticamente la gama de obras estudiadas. Mientras tanto, es la experiencia musical acumulada al trabajar con una variedad de material musical la base para el desarrollo intensivo del estudiante. Enseñar un desarrollo avanzado y, por tanto, estimular la necesidad de cooperación, requiere un ritmo rápido de aprendizaje del material con un alto nivel de dificultad. La base de la educación para el desarrollo en las clases de interpretación musical está formada por un sistema de principios que declaran un aumento en el volumen y la aceleración del ritmo de transmisión del material educativo musical, el rechazo de una interpretación puramente pragmática de las lecciones y una transición de la enseñanza autoritaria. a la máxima independencia e iniciativa creativa del estudiante.

La formación en clases escénicas suele conducir a la formación de estudiantes con habilidades y habilidades locales muy desarrolladas pero al mismo tiempo limitadas. En este caso se vulneran los intereses del desarrollo del estudiante de música. El desarrollo musical general es un proceso multifacético. Uno de sus aspectos importantes está asociado al desarrollo de un complejo de habilidades especiales (oído musical, sentido del ritmo musical, memoria musical). También significativo en términos generales. desarrollo musical cambios internos que se mejoran en el ámbito del pensamiento profesional y la conciencia artística del alumno.

La formación y el desarrollo de la inteligencia musical se llevaron a cabo en el proceso de enriquecer la experiencia personal del individuo. En el proceso de aprender a tocar el piano, se crean las condiciones óptimas para reponer la base de conocimientos del estudiante. Grandes son en este sentido las posibilidades de la pedagogía del piano, que permite a los estudiantes entrar en contacto con un repertorio rico y universal. Aquí es donde reside el valor potencial del lado cognitivo de una lección de piano: un estudiante puede encontrar en ella un mayor número y variedad de fenómenos sonoros que en una lección de cualquier otra clase de interpretación.

Aprender a tocar el piano ocupa uno de los lugares más destacados en la educación y formación musical en general. Está en el centro de discotecas y estudios de escuelas de música infantiles y laboratorios de música de institutos, etc. El piano es un instrumento de la más amplia gama de acciones que juega un papel sumamente importante en la educación musical masiva y nadie que tenga algo que ver con la enseñanza de la música puede evitar encontrarse con él; Encontrar la solución óptima al problema de la enseñanza del desarrollo en la clase de piano significa ayudar a resolver este problema a escala de toda la práctica pedagógica musical.

Es la interpretación del piano la que tiene un potencial particularmente rico en relación con el desarrollo musical del estudiante. Los recursos cognitivos de tocar el piano no se limitan a trabajar únicamente con el repertorio pianístico. Con la ayuda del piano se aprende y domina práctica educativa cualquier música, operística, sinfónica, de cámara, instrumental, vocal, coral, etc. La literatura pianística en sí misma tiene un amplio potencial de desarrollo; su dominio sistemático es una demostración de muchos fenómenos artísticos y estilísticos diferentes.

El desarrollo musical general de los estudiantes se mejora durante el proceso de aprendizaje. En la música, como en otras partes, no puede haber ningún desarrollo fuera del aprendizaje en principio. Se deben buscar formas de resolver el problema del desarrollo musical general de los estudiantes dentro del proceso de aprendizaje en una organización que garantice altos resultados en el desarrollo.

La cuestión de los principios musicales y didácticos destinados a lograr el máximo efecto de desarrollo en la enseñanza es esencialmente la culminación central de las cuestiones consideradas. Hay cuatro principios musicales y didácticos básicos que, cuando se combinan, pueden formar una base bastante sólida para la educación del desarrollo en las clases de interpretación.

• 1. Incrementar el volumen de material utilizado en el trabajo educativo y pedagógico; ampliar el marco del repertorio abordando una mayor cantidad; obras musicales. Este principio es de gran importancia para el desarrollo musical general del estudiante, enriqueciendo su conciencia profesional con experiencia musical e intelectual.
• 2. Acelerar el ritmo de finalización de una determinada parte del material educativo; negarse a dedicar largos períodos de tiempo a trabajar en obras musicales; centrarse en dominar los ejercicios y habilidades interpretativos necesarios en un corto período de tiempo. Este principio asegura una afluencia constante y rápida de información diversa en el proceso musical y pedagógico y ayuda a ampliar los horizontes profesionales.
• 3. Incrementar la capacidad teórica de las clases de interpretación musical, utilizando durante la lección un abanico más amplio de información de carácter histórico-musical. Este principio enriquece la conciencia con los sistemas desplegados.
• 4. La necesidad de trabajar con material en el que se manifieste al máximo la independencia y la iniciativa creativa del alumno-intérprete.

Estos son los principios fundamentales sobre los cuales la enseñanza de la música y la interpretación musical pueden convertirse en una verdadera naturaleza de desarrollo. Su implementación en la práctica incide en el contenido de la formación, pone en primer plano determinados tipos y formas de trabajo en el proceso educativo y no deja de lado los métodos de enseñanza. “...el docente está llamado no sólo a mantenerse al día, sino también a adelantarse a ellos. Debe ser un propagandista apasionado y un profundo experto en esa ciencia, cuyos fundamentos enseña a quienes conocen bien los últimos datos sobre ella. Necesita comprender y tener en cuenta correctamente en su trabajo los fenómenos y procesos de la vida social. Está obligado a poner a prueba constantemente sus habilidades docentes para determinar si es capaz de encontrar soluciones a problemas profesionales. mejores maneras a la mente y al corazón de los niños" (00 p. 00).

Discutiremos más a fondo cómo el campo de la interpretación musical (la interpretación de música en conjunto) ayuda a implementar los principios de la educación para el desarrollo.

Así que resumamos lo dicho:

• 0. El desarrollo se produce durante el entrenamiento. La función de desarrollo de la enseñanza está influenciada por la estructura del proceso educativo y de enseñanza, el contenido de la forma y los métodos de enseñanza.
• 0. La implementación de los principios de la pedagogía de la cooperación es la condición más importante para lograr un efecto de desarrollo en la enseñanza.
• 0. Conjunto de música tocando - mejor forma cooperación entre profesores y estudiantes que da un efecto de desarrollo.

Así, el desarrollo musical, personal y profesional general de los estudiantes de música se produce únicamente en el proceso de aprendizaje. ¿Es posible influir en la esfera de conciencia de un músico, su voluntad, emociones y sentimientos, el complejo de sus habilidades especiales (audición, sentido del ritmo, memoria), sin pasar por el entrenamiento de una forma u otra? Aquí, como en cualquier rama particular de la pedagogía, “la guía para la acción sigue siendo la verdad inquebrantable de que la tarea del desarrollo se logra... con la asimilación de los fundamentos de la ciencia en el proceso de dominio de conocimientos y habilidades” (L.V. Zankov) .

Así, el camino para solucionar el desarrollo personal y profesional de un estudiante de música debe buscarse no fuera del proceso de aprendizaje, no fuera de él, sino, por el contrario, dentro de este último. en una organización de este tipo que garantice altos resultados en el desarrollo. Dado que se puede considerar establecido que en cualquier profesión una persona se desarrolla aprendiendo y nada más, el problema bajo consideración toma esencialmente la siguiente forma: ¿Cómo y de qué manera debería estructurarse la educación musical y, en particular, la interpretación musical para que sea lo más prometedora posible para el desarrollo del estudiante? Aquí surge la pregunta sobre ciertos principios musicales y pedagógicos destinados a convertirse en la base, el fundamento de este tipo de formación. La práctica muestra: con una organización empresarial, el coeficiente del efecto de desarrollo de la enseñanza de la música puede aumentar significativamente, pero con otra puede disminuir de manera igualmente notable. Es costumbre en tales casos, especialmente cuando se trata de pedagogía en el campo de las artes, abordar principalmente la personalidad del maestro, sus rasgos y características individuales, su erudición, su disposición espiritual, etc. Mientras tanto, detrás de lo externo a menudo se esconde lo interno, detrás de los rasgos característicos personales de la apariencia de tal o cual maestro: un sistema de principios y actitudes implementados en las actividades educativas.

La cuestión de los principios pedagógicos musicales encaminados a lograr Máximo efecto de desarrollo en el aprendizaje., - esencialmente central, que culmina en las cuestiones bajo consideración.

Enumeremos los principios pedagógicos musicales básicos que, reunidos y organizados sistemáticamente, son capaces de formar una base bastante sólida para la educación del desarrollo en las clases de interpretación musical y en la enseñanza de la música en general.

1. Incrementar el volumen de material utilizado en la práctica educativa., ampliar el repertorio de los estudiantes en las clases de música y interpretación recurriendo al mayor número posible de obras, una gama más amplia de fenómenos artísticos y estilísticos; dominar mucho en el curso de clases de interpretación musical, a diferencia de la concentración habitual en un poco en la práctica pedagógica musical amplia: este es el primero de estos principios, el primero en su importancia para el desarrollo musical, personal y profesional general del estudiante, el enriquecimiento de su conciencia profesional, experiencia musical e intelectual. Porque la cantidad de material dominado y asimilado por el estudiante (obras musicales, información teórica y musicológica) se transforma en la mayoría de los casos en calidad de la actividad artística e intelectual; Aquí se hace sentir plenamente una de las leyes fundamentales de la dialéctica.

Y viceversa: un déficit en la cantidad de material cubierto durante las clases de música y de interpretación afecta significativamente el nivel de calidad de las operaciones artísticas y mentales (y otras) del estudiante.

2. Acelerar el ritmo de finalización de una determinada parte del material educativo., el rechazo de períodos de trabajo prohibitivamente largos en las clases de interpretación de obras musicales, el enfoque en dominar las habilidades interpretativas necesarias en un corto período de tiempo: este es el segundo principio, condicionado por el primero y coexistiendo con él en una unidad inextricable. La implementación de este principio, que garantiza una entrada constante y rápida de información diversa en el proceso educativo musical, también allana el camino para resolver el problema del desarrollo musical general del estudiante, ampliando sus horizontes profesionales y enriqueciendo su arsenal de conocimientos.

3. El tercer principio se refiere directamente al contenido de una lección en una clase de interpretación musical, así como a las formas y métodos de su implementación. Incrementar la capacidad teórica de las clases de interpretación musical., es decir. rechazo de la “tienda estrecha”, interpretación puramente pragmática de estas actividades; utilizar durante la lección la más amplia gama posible de información de carácter teórico-musical e histórico-musical, Fortalecer el componente cognitivo y, por tanto, la intelectualización general de la lección en la clase de interpretación musical.; enriquecer la conciencia de un intérprete que toca un instrumento musical con sistemas ampliados de ideas y conceptos asociados con material específico del repertorio interpretativo: todo esto refleja la esencia del principio mencionado.

A lo dicho hay que añadir que saber varios fenómenos, patrones y hechos en el curso de las lecciones musicales no deben aislarse, no por separado, como suele ocurrir en la práctica, sino de manera integral, en sus relaciones internas y combinaciones naturales (“aleaciones”) entre sí. En otras palabras, el conocimiento debe ser de naturaleza integradora (idealmente transdisciplinaria); sólo en este caso cumplirá con el requisito del aprendizaje fundamental. Y cuanto más profundo y voluminoso se vuelve el "contexto" general del proceso de aprendizaje, más generalizaciones amplias y significativas hace el maestro (pianista, violinista, director, etc.) sobre el material de las obras en estudio, mayor es el El efecto de las clases de música en el desarrollo será en última instancia.

4. El cuarto principio requiere alejarse de los métodos de actividad pasivo-reproductivos (imitativos), que son muy utilizados entre los estudiantes, enfatiza la necesidad de este tipo de trabajo con material musical, en el que el Actividad, independencia e iniciativa creativa. intérprete estudiantil. Se trata de dotar al estudiante de una cierta libertad Y independencia en el proceso educativo - la libertad e independencia que corresponderían a sus capacidades profesionales, serían proporcionales al nivel de desarrollo de su inteligencia musical, habilidades generales y especiales.

Para los especialistas experimentados no es ningún secreto que sólo aquellos estudiantes que tienen la necesaria y suficiente libertad de acción creativa, que tienen cierto derecho a elegir en diversas situaciones de aprendizaje - por ejemplo, elegir una solución interpretativa, etc. - actúan de manera productiva e intensiva. avanzar en el desarrollo personal y profesional P. No puede haber resultados positivos y suficientemente sostenibles en la enseñanza de profesiones creativas en condiciones de falta de libertad; sin embargo exactamente la situaciónSin libertad Esto ocurre con mucha más frecuencia de lo que debería en la práctica pedagógica real, ¡ya sea que los participantes en el proceso educativo sean conscientes de ello o no!

En este caso es de fundamental importancia lo siguiente: la libertad de acción cognitiva y el derecho de elección creativa no deben concederse sólo a los músicos jóvenes; Se les debería alentar específicamente a hacer esto, colocándolos en condiciones en las que se les obligaría a mostrar iniciativa creativa e independencia. "La libertad", escribió S.I. Gessen, "no es un hecho, sino un objetivo en la pedagogía práctica, no es una tarea dada, sino muy específica, del maestro". Para que un alumno se sienta interiormente libre, psicológicamente liberado, etc., a veces es necesario -por paradójico que parezca- forzar, "la libertad como tarea no excluye, sino que presupone el hecho de la coerción" 1 .

