Le rôle de l'art dans la vie moderne. Pourquoi l’art est-il nécessaire ? Qu’est-ce que le véritable art ? Le rôle et l'importance de l'art dans la vie humaine. Initier les enfants à l'art

L'art est le reflet de la créativité, une manière de capturer et de reproduire des pensées, des fantasmes et la réalité, nécessitant des compétences particulières. L'art occupe l'une des positions les plus importantes dans la vie humaine. C’est l’une des principales façons de s’exprimer ; elle façonne le monde intérieur d’une personne, ses valeurs spirituelles et remplit la vie. Ils peuvent décrire et exprimer vos émotions, vos sentiments, encourager l'action et le développement.

L'art est l'âme de l'humanité, qui trouve son origine dans les temps anciens, lorsque les gens s'exprimaient dans art rupestre. Presque tout le monde connaît la belle depuis l'enfance œuvres classiques Tchaïkovski, Mozart, Bach, peintures de l'inégalable Michel-Ange, Léonard de Vinci, auteurs d'œuvres littéraires, ainsi que monuments architecturaux et sculpturaux. L'art contient des sentiments qu'une personne essaie de transmettre au monde.

Psychologie de l'art

À diverses directions Les activités abordées par la psychologie incluent également l’art. La psychologie de l'art examine comment la création et la perception des œuvres affectent la vie humaine. Elle explore les motifs qui motivent la créativité, le processus lui-même, les capacités de l’auteur, ses sentiments et ses expériences au moment de la création de l’œuvre. Les créateurs ont transféré leurs problèmes de vie dans la musique, les œuvres, sur la toile et se sont assimilés aux personnages qu'ils ont créés. Dans l'art, la personnalité de l'auteur lui-même se forme, ce qui peut être retracé par la psychologie. Il étudie et analyse également comment l'impact de certaines œuvres produit différentes impressions sur les gens et évoque différentes émotions.

La « Psychologie de l’art » de Vygotsky a apporté une énorme contribution au développement de cette science. Il caractérise la théorie de l'art et donne naissance à une nouvelle direction dans ce domaine.

Types et fonctions de l'art

Il existe trois types d'art :

1. spatial : peinture, architecture, sculpture, graphisme ;
2. temporaire : œuvres littéraires, musique
3. spatio-temporel : danse, cinéma, art télévisuel, cirque.

Chaque type comprend de nombreuses sous-espèces, ainsi que des genres. L’une des fonctions de l’art est de transmettre des informations, des émotions et des sentiments pouvant affecter l’humeur. Il peut également être utilisé dans à des fins médicinales, l’art-thérapie est assez courante. Souvent, les psychologues, sur la base des dessins d’un patient, peuvent tirer certaines conclusions sur sa santé mentale et émotionnelle, car le dessin véhicule une vision intérieure du monde.

L'homme est le thème principal de presque toutes les créations. Des images parfaites de la personnalité sont créées dans l’art de toutes les époques. Depuis l’Antiquité, des actes héroïques sont chantés et représentés proportions parfaites des corps, des sculptures parfaites sont créées.

L'art est l'une des étapes importantes de l'évolution humaine ; il participe à la formation de l'opinion publique et des différents points de vue. Elle nous poursuit sans relâche toute notre vie, nous y trouvons de nouvelles connaissances, du plaisir, des réponses à des questions importantes qui nous intéressent. Il est généralement en phase avec nos pensées. De toute la diversité qu'offre l'art, une personne trouve à son goût ce qui lui est le plus proche et le plus compréhensible.

La musique a une grande influence sur une personne. Elle est capable d'apaiser et d'exciter les sentiments d'une personne, de se plonger dans ses pensées, de soulager le stress et les tensions. La musique affecte les émotions, vous fait pleurer ou vous réjouir. Écoute musique classique peut augmenter les capacités mentales ou guérir une personne de certaines maladies et augmenter la production de lait chez les mères qui allaitent.

L'homme dans l'art s'imprègne à travers les siècles. Les gens meurent, mais l'art demeure, traverse les années et les siècles, raconte aux générations futures les visions du monde passées, les transporte dans le monde où l'œuvre a été créée, aide à ressentir l'atmosphère de cette époque et de ces traditions. Chaque époque apporte ses propres modifications à l'art, apporte quelque chose de nouveau, le complète. Une personne doit vouloir accepter l'art pour qu'il ait un effet bénéfique sur elle et lui transmette le véritable sens de son objectif.

A été modifié pour la dernière fois : 20 avril 2019 par Elena Pogodaeva

Introduction 3
1. L'essence de l'art et sa place dans la vie humaine et la société 4
2. L'émergence de l'art et sa nécessité pour l'homme 8
3. Le rôle de l'art dans le développement de la société et de la vie humaine 13
Conclusion 24
Références 25

Introduction

Les gens entrent en contact avec l’art chaque jour. Et généralement pas dans les musées. Dès la naissance et tout au long de la vie, les gens sont immergés dans l’art.
La construction d'un hôtel, d'une gare, d'un magasin, d'un intérieur d'appartement, de vêtements et de bijoux peuvent être des œuvres d'art. Mais ce n’est peut-être pas le cas. Tous les tableaux, statues, chansons ou ensembles de porcelaine ne sont pas considérés comme des chefs-d’œuvre. Il n’existe pas de recette qui précise exactement ce qui doit être combiné et dans quelles proportions pour réaliser une œuvre d’art. Cependant, vous pouvez développer votre capacité à ressentir et à apprécier la beauté, que nous appelons souvent le goût.
Qu’est-ce que l’art ? Pourquoi a-t-il un tel pouvoir magique sur une personne ? Pourquoi les gens parcourent-ils des milliers de kilomètres pour voir de leurs propres yeux les grandes œuvres de l'art mondial : palais, mosaïques, peintures ? Pourquoi les artistes créent-ils leurs créations, même s'il semble que personne n'en a besoin ? Pourquoi sont-ils prêts à risquer leur bien-être pour réaliser leur vision ?
L’art est souvent considéré comme une source de plaisir. De siècle en siècle, des millions de personnes apprécient les images de beaux corps humains dans les peintures de Raphaël. Mais l'image du Christ crucifié et souffrant n'est pas destinée au plaisir, et pourtant ce sujet est commun à des milliers de peintres au fil des siècles...
On dit souvent que l’art reflète la vie. Bien sûr, cela est en grande partie vrai : souvent, la précision et la reconnaissance de ce que l'artiste représente sont étonnantes. Mais il est peu probable qu'un simple reflet de la vie, sa copie, suscite un tel intérêt pour l'art et une telle admiration pour celui-ci.
Dans cet essai, nous examinerons la place et le rôle de l'art dans la vie humaine.

