ENFOQUES ARTÍSTICOS Y DIDÁCTICOS MODERNOS EN LA EDUCACIÓN MÚSICA
N. N. Grishanovich,
Instituto de Conocimiento Moderno que lleva el nombre. A. M. Shirokova (Minsk, República de Bielorrusia)
Anotación. El artículo define y fundamenta enfoques artísticos y didácticos para organizar el proceso educativo musical que son relevantes para el paradigma moderno de la pedagogía del arte: valor-semántico, entonación-actividad, dialógico, sistémico, poliartístico. Se muestra que el enfoque funciona como un conjunto de herramientas para implementar los principios de la educación musical en el proceso educativo y requiere el uso de una determinada tecnología. Al ser el principio central y enfatizado, incorpora otros principios y métodos de enseñanza de la música.
Palabras clave: enfoque artístico y didáctico, valor, significado, entonación, actividad, diálogo, sistema, polientonación, motivación, desarrollo, método.
Resumen. En el artículo se definen y fundamentan cinco enfoques artístico-didácticos para organizar el proceso de educación musical. Son actuales para el paradigma moderno de la pedagogía del arte: sensibles a los valores, activas en la entonación, dialógicas, sistemáticas y poliartísticas. Se muestra que el enfoque desempeña las funciones de instrumentalidad durante la implementación de los principios de la educación musical y requiere la aplicación de nueva tecnología. Siendo el principio central y acentuado, el enfoque agrega una gran cantidad de otros principios artístico-didácticos y Métodos de enseñanza de la música.
Palabras clave: enfoque artístico-didáctico, valor, sentido, entonación, actividad, diálogo, sistema, polientonación, motivación, desarrollo, método.
El enfoque didáctico es el principio central para estructurar el contenido de la educación y elegir métodos para lograr sus objetivos, que se agrupa en torno a una serie de otros principios y se basa en ellos. Dado que la educación musical se basa en principios específicos de la didáctica artística, los enfoques deben ser artísticos y didácticos. Bajo-
el curso desempeña las funciones de herramientas (tecnología) en la implementación de los principios de la educación musical en el proceso educativo.
La investigación pedagógica enfatiza que paradigma cultural la educación requerirá enfoques orientados a la personalidad y basados en la actividad. La cultura se basa en la creatividad y la interacción viva, desarrollándose según las normas.
comunicación y cooperación. Por lo tanto, en una escuela culturalmente apropiada, los niños son introducidos a la cultura no tanto sobre la base de la asimilación de información cultural, sino en el proceso de organizar especialmente la suya propia. actividad creativa. El principio de basarse en las leyes del proceso cognitivo musical y su implementación práctica requiere la elección de enfoques artísticos y didácticos para la organización del desarrollo de la educación musical para los estudiantes que sean adecuados para ellos.
En el centro del enfoque semántico de valores está el desarrollo del lado motivacional de la actividad musical-cognitiva de los estudiantes y la capacidad de comprender espiritualmente la música (V.V. Medushevsky). La principal labor del alma de un niño es la apropiación de los valores humanos universales. Una persona adquiere su esencia espiritual, se convierte en parte de la humanidad, comprende la cultura y la crea. Por lo tanto, una persona espiritual como epicentro de la cultura, su valor espiritual más alto (P. A. Florensky) es al mismo tiempo el resultado y el criterio principal para evaluar la calidad de la educación 24 (E. V. Bondarevskaya). Desde estas posiciones, el epicentro de la educación musical es el alumno: el desarrollo de su musicalidad, la formación de la individualidad y la espiritualidad, la satisfacción de necesidades, intereses, posibilidades creativas. La educación musical de un individuo se manifiesta no solo en su desarrollo especial, la capacidad de interactuar con la cultura musical de la sociedad, es el proceso de formación de su cosmovisión.
El contenido artístico de la música seria encarna la sublime y hermosa vida del hombre.
espíritu quelico. Por lo tanto, comprender la verdad espiritual, el valor y la belleza de la música es el núcleo semántico de la educación musical. El objetivo del conocimiento musical no es la adquisición de conocimientos musicológicos, sino la profundidad de la penetración en la esencia superior del hombre, la armonía del mundo, la comprensión de uno mismo y las relaciones con el mundo. Análisis entonación-semántico. obras musicales como método principal de educación musical requiere el ascenso tanto del profesor como de los estudiantes a la percepción de la belleza y la verdad, a las alturas espirituales. alma humana. En las actividades musicales y cognitivas de los estudiantes, la música actúa no solo como un objeto de evaluación estética, sino también como un medio de evaluación espiritual y moral de la vida, la cultura y las personas.
organizando el arte
Cuando los estudiantes se encuentran con una pieza musical, el profesor debe dirigir constantemente su atención a la toma de conciencia de los aspectos axiológicos de la obra y de la situación artística y comunicativa. El enfoque semántico de valores no nos permite subestimar los significados morales y estéticos de la buena música. Los significados espirituales superiores no cancelan las asociaciones de vida “inferiores”, sino que establecen una perspectiva semántica para la percepción y la comprensión.
La función principal de la educación musical es el desarrollo de la audición entonativa de los estudiantes, su capacidad de entonación. pensamiento musical. La colocación de acentos espirituales en los contenidos y métodos de la enseñanza de la música requiere “la iluminación, la elevación del oído musical” de los estudiantes, su formación “como órgano de búsqueda y percepción de la belleza sublime”.
y no sólo el desarrollo de sus habilidades distintivas (V.V. Medushevsky).
El contenido de la asignatura está estructurado de tal manera que los estudiantes dominen la cultura musical nacional en conexiones dialógicas con la música clásica y moderna altamente artística de diferentes géneros y direcciones. Sin embargo, la educación musical no debe imponer valores; su tarea es crear condiciones para su reconocimiento, comprensión y elección, y estimular esta elección.
Desarrollo de la motivación. actividad musical estudiantes implica la estimulación pedagógica de sus intereses musicales y cognitivos, en los que se manifiesta el significado personal de acciones musicales específicas y de la educación musical en general. Se estimula la actividad bidireccional de la experiencia personal de los estudiantes: las asociaciones vitales y artísticas ayudan a la percepción del contenido y los medios expresivos de la imagen musical; La interpretación de obras musicales y la búsqueda de un significado artístico personal enriquece la cosmovisión de los estudiantes a través de la empatía y la aceptación de diferentes puntos de vista sobre los mismos fenómenos de la vida, plasmados en las obras de diferentes autores, diferentes épocas y tipos de arte.
Son de importancia prioritaria las tecnologías y métodos que tienen un carácter orientado a valores: aprendizaje evolutivo, aprendizaje basado en problemas, juegos artísticos y didácticos, construcción del proceso educativo sobre una base dialógica, personal-semántica, etc.
Al incluir a los estudiantes en diálogos con la cultura musical de la sociedad, el profesor no tiene derecho a imponerles sus valoraciones morales y estéticas, sus posición ideológica. Puede crear el contexto social y artístico necesario de una obra musical y estimular el análisis comparativo desde el punto de vista de la armonía y la falta de armonía, lo sublime y lo bajo. Puede fomentar la identificación de “temas eternos” en el arte y la comprensión de su perdurable relevancia espiritual. Pero al mismo tiempo, la interpretación semántica de imágenes artísticas es la creatividad de los propios estudiantes, que se basa en su sentido de entonación, vocabulario entonativo, habilidades de análisis semántico de entonación y generalización artística y sentimientos morales y estéticos emergentes.
Al penetrar constantemente en los secretos artísticos de las imágenes musicales, el profesor construye una manera para que los estudiantes las "descubran" como una solución a apasionantes problemas creativos y modelan el proceso creativo de un compositor, intérprete y oyente.
Se cree que el enfoque activo es el más tradicional en la educación musical. Hasta ahora se han creado planes de estudio y medios didácticos que propugnan la construcción de los contenidos de la educación musical por tipo de actividad. Con este enfoque, los estudiantes dominan sección por sección. canto coral, escuchar música, tocar instrumentos básicos, moverse con la música, improvisar, alfabetización musical. Cada sección tiene sus propias metas, objetivos, contenido,
métodos. En las lecciones de la materia básica “música”, estas secciones se combinan, creando la estructura característica de una lección tradicional.
rasgo distintivo Este enfoque es la prioridad de la formación y la asimilación predominante de conocimientos, habilidades y habilidades en una forma ya preparada, según un modelo. Sin embargo, la pedagogía moderna de la educación musical sostiene que dominar acciones basadas en un modelo y la asimilación de conocimientos en una forma ya preparada no puede ser la esencia de un enfoque de enseñanza basado en actividades. Este características tradicionales un enfoque explicativo-ilustrativo, en el que se asignan actividades a los estudiantes desde fuera. El profesor difunde contenidos ya preparados diseñados para que los alumnos los memoricen, controla y evalúa su asimilación.
El enfoque de actividad es característico de la educación para el desarrollo. Expandido actividades educativas Se lleva a cabo donde el profesor crea sistemáticamente condiciones que requieren que los estudiantes “descubran” conocimientos sobre un tema a través de la experimentación con él (V.V. Davydov). La actividad musical-cognitiva se lleva a cabo cuando los estudiantes reproducen el proceso mismo del nacimiento de imágenes musicales, seleccionan de forma independiente medios de expresión, revelan el significado de las entonaciones, la intención creativa del autor y del intérprete. La base de tales actividades es el desarrollo del pensamiento musical entonacional de los escolares en el proceso de modelar las propiedades comunicativas de una cultura musical integral, el diálogo personal y creativo del compositor, intérprete y oyente.
El centro del enfoque de entonación es el dominio de los estudiantes del habla musical entonada y en vivo en el proceso de escuchar, interpretar y crear su propia música "elemental", el desarrollo de la audición de entonación, la percepción-comprensión y el pensamiento musical. Modelar las actividades del compositor, intérpretes y oyentes es la base de la metodología para la masterización. discurso musical. A través de la acción activa, la entonación vocal, plástica, del habla y instrumental, los estudiantes recorren el camino hacia una imagen musical y descubren su significado entonacional. El contenido de la lección y de la asignatura en su conjunto se plantea como comunicación artística con el arte vivo, creado entonacionalmente, y no como la asimilación de conocimientos teóricos sobre la música. Las ideas musicológicas se forman sobre la base de la entonación y la experiencia práctica y son un medio para el desarrollo musical y creativo de los estudiantes (D. B. Kabalevsky, E. B. Abdullin, L. V. Goryunova, E. D. Kritskaya, E. V. Nikolaeva, V. O. Usacheva y otros).