Lo anterior está directamente relacionado con la docencia en las clases de interpretación musical en instituciones de educación musical secundaria y superior.

5. El siguiente, quinto principio de la educación para el desarrollo está directamente relacionado con la introducción de tecnologías de la información modernas, en particular materiales de audio y video, en el proceso de educación musical. La realidad es que, utilizando métodos exclusivamente tradicionales de enseñanza de la música, un estudiante de hoy no es capaz de dominar todo el conjunto de conocimientos que necesita. Las grabaciones de sonido capturadas en casetes, así como las tecnologías informáticas, son ahora una de las formas óptimas de reponer de forma rápida y completa la base de conocimientos de un estudiante de música, ampliar sus horizontes artísticos e intelectuales y ampliar su erudición profesional. Los TSO modernos, hábilmente utilizados, permiten adaptar y "adaptar" el material musical estudiado en relación con las necesidades y demandas individuales de los estudiantes.

La relevancia del principio de educación para el desarrollo que estamos considerando se debe al hecho de que muchos profesores que trabajan hoy en clases de interpretación musical “no poseen la metodología y la “técnica” de trabajo adecuadas, peor aún, no ven la necesidad de cambiar nada; en sus actividades prácticas, en este caso hay un conservadurismo en el pensamiento pedagógico, una falta de preparación -tanto profesional como psicológica- para cualquier cambio y modernización de la labor docente" 1 .

Los expertos señalan que la metodología actual para la enseñanza de casi cualquier materia es un sistema de técnicas y métodos de trabajo educativo cerrado, autosuficiente y autosuficiente, dentro del cual no es fácil encontrar reservas para una modificación significativa de la estructura misma. de la enseñanza 2 . En otras palabras, una parte importante de los profesores de música rusos, especialmente los representantes de la generación anterior, en realidad no estaban preparados para ir más allá de los métodos de enseñanza habituales y establecidos.

De ahí, repetimos, la relevancia del principio considerado de educación evolutiva en las clases de música y interpretación.

6. Finalmente, el sexto principio, que se relaciona no solo con el área de la pedagogía musical asociada a la interpretación de diversas obras (piano, violín, canto, etc.), sino también con todo el sistema de educación musical profesional. y entrenamiento. La esencia de este principio: joven músico necesito aprender a aprender, planteándola como una tarea fundamental y estratégica, y cuanto antes mejor. Depende en gran medida del profesor: si a su alumno le encantará esta actividad, si dominará su "tecnología", si al graduarse podrá moverse en su profesión de forma independiente, sin mirar habitualmente al profesor, sin contar con el exterior. ayuda. ¿Podrá iniciar y regular los procesos de desarrollo personal y profesional, mejorando los mecanismos mentales de cognición y autoconocimiento y asegurando así un alto grado de preparación para todo tipo de sorpresas que inevitablemente encontrará en su futura actividad profesional?

El problema al que se enfrentan los profesores hoy en día es no solo y ni siquiera tanto es dotar al alumno de conocimientos especiales, que de una forma u otra serán insuficientes, y no desarrollar en él determinadas competencias profesionales, que en cualquier caso habrá que ampliar, actualizar, transformar, etc. El problema es desarrollar en un graduado de una institución de educación musical un conjunto de cualidades y propiedades personales y profesionales que podrían ayudarlo a adaptarse a situaciones atípicas, alcanzar el nivel necesario para realizar tareas de "producción" en un rango bastante amplio y al nivel de calidad requerido.

Por lo tanto, con toda la importancia de las tareas específicas “aquí y ahora” resueltas en las clases de música y interpretación, las actitudes pedagógicas orientadas hacia la prioridades educativas más altas, relacionado con el “reequipamiento” de la conciencia de los estudiantes, librándolos de actitudes habituales y dependientes que se han ido creando a lo largo de los años.

Formar en el estudiante de ayer una personalidad integralmente desarrollada, de mentalidad moderna, móvil, dispuesta a buscar, a arriesgarse, a encontrarse con lo nuevo y lo desconocido, una personalidad cargada de automovimiento, autorrealización, para lograr el éxito por sí mismo: esto Si este es el requisito que plantea la vida actual, este es el significado del sexto principio de la educación para el desarrollo.

Los estudiantes de instituciones de educación musical profesional, al llegar a la meta de sus estudios, ya deben elegir de manera bastante consciente (aunque, por supuesto, no sin consultar con el maestro) un camino educativo delineado individualmente, teniendo en cuenta sus capacidades, habilidades naturales, intereses, necesidades, perspectivas profesionales, etc. .d. De hecho, esto significa “poder aprender” en la implementación práctica de este principio.

De acuerdo con el sexto principio de la educación para el desarrollo, en el curso de las lecciones de música se debe dar un lugar destacado al modelado del proceso heurístico creativo en sus rasgos y características atributivas esenciales. También V.P. Vakhterov alguna vez recomendó encarecidamente un método de enseñanza en el que el estudiante, por supuesto, suficientemente preparado para este tipo de actividad, intenta, resolviendo un problema educativo, acercarse al proceso de pensamiento característico de la práctica creativa de un científico o inventor 1 .

Naturalmente, Vakhterov no se refería a las disciplinas del ciclo artístico y estético, y mucho menos al campo de la enseñanza de la música. Sin embargo, es aquí, en esta área, donde un curso destinado a poner al alumno en la posición de creador y descubridor, maximizando al mismo tiempo los mecanismos de su pensamiento creativo, imaginación creativa, imaginación, etc., puede dar un efecto excelente. Además, es importante enfatizar que lo que importa en este caso no son estos o aquellos resultados creativos específicos que logrará un estudiante de música que modela las acciones de un maestro maduro y realiza estas acciones (o al menos intenta realizarlas). como modelo. En una situación heurística creativa, lo importante es el proceso en sí, el dominio de su “tecnología” y estructura interna, en cuyo marco se forman bajo una alta carga las cualidades personales y profesionales necesarias para un futuro especialista 2 .

Estos son los principios fundamentales sobre cuya base la enseñanza de la música y, en primer lugar, la interpretación musical pueden adquirir un carácter verdaderamente evolutivo. Su implementación en la práctica afecta, como es fácil ver, el contenido de la enseñanza, pone de relieve ciertos tipos y formas de trabajo educativo y no deja de lado los métodos (métodos) de enseñanza. Esto es a lo que debemos pasar ahora.

1 Gessen S.I. Fundamentos de la pedagogía. Introducción a la Filosofía Aplicada. - M. 1995. - P. 62.

1 Gorlinsky V.I. Modernización del sistema de educación y educación musical en la Rusia moderna: problemas actuales del período de transición. - M., 1999. - P. 119.

2 Ver: Grebnev I.V. Problemas metodológicos de la informatización de la enseñanza en la escuela // Pedagogía. - 1994. - No. 5. - P. 47.

1 Hoy en día en el extranjero se habla a menudo del papel especial del maestro, que no sólo enseña e instruye, sino que más bien aconseja y ayuda a aprender.

§ 14. Potencial de desarrollo de la lectura musical visual y aprendizaje de bocetos de obras musicales.

Si hablamos de tipos de desarrollo profesional y formas de trabajo en las clases de interpretación musical, en primer lugar debemos mencionar lectura a primera vista. La pedagogía musical es consciente desde hace tiempo de los beneficios que esta actividad supone para los estudiantes. Las declaraciones sobre este tema se pueden encontrar en los tratados de F.E. Bach, X. Schubart y otros destacados músicos-profesores de los siglos XVII-XVIII. Las ventajas especiales que se esconden en la lectura de música para un profesional de cualquier rango, de cualquier categoría de habilidad, también han sido señaladas más de una vez por los principales intérpretes y profesores de épocas posteriores.

¿Cuáles son exactamente los beneficios de la lectura a primera vista? ¿Por qué motivos es capaz de estimular el desarrollo musical general de un alumno?

La lectura a primera vista es una forma de actividad que abre las oportunidades más favorables para un conocimiento amplio y completo de la literatura musical. Frente al músico pasa una interminable y colorida procesión de obras de diversos autores, estilos artísticos y épocas históricas. En otras palabras, la lectura a primera vista es un cambio constante y rápido de nuevas percepciones, impresiones, “descubrimientos” musicales, una intensa afluencia de información musical rica y diversa. “Cuánto leemos, tanto sabemos”: esta vieja verdad, muchas veces comprobada, conserva plenamente su significado en la educación musical.

Las cualidades musicales e intelectuales de un estudiante cristalizan, de forma natural, no sólo en la lectura, sino también en otras formas. actividad profesional. Sin embargo, es precisamente leyendo la música de vista que se crean las condiciones de “máxima favorabilidad” para ello. ¿Por qué, en qué circunstancias?

En primer lugar, porque al leer música, el alumno se enfrenta a obras que no necesariamente necesitan ser aprendidas o dominadas en el nivel interpretativo ("técnico"). No es necesario estudiarlos especialmente ni mejorarlos en un sentido técnico magistral. Estas obras, como dicen, no son para memorizar, no para memorizar, sino simplemente por el placer de aprender y descubrir cosas nuevas. De ahí la especial actitud psicológica. Observaciones especiales muestran que el pensamiento musical durante la lectura, naturalmente, con una lectura suficientemente hábil y calificada, se tonifica notablemente, la percepción se vuelve más vívida, vivaz, aguda y tenaz. “Aquí hay un patrón psicológico sutil: lo que se correlaciona consigo mismo y se refleja con mayor fuerza en la vida espiritual de un individuo es aquello que no necesita ser recordado, aquello que no necesita ser sometido a una “anatomización” específica. (V.A. Sukhomlinsky).

Las condiciones favorables para la activación de las capacidades musicales e intelectuales del estudiante, creadas mediante la lectura a primera vista, también están determinadas por el hecho de que la familiarización con música nueva- un proceso que siempre tiene un color emocional especialmente brillante y atractivo. Esta circunstancia ha sido enfatizada repetidamente por muchos músicos. El primer contacto con una obra hasta ahora desconocida “da en primer lugar rienda suelta al sentimiento inmediato: el resto viene después” (K.N. Igumnov); Al leer una obra de vista, “el intérprete se entrega completamente al poder de la música, absorbe la esencia misma de la música” (G.P. Prokofiev).

Los factores emocionales juegan un papel fundamental en la estructura de la actividad mental humana en general y en el pensamiento artístico e imaginativo en particular. En la cresta de una ola emocional, se produce un aumento general de la actividad musical e intelectual.

acciones, están saturadas de mayor energía, fluyen con particular claridad y certeza, de lo que se deduce que las actividades de lectura a primera vista, siempre que evoquen una respuesta emocional directa y vívida del jugador, son importantes no solo como una forma de expandir la horizontes de repertorio o acumular diversa información teórica musical e histórico-musical, en última instancia estas actividades contribuyen a calidad mejora de los propios procesos pensamiento musical.

De este modo, La lectura a primera vista es uno de los caminos más cortos y prometedores que conducen al desarrollo musical general de un estudiante. De hecho, entre las diversas formas de trabajo que existen en las clases de interpretación, hay muchas que ayudan a enseñar con éxito el arte de tocar un instrumento musical y resolver los problemas de desarrollo de habilidades y habilidades vocacionales. Sin embargo Es en el proceso de lectura de notas que principios de la educación para el desarrollo, como aumentar el volumen utilizado por el estudiante, se revelan con toda plenitud y claridad. material musical y acelerando el ritmo de su paso.

De hecho, ¿qué significa la lectura a primera vista sino asimilación? máximo información en mínimo¿tiempo? De ahí la conclusión: si el desarrollo musical general de un estudiante (sus habilidades, inteligencia, conciencia auditiva profesional) pretende ser un objetivo especial de la pedagogía musical, entonces la lectura musical a primera vista tiene, en principio, todas las razones para convertirse en una de las especiales. medios para lograr prácticamente este objetivo.

Lo mismo puede decirse sobre aprendizaje de bocetos Las obras musicales son una de las formas específicas de actividad en el arsenal de un músico (tanto un estudiante como un maestro establecido). En este caso, el dominio del material no alcanza un alto grado de finalización. La etapa final de esta obra es la etapa en la que el músico abraza el concepto figurativo y poético de la obra, recibe una idea artísticamente precisa y sin distorsiones de la misma y, como intérprete, es capaz de plasmar de manera convincente este concepto en el instrumento. “Una vez que el alumno ha adquirido las habilidades y conocimientos que necesita (previamente planificados por el profesor), ha comprendido el texto, toca el material musical de forma correcta y significativa, el trabajo en la pieza se detiene”, escribió L.A. Barenboim, definiendo el aprendizaje del boceto como una forma especial de actividad educativa que puede caracterizarse como intermedia entre la lectura a primera vista y el dominio completo de una obra musical.

Muchos músicos, intérpretes y profesores destacados han sido durante mucho tiempo partidarios del desarrollo incompleto del repertorio educativo.

A. Boissier, por ejemplo, escribió bajo la impresión de sus encuentros con el joven Liszt: "No aprueba la finalización insignificante de las obras, creyendo que es suficiente para captar el carácter general de la obra..." Pruebas similares, pero cronológicamente más cercano a nuestros días, puede servir como recuerdo de un alumno de Neuhaus B.L. " . A este método de trabajo se le puede llamar, más o menos convencionalmente, un “bosquejo” pedagógico.

