2004, mars- exposition personnelle au Musée Central de la Grande Guerre Patriotique 1941-1955. sur la colline Poklonnaïa

2004, mai - juin- exposition personnelle au Musée d'État d'Orel beaux-Arts

2004, septembre - octobre - exposition personnelle au complexe muséal de la ville de Dmitrov

2004, octobre - participation à l'exposition « La Bible dans les peintures des artistes russes des XVIIIe-XXe siècles », organisée par le Patriarcat de Moscou en collaboration avec la Galerie Tretiakov et le Musée russe

2004, octobre- membre élu de la Commission d'experts pour l'attribution des prix d'État dans le domaine de la littérature et de l'art dans le District fédéral central

2004, octobre - décembre - exposition personnelle à la galerie d'art du musée-réserve du Kremlin de Vologda

2004, novembre - exposition personnelle à la Maison Centrale des Artistes, Moscou

2005, juin- présentation du tableau « Défendons Sébastopol » au Musée historique d'État de Moscou

2005, août- exposition personnelle au Musée d'art de Sébastopol du nom de M.P. Kroshitski

2005, octobre- présentation d'un portrait de V. Matorin dans le rôle de Boris Godounov à l'Union des travailleurs du théâtre de Russie

2006, janvier - février- exposition personnelle au Palais des Expositions d'État de Moscou « Nouveau Manège ».
Élu membre à part entière de l'Académie russe des arts

2006, juin - juillet- exposition personnelle au Musée des Beaux-Arts de la République de Carélie

2006, décembre- exposition personnelle au Musée national d'art de la République de Biélorussie

2007, février - mars- exposition personnelle au Musée régional des traditions locales de Vitebsk

2007, février - mars- exposition personnelle à la Maison du Gouvernement de la Fédération de Russie

2007, avril - mai- exposition personnelle au Musée d'art régional et centre d'exposition de Briansk

2007, avril- participation à l'exposition « Historique et héritage culturel Moscou. 10 ans de développement » au Palais Central des Expositions « Manège », Moscou

2007, juin- participation à l'exposition anniversaire consacrée au 250e anniversaire de l'Académie russe des arts au Palais des expositions central du Manège, Saint-Pétersbourg

2007, juin - septembre- participation à l'exposition « Nous nous souviendrons du rude automne... Moscou. 1941 » dans le bâtiment des magasins de provisions

2007, octobre- participation à l'ouverture du Forum historique et au festival historique et musical de novembre « Perles de Russie »

2007, novembre - décembre- participation à l'exposition « Dédiée à la patrie » au Lycée académique d'art de Moscou de l'Académie des arts de Russie

2008, janvier - février- exposition personnelle à la Galerie d'art régionale « Obraz », Kaluga

2008, février - mars- exposition personnelle au Musée d'art de l'État de Belgorod

2008, avril - mai- participation à l'exposition « Famille de Moscou : traditions et modernité » au Palais central des expositions « Manège »

2008, avril - août- participation à l'exposition de l'Institution fédérale d'État "Musée central d'État nommé d'après A. A. Bakhrushin"

2008, juin - juillet- exposition personnelle au Musée régional des beaux-arts de Tioumen

2008, septembre - novembre- Membre élu du Présidium de l'Académie russe des arts.
Exposition personnelle au Musée-réserve d'État d'histoire, d'architecture, d'art et de paysage de Moscou « Tsaritsyno »

2010, janvier – février- participation à l'exposition du Lycée académique d'art de Moscou « A. V. Dronov et ses étudiants"

2010, février – mars- exposition personnelle au Musée central du service des frontières du FSB de la Fédération de Russie

2010, août – septembre- exposition personnelle au Musée national d'art Chuvash à Cheboksary

2011, janvier – mars- exposition personnelle à l'Académie de Gestion du Ministère de l'Intérieur.
Membre du Conseil Patriarcal de la Culture.

2011, mars – mai- exposition personnelle au musée et centre d'exposition « Ouvrière et paysanne collective »

2011, septembre - 2012, février- exposition personnelle au Musée-réserve d'État d'histoire, d'architecture, d'art et de paysage de Moscou « Tsaritsyno »

2012, février – mars- exposition personnelle anniversaire « Frontières lointaines »
à l'Académie russe des arts

2012, mars – mai- exposition personnelle « Les grands jalons de l'histoire russe »
à l'Institution culturelle d'État de Moscou « Musée-réserve d'État d'histoire, d'architecture, d'art et de paysage « Tsaritsyno »

2014, mai – juin- exposition personnelle « Russie. Histoire et modernité"
au Musée National d'Art de Chine à Pékin

2014, juin- participation à l'exposition « Symboles de la Patrie 2014 » à Moscou.
Membre du Conseil central de la Société historique militaire russe.

Présentation des portraits de M.Yu. Lermontov et F. Cooper à la Bibliothèque du Congrès, Washington. 2014, août
- participation à la rencontre du président russe V.V. Poutine avec des personnalités culturelles

dans la Maison-Musée d'A.P. Tchekhov à Yalta 2014, octobre – novembre

2015 - directeur artistique du projet d'exposition RVIO « Souvenez-vous... Le monde a été sauvé par un soldat soviétique ! (avec S.A. Shcherbakov), Salle d'exposition d'État de Moscou "Nouveau Manège". Exposition personnelle « Nous sommes Russes, Dieu est avec nous ! », Sébastopol. Exposition personnelle « La lumière du Christ illumine tout », Musées du Vatican

2015 – 2016 - travaux sur les peintures de l'église du Saint Grand Martyr et Guérisseur Panteleimon dans le monastère russe Saint-Panteleimon sur Athos

2016, décembre – 2017, janvier- exposition « Athos russe » dans les salles de l'Académie des Arts de Russie

2017, février – mars- exposition personnelle anniversaire « Notre gloire est l'État russe ! » au Palais Central des Expositions du Manège, Moscou ; avril Mai- dans la salle d'exposition centrale de Saint-Pétersbourg "Manege"

Exposition personnelle de Vasily Nesterenko
"Notre gloire, c'est l'Etat russe !"
dans la Salle Centrale d'Exposition "Manège"

À Moscou, dans le bâtiment du Manège, a été inaugurée une exposition de l'artiste populaire Vasily Nesterenko. Le premier jour, seuls la presse et les dignitaires étaient invités à la cérémonie d'ouverture. Le premier est arrivé, le second s’est avéré avoir un emploi du temps très chargé.

Correspondants, photographes et éditeurs se sont promenés avec soin parmi le grand nombre de tableaux, scrutant les images que l'artiste leur présentait.

En général, il n'y a rien à critiquer ou à féliciter. Sauf la taille des tableaux et leur abondance. Mais, comme l'a dit l'un des visiteurs, Vasily Nesterenko n'applique clairement pas de peinture sur de telles toiles. Je ne sais pas ce que voulait dire le commentateur, mais il m’a également semblé que les personnages des peintures n’étaient pas représentés avec beaucoup de clarté. Cependant, Nesterenko n’a évidemment pas poursuivi l’objectif de répéter exactement la réalité. Apparemment, sa tâche est de transmettre un indice, puis de laisser le spectateur réfléchir et tout compléter dans son esprit - dans la mesure de son développement.

Le thème général des peintures de Nesterenko est la religion. L'artiste comprend le terme « art » comme une fantaisie sur des thèmes de personnages bibliques. Ils n'ont jamais existé dans la réalité, mais Vasily Nesterenko est considéré comme un peintre. La peinture et la fiction sont deux concepts incompatibles, mais l’avantage de la fiction, y compris celle sur des thèmes religieux, est que la force de l’image visuelle dépend du degré d’immersion de l’artiste dans le sujet.

Vasily Nesterenko se considère malade. Bien sûr, dans un sens allégorique : « L’art est comme une maladie. Beaucoup ne sont pas infectés. Beaucoup de ceux qui sont infectés s’en remettent tôt ou tard. Et seuls quelques-uns « tombent malades » toute leur vie. Je fais donc partie de ceux qui ont été infectés à vie. Cette phrase est tirée de son entretien avec le magazine « Heir » (n°16).

L'image est bonne, et à travers elle il faut comprendre le message général de l'exposition : un peintre qui n'a présenté aucune travail de peinture, mais a étonné le public par l'ampleur de son immersion dans la religion. Si nous ne recourons pas à un verbiage antagoniste, il serait alors plus correct d'appeler Vasily Nesterenko un peintre d'icônes. Cela découle de ses œuvres.

L’aspect politique de l’exposition est également très évident et doit également être examiné de fond en comble. Premièrement, l’artiste ukrainien est devenu un « artiste du peuple » en Russie. Bien que l'on ne sache pas si le peuple russe sait que des titres aussi élevés reviennent aux Ukrainiens avec une nette défaite dans les droits des vrais artistes folkloriques - les artistes russes ?

Cependant, si vous regardez cet aspect de la peinture à travers le chevalet de la politique, alors ici les racines ukrainiennes sont renversées. Le travail de Vasily Nesterenko débute aux États-Unis : en novembre 1991, une exposition personnelle a lieu à la City Bank Gallery de New York. Puis, en mars 1992, une exposition personnelle à l'Ambassador Gallery de SOHO, New York. Puis en avril 1992 - une exposition dans le bâtiment de la National Westminster Bank, à New York.

En conséquence, le véritable artiste ukrainien et futur artiste du peuple de Russie a été accepté la même année comme membre de la Ligue américaine des artistes professionnels. Puis la poursuite des expositions aux USA, après l'abondance desquelles il ne fait aucun doute que ce pays a trop fait pour que Vasily Nesterenko soit considérée comme sa belle-mère.

Les États-Unis sont devenus le parrain du futur grand artiste. Aujourd'hui, il y a beaucoup de rumeurs sur le thème du recrutement, c'est pourquoi la période américaine de la vie de Vasily Nesterenko signale très ouvertement au public que les services secrets américains sont tombés amoureux de l'Ukrainien parce qu'il leur a apporté la culture picturale russe, qui reflète Motifs religieux grecs et juifs.

En conséquence, un tel cosmopolitisme s’est isolé sur le monument de la démocratie victorieuse : la démocratie des États-Unis, victorieuse en URSS. Nous parlons de la cathédrale du Christ Sauveur. En février 1995, le futur Artiste du peuple de Russie, revenu des États-Unis et déjà pleinement titré et reconnu dans tout le monde occidental, a commencé à travailler sur des esquisses pour les peintures de la cathédrale du Christ-Sauveur.

D'après Senka et le chapeau : en 1995 Vasily Nesterenko est devenu membre de l'Union des artistes de Moscou. Puis, en 1996-1997, il réalise une exposition personnelle à la Mercer Gallery de New York. Après une nouvelle série d'instigations des États-Unis, Vasily Nesterenko s'est immédiatement rendu au Kremlin, où a eu lieu son exposition personnelle dans l'administration présidentielle. Fédération Russe. Le président russe de l’époque était un esclave des États-Unis et l’esclave le plus bas d’Israël, Boris Eltsine.

Ainsi, Dieu lui-même a éloigné Vasily Nesterenko de la vraie peinture. Il n'a jamais peint de paysages russes ni de portraits russes. Mais les murs du Manège se sont affaissés sous d'immenses panneaux avec des images de saints, démontrant clairement que Vasily Nesterenko en a vraiment marre de l'art, mais il en a marre sur la place - à cause de sa scission religieuse.

D'où la reconnaissance : 1999 – Artiste émérite de la Fédération de Russie ; 2000 – Ordre de Serge de Radonezh, degré II, russe église orthodoxe pour les peintures de la cathédrale du Christ-Sauveur ; 2003 – Certificat patriarcal pour la création de nouvelles peintures dans la cathédrale de l'Assomption à Dmitrov ; 2004 – Artiste du peuple de la Fédération de Russie ; 2004 – Ordre d'Andrei Rublev, III degré du Patriarcat de Moscou.

En réponse aux services de renseignement américains, qui ont donné un départ si étonnant à l'iconographie pittoresque de Vasily Nesterenko, les services de renseignement russes se sont distingués par leur alternative : 2010 - Prix FSB dans la catégorie Beaux-Arts.

La capacité de sortir est primordiale pour un artiste. Mais à l’heure actuelle, Vasily Nesterenko a clairement disparu du tableau. Certains associent le début de sa descente à la surcharge de ses toiles à thème religieux. En particulier, les Juifs sont extrêmement négatifs sur le fait que même si le titre d’« Artiste du peuple » a été attribué à l’un d’entre eux, ce n’était franchement pas conforme à la tendance moderne. Il n'y avait pas un seul rabbin au vernissage de l'exposition.

D'autres attribuent les problèmes au fait qu'ils voient en Vasily Nesterenko un candidat au poste de directeur de l'Académie des arts de Russie, où est désormais présent Zurab Tsereteli, un artiste tout aussi réussi. Si tel est le cas, nous assisterons bientôt à une lutte en coulisses entre un Ukrainien et un Géorgien pour le prochain poste dans un établissement d'enseignement russe.

Le fait que les nuages ​​​​aient commencé à s'épaissir sur les icônes de Vasily Nesterenko a été démontré par l'ouverture de l'exposition, à laquelle il n'y avait aucun dignitaire, et même le ministre de la Culture n'est pas venu pour documenter l'importance de la figure de l'artiste du peuple. . Ce crachat flagrant des autorités en faveur de peintures religieuses remarquables a été atténué avec succès par l'abondance des prêtres et des divers hiérarques de l'Église. Mais aussi - tout est de plus en plus bas...

Marina Vetrova

Vasily Igorevich Nesterenko est né en 1967 à Pavlograd, en Ukraine. En 1980, il entre à l’École secondaire d’art de Moscou de l’Institut académique d’art d’État de Moscou. V.I. Surikov au département de peinture - après une formation dans l'atelier de l'Artiste du peuple de Russie N.S. Prisekin. En juin 1985, il est diplômé de l'École secondaire d'art de Moscou avec une médaille d'or. De décembre 1985 à octobre 1987, il sert dans les rangs de l’armée soviétique. De 1987 à 1994, il étudie à l’Institut académique d’art d’État de Moscou. V. I. Surikova. Atelier de l'artiste du peuple de l'URSS, l'académicien T. T. Salakhov. Enseignants : prof. L.V. Shepelev, prof. S.N. Shilnikov, prof. N.P. Hristolyubov, prof. E.N. Troshev. Depuis l'automne 1988, activité créatrice active.

Le tournant des XX-XXI siècles est une époque historique complexe qui donne vie à de nouvelles mouvements artistiques, directions, valeurs. L’œuvre du peintre moscovite Vasily Nesterenko est indissociable de son époque. Il fait partie de ces maîtres qui introduisent l'art russe dans le nouveau siècle.

Une excellente préparation académique, une profonde sensibilité à la modernité et une rare diligence ont aidé Nesterenko à entrer rapidement dans la vie artistique du pays. Il atteint rapidement l'indépendance, la maturité de style et bénéficie d'une large reconnaissance. Possédant un éventail créatif important, il peint des portraits, des paysages, de grandes toiles historiques et des compositions religieuses.

La compréhension artistique des changements dans la vie spirituelle de la société et des changements profonds dans la vision du monde s'incarnent dans une série de peintures consacrées aux voyages dans des lieux saints, dans la peinture d'icônes, dans la création de portraits du patriarche de Moscou et de toute la Russie. Alexis II, patriarche de Jérusalem Diodore et autres membres du clergé.

Le thème principal de ses peintures historiques est l'affirmation de l'individu, son début actif et créatif. Dans son art, Nesterenko fait souvent référence à l'ère des réformes de Pierre Ier, introduisant divers sujets historiques dans ses peintures : « Triomphe de la flotte russe », « Moscou rencontre les héros de Poltava ».