1. L'essence de l'art et sa place dans la vie humaine et la société

Le mot « art » en russe et dans de nombreuses autres langues est utilisé dans deux sens - au sens étroit (une forme spécifique d'exploration pratique et spirituelle du monde) et au sens large - comme le plus haut niveau de compétence, compétence, quelle que soit la sphère de la vie sociale dans laquelle elle se manifeste (l'art du général, la compétence d'un chirurgien, d'un cordonnier, etc.) (2, p. 9).
Dans cet essai, nous nous intéressons à l’analyse de l’art précisément au premier sens étroit du terme, bien que les deux sens soient historiquement liés.
L’art, en tant que forme indépendante de conscience sociale et branche de la production spirituelle, est né de la production matérielle et s’y est initialement intégré en tant que moment esthétique et purement utilitaire. L'homme, a souligné A.M. Gorki, est un artiste par nature et il s'efforce d'apporter la beauté partout d'une manière ou d'une autre (1, p. 92). Activité esthétique une personne se manifeste constamment dans son travail, dans la vie de tous les jours, dans vie publique, et pas seulement dans l'art. Il y a une assimilation esthétique du monde par l'homme social.
L'art remplit un certain nombre de fonctions sociales.
Il s’agit d’abord de sa fonction cognitive. Les œuvres d'art sont une source précieuse d'informations sur des sujets complexes. processus sociaux, parfois sur ceux dont la science saisit l'essence et la dynamique beaucoup plus difficilement et tardivement (par exemple, les tournants et les tournants de la conscience publique).
Bien sûr, tout dans le monde qui nous entoure ne s'intéresse pas à l'art, et si c'est le cas, alors à des degrés divers, et dans l'approche même de l'art à l'objet de sa connaissance, la perspective de sa vision est très particulière par rapport aux autres formes de conscience sociale. L'objet général de la connaissance en art a toujours été et reste l'homme. C'est pourquoi l'art en général et la fiction en particulier sont appelés études humaines, manuel de vie, etc. Cela souligne une autre fonction importante de l'art - éducative, c'est-à-dire sa capacité à avoir un impact indélébile sur le développement idéologique et moral d'une personne, son amélioration personnelle ou, au contraire, sa chute.
Pour autant, les fonctions cognitives et éducatives ne sont pas spécifiques à l’art : ces fonctions sont également assurées par toutes les autres formes de conscience sociale. La fonction spécifique de l’art, qui en fait un art au sens propre du terme, est sa fonction esthétique. En percevant et en comprenant une œuvre d'art, nous n'assimilons pas seulement son contenu (comme le contenu de la physique, de la biologie, des mathématiques), nous transmettons ce contenu à travers notre cœur, nos émotions, nous donnons aux images sensuellement spécifiques créées par l'artiste une évaluation esthétique comme beau ou laid, sublime ou vil, tragique ou comique. L'art façonne en nous la capacité même de donner de telles évaluations esthétiques, de distinguer le vraiment beau et le sublime de toutes sortes d'ersatz.
Les aspects cognitif, éducatif et esthétique de l’art se confondent. Grâce au moment esthétique, nous jouissons du contenu d’une œuvre d’art, et c’est dans le processus de jouissance que nous sommes éclairés et éduqués. À cet égard, ils parlent parfois de la fonction hédoniste de l'art (du grec « hedone » - plaisir).
De nombreux siècles d'histoire socio-philosophique et littérature esthétique Le débat se poursuit sur la relation entre la beauté dans l’art et la réalité. Dans ce cas, deux positions principales se révèlent. Selon l'un d'eux (en Russie, N.G. Chernyshevsky en est parti dans sa thèse « Sur les relations esthétiques de l'art avec la réalité ») le beau dans la vie est toujours et à tous égards supérieur au beau dans l'art (1, p. 94 ). Dans ce cas, l’art apparaît comme une copie de personnages et d’objets typiques de la réalité elle-même et comme un substitut de la réalité. Évidemment, un concept alternatif est préférable (Hegel, A.I. Herzen, etc.) : le beau dans l'art est plus élevé que le beau dans la vie, car l'artiste voit plus clairement, plus loin, plus profondément, ressent plus puissamment et plus coloré que ses futurs spectateurs. , lecteurs, auditeurs, et c'est pourquoi il peut les enflammer, les inspirer, les redresser avec son art. Autrement, dans la fonction de substitut ou même de duplicata, l'art ne serait pas nécessaire à la société (4, p. 156).
Chaque forme de conscience sociale reflète la réalité objective d’une manière spécifique et inhérente.
Un résultat spécifique d'une réflexion théorique sur le monde est un concept scientifique. Cela représente une abstraction : au nom de la compréhension de l’essence profonde d’un objet, nous faisons abstraction non seulement de sa perception sensorielle directe, mais aussi de nombreuses caractéristiques logiquement déductibles, si elles ne sont pas d’une importance primordiale. Une autre chose est le résultat d’un reflet esthétique de la réalité. Il s'agit d'une image sensorielle artistique et concrète, dans laquelle un certain degré d'abstraction (typification) est combiné avec la préservation des caractéristiques sensorielles concrètes, individuelles, souvent uniques de l'objet réfléchi.
Hegel a écrit que « les images et les signes sensoriels apparaissent dans l'art non seulement pour eux-mêmes et pour leur manifestation immédiate, mais afin de satisfaire sous cette forme les intérêts spirituels les plus élevés, puisqu'ils ont la capacité d'éveiller et de toucher toutes les profondeurs de la conscience et provoquer leur réponse en esprit » (4, p. 157). Révélant la spécificité de la pensée artistique par rapport à d'autres formes de conscience sociale, cette définition, en pleine conformité avec le paradigme principal du système philosophique hégélien, conduit à la conclusion sur l'image artistique comme expression d'une idée abstraite dans un sens concret formulaire. En réalité, l'image artistique ne capture pas l'idée abstraite elle-même, mais son support concret, doté de caractéristiques individuelles qui rendent l'image vivante et impressionnante, non réductible aux images du même ordre que nous connaissons déjà. Rappelons par exemple les Artamonov chez M. Gorky et les Forsytes chez D. Galsworthy (5).
Ainsi, contrairement au concept scientifique, une image artistique révèle le général chez l'individu. En montrant l'individu, l'artiste révèle ce qui y est typique, c'est-à-dire ce qui est le plus caractéristique de l'ensemble du type de phénomènes sociaux ou naturels représentés.
L'individu dans une image artistique ne se contente pas de s'intercaler avec le général, mais le « revitalise ». C'est l'individu dans une véritable œuvre d'art qui se développe dans le concept de type, d'image. Et plus les petits détails individuels et spécifiques sont remarqués avec clarté et précision, plus l'image est large, plus elle contient une généralisation large. L'image du chevalier avare de Pouchkine n'est pas seulement une image spécifique d'un vieil homme avide, mais aussi une exposition de l'avidité et de la cruauté elle-même. Dans la sculpture de Rodin « Le Penseur », le spectateur voit quelque chose de plus qu'une image spécifique recréée par l'auteur.
En relation avec la fusion du rationnel et du concret-sensuel dans l'image et l'impact émotionnel de l'art qui en découle, la forme artistique acquiert une signification particulière. En art, comme dans toutes les sphères du monde qui nous entoure, la forme dépend du contenu, lui est subordonnée et lui sert. Cette position bien connue doit néanmoins être soulignée, en gardant à l'esprit la thèse des représentants de l'esthétique formaliste et de l'art formaliste sur l'œuvre d'art comme « forme pure », comme « jeu de forme » autosuffisant, etc. Dans le même temps, la compréhension scientifique de l'art a toujours été étrangère à une attitude nihiliste à l'égard de la forme, voire à toute dépréciation de son rôle actif dans le système de l'image artistique et de l'œuvre d'art dans son ensemble. Il est impossible d'imaginer une œuvre d'art dont le contenu ne serait pas exprimé sous une forme artistique.
Dans différents types d’art, l’artiste dispose de différents moyens d’exprimer son contenu. En peinture, sculpture, graphisme, c'est la couleur, la ligne, le clair-obscur ; dans - musique - rythme, harmonie ; en littérature - le mot, etc. Tous ces moyens de représentation constituent des éléments de la forme artistique, à l'aide desquels l'artiste incarne son concept idéologique et artistique. Une forme d’art est une formation très complexe dont tous les éléments sont naturellement interconnectés. Dans un tableau de Raphaël, un drame de Shakespeare, une symphonie de Tchaïkovski, un roman d'Hemingway, on ne peut pas changer arbitrairement la structure de l'intrigue, du personnage, des dialogues, de la composition, on ne peut pas trouver une autre solution à l'harmonie, à la couleur, au rythme, donc ; afin de ne pas violer l'intégrité de l'ensemble de l'œuvre.