La entonación es una propiedad esencial, el núcleo de todos los temas educativos del programa de música y, en consecuencia, la forma existencial de las competencias musicales clave de los escolares. El enfoque de entonación-actividad ayuda a los estudiantes a superar la separación entre la forma sonora de la música y su contenido espiritual. Dado que “detrás de la entonación siempre hay una persona” (V.V. Medushevsky), el descubrimiento de una persona y sus problemas en la música permite que la educación musical alcance un alto nivel humanitario, moral y estético de estudios humanos.
El enfoque dialógico requiere una dialogización de los contenidos y métodos de la educación musical basada en similitudes y contrastes. Dominar las obras musicales es siempre una co-creación dialógica: la obra creada por el compositor cobra vida y adquiere su plenitud semántica sólo gracias a las habilidades entonación-analíticas, interpretativas, interpretativas y la experiencia personal de los interlocutores: estudiantes y profesores (oyentes y artistas intérpretes o ejecutantes).
La cultura musical se entiende como un conjunto de obras (textos) dirigidas a interlocutores “próximos y lejanos” (compositores, intérpretes, oyentes, artistas, poetas, etc.). Los textos dialógicamente relacionados de la cultura musical y artística en general deben convertirse para los estudiantes en un tema deseable de comprensión personal y creatividad individual en el polílogo educativo.
La especificidad de un texto musical se manifiesta en su carácter incompleto, abierto e inagotable del contenido figurativo dirigido al oyente. Dado que la idea del compositor no sólo se esconde detrás del texto musical en su forma completa, sino que es revivida y concretada en el proceso de su interpretación por la conciencia opuesta del intérprete o del oyente, la interpretación semántica se convierte en uno de los problemas centrales del diálogo en la música. educación. Muchos científicos (M. M. Bakhtin, M. S. Kagan, D. A. Leontiev) creen que el fenómeno del arte surge sólo en el proceso de comprensión de la interacción entre el autor. obra de arte y su intérprete-co-creador.
Según los psicólogos, el dialogismo está "integrado" en las estructuras básicas de la conciencia y es una de sus principales propiedades. La conciencia humana se caracteriza por diálogos internos: con un interlocutor imaginario, consigo mismo, con una determinada posición semántica en el curso del razonamiento. El enfoque dialógico para la construcción del proceso cognitivo-musical se basa en la posición de la musicología moderna, que afirma que el oído musical se desarrolla en interacción con la audición del habla y todas las capacidades de percepción (plástica, visual, táctil, etc.), extrayendo significado de la vida y el contexto sincréticamente artístico (B V. Medushevsky, A. V. Toropova).
El dominio personal de las obras musicales es imposible sin cocreación dialógica, coautoría semántica. Los procesos de comprensión y conciencia sugieren que en el punto límite del encuentro de varias visiones sobre un mismo valor se forma un tenso espacio de diálogo en el que surgen 27 fenómenos resonantes asociados al proceso de maduración del significado individual. Este espacio de diálogo se crea con la ayuda del contexto artístico y de vida de la obra en estudio, que incluye obras de otros tipos de arte, materiales biográficos, experiencia personal etc.
La imagen creada por el compositor es el núcleo alrededor del cual se construye la vida de una obra musical. El autor, como iniciador de la comunicación, forma el texto musical según su intención en diálogo con los oyentes. Al intentar
Antes de adentrarse en el mundo del compositor en las diferentes etapas de la educación musical, se produce un diálogo entre individuos de diferente contenido, que implica recurrir a diversas obras y aspectos de la biografía del compositor.
Debido a la naturaleza dialógica de la educación musical, los estudiantes en la lección desempeñan roles activos como compositores, intérpretes y oyentes, artistas, poetas y pintores, camarógrafos, productores de sonido y guionistas. La comprensión del lenguaje entonativo de la música se produce en el proceso de polientonación.
itinerante, interpretación colectiva, juego artístico, modelado o creación de imágenes musicales.
La tarea más importante profesores: para crear una atmósfera interesante de comunicación artística y pedagógica que atraiga a los estudiantes y forme relaciones amistosas. Para organizar la interacción entre estudiantes, se utilizan ampliamente métodos grupales, por parejas y colectivos para organizar el proceso educativo y formas de juego de actividad creativa.
El sistema de comunicación interpersonal en el proceso educativo musical.
En el proceso de comunicación artística y pedagógica, el alumno pasa por al menos tres etapas: la primera es el diálogo interno con la música y el docente, la reflexión; el segundo es la inmersión de impresiones y pensamientos de maduración en la comunicación interpersonal con los alumnos y el profesor; el tercero es un monólogo extenso, cuando ya ha desarrollado un juicio de valor para sí mismo. Por tanto, un monólogo personal (oral o escrito) es un resultado natural y fructífero del diálogo. La ventaja del enfoque dialógico en la educación musical es el atractivo no sólo para el profesor, sino también para el contenido inspirado.
meta a cada estudiante como un individuo único.
Enfoque sistemático es una condición indispensable para organizar la formación para el desarrollo. Orienta a los metodólogos y profesores a revelar y comprender la integridad de la educación musical de un estudiante y las diversas conexiones entonativas y creativas de todos sus elementos que aseguran esta integridad, a encontrar un elemento formador de sistema en la estructura jerárquica de los contenidos y métodos de la proceso pedagógico musical.
Las conexiones internas de los componentes crean nuevas propiedades integradoras que corresponden a la
tipo de sistema y que ninguno de los componentes tenía anteriormente. Así, la organización temática del contenido de la asignatura (D. B. Kabalevsky) forma su marco semántico fundamental, uniendo todo tipo de actividad musical de los estudiantes en la entonación-percepción semántica y cognición de la música. Desarrollo lenguaje musical hasta primaria la creatividad de los niños(K. Orff) sintetiza ritmo, palabra, sonido, movimiento en la actividad de exploración artística de los niños. Al determinar el pensamiento musical como factor formador de sistemas en el desarrollo musical de los estudiantes, todas las habilidades musicales elementales (tipos de oído musical) se desarrollan interconectadamente, como propiedades del pensamiento musical (N. N. Grishanovich).
La educación musical de una persona es un sistema dinámico complejo con conexiones ordenadas dentro de su estructura. Cada elemento de este sistema puede considerarse como un subsistema de contenidos, actividad, desarrollo de habilidades, métodos, etc. Una lección de música, cualquier situación artística y comunicativa son también subsistemas de la educación musical.
La integridad de un sistema es fundamentalmente irreductible a la suma de las propiedades de sus elementos constituyentes. Cada elemento del sistema depende del lugar que ocupa en su estructura, funciones y conexiones con otros elementos dentro del conjunto. Por ejemplo, el sistema de D. B. Kabalevsky no excluye el canto coral, la alfabetización musical y otros conocimientos y habilidades, pero sus funciones y su lugar en el proceso educativo cambian radicalmente: en lugar de objetivos de aprendizaje privados, se convierten en medios para desarrollar la cultura musical de un individuo.
Un enfoque sistemático requiere buscar mecanismos específicos de integridad del proceso educativo musical e identificar suficientes imagen completa sus conexiones internas, así como identificar un elemento formador del sistema, a partir del cual es posible construir una “unidad operativa de análisis” del éxito o fracaso del funcionamiento de todo el sistema.
Enfoque poliartístico
Implica integración, síntesis de influencia artística. Y la integración es la revelación de la relación entonacional de las imágenes artísticas. Al dominar la expresividad simultáneamente con la ayuda de diferentes lenguajes de entonación, los estudiantes perciben mejor los matices de la expresividad y pueden expresar más plenamente sus experiencias y comprensión.
La entonación es una categoría artística general. Esta es energía espiritual encarnada en el material y la imagen del arte. La naturaleza entonacional-figurativa general de todos los tipos de arte es la base de su interacción, integración y síntesis (B.V. Asafiev, V.V. Medushevsky). Descubre significados espirituales 29 imagen artística ayuda a los estudiantes a comparar obras de diferentes tipos de arte que las encarnan a su manera.
La experiencia de entonación expresiva y comunicación entonacional (habla, música, plástica, color) es acumulada por los estudiantes en el proceso de dominio paralelo de las disciplinas del ciclo artístico, así como con la ayuda de la técnica de la polientonación, el surgimiento de tipos sintéticos. de la actividad artística en el proceso educativo: “dibujo de voz”, “dibujo plástico”, partituras de poemas y pinturas,
creación de una partitura de entonación de un texto literario, declamación rítmica, composición literaria y musical, onomatopeya (creación de imágenes sonoras), habla y juegos plásticos.
Es necesario tener en cuenta que una de las propiedades más importantes del pensamiento artístico, incluido el musical, es la asociatividad. En la enseñanza de cualquier arte, todos los demás tipos de arte crean la atmósfera asociativa-figurativa necesaria, que ayuda a ampliar la vida y la experiencia cultural de los estudiantes, alimenta su imaginación y crea las condiciones para el desarrollo óptimo del pensamiento artístico. Con la ayuda de obras de varios tipos de arte, se crea una atmósfera emocional y estética en la lección. percepción artística, proporcionando un "ajuste" emocional, la creación de una actitud perceptiva y estética adecuada hacia el encuentro con una imagen artística.
Atraído por la similitud y la confianza en el contenido. lecciones de musica Las obras de tipos de arte relacionados crean un contexto artístico para las obras en estudio, contribuyen a la dialogización del contenido del tema y a la creación de situaciones problemáticas y creativas. El uso de tecnologías de desarrollo se basa en la polientonación, es decir, modelar la imagen artística y el proceso creativo con la ayuda de elementos expresivos de varios lenguajes artísticos.