La base de la méthode artistique de Nesterenko en tant que portraitiste est une étude approfondie de la nature, de la nature des êtres humains. Ses portraits sont remarquables par leur finesse dans la transmission du caractère. Avec une chaleur particulière, l'artiste révèle la valeur spirituelle des modèles. Dans ses portraits de femmes, il est un parolier subtil, créant des images lumineuses et harmonieuses.

Le paysage revêt une grande importance dans son œuvre. L’image de la nature s’entend dans l’ensemble des peintures historiques, dans les portraits et se révèle pleinement dans les œuvres paysagères de l’artiste. Il voyage beaucoup en Russie et ne se sépare pas de son carnet de croquis lors de voyages en Europe et en Amérique.

Le véritable succès créatif de Vasily Nesterenko a été sa participation à la recréation de la décoration pittoresque de la cathédrale du Christ-Sauveur à Moscou. Ce travail des plus complexes nécessitait non seulement les plus hautes compétences professionnelles, mais aussi la capacité de travailler à la manière des plus grands peintres du XIXe siècle.

Les scènes évangéliques à plusieurs figures interprétées par Nesterenko : « L'entrée du Seigneur à Jérusalem », « La résurrection du Christ », « L'apôtre Matthieu », « Le Baptême du Seigneur » sont situées dans la partie centrale la plus importante de la Cathédrale du Christ Sauveur.

Une place particulière dans l’œuvre de l’artiste est occupée par son travail dans le réfectoire patriarcal de la cathédrale du Christ-Sauveur. Avec la bénédiction du Patriarche, l'artiste interprète cinq scènes évangéliques : « La Cène », « Les Noces de Cana de Galilée », « La Multiplication miraculeuse des pains », « La Prise miraculeuse », « Le Christ et la Samaritaine ». .

Le travail de l'artiste émérite de la Fédération de Russie, membre correspondant de l'Académie des arts de Russie Vasily Igorevich Nesterenko, attire invariablement l'attention de nombreux spectateurs. Ses œuvres peuvent être vues dans les musées et lors de grandes expositions nationales et étrangères. Il travaille beaucoup, regorge de nouvelles idées créatives et possède de nouvelles toiles dans son atelier.

Vasily Igorevich NESTERENKO: interview

Vasily Igorevich NESTERENKO (né en 1967)- Artiste du peuple de la Fédération de Russie, membre à part entière de l'Académie des Arts de Russie : | | | .

" DANS LE CERCLE DE MES CONNAISSANCES IL N'Y A AUCUNE PERSONNE GÂTÉE PAR LA RENOMMÉE "

J'ai interviewé l'artiste du peuple de la Fédération de Russie, Vasily Igorevich Nesterenko... sous un arbre. Nous avons convenu de nous rencontrer à Chistye Prudy, - il y a des bancs, cosy et calmes. Hélas, cela n'a pas fonctionné - à ce moment-là, des travaux d'aménagement paysager étaient en cours sur les étangs. Sans hésitation, nous avons contourné toutes les barrières et nous sommes finalement dirigés vers la pièce verte au centre. J'ai accroché mon sac à une branche d'arbre, j'ai préparé un enregistreur vocal et j'ai demandé :

- Rien, qu'est-ce qui ne va pas ?
- Allez! Alors tout est simple, dans la nature...

Vasily Igorevich est une personne exceptionnellement souriante, simple et ouverte. Oui, et bien sûr, très occupé. Mais il répond à toutes mes questions sans hâte, en expliquant ce qui n'est pas clair, et en quelque sorte très sincèrement, cordialement...

Alors, de manière simple, nous avons parlé dans la nature. En leur disant au revoir, j'ai pensé que la prochaine fois que j'arriverais à la cathédrale du Christ-Sauveur, je regarderais certaines peintures avec des yeux complètement différents. Peint par Vasily Igorevich.

Interviewée par Elena KOROVINA

- Vasily Igorevich, comment es-tu devenu artiste ?
- J'aime l'art depuis l'enfance. L'art est comme une maladie. Beaucoup ne sont pas infectés. Beaucoup de ceux qui sont infectés s’en remettent tôt ou tard. Et seuls quelques-uns « tombent malades » toute leur vie. Je fais donc partie de ceux qui ont été infectés à vie. Et la question de savoir où aller étudier ne s'est jamais vraiment posée pour moi - dès l'âge de neuf ans, j'ai su que je serais un artiste. Et la vie s'est déroulée d'une manière ou d'une autre avec calme et confiance. Je me suis intéressé à l'art assez tôt. Il y a d'abord eu des expositions à l'école où j'ai étudié, puis des expositions au Manège et à la Maison Centrale des Artistes. Je suis diplômé d'une école d'art, puis de l'Institut Surikov, puis il y a eu un stage aux USA, une thèse... Et en parallèle - des expositions personnelles en Russie et à l'étranger : au Japon, aux USA.

Dans la petite enfance, j'ai perdu mon père, ma mère m'a élevé. Au début, elle n’était pas très favorable à mon envie de devenir artiste, sachant combien c’était difficile. Maintenant, je la comprends parfaitement. Aux parents qui doutent de consacrer leur enfant à l’art, je conseille toujours de lire le roman « Créativité » d’Emile Zola. Le roman fait réfléchir sur la complexité de ce chemin. Ma mère avait très peur que je ne le supporte pas et que je me casse. Et puis, voyant ma persévérance et mon grand désir, elle a commencé à me soutenir. Et maintenant, elle est ma plus proche et meilleure conseillère.

- Je sais qu'au début des années 1990, on vous a proposé de rester et de travailler aux États-Unis. Pourquoi n'êtes-vous pas d'accord ?
- Je suis né en Russie, je suis russe et je ne peux pas vivre loin de mon pays natal. Expositions à l'étranger - oui, bien, Dieu merci. Mais rester dans un pays étranger, il me semble que ce n'est pas facile, cela signifie gâcher sa vie. Lisez les mémoires de nos émigrés sur la Russie - Shmeleva : quelle profonde tristesse pour la Patrie perdue ! Non, c’est très difficile de vivre dans un pays étranger.

- Mais vous avez quand même rejoint la Ligue américaine des artistes professionnels...
- En Amérique, j'ai rencontré Mikhaïl Alexandrovitch Verbov, élève de Repin. Il avait alors 96 ans. Nous avons communiqué avec Mikhaïl Alexandrovitch pendant trois ans - il n'a pas vécu un an avant son 100e anniversaire. Il était membre honoraire de la Ligue américaine des artistes et, une fois, alors que mon exposition avait lieu aux États-Unis (j'étais étudiant à l'époque), des artistes de la ligue l'ont visitée. C’était mon épreuve de force, j’étais apprécié et accepté.

- Avez-vous déjà douté de la justesse de votre choix ?
- Au contraire, ça s'est renforcé. Il y a beaucoup de choses qui ne me conviennent pas dans la vie moderne, à la campagne, dans la culture, dans l’art. Et je ne vais pas attendre passivement que cette négativité touche mes enfants comme une aile noire, je veux la combattre. Mes armes sont un pinceau et une palette. Et cela ne veut pas dire grand chose. À Sébastopol, en 2005, une action a été organisée pour marquer le 150e anniversaire de la défense de Sébastopol. Engels ne trouve que des critiques négatives sur la défense de cette glorieuse ville, sur l'Empire russe et l'armée. L'historiographie soviétique a repris cette critique, les écoles ont oublié Sébastopol, et finalement il s'est avéré : nous ne savons rien de cette bataille, où plus d'un million de personnes sont mortes. Pouvez-vous imaginer à quel point cela est important et pertinent maintenant : transmettre à notre peuple, à notre conscience, la grandeur et la puissance de la Russie. Pour cet événement, j'ai peint le tableau « Défendons Sébastopol » (toile 300 x 515. -NdR). Pour moi, cela ressemble à « Nous défendrons Moscou, nous défendrons la Russie ! » Lors d'une exposition au Musée d'art de Sébastopol, j'ai vu un fragment de ce tableau placé sur des panneaux publicitaires, dans les aéroports et les gares de Simferopol et de Sébastopol, ainsi que sur les autoroutes de la côte sud de la Crimée. Les gens ont accepté l’image de tout leur cœur, ont saisi l’ambiance et l’ont soutenue.

- De nos jours, en Russie, il n'y a probablement pas beaucoup de vrais connaisseurs d'art...
- Non, non, je pense qu'en Russie, les gens aiment et comprennent vraiment l'art. Souvent à leur manière, maladroitement, maladroitement - mais ils les aiment beaucoup ! J’ai même vu une fois un tatouage sur toute la poitrine avec une reproduction d’un tableau de Léonard de Vinci » Madone Benoît" Qu'est-ce que c'est? L'amour pour l'art sous une forme si unique. Demandez à n'importe quel Russe dans la rue qui sont Aivazovsky, Sourikov, Repin, tout le monde vous répondra, tout le monde les connaît, enfin, au moins ils savent qu'ils sont des artistes russes. Mais en Europe, c'est plus difficile. Je le sais de première main : demandez à un Européen ordinaire qui est Magritte, Renoir, Bruegel, vous n’obtiendrez pas de réponse.

- Souhaitez-vous que vos enfants consacrent également leur vie à l'art ? Les voyez-vous comme des artistes ?
- Mes enfants sont encore très petits. Je ne sais pas quelle voie ils choisiront. Mais s'ils choisissent la voie du service de la Patrie dans le domaine de l'art, je ne ferai que les aider. S’ils ne le souhaitent pas, j’essaierai en tout cas de leur inculquer l’amour de l’art.

- Qu'en pense ta femme ?
- Ma femme Olya est toujours là, elle me soutient toujours dans tout. Elle est ma principale assistante.

- J'ai toujours été intéressé par la question : pourquoi y a-t-il si peu de femmes artistes ?
- Parce que c'est un chemin très difficile, je le répète. Il y a si peu d’artistes, non pas parce que les femmes manquent de talent et de capacités, mais parce que la vie même d’une femme vise autre chose. Il lui est particulièrement difficile de tout abandonner et de vivre pour l'art. C'est le cas lorsqu'un métier devient un mode de vie. Tous les artistes ne peuvent pas résister à cela et rester fidèles à leur chemin jusqu'à la fin de leur vie.

- Qu'est-ce qui est le plus proche de vous - des paysages, des portraits, des histoires évangéliques ?
- Je ne peux pas dire que quelque chose est plus proche de moi. Le Seigneur m'a donné l'opportunité de tout voir, de tout représenter, même quelque chose d'abstrait. Toutes les peintures sont le fruit de l'inspiration. J'aime particulièrement représenter quelque chose qui dépasse un peu les frontières de la peinture. Comment, par exemple, montrer le poids de la neige mouillée sur les branches, le bruissement des feuilles qui tombent ? Quand cela peut être transposé sur toile, c’est une vraie réussite. Tout comme dans un portrait, l’essentiel est de montrer l’âme d’une personne, et les questions de similitude passeront au second plan. Tout peut être intéressant – aussi bien le paysage que le portrait.

J’aime vraiment la diversité dans mon travail. Il y a des artistes qui peignent des natures mortes toute leur vie. C'est tout. Je trouve ça un peu ennuyeux. Ou de la nudité tout le temps. Une exposition, une deuxième, une troisième – et des nus partout. C’est beau, bien sûr, mais j’ai aussi envie de voir enfin la personne habillée sur la photo. Que tout soit différent, l'essentiel est que dans n'importe quelle image il y ait vous, votre style. Diversifiez votre créativité sans vous trahir. Mais la variété des intérêts ne doit pas être associée au désir de s'adapter aux besoins du temps : doux, glamour, sinon ils ne l'apprécieront pas.

J'ai peint de nombreuses églises : la cathédrale du Christ Sauveur, la cathédrale de l'Assomption à Dmitrov, l'église de l'Assomption à Domnino - le domaine de la famille Romanov, j'ai peint la salle du trône du patriarche de Jérusalem à Jérusalem. Je m'intéresse à peindre des tableaux historiques. thèmes, paysages, portraits. Mais, surtout dans le genre du portrait, je me préoccupe de la question « Qui est le héros de notre temps ? » Il était une fois Onéguine et Péchorine, mais qui maintenant ? Bien sûr, les héros sont différents pour chacun. Et je ne voudrais pas que la majorité soit les héros d’une sorte de « Maison-2 ». Ils me disent : « Oui, tu sais, maintenant les jeunes sont élevés comme ça, ils ont des valeurs différentes. » C'est comme ça qu'on les élève ! Nous! Nous avons toute la responsabilité, et tout dépend de nous !

- Qui est pour vous le héros de notre temps ?
- Vous pouvez regarder mes portraits et obtenir une réponse. Ce sont à la fois des personnes peu connues d'un large cercle - juste mes connaissances - et des personnalités assez célèbres. Par exemple, la grande chanteuse russe Irina Arkhipova ou le célèbre acteur Vasily Lanovoy. Pour moi, ce sont tous des héros de mon temps. J’essaie de les connaître de l’intérieur, car pour faire un portrait, il ne suffit pas d’avoir du talent, il faut se lier d’amitié avec la personne, sentir son âme, sinon rien ne marchera.

Vous avez rencontré de nombreuses personnes célèbres – à votre avis, la célébrité les gâte-t-elle ? Comment se protéger de la fièvre des étoiles ?
- Prenez la voie du milieu, tenez bon d'une manière ou d'une autre. Après tout, vous pouvez tomber dans le piège de la gloire - et vous retrouver non pas en tant qu'artiste ou interprète, mais en tant que fonctionnaire, président d'une fondation. C'est comme une réaction en chaîne. ET la créativité sera tué. Mais on peut toujours avoir une âme d'enfant, comme Lanovoy - il est toujours simple, ouvert, malgré sa renommée nationale. J’ai probablement de la chance : parmi mes amis, il n’y a personne gâté par la gloire.

Alors, en quoi les célébrités diffèrent-elles du commun des mortels, à votre avis ?
- C'est difficile de répondre. D’un côté, ils sont faciles à communiquer, ils sont comme tout le monde, mais d’un autre côté, on sent qu’ils sont quelque peu différents. Ils sont créatifs et ont une âme jeune. Revenons au même Verbov, l'élève de Repin - tout New York le connaissait, et il m'a simplement dit, à moi, étudiant : "J'ai fait un nouveau travail, allons voir ce que tu as à dire." La simplicité est ce qui distingue les personnes vraiment grandes et célèbres. Parmi les artistes, il n'y a pas beaucoup d'artistes qui peuvent sincèrement se réjouir du succès de leurs jeunes collègues. Cette compétence est aussi, à mon avis, le signe d’une personne vraiment talentueuse et célèbre. La renommée ne devrait pas la gâcher. Cela devrait être un stimulus – plus haut, plus loin, plus profond. Après tout, vous pouvez simplement réussir et vous arrêter là. C'est tout. Le résultat sera une stagnation et un déclin progressif de la créativité.

- Si une personne rêve de gloire, est-ce bien ou mal ?
- Bien sûr, c'est bien, car ce rêve est la principale motivation. De nombreux grands Russes en ont rêvé : Souvorov et Ouchakov, Briullov et Repin - et ils l'ont reçu à juste titre. Et par leur gloire, ils ont élevé la Russie. Il est également important de décider de quel type de renommée vous rêvez et pourquoi. J'essaie de charger de ma créativité uniquement de bonnes choses. Et à notre époque, obtenir une telle renommée avec tout votre professionnalisme et votre talent est plus difficile que la renommée d'un bagarreur. Il y a un artiste tellement avant-gardiste, Oleg Kulik, qui lors d'expositions saute nu à quatre pattes et mord les jambes des visiteurs. On connaît ses vaches avec une vidéo sous la queue, un buste de Tolstoï dans des crottes de poulet et avec des poulets vivants autour... Kulik est un personnage assez connu. Il y a donc une telle gloire. Préserver les traditions de l’art russe est plus difficile ; il est beaucoup plus facile d’attirer l’attention de cette manière, avec outrance.