2. L'émergence de l'art et sa nécessité pour l'homme

L'art en tant que domaine particulier de l'activité humaine, avec ses propres tâches indépendantes, ses qualités particulières, servies par des artistes professionnels, n'est devenu possible que sur la base de la division du travail. La création des arts et des sciences - tout cela n'a été possible qu'avec l'aide d'une division renforcée du travail, basée sur une large division du travail entre les masses engagées dans un simple travail physique et les quelques privilégiés qui gèrent le travail. dans le commerce, les affaires gouvernementales, et plus tard aussi la science et l'art. La forme la plus simple et la plus spontanée de cette division du travail était précisément l’esclavage » (2, p. 13).
Mais comme l'activité artistique est une forme unique de connaissance et de travail créatif, ses origines sont beaucoup plus anciennes, puisque les gens travaillaient et, au cours de ce travail, apprenaient à connaître le monde qui les entourait bien avant la division de la société en classes. Les découvertes archéologiques des cent dernières années ont révélé de nombreuses œuvres d'art. homme primitif, dont l'âge est estimé à des dizaines de milliers d'années. Ce sont des peintures rupestres ; figurines en pierre et en os; images et motifs ornementaux sculptés sur des morceaux de bois de cerf ou sur des dalles de pierre. On les a trouvées en Europe, en Asie et en Afrique ; ce sont des œuvres apparues bien avant qu’une idée consciente de créativité artistique puisse surgir. Beaucoup d'entre eux, reproduisant principalement des figures d'animaux - cerfs, bisons, chevaux sauvages, mammouths - sont si vivants, si expressifs et fidèles à la nature qu'ils constituent non seulement de précieux monuments historiques, mais conservent également jusqu'à nos jours leur puissance artistique (2, p.14).
Le caractère matériel et objectif des œuvres d'art détermine des conditions particulièrement favorables pour les chercheurs sur les origines des beaux-arts par rapport aux historiens étudiant les origines d'autres types d'art. Si les premières étapes de l'épopée, de la musique et de la danse doivent être jugées principalement par des données indirectes et par analogie avec la créativité des tribus modernes aux premiers stades du développement social (l'analogie est très relative, sur laquelle on ne peut s'appuyer qu'avec une grande prudence) ), puis l'enfance de la peinture, de la sculpture et du graphisme nous confronte à nos propres yeux.
Cela ne coïncide pas avec l’enfance de la société humaine, c’est-à-dire avec les époques les plus anciennes de sa formation. Selon la science moderne, le processus d’humanisation des ancêtres simiesques de l’homme a commencé avant même la première glaciation de l’ère quaternaire et, par conséquent, « l’âge » de l’humanité est d’environ un million d’années. Les premières traces d’art primitif remontent au Paléolithique supérieur, qui débute environ plusieurs dizaines de millénaires avant notre ère. e. C'était une époque de maturité relative du système communautaire primitif : l'homme de cette époque, dans sa constitution physique, n'était pas différent de l'homme moderne, il parlait déjà et savait fabriquer des outils assez complexes à partir de pierre, d'os et de corne. Il menait une chasse collective aux gros animaux à l'aide d'une lance et de fléchettes. Les clans se sont unis en tribus et le matriarcat est apparu.
Plus de 900 000 ans ont dû s'écouler entre les premiers peuples et les humains. type moderne avant que la main et le cerveau ne soient mûrs pour créativité artistique.
Parallèlement, la fabrication d’outils primitifs en pierre remonte à des époques beaucoup plus anciennes du Paléolithique inférieur et moyen. Déjà le Sinanthrope (dont les restes ont été retrouvés près de Pékin) avait atteint un niveau assez élevé dans la fabrication d'outils en pierre et savait utiliser le feu. Les hommes du type néandertalien ultérieur traitaient les outils avec plus de soin, les adaptant à des usages particuliers. Ce n'est que grâce à une telle « école », qui a duré plusieurs millénaires, qu'ils ont développé la flexibilité nécessaire de la main, la fidélité de l'œil et la capacité de généraliser ce qui est visible, en mettant en évidence les traits les plus significatifs et caractéristiques, c'est-à-dire toutes ces qualités qui apparaissent dans les merveilleux dessins de la grotte d'Altamira. Si une personne n'avait pas exercé et raffiné sa main, transformant pour obtenir de la nourriture un matériau aussi difficile à transformer que la pierre, elle n'aurait pas pu apprendre à dessiner : sans maîtriser la création de formes utilitaires, elle Je n'ai pas été capable de créer une forme artistique. Si de très nombreuses générations n'avaient pas concentré leur capacité de réflexion sur la capture de la bête - la principale source de vie de l'homme primitif - il ne leur serait pas venu à l'esprit de représenter cette bête.
Ainsi, d’une part, « le travail est plus ancien que l’art » et, d’autre part, l’art doit son émergence au travail. Mais qu’est-ce qui a provoqué le passage de la production d’outils exclusivement utiles et pratiquement nécessaires à la production, avec eux, d’images « inutiles » ? C’est cette question qui a été la plus débattue et la plus confuse parmi les scientifiques bourgeois qui cherchaient à tout prix à appliquer à l’art primitif la thèse d’Emmanuel Kant sur « l’inutilité », le « désintérêt » et la « valeur inhérente » de l’attitude esthétique envers le monde.
Ceux qui ont écrit sur l'art primitif, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Breuil, W. Gausenstein et d'autres, ont soutenu que peuple primitif engagés dans « l’art pour l’art », que le premier et déterminant stimulus de la créativité artistique était le désir inné de l’homme de jouer (2, p. 15).
Les théories du « jeu » dans leurs diverses variétés étaient fondées sur l'esthétique de Kant et de Schiller, selon lesquelles la caractéristique principale de l'expérience esthétique et artistique est précisément le désir de « jouer librement avec les apparences » - libre de tout objectif pratique, de toute logique. et évaluation morale.
« L'impulsion créatrice esthétique », écrit Schiller, « construit insensiblement, au milieu du terrible royaume des forces et au milieu du royaume sacré des lois, un troisième et joyeux royaume du jeu et de l'apparence, dans lequel elle soustrait à l'homme les entraves de toutes les relations et le libère de tout ce qu'on appelle coercition tant au sens physique qu'au sens moral » (2, p. 16).
Schiller a appliqué ce principe fondamental de son esthétique à la question de l’émergence de l’art (bien avant la découverte de véritables monuments de la créativité paléolithique), estimant que le « joyeux royaume du jeu » était déjà en train de s’ériger à l’aube de la société humaine : « ...maintenant l'ancien Germain cherche des peaux d'animaux plus brillantes, des cornes plus magnifiques, des récipients plus gracieux, et le Calédonien cherche les plus beaux coquillages pour ses festivités. Mais, satisfaite du fait qu'un surplus d'esthétique a été introduit dans le nécessaire, la libre impulsion du jeu rompt enfin complètement avec les chaînes du besoin, et la beauté elle-même devient l'objet des aspirations humaines. Il se pare. Le plaisir gratuit compte parmi ses besoins, et l’inutile devient bientôt la meilleure part de sa joie. Cependant, ce point de vue est réfuté par les faits.