El enfoque poliartístico de la educación artística fue justificado teóricamente por B.P. Yusov, quien creía que este enfoque.
causado por la vida y la cultura modernas, que han transformado radicalmente todos los parámetros de los sistemas sensoriales. La cultura moderna ha adquirido un carácter poliartístico, polilingüe y polifónico. una naturaleza de todo tipo de arte presupone su integración y la realización de las capacidades poliartísticas de cada niño.
Este enfoque se caracteriza por la idea del predominio en diferentes edades de diferentes tipos de percepción artística de la vida y, en consecuencia, diferentes tipos de arte. Los tipos de arte actúan como módulos (bloques sucesivos alternados) de un único espacio artístico. campo educativo"Artes", dominando a su vez a medida que pasamos de los grados junior a middle y senior. Dependiendo del tipo de actividad artística dominante en una etapa de edad determinada y de los intereses de los estudiantes, los tipos de arte que predominan en el complejo poliart se reemplazan entre sí según un esquema modular deslizante. En un ecosistema artístico y pedagógico integral se crean las condiciones para una comprensión más completa de los diferentes lenguajes artísticos y tipos de actividad artística en su interrelación, y se asegura la capacidad de transferir ideas artísticas de un tipo de arte a otro, lo que conduce a la universalización del talento artístico de un individuo.
El enfoque poliartístico de la educación artística se puede implementar en dos tipos de programas: 1) programas que integran el estudio de todos los tipos de arte; 2) programas para clases
ciertos tipos arte, integrado con otros tipos de actividad artística. El énfasis en el contenido de las clases pasa de la tradición de la historia del arte de dominar un sistema teórico de conocimiento al desarrollo de diversos tipos de actividades artísticas y creativas propias de los niños. La educación se basa en la interacción de los estudiantes con el “arte vivo”: sonido vivo, colores vivos, movimientos propios, discurso expresivo, vivir la creatividad de los niños. Se cultivan formas integradas e interactivas de trabajo con los estudiantes, desarrollando el pensamiento artístico, la imaginación creativa, las habilidades de investigación y comunicación.
Al implementar juntos los principios específicos de la educación musical, los enfoques artísticos y didácticos considerados se pueden utilizar de manera interconectada, mejorando la efectividad de cada uno en el proceso educativo y determinando su conformidad con el paradigma cultural y orientado a la personalidad de la pedagogía del arte moderno.
LISTA DE FUENTES Y REFERENCIAS
1. Yusov B.P. Interrelación de factores culturales en la formación del pensamiento artístico moderno de un docente en el campo educativo “Arte”: Izbr. tr. en historia, teoría y psicología de la educación artística y educación poliartística de los niños. - M.: Compañía Sputnik+, 2004.
2. La pedagogía del arte como nueva dirección en las humanidades. Parte I. / Ed. col.: L. G. Savenkova, N. N. Fomina, E. P. Kab-kova y otros - M.: IKhO RAO, 2007.
3. Enfoque integrado interdisciplinario de la enseñanza y la educación con el arte: sáb. científico artículos / Ed.-comp. E. P. Olesina. bajo general ed. L. G. Savenkova. - M.: IKhO RAO, 2006.
4. Abdullin E. B., Nikolaeva E. V. Teoría de la educación musical: un libro de texto para estudiantes. - M.: Academia, 2004.
5. Abdullin E. B., Nikolaeva E. V. Métodos de educación musical. Libro de texto para universidades. - M.: Música, 2006.
6. Goryunova L.V. De camino a la pedagogía artística // Música en la escuela. - 1988. - No. 2.
7. Grishanovich N. N. Fundamentos teóricos de la pedagogía musical. - M.: GRUPO IRIS, 2010.
8. Zimina O. V. Diálogo en la actividad profesional de un docente de música: Manual educativo P4 / Responsable. ed. E. B. Abdullin. -Yaroslavl: Remder, 2006.
9. KrasilnikovaM. S. La entonación como base de la pedagogía musical // Arte en la escuela. - 1991. - No. 2.
10. Medushevsky V.V. Forma de entonación de la música. - M.: Compositor, 1993.
11. Teoría y metodología de la educación musical de los niños: científica y metodológica. manual / L. V. Shkolyar, M. S. Krasilnikova, E. D. Kritskaya y otros - M.: Flint; Ciencia, 1998.
Alefieva A.S.
Profesor de música.
Volgogrado
El enfoque de la entonación como directriz metodológica líder en la pedagogía moderna de la educación musical general.
En la situación sociocultural moderna, ha surgido la necesidad de modernizar la educación musical general, su transición de un paradigma tecnocrático a uno humanitario, lo que se debe a los problemas que han surgido en la educación musical general moderna.
A su vez, en la educación musical general moderna se han desarrollado ideas bastante claras según las cuales la especificidad de la actividad de un músico intérprete se considera principalmente como una actividad dirigida a resolver problemas relacionados con la interpretación creativa de obras de arte musical. Para resolver este problema ha sido necesario recurrir a diversos enfoques metodológicos que permitan actualizar el sistema de educación musical general. Dichos enfoques incluyen enfoques estilísticos, de género y de entonación. Por supuesto, cada uno de estos enfoques tiene sus propias particularidades. El enfoque más relevante para implementar el contenido de la educación musical general moderna es la entonación, ya que el significado de la música radica en la entonación, y es la entonación la que ayuda al músico intérprete a comprender el contenido de una obra musical.
Para comprender la esencia del enfoque de la entonación, es necesario considerar el concepto de entonación desde una perspectiva histórica y moderna. Los primeros estudios sobre la naturaleza entonacional de la música se destacan en las obras de B.V. Asafiev y B.L. Yavorsky. Fueron estos estudios los que sentaron las bases para el desarrollo de la teoría de la entonación en la musicología rusa.
Entendiendo B.V. La entonación de Asafiev está asociada con las características específicas de la entonación del habla. Asafiev pensaba que la entonación musical tenía una fuente semántica común con la entonación expresiva del habla verbal y siempre la comparó con los fenómenos del lenguaje, el habla y las palabras. El investigador no fue el único que dedujo la entonación musical a partir del sonido del habla; su idea fue continuada por L.L. Sabaneev en el libro "Música del habla", publicado en 1923.
LICENCIADO EN DERECHO. Yavorsky también consideró la entonación como habla sonora, pero en un aspecto modal específico. Señaló que “la entonación musical es una célula constructiva del habla y, como tal, está organizada en un cierto nivel desarrollo cultural cada pueblo."
Una nueva ola de interés por la entonación musical surgió en el pensamiento científico nacional, cuando se comenzó a abordar su interpretación desde las posiciones de la filosofía, la estética, la semiótica, la lingüística, la psicología, la fisiología y varias otras ciencias afines.
Por ejemplo, la correlación de la entonación musical con las palabras y el habla se presenta en las obras de A.S. Sokolova. Correlaciona la entonación musical con elementos del lenguaje verbal y del habla: lexemas, fonemas, entonaciones y entonemas. El investigador compara la entonación verbal y la entonación musical, de lo que se deduce que ambos fenómenos están relacionados por la similitud de un contenido específico, pero se distinguen fundamentalmente por la independencia, la distinción de la entonación musical y el significado semántico auxiliar que acompaña a la entonación del habla. Sokolov también enfatiza la naturaleza fundamentalmente diferente de la organización tonal de la entonación musical y del habla. El científico señala que la principal diferencia entre la música y el habla verbal es la ausencia en este último de una organización discreta del tono del sonido y la naturaleza normativa de cambios suaves en los parámetros del sonido.
Atención especial Atraer los trabajos de investigadores extranjeros sobre la entonación como uno de los principales elementos del lenguaje. Así, B. Eikhenbaum define la entonación como el principal parámetro de similitud entre poesía y música. “La sincretización de la poesía con la música, de la que nace el “modo canción” de la letra, se expresa en el predominio del factor entonación. La entonación del habla adquiere un carácter melodioso y, al entrar en contacto con las cadencias rítmicas, forma un movimiento melódico”.
P.EJ. Etkind argumentó que es “la entonación la que concentra la vida de un verso, la dinámica de su sonido”. Al traducir poesía de un idioma a otro, Etkind pide preservar no la métrica del verso, sino su entonación.
En la musicología rusa moderna, V.V. continuó el desarrollo de la teoría de la entonación musical. Medushevsky. En varios artículos dedicados a la "forma de entonación", el investigador se interesó por la naturaleza de la naturalidad y vivacidad de la entonación musical. V.V. Medushevsky caracterizó la entonación como una expresión de los pensamientos del compositor. La entonación es capaz, según el investigador, de “convertir” la experiencia de toda una cultura, de contener todas las funciones sociales y estéticas del arte musical.
En las obras de V.V. Medushevsky describe la más amplia gama de contenidos de entonación, señala las posibilidades de reproducir en ella todo tipo de movimientos y un campo verdaderamente ilimitado de entonaciones musicales y del habla. Estos son tipos específicos y detallados de contenido de entonación.
V.V. Medushevsky definió un sistema teórico de entonaciones musicales que incluye tipos heterogéneos que se han desarrollado en la práctica de la escucha musical y profesional. creatividad musical, compositivo e interpretativo: 1) entonaciones emocionales y expresivas (vidas y tipificadas por el arte musical); 2) entonaciones objetivas-figurativas transmitidas en la música como arte temporal a través de la representación de movimientos (representación de fenómenos mundo exterior y arte); 3) musical - entonaciones de género; 4) entonaciones musicales y estilísticas; 5) entonación de los medios individuales tipificados en la música: armónicos, rítmicos, melódicos, tímbricos, etc. Desde el punto de vista de la escala, diferencian: 1) la entonación generalizadora de toda la obra; 2) entonación de secciones, estructuras y temas individuales; 3) detallar las entonaciones de momentos individuales. Cabe destacar que la creatividad del intérprete crea variantes interpretativas de todo tipo de entonaciones.