- Qui est votre modèle dans votre travail ?
- Je ne nommerai pas d'artistes contemporains, même si je ferai une réservation tout de suite - il y en a. J'ai essayé d'apprendre de tous les grands peintres - Kouindji, Ivanov, Nesterov, Vasnetsov, Michel-Ange, Van Dyck...

- Vous sentez-vous célèbre ?
- Beaucoup de gens connaissent mon travail... Mais je ne veux pas me qualifier de célèbre. Une fois à la télévision, j'ai vu une reproduction de mon tableau « Triomphe de la flotte russe », qui se trouve à Moscou au Musée des forces armées. L'histoire concernait Vladikavkaz. Qui a fait qu'elle ait participé au programme là-bas ? Je ne suis jamais allé en Ossétie du Nord. Bon? Bien sûr, c'est sympa. Vous pouvez bien sûr commencer à parler de violation du droit d’auteur, mais est-ce de cela dont nous parlons lorsqu’une telle reconnaissance de votre part en tant qu’artiste se produit ?

-Avez-vous ressenti par vous-même ce que signifie la tentation de la gloire ?
- Cela ne m'arrive pas souvent. Oui, lors des expositions, quand je suis entouré de la presse, de la télévision, quand les gens viennent me voir pour un autographe, c'est bien sûr très agréable. Mais cela s’accompagne aussi d’un énorme sens des responsabilités. J'ai aussi toujours peur d'offenser quelqu'un. Un homme s'est approché de moi avec un morceau de carton d'invitation, m'a demandé un autographe, m'a demandé de prendre une photo, et à ce moment-là j'étais occupé - une interview ou simplement une conversation avec un invité... Il est impossible de refuser : la personne est venue exprès, peut-être qu'il a fallu beaucoup de temps pour arriver, peut-être qu'il a pris un congé du travail - je n'ai pas le droit de l'offenser, demandez-lui d'attendre. Nous devons suivre tout.

- N'aviez-vous pas peur de vous attaquer au tableau de la cathédrale du Christ-Sauveur ? Quelles difficultés avez-vous rencontrées ?
- Il y a eu beaucoup de difficultés. Le fardeau de la responsabilité est tout simplement colossal. J'ai passé plusieurs années à travailler dans ce temple. Dans le temple se trouvent quatre de mes tableaux, quatre icônes de la Mère de Dieu, un Linceul pour le maître-autel, cinq tableaux de scènes évangéliques dans le réfectoire du Patriarche et dix vues de monastères dans l'antichambre de la salle des Conciles ecclésiastiques. J'ai réalisé les peintures murales et les peintures seule, sans assistants - c'était incroyablement difficile : au 19ème siècle, il fallait dix ans pour peindre le temple, mais nous l'avons peint en sept mois et demi. Comment avons-nous pu faire cela ? Je ne sais pas, c'est un miracle. La Cathédrale du Christ Sauveur a été peinte par les artistes qui la voulaient sincèrement, ceux qui voulaient laisser leur marque, qui voulaient se joindre à ce plus grand et fantastique événement. Et ce fut un grand honneur pour nous tous. À une certaine époque, Alexandre Ivanov rêvait de peindre le temple - lui, Ivanov, n'y était pas autorisé ! Et j'ai eu la chance de travailler dans le temple, en restaurant deux tableaux de Semiradsky, deux tableaux de Sorokin - maîtres célèbres du 19ème siècle ! Ce fut un dialogue inoubliable avec des artistes célèbres de l'époque. Lorsque j'ai rencontré la peinture des temples, j'ai découvert tant de nouvelles voies, tant de sensations - tout un monde qui a enrichi ma vie, ma palette. Nous n’oublierons donc jamais ce travail dans la Cathédrale du Christ Sauveur.

- Vous avez eu de nombreuses expositions. Y en a-t-il qui vous ont marqué ? Et pourquoi?
- Probablement au Grand Manège, en février 2004. Lors de la préparation de cette exposition, j'ai essayé de ne pas passer devant le Manège, cette longue rangée de colonnes m'avait déprimé. Il me semblait que rien ne marcherait pour moi. Mais l'exposition a eu lieu, et quel spectacle !

- Avez-vous un tableau préféré parmi vos œuvres ?
- Manger. Encore non écrit.

- Et de ceux écrits ?
- "Seul avec moi-même". Vous pouvez regarder sur mon site Web. Il représente un héros de notre temps, mon temps, un moine ordinaire, une personne ordinaire, mais vivant une vie inhabituelle, incompréhensible pour nous. Tant qu’il y aura de telles personnes en Russie, la Russie vivra. Ou le tableau « Invaincu ». J'ai essayé de dire quelque chose de nouveau sur la guerre et il me semble que j'ai réussi.

- Quelle est la pire chose pour vous dans votre travail ?
« Ce qui me fait le plus peur, c’est de ne pas répondre aux attentes des gens. » Le pire, c'est d'entendre : « Vos tableaux sont mauvais. Nous sommes venus vers vous et vous avez avancé des absurdités. Dieu merci, cela ne m’est pas arrivé, mais tout est très imprévisible dans le monde de l’art. Vous pouvez travailler toute votre vie, peindre des tableaux, et puis, à la fin de votre vie, on vous dira : « Tout cela est dépassé, rien d'intéressant ». Souvenons-nous d'Alexandre Ivanov, qui a écrit « L'Apparition du Christ au peuple ». Brioullov a eu un peu plus de chance : il a réussi à mourir avant qu'on ne commence à l'oublier, et Ivanov a appris de son vivant ce que signifiait être un paria. Rembrandt a été oublié pendant 200 ans ! Aivazovsky a été picoré pendant sa vie et après sa mort. Et combien d’exemples de ce genre ! C'est difficile d'être talentueux et célèbre. La gloire est la gloire, et elle provoque souvent de l'insomnie et de la lourdeur dans l'âme. On ne sait donc pas quoi et comment cela va se passer. Comment pouvez-vous jouir de la gloire quand, peut-être demain, on dira que vous êtes né en vain ?

D. O. Shvidkovsky

Le talent artistique de Vasily Nesterenko est multiforme et son œuvre est vaste - peintures d'églises et peintures historiques, portraits du clergé et images féminines lyriques, paysages et natures mortes, œuvres peintes à l'huile et à l'aquarelle, feuilles graphiques réalisées au fusain et au crayon. Il réussit également dans les petits croquis et les toiles multimètres, les images intimes de la nature et les œuvres philosophiques de la composition et de la structure figurative les plus complexes. Ses peintures reflètent de nombreux aspects de nos vies, pénètrent dans les profondeurs de l'histoire, nous font sympathiser avec les tragédies du passé et les exploits de nos prédécesseurs et nous joignent au ministère de prière des Pères de l'Église. Les sentiments du spectateur sont inspirés par des œuvres individuelles du maître, ainsi que par des séries de peintures et des expositions entières unies par les idées de bonté, d'amour et de réconciliation.

En parcourant les pages de cet album, nous vivons avec l'artiste sa vie, pleine d'impressions de la beauté de sa nature natale, de rencontres créatives avec ses contemporains et de nombreux voyages à travers le monde. Nous pouvons rappeler les pages glorieuses de l'histoire : l'époque de Pierre le Grand avec ses triomphes et ses batailles, remonter au XIXe siècle et visiter les redoutes et bastions de Sébastopol assiégé, se retrouver dans les Lieux Saints où se trouvent les livres de prières des Russes. L'église a travaillé pendant des siècles et enfin, passez sous les arches du temple du Christ Sauveur et admirez des peintures murales et des peintures racontant les événements de l'histoire de l'Évangile.

En nous familiarisant avec les œuvres de l’artiste, nous sommes immergés dans le monde de la peinture, où nous pouvons voir des jeux de couleurs exquis, des combinaisons subtiles de tons proches et des traits de couleurs actifs réalisés avec un pinceau confiant. La richesse de la texture distingue la plupart des œuvres de l'artiste - il s'agit d'une surface lisse, obtenue par des glacis à peine perceptibles, permettant de simuler les changements de forme les plus subtils, et une couche de corps expressive, obtenue avec un pinceau large ou un couteau à palette, capable de mettant en évidence les endroits critiques de l'image, révélant et soulignant la tangibilité des objets. La coloration des peintures du maître est variée - de sobre et légère à lumineuse et riche. Son arsenal créatif comprend la quasi-totalité des moyens techniques et techniques développés par de nombreuses générations d'artistes.

Pour Vasily Nesterenko, il n'y a pas de sujets inaccessibles ; il en interprète les petits avec le même succès. portrait à l'aquarelle, et une peinture à l'huile monumentale, et une peinture murale colossale. Lorsqu'il travaille sur un paysage, l'artiste s'efforce de transmettre des effets qui dépassent le cadre de la peinture : l'odeur d'une forêt d'automne, le bruissement des feuilles, la lourdeur de la neige mouillée ou le bruit de la mer. En créant un portrait, il pénètre dans l'âme d'une personne, décrivant le monde intérieur, et pas seulement ressemblance extérieure. L’ambiance évoquée par le tableau éveille immédiatement la réponse du spectateur et le fait sympathiser avec les sentiments et les pensées de l’artiste.

Le thème du service aux gens, un désir sincère de rendre la vie des contemporains meilleure et plus propre, un appel à regarder autour de soi et à tomber amoureux le monde parcourt toute l'œuvre de Vasily Nesterenko. L'artiste a entièrement consacré sa vie à l'art au sens le plus élevé du terme, qui comprend le dévouement professionnel à son œuvre préférée, un travail créatif altruiste et une fidélité aux idéaux autrefois choisis.

On peut dire que l'œuvre de Vasily Nesterenko est encyclopédique par son ampleur et sa diversité. Le but de cet album est une tentative de rassembler la plupart des œuvres de l’artiste sur les pages d’une même publication, de les organiser de manière à exprimer au mieux le sens de sa quête créative.

Nous tenterons de retracer le parcours créatif de l’artiste, les étapes de sa formation, mais aussi qui furent ses professeurs, dans quel environnement il a été élevé, ce qui lui a permis de s’élever vers les sommets de l’excellence professionnelle et de recevoir une reconnaissance bien méritée.

Vasily Igorevich Nesterenko est né en 1967 en Ukraine. Les impressions de son enfance resteront une source d'inspiration importante dans sa future vie créative. Les champs sans fin de l'Ukraine, les énormes peupliers pyramidaux sur le Dniepr sans limites, les saules pleureurs penchés sur un étang tranquille et la nature pittoresque et lumineuse de Crimée avec de fantastiques tas de rochers près des rives de la mer Noire - c'est là que son talent d'artiste a pris naissance. s'est manifestée, parfois encore timidement, mais déjà assez clairement. Voyant en lui un penchant pour le dessin, ses parents l'encouragent à étudier.

Toute la vie ultérieure de Vasily Nesterenko est liée à Moscou. Après être entré à l'École secondaire d'art de Moscou de l'Institut Surikov, il s'est impliqué pour toujours dans la créativité. Les examens scolaires sont devenus le premier test pour le jeune artiste. Après avoir réussi un rude concours - quinze personnes par place - il se retrouve dans le monde de l'art professionnel, dans l'alma mater de nombreux peintres et sculpteurs russes.

La réussite des examens a été précédée d'un travail préparatoire sérieux dans l'atelier nommé d'après M.B. Grekov, dans l'atelier de l'Artiste du peuple de Russie, lauréat du Prix d'État N.S. Prisekin. Célèbre peintre de batailles, auteur de nombreux dioramas, il travaillait à cette époque sur le tableau monumental « Bataille de Koulikovo ». Vasily, peignant des natures mortes pédagogiques à l'aquarelle, rêvait de grandes toiles, considérait cela comme un miracle lorsque, sous la main d'un maître, des personnages prennent vie sur la toile, la vie semble sortir de rien.

Dans une atmosphère d'intérêt croissant de la société soviétique pour la culture russe, développement créatif Vassili Nesterenko. Le jeune peintre a lu des livres sur l’histoire de l’art russe et mondial et, avec ses camarades de l’école d’art, a découvert la poésie des anciennes églises et monastères, admiré les natures mortes de Stojarov, les peintures de Plastov et d’autres classiques de l’art réaliste. Il a passé chaque pause dans la galerie Tretiakov, située en face de l'école, a étudié les œuvres de Sourikov, Repin, Levitan, ne pouvait s'éloigner du tableau « L'apparition du Christ au peuple » d'Alexandre Ivanov et s'est progressivement familiarisé avec le beauté spirituelle de la peinture russe ancienne.

Plusieurs générations d'artistes ont traversé les murs de la légendaire école de Lavrushinsky Lane. Dans ses couloirs à cette époque il y avait beaucoup de travaux pédagogiques, qui, dans leur savoir-faire, n'étaient pas inférieurs aux œuvres d'artistes vénérables. C'était une véritable école d'art, préservant les traditions pré-révolutionnaires, soigneusement portées par les enseignants et les étudiants pendant de nombreuses décennies. L'une des principales traditions de l'école était l'esprit de compétition. Ils ont appris non seulement des professeurs, mais aussi des œuvres de grands artistes russes et de leurs camarades, notant avec zèle les endroits réussis dans un dessin ou les détails efficacement écrits d'un cadre de formation. Il était considéré comme honteux d'exposer moins de travail que ses camarades de groupe. L'honneur était donné au travail et aux compétences, ce qui n'était pas facile pour tout le monde, mais Vasily Nesterenko a toujours été un leader, il se faisait remarquer même à l'école, au niveau des étudiants.

Le « Dessin d'après une sculpture antique », réalisé d'un trait selon la technique de l'aquarelle, remonte à l'époque de ses études à l'école. La main du futur maître est visible dans cette œuvre. Même alors, Nesterenko s'est fixé des tâches qui dépassaient largement les exigences des enseignants. Après avoir brillamment terminé ses études d'art à l'école, il reçoit une médaille d'or dans les matières d'enseignement général, ce qui est rare parmi les artistes.

Le prochain test est l'examen d'entrée à l'Institut d'État des arts de Moscou. V.I. Surikov - Nesterenko a vaincu avec plus de succès que les autres et est entré à la Faculté de peinture en tant que numéro un à l'été 1985. La vie de l'artiste a commencé nouvelle étape, proche en complexité de la vraie vie professionnelle. Partisan fidèle du réalisme, Vassili Nesterenko a choisi pour ses études l'atelier créatif le plus vivant et le plus dynamique, dirigé par l'Artiste du peuple de l'URSS S.S. Salakhov, peintre contemporain exceptionnel, académicien et chef de l'Union des artistes de l'URSS. Dans l’atelier de Salakhov, il y avait de nombreux partisans de l’art abstrait qui se distinguaient du reste des étudiants, mais d’un autre côté, les meilleurs réalistes étaient généralement diplômés de cet atelier particulier. L'atmosphère de la créativité moderne avec ses problèmes aigus, différences de styles et de préférences créatives. C'était une sorte de « modèle » de la vie artistique dans laquelle chacun devait se plonger après l'obtention de son diplôme.

Vasily Nesterenko cherchait à assurer sa primauté parmi les étudiants de l'Institut Surikov, mais pour s'y faire remarquer, des compétences professionnelles élevées et une grande efficacité étaient nécessaires. De nombreuses études de nus grandeur nature, des dessins et croquis préparatoires, des portraits féminins et masculins à l'huile et au fusain entrecoupés de recherches compositionnelles. Peu à peu, ses compétences se sont développées dans la précision de la transmission des proportions, dans la netteté des caractéristiques du portrait, dans la capacité de transmettre la texture et la matérialité des objets représentés.