On ne peut nier que les couleurs, les lignes, ainsi que les sons et les odeurs, affectent le corps humain - certains de manière irritante et répulsive, d'autres, au contraire, renforçant et favorisant son fonctionnement correct et actif. Ceci est d'une manière ou d'une autre pris en compte par une personne dans son activité artistique, mais n'en constitue en aucun cas la base. Les motifs qui ont forcé l'homme du Paléolithique à dessiner et à sculpter des figures d'animaux sur les parois des grottes n'ont bien sûr rien à voir avec des impulsions instinctives : il s'agit d'un acte créatif conscient et délibéré d'une créature qui a depuis longtemps brisé les chaînes des aveugles. instinct et s'est engagé sur la voie de la maîtrise des forces de la nature - et, par conséquent, de la compréhension de ces forces.
Un homme dessine un animal : il synthétise ainsi ses observations ; il reproduit de plus en plus avec assurance sa silhouette, ses habitudes, ses mouvements et ses divers états. Il formule ses connaissances dans ce dessin et les consolide. En même temps, il apprend à généraliser : une image d'un cerf transmet des caractéristiques observées chez plusieurs cerfs. Cela en soi donne une impulsion énorme au développement de la pensée. Il est difficile de surestimer le rôle progressif de la créativité artistique dans l’évolution de la conscience humaine et de sa relation à la nature. Cette dernière n'est désormais plus si sombre pour lui, moins cryptée - petit à petit, toujours au toucher, il l'étudie.
Ainsi, les beaux-arts primitifs sont en même temps les embryons de la science, ou plus précisément du savoir primitif. Il est clair qu’à ce stade naissant et primitif du développement social, ces formes de connaissance ne pouvaient pas encore être disséquées, comme elles l’ont été plus tard ; au début, ils jouaient ensemble, ce n'était pas encore de l'art dans en entier Ce concept n'était pas une connaissance au sens propre du terme, mais quelque chose dans lequel les éléments primaires des deux étaient indissociables (3, p. 72).
À cet égard, on comprend pourquoi l’art ancien accordait autant d’attention à la bête et relativement peu à l’homme. Il vise principalement à comprendre la nature externe. À l'heure même où les animaux ont déjà appris à représenter d'une manière remarquablement réaliste et vivante, les figures humaines sont presque toujours représentées d'une manière très primitive, tout simplement inepte - à l'exception de quelques rares exceptions, comme les reliefs de Lossel. Dans l’art paléolithique, il n’y a pas encore cet intérêt primordial pour le monde des relations humaines qui distingue l’art, qui délimitait sa sphère de celle de la science. Des monuments de l'art primitif (du moins des beaux-arts), il est difficile d'apprendre quoi que ce soit sur la vie d'une communauté tribale autre que sa chasse et les rituels magiques qui y sont associés ; La place la plus importante est occupée par l'objet de la chasse - la bête. C'était son étude qui présentait le principal intérêt pratique, puisqu'elle était la principale source d'existence, et l'approche utilitariste-cognitive de la peinture et de la sculpture se reflétait dans le fait qu'elles représentaient principalement des animaux, et de telles espèces, dont l'extraction était particulièrement important et en même temps difficile et dangereux, et nécessitait donc une étude particulièrement minutieuse. Les oiseaux et les plantes étaient rarement représentés.
En dessinant la figure d'un animal, une personne, dans un certain sens, a réellement « maîtrisé » l'animal, puisqu'elle le connaissait, et la connaissance est la source de la maîtrise de la nature. La nécessité vitale de la connaissance figurative est à l'origine de l'émergence de l'art. Mais notre ancêtre comprenait cette « maîtrise » au sens littéral et effectuait des rituels magiques autour du dessin qu’il réalisait pour assurer le succès de la chasse. Il a repensé de manière fantastique les véritables motivations rationnelles de ses actions. Certes, il est très probable que la créativité visuelle n’ait pas toujours eu une finalité rituelle ; ici, évidemment, d'autres motifs étaient également impliqués, déjà évoqués plus haut : le besoin d'échange d'informations, etc. Mais, en tout cas, on ne peut guère nier que la majorité des peintures et des sculptures servaient également à des fins magiques.
Les gens ont commencé à s’engager dans l’art bien avant d’avoir une conception de l’art, et bien avant qu’ils puissent comprendre sa véritable signification, ses véritables avantages.
Maîtriser la capacité de représenter monde visible, les gens ne se rendaient pas non plus compte de la véritable signification sociale de cette compétence. Quelque chose de similaire au développement ultérieur des sciences s'est produit, qui ont également été progressivement libérés de la captivité des idées fantastiques naïves : les alchimistes médiévaux ont cherché à trouver la « pierre philosophale » et ont consacré des années de travail intense à ce sujet. Ils n'ont jamais trouvé la pierre philosophale, mais ils ont acquis une expérience précieuse dans l'étude des propriétés des métaux, des acides, des sels, etc., qui a préparé le terrain pour le développement ultérieur de la chimie.
En disant que l'art primitif était l'une des formes originales de connaissance, d'étude du monde environnant, il ne faut pas supposer que, par conséquent, il n'y avait rien d'esthétique au sens propre du terme. L’esthétique n’est pas quelque chose de complètement opposé à l’utile.
Le contenu de l’art ancien est pauvre, ses horizons sont fermés, son intégrité même repose sur le sous-développement de la conscience sociale. De nouveaux progrès artistiques ne pourraient être réalisés qu'au prix de la perte de cette intégrité initiale, que nous constatons déjà dans les étapes ultérieures de la formation communautaire primitive. Par rapport à l'art du Paléolithique supérieur, ils marquent un certain déclin de l'activité artistique, mais ce déclin n'est que relatif. En schématisant une image, l'artiste primitif apprend à généraliser et à abstraire les concepts de ligne droite ou courbe, de cercle, etc., et acquiert les compétences de construction consciente et de répartition rationnelle des éléments de dessin sur un plan. Sans ces compétences latentes accumulées, la transition vers ces nouvelles valeurs artistiques, qui sont créés dans l'art des anciennes sociétés esclavagistes. On peut dire que pendant la période de l'art primitif, les concepts de rythme et de composition se sont finalement formés. Ainsi, la créativité artistique du système tribal montre clairement la nécessité de l'art dans la vie humaine.