Posiciones de V.V. Medushevsky continuó desarrollándose en sus investigaciones por musicólogos modernos como V.N. Kholopova, E. A. Ruchevskaya y otros señalan que la entonación en la música es una unidad expresiva y semántica que existe en una forma de sonido no verbal, que influye directamente y que funciona con la participación de la experiencia del contenido musical y las representaciones asociativas extramusicales. "
Así, en musicología, la categoría “entonación” recibe consideración diferentes niveles: como organización de tonos musicales a gran altura; como forma de expresión musical; como unidad semántica en la música, etc. En este sentido, se están desarrollando activamente algunos aspectos de la teoría de la entonación: la relación entre la música y el habla basada en la identificación de sus similitudes y diferencias de entonación; la procesualidad de la música como su característica específica; semántica de la entonación musical en su evolución histórica, etc. Pero A pesar de las muchas definiciones diferentes de entonación ofrecidas por los investigadores nacionales y modernos más famosos, la esencia de este concepto sigue siendo la misma. La definición fundamental prioritaria del concepto de entonación, como un concepto complejo y tridimensional, que representa una combinación de la trinidad de creatividad, interpretación y percepción de una obra de arte, fue asignada a B.V. Asafiev.
También esta categoría La psicología musical tampoco lo pasó por alto. La entonación se ha convertido en objeto de estudio de investigadores como E.V. Nazaykinsky y A.L. Gottsdiener. El famoso psicólogo A.L. Gotsdiner, refiriéndose a la historiografía de la cuestión del surgimiento de la entonación, señala que la entonación precedió al habla y se formó para designar los estados emocionales más estables y profundos de una persona: alegría, deleite, miedo, desesperación, etc. .
A su vez, E.V. Nazaikinsky, al estudiar la entonación, en la intersección de la musicología y la psicología, enfatizó los puntos comunes del habla verbal y la música. El ensayo "La entonación en el habla y la música" del libro de E.V. está dedicado principalmente a este tema. Nazaykinsky "Sobre la psicología de la percepción musical". Aquí Nazaykinsky señala la influencia del sonido de la entonación del habla en el sonido de la entonación musical, pero habla del impacto de toda la experiencia de una persona en su percepción de la entonación musical. El investigador señala acertadamente la diversidad de comprensión de la entonación musical y la falta de un significado único de esta palabra. Aclara, por su parte, las características tanto del habla como de la entonación musical. Como señaló E.V. Nazaikinsky “La entonación del habla en el sentido estricto de la palabra es sólo la curva tonal del habla, en en un sentido amplio sistema de subelementos: movimiento de tonos, ritmo, tempo, timbre, dinámica, factores articulatorios”.
En la pedagogía de la educación musical general, la categoría de entonación también se considera desde diversas perspectivas semánticas. Su elección depende del tipo de actividad en la que se utiliza el enfoque de la entonación, del ejemplo de qué material musical se estudia y a qué tareas específicas se enfrenta el profesor-músico. Muy a menudo, la entonación se interpreta como el "grano" del desarrollo de una forma musical. Este enfoque fue presentado por primera vez por D.B. Kabalevsky, quien definió la comprensión entonacional de la música. dirección prioritaria educación musical y educación, permitiendo abarcar en su totalidad e integridad el ámbito entonativo-auditivo y práctico de la actividad musical y artística.
En la pedagogía de la educación musical, el enfoque de la entonación se utiliza en relación con la solución del problema de "entrar" en la música, percibiéndola "como arte vivo". Este enfoque es necesario para desarrollar las habilidades de conocimiento artístico de las obras musicales, por lo que el enfoque de la entonación adquiere especial relevancia.
Como ya hemos dicho, en las actividades escénicas musicales el proceso de entonación es el foco de atención y, por su naturaleza, está dirigido al proceso de reproducción sonora significativa de la música de forma instrumental o vocal.
El enfoque entonativo, considerado como directriz metodológica, de la educación musical general moderna se implementa en un proceso pedagógico holístico. En este proceso existen dos tipos de principios: pedagógicos generales y especiales. Con base en el sistema de principios pedagógicos generales dado por Abdulin, destacaremos lo siguiente:
Orientación humanista.
Científico.
Continuidad, coherencia, sistematicidad.
Visibilidad.
Estetización de la educación y la formación.
Soportes en fortalezas personalidad del estudiante.
Teniendo en cuenta las características individuales del alumno.
Refiriéndose a los principios especiales resaltados por Nikolaeva E.V. Enumeramos lo siguiente:
Coordinación del contenido del proceso pedagógico con las particularidades de la entonación de la música en estudio.
Dependencia de la entonación como categoría musicológica.
Teniendo en cuenta el aspecto psicológico de la entonación.
Orientación personal del proceso pedagógico.
1. El principio de coordinar el contenido del proceso pedagógico con las particularidades de la entonación de la música en estudio. Este principio se encuentra en todas las etapas del desarrollo escénico de una obra, desde la penetración en la imagen musical hasta la búsqueda de los movimientos escénicos necesarios, actuando también en el nivel del trabajo técnico. Este principio se correlaciona con el método de “similitudes y diferencias”, ampliamente utilizado en las lecciones de música en las escuelas secundarias. Ejemplos de tales similitudes y diferencias pueden ser las entonaciones estilísticas de Chopin y Schumann, así como de Scriabin y Brahms, etc. Al tener características similares por pertenecer a un solo estilo, las obras de estos clásicos tienen diferentes entonaciones, cada una de las cuales requiere formas especiales de estudio.
El principio de confiar en la entonación como categoría musicológica. Las propiedades básicas de la entonación como categoría musicológica encuentran su lugar en el proceso pedagógico musical que tiene lugar en el contexto del enfoque de la entonación. Una vez que hemos analizado los principales enfoques para comprender la esencia de la entonación, enfatizamos que al implementar este principio en el proceso pedagógico musical, es necesario formar una percepción holística de la música basada en la entonación, como categoría musicológica fundamental.
El principio de tener en cuenta el aspecto psicológico de la entonación. Este principio está asociado con los tipos de pensamiento (racional o irracional) de los estudiantes, la percepción y el estado emocional del individuo, lo que conduce a diferentes tipos de entonación interpretativa. Seguir este principio permite al profesor ajustar los métodos de trabajo con los estudiantes de acuerdo con características individuales su personalidad.
El principio de orientación personal del proceso pedagógico.
Este principio es fundamental a la hora de resolver problemas educativos y de desarrollo del enfoque de entonación, porque Corresponde al objetivo que enfrenta el proceso pedagógico que se desarrolla en su contexto. Este principio es una continuación lógica de los principios especiales descritos anteriormente. Consideremos los principios anteriores desde el punto de vista del potencial inherente a ellos para la realización de la actividad personal del estudiante. Así, al actualizar el principio de “coordinar el contenido del proceso pedagógico con la entonación específica de la música en estudio”, la atención se centra en estilo individual y entonación, que revela más plenamente la orientación personal del proceso pedagógico. Podemos decir que resulta tener dos caras, uniendo dos personalidades en función del estilo y la entonación: el compositor y el estudiante-intérprete. En este caso, el estilo y la entonación son un mediador en el diálogo de dos estructuras personales, lo que genera una adecuación entonación interpretativa en el proceso de realización sonora.
La consideración de principios especiales en la implementación del enfoque de entonación nos permite concluir que los principios pedagógicos generales operan en apoyo de los especiales, es decir, La acción de los principios especiales se realiza a través de los pedagógicos generales.
Por lo tanto, la investigación fundamental en musicología dedicada a la categoría de “entonación”, así como el desarrollo de un enfoque de entonación en la educación musical general, pueden ser la base que actualizará gradualmente el contenido de la educación musical general moderna.
Referencias
Aranovskaya I.V. Desarrollo estético de la personalidad y su papel en la educación pedagógica musical moderna ( base metodológica): Monografía. – Volgogrado: Peremena, 2002. -257 p.
Nazaykinsky E.N. El mundo sonoro de la música. M.: Muzyka, 1988, 254 págs., notas.
Kholopova V.N. Melodika: Método científico. ensayo. - M.: Muzyka, 1984. - 88 p., notas, diagramas (cuestiones de historia, teoría, metodología).
Galatenko, Yu.N. El papel semántico de la entonación en la poesía y la música / Yu.N. Galatenko // Arte y educación. – 2013.- N° 5. – P. 7 – 17.
El artículo revela la esencia del concepto y los principios básicos de un enfoque bifuncional para el desarrollo musical de un niño durante las lecciones de piano en instituciones del sistema. educación adicional. El enfoque bifuncional de la educación musical se interpreta como una estrategia pedagógica basada en el doble fundamento de la educación musical de niños y jóvenes: la formación en la sociedad de una capa cultural de melómanos ilustrados y músicos profesionales altamente calificados. El autor caracteriza dos programas educativos recientemente. formulado en nuevos documentos legislativos - preprofesionales y de desarrollo general - y realiza su análisis comparativo. El programa educativo preprofesional tiene como objetivo la formación de futuros especialistas - músicos de diversos perfiles. El programa educativo de desarrollo general está diseñado para contribuir a la formación de una audiencia de escucha y visualización con educación musical en la sociedad. El artículo enfatiza la necesidad de implementar ambos programas sobre la base de un único modelo académico básico. complejo metodológico. La idea de fundamentalización es especialmente importante para la implementación de un programa educativo de desarrollo general, ya que en la actualidad su implementación se lleva a cabo en la dirección de facilitación, relajación y la enseñanza de música a la mayoría de los niños adquiere la orientación de la creación musical amateur. .
hacer música amateur.
doble base
desarrollo musical
complejo metodológico unificado
programa general de desarrollo
programa preprofesional
desarrollo musical
enfoque bifuncional
1. Abdullin E.B., Nikolaeva E.V. Teoría de la educación musical. Uh. para estudiantes de instituciones de educación superior. M.: Academia, 2004 - 333 p.
2.Barbazyuk T.O. Desarrollo de la educación musical primaria nacional como problema en musicología. dis. poder. historia del arte magnitogorsk 2008 – 246 chelines.
3.Barbitova A.D. Características de la formación del pensamiento moderno de un docente: aspecto psicológico // Educación profesional adicional: logros, problemas, tendencias: materiales del científico-práctico de toda Rusia. conf., Kemerovo. 23-24 de noviembre de 2005 / comp. LN Vavilova, bajo general. ed. IOWA. Zhigalova, T.S. Panina: en 2 partes - Kemerovo: Institución educativa estatal "KRIRPO", 2005. - 236 p.
4. Voskoboynikova E.G. Programa adicional de educación general en el campo del arte musical. La asignatura "Piano" para escuelas de arte infantiles y escuelas de música infantiles. M., 2014 – 112s.