À un moment donné, l'artiste a senti qu'il fallait revenir à l'étude des classiques - c'est là que se trouve la vraie maîtrise, c'est là que l'on peut apprendre le sens des proportions et du rythme, des proportions et de la plasticité ! Accordant une grande attention au dessin comme base de la peinture et de la composition, Vasily Nesterenko s'est fixé une tâche difficile : essayer de réaliser un dessin à grande échelle à partir de la statue de Michel-Ange « David » à la moitié de sa taille réelle. Seuls quelques dessins de cette taille sont connus et ils ont été créés principalement à l'Académie impériale des arts. Travaille au Musée national des beaux-arts. A.S. Pouchkine, Nesterenko a cherché à s'imprégner du pouvoir de Michel-Ange dans l'interprétation des formes, à ressentir l'harmonie des proportions et l'architecture complexe de cette œuvre brillante. Pas un seul dessin à partir de moulages en plâtre, pas une seule production avec des modèles nus n'a autant apporté à l'artiste que ce dessin. Deux mois passés au Musée Pouchkine se sont avérés bien plus utiles que des années d'ateliers pédagogiques.

Pour Vasily, ce fut la première expérience de dialogue créatif avec le grand maestro du passé. En peignant David, il en a appris plus que quiconque sur la vie et l'œuvre de Michel-Ange. sources littéraires, plus que, par exemple, des Vies de Giorgio Vasari ou des mémoires d'Ascanio Condivi. Il a semblé à l'artiste qu'en tant qu'étudiant assidu, il avait non seulement appris le travail du titan de la Renaissance, mais qu'il était également autorisé à parler avec lui.

S'améliorant en tant que dessinateur, Vasily Nesterenko a cherché à enrichir son manière créative techniques de peinture des maîtres anciens. Cela n’était pas enseigné et peu de gens possédaient de tels secrets. Il n'était possible de les révéler, de les comprendre pour les utiliser en pratique, qu'en copiant dessins classiques. Le petit tableau «L'Enfance de la Madone» de Francesco Zurbaran, situé à l'Ermitage, a attiré l'attention de Vasily par sa force intérieure, le laconisme expressif du langage artistique et la spiritualité particulière qui imprègne les meilleures créations des grands Espagnols. En travaillant sur une copie de ce tableau, l'artiste a amélioré la technique du glacis, si nécessaire à la peinture multicouche. En reconstituant son arsenal technique, Nesterenko a continué à étudier la pensée compositionnelle des maîtres anciens, qui s'est progressivement révélée en travaillant avec des originaux.

L’exemplaire suivant eut une influence décisive sur le style créatif du peintre, devenant pendant de nombreuses années une sorte de diapason lors de la création de ses propres œuvres. Le « Portrait de Marguerite de Lorraine » d'A. Van Dyck, la perle de nos collections muséales, est conservé à Arkhangelskoye près de Moscou. L'amitié avec le musée Arkhangelskoye a permis à Vasily d'obtenir un atelier séparé au palais Yusupov, où il a passé plusieurs mois seul avec la toile de Van Dyck. La copie achevée a largement dépassé toutes les attentes - l'artiste a réussi à répéter le vol du pinceau du grand Fleming. Les peintures de Van Dyck sont difficiles à copier - après tout, ce sont les sommets du portrait d'Europe occidentale. Répéter à notre époque une technique spécifique du XVIIe siècle signifie non seulement étudier l'original, mais aussi se transformer en une personne de cette époque.

Le « Portrait de Marguerite de Lorraine » a été exposé à l'Institut Surikov avec le dessin « David ». Ces deux œuvres ne laissent indifférents ni les enseignants ni les étudiants, assurant la renommée de Nesterenko en tant que dessinateur et peintre. Il était clair pour tout le monde que devant eux se trouvait un maître presque entièrement formé. Mais combien de ces maîtres sont tombés dans l’oubli, n’ayant jamais créé autre chose que des œuvres pédagogiques !

Vasily Nesterenko a dû passer encore quelques années à l'Institut Surikov, mais il a estimé que le temps de l'apprentissage était révolu - il fallait trouver sa propre voie dans l'art, se déclarer dans le monde artistique. Nesterenko devient un participant permanent à toutes les expositions panrusse et pansyndicale à Moscou. Les premières expériences réussies en matière de peinture de paysages et de portraits remontent à cette époque. Certains de ses portraits figurent sur les pages des principaux magazines d'art soviétiques.

Élevé dans des traditions réalistes, Vasily Nesterenko a constamment appris de ses grands prédécesseurs, dont les peintures ornent la galerie Tretiakov et le Musée russe. Trouvant quelque chose d'utile pour lui-même dans les travaux de Polenov et Serov, Nesterov et Vrubel, il essaya de corréler son premier travail réussi avec des peintures compositionnelles de Bryullov, Ivanov et Surikov, réalisant qu'il en était encore au tout début de son chemin créatif.

Ayant commencé à participer activement à la vie artistique de Moscou, l'artiste ressentait un manque d'informations sur la peinture moderne ; il souhaitait se familiariser avec les collections des musées occidentaux. Les défenseurs de l’avant-gardeisme avaient-ils vraiment raison lorsqu’ils affirmaient que l’art construit sur des principes classiques avait perdu son utilité et que l’heure était venue des abstractions et des installations ? Il convient de rappeler que c'était une époque Union soviétique, et partir étudier l’art à l’étranger était extrêmement difficile. Mais Vasily Nesterenko a réussi à visiter l'Europe et à se familiariser avec des collections uniques Galerie de Dresde, Musée d'Orsay, Louvre, quelques musées modernes. La peinture impressionniste est devenue une véritable découverte pour Vasily. On ne peut pas dire qu'il ne les connaissait pas - l'Ermitage et le Musée Pouchkine possèdent de très belles collections d'impressionnistes. Mais apparemment, il fallait voir leurs tableaux à Paris pour vraiment les apprécier. L'âme même de l'artiste exigeait de ne pas se limiter aux compétences académiques, mais de s'efforcer de représenter le monde dans toute sa diversité. Nesterenko ne peut pas être qualifié d'adepte des impressionnistes, mais il a beaucoup appris par lui-même en tombant amoureux de leur travail.

Un véritable succès pour le peintre fut une exposition personnelle au Japon au début de 1991, programmée pour coïncider avec la visite du président de l'URSS M.S. Gorbatchev au Japon. L'exposition s'est rendue à Tokyo et dans plusieurs autres villes du pays, où l'artiste a constaté le véritable intérêt du public japonais pour l'art réaliste, dans ses portraits, paysages et natures mortes réalisés pendant ses études. L’exposition itinérante au Japon est devenue non seulement la première exposition étrangère de Nesterenko, mais aussi la première exposition personnelle de Nesterenko. Ce succès a inspiré le jeune maître.

Au printemps 1991, Vasily Nesterenko reçut de manière inattendue une offre d'effectuer un stage en Amérique. Le traité d'échange culturel entre les deux pays, signé par les présidents Bush et Gorbatchev, était destiné à des centaines d'étudiants, mais parmi eux, il n'y avait qu'une seule place pour un artiste. La direction de l'Institut Surikov a proposé sans hésitation la candidature de Nesterenko au ministère de la Culture de l'URSS. Il part étudier à New York, la Mecque de l'art contemporain.

Devenu étudiant au PRASS Art Institute, Vasily obtient son propre atelier et l'opportunité de se familiariser avec la vie trépidante de New York. Nesterenko n'avait rien à étudier au PRASS au sens habituel du terme - le niveau de sa formation professionnelle dépassait souvent largement les compétences non seulement des étudiants, mais aussi des enseignants. Il était confronté à une autre tâche : étudier l'environnement artistique, la culture et la façon de penser des Américains, et essayer de prendre sa place dans la vie artistique de New York. En peu de temps, Vasily Nesterenko est devenu un artiste recherché en Amérique. Il a organisé plusieurs expositions personnelles et participé à de nombreux projets de groupe ; ses peintures ont été achetées avec impatience non seulement à New York, mais également dans des galeries de Californie, du Nouveau-Mexique et du Colorado.

Avec le recul, Vasily Nesterenko estime que son séjour à New York et les années d'exposition active aux États-Unis qui ont suivi ont considérablement élargi ses horizons, apporté de la liberté à la créativité et, surtout, confirmé son désir de continuer à travailler dans le sens du réaliste ou, comme on dit en Amérique, la peinture figurative. Il y a suffisamment de gens dans le monde qui aiment l’art basé sur des traditions séculaires et savent apprécier le véritable savoir-faire.

Entouré de musées, de théâtres et de galeries, l’artiste s’est vite rendu compte que seul un art marqué de l’identité nationale peut être intéressant pour ce monde diversifié. Ceci explique par exemple l'intérêt du public américain pour le travail des artistes mexicains, situation identique pour l'art japonais. L’art russe n’est pas moins original et nous avons beaucoup à dire aux spectateurs américains et européens. La Russie, qui a conservé l'ancienne école, doit encore apporter sa contribution au développement de la peinture moderne, estime l'artiste.

Lors de son séjour en Amérique, Vasily Nesterenko a réalisé des dizaines de tableaux : portraits, paysages, natures mortes, nus. L'une des premières œuvres est « Nature morte aux attributs artistiques ». L'intrigue, tirée de Chardin et agencée selon toutes les règles de l'art académique, regorge de preuves de modernité. Dans cette œuvre, pour la première fois, se forme le type de nature morte qui deviendra caractéristique de l’œuvre de Nesterenko à l’avenir. L'artiste, ne se limitant pas à représenter des objets, introduit dans la nature morte des détails de l'intérieur, du paysage et même des demi-figures de personnes.

Le tableau « The Artist » est intéressant car il a été créé en réponse aux paroles de certains collègues new-yorkais : « Pourquoi ne peignez-vous pas comme nous ? Après avoir représenté des toiles avec une peinture abstraite en arrière-plan, répétant la technologie de leur création - ce qui n'était pas difficile après Van Dyck et Zurbaran - Nesterenko a représenté au premier plan la figure de l'artiste américaine elle-même, auteur d'œuvres abstraites, en grandeur nature, comme pour répondre à ses adversaires : « Et maintenant, essayez de faire comme moi !

Malgré les perspectives de succès apparent en Amérique, l'artiste était constamment hanté par l'idée qu'il ne suffisait pas de créer uniquement des paysages et des portraits pour enfin se lancer dans l'art. Pour ce faire, vous devez dresser un grand tableau de composition. Nesterenko voulait prouver à tous, et surtout à lui-même, qu'il pouvait résoudre un problème extrêmement complexe en créant une toile à plusieurs figures sur un thème historique.

De manière inattendue pour beaucoup, Vasily Nesterenko retourne à Moscou et commence à travailler sur la toile multimètre « Triomphe de la flotte russe ». Le sujet patriotique n’a pas été choisi par l’artiste par hasard. L’époque où ce tableau a été créé a été très difficile pour la Russie : ce furent des années de crises politiques. De nombreux processus en cours dans le pays à cette époque étaient inacceptables pour un artiste élevé dans l'amour de la culture et de l'histoire nationales. À bien des égards, cette image symbolisait sa position civique. Cela provoque le son majeur, le rythme solennel et le pathétique cérémonial de l'œuvre créée.

Le schéma de composition du tableau "Triomphe de la flotte russe" n'a pas été déterminé immédiatement - il a été précédé d'un long travail sur des croquis et d'une étude minutieuse des preuves de l'époque de Pierre le Grand. L'artiste a été confronté à la nécessité de rassembler divers matériaux sur l'histoire du costume, des armes, de l'équipement de navigation des navires, et d'étudier les portraits et les gravures de cette époque. Travailler sur les croquis et le carton du tableau a nécessité la mobilisation de toutes les compétences, expériences et connaissances acquises au cours de la formation et de la créativité indépendante, de toutes les impressions glanées dans les musées.

Vasily Nesterenko a ressenti le besoin de continuer à étudier les principes de composition des maîtres anciens. Au cours des travaux préparatoires du tableau « Triomphe de la flotte russe », l'artiste a entrepris plusieurs voyages créatifs en Italie et en France. À Venise, il était particulièrement fasciné par les compositions à plusieurs figures de Véronèse et du Tintoret, de Tiepolo et du Titien, à Rome - les fresques de Michel-Ange et de Raphaël. A Florence, l'artiste est resté des heures devant les tableaux de Botticelli. Il savait beaucoup de choses sur Florence, étudiant l'histoire de l'art, mais voir en réalité la célèbre ville des grands artistes le captivait : les Galeries des Offices et Pitchi, le Palais Señoria, Borgello, Santa Croce, Santa Maria del Fiore, les portes Ghiberti, etc. beaucoup plus! Et bien sûr, la Galerie de l'Académie avec le si familier « David » de Michel-Ange.

De retour à Paris, visitant le Louvre et Versailles, l'artiste étudie les œuvres des romantiques français - Delacroix et Géricault, et admire les grandes toiles de Jacques Louis David. Inspiré par l'art de la Renaissance et du classicisme, Vasily Nesterenko peint inlassablement des vues de Paris, Florence et Venise d'après nature.

Les peintures créées plus tard s'inspirent des impressions italiennes : « Nature morte aux instruments marins » et « Pierrot et Arlequin ». Le dernier ouvrage contient une tentative compréhension philosophique vie d'artiste. Le regard de Pierrot parle de l'amertume de la déception, d'une attitude passionnée et douloureuse envers la créativité. Les techniques de peinture utilisées dans ce tableau, la texture du corps et le rythme des combinaisons de couleurs témoignent de l’attention de l’artiste à la quête des peintres abstraits. Rien n'échappe à la vue de Vasily Nesterenko, il essaie de trouver quelque chose d'intéressant aussi bien dans l'art moderne que dans les œuvres des maîtres anciens, d'en utiliser toute la diversité moyens artistiques travailler sur une grande toile qui l'attendait dans l'atelier de Moscou.

Chaque fois, je retourne à Moscou après des visites les plus grands musées monde, Vasily Nesterenko a apporté des modifications et des modifications aux croquis du tableau « Triomphe de la flotte russe ». Bientôt, l'artiste commença à dessiner des personnages grandeur nature directement sur la toile. Le travail sur ce dessin préparatoire a duré huit mois, et le tableau lui-même a pris le même temps.

Devant les premiers spectateurs qui ont vu la photo, l'empereur de toute la Russie Pierre Ier est apparu dans toute sa grandeur dans l'uniforme d'un chautbenacht, dans lequel il commandait quatre flottes. Les frégates et les cuirassés de la flotte baltique, alignés sur deux lignes sur la rade de Cronstadt, disparaissent dans la brume à l'horizon. Les robes élégantes des plus proches collaborateurs de Pierre et des envoyés européens, les couleurs vert foncé et rouge des uniformes Preobrazhensky, formant une silhouette sombre sur fond d'une plate-forme légèrement dorée et de la fumée blanche des tirs de canon, un cric de navire rouge-bleu et le Un étendard impérial avec des cartes des quatre mers encadre la figure de Pierre. Il est plein de calme et de grandeur, mais en même temps, il saisit nerveusement la poignée de son épée et regarde le spectateur avec fermeté et détermination. On peut presque entendre roulement de tambour et la canonnade des canons, on sent presque le vent salé de la Baltique, comme si nous étions présents à ce triomphe du grand Empereur, de son armée et de sa marine, témoignant de notre admiration pour le génie du roi transformateur et le courage de son peuple.

Le tableau « Triomphe de la flotte russe » est l’œuvre de diplôme de Nesterenko à l’Institut d’État des beaux-arts de Moscou. V.I. Surikova. Avec ce tableau monumental, il complète son éducation artistique. Lors de la projection du tableau lors de la soutenance de thèse à l'Institut Surikov, il est devenu évident que son niveau artistique dépassait de loin les exigences de la thèse. La création du tableau «Triomphe de la flotte russe» a conduit au triomphe de l'auteur lui-même. À partir de ce moment, le nom de Vasily Nesterenko est devenu célèbre en Russie. La présentation et le placement ultérieur du tableau au Musée central de l'armée n'ont fait qu'accroître l'importance de cette œuvre à grande échelle. L'artiste s'est déclaré dans tout le pays comme un maître maîtrisant un large arsenal de techniques artistiques, possédant également le don d'un peintre, d'un dessinateur et d'un compositeur.