3. Le rôle de l'art dans le développement de la société et de la vie humaine

Il y a eu et il y a beaucoup de débats sur le rôle de l'art dans le développement de la société et dans la vie d'un individu. Les historiens de l'art avancent divers concepts, mais le niveau de la culture artistique de masse dans la Fédération de Russie a baissé à mesure que peut-être aussi bas que dans n'importe quel pays civilisé.
Nous sommes probablement le seul État où l’art et la musique ont été effectivement éliminés de l’enseignement général. Même l’humanitarisation croissante prévoit le rôle « résiduel » des arts sans changement. Malheureusement, le principe scientifique a longtemps dominé sans partage dans l’éducation. Partout, dans tous les documents pédagogiques, il est question uniquement de maîtriser la méthode scientifique de cognition, de maîtriser les connaissances et les compétences scientifiques et de former une vision scientifique du monde. Et il en est ainsi dans tous les documents, des plus traditionnels aux plus innovants. De plus, même dans l'analyse de l'art, non seulement au lycée, mais aussi dans l'enseignement supérieur, approche scientifique(6, p. 12).
Le mal a pris racine ; une vision déformée de l’absence de relation sérieuse développement artistique, d'une part, avec la moralité de l'homme et de la société, et d'autre part, avec le développement même de la pensée humaine.
Cependant, la pensée humaine est initialement double : elle se compose à parts égales du côté rationnel-logique et émotionnel-imaginatif. La base de l'activité scientifique et la base de l'activité artistique humaine sont différentes formes de pensée qui ont provoqué leur développement, des objets de connaissance totalement non identiques et l'exigence qui en résulte pour des formes fondamentalement différentes de transfert d'expérience. Ces positions, qui découlent naturellement de la formule « l’art n’est pas la science », peuvent susciter des doutes et des rejets. Et ils seront basés sur une attitude quotidienne totalement non scientifique, mais triviale envers les arts ; comprendre leur rôle uniquement comme une sphère de loisirs, de divertissement créatif, de plaisir esthétique, et non comme une sphère de connaissance spéciale, égale et scientifique, qui ne peut être remplacée par rien d'autre.
Il existe une idée répandue selon laquelle la pensée émotionnelle-figurative, qui a historiquement prospéré plus tôt, est plus primitive que rationnelle, quelque chose de pas entièrement humain, à moitié animal. Aujourd’hui, le rejet de cette voie de la connaissance comme insuffisamment développée et « insuffisamment scientifique » repose sur une telle conception erronée, et on oublie qu’elle s’est développée et améliorée depuis l’émergence de l’humanité (6, p. 13).
Il n’existe pas de pensée humaine constituée uniquement d’une conscience théorique rationnelle-logique. Ce genre de pensée est inventé. Une personne entière participe à la pensée - avec tous ses sentiments, sensations « non rationnels », etc. Et, en développant la pensée, vous devez la former de manière holistique. En fait, au cours du développement de l’humanité, deux systèmes de connaissance du monde les plus importants ont émergé. Nous pensons à leur interaction constante, que nous le voulions ou non. C’est ainsi que cela s’est passé historiquement.
Si nous comparons ces deux aspects de la pensée dans un diagramme, nous obtenons ce qui suit :

Formes de pensée Portée de l'activité et résultat du travail Sujet de connaissance (ce qui est appris) Manières de maîtriser l'expérience (comment est-elle apprise) Résultats de la maîtrise de l'expérience
Activité scientifique rationnelle-logique. Résultat - concept Objet réel (sujet) Etude du contenu de la Connaissance. Comprendre les modèles de processus naturels et sociaux
Activité artistique émotionnelle-imaginative. Le résultat est une image artistique Attitude envers un objet (sujet) Expérience du contenu (vivant) Critères émotionnels et de valeur de l'activité de la vie, exprimés en incitations aux actions, désirs et aspirations