6. Kazakova A.G. Educación científica superior profesional y de posgrado (asp., doc.) Monografía M.: Ekon-Inform, 2010 – 547 p.
El momento actual es un momento de reforma del sistema nacional de educación musical. “La reforma del sistema educativo que se está llevando a cabo en la Federación de Rusia se basa en los principios desarrollados a finales de los años 80. y los principios de democratización desarrollados a principios de los años 90”, entre ellos: “variabilidad del sistema educativo;...humanización de la educación y creación de las condiciones más favorables para la divulgación y desarrollo de las capacidades de cada estudiante;...educación para el desarrollo .” . Ahora, en el contexto de la modernización de la educación musical, este enfoque es totalmente coherente con la implementación de programas adicionales de educación general en el campo del arte, que están contenidos en los últimos documentos legales (Ley Federal "Sobre Educación" del 16 de junio , 2011 No. 145-FZ, Ley federal de 29 de diciembre de 2012 No. 273-FZ). Estos programas se dividen en preprofesionales, diseñados para ayudar a identificar a niños y jóvenes con talento artístico, formar personal creativo y docente en el campo de la cultura y el arte, y de desarrollo general, asegurando la formación de una audiencia preparada de oyentes y espectadores en la sociedad.
En este sentido, es evidente la relevancia del problema de un enfoque bifuncional del desarrollo musical de un niño en una clase de piano en el sistema de educación adicional considerado en este artículo.
Al analizar este problema, es necesario, en primer lugar, aclarar la esencia del concepto de “enfoque bifuncional”.
Enfoque - “... esta es una posición determinada en relación con cualquier problema o fenómeno,... una base teórica o lógica para considerar o diseñar un objeto; un conjunto de formas y técnicas para realizar actividades basadas en una idea o principio”.
El enfoque de la enseñanza en pedagogía se interpreta como la implementación en la práctica de la idea dominante dominante de enseñar en forma de una determinada estrategia y utilizando determinados métodos de enseñanza.
La definición de "funcional" en la frase "enfoque bifuncional" es un adjetivo de "función" (lat. functio ejecución), que significa "círculo de actividad, propósito". R.K. Merton caracteriza las funciones (es decir, funciones explícitas) como consecuencias planificadas y realizadas por los participantes del sistema, es decir. Las intenciones subjetivas conscientes y las consecuencias objetivas coinciden.
El concepto de "enfoque funcional" se formó en sociología a partir de las ideas de O. Comte, G. Spencer y E. Durkheim. Sus representantes ven a la sociedad como un sistema que representa un complejo integral de elementos interconectados que se encuentran en relaciones y conexiones funcionales entre sí. Los funcionalistas se centran en los subsistemas individuales de la sociedad, especialmente en sus instituciones más importantes: la familia, la religión, la economía, el estado, la cultura y la educación. Identifican las características estructurales de las instituciones de la misma manera que los biólogos describen las propiedades básicas de un organismo y luego identifican las funciones de las instituciones. Una de las características del sistema es el deseo de equilibrio entre sus componentes: un cambio en una institución tiene consecuencias tanto para otras instituciones como para la sociedad en su conjunto.
Las escuelas de música para niños son una institución sociocultural muy extendida que desempeña muchas funciones públicas, dos de las cuales son la preservación y el fortalecimiento. el nivel más alto La escuela nacional de interpretación de piano y la formación en la sociedad de una capa cultural de amantes de la música competentes son la base de un enfoque bifuncional para el desarrollo musical de los niños. El enfoque bifuncional en este caso se interpreta como una estrategia pedagógica basada en el doble fundamento de la educación musical de niños y jóvenes: la formación en la sociedad de una capa cultural de melómanos ilustrados y músicos profesionales altamente calificados.
El surgimiento de los programas educativos de desarrollo general y preprofesional descritos anteriormente es, de hecho, el primer paso legalmente consagrado hacia la creación de condiciones óptimas para la educación musical de los niños en las escuelas de arte para niños. Este es el primer ejemplo de un programa educativo dual, la primera experiencia de variabilidad de programas dirigidos a la trayectoria individual de desarrollo de la personalidad. En ambos se formulan correctamente las tareas y objetivos del proceso educativo, se hace correctamente el énfasis en las particularidades de cada una de sus funciones: los programas educativos de desarrollo general están enfocados a formar un oyente activo, educado, participante en actuaciones de aficionados. , los programas preprofesionales tienen como objetivo proporcionar condiciones óptimas para crear motivación en los niños para continuar la formación profesional en instituciones profesionales secundarias.
Para completar con éxito las tareas anteriores, es necesario responder una serie de preguntas: ¿qué conocimientos, habilidades y destrezas se deben desarrollar en los graduados? escuela de musica futuros músicos aficionados y músicos profesionales y cómo esto debería reflejarse en el contenido de los programas educativos y métodos de enseñanza preprofesionales y de desarrollo general en una escuela de música, qué cualidades musicales personales y especiales debe tener cada uno de ellos; Este análisis es necesario porque las escuelas de arte para niños hasta el día de hoy, en esencia, siguen siendo instituciones con un enfoque limitado para enseñar a tocar instrumentos musicales.
Los músicos aficionados se pueden dividir en dos categorías. El primer grupo incluye a los oyentes, es decir, los consumidores de la música que se reproduce. La segunda categoría (cuantitativamente más pequeña) incluye a los aficionados que, además, se reconocen como intérpretes: participan en varias formas hacer música colectivamente, acompañar a otros aficionados (cantantes, instrumentistas, coros) y, a menudo, incluso actuar como solistas. Los músicos aficionados de la primera categoría predominante se caracterizan por una necesidad estable de la actividad de escuchar música, consumirla: su percepción y experiencia, recibiendo el placer estético adecuado como fuente de energía espiritual. Para satisfacer esta necesidad, un músico aficionado debe al menos: tener la capacidad y destreza para percibir adecuadamente la música; experimentar emocionalmente y ser capaz de realizar y apreciar estéticamente el nivel artístico de las obras musicales gracias a audición desarrollada, pensamiento e imaginación; conocer una gran cantidad de obras musicales de diversas épocas, estilos y géneros; ser capaz de analizar las características de la forma y el contenido de la obra escuchada - determinar hábilmente los detalles de su interpretación por parte de varios artistas o grupos escénicos; mostrar un gran interés por los acontecimientos del mundo de la música: nuevas composiciones y su interpretación por varios intérpretes, concursos, giras, debuts interesantes.
Este tipo de amante de la música, como puede verse en las cualidades enumeradas, no puede considerarse pasivo de ninguna manera: es activo en darse cuenta de su necesidad de comunicarse con la música, evaluarla, recordarla, experimentarla y tener la correspondiente reacción emocional. . Está claro que una formación centrada en la ejecución de un instrumento no puede garantizar plenamente la formación de la cultura musical necesaria para un oyente competente.
Es obvio que todas las cualidades antes mencionadas que debe tener un oyente de música educado también deben ser inherentes a un amante de la música. Al mismo tiempo, para la interpretación amateur competente de obras musicales es necesario: dominar el lenguaje entonacional de la música y poder expresar a través de él los diversos contenidos artísticos de las obras interpretadas; han desarrollado el pensamiento musical; tener una memoria musical desarrollada; tener un importante equipo técnico instrumental, producción de sonido de alta calidad, necesaria para la interpretación competente de partes orquestales y de conjunto, acompañamientos que no contengan las dificultades virtuosas específicas del repertorio solista; tener habilidades básicas en la creación de música en conjunto y orquestal; tener habilidades de lectura a primera vista.
De lo dicho se desprende claramente que la actividad interpretativa de los músicos aficionados les impone exigencias bastante serias, cercanas en nivel a las profesionales. En apoyo de esta tesis, analizaremos qué conjunto de cualidades personales, conocimientos especiales y habilidades debe tener un graduado de una escuela de música para una educación profesional superior exitosa.
El primero es un oído profesional integralmente desarrollado como un conjunto complejo de sus componentes analíticos y de entonación. El segundo es un sentido rítmico intensificado, que se desarrolla desde el comienzo de las clases hasta el nivel de base de la futura cultura rítmica en todos sus aspectos: desde la pulsación métrica, la precisión rítmica, el sentido del tamaño y el tempo hasta la acentuación lógicamente correcta. , matiz agógico y proporcionalidad de partes de la forma musical. El tercero es la capacidad de percibir adecuadamente el contenido figurativo y artístico de la obra realizada e interpretarla creativamente. Cuarto, un músico profesional potencial como intérprete debe tener un cierto conjunto de cualidades personales: arte, capacidad de trabajo, mayor capacidad de concentración y superación de condiciones estresantes. Quinto, memoria musical profesional, bien desarrollada, en toda su diversidad de tipos: figurativa, motora, táctil, verbal-lógica, emocional. Sexto: la amplia acumulación de un repertorio que abarque obras de diferentes eras historicas, estilos, géneros. Séptimo: capacidad desarrollada para leer a primera vista. Octavo: la formación del aparato de juego, asegurando el desarrollo intensivo de todos los elementos de la técnica instrumental de un plan virtuoso de manera suficientemente edad temprana. Noveno: la presencia de ciertas habilidades en la interpretación musical conjunta (tocar en conjunto, acompañamiento, comprender las señas del director). Décimo - una posición activa en relación con los acontecimientos más importantes del mundo de la música y otras artes.
Entonces, de todo lo dicho, podemos sacar la conclusión principal: la formación preprofesional de un futuro músico-intérprete, desde el punto de vista de su contenido y estructura, no debe diferir fundamentalmente de la formación de un músico aficionado. - en ambos casos debe formarse como un sistema integral que incluya todos los componentes significativos necesarios del complejo metodológico académico. Las diferencias existentes no deben manifestarse en la exclusión de ningún componente de un sistema determinado, sino en diferentes niveles de dominio de los mismos, en las características de su fundamentalización, en particular, en diferentes niveles de dominio del repertorio, conocimientos especiales y habilidades. Estas diferencias deberían basarse en una profunda comprensión por parte de los profesores de la naturaleza de la motivación de cada niño y de sus padres para recibir una educación musical, en el respeto por la elección de los estudiantes de una dirección u otra en el aprendizaje.