Naturalmente surgen preguntas: ¿qué atrae la forma esbozada del trabajo de los maestros en pedagogía? ¿Cuáles son sus ventajas especiales y específicas? ¿Cómo puede exactamente este tipo de actividad enriquecer el proceso educativo y pedagógico? ¿Qué perspectivas promete para el estudiante de música?

Al reducir el tiempo que lleva completar un trabajo, la forma de boceto de las clases conduce a un aumento significativo en la cantidad de material musical en el que trabaja el estudiante, a un notable aumento numérico de lo que se aprende y domina en el curso de las actividades educativas. La práctica del juego implica un repertorio educativo y pedagógico mucho más amplio y diverso de lo que podría ser el caso cuando cada "boceto" musical e interpretativo fuera "elevado" al nivel de una imagen sonora escrupulosamente "elaborada", completa en todos los detalles y particularidades. . Por lo tanto, la forma de boceto de trabajar en una obra, así como la lectura a primera vista, implementa plenamente uno de los principios centrales de la educación para el desarrollo, que requiere el uso de una cantidad significativa de material musical en la práctica educativa y pedagógica. Es aquí, en la capacidad de abordar "muchos" y "diferentes", la razón de la atención a la forma de boceto de las clases por parte de destacados maestros de la enseñanza musical, convencidos de que el estudiante debe esforzarse por ampliar al máximo la lista de obras dominadas. Como sea posible, debe aprender e interpretar tantas piezas musicales como sea posible, ya que su tarea principal es tener un amplio horizonte musical.

Limitar el tiempo para trabajar en una pieza, lo que ocurre en forma de boceto en las clases, significa esencialmente acelerar el ritmo de transmisión del material musical. El propio proceso educativo y pedagógico se acelera: el alumno se enfrenta a la necesidad de asimilar determinada información en un plazo breve y condensado. Este último, como bien señala L.V. Zankov, conduce al enriquecimiento continuo de conocimientos cada vez más nuevos, al rechazo de marcar el tiempo, de la repetición monótona de lo aprendido previamente. Por lo tanto, la forma esquemática de las clases contribuye a la implementación del principio de educación evolutiva en música, que contiene el requisito de aumentar el ritmo de trabajo en el repertorio educativo, el progreso intensivo y continuo del estudiante hacia adelante.

No es difícil descubrir que, en varios sentidos, el aprendizaje de bocetos, como forma de trabajo en el aula, es notablemente similar a la lectura musical a primera vista. En el marco de cada uno de este tipo de actividades, el alumno comprende un número importante de fenómenos musicales diferentes, y lo hace de forma rápida y eficaz. En ambos casos, el proceso educativo musical se basa en los mismos principios de la educación para el desarrollo. Al mismo tiempo, existe una cierta diferencia entre el dominio del repertorio en bocetos y la lectura a primera vista. A diferencia del conocimiento puntual y episódico de la nueva música, que es la lectura, el aprendizaje aproximado de una obra abre oportunidades para un estudio mucho más serio de la misma, por supuesto, siempre que la calidad de las lecciones satisfaga los requisitos necesarios. Tanto en pintura como en música, un boceto puede resultar más o menos exitoso. Estamos hablando de un "boceto" educativo y pedagógico bueno, hábilmente ejecutado y, a su manera, perfecto. En este caso, el estudiante no se limita a un conocimiento único y superficial del aspecto artístico de la obra; al tocarlo repetidamente, durante un cierto período de tiempo, comprende la esencia entonación-expresiva mucho más profundamente. musica interpretada, sus rasgos constructivos y compositivos y, en definitiva, su contenido emocional y figurativo. Por lo tanto, el pensamiento musical de un estudiante que trabaja de manera esquemática está involucrado en una actividad analítico-sintética de estructura muy compleja y ampliamente ramificada.

Lo anterior nos permite concluir: las lecciones sobre un instrumento musical, basadas en el principio de creación de "bocetos" interpretativos, tienen todas las razones para figurar entre las formas más efectivas del desarrollo musical general de un estudiante (y, lo que es especialmente importante, musical). -desarrollo intelectual). Junto con la lectura a primera vista, estas clases pueden aportar resultados particularmente significativos en situaciones en las que se plantean como tareas pedagógicas prioritarias la ampliación de los horizontes artísticos, la reposición de la experiencia musical y auditiva y la formación de las bases del pensamiento profesional de los estudiantes de música.

Ahora unas palabras sobre el repertorio para aprender a dibujar. En relación con esto, se puede plantear un requisito esencialmente decisivo: ser lo más diverso en composición, estilísticamente rico y multifacético

En principio, este repertorio puede y debe representar una gama mucho más amplia de nombres y obras de compositores que la utilizada por el profesor al compilar los programas de pruebas y exámenes convencionales. Esta es una característica específica del repertorio para el aprendizaje del boceto, su finalidad directa musical y pedagógica, porque sólo a partir de la comprensión de muchos fenómenos artísticos y poéticos toma forma el proceso de formación de un futuro músico.

Es importante que los trabajos aprendidos en forma de boceto complazcan al alumno y despierten en él una fuerte respuesta emocional. Si en los programas “obligatorios” (como exámenes o concursos) a veces hay algo que debería tocar para un joven músico, aquí es muy posible abordar en qué está trabajando Yo quiero trabajar. Por tanto, como muestra la experiencia práctica, es aconsejable y justificado satisfacer los deseos del alumno a la hora de elaborar una lista de obras de teatro “como referencia”; La política de repertorio del profesor en esta situación tiene motivos para ser mucho más flexible que, por ejemplo, en otras circunstancias.

En cuanto a la dificultad de las obras dominadas en forma de boceto, puede superar, en cierta medida, las capacidades interpretativas reales del alumno. Dado que una obra de la categoría de “bocetos” de trabajo en clase no está destinada a aparecer en el futuro en proyecciones y espectáculos públicos, el profesor tiene derecho a correr cierto riesgo. Este riesgo está tanto más justificado cuanto que es precisamente el camino de “mayor resistencia” en la actividad escénica el que, como se sabe, conduce a la intensificación del desarrollo musical y técnico motor general del estudiante. La mejor manera de estimular el progreso de los estudiantes, cree A. Cortot, es prever a tiempo su plan de trabajo para estudiar algún trabajo cuyo grado de dificultad sería definitivamente superior a todo lo que conocían hasta ahora. No se debe exigir una ejecución impecable de estos trabajos “demasiado difíciles”, cuyos frecuentes cambios son muy aconsejables. Así, A. Cortot tenía en mente precisamente la forma esquemática de las clases.

¿Debo aprenderme la obra de memoria como parte del boceto de la obra? Según varios profesores autorizados, esto no es necesario. Bastante confiado, "sólido" desde un punto de vista profesional, tocando música por notas. Además, “sería innecesario aprender de memoria esta forma de trabajo”, creía razonablemente M. Feigin. Y argumentó su pensamiento: “Para nosotros es importante que los estudiantes sepan tocar bien las notas... Al fin y al cabo, el futuro vida musical Con mucha más frecuencia se requiere que el pianista sepa tocar notas que realizar conciertos. En resumen, la capacidad de tocar notas debe desarrollarse sistemáticamente." 1

Las funciones y responsabilidades del docente que lidera el proceso educativo cambian notablemente en las condiciones del aprendizaje por bocetos. En primer lugar, el número de sus encuentros con el trabajo que el alumno está dominando en líneas generales disminuye, y de forma significativa. La experiencia demuestra que, en principio, dos o tres reuniones de este tipo son suficientes, especialmente cuando se trabaja con jóvenes estudiantes. Además, los problemas asociados con la interpretación de la música y su implementación técnica en el instrumento se resuelven mediante la creación de un "boceto" por parte del propio alumno. El profesor aquí parece alejarse del trabajo; su tarea es delinear el objetivo artístico final del trabajo, darle una dirección general y sugerir a su alumno las técnicas y métodos de actividad más racionales.

A pesar de que los recursos potenciales de la forma de trabajo del boceto en relación con el desarrollo musical general de los estudiantes son grandes y diversos, sólo pueden identificarse si se refieren regular y sistemáticamente a esta actividad. Sólo si el estudiante dedica una cierta parte de su tiempo cada día al aprendizaje del dibujo se podrá lograr el efecto deseado.

El dominio superficial de unas obras debe coexistir constante y ciertamente en su práctica con el aprendizaje completo de otras; Ambas formas de actividad educativa desarrollan plenamente su potencial sólo en combinación estrecha y armoniosa entre sí. Sólo bajo esta condición, la concentración del estudiante en la resolución de problemas cognitivos, musicales y educativos no perjudicará su desarrollo de las cualidades interpretativas profesionales necesarias, la capacidad de trabajar con cuidado y precisión en un instrumento musical, un requisito al que un maestro calificado nunca renunciará. .

1 Feigin M.E. Experiencia musical de los estudiantes // Cuestiones de pedagogía del piano. - M., 1971. - Edición. 3. - pág.35.

§ 15. Formación del pensamiento creativo activo e independiente de un estudiante de música.

Con todo el volumen de información musical que recibe un estudiante de una clase de interpretación durante la lectura a primera vista, con toda la versatilidad de conocimientos adquiridos por él en el curso del aprendizaje de bocetos de obras musicales, estos factores por sí solos, tomados de forma aislada, aún no son suficientes para desarrollo exitoso Cualidades personales y profesionales de un joven músico. Este desarrollo adquiere un alcance verdaderamente completo sólo si, como se señaló anteriormente, se basa en la capacidad del estudiante para adquirir de forma activa e independiente los conocimientos y habilidades que necesita, para navegar por toda la variedad de fenómenos del arte musical por sí solo, sin ayuda externa y apoyo.

En otras palabras, en el proceso de formación de una conciencia musical profesional, resulta igualmente importante Qué adquirido por el estudiante durante sus estudios, y luego Cómo se realizaron estas adquisiciones, de qué manera se lograron ciertos resultados.

La exigencia de iniciativa, independencia y cierta libertad de acción mental del estudiante refleja uno de los principios de la educación musical para el desarrollo mencionados anteriormente y, más ampliamente, uno de los principios didácticos fundamentales de la educación para el desarrollo en general.

El problema de desarrollar la independencia del pensamiento creativo en nuestros días ha adquirido un significado particularmente vívido; su relevancia está estrechamente relacionada con la tarea de intensificar el aprendizaje y mejorar su efecto en el desarrollo. Varios aspectos Este problema está siendo desarrollado y aclarado desde un punto de vista científico por muchos especialistas rusos y extranjeros. La pedagogía musical no permanece al margen de las tendencias que caracterizan el movimiento progresista de la pedagogía general. Los temas de estimulación de la iniciativa creativa y la independencia de los estudiantes hoy en día están sujetos a una consideración detallada y se consideran de suma importancia.

La pregunta natural es: ¿cómo se descifra el concepto de “independencia” en relación con los estudios musicales? La respuesta a esto no es tan simple e inequívoca como podría parecer a primera vista. Los conceptos de "pensamiento musical independiente" y "trabajo independiente en un instrumento musical" se interpretan de diferentes maneras y, en la mayoría de los casos, de forma aproximada y general. Por ejemplo, muchos profesores en ejercicio a veces no hacen diferencias fundamentales entre cualidades de las actividades educativas de los jóvenes músicos como la actividad, la independencia y la creatividad. Mientras tanto, estas cualidades no son en modo alguno idénticas por naturaleza; Asimismo, los términos que los expresan distan mucho de ser sinónimos: la actividad de un estudiante de música bien puede carecer de elementos de independencia y creatividad; la realización independiente de cualquier tarea (o instrucciones de un profesor) no será necesariamente creativa;, etc.

El concepto de independencia en la enseñanza de la música en general y de la interpretación musical en particular es heterogéneo en su estructura y esencia interna. Al ser bastante espacioso y multifacético, se revela en varios niveles, sintetizando (al tocar un instrumento musical, por ejemplo) la capacidad del estudiante para navegar por material musical desconocido sin ayuda externa, descifrar correctamente el texto del autor y crear una "hipótesis" interpretativa convincente. ; y voluntad de encontrar formas efectivas de trabajar, de encontrar las técnicas y medios de implementación necesarios diseño artístico; y la capacidad de evaluar críticamente los resultados de las propias actividades de interpretación musical, así como las de los demás.

muestras interpretativas y mucho más. En el aspecto pedagógico actual, el problema de fomentar la independencia de un estudiante de música afecta tanto a los métodos de enseñanza, los métodos de enseñanza (métodos) como a las formas de organización de las actividades educativas en la clase de interpretación musical.