Deux ans plus tard, en 1996, l'Académie des Arts de Russie invitera Vassili Nesterenko à réaliser une exposition personnelle dans ses salles d'exposition. Tous les artistes n'ont pas reçu cet honneur. L'exposition a connu un grand succès. Le travail de Nesterenko a reçu la reconnaissance de ses collègues seniors, des académiciens et a gagné la sympathie de nombreux connaisseurs et amateurs d’art. Cette exposition devient pour l’artiste la porte d’entrée vers le grand art, le début d’une véritable reconnaissance de son talent. De nombreuses peintures présentées pour la première fois lors de cette exposition sont les meilleures œuvres Vassili Nesterenko.

Le tableau «Seul avec moi-même» est particulièrement mémorable - l'un des portraits les plus sincères du maître. Le tableau représente un moine du monastère de Pskov-Petchersk, plongé dans des pensées priantes. Le portrait est peint de manière si magistrale qu'il semble que nous regardions une personne vivante et non un plan pictural. L'image d'un moine au livre de prières qui ne vit pas selon les vains intérêts du monde, mais pense et s'afflige de choses complètement différentes - c'est la première et peut-être la tentative la plus réussie de dépeindre un véritable héros de notre temps, celui sur qui repose la terre russe. Une image calme et humble est porteuse d’un grand pouvoir. Le portrait pose des questions que parfois une peinture à plusieurs figures ne peut pas résoudre. Nous pouvons affirmer avec certitude que « Seul avec moi-même » est un exemple de peinture spirituelle, quelque chose de plus qu'une simple image d'une personne.

La série de peintures « Les Saisons », les paysages d’Athos et de Jérusalem et les portraits réalisés lors des premiers voyages de pèlerinage de l’artiste sont imprégnés de l’esprit orthodoxe.
Vasily Nesterenko s'essaye avec succès en tant que maître du portrait de cérémonie. La figure monumentale du patriarche de Jérusalem Diodore, représenté vêtu de tous ses vêtements, est placée sur le fond. ciel clair, mettant en valeur les vêtements richement colorés du Patriarche. La grandeur solennelle du Primat de l'Église de Jérusalem est soulignée par la coupole de l'église du Saint-Sépulcre, qui domine la Ville Sainte. L'approche picturale de ce portrait se caractérise par une grande liberté, perceptible dès le premier croquis à l'aquarelle. L'artiste dépasse les conventions du langage artistique, certaines interprétations aplaties de la forme, caractéristiques de son art plus premières œuvres.

Un certain nombre d’expositions à Moscou qui ont suivi l’exposition à l’Académie des Arts ont montré un grand intérêt des spectateurs pour le travail de Nesterenko, ce qui a obligé l’artiste à travailler activement dans tous les genres de peinture. Cependant, l'une des principales orientations de son travail restera thème historique. Pendant plusieurs années, l'artiste a réalisé une série de tableaux consacrés à l'histoire militaire russe : « Nous serons enviés dans cette gloire ! », « Père de la patrie », « Rêves de la marine », « Ballade des hussards », « Notre gloire est la puissance russe ! », « Arme de victoire », « Portrait d'un officier russe ». Vous pouvez y voir des preuves de victoires glorieuses à Gangut et Grengam, dans les batailles de Poltava et de Borodino, les armes de Saint-Georges du milieu du XIXe siècle et les armes de la victoire dans la Grande Guerre patriotique. Les images de jeunes hommes, soit dans l'uniforme du hussard Akhtyrsky de 1812, soit sous la forme d'un garçon de cabine moderne, visent à montrer la continuité des traditions historiques et militaires et reflètent les espoirs et les aspirations de l'artiste lui-même. A ces œuvres il faut ajouter deux portraits d’enfants : « Futur capitaine » et « Jeune commandant », racontant de manière touchante l’intérêt très enfantin des jeunes héros pour l’histoire militaire russe.

Le tableau « Moscou à la rencontre des héros de Poltava », réalisé en 1997, poursuit le thème de Peter. La cavalcade de cavaliers est écrite de manière si convaincante qu’il semble que l’auteur ait été témoin de l’entrée solennelle de Pierre à Moscou après la bataille de Poltava. Le rythme des chevaux au galop, des fanfares levées vers le ciel et des pilons levés fait écho au rythme architectural de l'Arc de Triomphe baroque, représenté sur fond de l'ancien Kremlin de Moscou. L’ensemble du tableau est imprégné de mouvement ; il n’y a aucune trace de la nature statique des premières décisions compositionnelles de l’artiste.

La peinture historique ne cesse de passionner Vasily Nesterenko. Une autre œuvre importante dans ce domaine est la toile monumentale « Défendons Sébastopol ! La composition audacieuse et inhabituelle du tableau, sa structure figurative aux caractéristiques dramatiques du portrait, la richesse sobre des couleurs - tout témoigne de l'habileté accrue de l'artiste. Les personnages ne sont pas seulement composés avec précision, les mouvements des personnages ne sont pas seulement expressifs - l'image montre le monde intérieur des personnages, leurs sentiments et leur lutte mentale dans le moment fatal, peut-être le dernier de la vie.

Le tableau "Défendons Sébastopol !" ne laisse personne indifférent. Même si vous ne savez pas ce qui s’est passé pendant la guerre de Crimée, le thème de la protection de sa terre, le thème de la vie et de la mort peuvent exciter n’importe qui. Mais si l'on se souvient de toutes les circonstances qui ont conduit à l'une des guerres les plus sanglantes du XIXe siècle et que l'on corrèle les événements de la guerre de Crimée avec les temps modernes, l'image prend un son complètement différent. Il ne s’agit pas tant d’une représentation des événements de l’histoire russe, mais d’un appel aux contemporains ! Les contradictions qui ont conduit la Russie au bord du désastre au milieu du XIXe siècle persistent et se sont peut-être même aggravées aujourd’hui. Le thème de la protection des frontières, du sort de Sébastopol et d’autres avant-postes, non seulement n’a pas perdu de son importance, mais aujourd’hui, ces questions sont devenues particulièrement importantes pour nous. Nous ne devons pas oublier que la guerre de Crimée, ou guerre orientale, a commencé en raison d’un conflit religieux en Palestine. Ce n’est pas pour rien que nos ancêtres appelaient cette guerre « la bataille pour la Crèche du Seigneur ». Comme dans de nombreux autres cas, la Russie a pris la défense des humiliés et des opprimés, alors que le danger qui menaçait la Russie elle-même au cours de ces années est aujourd’hui difficile à imaginer. Notre connaissance de cette guerre est très incomplète et tendancieuse, déformée par l’historiographie officielle soviétique. En fait, notre pays n'a en aucun cas perdu la guerre de l'Est, même si le nombre de victimes subies par le peuple russe a largement dépassé les pertes résultant de l'invasion napoléonienne. Contraint de se défendre contre une coalition de puissances mondiales dans les mers Noire, Baltique, Blanche, en Extrême-Orient, dans le Caucase, en Moldavie, en Valachie, en Crimée, Empire russe pourrait perdre près de la moitié de ses territoires et se retrouver dans les frontières de la Rus' pré-Pétrine. Plus d'un million de victimes, c'est le résultat monstrueux de la guerre de l'Est, précurseur des guerres de l'histoire moderne. Grâce à l'héroïsme des soldats et des marins qui tenaient Sébastopol, grâce aux vaillantes victoires dans le Caucase, la Russie, à la suite de la guerre avec presque le monde entier, n'a pratiquement rien perdu de ses terres. Les parallèles avec la Seconde Guerre mondiale s'imposent, Guerre de Crimée est un exemple pour nos contemporains.

C’est cette interprétation du thème qui a servi de base à la création du tableau « Défendons Sébastopol ! Et encore une fois, Vasily Nesterenko passe beaucoup de temps dans les musées, les archives et les bibliothèques, étudiant attentivement les documents historiques. L'œuvre la plus célèbre sur Sébastopol est le panorama de Franz Roubaud, réalisé à l'occasion du 50e anniversaire de l'achèvement de la défense de la ville fortifiée. Vasily Nesterenko a décidé de résoudre son tableau d'une manière fondamentalement différente de celle de son prédécesseur. À Roubaud, nous voyons un panorama à grande échelle de la ville, de ses baies et de ses environs ; on imagine parfaitement le déroulement des hostilités et la disposition des troupes lors d'un des assauts du Kourgan de Malakhov.

Nesterenko montre les défenseurs des bastions eux-mêmes, leurs expressions faciales, leurs expériences et leurs passions bouillonnantes au milieu de la bataille. Au centre de l'image se trouve un jeune officier mortellement blessé, encore un petit garçon, dans les bras d'un soldat expérimenté. Il est difficile de décrire le look de ce soldat. Il y a en lui une froide détermination de mourir, mais de ne pas quitter le bastion, et la surprise que ce ne soit pas lui qui meurt, mais ce jeune homme dont la vie vient de commencer, c'est aussi un sentiment de tragédie, pas encore réalisé , mais a déjà pénétré le cœur du vieux vétéran. Le visage du jeune officier est magnifique, il a rempli son devoir, il a donné tout ce qu'il pouvait : sa vie. La bataille gronde partout, le porte-étendard crie, l'officier supérieur donne des ordres, les soldats et les marins tirent avec des fusils et des fusils, le canon d'un navire est sur le point de tonner, et dans ce bruit de bataille, nous voyons et entendons le saint silence de mort.

La toile encore inachevée a commencé à faire la une des principaux journaux et magazines russes. Présentation du tableau « Défendons Sébastopol ! » a eu lieu au Musée historique d'État, devenant un événement dans la vie culturelle de la capitale. L’exposition personnelle qui a suivi au Musée d’art de Sébastopol, consacrée au 150e anniversaire de la défense de la ville, a littéralement ému le public de Crimée. Ce à quoi l'artiste s'est efforcé de parler dans le langage de l'histoire des problèmes modernes s'est avéré être proche d'un large public.

Le portrait « Invaincu » fait également forte impression. C'est un nouveau regard sur le Grand Guerre patriotique et sur l'attitude envers les anciens combattants vivant parmi nous. Nesterenko a choisi un langage strict et expressif pour la conception artistique du portrait. La couleur noire de l'uniforme naval sur fond de paysage désertique enneigé souligne l'intensité du regard du vieux marin, prêt à rester fidèle à ses idéaux jusqu'au « caban de chêne ». Son regard transperce littéralement le spectateur, lui rappelant les visages des défenseurs de Sébastopol.

Le tableau « Hégumène de la terre russe » est une réponse aux événements survenus il y a 850 ans, lorsque la Russie était sous la domination des Tatars-Mongols. Sergius de Radonezh, le plus grand ascète russe, qui a béni Dmitri Donskoï pour la bataille de Koulikovo, est représenté les mains levées vers le ciel, appelant dans la prière à l'aide la Mère de Dieu et toutes les puissances célestes pour le bien des siècles à venir. souffrance de la terre russe.

Dans les œuvres de Vasily Nesterenko, l'intérêt pour l'ère du Temps des Troubles est perceptible. Un petit sketch consacré au thème de la libération de Moscou des envahisseurs polonais en 1612 s'intitule « Le jugement de la Patrie a été mis en pitié ! » Ce sont les paroles de Sergius de Radonezh, qui est apparu en rêve à l'archevêque Arsène et a confirmé que la fin du Temps des Troubles était proche. La toile «Le serment du prince Pojarski» représente le gouverneur de Zaraisk, le sauveur de la patrie, qui a pris la croix de commandement militaire de la milice. Le puissant prince, rappelant les chevaliers épiques, se dresse sur fond de bannière avec l'image de l'icône de Kazan de la Mère de Dieu, l'intercesseur de la Russie dans toutes les guerres. Le prince Dmitri Pojarski promet dans la prière de protéger sa terre des ennemis extérieurs et intérieurs.

La période de troubles la plus difficile a commencé avec l'ère de Boris Godounov. La personnalité de ce roi a toujours attiré l’attention non seulement des historiens, mais aussi des personnalités culturelles. Travailler sur le tableau «Portrait de Vladimir Matorin dans le rôle de Boris Godounov» a donné à Vasily Nesterenko l'occasion d'aborder un thème qui, à bien des égards, est traditionnel pour l'art russe. L'artiste s'est inspiré de l'image créée sur scène Théâtre Bolchoï un chanteur d'opéra exceptionnel. Vladimir Matorin - interprète de l'école Chaliapine, incroyable agissant l'aide à montrer la véritable image du tsar Boris. Le tableau de Nesterenko est bien sûr un portrait de Matorin, mais l’artiste a réussi à refléter les traits de Godounov lui-même, pris dans un moment de terribles remords. Le fond expressif du portrait rappelle les affres de la conscience qui tourmentaient l'âme du malheureux roi.

Dans son travail, Vasily Nesterenko se tourne à plusieurs reprises vers le thème de l'artiste et de son rôle théâtral, lorsque le caractère du personnage est étroitement lié à la personnalité de l'interprète lui-même - le créateur de l'image scénique. «Portrait de Vasily Lanovoy en Bernard Shaw» est un autre exemple d'une telle œuvre. Le personnage de la pièce « Cher menteur », interprété par le favori du public soviétique et russe Vasily Lanovoy sur la scène du Théâtre Vakhtangov, est représenté à un moment tragique de sa vie lorsqu'il apprend la mort de sa bien-aimée. Le visage pâle, les mains nerveuses du héros du portrait, les lettres déchirées créent une atmosphère dramatique, soulignée par le fond, intense en couleur et en texture. L'interprétation de l'arrière-plan devient pour Nesterenko un élément important dans l'identification de l'image du héros.

C'est l'arrière-plan qui aide l'artiste à créer une image véritablement théâtrale, combinant la musique architecturale de la célèbre ville, l'art de la mascarade et les souvenirs des grands artistes du passé. Nous parlons du tableau « Carnaval de Venise », représentant le célèbre personnage de théâtre Sviatoslav Belza déguisé. Un portrait magistralement composé et peint avec brio crée le sentiment que l'artiste s'acquitte sans trop de difficultés de tâches artistiques complexes, mais c'est une apparente facilité, car derrière chaque détail, derrière chaque combinaison de couleur et de mouvement de forme, il y a un calcul presque mathématiquement strict. , ce qui nous permet de percevoir la composition complexe de l'image dans son ensemble.

Les portraits de personnalités culturelles sont devenus le thème favori de Vasily Nesterenko dans son œuvre. Il est d’autant plus important de noter le premier ouvrage de cette série. Il s'agit d'un portrait de la grande chanteuse russe Irina Arkhipova. Personnalité légendaire, elle peut à juste titre être qualifiée de « reine de l’opéra ». L’artiste a eu la tâche la plus difficile de représenter la polyvalence du personnage d’Irina Arkhipova et l’importance de sa contribution créative à la culture russe. La célèbre chanteuse est représentée en tenue de scène, des claviers avec des notes, dont l'un est dans ses mains, et l'autre repose sur le piano, permettent de reconnaître ses œuvres préférées.

Vasily Nesterenko travaille beaucoup dans le domaine du portrait. Il parvient souvent non seulement à transmettre la ressemblance, mais aussi à plonger dans l'âme du modèle, à créer une composition entière, dépassant souvent le cadre d'un simple portrait. Ces portraits comprennent l'image de Nil Stolobensky, un ascète russe du XVIe siècle, et le portrait de l'aîné athonite Anthymius, qui a vécu à notre époque et a été canonisé assez récemment.