Revisores:Maikovskaya L.S., Doctora en Ciencias Pedagógicas, Profesora, Directora. Departamento de Educación Musical, Instituto Estatal de Cultura de Moscú, Moscú;
Chervatyuk P.A., Doctor en Ciencias Pedagógicas, Profesor, Institución Educativa Presupuestaria Estatal de Educación Superior MSPU, Moscú.
Enlace bibliográfico
Voskoboynikova E.G. ENFOQUE BIFUNCIONAL DEL DESARROLLO MUSICAL DE UN NIÑO EN LA CLASE DE PIANO // Problemas contemporáneos ciencia y educación. – 2015. – núm. 6.;URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=23891 (fecha de acceso: 01/02/2020). Llamamos su atención sobre las revistas publicadas por la editorial "Academia de Ciencias Naturales".
Universidad Estatal Social y Pedagógica de Volgogrado
Palabras clave
entonación, enfoque entonacional, educación musical general, principios enfoque entonacional
Ver artículo
⛔️ (actualiza la página si el artículo no se muestra)Resumen del artículo.
El artículo fundamenta la necesidad de recurrir al enfoque de la entonación como principal directriz metodológica para la implementación de los contenidos de la educación musical general moderna. El concepto de “entonación” se considera desde perspectivas históricas y modernas. Los principios del enfoque entonativo se presentan como una directriz metodológica implementada en el proceso pedagógico holístico.
Texto de un artículo científico.
La situación sociocultural moderna dicta la necesidad de modernizar la educación musical general moderna, su transición de un paradigma tecnocrático a uno humanitario, lo que se debe a los problemas que han surgido en la educación musical general moderna. Para resolver estos problemas es necesario recurrir a otros enfoques metodológicos que se han desarrollado en sistema moderno educación musical general. Dichos enfoques incluyen enfoques estilísticos, de género y de entonación. Por supuesto, cada uno de estos enfoques tiene sus propias particularidades. El enfoque más relevante para implementar el contenido de la educación musical general moderna es la entonación, ya que el significado de la música es inherente a la entonación, y es la entonación la que ayuda al músico intérprete a comprender el contenido de una obra musical. Para comprender la esencia del enfoque de la entonación, es necesario considerar el concepto de entonación desde una perspectiva histórica y moderna. Los primeros estudios sobre la naturaleza entonacional de la música se destacan en las obras de B.V. Asafiev y B.L. Yavorsky. Fueron estos estudios los que sentaron las bases para el desarrollo de la teoría de la entonación en la musicología rusa. Se presta especial atención a los trabajos de investigadores extranjeros sobre la entonación como uno de los elementos principales del lenguaje. Así, B. Eikhenbaum define la entonación como el principal parámetro de similitud entre poesía y música. “La sincretización de la poesía con la música, de la que nace el “modo canción” de la letra, se expresa en el predominio del factor entonación. La entonación del habla adquiere un carácter melodioso y, al entrar en contacto con las cadencias rítmicas, forma un movimiento melódico”. N. Kholopova, E. A. Ruchevskaya y otros señalan que la entonación en la música es una unidad expresiva y semántica que existe en una forma de sonido no verbal que influye directamente y que funciona con la participación de la experiencia del contenido musical y la asociación extramusical. representaciones”. Así, en musicología, la categoría “entonación” recibe consideración en diferentes niveles: como una organización de tonos musicales a gran altura; como forma de expresión musical; como unidad semántica en la música, etc. En este sentido, se están desarrollando activamente algunos aspectos de la teoría de la entonación: la relación entre la música y el habla basada en la identificación de sus similitudes y diferencias de entonación; la procesualidad de la música como su característica específica; semántica de la entonación musical en su evolución histórica, etc. Pero a pesar de las muchas definiciones diferentes de entonación ofrecidas por los investigadores nacionales y modernos más famosos, la esencia de este concepto sigue siendo la misma. La definición fundamental prioritaria del concepto de entonación, como un concepto complejo y tridimensional, que representa una combinación de la trinidad de creatividad, interpretación y percepción de una obra de arte, fue asignada a B.V. Asafiev. La psicología musical tampoco ignoró esta categoría. La entonación se ha convertido en objeto de estudio de investigadores como E.V. Nazaykinsky y A.L. Gottsdiener. El famoso psicólogo A.L. Gotsdiner, refiriéndose a la historiografía de la cuestión del surgimiento de la entonación, señala que la entonación precedió al habla y se formó para designar los estados emocionales más estables y profundos de una persona: alegría, deleite, miedo, desesperación, etc. . En la pedagogía de la educación musical, la categoría de entonación también se considera desde diversas perspectivas semánticas. Su elección depende del tipo de actividad en la que se utiliza el enfoque de la entonación, del ejemplo de qué material musical se estudia y a qué tareas específicas se enfrenta el profesor-músico. Muy a menudo, la entonación se interpreta como el "grano" del desarrollo de una forma musical. Este enfoque fue presentado por primera vez por D.B. Kabalevsky, quien identificó la comprensión entonacional de la música como una dirección prioritaria de la educación y educación musical, que permite abarcar la esfera entonación-auditiva y práctica de la actividad musical y artística en su totalidad e integridad. Este principio se correlaciona con el método de “similitudes y diferencias”, ampliamente utilizado en las lecciones de música en las escuelas secundarias. Ejemplos de tales similitudes y diferencias pueden ser las entonaciones estilísticas de Chopin y Schumann, así como de Scriabin y Brahms, etc. Al tener características similares por pertenecer a un solo estilo, las obras de estos clásicos tienen diferentes entonaciones, cada una de las cuales requiere formas especiales de estudio. 2. El principio de basarse en la entonación como categoría musicológica. Las propiedades básicas de la entonación como categoría musicológica encuentran su lugar en el proceso pedagógico musical que tiene lugar en el contexto del enfoque de la entonación. Una vez que hemos analizado los principales enfoques para comprender la esencia de la entonación, enfatizamos que al implementar este principio en el proceso pedagógico musical, es necesario formar una percepción holística de la música basada en la entonación, como categoría musicológica fundamental. 3. El principio de tener en cuenta el aspecto psicológico de la entonación. Este principio está asociado con los tipos de pensamiento (racional o irracional) de los estudiantes, la percepción y el estado emocional del individuo, lo que conduce a diferentes tipos de entonación interpretativa. Seguir este principio permite al profesor ajustar los métodos de trabajo con los estudiantes de acuerdo con las características individuales de su personalidad. 4. El principio de orientación personal del proceso pedagógico. Este principio es fundamental a la hora de resolver problemas educativos y de desarrollo del enfoque de entonación, porque Corresponde al objetivo que enfrenta el proceso pedagógico que se desarrolla en su contexto. Este principio es una continuación lógica de los principios especiales descritos anteriormente. Consideremos los principios anteriores desde el punto de vista del potencial inherente a ellos para la realización de la actividad personal del estudiante. Así, al actualizar el principio de “coordinar el contenido del proceso pedagógico con la entonación específica de la música en estudio”, la atención se centra en el estilo y la entonación individuales, que revelan más plenamente la orientación personal del proceso pedagógico. Podemos decir que resulta tener dos caras, uniendo dos personalidades en función del estilo y la entonación: el compositor y el estudiante-intérprete. En este caso, el estilo y la entonación son un mediador en el diálogo de dos estructuras personales, lo que genera una adecuación entonación interpretativa en el proceso de realización sonora. La acción de los principios especiales se realiza a través de los pedagógicos generales. Por lo tanto, el desarrollo de un enfoque de entonación en la educación musical general puede ser la base que actualizará gradualmente el contenido de la educación musical general moderna.
El libro de texto describe los fundamentos de la teoría de la educación musical llevada a cabo en instituciones de educación general. La teoría de la educación musical es considerada como una asignatura educativa que revela la esencia de este campo de la ciencia pedagógica. Se presta especial atención al arte de la música en el proceso educativo, la personalidad del niño en el sistema de educación musical, los principales componentes de la educación musical, la personalidad y actividades del profesor-músico. Todas las secciones del manual se presentan junto con tareas educativas y una lista de literatura recomendada para que los estudiantes desarrollen su pensamiento profesional, la formación de una posición personal y una actitud creativa ante los problemas que se estudian. El libro de texto está dirigido a estudiantes, estudiantes de posgrado, profesores de música, profesores de música en el sistema de educación adicional, profesores de instituciones de educación profesional superior y secundaria de pedagogía musical y todos aquellos interesados en los problemas de la educación musical. 2ª edición, corregida y ampliada.
* * *
El fragmento introductorio dado del libro. Teoría de la educación musical (E. B. Abdullin, 2013) proporcionado por nuestro socio de libros: la empresa litros.
Capítulo 4. Objeto, objetivos y principios de la educación musical.
Al igual que la literatura y las bellas artes, la música invade decisivamente todos los ámbitos de la crianza y educación de nuestros escolares, siendo un medio poderoso e insustituible para configurar su mundo espiritual.
D. B. KabalevskyLa educación musical, incluida la enseñanza de la música, puede presentarse en forma de un determinado estructuras, que consta de lo siguiente componentes: finalidad, objetivos, principios, contenido, métodos y formas.
4.1. El propósito y los objetivos de la educación musical.
Propósito de la educación musical
En la pedagogía moderna, se considera que el objetivo de la educación musical es formación, desarrollo de la cultura musical de los estudiantes como parte de su cultura espiritual general.
Concepto cultura musical de los estudiantes Es extremadamente voluminoso y puede tener diferentes interpretaciones. Esto es lo que D. B. Kabalevsky pone en primer lugar en el contenido de este concepto: “... la capacidad de percibir la música como un arte figurativo vivo, nacido de la vida e indisolublemente ligado a la vida, es un “sentimiento especial” de la música, obligar a percibirla emocionalmente, distinguirla entre el bien y el mal, esta es la capacidad de determinar de oído la naturaleza de la música y sentir la conexión interna entre la naturaleza de la música y la naturaleza de su interpretación, esta es la capacidad determinar de oído el autor de una música desconocida, si es característica de un autor determinado, de sus obras, con las que los estudiantes ya están familiarizados…” . Así, D. B. Kabalevsky enfatiza la importancia de la alfabetización musical en el sentido amplio de la palabra como base sin la cual no se puede formar la cultura musical. En su opinión, también es importante desarrollar en los niños un espíritu escénico y creativo.