El desarrollo del pensamiento independiente, inquisitivo y, en última instancia, creativo en el estudiante siempre ha sido un tema de preocupación incansable para los principales músicos. A modo ilustrativo podemos referirnos a los nombres y conceptos pedagógicos de algunos de ellos. Entonces, según las memorias de L.A. Barenboim, F.M. Blumenfeld nunca exigió la imitación de sus alumnos y no recurrió a "cosméticos" pedagógicos. Expresó muy enérgicamente su descontento con aquellos estudiantes que, mostrando timidez y pasividad creativa, intentaron descubrir o adivinar sus pensamientos sólo para deshacerse de la necesidad de descubrir algo por sí mismos. K.N. se adhirió a principios pedagógicos similares. Igumnov, quien constantemente enseñaba a sus alumnos a encontrar en la comunicación con él “sólo puntos de partida para sus propias búsquedas”. Las tareas del profesor se llevan aquí abiertamente más allá del ámbito de enseñar cualquier cosa; Para los destacados especialistas, estas tareas resultan mucho más amplias y significativas. Dar al estudiante principios generales básicos a partir de los cuales pueda seguir su camino artístico de forma independiente, sin necesidad de ayuda: este es el punto de vista del profesor L.V. Nikolaev. Fomentar la independencia y la iniciativa en un joven músico dicta en ocasiones al profesor la conveniencia de apartarse temporalmente del trabajo realizado por el alumno y prescribe la no injerencia en los procesos que tienen lugar en su conciencia artística. Antiguos alumnos de Ya.V. Flier dice que mientras trabajaba en un trabajo, el profesor a veces seguía una política de "neutralidad amistosa", si su concepto personal establecido no coincidía con las ideas del estudiante. En primer lugar, trató de ayudar al estudiante a comprenderse a sí mismo...

Sin embargo, sería erróneo suponer que centrarse en el desarrollo de un pensamiento creativamente independiente e individualmente estable en un estudiante impide a los maestros de la pedagogía interpretativa musical exigir de este último las llamadas “acciones según el modelo”. Esos mismos docentes que, si es posible, debilitan intencionalmente las “riendas del gobierno”, dando margen a la iniciativa personal del alumno, en los casos necesarios, por el contrario, regulan su desempeño de cierta manera, le indican de manera precisa y específica qué y cómo. que hacer en la pieza que está aprendiendo, y no abandonarla. El joven músico no tiene más remedio que someterse a la voluntad del maestro.

Hay que decir que tal método de enseñanza, por supuesto, tiene su propia razón: la comunicación por parte de un especialista altamente erudito, un maestro en su oficio, de información "ya preparada" al estudiante, cuyo destino sólo queda ser darse cuenta. y asimilarlo, trabajar mediante el método de “instrucción” directa y clara; todo esto. En determinadas circunstancias, conlleva mucha información útil tanto en la pedagogía musical como en la pedagogía en general. No hace falta decir que la asimilación de una cierta cantidad de conocimientos, información, etc. profesionales "ya preparados". Ahorra energía y tiempo al estudiante de muchas maneras.

La cuestión, sin embargo, es que los métodos de enseñanza que estimulan la iniciativa y la independencia del estudiante (“mira, piensa, prueba...”) y los métodos de pedagogía “autoritaria” (“recuerda esto, haz aquello...”) en el En la práctica de los maestros, por regla general, resultan hábilmente equilibrados. La proporción de estos métodos puede cambiar dependiendo de las situaciones que surjan en la enseñanza, provocando diversas formas de influencia en el alumno; esta es la tarea táctica del docente. En cuanto a la tarea estratégica, se mantiene sin cambios: “Hacerla lo más rápida y minuciosamente posible para que sea innecesaria para el estudiante... es decir, inculcarle independencia de pensamiento, métodos de trabajo, autoconocimiento y la capacidad de alcanzar metas, que se llaman madurez ..." (G.G. Neuhaus).

El panorama a menudo se ve diferente en la práctica general de la enseñanza de la música. Aquí rara vez se ve un curso para desarrollar la independencia creativa del estudiante y proporcionarle cierta libertad en el aprendizaje. Varias razones dan lugar a este fenómeno: la actitud desconfiada y escéptica de los profesores hacia la capacidad de los estudiantes para encontrar ellos mismos soluciones interpretativas interesantes; y el llamado “miedo a los errores”, la renuencia de los líderes de las clases de interpretación musical a asumir riesgos asociados con las acciones independientes y no reguladas desde el exterior de músicos jóvenes e insuficientemente calificados; y el deseo de dar a la actuación del estudiante atractivo visual y elegancia escénica (lo cual es mucho más fácil de lograr con el apoyo de la mano firme y guía del maestro); y egocentrismo pedagógico; y mucho más. Naturalmente, el maestro Es más fácil enseñar algo a su alumno que cultivar en él una conciencia artística individualmente original y creativamente independiente. Esto explica, en primer lugar, el hecho de que el problema del pensamiento independiente de un estudiante de música se resuelve en la práctica pedagógica de masas con mucha más dificultad y menos éxito que en la práctica de ciertos grandes maestros.

Si la actividad docente de este último, como se dijo, abarca las formas y métodos más diversos, a veces contrastantes, de influir en el alumno, entonces para un músico corriente en la pedagogía sólo hay un camino: directivo-directivo (“haz esto y aquello” ), dando lugar a sus manifestaciones extremas del notorio “entrenamiento”. El docente informa, instruye, muestra, indica y, si es necesario, explica; El alumno toma nota, recuerda y actúa. El científico alemán F. Klein comparó una vez a un estudiante con un cañón, que durante algún tiempo está lleno de conocimientos, de modo que un buen día (es decir, el día del examen) puede disparar con él sin dejar nada en él. Algo similar ocurre como resultado de los esfuerzos de la pedagogía musical autoritaria.

Y algunas reflexiones más en relación con lo anterior. Como ya se indicó, los conceptos de “actividad”, “independencia” y “creatividad” no son idénticos en su esencia interna. Desde el punto de vista de la psicología educativa moderna, la relación entre “pensamiento activo”, “pensamiento independiente” y “pensamiento creativo” puede representarse en forma de ciertos círculos concéntricos. Se trata de niveles de pensamiento cualitativamente diferentes, de los cuales cada uno de los siguientes es específico en relación con el anterior: genérico. La base es la actividad del pensamiento humano. De ello se deduce que el punto de partida inicial para estimular cualidades de la inteligencia musical como la independencia y la iniciativa creativa puede y debe ser la activación completa de esta última. He aquí el eslabón central de la cadena de tareas pedagógicas relevantes.

¿Cómo se activa la conciencia musical de un alumno de una clase de interpretación? Con toda la variedad de técnicas y métodos conocidos en la práctica para lograr este objetivo, pueden, en principio, reducirse a una sola cosa: presentar al estudiante intérprete una escucha cercana e ininterrumpida de su interpretación. Un músico que se escucha a sí mismo con atención constante no puede permanecer pasivo, internamente indiferente, emocional e intelectualmente inactivo. En otras palabras, es necesario activar al alumno, enseñarle a escucharse a sí mismo, a experimentar los procesos que tienen lugar en la música. Sólo caminando en la dirección indicada, es decir Al profundizar y diferenciar la capacidad del estudiante-intérprete para escuchar atentamente su propia interpretación, experimentar y comprender diversas modificaciones del sonido, el maestro tiene la oportunidad de transformar el pensamiento activo de su alumno en pensamiento independiente y, en etapas posteriores, en pensamiento creativo.

El problema del pensamiento creativo activo e independiente en la enseñanza de la música en general y de la interpretación musical en particular tiene dos aspectos estrechamente relacionados, aunque no idénticos. Uno de ellos está asociado con el resultado específico de la actividad correspondiente, el otro, con los métodos de su implementación (por ejemplo, Cómo el estudiante trabajó, logrando los objetivos artísticos y de desempeño previstos, hasta que punto sus esfuerzos laborales fueron de naturaleza creativa y exploratoria). El hecho de que los primeros (resultados) dependan directamente de los segundos (métodos de actividad) es bastante obvio. Podemos decir que el problema del desarrollo de la independencia en un estudiante en una clase de interpretación musical incluye, como componente principal, lo asociado a la capacidad de ser proactivo y creativo. estudiar en un instrumento musical. Se sabe desde hace mucho tiempo, desde los tiempos de los grandes pensadores y maestros del pasado, que la creatividad no se puede enseñar, pero puedes enseñarle trabajar creativamente(o al menos hacer el esfuerzo necesario para hacerlo). Esta tarea, repetimos, pertenece a la categoría de básica, de fundamental importancia en la actividad de un docente.

¿Cuáles son las posibles formas de resolver este problema? Varios profesores de música destacados recurren al siguiente método: se construye una lección en el aula como una especie de "modelo" de los estudios del estudiante en casa. Bajo la dirección de un profesor, se lleva a cabo algo así como un ensayo, “depurando” el proceso de tarea independiente del joven músico. Este último es informado y actualizado: cómo es aconsejable organizar y realizar las clases en casa; en qué secuencia disponer el material, alternando trabajo con descanso; explicar cómo identificar dificultades, ser consciente de ellas, delinear, en consecuencia, metas y objetivos profesionales, encontrar los más caminos correctos sus soluciones, utilizar técnicas productivas y formas de trabajo, etc.

Algunos de los profesores más experimentados sugieren al alumno: "Trabaja como lo harías en casa. Imagina que estás solo, que no hay nadie cerca, por favor, estudia sin mí..." - tras lo cual el propio profesor da un paso. a un lado y observa detrás del estudiante, tratando de entender cómo sería realmente su tarea.

Luego el profesor comenta lo que vio y escuchó, explica al alumno qué estuvo bien y qué no, qué métodos de trabajo tuvieron éxito y cuáles no. La conversación no es sobre cómo llevar a cabo una pieza musical, pero ¿cómo? trabajar arriba es un tema especial, específico y casi siempre relevante.

Lo anterior se aplica principalmente a estudiantes de escuelas y colegios de música. Sin embargo, incluso en las universidades de música, donde los estudiantes ya se dedican a las “acrobacias aéreas” (o, en cualquier caso, deberían hacerlo), a veces es útil tocar este lado del asunto y prestarle especial atención. “No hay arte sin ejercicio, no hay ejercicio sin arte”- dijo el gran pensador griego antiguo Protágoras. Cuanto antes comprenda esto un joven músico, mejor.

Y una última cosa. Uno de los signos característicos del pensamiento profesional desarrollado y verdaderamente independiente de un joven músico es la capacidad de hacer su propia evaluación, imparcial y bastante independiente de influencias externas, de diversos fenómenos artísticos y, sobre todo, en sus propias actividades educativas, la capacidad de hacer un autodiagnóstico profesional más o menos preciso. La tarea del profesor es fomentar y estimular este tipo de cualidad en todas las formas posibles.

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Svetlana Stepánenko
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Actualmente, el desarrollo de la teoría de la estética. educación realizado en tres direcciones: creatividad artística en el proceso de su formación; actividad artística independiente de los niños; , estableciendo diversos vínculos entre sus distintos partidos. Dirección principal - un enfoque integrado de la educación estética. Una de las características principales enfoque integrado- esta es la programación de la estética educación. Por primera vez se intentó crear un programa aproximado en el que las tareas de estética educación diseñado para cada grupo de edad jardín de infancia. Entre ellos educación Actitud estética hacia la naturaleza, los objetos circundantes, el arte utilizado en las clases, el trabajo y la vida cotidiana.

Señales un enfoque integrado de la educación musical y estética.

* educación musical debe enriquecer el carácter moral del niño, activar actividad mental, actividad física; * educación Actitud estética ante la realidad circundante, para musical el arte debería ayudar a establecer la conexión del niño con la vida; * contenidos y métodos de enseñanza musical Las actividades deben asegurar su unidad. educativo, funciones educativas y de desarrollo; * combinación de varios tipos de actividades (tradicionales, temáticos, complejo) debería fomentar el desarrollo de la iniciativa, la actividad y las acciones creativas; * complejo Métodos de enseñanza teniendo en cuenta los diferenciados individualmente. acercarse debe contribuir a la formación de la estética. Buenos modales, una tendencia al aprendizaje independiente y creativo, al desarrollo. musical Habilidades y primeras manifestaciones. gusto estético; * combinación armoniosa de todas las formas de organización actividades musicales infantiles(clases, juegos, vacaciones, entretenimiento, actividades independientes) debe contribuir al desarrollo artístico general integral de los niños en edad preescolar.

clases integrales de musica.

Musical Las clases son la principal forma organizativa de educación sistemática para niños de hasta edad escolar según los requisitos "Programas educación en el jardín de infantes» En musical clases hay una relación en la solución musical, estético y educativo- tareas educativas. Durante activo musical actividades, los niños adquieren los conocimientos necesarios, adquieren destrezas y habilidades que brindan oportunidades para la interpretación emocionalmente expresiva de canciones, musicalmente- movimientos rítmicos, melodías simples al tocar música infantil instrumentos musicales . Ya existe una estructura tradicional de clases bien probada. Los profesores lo han dominado con éxito y se ha justificado en gran medida. Sin embargo, estudios experimentales y la mejor experiencia pedagógica han demostrado que existen otras estructuras de lecciones que activan el proceso de aprendizaje. Estamos hablando de temas y clases integrales. Complejo las clases se llaman así porque una lección combina todos los tipos de arte actividades: discurso artístico, musical. Bien, teatral. Complejo la lección está unida por una tarea: familiarización con la misma imagen artística, con ciertos géneros de obras. (lírico, épico, heroico) o con uno u otro medio de expresión artística (forma, composición, ritmo, etc.) Objetivo integral clases: para darles a los niños una idea de las características específicas de varios tipos de arte ( música, pintura, poesía, teatro, coreografía, sobre las posibilidades de transmitir pensamientos y estados de ánimo en cualquier forma en su propio idioma original. actividad artística. Por lo tanto en complejo En las clases es importante no formalmente, sino reflexivamente combinar todos los tipos de actividad artística, alternarlos, encontrar similitudes y diferencias en las obras, medios de expresividad de cada tipo de arte, transmitiendo la imagen a su manera. A través de la comparación, la yuxtaposición imagenes artisticas los niños sentirán profundamente la individualidad del trabajo y se acercarán a comprender los detalles de cada tipo de arte. Complejo La lección tiene los mismos tipos de temas que la temática. El tema puede ser tomado de la vida real o tomado prestado de un cuento de hadas, asociado con una trama determinada y, finalmente, el tema puede ser el arte mismo.