Le tableau montre que tout dans ces deux rangées est différent - à la fois le sujet de la connaissance et les voies et résultats de son développement. Bien entendu, les domaines d'activité indiqués ici sont ceux où ces formes ne se manifestent que le plus clairement. Dans tous les domaines de travail, ils « travaillent » ensemble, notamment scientifique, industriel et artistique.
L'activité (et la connaissance) scientifique développe la sphère de la pensée théorique plus activement que toute autre.
Mais l’activité artistique donne également la priorité au développement de sa propre sphère de pensée. Le scientifique est plus susceptible de pouvoir l'exploiter et de l'utiliser pour s'aider lui-même (6, p. 14).
Lorsqu'il étudie une plante : ses fleurs, ses fruits ou ses feuilles, un scientifique russe ou mexicain s'intéresse à des données tout à fait objectives : son genre et son espèce, sa forme, son poids, sa composition chimique, son système de développement - ce qui ne dépend pas de l'observateur. Plus les données d’observation et les conclusions sont précises et indépendantes de l’étudiant, plus elles sont précieuses, plus elles sont scientifiques. Mais l'observation artistique et ses résultats sont fondamentalement différents. Ils ne peuvent et ne doivent pas du tout être objectifs. Ils sont définitivement personnels, les miens. Le résultat est mon attitude personnelle envers cette plante, cette fleur, cette feuille - me procurent-elles du plaisir, de la tendresse, de la tristesse, de l'amertume, de la surprise. Bien sûr, l’humanité toute entière regarde cet objet à travers moi, mais aussi mon peuple, mon histoire. Ils construisent les chemins de ma perception. Je percevrai une brindille de bouleau différemment d’un Mexicain. En dehors de moi, il n’y a pas de perception artistique ; cela ne peut pas avoir lieu. Les émotions ne peuvent pas être extrapersonnelles.
C’est pourquoi il est impossible de transmettre l’expérience de la pensée émotionnelle et imaginative aux nouvelles générations par le biais de connaissances théoriques (comme nous l’avons essayé avec persistance jusqu’à présent). Il est inutile de se contenter d’étudier cette expérience. Avec une telle « étude », par exemple, les sentiments moraux, comme les sentiments de tendresse, de haine, d’amour, se transforment en règles morales, en lois sociales qui n’ont rien à voir avec les sentiments. Soyons sincères : toutes les lois morales de la société. , s'ils ne sont pas vécus par l'individu, ne sont pas contenus dans des sentiments, mais seulement dans des connaissances ; non seulement ils ne sont pas durables, mais sont souvent l'objet de manipulations antimorales ;
L.N. Tolstoï a dit à juste titre que l'art ne convainc personne, il infecte simplement les idées. Et les « infectés » ne peuvent plus vivre différemment. La conscience de l'implication, de la ressemblance et de l'empathie est le pouvoir de la pensée humaine. La technocratisation mondiale est désastreuse. Le psychologue Zinchenko a écrit à ce sujet très justement : « Pour la pensée technocratique, il n'y a pas de catégories de moralité, de conscience, d'expérience humaine et de dignité. » C'est dur à dire, mais c'est précis.
B.M. Nemensky explique pourquoi : la pensée technocratique donne toujours la primauté aux moyens sur le sens (6, p. 16). Car le sens de la vie humaine est précisément l’amélioration humaine des relations humaines avec le monde, l’harmonisation de ces relations. Compte tenu de l'intégrité des deux modes de cognition, le scientifique fournit les moyens d'harmonisation, tandis que l'artistique inclut l'introduction de ces moyens dans le système d'actions et détermine la formation des désirs humains comme incitations à l'action. Lorsque les critères émotionnels et de valeurs sont déformés, la connaissance est orientée vers des objectifs anti-humains.
Avec l'oppression et le sous-développement de la sphère émotionnelle et imaginative, le déséquilibre actuel se produit dans notre société - primauté des moyens, confusion des objectifs. Et cela est dangereux, car que nous le voulions ou non, que nous le comprenions ou non, ce sont nos sentiments qui déterminent les « premiers mouvements de l'âme », qui déterminent les désirs. Et les désirs, même contraires aux croyances, façonnent les actions.
Deux voies de connaissance sont apparues précisément parce qu'il existe deux objets, ou sujets de connaissance. Et l'objet (sujet) de la cognition pour la sphère de pensée émotionnelle-imaginative n'est pas la réalité de la vie elle-même, mais notre attitude humaine émotionnelle et personnelle à son égard. Dans ce cas (forme scientifique), l'objet est connu, dans un autre (artistique), le fil de la connexion de valeur émotionnelle entre l'objet et le sujet est connu - la relation du sujet à l'objet (sujet). Et voici la racine de tout le problème.
Et puis le fil de la compréhension de l'activité de la sphère de pensée émotionnelle-imaginative s'étend aux types de travail où cette forme se manifeste le plus, à l'art. L'art est multifonctionnel, mais son rôle principal dans la vie de la société est précisément celui-ci : analyse, formulation, consolidation sous une forme figurative et transfert aux générations suivantes de l'expérience des relations émotionnelles et de valeurs avec certains phénomènes de connexions entre les personnes et avec la nature. Naturellement, comme dans la forme scientifique, il y a une lutte d'idées et de tendances en relation avec les phénomènes de la vie. Non seulement des idées utiles, mais aussi nuisibles à la société vivent et combattent. Et la société sélectionne et consolide intuitivement ce dont elle a aujourd'hui besoin pour prospérer ou décliner.
N’est-il pas temps de rechercher les voies d’un développement harmonieux, non pas parmi les générations plus âgées, ce qui est trop tard, mais parmi la génération qui entre dans la vie ? Il faut juste comprendre que nous ne proposons pas un flux de développement à la place d’un autre. Il est nécessaire de parvenir à l'harmonie dans le développement de la pensée. Mais pour cela, nous devons accepter comme un fait objectif la double face de notre pensée : la présence d'une pensée rationnelle-logique et émotionnelle-imaginative, la présence de différents cercles de connaissances qui leur correspondent - l'objet réel et la relation du soumis à l'objet. Et si vous acceptez ces deux côtés, alors il est facile d'accepter deux manières de maîtriser l'expérience : étudier le contenu de l'expérience et vivre, expérimenter le contenu. Ici, précisément ici, sont posés les fondements de la didactique artistique - rien d'autre n'est donné (6, p. 17).
Cependant, une analyse minutieuse permet de discerner les différents rôles des trois formes de pensée plastico-artistique dans le comportement et la communication des personnes.
Décoration. Seuls les citoyens romains nés libres avaient le droit de porter une tenue vestimentaire. Des décrets spéciaux sur les costumes en Europe ont déjà été publiés au XIIIe siècle. La plupart d’entre eux définissaient des règles strictes concernant quelle classe pouvait porter quels costumes. Par exemple, à Cologne au XVe siècle. les juges et les médecins devaient porter du rouge, les avocats du violet, les autres experts du noir. Pendant longtemps en Europe, seule une personne libre pouvait porter un chapeau. En Russie sous Elisabeth, les personnes sans rang n'avaient pas le droit de porter de la soie ou du velours. Dans l’Allemagne médiévale, il était interdit aux serfs de porter des bottes sous peine de mort : c’était le privilège exclusif des nobles. Et au Soudan, il existe une coutume consistant à enfiler un fil de laiton dans la lèvre inférieure. Cela signifie que la personne est mariée. Sa coiffure en parle aussi. Et aujourd'hui, au moment de choisir tel ou tel type de vêtement ou sa coupe, une personne qui se considère comme une certaine groupe social, les utilise comme symboles sociaux qui servent de régulateur des relations entre les personnes. La question de se décorer soi-même, ses armes, ses vêtements, sa maison n'était pas événement de divertissement depuis la formation de la société humaine. Grâce à la décoration, une personne se distinguait de l'environnement des personnes, y indiquant sa place (héros, chef, aristocrate, épouse, etc.) et se présentant à une certaine communauté de personnes (guerrier, membre de la tribu, membre de caste ou homme d'affaires, hippie, etc.). Malgré l'utilisation plus multiforme du décor, son rôle fondamental reste le même aujourd'hui : un signe d'inclusion et d'isolement ; panneau de message approuvant l'emplacement cette personne, un groupe donné de personnes dans l'environnement des relations humaines - c'est là que réside la base de l'existence de la décoration en tant que phénomène esthétique (6, p. 18).