Les images féminines attirent une attention particulière. Créés à différentes années, ces portraits sont unis par une atmosphère d'admiration pure et sincère pour la beauté du monde intérieur de ceux qui sont représentés. L'artiste met toujours l'accent sur les avantages de ses modèles ; pour chaque image il trouve une nouvelle solution. Le tableau « Alena » représente une fille avec un énorme bouquet de marguerites volant dans toutes les directions. Dans ce portrait, on sent l'esprit de la Russie, l'odeur des fleurs sauvages discrètes. L'héroïne du film « L'été indien », une jeune fille de l'arrière-pays de Kostroma, se tient debout, vêtue d'une robe fine et de bottes en caoutchouc, près d'une haie envahie par les mauvaises herbes, attendant son fiancé. Comme vous le savez, l'été indien précède l'Intercession, période durant laquelle il est de coutume de célébrer les mariages. Les portraits « Girl's Dreams » et « Premonition of Love » sont consacrés au thème de l'attente du bonheur. Subtiles en couleurs, ces portraits sont empreints de tendresse et de lyrisme.

Une débauche de couleurs Parc du Sud, des pétales rouges et roses de fleurs de cerisier encadrent la figure d'Olga, l'épouse de Vasily Nesterenko, dont le portrait s'appelle « Printemps ». Le tableau « Madone russe », représentant Olga avec son fils Vania sur ses genoux, est disposé en cercle et rappelle les tondos italiens de la Renaissance. L'artiste aime se tourner vers des sujets et des motifs traditionnels, mais les représente toujours d'une manière nouvelle. L'héroïne du portrait se penchait sur un bébé entouré de fleurs et d'herbes sauvages sur fond de paysage typiquement russe. Il ne suffit pas de dire que cette œuvre a été écrite avec amour et inspiration, elle est elle-même une source d’amour.

Une place particulière dans le travail de l’artiste est occupée par le portrait de sa mère, Galina Vasilievna Nesterenko. C'est sa mère qui a aidé Vasily à se développer en tant que personne et à réussir en tant qu'artiste. Elle a partagé avec lui toutes les difficultés de ses études, elle l'a toujours soutenu dans les moments d'adversité et de déception créative, elle était présente à toutes les expositions et jours d'ouverture. Pour obtenir le meilleur résultat dans un portrait, les artistes tentent d'en savoir plus sur leur modèle, mais dans ce cas, Vasily Nesterenko était confronté, selon lui, à une tâche très difficile d'un autre genre - comment tout contenir dans un portrait que vous ressentez et connaissez la personne la plus chère - votre mère ? Selon de nombreux collègues, le portrait s'est bien passé. La mère de l’artiste regarde le spectateur avec un sourire calme et affectueux, toute son apparence rayonne de gentillesse et de patience. Son pays natal, l’Ukraine, rappelle les tournesols dorés représentés en arrière-plan sur le portrait.

Le paysage est souvent l’un des éléments importants des portraits de Vasily Nesterenko ; il utilise souvent des éléments paysagers dans des natures mortes et des peintures historiques. L’intérêt pour la nature traverse toute l’œuvre de l’artiste. Il a réalisé de nombreuses œuvres paysagères : à la fois des croquis d'après nature et de grandes peintures de paysages. Ayant commencé, comme nous l'avons déjà noté, par l'étude des classiques, Nesterenko, dans ses premiers paysages, fait appel aux travaux de ses prédécesseurs. Ainsi, dans le tableau « Souvenirs de Crimée », on peut voir un intérêt pour les œuvres de Claude Lorenne et le type de paysage caractéristique du classicisme. Les croquis parisiens et certaines vues méridionales ont été réalisés sous l'influence des impressionnistes. Mais bientôt Vasily Nesterenko chercha son langage visuel à tâtons.

Parmi les premières peintures de paysages portant l'empreinte individualité créative artiste, on peut noter la toile « L'hiver à Vladykino ». Dans ce tableau, pour la première fois, l'artiste s'est fixé une tâche majeure : essayer de représenter le mouvement des flocons de neige qui tombent et le poids de la neige mouillée sur les branches. La composition de cette œuvre se caractérise par un regard à travers une image de premier plan en gros plan sur un arrière-plan représentant une architecture d'église. Ce technique de composition sera souvent répété plus tard, par exemple dans la série de tableaux « Les Saisons ». Quatre paysages monumentaux : « L'hiver dans la Laure de la Trinité-Serge », « Le Printemps sur Athos », « L'été dans le jardin de Gethsémani » et « L'Automne à Pechory » - ne représentent pas seulement les saisons - ce sont des toiles sur lesquelles les lieux sont vénérés par le peuple russe. Dans ceux-ci, la nature est combinée avec l'architecture ancienne en un seul tout, attirant le spectateur dans un monde spirituel particulier que l'artiste a ressenti en visitant les saints monastères orthodoxes.

Les paysages hivernaux du maître sont intéressants et variés. Le tableau « Maslenitsa », représentant Sergiev Possad, est magnifique dans sa peinture et sa composition, et sa sonorité majeure fait écho à l'ambiance joyeuse de la semaine orthodoxe précédant le Carême. Le tableau «En attendant le printemps» est imprégné d'un sentiment de chaleur imminente, de la fin du long hiver russe. En regardant la photo " Couleur printanière", le spectateur est plongé dans l'atmosphère du jardin de mai, rempli de l'arôme fleurs de cerisier. La toile "Zaoksky Dali" nous emmène sur une haute colline, d'où s'ouvrent les vastes étendues de la Russie centrale, l'odeur des feuilles mortes, l'air est transparent et pur, calme, seul le bruissement peut être entendu dernières feuilles sur les branches des bouleaux.

Le tableau « Les Oubliés » se démarque quelque peu. La tragédie des villages russes abandonnés par les gens est illustrée par l'image d'une maison délabrée isolée à la lisière du village, à côté d'un vieux bouleau. Il s'agit d'un lieu très spécifique - le village de Domnino, qui appartenait autrefois à famille royale. Et combien d’autres coins et recoins « oubliés » ! Mais la nature russe est belle dans ce cas aussi. Tout brin d'herbe, toute feuille ou fleur est chargé d'une image pays natal et peut devenir une source d'inspiration pour l'artiste. Les peintures « Amanitas » et « Golden Veil » en sont un exemple. Le monde de Dieu est parfait dans toutes ses manifestations. Vous pouvez admirer les vastes distances, ou simplement regarder vos pieds et voir tout un univers parsemé de feuillages jaune-orangé, de fougères et de champignons.

L'image la plus vivante et la plus complète de la Patrie se reflète dans le tableau « Oh, terre russe ! Le ciel immense semble couvrir une colline couverte de fleurs sauvages. Les vaches au pâturage sont perçues comme les gardiennes épiques des champs et des prairies indigènes. Le son épique de l’image est souligné par le titre, emprunté à « Le conte de la campagne d’Igor ».

Parfois, un paysage peut littéralement vous surprendre par un éclairage inattendu ou une perspective soudainement ouverte. Les manifestations inhabituelles de la nature, qui ont un fort impact sur l'homme, ont commencé à attirer Vasily Nesterenko. Le rayon rouge sang du soleil couchant, envahissant soudain l’atmosphère grise et crépusculaire d’une soirée d’hiver, dans le tableau « Winter Crimson », apporte quelque chose d’apocalyptique au motif russe habituel. Une ambiance similaire enveloppe le spectateur dans le paysage « Icy Sunset ».

La pleine lune apparue de manière inattendue a instantanément transformé le paysage marin nocturne avec une lueur orange dans le tableau « Night Star ». Le paysage « Magic Dream » est l’hymne de l’ancienne Cimmérie, entendu par l’artiste dans les reflets ensoleillés des vagues de Koktebel. « Mer » est peut-être le paysage le plus inhabituel de Vasily Nesterenko en termes de composition. L'immense mer bleue occupe presque tout le plan de l'image, emportant le spectateur bien au-delà de l'horizon et le ramenant immédiatement au rivage, où elle écume au pied des rochers. Vous pouvez regarder cette image, comme l’élément marin, pendant un temps infini, en imaginant que vous vous tenez au-dessus d’une falaise rocheuse dans le vent marin salé.

Les vues sur la ville occupent une place importante parmi les paysages de Nesterenko. L'artiste a peint Venise et Florence, Londres et Paris, Cordoue et Séville, Grenade et Tolède. Les motifs urbains de New York sont originaux dans leur composition. Mais ce qui est le plus proche de l'artiste, ce sont les vues de son Moscou bien-aimé. Le tableau «Vue du Kremlin depuis la vieille place» est une image d'une capitale nouvelle et en même temps ancienne avec des tours et des églises, des toits recouverts de neige et des croix orthodoxes. Le paysage « Cathédrale du Christ Sauveur » est un tableau-souvenir de la reconstruction des peintures de la principale cathédrale du pays.

Les travaux à la Cathédrale du Christ-Sauveur ont joué un rôle essentiel dans le destin créatif de Vasily
Nesterenko. Les premiers croquis des peintures ont été réalisés en 1995 et les dernières icônes et peintures ont été achevées en 2002. Toute cette période est marquée par le grand intérêt de l’artiste pour la peinture spirituelle. Cette direction artistique a pratiquement cessé d'exister à l'époque soviétique, depuis le départ des derniers représentants de la peinture spirituelle, Pavel Korin et Mikhail Nesterov. La reconstruction de la cathédrale du Christ-Sauveur et d'autres sanctuaires de Russie au tournant du millénaire est devenue une puissante incitation à la renaissance de la peinture spirituelle elle-même. Tout en travaillant sur des peintures d'églises, Vasily Nesterenko a simultanément créé des peintures avec des sujets spirituels et orthodoxes.

Une série de trois tableaux : « Noël », « Pâques », « Trinité » - est dédiée aux principales fêtes chrétiennes. Les compositions de ces œuvres comprennent, outre les intérieurs et extérieurs des églises, des éléments de décor festif caractéristiques de chacune de ces douze fêtes. Dans le tableau « Pâques », des gâteaux de Pâques, des œufs et des œufs de Pâques apportés par les paroissiens avec des bougies allumées sont disposés sur une plate-forme spéciale. Les gens s'éloignaient de l'estrade en prévision du prêtre qui s'apprêtait à venir asperger d'eau bénite ces parties intégrantes du repas solennel de Pâques. Un rayon de soleil printanier tombant sur le tableau représentant le Sauveur ressuscité et les lumières vacillantes des bougies créent une atmosphère cachée de profondeur mystique, enveloppant le mystère incompréhensible de la résurrection du Christ.

Lors de la fête de la Sainte Trinité, il est de coutume de décorer les églises avec des branches de bouleau et de recouvrir le sol d'herbe fraîche d'été. Exhalant l'arôme des champs et des forêts, ces herbes, fleurs et feuilles créent une atmosphère inhabituelle mais inhabituellement solennelle pendant le culte. Dans le tableau « Trinité », nous voyons trois sources de lumière qui ont des effets différents sur l'éclairage et la couleur des objets. Il s'agit d'une lumière jaunâtre provenant de la lampe au-dessus de l'icône, de bougies vacillantes et lumineuses. lumière du soleil, tombant obliquement sur un pylône de pierre avec la Trinité de Rublev. Mais on ne peut s'empêcher de penser que la principale source de lumière est l'icône elle-même avec l'image ancienne de la Trinité de l'Ancien Testament.

Le tableau « Noël » ouvre ce cycle de trois tableaux. La Nativité du Christ marque le début d'une nouvelle ère dans l'histoire de l'humanité. Toutes les prophéties sur la venue du Messie promis au monde se sont réalisées - le Fils de Dieu est né dans la crèche de la grotte de Bethléem. L'Enfant Christ dans les bras de la Vierge Marie illumine l'univers entier par sa naissance. Le fiancé Joseph et les bergers sont les premiers témoins du miracle qui s'opère. Voici l'intrigue du tableau de l'église, placé par l'artiste au centre du tableau « Noël ». Cette image, décorée d'une guirlande de branches de sapin, ainsi que de petites sculptures de vaches et d'ânes, font partie de la crèche dite symbolisant la Mangeoire du Seigneur à Bethléem. La couleur vert foncé des branches de sapin met en valeur la lueur émanant de l'étoile de Bethléem et les reflets des bougies allumées des deux côtés de la crèche.

Vasily Nesterenko ouvre souvent ses expositions avec ce tableau particulier, symbolisant le début du monde chrétien et dédié à l'une des fêtes religieuses les plus importantes. Cet album commence également par le tableau « Noël », qui, selon l'artiste, devrait aider le lecteur à ressentir immédiatement l'atmosphère de la peinture spirituelle et réaliste russe.

Avant de commencer à peindre la cathédrale du Christ-Sauveur, Nesterenko a achevé les travaux sur l'icône « Image de la Mère de Dieu Joie inattendue » et sur le tableau « Crucifixion ». Alors qu'il était encore étudiant, l'artiste étudiait attentivement les peintures sur le thème de la Crucifixion, réalisées par les grands maîtres espagnols : Diego Velazquez, Francesco Zurbaran et Alonso Cano. Et enfin, Vasily Nesterenko a estimé qu'il pouvait assumer le travail consacré à la description de l'événement le plus terrible de l'histoire de l'humanité. Le tableau de Vasily Nesterenko porte bien sûr la marque d'une approche traditionnelle pour résoudre le thème de la Crucifixion, mais, d'autre part, son individualité créatrice dans l'interprétation de cette intrigue est clairement visible. L'artiste estime que les peintures représentant les événements de l'Évangile doivent avoir un aspect moderne et proche des gens de notre temps. Chaque personne doit vivre le récit évangélique dans son âme. Ce n’est pas sans raison qu’on dit qu’avec nos péchés nous crucifions le Sauveur du monde. Le travail sur le tableau «La Crucifixion» a coïncidé avec le bombardement de la Serbie, et bon nombre des premiers spectateurs de cette œuvre ont vu dans l'image de Jérusalem représentée au bas de la toile une allusion à notre époque contemporaine.

L'icône « Image de la Mère de Dieu Joie inattendue » est dédiée au thème du péché et du repentir. Ayant vu les conséquences de ses actes injustes, le pécheur représenté sur l'icône apporte un repentir sincère, ce qui provoque une joie inattendue. Sainte Mère de Dieu.

Ces œuvres et bien d’autres ont été présentées pour la première fois lors de l’exposition personnelle de Vasily Nesterenko au Nouveau Manège de Moscou au printemps 1999. Cette exposition est devenue une autre étape importante dans la biographie créative de l’artiste. Mais immédiatement après l’ouverture de l’exposition, une nouvelle étape commence dans la vie de Nesterenko : l’artiste commence à peindre la cathédrale du Christ-Sauveur.

Vasily Nesterenko a dû recréer quatre tableaux colossaux. Les peintures « La Résurrection du Christ » et « Le Saint Apôtre et évangéliste Matthieu » sont situées sur le pylône nord-ouest du Temple. Les deux parcelles sont combinées en un tout ; ensemble, leur hauteur est de vingt-trois mètres, ce qui est comparable à un bâtiment de huit étages. Deux autres tableaux : « Le Baptême du Seigneur » et « L'Entrée du Seigneur à Jérusalem » se trouvent dans les tympans semi-circulaires des bas-côtés nord et ouest. La longueur de chacune des peintures dépasse douze mètres. L'artiste a réalisé cette œuvre grandiose en un temps record. court terme, en seulement sept mois et demi.

Au XIXe siècle, la cathédrale du Christ-Sauveur a été peinte pendant dix ans ; les échafaudages ont été enlevés à trois reprises afin que les artistes puissent voir d'en bas comment se déroulait leur travail, comment les sujets pittoresques se combinaient les uns avec les autres et avec les ornements. Maintenant, une telle opportunité n'existait pas - les artistes, les sculpteurs et les constructeurs étaient pressés de tout terminer avant le 2000e anniversaire de la Nativité du Christ. Ainsi, le travail sur les peintures murales a nécessité d'énormes efforts. Pour Vasily Nesterenko, la tâche était compliquée par le fait qu'il n'avait pas un complot, mais quatre à la fois, et par le fait qu'il travaillait sans assistants. C'était une situation unique lors de la reconstruction du Temple. À l’exception de Nesterenko, personne n’a travaillé seul sur de telles histoires. En règle générale, ils peignaient en équipes de cinq ou six, voire douze artistes chacun. De nombreuses années se sont écoulées depuis ; il est désormais difficile d'imaginer comment Vasily pourrait supporter une telle charge - travaillant simultanément sur les quatre parcelles, se déplaçant à travers les forêts d'une partie du Temple à l'autre.