Esta variedad de temas enriquece el contenido. clases complejas , proporciona al profesor una amplia variedad de opciones. Un tema tomado de la vida real o relacionado con un cuento de hadas, p. "Estaciones", « Personajes de cuentos de hadas» , ayuda a rastrear cómo la misma imagen es transmitida por diferentes medios artísticos, encuentre similitudes y diferencias en los estados de ánimo y sus matices, compare cómo se muestra la imagen del comienzo de la primavera, la naturaleza recién despertando y tormentosa, floreciendo, y observe los rasgos expresivos más llamativos. lenguaje artístico (sonidos, colores, palabras). Es importante que el cambio en la actividad artística no sea de carácter formal (los niños escuchan musica sobre la primavera, dibujar la primavera, dirigir bailes de primavera, leer poesía y estarían unidos por la tarea de transmitir algo similar a música Estado de ánimo en el dibujo, movimientos, poesía. Si las obras no son consonantes en contenido figurativo, sino que solo se combinan tema común, por ejemplo, después de escuchar un fragmento de una obra de P. I. Tchaikovsky "En la troika" del ciclo "Estaciones"(Suenan líneas tiernas, soñadoras del poema de N. A. Nekrasov "Jack Frost" --“No es el viento el que azota el bosque...”(severo, algo solemne, fuera de lugar música, pero cerca del tema, es necesario llamar la atención de los niños sobre el contraste de estados de ánimo, de lo contrario no se logrará el objetivo de la lección. En una lección dedicada al tema. "Personajes de cuentos de hadas", es interesante no sólo rastrear cuán diferente o similar se transmite la misma imagen en diferentes tipos de arte, sino también comparar cuánto obras musicales escrito sobre un tema, como obras de teatro "Baba Yagá" P.I.Tchaikovski de "Álbum infantil", "Baba Yagá" M. P. Mussorgsky del ciclo “Fotografías de una exposición” y miniatura sinfónica "Baba Yagá" A.K.lyadov o juega "Procesión de los Enanos" E. Grieg y "Enano" M. P. Mussorgsky del ciclo “Fotografías de una exposición” etc. Más difícil de realizar. lección compleja, cuyo tema es el arte mismo, las características de la expresión fondos: "El lenguaje del arte", “Los estados de ánimo y sus matices en las obras de arte” etc.

En la lección sobre el primer tema, puedes comparar colores en pintura con timbres. musical instrumentos o algún otro medio de expresión (registro, dinámica y sus combinaciones). Invite a los niños a escuchar musical trabaja en alto (luz) registro y bajo (oscuro, lleno de un sonido fuerte y brillante y uno suave y silencioso, comparando estos medios musical expresividad con intensidad de color en la pintura. También se puede hablar de una combinación de diferentes medios de expresión, por ejemplo, el juego de los niños funciona con la misma dinámica (tranquilo, pero en diferentes registros (alto y bajo, para que escuchen la diferencia de carácter). música. El sonido tranquilo en el registro superior crea un carácter suave y ligero ("Vals de S. M. Maikapara", y en el registro inferior, misterioso y siniestro ( "Baba Yagá" P. I. Chaikovski). Estas obras también se comparan con pinturas.

En integral En una lección sobre el segundo tema, es necesario encontrar sentimientos comunes transmitidos en diferentes tipos de arte. Aquí se utilizan tareas creativas, por ejemplo, transmitir en movimientos el carácter de un conejito alegre o cobarde, componer una canción, un cuento de hadas sobre él o dibujarlo. Al familiarizarse con las capacidades expresivas de este tipo de arte, los niños van adquiriendo experiencia gradualmente. percepción obras artísticas. El tema de este integral las clases pueden ser un estado de ánimo con sus matices, Por ejemplo: "Estado de ánimo solemne"(de la alegría a la tristeza, "Estado de ánimo alegre" (de ligero, gentil a entusiasta o solemne). Estos matices de humor se pueden rastrear a través de ejemplos de diferentes tipos de arte y transmitirse en obras creativas. asignaciones: componer una canción (amigable, suave o alegre, alegre, expresar este personaje con movimientos, hacer dibujos en los que estos estados de ánimo sean visibles. El maestro también puede centrar la atención de los niños en las imágenes encontradas con mayor éxito y hablar con ellos sobre cómo lograron transmitir tal o cual estado de ánimo. A veces juegan un juego, adivinando qué estado de ánimo quería expresar el niño en el movimiento que compuso. (baile, canción, marcha).

Complejo La actividad también se puede combinar con una trama, por ejemplo un cuento de hadas. Entonces, como en una lección temática de este tipo, las manifestaciones creativas de los niños se realizan más plenamente. prepara lecciones integrales de música gerente junto con educadores utilizar todos los conocimientos y habilidades que los niños han adquirido en otras clases. Las clases se llevan a cabo aproximadamente una vez al mes.

Desarrollo musical integral..

Las clases del programa se llevan a cabo en forma de juego, se basan en cambios frecuentes en las actividades, esto asegura Un enfoque complejo, la dinámica del progreso y el interés constante de los niños. Organización musical actividades se llevan a cabo en una variedad de formas: en forma de trama temática Lecciones de musica, complejo y clases integradas. Durante las clases en los primeros grupos. complejo musical desarrollo, se resuelven las tareas más importantes en el desarrollo infantil nka: Desarrollo mental, desarrollo físico, desarrollo estético. El objetivo del programa es el desarrollo mental general de bebés y niños pequeños. edad preescolar medio educación musical. Tareas programas: contribuir desarrollo temprano niño a través del complejo actividad musical; ayuda a los niños en edad preescolar primaria a entrar en el mundo en un emocionante juego música; siéntelo y vívelo sensualmente; crear los requisitos previos para la formación del pensamiento creativo; promover el aprendizaje práctico conocimientos musicales; formación de preparación para una mayor formación; desarrollo de habilidades comunicativas y complicidad: contacto, buena voluntad, respeto mutuo; Desarrollar en los niños cualidades que promuevan la autoafirmación. alusiones personales: independencia y libertad de pensamiento, individualidad percepción. El programa cumple con los requisitos modernos del programa educativo. Es de naturaleza evolutiva, centrada en lo general y musical desarrollo infantil en el proceso de dominarlo actividad musical. Tiene en cuenta las ideas de salud y desarrollo. componente: el principio de unidad del trabajo de desarrollo y mejora de la salud de los niños. El contenido del programa se centra en crear comodidad psicológica y bienestar emocional para cada niño. El programa está equipado materiales prácticos y manuales para clases individuales y grupales.

Únase al programa temprano el desarrollo integrado incluye: 1) Juegos al aire libre y logorrítmica. Desarrollo de la motricidad gruesa; desarrollo de la coordinación de movimientos y concentración de la atención; desarrollar coherencia de acciones en equipo, establecer relaciones positivas, desarrollar actividades productivas conjuntas; desarrollo de habilidades de interacción social y adaptación social en musicalmente- juegos psicologicos y ejercicios; desarrollo de la imaginación y la creatividad en el juego. ; formación de habilidades motoras; corrección del habla en movimiento (pronunciar, cantar, desarrollar la motricidad del habla). Material- "Lecciones divertidas", "Lecciones divertidas", "Aeróbicos para niños", "Pez dorado", "Puerta Dorada", "Juegos para la salud" etc. 2) Desarrollo de la motricidad fina. Desarrollo de la motricidad de los dedos, motricidad fina; desarrollo del habla (hablar y cantar canciones: juegos destinados a desarrollar la motricidad fina); desarrollo de la imaginación ( "Acostumbrarse a" en la imagen y carácter de los héroes de los juegos de gestos o de dedos); aprendiendo a contar. Material- "Está bien, diez ratones, dos cerditos". 3) Desarrollo de la audición y la voz. La entonación más simple. (voces de animales, sonidos de la naturaleza, sílabas divertidas). Desarrollo de la audición tonal, dinámica y tímbrica. Canto y movimiento, actuaciones. Improvisación de voz elemental. Material- "Canciones"- "Exclamaciones", "ABC - Poteshka", "Casa para gatos". 4) Desarrollo físico, desarrollo de la cultura del movimiento, trabajo de salud. Fortaleciendo el cuerpo del niño, formando un corsé muscular, desarrollando los sistemas respiratorio y cardiovascular. Desarrollo de la coordinación de movimientos, concentración, destreza, confianza en uno mismo. Desarrollo de las habilidades de creatividad motora. Basado en el uso material: "Juego de gimnasia", "Bastón de gimnasia para madres y bebés", "Juegos para la salud" etc. 5) Conociendo alfabetización musical, escuchando música, aprendiendo a tocar instrumentos de ruido y tono. Aprender a tocar instrumentos. Conociendo instrumentos musicales. Tocar música, tocar en una mini-orquesta (niños y padres). Audiencia obras musicales, Experiencia emocional música en improvisaciones plásticas. 6) Conocimiento de las letras, preparación para la lectura, desarrollo. discursos: En el proceso de esculpir y doblar letras de plastilina, se desarrolla la motricidad fina, la concentración de la atención, la coordinación de movimientos, se produce la familiarización con las letras en actividades prácticas y la preparación de los niños para la lectura. en el capitulo "Cantamos y leemos" una combinación de lectura de sílabas y canto (cantando) te permite no solo enseñar a leer sílabas, sino también trabajar tu voz y tu respiración. 7) Tareas creativas, desarrollo de la imaginación. Locución y dramatización de cuentos de hadas y poemas. Ilustración (dibujos, modelados, aplicaciones) juegos temáticos y cuentos de hadas. Bocetos plásticos e improvisaciones motrices en el contexto de la escucha activa. música. Reproducción de música instrumental. Improvisaciones sobre ruido y juegos infantiles. instrumentos musicales. 8) Clubes de musica.

Metas y objetivos de las lecciones. música.

Desarrollo musical y habilidades creativas generales a través de diversos actividades musicales, a saber, desarrollo: * memoria musical; audición melódica y rítmica; * formas adecuadas de autoexpresión; * la capacidad, por un lado, de repetir con precisión el material propuesto por el profesor y, por otro lado, de encontrar sus propias soluciones a la situación; * corrección del habla en movimiento con música. Desarrollo de habilidades mentales e intelectuales; * imaginación; reacciones; habilidades para escuchar y concentrarse; Habilidades de escucha para distinguir, contrastar y comparar. Desarrollo físico habilidades: * las habilidades motoras finas; habilidades motoras gruesas. Desarrollo de redes sociales habilidades: * capacidad de interactuar con otros; capacidad de controlarse a uno mismo. Desarrollando interés en musical actividades y la alegría de comunicarse con la música.

Formas de trabajo en el aula.

* cantando; * lectura expresiva de rimas infantiles y canciones infantiles; *juego para niños instrumentos musicales; * movimiento bajo música, bailar; * escuchando música; * dramatización de cuentos de hadas; * juegos al aire libre para desarrollar la reacción y la motricidad, desarrollando el control del movimiento.

Nuestro tiempo es un tiempo de cambio. Ahora Rusia necesita personas que sean capaces de tomar decisiones no estándar, que puedan pensar creativamente y que sean capaces de crear de forma positiva. Desgraciadamente, el jardín de infancia moderno aún conserva el estilo tradicional. enfoque para la adquisición de conocimientos. Muy a menudo el aprendizaje se reduce a la memorización y reproducción de técnicas de acción, métodos típicos para resolver tareas. La repetición monótona y pautada de las mismas acciones mata el interés por aprender. Los niños se ven privados del placer del descubrimiento y pueden perder gradualmente la capacidad de ser creativos. Por supuesto, muchos padres se esfuerzan por desarrollar la creatividad en sus niños: son enviados a clubes, estudios, escuelas especiales, donde trabajan con ellos profesores experimentados. La formación de las habilidades creativas de un niño está determinada no solo por las condiciones de su vida y educación familiar, pero también con clases especiales organizadas en instituciones preescolares. Música, cantar, dibujar, modelar, jugar, realizar actividades artísticas: todas estas son condiciones favorables para el desarrollo de las habilidades creativas. Me gustaría llamar su atención sobre clases integrales, en el que el desarrollo de las habilidades creativas se realiza a través de diversos tipos de arte. En integral Durante la lección, los niños se turnan para cantar, dibujar, leer poesía y bailar. Al mismo tiempo, realizar trabajos decorativos o trama. composiciones al son de una letra importante música Crea un estado de ánimo emocional y los niños completan la tarea con más éxito. En integral Durante la lección, los niños se comportan tranquilos y relajados. Por ejemplo, al realizar un dibujo colectivo, consultan quién dibujará y cómo. Si quieren poner en escena una canción, primero se ponen de acuerdo ellos mismos sobre sus acciones y se distribuyen ellos mismos los papeles. Durante las actividades de artes y manualidades. (tejiendo alfombras, pintando vasijas de barro) Puedes utilizar melodías populares rusas en grabaciones de Gram, lo que crea en los niños. buen humor, te dan ganas de tararear melodías familiares.

Clasificación clases complejas.