Le fait que les masses russes soient analphabètes dans ce domaine entraîne de nombreuses confusions sociales et des effondrements moraux personnels. Les experts notent à juste titre que la société n'a pas encore développé de système systématique d'enseignement du langage des arts décoratifs. Chacun passe par l'école de la langue d'une telle communication de manière totalement indépendante et spontanée.
La ligne constructive de la pensée artistique et plastique répond à un objectif différent fonction sociale et répond à un autre besoin. On peut retracer le rôle de cette ligne de pensée dans l'art où elle se révèle plus clairement et agit ouvertement comme un leader. La construction de tout objet est directement liée à la communication humaine, mais différente du décor. L’architecture (comme le design) exprime le plus pleinement cette ligne de pensée artistique. Elle construit des maisons, des villages et des villes avec leurs rues, parcs, usines, théâtres, clubs - et pas seulement pour le confort de la vie quotidienne. Le temple égyptien, de par sa conception, exprimait certaines relations humaines. Le temple gothique et la ville médiévale elle-même, sa conception, le caractère des maisons sont complètement différents. Une forteresse, un château féodal et un domaine noble du XIIIe siècle. étaient une réponse à différentes relations sociales et économiques et ont façonné l’environnement de communication des gens de différentes manières. Ce n'est pas pour rien que l'architecture est appelée la chronique de pierre de l'humanité ; c'est à partir d'elle que nous pouvons étudier la nature changeante des relations humaines.
L'influence des formes architecturales sur nos vies n'est pas difficile à ressentir aujourd'hui. Par exemple, à quel point la destruction des cours de Moscou a changé le développement des jeux pour enfants. Jusqu'à présent, aucune forme organique d'auto-organisation de l'environnement des enfants n'a été trouvée dans ces immenses bâtiments indivis. Et les relations entre adultes et voisins se construisent différemment, ou plutôt, elles ne se construisent quasiment pas du tout. Au fait, il y a quelque chose à penser ici. Dans quelle mesure notre architecture quotidienne exprime-t-elle réellement le type de relations humaines que nous désirons ? Nous avons besoin d’un environnement de communication, pour créer des liens humains forts. Désormais, les voisins, même au même étage, peuvent ne pas se connaître du tout et n'avoir aucune relation. Et l’architecture y contribue de toutes les manières possibles ; il n’existe pas d’environnement pour la communication. Même dans les facultés de sciences humaines de l’Université d’État de Moscou, il n’y a pas de place pour s’asseoir et discuter. Il n'y a que des amphithéâtres et des salles pour les réunions publiques. Il n’existe pas d’environnement planifié dans lequel un individu peut communiquer avec un autre, argumenter, parler, réfléchir. Même si, peut-être, dans les périodes précédentes de l’histoire de notre société, cela n’était pas nécessaire. Et en dehors de l'architecture et au mépris d'elle, il est extrêmement difficile de créer des conditions de communication. Ainsi, en plus de la fonction utilitaire étroite (protection contre le froid, la pluie et conditions de travail), l'architecture joue un rôle social, « spirituel » important. -rôle « utilitaire » dans la formation des relations humaines. Il remplit la fonction d'un élément constructif de la pensée artistique : il forme un véritable environnement qui détermine le caractère, le mode de vie et les relations dans la société. Ce faisant, elle définit pour ainsi dire des paramètres et pose des jalons pour un certain idéal esthétique et moral, créant ainsi un environnement de développement pour celui-ci. La formation d'un idéal esthétique commence par la construction de ses fondements et de ses propriétés fondamentales. La sphère constructive remplit sa fonction à travers tous les arts.
La base visuelle de la pensée plastique-artistique se manifeste dans tous les arts, mais elle devient la ligne directrice dans les beaux-arts proprement dits et même de manière plus aiguë dans les arts du chevalet - dans la peinture, le graphisme, la sculpture. Pour quels besoins de la société ces formes de pensée se sont-elles développées ? Les capacités de ces formes, à notre avis, sont les plus subtiles et les plus complexes. Elles sont en grande partie fondées sur la recherche et, à certains égards, similaires aux activités scientifiques. Il y a ici une analyse de tous les aspects de la vie réelle. Mais l'analyse est émotionnelle et figurative, et non pas des lois objectives de la nature et de la société, mais de la nature personnelle, relations émotionnelles l'homme avec tout son environnement - la nature et la société. C’est à travers la personnalité de chacun de nous que notre humanité – notre communauté – ne peut que se manifester. Une société sans individus est un troupeau. Alors, si en science la conclusion est : « Je sais, je comprends », alors ici : « J'aime, je déteste », « J'aime ça, ça me dégoûte ». Ce sont les critères émotionnels et de valeur d'une personne.
La forme visuelle de la pensée élargit les capacités des systèmes figuratifs, les remplissant du sang vivant de la réalité. Ici, la pensée se produit dans des images réelles visibles (et pas seulement dans une image de la réalité). C'est penser en images réelles qui permet d'analyser tous les aspects les plus complexes et les plus subtils de la réalité, de les réaliser, de construire une attitude à leur égard, de comparer de manière variable et sensuelle (souvent intuitivement) vos idéaux moraux et esthétiques et de consolider cette attitude. en images artistiques. Épinglez-le et transmettez-le à d’autres personnes.
C’est pour cette raison que les beaux-arts sont une école puissante et subtile de culture émotionnelle et de sa chronique. C'est cet aspect de la pensée artistique qui permet aux beaux-arts de soulever et de résoudre les problèmes spirituels les plus complexes de la société.
Les éléments de la pensée artistique, tels trois cœurs, trois moteurs du processus artistique, participent à façonner le caractère de la société humaine et influencent à leur manière ses formes, ses méthodes et son développement.
Les tâches changeantes de l'art aux différentes étapes de la formation de l'idéal moral et esthétique de chaque époque se manifestent dans la pulsation de ces trois tendances. L’ascension et la chute de chacun d’eux sont une réponse aux changements dans les demandes de la société pour l’art en tant qu’outil qui l’aide non seulement à former l’idéal moral et esthétique de l’époque, mais aussi à l’établir dans la vie quotidienne. De la pratique à la pratique quotidienne de la vie en passant par son développement spirituel, émotionnel, moral et esthétique, c'est ainsi que l'on réalise ces fondements. Et chaque base (sphère) a sa propre fonction, unique et irremplaçable, générée par la spécificité, la nature de ses capacités.
L'art apparaît dans son vrai sens comme l'une des formes les plus importantes de conscience de soi et d'auto-organisation du collectif humain, comme la manifestation d'une forme de pensée irremplaçable développée au cours de millions d'années d'existence humaine, sans laquelle la société humaine ne pourrait pas existent du tout.