Les artistes étaient constamment surveillés par la Commission de la décoration artistique, exigeant le respect des canons religieux et du niveau de la peinture originale du XIXe siècle. La Commission comprenait des représentants de l'Église, des membres du Présidium de l'Académie russe des arts, qui dirigeait, comme au XIXe siècle, toutes les œuvres artistiques du Temple, des restaurateurs, des technologues et des architectes. Les opinions des membres de la Commission ne coïncidaient pas toujours et n'étaient pas toujours proches de celles des maîtres eux-mêmes, qui travaillaient selon un régime très strict. Toute parole imprudente pourrait plonger les artistes dans le désespoir et compromettre l’achèvement de l’œuvre. De plus, les peintres étaient constamment sollicités par les architectes et les constructeurs, pressés de démonter les échafaudages pour commencer à finir les sols en marbre et autres éléments décoratifs de la partie inférieure du Temple. Beaucoup n'ont pas compris que sans suffisamment de temps, il était impossible d'achever les compositions commencées, de les corréler avec les peintures voisines, de réunir la tension tonale et la palette de couleurs en un seul tout.

Vasily Nesterenko travaillait quatorze heures par jour. A cette époque, les travaux de construction et d’installation ne s’arrêtaient pas à l’intérieur du Temple. Le rugissement des ascenseurs, les bruits aigus des scies à métaux, le grincement des clous arrachés et autres bruits de construction rendaient la concentration difficile au début, mais avec le temps, j'ai dû m'y habituer. Toutes les pensées étaient occupées par des tâches créatives consistant à recréer de brillants exemples de peinture spirituelle du XIXe siècle.

La cathédrale du Christ-Sauveur a été érigée comme monument à la libération de la Russie de l'invasion napoléonienne, consacrée au nom de la Nativité du Christ et a longtemps été l'un des symboles de l'orthodoxie russe. Meilleurs artistes L'Académie Impériale des Arts réalise son décor pictural et sculptural. Presque tous les sujets de la cathédrale du Christ-Sauveur ont souvent été utilisés pour créer des icônes et des peintures dans la plupart des autres églises russes. Il est difficile de surestimer son importance pour la vie spirituelle de la Russie. Un tournant tragique dans l'histoire de notre pays a conduit à la destruction barbare de la cathédrale du Christ-Sauveur. Personne ne croyait qu'il serait un jour restauré ; l'histoire du Temple, sa peinture et sa sculpture uniques sont devenues une légende.

Et maintenant, une nouvelle fois est arrivée, et ils ont décidé de faire revivre le Temple-Monument, le Temple-Symbole. Le patriarche de Moscou et de toute la Russie Alexis II a béni sa restauration décoration d'intérieur dans toute la splendeur de son ancienne splendeur, répéter les technologies originales, utiliser des matériaux similaires.

Vasily Nesterenko a été chargé de recréer deux tableaux de Henryk Semiradsky, deux tableaux d'Evgraf Sorokin, puis, après deux ans, quatre icônes de la Théotokos de Fiodor Bronnikov et le Linceul pour le maître-autel.

Nesterenko, qui s'intéressait depuis l'école à la peinture spirituelle de la cathédrale du Christ-Sauveur, a entamé un long dialogue créatif avec les meilleurs représentants de l'école académique russe. Il ne s’agissait pas d’une répétition de peintures autrefois existantes, mais plutôt d’un dialogue avec leurs auteurs.

La qualité des reproductions fournies à l'artiste était souvent si mauvaise qu'il était impossible de juger si un groupe de personnages donné était masculin ou féminin. L'absence totale de couleur, car les images ont été obtenues à partir de phototypes en noir et blanc, et les contours flous ont forcé Vasily Nesterenko à repenser ces œuvres de manière créative. Tout en préservant intégralement la composition globale, l'artiste a dû rechercher de nombreuses solutions artistiques.

Les peintures murales sur lesquelles Nesterenko a travaillé portent la marque de son individualité créatrice, bien qu'elles aient été créées sur la base des œuvres de Semiradsky et Sorokin. De nombreux détails, connexions de composition, visages et mains des personnages, interprétation des plis, palette de couleurs appartiennent à juste titre à Nesterenko. Conformément à la tradition du XIXe siècle, l'artiste a signé ses sujets, par exemple, la signature sur le tympan occidental dit : « La composition de G. Semiradsky a été recréée par V. Nesterenko. Cela correspond au dialogue créatif entre artistes de différents siècles, unissant l'auteur de la création originale et l'auteur qui a créé une nouvelle œuvre basée sur le matériau et le schéma de composition survivants.

Vassili Nesterenko a commencé à travailler sur les murs du Temple avec le tableau « Le Baptême du Seigneur ». Un dessin détaillé au fusain l'a aidé à poursuivre son travail sur l'intrigue, lui permettant de se concentrer davantage sur la palette de couleurs et l'interprétation des images. Cette œuvre est empreinte d'une sonorité mystique et dépeint le moment où le Dieu Trinité est apparu sous toutes ses formes : sous la forme de Jésus-Christ recevant le baptême, sous la forme du Saint-Esprit planant sous la forme d'une colombe au-dessus du Sauveur, et la Voix de Dieu le Père, déclarant : « Celui-ci est mon Fils bien-aimé en qui j'ai toute mon affection. » Il était très difficile de travailler sur un tel complot, mais Vasily Nesterenko a réussi à créer une œuvre véritablement spirituelle qui répond aux canons orthodoxes.

A peine commencé à peindre le tableau « Baptême du Seigneur », l'artiste a commencé à travailler sur le dessin préparatoire sur le mur du tableau « Entrée du Seigneur à Jérusalem ». L'image de l'intrigue originale était la moins bien conservée - le phototype vague ne pouvait donner à Nesterenko autre chose que la composition la plus générale, l'artiste était donc le plus libre lors de la création de ce tableau particulier. Conformément à la méthode de Semiradsky, Nesterenko a activement utilisé des croquis à grande échelle. L'artiste incluait souvent des personnages entiers tirés de la vie dans la peinture. Vasily Nesterenko a réussi à ce que, dans sa couleur et son son, le tableau « L'Entrée du Seigneur à Jérusalem » ressemble aux œuvres de Semiradsky, mais en même temps c'est une grande réussite de Nesterenko lui-même, à la fois en termes picturaux et dans de nombreux éléments de la composition.

Continuant à travailler sur deux tympans, l'artiste éprouva une inquiétude intérieure en passant devant son pylône. L'espace colossal sur lequel les tableaux « La Résurrection du Christ » et « Matthieu l'Évangéliste » devaient être créés était écrasant par sa taille ; il était perdu en dessous sous les planchers des échafaudages et était à peine visible dans le crépuscule au-dessus. Mais l’artiste commence à travailler sur les sujets du pylône, justifiant le dicton : « les yeux ont peur, mais les mains s’en sortent ». À ce moment-là, la tension au travail a atteint son paroxysme pour Vasily Nesterenko.

Les peintures sur pylônes étaient divisées en neuf étages par des échafaudages, ce qui rendait impossible de voir l'ensemble des personnages, ce qui rendait beaucoup plus difficile le maintien des proportions. L'aide à Vasily a été apportée par celui qu'il a créé un an plus tôt dessin préparatoire La partie centrale du tableau « La Résurrection du Christ » est grandeur nature. Dans cette immense œuvre graphique réalisée au fusain, l'artiste a soigneusement tracé la solution tonale et plastique de la partie principale du tableau. Encore plus tôt, en 1995, Nesterenko a peint un tableau du même nom, qui est un projet visant à recréer en couleur la peinture du pylône nord-ouest. Ces deux toiles ont permis à l'artiste de réussir son travail sur le pylône, malgré tous les problèmes techniques.

Le plan du mur où Nesterenko a travaillé sur l'image de l'évangéliste Matthieu était presque entièrement recouvert de structures métalliques, de canaux et de filets. Mais encore une fois, le travail préparatoire effectué en taille réelle avant le début du tableau a aidé. L'artiste a résolu à l'avance tous les problèmes picturaux et plastiques, ce qui lui a permis de se concentrer sur la transmission de l'apparence de l'Apôtre, d'atteindre la plus grande expressivité de son regard et de subordonner la solution picturale à la peinture pour révéler l'image puissante de l'auteur de l'un des quatre évangiles.

La principale réalisation de Vasily Nesterenko dans le tableau «La Résurrection du Christ» était l'image de la lumière émanant de la figure du Christ, descendu aux enfers pour faire ressortir Adam, Ève et les âmes des justes de l'Ancien Testament, et des Croix vivifiante du Seigneur, brillant au-dessus de la figure du Sauveur. Le tableau «La Résurrection du Christ» est devenu l'œuvre principale de l'artiste sur les murs de la cathédrale du Christ-Sauveur.

Mais son travail pour le Temple ne s’arrête pas là. Nesterenko, à la demande de la Commission de décoration artistique, a recréé un cycle de quatre icônes de la Mère de Dieu, autrefois exécutées par Bronnikov. Les icônes « Nativité de la Bienheureuse Vierge Marie » et « Introduction au Temple » sont situées des deux côtés du maître-autel, et les icônes « Annonciation » et « Assomption » se trouvent dans la partie ouest du Temple, en face de l'autel. Vasily Nesterenko a concentré toutes ses forces créatrices en travaillant sur le Linceul. Cette icône, devenue un véritable chef-d'œuvre, a été recréée par le maître pour le trône du maître-autel de la cathédrale du Christ Sauveur.

Un autre projet majeur de l'artiste était une série de peintures sur des sujets évangéliques pour le réfectoire patriarcal du Temple. Toile " Dernière Cène"a été créé avant même le début du tableau et a été offert par le gouvernement de Moscou à la cathédrale du Christ-Sauveur en 1998. Quatre autres peintures à plusieurs figures de la vie terrestre du Sauveur ont été conçues et exécutées par l'artiste après avoir terminé les peintures du Temple supérieur. Des deux côtés de la « Dernière Cène », se trouvent les tableaux « Les Noces de Cana de Galilée » et « La Multiplication miraculeuse des pains », dédiés à la représentation des miracles révélés par Jésus-Christ et symbolisant la transformation du pain et du vin en Corps et Sang du Seigneur pendant le sacrement de l'Eucharistie. Le tableau «La prise miraculeuse» rappelle un autre miracle du Sauveur, révélé au bord de la mer de Galilée. Le tableau « Le Christ et la Samaritaine » représente une scène près du puits de Jacob, lorsque Jésus-Christ révèle le mystère de sa venue au monde, parlant de comment et où adorer Dieu, du mystère de l'eau qui coule dans la vie éternelle.

Ces peintures sont réalisées avec le pinceau confiant d'un véritable maître, qui a parcouru un long chemin dans son travail, depuis les productions académiques jusqu'aux peintures historiques et aux peintures de la Cathédrale du Christ Sauveur. Les impressions naturelles résultant de voyages créatifs en Terre Sainte ont permis à Nesterenko d'atteindre la vérité dans la représentation de Cana et de Jérusalem, de pierres au bord de la mer de Galilée et de feuilles de citron et de vigne au-dessus d'un ancien puits de Samarie. Des images de Jésus-Christ, de la Mère de Dieu et des apôtres accompagnent le spectateur d'une image à l'autre. Dans le réfectoire patriarcal, vous vous retrouvez entouré de scènes du récit évangélique, immergé dans l'atmosphère de la Terre Sainte.

Les peintures du cycle évangélique sont devenues une grande réussite créative de Vasily Nesterenko. Exposées lors de l’exposition personnelle de l’artiste au Grand Manège et reproduites à plusieurs reprises, ces peintures ont reçu une reconnaissance bien méritée auprès d’un large public d’amateurs d’art.

La liste des œuvres réalisées par Vasily Nesterenko pour la cathédrale du Christ-Sauveur serait incomplète sans dix types de monastères orthodoxes créés pour l'antichambre de la salle des conciles ecclésiastiques. Les peintures représentant les monastères monastiques les plus importants de Russie se distinguent par leur diversité de composition. L'artiste note les traits les plus caractéristiques de chaque monastère. Ensembles architecturaux forment souvent un tout avec la nature environnante et sonnent différemment selon les saisons.

Une place importante dans la biographie créative de Vasily Nesterenko est occupée par deux années de travail sur les peintures de la cathédrale de l'Assomption à Dmitrov. Le quadrilatère du temple, construit selon les plans d'Aleviz Novy, l'architecte de la cathédrale de l'Archange du Kremlin de Moscou, a été achevé et peint au XIXe siècle. De nombreux maîtres ayant déjà travaillé dans la cathédrale du Christ-Sauveur ont participé à la création de peintures murales. Le temps a été favorable à ce monument architectural, mais la décoration pittoresque a beaucoup souffert sous une couche de peinture et de chaux de l'époque soviétique. Un tiers des tableaux manquaient complètement. Le chef de l'administration municipale et le doyen des églises du district Dmitrovsky ont suggéré à Vasily Nesterenko de constituer une équipe créative capable de créer de nouvelles œuvres pouvant être combinées avec les peintures survivantes.

Nesterenko, ayant acquis une énorme expérience dans la cathédrale du Christ-Sauveur, a non seulement supervisé avec succès le travail des artistes et des ornemanistes, mais a également créé lui-même plusieurs peintures dans le maître-autel et le tableau « Image de la Sainte Trinité » dans la chapelle Serge de la cathédrale. Travaillant sur l'autel sur les thèmes de « La Cène », « Prière du Calice », « Calvaire » et « Image de Saint Jean-Baptiste », l'artiste a été contraint de corréler son œuvre avec les peintures voisines partiellement conservées, qui ont été réalisés dans un style plus archaïque que la peinture académique de la seconde moitié du XIXe siècle.

Lorsqu'il travaillait sur le tableau « Image de la Sainte Trinité », l'artiste était libre de choisir un style de peinture. Le résultat fut une œuvre qui se distinguait des autres œuvres religieuses de Vasily Nesterenko. « L’image de la Sainte Trinité » est un exemple du succès de l’artiste dans la peinture spirituelle moderne. La peinture réalisée sur la voûte avec ses couleurs claires, ses proportions raffinées et ses visages d'anges spiritualisés rappelle le monde céleste, les secrets de l'univers divin.

Bien que le travail sur les peintures de la cathédrale de l'Assomption Dmitrovsky n'ait pas été aussi intense que dans la cathédrale du Christ-Sauveur, en raison de ses dimensions plus intimes, certains éléments compliquaient considérablement les tâches de création. Ils étaient associés à la nécessité d'insérer les œuvres créées dans le décor pictural déjà établi.

L'idée de créer un intérieur d'église complètement nouveau a imprégné le travail sur les croquis de l'église de la Trinité vivifiante en l'honneur du millénaire du baptême de la Russie. L'image de la Trinité, révélée sous différentes manifestations, est répétée trois fois dans des tympans semi-circulaires - c'est le Baptême du Seigneur, la Descente du Saint-Esprit et la Trinité de l'Ancien Testament avec les prochains saints russes à qui l'Image du Saint La Trinité a été révélée. L'image du Sauveur établissant le sacrement de communion lors de la Dernière Cène et l'image de l'Eucharistie céleste sur le mur de l'autel doivent être clairement visibles à travers l'iconostase relativement basse.

Le long du périmètre du temple sont représentées des cathédrales de saints russes de différents pays, élevant leurs paroles de prière au monde céleste au cours de l'histoire millénaire de l'Église russe. Ces peintures sont destinées à symboliser l'unité des croyants modernes et des saints anciens dans un appel priant à Dieu.