Este enfoque de los objetivos de la educación musical general es reconocido por casi todos los profesores de música nacionales. Sin embargo, cada uno de los autores de los conceptos de educación musical general revela este concepto a su manera, destacando ciertos aspectos del mismo.
Así, el propio D. B. Kabalevsky construye un sistema integral de formación y desarrollo de la cultura musical de los estudiantes basado en su revelación cada vez más completa de propiedades tan esenciales del arte musical como la entonación, el género, el estilo, la imagen musical y la dramaturgia musical en su conexión con la vida y otros. tipos artes, historia. Al mismo tiempo, se propone iniciar el proceso de aprendizaje musical a partir de tres géneros: canto, danza y marcha, ya que la experiencia previa en la comunicación con estos géneros permite que los niños lleguen a generalizaciones que contribuyan a la formación de habilidades para escuchar, interpretar, componer música conscientemente y pensar en ella.
La interpretación del objetivo de la educación musical – la formación de la cultura musical de la personalidad del estudiante – la lleva a cabo D. B. Kabalevsky en su concepto a través del prisma de los siguientes objetivos:
Una orientación educativa claramente expresada, que promueva el desarrollo, en primer lugar, de una actitud interesada, de valor emocional, artístico-estético hacia la música, pensamiento musical, gusto musical-estético, habilidades y destrezas musical-creativas;
Confianza en el patrimonio musical mundial: el "fondo de oro" de obras musicales de diversas formas, géneros y estilos;
Creencia en el poder transformador de la música, en la posibilidad, con la ayuda de una hábil y sabia orientación pedagógica, del impacto beneficioso del arte, en primer lugar, en la esfera emocional y valorativa de la personalidad del alumno;
Desarrollo del pensamiento musical de los niños, su potencial creativo en el proceso de escuchar música, interpretarla y componerla.
V. V. Medushevsky, en su concepto “Educación espiritual y moral a través del arte musical”, afirma la necesidad de reactivar la educación musical de los niños. sobre una base religiosa e incluso la “explicación de la música profana” propone realizarse “en categorías espirituales”.
En el concepto de L.V Shamina, la música también se reconoce como “un medio eficaz para educar el espíritu”. Pero a diferencia de V.V. Medushevsky, el autor propone. paradigma etnográfico de la educación musical escolar, proponiendo recorrer el camino desde la comprensión de la cultura etnográfica del propio pueblo hasta “la música del mundo”.
Según el concepto de L.A. Vengrus, el canto es un medio de introducir a los escolares en la cultura musical. El autor pide la implementación de una reforma de la educación musical mediante la introducción de una educación musical universal, que implica la implementación de “educación y crianza musical basado en el método de canto coral intensivo inicial".
La cultura musical de un niño se manifiesta en su educación y formación musical.
educación musical Implica, en primer lugar, una respuesta emocional y estética a obras altamente artísticas de música popular, clásica y arte contemporáneo, la necesidad de comunicarse con él, la formación de un círculo de intereses y gustos musicales.
Formación en educación musical. se manifiesta principalmente en el conocimiento de la música y sobre la música, en habilidades y destrezas musicales, en la amplitud y profundidad de la experiencia adquirida por el estudiante de una actitud emocional y valiosa hacia la música, así como en la experiencia en la actividad creativa musical.
La educación musical y la formación en la práctica de la educación musical existen indisolublemente, y la base de su unidad es la especificidad del arte musical, su carácter entonativo-figurativo. La musicalidad genéticamente inherente al niño y su desarrollo en el proceso de educación y formación específicas son la base para el desarrollo exitoso de su cultura musical.
L. V. Shkolyar, al caracterizar la cultura musical de los escolares, enfatiza especialmente que “la formación de un niño, un escolar como creador, como artista (y este es el desarrollo de la cultura espiritual) es imposible sin el desarrollo de habilidades fundamentales: el el arte de oír, el arte de ver, el arte de sentir, el arte de pensar…”. El autor identifica tres componentes de la cultura musical: la experiencia musical de los escolares, su alfabetización musical y su desarrollo musical y creativo.
El profesor y músico lituano A. A. Piliciauskas, al explorar el problema de la cultura musical de los escolares, propone considerarlo como una necesidad de actividad musical que surge sobre la base de conocimientos, habilidades y habilidades relevantes. Al mismo tiempo, el científico destaca que un alumno, al dominar un determinado plan de estudios, muchas veces se aleja de los valores que en él se ofrecen y encuentra los suyos propios, que prácticamente no se mencionan en las clases. Existe un contraste entre la música académica, en la que se centra el profesor, y la “música alternativa” (el término de A. A. Piliciauskas, que en pedagogía significa una discrepancia preferencias musicales profesores y alumnos), que, por regla general, no se escucha en el aula. Eliminar esta contradicción es una condición necesaria para la formación de la cultura musical de los estudiantes.
El sistema de educación musical existente en nuestro país proporciona las siguientes condiciones necesarias para el desarrollo de la cultura musical de los estudiantes:
lecciones de música obligatorias en instituciones de educación general;
Creando un expandido sistemas de educación musical adicional, implementado en extracurriculares y extracurriculares trabajo musical, en el que todos pueden participar;
formación de profesores de música en el sistema de educación superior y secundaria especializada;
Brindando una oportunidad a los profesores de música para mejorar su nivel profesional. en el sistema de educación de posgrado;
Creación base educativa y metodológica.
El propósito de la educación musical, integrado en un concepto particular, determina la dirección de todos los componentes de la educación musical: objetivos, principios, contenidos, métodos y formas.
Principales objetivos de la educación musical.
Los principales objetivos de la educación musical actúan como la interpretación pedagógica más cercana a su objetivo y, en su conjunto, están dirigidos a la educación, formación y desarrollo musical del niño.
Tales tareas pueden incluir:
Desarrollo en los niños de una cultura de los sentimientos, empatía artística, sentido de la música, amor por ella; respuesta creativa, emocional y estética a las obras de arte:
Introducir a los estudiantes en la música popular, clásica y moderna, principalmente con obras maestras del arte musical en toda la riqueza de sus formas y géneros: orientación pedagógica en el proceso de adquisición de conocimientos sobre la música en su conexión espiritual con la vida;
Desarrollo de habilidades, destrezas y habilidades musicales y creativas entre los estudiantes en actividades de escucha, interpretación y “composición”;
Cultivar el sentido, la percepción, la conciencia y el gusto musical y estético de los estudiantes;
Desarrollo de la necesidad de comunicarse con música altamente artística;
Influencia del arte terapéutico en los estudiantes a través de la música:
Preparación intencionada de los estudiantes para la autoeducación musical;
Ayudar al niño a entenderse a sí mismo como individuo en el proceso de comunicación con la música.
Dependiendo de cuál de estas y otras tareas resulten ser una prioridad en un concepto particular de educación musical, en un plan de estudios específico, el objetivo de la educación musical adquiere un enfoque determinado. Esto caracteriza principalmente el estado de la educación musical rusa moderna, que se caracteriza por diversas formas de lograr su objetivo original.
4.2. Principios de la educación musical
El componente más importante de la educación musical son los principios que se consideran puntos de partida que revelan la esencia del propósito y objetivos de la educación musical, la naturaleza de su contenido y proceso.
Los principios del estado de educación musical. el puesto de profesor de música en las siguientes áreas.
1. La orientación humanista, estética y moral de la educación musical se materializa en los siguientes principios:
Identificación de las diversas conexiones del arte musical con la vida espiritual;
Revelar el valor estético de la música;
Reconocimiento de las posibilidades únicas de la música en el desarrollo estético, moral y artístico del niño;
El estudio del arte musical en un contexto histórico general y en relación con otros tipos de arte;
Centrarse en ejemplos altamente artísticos (obras maestras) de arte musical;
Reconocimiento del valor intrínseco de la personalidad del niño en su comunicación con el arte.
2. La orientación musicológica de la educación musical se manifiesta en los siguientes principios:
Los estudiantes estudian el arte de la música basándose en la unidad de la música popular, académica (clásica y moderna), espiritual (religiosa);
Dependencia de los enfoques de entonación, género y estilo en el estudio de la música:
Divulgación a los estudiantes del proceso de escuchar, interpretar y componer música como formas de “vivir” personal en el arte de la música.
3. La orientación musical y psicológica de la educación musical se materializa en los siguientes principios:
El enfoque del proceso de educación musical está en el desarrollo de la personalidad y las habilidades musicales del estudiante;
Centrarse en que los estudiantes dominen varios tipos de actividades musicales;
Confianza en la unidad del desarrollo de principios intuitivos y conscientes en la educación musical;
Reconocimiento de la creatividad musical en sus diversas manifestaciones como uno de los incentivos más importantes para el desarrollo del niño:
Realización de las posibilidades arteterapéuticas de la música en la educación musical.
4. La orientación pedagógica de la educación musical se manifiesta en los siguientes principios:
Unidad de educación, formación y desarrollo musical de los estudiantes;
Atractivo, consistente, sistemático y científico en la organización de clases de música;
Relación dialéctica entre fines y medios musicales y pedagógicos;
Asimilación de la naturaleza de las actividades musicales al proceso musical-creativo.
La combinación y complementariedad de los principios anteriores de la educación musical aseguran enfoque holístico a la construcción de su contenido y organización.
EN últimas décadas El problema de identificar y desarrollar los principios de la educación musical adquiere una importancia especial. Muchos profesores de música nacionales y extranjeros abordan este problema. Además, cada autor o grupo de autores que trabajan para determinar el contenido de la educación musical general ofrece su propio conjunto de principios.