1 Por contenido complejo Las clases pueden ser variadas y se llevan a cabo en diferentes opciones: *bloques de clases separados para introducir a los niños en el mundo del arte (musicales y visuales) ; * bloques de actividades combinadas según las más interesantes para los niños temas: "Zoo", "Cuentos favoritos"; * bloques de lecciones para presentar a los niños las obras de los escritores, músicos, artistas y sus obras; * bloques de lecciones basadas en el trabajo para familiarizar a los niños con el mundo que los rodea, con la naturaleza; * bloque de lecciones sobre familiarización con arte popular; * bloque de lecciones sobre moral y emocional educación. 2. Estructura complejo Las actividades dependen de la edad del niño, de la acumulación de sensorial. experiencia: desde la observación en vivo hasta la visualización de pinturas, hasta percepción de la imagen en la poesía, música. * 3-4 años – observación en vivo un objeto o fenómeno más una vívida ilustración del mismo. * 4-5 años – una ilustración o pintura brillante, una pequeña obra literaria. * 5-6 años: una obra literaria más varias reproducciones que permitan resaltar los medios expresivos; musical trabajo o canción (como contexto o como parte independiente de la lección). * 6-7 años – una obra de arte más 2-3 reproducciones (que representa un paisaje similar o diferentes) o una descripción de un objeto o fenómeno en poemas (comparación, yuxtaposición); composicion musical(en comparación - ¿qué encaja a una reproducción o poema). 3. Complejo Las clases se dividen en dos tipos según el significado de los tipos. arte: tipo dominante, cuando domina un tipo de arte y el resto parece pasar a un segundo plano, por ejemplo, un poema sobre la naturaleza y música ayuda a comprender la imagen, su estado de ánimo)

tipo equivalente, cuando cada parte de la lección se complementa entre sí.

4. Complejo las clases pueden variar en combinación musical, obras visuales, artísticas.

Opción 1. Inclusión alterna de obras de diferentes tipos de arte. Objetivo: potenciar el impacto del arte en las emociones de los niños. Estructura: audición pieza musical; comunicación entre maestros y niños sobre el carácter pieza musical; ver una pintura; comunicación entre profesores y niños sobre la naturaleza de la pintura; escuchar una obra literaria; comunicación entre profesores y niños sobre la naturaleza de una obra literaria; comparación de similitudes musical, obras pintorescas y literarias según el estado de ánimo emocional expresado en ellas, la naturaleza de la muestra artística.

Opción 2. Inclusión por parejas de obras de distintos tipos de arte. Estructura: Escuche múltiples obras musicales; intercambio de opiniones entre maestro y niños, comparación de en qué se parecen y en qué se diferencian en carácter obras musicales; ver varias pinturas; comparación de similitudes y diferencias entre pinturas; escuchando varios obras literarias; comparación de las similitudes y diferencias de obras en carácter y estado de ánimo; comparación de estados de ánimo emocionales similares musical, pinturas y obras literarias.

Opción 3. Inclusión simultánea en percepción diferentes tipos de arte. Objetivo: mostrar armonía música, pintura y literatura. Estructura: sonidos musical trabajo y en su contexto maestro lee una obra literaria; maestro muestra un cuadro y ofrece a los niños varios musical obras u obras literarias y seleccionar solo una de ellas que esté en consonancia con una determinada obra de arte; suena igual musical una obra y los niños seleccionan entre varias pinturas u obras literarias una que esté en consonancia con su estado de ánimo.

Opción 4: Incorporar piezas contrastantes de diferentes tipos de arte. Objetivo: formar actitudes evaluativas. Estructura: escuchar obras literarias que contrastan en sonido; intercambio de opiniones entre el maestro y los niños sobre sus diferencias; ver pinturas que contrastan en color y estado de ánimo; intercambio de opiniones entre el maestro y los niños sobre sus diferencias; escuchar obras literarias de humor contrastante; intercambio de opiniones entre el maestro y los niños sobre sus diferencias; percepción similares entre sí musical, obras literarias y pictóricas; Intercambio de opiniones entre el maestro y los niños sobre sus similitudes.

Para poder llevar a cabo integral lección es necesario seleccionar las obras de arte adecuadas (literaturas, música, cuadro): * accesibilidad de las obras de arte para la comprensión de los niños (basado en la experiencia de la infancia); * realismo de obras de ficción, pintura; * atractivas para los niños; si es posible, se deben seleccionar obras que tengan una trama interesante que evoque una respuesta en el alma del niño.

Conclusión.

Cualquier musical La actividad debe dejar una huella en el alma del niño. Niños percibir la música a través del juego, movimiento, dibujo. Musas integradas Una actividad física ayuda a desarrollar la memoria, la imaginación, el habla y la motricidad general. Creativo un acercamiento impartir clases contribuye a la creación de una experiencia positiva en la formación cosmovisión del niño. Audiencia obras musicales, canto, ritmo, juego musical Las herramientas son las formas más efectivas de presentarle a un niño música.

En curso complejo los niños estudian de forma independiente y, a veces, con la ayuda maestro(especialmente en los grupos más jóvenes y medios) aprender a utilizar medios artísticos y expresivos de todo tipo de arte para transmitir una idea.

La experiencia artística adquirida tempranamente les ayuda a crear una imagen expresiva. (musical, poético, figurativo).

Las acciones conjuntas del docente con los niños y la comunicación con los compañeros crean las condiciones necesarias para la formación y desarrollo de habilidades creativas.

Necesitar Sacar un tema y desarrollar al niño para que en el futuro pueda crear algo nuevo y convertirse en una persona creativa. A menudo es demasiado tarde para desarrollar la creatividad del niño, ya que muchas cosas se aprenden mucho antes. “Todos venimos de la infancia...” Estas hermosas palabras de Antoine Saint-Exupéry podrían ser una especie de epígrafe del trabajo de los psicólogos infantiles que se esfuerzan por comprender cómo siente, piensa, recuerda y crea una persona al comienzo de su vida. camino de la vida. Es en la infancia preescolar cuando lo que determina en gran medida nuestra "adulto" destino.

Literatura.

Vetlugina N. A., Keneman A. V. Teoría y metodología educación musical en el jardín de infantes. Dzerzhinskaya I. L. educación musical niños en edad preescolar más jóvenes. Vygotsky L. S. Imaginación y creatividad en la infancia. Chudnovsky V. E. Educación Habilidades y formación de la personalidad. Chumicheva R. M. Preescolares sobre pintura. Bogoyavlenskaya D. B. Sobre el tema y el método de estudio de las habilidades creativas. Sazhina S. D. Tecnología de clases integradas en instituciones de educación preescolar.

El libro de texto describe los fundamentos de la teoría de la educación musical llevada a cabo en instituciones de educación general. La teoría de la educación musical es considerada como una asignatura educativa que revela la esencia de este campo. ciencia pedagógica. Se presta especial atención al arte de la música en el proceso educativo, la personalidad del niño en el sistema de educación musical, los principales componentes de la educación musical, la personalidad y actividades del profesor-músico. Todas las secciones del manual se presentan junto con tareas educativas y una lista de literatura recomendada para que los estudiantes desarrollen su pensamiento profesional, la formación de una posición personal y una actitud creativa ante los problemas que se estudian. El libro de texto está dirigido a estudiantes, estudiantes de posgrado, profesores de música, profesores de música en el sistema de educación adicional, profesores de instituciones de educación profesional superior y secundaria de pedagogía musical y todos aquellos interesados ​​en los problemas de la educación musical. 2ª edición, corregida y ampliada.

* * *

El fragmento introductorio dado del libro. Teoría de la educación musical (E. B. Abdullin, 2013) proporcionado por nuestro socio de libros: la empresa litros.

Capítulo 4. Propósito, objetivos y principios de la educación musical.

Al igual que la literatura y las bellas artes, la música invade decisivamente todos los ámbitos de la crianza y educación de nuestros escolares, siendo un medio poderoso e insustituible para configurar su mundo espiritual.

D. B. Kabalevsky

La educación musical, incluida la enseñanza de la música, puede presentarse en forma de un determinado estructuras, que consta de lo siguiente componentes: finalidad, objetivos, principios, contenido, métodos y formas.

4.1. El propósito y los objetivos de la educación musical.

Propósito de la educación musical

En la pedagogía moderna, se considera que el objetivo de la educación musical es formación, desarrollo cultura musical estudiantes como parte de su cultura espiritual general.

Concepto cultura musical de los estudiantes extremadamente voluminoso y puede tener diferentes interpretaciones. Esto es lo que D. B. Kabalevsky pone en primer lugar en el contenido de este concepto: “... la capacidad de percibir la música como un arte figurativo vivo, nacido de la vida e indisolublemente ligado a la vida, es un “sentimiento especial” de la música, obligar a uno a percibirla emocionalmente, distinguirla entre el bien y el mal, esta es la capacidad de determinar de oído la naturaleza de la música y sentir la conexión interna entre la naturaleza de la música y la naturaleza de su interpretación, esta es la capacidad determinar de oído el autor de una música desconocida, si es característica de un autor determinado, de sus obras, con las que los estudiantes ya están familiarizados…” . Así, D. B. Kabalevsky enfatiza la importancia de la alfabetización musical en el sentido amplio de la palabra como base sin la cual no se puede formar la cultura musical. En su opinión, también es importante desarrollar en los niños un espíritu escénico y creativo.

Este enfoque de los objetivos de la educación musical general es reconocido por casi todos los profesores de música nacionales. Sin embargo, cada uno de los autores de los conceptos de educación musical general revela este concepto a su manera, destacando ciertos aspectos del mismo.

Así, el propio D. B. Kabalevsky construye un sistema integral de formación y desarrollo de la cultura musical de los estudiantes basado en su revelación cada vez más completa de propiedades tan esenciales del arte musical como la entonación, el género, el estilo, la imagen musical y la dramaturgia musical en su conexión con la vida y otros. tipos artes, historia. Al mismo tiempo, se propone iniciar el proceso de aprendizaje musical a partir de tres géneros: canto, danza y marcha, ya que la experiencia previa en la comunicación con estos géneros permite que los niños lleguen a generalizaciones que contribuyan a la formación de habilidades para escuchar, interpretar, componer música conscientemente y pensar en ella.

La interpretación del objetivo de la educación musical – la formación de la cultura musical de la personalidad del estudiante – la lleva a cabo D. B. Kabalevsky en su concepto a través del prisma de los siguientes objetivos:

Una orientación educativa claramente expresada, promoviendo el desarrollo, en primer lugar, de una actitud interesada, de valor emocional, artístico-estético hacia la música, el pensamiento musical, el gusto musical-estético, las habilidades, destrezas y habilidades musical-creativas;

Confianza en el patrimonio musical mundial: el "fondo de oro" de obras musicales de diversas formas, géneros y estilos;

Creencia en el poder transformador de la música, en la posibilidad, con la ayuda de una hábil y sabia orientación pedagógica, del impacto beneficioso del arte, en primer lugar, en la esfera emocional y valorativa de la personalidad del alumno;

Desarrollo del pensamiento musical de los niños, su potencial creativo en el proceso de escuchar música, interpretarla y componerla.

V. V. Medushevsky, en su concepto “Educación espiritual y moral a través del arte musical”, afirma la necesidad de reactivar la educación musical de los niños. sobre una base religiosa e incluso la “explicación de la música profana” propone realizarse “en categorías espirituales”.

En el concepto de L.V. Shamina, la música también se reconoce como “un medio eficaz para educar el espíritu”. Pero a diferencia de V.V. Medushevsky, el autor propone. paradigma etnográfico de la educación musical escolar, proponiendo recorrer el camino desde la comprensión de la cultura etnográfica del propio pueblo hasta “la música del mundo”.

Según el concepto de L.A. Vengrus, el canto es un medio de introducir a los escolares en la cultura musical. El autor pide la implementación de una reforma de la educación musical mediante la introducción de una educación musical universal, que implica la implementación de “educación y crianza musical”. basado en el método de canto coral intensivo inicial".

La cultura musical de un niño se manifiesta en su educación y formación musical.

educación musical Implica, ante todo, una respuesta emocional y estética a obras altamente artísticas de música popular, clásica y arte contemporáneo, la necesidad de comunicarse con él, la formación de un círculo de intereses y gustos musicales.

Formación en educación musical. se manifiesta principalmente en el conocimiento de la música y sobre la música, en habilidades y destrezas musicales, en la amplitud y profundidad de la experiencia adquirida por el estudiante de una actitud emocional y valiosa hacia la música, así como en la experiencia en la actividad creativa musical.

La educación musical y la formación en la práctica de la educación musical existen indisolublemente, y la base de su unidad es la especificidad del arte musical, su carácter entonativo-figurativo. La musicalidad genéticamente inherente al niño y su desarrollo en el proceso de educación y formación específicas son la base para el desarrollo exitoso de su cultura musical.

L. V. Shkolyar, al caracterizar la cultura musical de los escolares, enfatiza especialmente que “la formación de un niño, un escolar como creador, como artista (y este es el desarrollo de la cultura espiritual) es imposible sin el desarrollo de habilidades fundamentales: el el arte de oír, el arte de ver, el arte de sentir, el arte de pensar…”. El autor identifica tres componentes de la cultura musical: la experiencia musical de los escolares, su alfabetización musical y su desarrollo musical y creativo.