L'artiste a travaillé pendant quatre ans à recréer la décoration artistique de l'église de l'Assomption à Domnino, le domaine familial des boyards Romanov. Le village de Domnino est situé sur les terres de Kostroma. Autrefois, le chef de ce village était le légendaire Ivan Susanin, et à proximité se cachait des troupes polonaises le jeune Mikhaïl Romanov, futur fondateur de la dynastie royale. L'église de l'Assomption se dresse à l'endroit où, selon la légende, se trouvait la maison de la religieuse Marthe, mère de Mikhaïl Romanov.

Exemple classique de l'architecture des églises russes, le temple possède trois chapelles avec des icônes uniques des écoles de Yaroslavl et de Kostroma. Des peintures murales anciennes réalisées dans le style baroque provincial ont été partiellement conservées.

Des travaux complexes sous la direction générale de Vasily Nesterenko ont permis de restaurer plus d'une centaine d'icônes, de remettre de l'ordre dans les peintures et de restaurer des iconostases aux sculptures uniques. De nouvelles peintures ornementales et narratives sont créées. Vasily Nesterenko a participé personnellement aux travaux sur plusieurs nouvelles compositions pour l'église de l'Assomption. L'album contient une esquisse de « La Dormition de la Bienheureuse Vierge Marie », réalisée par l'artiste pour peindre une niche dans la partie extérieure de l'église.

Passant du temps au cœur de la Russie, dans les endroits les plus pittoresques de Susanino, l'artiste a peint de nombreux croquis. La terre de Kostroma est devenue une source d'inspiration pour les peintures : « Oh, terre russe ! », « Oublié », « Okolitsa », « L'été indien » et d'autres.

Vasily Nesterenko a eu des impressions inoubliables en travaillant à l'intérieur de la Salle du Trône du Patriarcat de Jérusalem. L'artiste a été invité au nom du patriarche Diodore à la veille du 2000e anniversaire de la Nativité du Christ.

Le travail à court terme mais très intense de l'équipe créative sous la direction de Nesterenko a permis de créer une décoration ornementale et pittoresque exquise. L'artiste a lui-même peint « l'image du Saint-Esprit » dans l'abside centrale de la salle du trône.

Début janvier 2000, à la veille de la Nativité du Christ, tous les patriarches et présidents des pays orthodoxes se sont réunis sous le tableau de Vasily Nesterenko. Nesterenko et ses collègues artistes ont eu une occasion unique de participer aux services solennels d'anniversaire dans l'église du Saint-Sépulcre à Jérusalem et dans l'église de la Mangeoire à Bethléem.

C'est à cette époque que remonte la création du tableau « Noël à Jérusalem », représentant un coin du monastère orthodoxe russe dans le jardin de Gethsémani. Créée à son retour en Russie, « L'image du Sauveur dans la couronne d'épines » est chère à l'artiste car par sa technique et sa manière picturale elle est proche des peintures qu'il a réalisées dans la cathédrale du Christ-Sauveur.

En analysant le travail de Vasily Nesterenko, il devient évident que les peintures religieuses et spirituelles de l’artiste sont étroitement liées à ses œuvres de portraits et de paysages et sont perçues dans le contexte général de son travail. L'interprétation de la rive rocheuse du Jourdain dans le tableau « Le Baptême du Seigneur » nous permet de rappeler certaines vues de Crimée et d'Athonite. La partie paysagère du tableau « Le Christ et la Samaritaine » rappelle l’œuvre « Noël à Jérusalem ». On peut trouver de nombreuses similitudes dans le style de peinture entre les paysages marins de l’artiste et le tableau « A Wonderful Catch ». Un lien encore plus visible peut être établi entre les portraits de personnes réelles et les images créées dans les peintures et les toiles à plusieurs figures. L'artiste remplit ses œuvres de personnes vivantes aux caractéristiques de portrait précises et expressives. Nesterenko trouve une solution spéciale pour la composition de chaque intrigue, mais il soumet les schémas de composition des peintures spirituelles et historiques aux mêmes lois.

Malgré la variété des genres et l'abondance des sujets qui attirent l'artiste, son œuvre est très intégrante dans son contenu interne. Quoi qu'il entreprenne, il essaie de pénétrer dans l'essence de la tâche créatrice, trouvant le reflet de la plus haute beauté et harmonie dans les portraits de femmes et dans les images du clergé, dans les œuvres paysagères monumentales et dans les petits croquis d'après nature, tels que « Path dans les rochers » ou « La route vers le sommet ». Vasily Nesterenko ne se limite pas à représenter des motifs identiques et ne se limite pas à un genre ou à un autre. L'artiste essaie d'embrasser le monde entier qui l'entoure, de refléter dans son propre langage toute la beauté et l'harmonie de l'homme et de la nature, d'admirer la perfection de l'univers créé par le Créateur.

L'art de Vasily Nesterenko appelle les gens à la gentillesse et à la tolérance ; il est fondamentalement réconciliant et s'efforce d'être parfait dans sa forme. L'artiste estime que seul le bien peut être une source d'inspiration et un objet d'application des capacités créatives. Le spectateur le remarque immédiatement. Il est généralement difficile de tromper le public : après tout, le travail de l’artiste reflète ses pensées et ses aspirations. Dans notre siècle, où les exemples de déni des valeurs spirituelles deviennent de plus en plus fréquents, Vasily Nesterenko a consciemment choisi pour lui-même la voie du service du bien et de la beauté. Il appelle à la beauté, montre des exemples positifs de l’histoire et attire l’attention sur le meilleur de ce qui nous entoure.

Cela se ressent pleinement lorsque les œuvres de l’artiste, réalisées dans des genres différents, sont rassemblées. Puis l’impression générale d’harmonie, de silence et de paix s’empare du spectateur. Ce fut le cas lors de la première exposition personnelle à l'Académie des Arts, ainsi que lors des expositions au Nouveau Manège et dans de nombreuses autres salles. Cela s’est répété avec une force particulière dans le Grand Manège, où des milliers de personnes ont découvert toute la diversité de l’œuvre de l’artiste.

Début 2004, une exposition personnelle de Vasily Nesterenko a eu lieu dans la plus grande salle d'exposition de Russie, le Grand Manège. Seuls quelques artistes dans toute l'histoire de cette salle d'exposition ont pu organiser des expositions personnelles dans ses locaux. Mais la taille colossale du Grand Manège s’est avérée à la mesure de l’ampleur du talent de Vasily Nesterenko. En préparation de l'exposition, l'artiste a créé de nombreuses nouvelles œuvres, qui ont été présentées pour la première fois dans cette salle. En termes de degré d'activité créatrice, le temps passé à préparer l'exposition dans le Grand Manège était comparable pour Vasily Nesterenko au temps où il travaillait à la cathédrale du Christ-Sauveur. L'exposition a reçu un énorme écho à Moscou.

Six mois plus tard, le président de la Fédération de Russie V.V. Poutine a remis à V.I. Nesterenko l'insigne du titre honorifique d'« Artiste du peuple de Russie ». Un autre résultat important de l’exposition a été le désir des dirigeants de l’État et des spectateurs ordinaires d’avoir l’occasion de se familiariser avec les œuvres de l’artiste non seulement à Moscou, mais également dans d’autres villes de Russie.

Des expositions personnelles de Vasily Nesterenko ont été organisées dans les musées d'art d'État d'Orel, Orenbourg, Lipetsk, Vologda, Dmitrov, Ryazan, Petrozavodsk, ainsi que dans des musées de villes étrangères proches et lointaines - à Kiev, Sébastopol, Minsk, Berlin, Nicosie, Pékin et d'autres villes. Beaucoup d'entre elles ont connu un tel succès qu'il a été demandé à l'artiste de prolonger considérablement l'exposition afin de donner l'occasion à davantage de plus les amateurs d'art découvrent son travail.

Par décision du gouvernement de Moscou, la « Galerie d'art d'État Vasily Nesterenko » a été créée dans la capitale de la Russie et un bâtiment a été réservé à cet effet dans le vieil Arbat. Mais les expositions restent le moyen privilégié de l’artiste pour communiquer avec les spectateurs. Souvent, un artiste a la possibilité d'organiser des expositions et des présentations d'une œuvre. Par exemple, la présentation du portrait d'Irina Arkhipova a eu lieu à la Galerie nationale Tretiakov, le tableau « Défendons Sébastopol ! - au Musée historique d'État, un portrait de Vladimir Matorin - à l'Union des travailleurs du théâtre de Russie et un portrait de Vasily Lanovoy - à la Maison centrale des artistes.

L'artiste a créé de nombreuses nouvelles œuvres pour la deuxième exposition personnelle dans les murs du Nouveau Manège - il s'agit des peintures « Madone russe », « Portrait de mère », « Mer », « Rêve magique », « Prémonition de l'amour », « Carnaval de Venise »et d'autres. Ayant grandi dans les traditions académiques de l'art russe et étant membre de l'Académie des Arts de Russie, Vassili Nesterenko a assumé la grande responsabilité de l'organisation de la deuxième exposition personnelle dans les salles de l'une des académies les plus célèbres et les plus anciennes du monde. Cela s’est produit en 2006, à la veille du 250e anniversaire de l’Académie russe des arts et dix ans après la première exposition commémorative de l’artiste.

Les peintures de Vasily Nesterenko sont proches à la fois des spécialistes de la peinture et des personnes éloignées de la créativité artistique ; ils parlent de la Russie moderne avec son passé glorieux et ses riches traditions, glorifient la beauté de la nature et appellent à se tourner vers les valeurs spirituelles. Il peut à juste titre être qualifié d’artiste national.

Ayant gagné le respect de ses collègues et l'amour du public, Vasily Nesterenko reste dévoué à son œuvre préférée. Pour lui, l’art n’est pas seulement un métier, c’est un mode de vie. Servir la Russie avec son talent, faire profiter la société de ses œuvres, tel est le véritable devoir de l'artiste dans sa compréhension.

Vasily Nesterenko continue de travailler activement dans tous les genres de peinture, se fixant de plus en plus de nouveaux objectifs. Il y a des toiles vierges dans son atelier, de nouveaux sujets sont dans ses projets créatifs, des réalisations grandioses sont dans ses rêves.

Membre du Présidium du Conseil de la culture et des arts auprès du Président de la Fédération de Russie,
Vice-président de l'Académie russe des arts,
Docteur en Histoire de l'Art, Professeur
D. O. Shvidkovsky

"Vous pouvez imaginer à quel point il est important et pertinent aujourd'hui de transmettre à notre peuple, à notre conscience, la grandeur et la puissance de la Russie."

V. Nesterenko

Biographie. Les premières années de Vasily Nesterenko

Le plus jeune artiste populaire de Russie est né à Pavlograd, en Ukraine, en 1967. Après la mort de son père, à l'âge de 9 ans, il entame une formation sérieuse en peinture et, en 1980, il entre à l'École secondaire d'art de Moscou de l'Institut académique d'art. Sourikov. Vasily Igorevich était un excellent élève et est diplômé d'une école secondaire d'art avec une médaille d'or.

En octobre 1985, il entre au département de peinture de l'Institut Sourikov, mais au cours de l'hiver de la même année, il est enrôlé dans l'armée, où il sert jusqu'en 1987. Après l'armée, il poursuit ses études à l'institut et dans la classe de l'académicien T.T. Salatova. Parmi les professeurs se trouvaient le prof. LL. Shepelev, prof. S.N. Chilnikov, N.P.

Khristolubov et E.N. Troshev, mais T.T. est resté mon professeur préféré.

Salatov, sur lequel l'artiste écrira plus d'une fois dans ses articles. À l'automne 1988, Nesterenko a participé à l'exposition de toute l'Union « Jeunesse de Russie » au Manège de Moscou. Cette exposition lui apporte le succès et jusqu'en 1990, il participe à plusieurs autres expositions de jeunes artistes.

La première exposition personnelle de l'artiste prometteur a eu lieu en avril 1990 dans la salle d'exposition de l'Académie des arts de Moscou. Sourikov. Un autre signe de son succès fut l'achat par Kievsky

De retour dans son pays natal, Nesterenko a repris sa thèse « Triomphe de la flotte russe » (1994).

Au printemps 1994, Nesterenko a brillamment défendu son diplôme et a terminé ses études à l'Institut Surikov. Parallèlement, il devient membre de la Fédération Internationale des Artistes UNESCO.

Biographie. Les années de maturité de Vasily Nesterenko

Étant donné que Vasily Nesterenko a réussi très tôt, la période de maturité peut être comptée à partir du moment où il a terminé ses études à l'institut. Il s'oriente rapidement vers l'art ; il est capable de tous les genres de peinture : des peintures historiques aux portraits psychologiques.

En 1995, il a commencé à travailler sur des esquisses pour les peintures de la cathédrale du Christ-Sauveur, qui, déjà en 1996, a remporté le concours et Nesterenko est devenu l'un des artistes de la restauration. Il travaille dur sur des croquis et en 1999 la peinture monumentale est achevée. Pour la conception de la cathédrale du Christ-Sauveur, il a reçu l'Ordre de Serge de Radonezh, 2e degré.

À l'âge de 33 ans, en mai 1999, Vasily Nesterenko est devenu artiste émérite de la Fédération de Russie et en 2000, l'institution culturelle d'État « Galerie d'art de Moscou de Vasily Nesterenko » a été créée. Son travail acharné et son zèle au travail sont époustouflants : tous les artistes ne sont pas capables de créer une collection pour une exposition au Nouveau Manège, surtout à un si jeune âge.

En 2002, il participe à la peinture de la cathédrale de l'Assomption à Dmitrov. En 2003, la publication de ses albums est publiée. Plus tard, il peint l'église de l'Assomption à Domnino et la salle du trône du patriarche de Jérusalem à Jérusalem.

En 2004, il a reçu le titre « Artiste du peuple de la Fédération de Russie » et en 2007, il a été élu membre à part entière de l’Académie des Arts de Russie.

Les peintures les plus célèbres de Vasily Nesterenko

Les peintures de la cathédrale du Christ-Sauveur comprennent les œuvres suivantes : « La Résurrection du Christ », « L'apôtre et évangéliste Matthieu », « Le Baptême du Seigneur », « L'Entrée du Seigneur à Jérusalem », ainsi que quatre icônes de la Mère de Dieu, cinq peintures sur des thèmes bibliques pour le réfectoire patriarcal et un linceul qui hypnotise littéralement le spectateur. «Le Triomphe de la flotte russe» (1994) est une œuvre immense, longue de 6 mètres, frappant non seulement par sa taille, mais aussi par sa technique. Il est difficile d'imaginer à quel point il est difficile de représenter des portraits aussi divers sur une seule image sans perdre le personnage central - Pierre Ier. Style classique

La toile historique « Défendons Sébastopol », créée en 2005, était une sorte de déclamation de l'artiste selon laquelle la tâche principale des contemporains est d'honorer les victoires de leurs ancêtres.

Les portraits de genre « Unconquered » (2005) et « Alone with Myself » (1995) sont des images de « héros de mon temps » - des personnes qui vivent une vie inhabituelle et sont heureuses dans leur solitude et leur harmonie intérieure.

Affiliation des tableaux de Nesterenko à styles artistiques

Nesterenko travaille principalement dans le style de la peinture classique russe. Pour lui, les exemples sont Nesterov, Ivanov, Vasnetsov et Van Dyck. Dans les peintures historiques et dans la peinture religieuse, en particulier dans le tableau « Seul avec moi-même », il y a des similitudes avec Nesterov : il essaie également de trouver la beauté dans le mode de vie ascétique des moines.

Les musées et les galeries sont des lieux d'expositions de peintures de Vasily Nesterenko

Musée et cathédrale du Christ Sauveur, Moscou

Galerie Tretiakov, Moscou

Musée central des forces armées russes

Académie russe Arts .

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