En el concepto musical y pedagógico de D. B. Kabalevsky, los siguientes principios adquieren una importancia fundamental:
centrarse en desarrollar el interés de los niños en las lecciones de música, según el cual se basan en el desarrollo de la percepción emocional de la música por parte de los escolares, la actitud personal hacia los fenómenos del arte musical, la participación de los estudiantes en el proceso de creación musical artística y figurativa y la estimulación de su autoexpresión musical y creativa;
el enfoque de las lecciones de música en desarrollo espiritual personalidades de los estudiantes, en el que el contenido de la educación musical está dirigido principalmente a su desarrollo moral, estético, a la formación de la cultura musical de los escolares como parte importante e integral de toda su cultura espiritual: la conexión entre la música y la vida en el proceso de educación musical, llevado a cabo principalmente en la divulgación del contenido de temas educativos, en la selección de material musical y métodos de su presentación;
Introduciendo a los estudiantes al mundo del gran arte musical. clásica, folklórica, moderna, abarcando la diversidad de sus formas, géneros y estilos: estructura temática del programa, Lo que implica una divulgación específica y consistente del género, la entonación, las características del estilo de la música, su conexión con otros tipos de arte y vida: identificar similitudes y diferencias en todos los niveles de organización del material musical y en todo tipo de actividad musical;
interpretación de la alfabetización musical en el sentido amplio de la palabra, incluyendo en el contenido de este concepto no sólo la notación musical elemental, sino también, en esencia, toda la cultura musical;
entender la percepción de la música como base de todo tipo de actividad musical y de la educación musical en general;
el enfoque de las lecciones de música en el desarrollo de la creatividad en el niño, que deben realizarse en las actividades de composición, interpretación y escucha.
Las obras de L. V. Goryunova proponen dos principios:
principio de integridad, lo cual se manifiesta en diferentes niveles: en la relación entre parte y todo en la música y en el proceso pedagógico; en la relación entre el consciente y el subconsciente, lo emocional y lo racional; en el proceso de formación de la cultura espiritual del niño, etc.;
principio de imaginería, basado en el dominio concreto-sensual, figurativo de la realidad inherente al niño, llevándolo a través de una visión figurativa del mundo a generalizaciones.
enseñar música en la escuela como arte figurativo vivo;
educar al niño en la esencia filosófica y estética del arte(problematización de los contenidos de la educación musical);
penetración en la naturaleza del arte y sus leyes;
modelado del proceso artístico y creativo; dominio activo del arte.
pasión;
la trinidad de actividad del compositor – intérprete – oyente; identidad y contraste;
entonación;
dependencia de la cultura musical nacional.
En el programa musical de T. I. Baklanova, desarrollado en el contexto del kit "El planeta del conocimiento", se proponen los siguientes principios de unidad:
Prioridades de valor;
Enfoques didácticos;
Estructuras de libros de texto y cuadernos de trabajo para todos los grados;
A través de líneas, tareas estándar;
Sistema de navegación.
A esto hay que sumar el principio de elección de tareas, tipo de actividad y socio, así como el principio de un enfoque diferenciado de la formación.
En conclusión, citamos las palabras de dos famosos músicos-profesores estadounidenses, los investigadores C. Leonhard y R. House, dirigidas a los educadores musicales sobre la necesidad de considerar los principios de la educación musical en su evolución y en relación con su propia experiencia práctica. : “Para evitar errores, los fundamentos de los principios deben estar sujetos a una doble verificación, basándose en el hecho de que no se deben asumir datos de fe que contradigan propia experiencia, incluso si provienen de una fuente confiable."
Preguntas y tareas
1. Describir la cultura musical de un escolar como objetivo de la educación musical.
2. ¿En qué jerarquía ordenarías las tareas de la educación musical, especificando su finalidad?
3. Con base en el material estudiado, nombre uno de los principios más importantes, a su juicio, de la educación musical, centrándose en su orientación filosófica, musicológica, psicológica y pedagógica musical.
4. ¿Cómo se entiende la siguiente afirmación del músico-investigador alemán T. Adorno:
El objetivo de la educación debe ser familiarizar a los estudiantes con el lenguaje de la música y sus ejemplos más significativos. “Sólo... a través del conocimiento detallado de las obras, y no a través de una creación musical vacía y satisfecha, puede la pedagogía musical cumplir su función.
(Adorno T. Dissonanzen. 4-te Auful. - Gottingen, 1969. - S. 102.)
5. Comente los enfoques para caracterizar los principios de la educación musical formulados por los educadores musicales estadounidenses C. Leonhard y R. House:
Los principios ocupan un lugar estratégico en la educación musical: son reglas de acción basadas en conocimientos relevantes... Los principios de la educación musical necesitan una mejora constante... Los principios básicos deben ser reexaminados, basándose en el hecho de que no se deben tomar sobre datos de fe que contradicen la propia experiencia, incluso si provienen de una fuente autorizada... No todos los principios son del mismo tipo. Algunos cubren un área grande, otros sirven solo como una adición... El número y variedad de principios son infinitos, lo que significa que la sistematización es necesaria... Cuando los principios básicos del trabajo de un profesor de música se establecen conscientemente a través de un estudio especial. y el pensamiento duro, cuando expresa sus creencias reales, cubre todos los aspectos de su trabajo; esto significa que tendrá su propio programa operativo.
(Leonhard Ch., House R. Fundamentos y principios de la educación musical. -N.Y., 1959. -P. 63–64.)
6. Describa el principio de “elevar al niño a la esencia filosófica y estética del arte (problematización del contenido de la educación musical), implementado en el programa desarrollado bajo la dirección de L. V. Shkolyar, habiendo leído la sección “Enseñanza de la música según los principios”. de educación para el desarrollo” en el manual “Educación musical en la escuela”.
Principal
Aliev Yu B. Didáctica y métodos de educación musical escolar. – M., 2010.
Aliev Yu B. La formación de la cultura musical de los escolares adolescentes como problema didáctico. – M., 2011.
Programa Baklanova T.I. “Música” grados 1 a 4 // Programas de instituciones educativas. Escuela primaria Grados 1 a 4. Complejo educativo "Planeta del Conocimiento". – M., 2011.
Gazhim I.F. Sobre el modelo teórico de la educación musical // Educación musical en el siglo XXI: tradiciones e innovación (Al 50 aniversario de la Facultad de Música de la Universidad Estatal de Moscú): materiales de la II conferencia científica y práctica internacional. 23 al 25 de noviembre de 2009. – T. I. – M., 2009.
Kabalevsky D. B. Principios y métodos básicos del programa de música para Escuela secundaria. – Rostov del Don, 2010.
Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Kashekova I. E. Arte 8-9 grados: Colección de programas de trabajo. Línea de asunto de G. P. Sergeeva. – M., 2011
Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Shmagina T. S. Música. Programas para instituciones de educación general. Grados 1 a 7. – 3ª ed., revisada. – M., 2010.
Música // Programas de muestra para materias académicas. Bellas artes. 5 a 7 grados. Música / Ed.: Soboleva Yu., Komarova E. A. – M., 2010. Serie: Estándares de segunda generación.
Osenneva M. S. Principios de la educación musical en la modernización de la educación doméstica en la etapa actual // Osenneva M. S. Teoría y metodología de la educación musical: un libro de texto para estudiantes. instituciones de educación superior profe. educación. – M., 2012.
Tsypin G. M. Principios del desarrollo de la educación musical // Psicología musical y psicología de la educación musical: teoría y práctica. 2ª ed., revisada. y adicional / Ed. G. M. Tsypina. – M., 2011.
Shkolyar L. V., Usacheva V. O., Shkolyar V. A. Música. Programa. Grados 1 a 4. (+CD) Norma Educativa del Estado Federal: Serie: La escuela primaria del siglo XXI. Música / Ed. O. A. Kononenko. – M., 2012.
Adicional
Aliev Yu. B. Concepto de educación musical de los niños // Aliev Yu. B. Métodos de educación musical de los niños (desde el jardín de infancia hasta la escuela primaria). – Vorónezh, 1998.
Apraksina O. A. Métodos de educación musical en la escuela. – M., 1983.
Archazhnikova L.G. Profesión – Profesora de música. Libro para profesores. – M., 1984.
Bezborodova L. A. Metas y objetivos de la educación musical escolar // Bezborodova L. A., Aliev Yu B. Métodos de enseñanza de la música en instituciones educativas. Un libro de texto para estudiantes de departamentos de música de universidades pedagógicas. – M., 2002.
Vengrus L. A. El canto y el “fundamento de la musicalidad”. – Veliki Nóvgorod, 2000.
Goryunova L.V. De camino a la pedagogía artística // Música en la escuela. – 1988. – N° 2.
Kabkova E. P. Formación de la capacidad de los estudiantes para la generalización artística y la transferencia de información en las lecciones de arte // revista electronica"Pedagogía del arte". – 2008. – N° 2.
Kevishas I. Formación de la cultura musical de los escolares. – Minsk, 2007.
Komandyshko E. F. Especificidad artística y figurativa del arte musical y el desarrollo de la imaginación creativa a partir de él // Revista electrónica “Pedagogía del Arte” 2006. -No 1.
Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Shmagina T. S. Nota explicativa// Software y materiales metodológicos. Música. Escuela primaria. – M., 2001.
Malyukov A. M. Psicología de la experiencia y desarrollo artístico de la personalidad. – 2ª ed., rev. y adicional – M., 2012.
Medushevsky V.V. Educación espiritual y moral a través del arte musical // Maestro (Número especial “Músico-maestro”). – 2001. – N° 6.
Educación musical en la escuela. Libro de texto para estudiantes / Ed. L. V. Shkolyar. – M., 2001.
Piliciauskas A. A. Formas de formar la cultura musical de los escolares // Tradiciones e innovación en la educación musical y estética: materiales del congreso internacional “Teoría y práctica de la educación musical: aspecto histórico, estado actual y perspectivas de desarrollo” / Ed. E. D. Kritskoy y L. V. Shkolyar. – M., 1999.
Teoría y métodos de educación musical para niños: manual científico y metodológico / L. V. Shkolyar, M. S. Krasilnikova, E. D. Kritskaya y otros - M., 1998.
Khokh I. Principios de las lecciones de música y su relación con el ámbito de necesidad motivacional del alumno // Música en la escuela. – 2000. – N° 2.
Shamina L.V. Paradigma etnográfico de la educación musical escolar: de la “etnografía de la audición” a las músicas del mundo // Profesor (Número especial “Músico-profesor”). – 2001.-Nº 6.