El profesor y músico lituano A. A. Piliciauskas, al explorar el problema de la cultura musical de los escolares, propone considerarlo como una necesidad de actividad musical que surge sobre la base de conocimientos, habilidades y habilidades relevantes. Al mismo tiempo, el científico destaca que un alumno, al dominar un determinado plan de estudios, muchas veces se aleja de los valores propuestos en él y encuentra los suyos propios, que prácticamente no se mencionan en las clases. Existe un contraste entre la música académica, en la que se centra el profesor, y la “música alternativa” (el término de A. A. Piliciauskas, que en pedagogía significa la discrepancia entre las preferencias musicales del profesor y de los estudiantes), que, por regla general, no es jugado en la lección. Eliminar esta contradicción es una condición necesaria para la formación de la cultura musical de los estudiantes.

El sistema de educación musical existente en nuestro país proporciona las siguientes condiciones necesarias para el desarrollo de la cultura musical de los estudiantes:

lecciones de música obligatorias en instituciones de educación general;

Creando un expandido sistemas de educación musical adicional, implementado en trabajos musicales extraescolares y extraescolares, en los que todos pueden participar;

formación de profesores de música en el sistema de educación superior y secundaria especializada;

Brindando una oportunidad a los profesores de música para mejorar su nivel profesional. en el sistema de educación de posgrado;

Creación base educativa y metodológica.

El propósito de la educación musical, integrado en un concepto particular, determina la dirección de todos los componentes de la educación musical: objetivos, principios, contenidos, métodos y formas.

Principales objetivos de la educación musical.

Los principales objetivos de la educación musical actúan como la interpretación pedagógica más cercana a su objetivo y, en su conjunto, están dirigidos a la educación, formación y desarrollo musical del niño.

Tales tareas pueden incluir:

Desarrollo en los niños de una cultura de los sentimientos, empatía artística, sentido de la música, amor por ella; respuesta creativa, emocional y estética a las obras de arte:

Introducir a los estudiantes en la música popular, clásica y moderna, principalmente con obras maestras del arte musical en toda la riqueza de sus formas y géneros: orientación pedagógica en el proceso de adquisición de conocimientos sobre la música en su conexión espiritual con la vida;

Desarrollo de habilidades, destrezas y habilidades musicales y creativas entre los estudiantes en actividades de escucha, interpretación y “composición”;

Cultivar el sentido, la percepción, la conciencia y el gusto musical y estético de los estudiantes;

Desarrollo de la necesidad de comunicarse con música altamente artística;

Influencia del arte terapéutico en los estudiantes a través de la música:

Preparación intencionada de los estudiantes para la autoeducación musical;

Ayudar al niño a entenderse a sí mismo como individuo en el proceso de comunicación con la música.

Dependiendo de cuál de estas y otras tareas resulten ser una prioridad en un concepto particular de educación musical, en un plan de estudios específico, el objetivo de la educación musical adquiere un enfoque determinado. Esto caracteriza principalmente el estado de la educación musical rusa moderna, que se caracteriza por diferentes formas de lograr su objetivo original.

4.2. Principios de la educación musical

El componente más importante de la educación musical son los principios que se consideran puntos de partida que revelan la esencia del propósito y objetivos de la educación musical, la naturaleza de su contenido y proceso.

Los principios del estado de educación musical. el puesto de profesor de música en las siguientes áreas.

1. La orientación humanista, estética y moral de la educación musical se materializa en los siguientes principios:

Identificación de las diversas conexiones del arte musical con la vida espiritual;

Revelar el valor estético de la música;

Reconocimiento de las posibilidades únicas de la música en el desarrollo estético, moral y artístico del niño;

El estudio del arte musical en un contexto histórico general y en relación con otros tipos de arte;

Centrarse en ejemplos altamente artísticos (obras maestras) de arte musical;

Reconocimiento del valor intrínseco de la personalidad del niño en su comunicación con el arte.

2. La orientación musicológica de la educación musical se manifiesta en los siguientes principios:

Los estudiantes estudian el arte de la música basándose en la unidad de la música popular, académica (clásica y moderna), espiritual (religiosa);

Dependencia de los enfoques de entonación, género y estilo en el estudio de la música:

Divulgación a los estudiantes del proceso de escuchar, interpretar y componer música como formas de “vivir” personal en el arte de la música.

3. La orientación musical y psicológica de la educación musical se materializa en los siguientes principios:

El enfoque del proceso de educación musical está en el desarrollo de la personalidad y las habilidades musicales del estudiante;

Centrarse en que los estudiantes dominen varios tipos de actividades musicales;

Confianza en la unidad del desarrollo de principios intuitivos y conscientes en la educación musical;

Reconocimiento de la creatividad musical en sus diversas manifestaciones como uno de los incentivos más importantes para el desarrollo del niño:

Realización de las posibilidades arteterapéuticas de la música en la educación musical.

4. La orientación pedagógica de la educación musical se manifiesta en los siguientes principios:

Unidad de educación, formación y desarrollo musical de los estudiantes;

Atractivo, consistente, sistemático y científico en la organización de clases de música;

Relación dialéctica entre fines y medios musicales y pedagógicos;

Asimilación de la naturaleza de las actividades musicales al proceso musical-creativo.

La combinación y complementariedad de los principios anteriores de la educación musical aseguran enfoque holístico a la construcción de su contenido y organización.

En las últimas décadas, el problema de identificar y desarrollar principios de educación musical ha adquirido particular importancia. Muchos profesores de música nacionales y extranjeros abordan este problema. Además, cada autor o grupo de autores que trabajan para determinar el contenido de la educación musical general ofrece su propio conjunto de principios.

En el concepto musical y pedagógico de D. B. Kabalevsky, los siguientes principios adquieren una importancia fundamental:

centrarse en desarrollar el interés de los niños en las lecciones de música, según los cuales se basan en el desarrollo de la percepción emocional de la música por parte de los escolares, la actitud personal hacia los fenómenos del arte musical, la participación de los estudiantes en el proceso de creación musical artística y figurativa y la estimulación de su autoexpresión musical y creativa;

el enfoque de las lecciones de música en desarrollo espiritual personalidades de los estudiantes, en el que el contenido de la educación musical está dirigido principalmente a su desarrollo moral, estético, a la formación de la cultura musical de los escolares como parte importante e integral de toda su cultura espiritual: la conexión entre la música y la vida en el proceso de educación musical, llevado a cabo principalmente en la divulgación del contenido de temas educativos, en la selección de material musical y métodos de su presentación;

Introduciendo a los estudiantes al mundo del gran arte musical. clásica, folklórica, moderna, abarcando la diversidad de sus formas, géneros y estilos: estructura temática del programa, Lo que implica una divulgación específica y consistente del género, la entonación, las características del estilo de la música, su conexión con otras formas de arte y vida: identificar similitudes y diferencias en todos los niveles de organización del material musical y en todo tipo de actividad musical;

interpretación de la alfabetización musical en el sentido amplio de la palabra, incluyendo en el contenido de este concepto no sólo la notación musical elemental, sino también, en esencia, toda la cultura musical;

entender la percepción de la música como base de todo tipo de actividad musical y de la educación musical en general;

el enfoque de las lecciones de música en el desarrollo de la creatividad en el niño, que deben realizarse en las actividades de composición, interpretación y escucha.

Las obras de L. V. Goryunova proponen dos principios:

principio de integridad, lo cual se manifiesta en diferentes niveles: en la relación entre parte y todo en la música y en el proceso pedagógico; en la relación entre el consciente y el subconsciente, lo emocional y lo racional; en el proceso de formación de la cultura espiritual del niño, etc.;

principio de imaginería, basado en el dominio concreto-sensual y figurativo de la realidad inherente al niño, llevándolo a través de una visión figurativa del mundo a generalizaciones.

enseñar música en la escuela como arte figurativo vivo;

educar al niño en la esencia filosófica y estética del arte(problematización de los contenidos de la educación musical);

penetración en la naturaleza del arte y sus leyes;

modelado del proceso artístico y creativo; dominio activo del arte.

pasión;

la trinidad de actividad del compositor – intérprete – oyente; identidad y contraste;

entonación;

dependencia de la cultura musical nacional.

En el programa musical de T. I. Baklanova, desarrollado en el contexto del kit “Planeta del Conocimiento”, se proponen los siguientes principios de unidad:

Prioridades de valor;

Enfoques didácticos;

Estructuras de libros de texto y cuadernos de trabajo para todos los grados;

A través de líneas, tareas estándar;

Sistema de navegación.

A esto hay que sumar el principio de elección de tareas, tipo de actividad y socio, así como el principio de un enfoque diferenciado de la formación.

En conclusión, citamos las palabras de dos famosos músicos-profesores estadounidenses, los investigadores C. Leonhard y R. House, dirigidas a los educadores musicales sobre la necesidad de considerar los principios de la educación musical en su evolución y en relación con su propia experiencia práctica. : “Para evitar errores, los fundamentos de los principios deben estar sujetos a una doble verificación, basándose en el hecho de que no se deben tomar datos de fe que contradigan la propia experiencia, incluso si provienen de una fuente autorizada”.

Preguntas y tareas

1. Describir la cultura musical de un escolar como objetivo de la educación musical.

2. ¿En qué jerarquía ordenarías las tareas de la educación musical, especificando su finalidad?

3. Con base en el material estudiado, nombre uno de los principios más importantes, a su juicio, de la educación musical, centrándose en su orientación filosófica, musicológica, psicológica y pedagógica musical.

4. ¿Cómo se entiende la siguiente afirmación del músico-investigador alemán T. Adorno:

El objetivo de la educación debe ser familiarizar a los estudiantes con el lenguaje de la música y sus ejemplos más significativos. “Sólo... a través del conocimiento detallado de las obras, y no a través de una creación musical vacía y satisfecha, puede la pedagogía musical cumplir su función.

(Adorno T. Dissonanzen. 4-te Auful. - Gottingen, 1969. - S. 102.)

5. Comente los enfoques para caracterizar los principios de la educación musical formulados por los educadores musicales estadounidenses C. Leonhard y R. House:

Los principios ocupan un lugar estratégico en la educación musical: son reglas de acción basadas en conocimientos relevantes... Los principios de la educación musical necesitan una mejora constante... Los principios básicos deben ser reexaminados, basándose en el hecho de que no se deben tomar sobre datos de fe que contradicen la propia experiencia, incluso si provienen de una fuente autorizada... No todos los principios son del mismo tipo. Algunos cubren un área grande, otros sirven solo como una adición... El número y variedad de principios son infinitos, lo que significa que la sistematización es necesaria... Cuando los principios básicos del trabajo de un profesor de música se establecen conscientemente a través de un estudio especial. y el pensamiento duro, cuando expresa sus creencias reales, cubre todos los aspectos de su trabajo; esto significa que tendrá su propio programa operativo.

(Leonhard Ch., House R. Fundamentos y principios de la educación musical. -N. Y., 1959. -P. 63–64.)

6. Describa el principio de “educar al niño a la esencia filosófica y estética del arte (problematización del contenido de la educación musical), implementado en el programa desarrollado bajo la dirección de L. V. Shkolyar, después de leer la sección “Enseñanza de la música según los principios”. de educación para el desarrollo” en el manual “Educación musical en la escuela”.

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Metodista, profesora de piano.

Institución educativa municipal "Escuela secundaria nº 4" Escuela infantil "Kamerton"

G. Megión

Informe

Formación para el desarrollo en el sistema de educación musical.

Para evaluar la importancia de utilizar los principios de la educación para el desarrollo en el sistema de educación musical primaria, es necesario caracterizar todo el sistema nacional de educación musical; establecer paralelismos con el sistema educativo general; comparar los principios de la educación tradicional y del desarrollo.

El sistema de educación musical general incluye una serie de etapas sucesivas, cada una de las cuales es de fundamental importancia. Cualquier nivel educativo, a su vez, está compuesto por varios niveles, lo que permite hablar tanto de formación musical general multinivel como de formación pedagógica musical multinivel.

La primera etapa de la educación musical general son las clases de música en instituciones preescolares para niños a partir de los dos años. La teoría y práctica de la pedagogía preescolar determina las siguientes formas de organización de las actividades musicales de los niños: clases, uso de la música en vacaciones y entretenimiento, en el juego y en el trabajo independiente. Todas las formas prevén la educación y el desarrollo de los niños a través de actividades musicales conjuntas. Sin embargo, la tarea principal: el desarrollo práctico y el dominio de acciones, destrezas y habilidades para percibir la música, el canto, el movimiento y la ejecución de instrumentos musicales, rara vez se resuelve (5, 56).

La formación musical general continúa en las escuelas secundarias dentro del actual programa "Música". Sin embargo, para continuar con la educación musical es necesario el estudio en profundidad de disciplinas musicales con una especialización específica (instrumentos musicales) en las escuelas infantiles de música y en las escuelas infantiles de arte.

El sistema de educación musical y pedagógica en Rusia consta de varios niveles.

Niveles	Establecimientos educativos	Objetivos principales
Nivel 1	Escuela de Arte Infantil y Escuela de Música Infantil	Educación musical y estética de una amplia gama de niños, identificando a los estudiantes más capaces y preparándolos para la admisión a instituciones de educación especial.
Nivel 2	escuelas de musica y colegios pedagógicos musicales	Dominar los conceptos básicos de la enseñanza musical.
Nivel 3	departamentos de música de universidades pedagógicas (institutos de enseñanza)	mejorar las bases de la profesión docente y la educación humanitaria fundamental (educación superior general)
Nivel 4	departamentos de música de universidades pedagógicas (institutos de enseñanza), conservatorios	Amplia especialización, obtención de cualificaciones superiores.
Nivel 5	Escuela de posgrado	mejora de las cualificaciones científicas y pedagógicas

Según el dictamen, “la forma tradicional de educación es, ante todo, una pedagogía autoritaria de exigencias, donde la formación está muy débilmente conectada con la vida interior del estudiante, con sus diversas solicitudes y necesidades, y no existen condiciones para revelando las manifestaciones creativas del individuo. El autoritarismo del proceso de aprendizaje se manifiesta en la regulación de las actividades, la obligatoriedad de los procedimientos formativos; centralización del control; dirigido al estudiante promedio.

La posición del estudiante desde el punto de vista de la pedagogía tradicional: el estudiante es un objeto subordinado de influencias educativas, el estudiante aún no es una persona de pleno derecho. Posición del docente: el docente es el comandante, la única persona proactiva. En consecuencia, los métodos de asimilación de conocimientos se basan en la comunicación de conocimientos ya elaborados, el aprendizaje a partir de un modelo, la lógica inductiva de lo particular a lo general, la memoria mecánica, la presentación verbal, la reproducción reproductiva” (7, 36).

comparte el punto de vista y añade: “En estas condiciones, la etapa de realización de los objetivos educativos se convierte en trabajo forzoso con todas sus consecuencias negativas (alejar al niño de la escuela, inculcar la pereza, etc.)” (4, 50).

No estamos completamente de acuerdo con sus declaraciones y las consideramos controvertidas, ya que la educación tradicional incluye tecnologías que no pueden clasificarse completamente como autoritarias.

En el diccionario pedagógico leemos: “El autoritarismo (del latín autoritas - influencia, poder) es una característica sociopsicológica de una persona, que refleja su deseo de subordinar al máximo a sus socios en la interacción y la comunicación a su influencia, manifestada en autoridad, un la tendencia de una persona a utilizar métodos antidemocráticos para influir en los demás en forma de órdenes, instrucciones, instrucciones, etc. Todos estos rasgos son a menudo característicos de un maestro autoritario. El estilo autoritario de liderazgo pedagógico es un sistema educativo estresante basado en relaciones de poder, ignorando características individuales estudiantes, abandono de formas humanistas de interacción con los estudiantes (2, 5).

habló sobre la presencia de una paradoja en la pedagogía musical y aclaró: “En la pedagogía musical, tanto los enfoques suaves como duros hacia el estudiante pueden ser autoritarios. La paradoja es que el autoritarismo, como el deseo mediante las propias acciones de desplazar el contenido de la conciencia del estudiante, de suprimirlo cuando verdadera indiferencia según la opinión del estudiante, todo esto se manifiesta en una forma democrática (en apariencia)” (6, 82).

Por lo tanto, creemos que el grado de autoritarismo depende en gran medida de la personalidad del docente, y en la práctica pedagógica tradicional hay muchos ejemplos de actividades de docentes con un estilo democrático de cooperación con los estudiantes, la capacidad de abrir la comunicación y un autoconcepto positivo. , el deseo de mejora continua, la equidad y la amabilidad.

En la evaluación moderna, la tecnología de la enseñanza tradicional tiene lo siguiente positivo y negativo lados (8, 42):

Aspectos positivos	Lados negativos
Naturaleza sistemática de la formación.	Construcción de plantillas, monotonía. Tecnocracia del contenido
Presentación ordenada y lógicamente correcta del material educativo.	Distribución irracional del tiempo de lección. Privar a los estudiantes de las funciones de establecimiento de objetivos, planificación y evaluación. La lección proporciona solo una orientación inicial sobre el material y el logro de altos niveles de dominio se transfiere a la tarea.
Claridad organizacional	Falta de independencia estudiantil
Impacto emocional constante de la personalidad del docente.	Pasividad o actividad visible de los estudiantes. Comentarios débiles.
Gasto óptimo de recursos durante el entrenamiento masivo.	Segregación por edades Casi no hay lugar para la educación en la educación tradicional. Negatividad de los métodos de evaluación.

Por su naturaleza, los objetivos de la educación tradicional representan la transmisión al alumno de determinados patrones culturales, la formación de una personalidad con determinadas propiedades. En términos de contenido, los objetivos de la educación tradicional se centran principalmente en la adquisición de conocimientos, habilidades y habilidades, y no en el desarrollo del individuo (el desarrollo personal integral era una declaración) (8, 40).

Por supuesto, es importante para nosotros señalar que en Escuela moderna las tareas han cambiado algo: se ha eliminado la ideologización, se han producido cambios en educación moral, pero el paradigma traslacional de presentar la meta en forma de un conjunto de cualidades planificadas (estándares de aprendizaje) siguió siendo el mismo.

Así, la educación tradicional sigue siendo una "escuela de conocimiento", conserva la primacía de la conciencia del individuo sobre su cultura, el predominio del lado racional-lógico de la cognición sobre el lado sensorial-emocional (7, 35).

A su vez, la educación para el desarrollo se caracteriza por el antropocentrismo, la orientación humanista y psicoterapéutica, su objetivo es el desarrollo polivalente, libre y creativo del niño.

El cambio de énfasis en este problema se explica por varias razones.

La primera es que la educación en una sociedad democrática no puede apuntar únicamente a la formación de conocimientos y habilidades.

La segunda razón está relacionada con los procesos de desarrollo de la ciencia, enriquecimiento y aumento del volumen de conocimientos, que las instituciones educativas no pueden seguir, ya que es imposible incrementar constantemente los plazos de formación general y profesional. Debe tener como objetivo desarrollar formas de autoeducación independiente y continua en los estudiantes.

La tercera razón se debe al hecho de que durante mucho tiempo tener en cuenta las características de la edad se consideró un principio prioritario e inmutable de la educación. Si esto fuera realmente así, entonces ninguna cantidad de entrenamiento sería capaz de superar las capacidades limitadas de una época particular por naturaleza.

La cuarta razón está relacionada con el reconocimiento de la prioridad del principio de educación para el desarrollo; con el desarrollo de la teoría de la personalidad, que nos permite imaginar más plenamente los procesos de transformación personal en las distintas etapas; comprender los factores que determinan el crecimiento personal y los cambios personales; crear conceptos de educación para el desarrollo (, etc.) (10, 21).

Recurrir a la teoría del aprendizaje evolutivo en el campo de la pedagogía musical no es en modo alguno accidental. El hecho es que, como se sabe, “el arte musical no es sólo un medio de placer estético, sino también un gran medio de conocimiento de la vida, que ... puede poner en movimiento las capas más profundas de alma humana, Inteligencia humana" (). Y el proceso de aprendizaje en sí tiene importantes reservas para el desarrollo general y musical de los estudiantes.

Principios didácticos básicos de la educación para el desarrollo: aumentar el volumen de material utilizado en el trabajo educativo y pedagógico; acelerar el ritmo de aprobación del material educativo y pedagógico; aumentar la medida de la capacidad teórica del conocimiento; desarrollo de la iniciativa creativa y la independencia de los estudiantes.

Consideremos con más detalle el sistema de educación musical primaria, que tiene un potencial inagotable en la implementación de las prioridades educativas: humanismo, continuidad, coherencia, variabilidad, adaptabilidad, democracia y carácter salvador de la salud.

La educación y educación musical es una parte integral del proceso general dirigido a la formación y desarrollo de la personalidad humana. Por tanto, no pueden considerarse como una rama del conocimiento separada. Se ha establecido que “los escolares que destacan en música también estudian con éxito materias de educación general, y la vida confirma repetidamente que los músicos talentosos tienen habilidades extraordinarias en general” (3, 5).

Pero fenómenos como el declive demográfico, la propagación masiva de trastornos psicofísicos y motor-motores en los niños en edad preescolar, la falta de un entorno de desarrollo armonioso, así como una fuerte disminución en el número de niños sanos en edad escolar con un aumento general de la carga docente en las escuelas secundarias, la subestimación del papel del arte como uno de los medios más importantes de formación y desarrollo de la personalidad, la disminución del interés de los padres por la educación artística, aumenta la heterogeneidad de la población estudiantil de las escuelas de música para niños y de las escuelas infantiles. escuelas de arte en términos del nivel de habilidades, gustos y necesidades formadas, y complica el proceso de dominio de los programas educativos.

A menudo, la falta de competencia obliga a los estudiantes a aceptar a casi todos los que quieran y, por lo tanto, en los últimos años, estudiantes en la Escuela de Música Infantil no solo tienen buenas, sino también habilidades musicales mínimas.

Los psicólogos sostienen que todas las habilidades pueden desarrollarse y que el método de enseñanza de un tipo particular de actividad juega un papel decisivo en la manifestación de las habilidades de una persona en esta área. En el proceso de aprendizaje musical, un niño adquiere las habilidades, conocimientos y habilidades necesarios, al mismo tiempo que demuestra ciertas habilidades musicales, y es recomendable encontrar métodos de enseñanza que mejor las revelen.

En el proceso pedagógico, el docente actúa como intermediario entre los estudiantes y material educativo, constituyendo el contenido de la asignatura. Su tarea es organizar el aprendizaje de tal manera que los estudiantes, mientras dominan el contenido, se desarrollen con éxito y competencia. El pianista y profesor austriaco Arthur Schnabel escribió: “El papel del profesor es abrir puertas, no empujar al alumno a través de ellas” (11, 63). El proceso educativo se vuelve bien gestionado cuando el docente comprende claramente el propósito de la enseñanza, el contenido de la asignatura y los medios metodológicos para implementar las tareas pedagógicas.

El aprendizaje evolutivo se implementa en la relación de los conocimientos, destrezas y habilidades acumulados con el proceso de cognición en sí y la superación de las dificultades en el mismo, con las emociones y sentimientos que lo acompañan, con actividades practicas, que lo consolida y mejora. La pedagogía moderna requiere la inclusión de la actividad mental activa de los estudiantes en el proceso pedagógico: atención, percepción, memoria, imaginación, manifestaciones emocionales y volitivas. entrenamiento moderno y la educación se basa en la identificación de nuevos recursos intelectuales de la psique del niño. Una de las principales tareas de un docente al trabajar con niños es desarrollar y mantener el interés por los estudios musicales, lo que se verá plenamente facilitado por un enfoque integrado desde el punto de vista de la educación del desarrollo.

I. Evard aporta datos interesantes en su artículo: escribe que hoy en día la profesión de músico ha perdido su antiguo prestigio y los músicos a menudo trabajan fuera de su especialidad, pero lo sorprendente es que la mayoría de ellos tienen éxito. El músico resultó ser muy competitivo en el mercado laboral. Resulta que no en vano se pasan años de trabajo en escuelas de música, que los músicos crecen hasta convertirse en personas solicitadas y exitosas. ¿Cuál es el secreto aquí? Tras analizar esta paradoja optimista, el psicólogo musical y profesor concluye que la educación no es en modo alguno una forma de acumular conocimientos útiles que luego puedan “venderse”. La educación es una forma de educarse a uno mismo, a su mente, a su acercamiento a una variedad de fenómenos, a su capacidad para percibir y dominar nuevas ideas y formas de actuar. La educación es la clave para no tener miedo al cambio y actuar siempre según las circunstancias, obteniendo un resultado positivo. Esto es exactamente lo que es la educación musical, ya que contribuye mejor que cualquier otra a la consecución de estos objetivos.

El siglo XX, el siglo de los profesionales estrechos, está siendo sustituido por el siglo de la movilidad profesional. El desarrollo del mercado laboral exige el abandono de viejos estereotipos. Las personas que puedan adquirir fácilmente nuevas habilidades y cambiar sus hábitos serán promovidas a los primeros puestos. La evidencia científica confirma que estas cualidades se desarrollan mejor en una persona mediante la educación musical. La música acelera de manera integral el desarrollo general del niño; no solo aumenta la inteligencia en su conjunto, sino que también desarrolla la capacidad de trabajar en varias direcciones que cualquier persona necesita a la vez. Por ejemplo, las pruebas de memoria verbal mostraron que aquellos que aprobaron entrenamiento musical hasta los 12 años recuerdan palabras extranjeras mucho mejor que otras.

La música también es importante para desarrollar habilidades sociales. Resultó que el tipo de persona más armonioso es el músico. Los músicos no son nada agresivos; su hormona testosterona está en el límite inferior de lo normal. Datos interesantes del análisis de información estadística del investigador estadounidense Martin Gardener, quien estudió la conexión entre el crimen y la actividad musical. Encontró que quienes tocan música tienen menos probabilidades de involucrarse en actividades delictivas. Además, quienes tocan instrumentos musicales casi nunca participan en bandas criminales, y quienes saben música y saben leer a primera vista no se convierten en delincuentes en absoluto. Y si no queremos vivir en un mundo de agresión e intolerancia hacia la disidencia, entonces debemos echar una nueva mirada a la educación musical clásica y comprender que la música debe convertirse en una parte integral del programa educativo general. La educación musical es necesaria para los niños, en primer lugar, no para convertirse en músicos, sino para desarrollar en ellos la independencia, la capacidad analítica, los sentimientos estéticos y la competitividad en todos los ámbitos de la actividad profesional.

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