Conclusion

Dans ce travail, nous avons examiné le rôle de l'art dans la vie de la société et de chaque personne, et nous nous sommes concentrés sur les spécificités de l'une des formes de manifestation de la pensée émotionnelle-imaginative - la sphère d'activité plastique-artistique.
Ce n’est pas seulement un problème théorique. La réticence existante à voir la réalité de ces formes de pensée aboutit à la formation d’une intelligence unilatérale. Il y a eu une fétichisation mondiale de la voie rationnelle-logique de la connaissance.
Le professeur J. Weizenbaum du MIT écrit à propos de ce danger : « Du point de vue du sens commun, la science est devenue la seule forme légitime de connaissance... l'attribution par le sens commun d'une certitude à la connaissance scientifique, attribution qui est désormais devenue une Le dogme de la raison, en raison de sa pratique presque universelle, l'a en fait privé de la légitimité des pouvoirs de toutes les autres formes de connaissance. De telles réflexions ont également été exprimées par nos scientifiques. Qu'il suffise de rappeler le philosophe E. Ilyenkov. Mais la société ne les écoute pas du tout.
Les traditions de culture émotionnelle et de valeurs sont perdues, non développées et transmises par les ancêtres. Et ce sont eux qui constituent la culture de l'attitude envers le monde, qui est à la base de toute vie humaine, à la base de l'action humaine.

Bibliographie

1. Apresyan R. Esthétique. – M. : Gardariki, 2003.
2. Histoire générale arts En 9 tomes. T.1. Art primitif. – M., 1967.
3. Loktev A. Théorie de l'art. – M. : Vlados, 2003.
4. Ilyenkov E. Travaux. – M. : Logos, 2000.
5. Art. – M. : Avanta+, 2003.
6. Nemenski B.M. Cognition émotionnelle-figurative dans le développement humain / Dans le livre. Art moderne: développement ou crise. – M. : Connaissance, 1991. P. 12-22.

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Gorbounova Ioulia

Travaux de recherche sur le thème "Le rôle de l'art dans la vie humaine"

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Aperçu:

1. Introduction
2. Partie principale

2.1.La notion d'art.

2.2.Types d'art

2.3.Fonctions de l'art

2.4.Le rôle de l'art dans la vie humaine

2.5.La vie est courte, l'art est éternel.

1. Conclusion
2. Littérature

1. Introduction.

J'ai choisi de travailler sur le thème « Le rôle de l'art dans la vie humaine » car je souhaitais approfondir et généraliser mes connaissances sur l'art. Je souhaitais élargir mes horizons et découvrir quelles fonctions remplit l’art, quel est le rôle de l’art dans la vie d’une personne, afin d’en parler davantage du point de vue d’une personne bien informée.

Je considère que le sujet de travail choisi est pertinent, car certains aspects du sujet n'ont pas été entièrement étudiés et les recherches menées visent à combler cette lacune. Elle m'encourage à démontrer des capacités intellectuelles, des qualités morales et de communication ;

Avant de commencer à travailler, j'ai mené une enquête auprès des étudiants de notre école. En leur posant quelques questions afin d'identifier leur attitude envers l'art. Les résultats suivants ont été obtenus.

Nombre total de personnes interrogées.

1. Selon vous, quel rôle joue l'art dans Vie moderne personne?

Plus grand %

Non %

Aide à vivre %

1. Qu'est-ce que l'art nous apprend et nous apprend-il du tout ?

Beauté %

Comprendre la vie %

Faire la bonne chose %

Ouvre l'esprit %

N'apprend rien

1. Quels types d’art connaissez-vous ?

Théâtre %

Film %

Musique %

Peinture %

Architecture %

% de sculptures

Autres types d'art %

1. Quel type d’art pratiquez-vous ou qui vous passionne ?

Passionné %

Pas passionné %

1. Y a-t-il eu des moments où l’art a joué un rôle dans votre vie ?

Oui %

Non %

L'enquête a montré que l'œuvre aidera les gens à comprendre l'importance de l'art et, je pense, en attirera beaucoup, sinon à s'engager dans l'art, du moins à susciter l'intérêt pour le problème.

Mon travail a également une signification pratique, car le matériel peut être utilisé pour préparer un essai sur la littérature, pour des présentations orales dans des cours de beaux-arts, d'art et d'art, et à l'avenir pour préparer des examens.

Cible travail : prouver l'importance divers types l'art dans la vie humaine ;montrer comment l’art influence la formation de la culture spirituelle de la personnalité d’une personne ; susciter l'intérêt des gens pour le monde de l'art.

Tâches - révéler l'essence de l'art, considérer la relation entre l'homme et l'art dans la société, considérer les principales fonctions de l'art dans la société, leur signification et leur rôle pour l'homme.

Problèmes problématiques: Comment l'art exprime-t-il les sentiments humains et le monde qui nous entoure ?

Pourquoi dit-on « la vie est courte, mais l’art est éternel » ?

Qu’est-ce que l’art ? Quand, comment et pourquoi l’art est-il né ?

Quel rôle l’art joue-t-il dans la vie d’une personne et dans ma vie ?

résultat attendu

Après vous être familiarisé avec mon travail, un niveau plus élevé de développement d'une attitude émotionnelle et fondée sur des valeurs envers le monde, les phénomènes de la vie et de l'art est attendu ; comprendre la place et le rôle de l'art dans la vie des gens.

2. Partie principale

2.1.La notion d'art

« L’art donne des ailes et vous emmène loin, très loin ! » -
l'écrivain a ditTchekhov A.P.

Comme ce serait bien si quelqu'un créait un appareil qui montrerait le degré d'influence de l'art sur une personne, la société dans son ensemble et même sur la nature. Comment la peinture, la musique, la littérature, le théâtre, le cinéma affectent-ils la santé humaine et la qualité de sa vie ? Est-il possible de mesurer et de prévoir un tel impact ? Bien entendu, la culture dans son ensemble, en tant que combinaison de science, d’art et d’éducation, est capable d’influencer de manière bénéfique à la fois l’individu et la société dans son ensemble lors du choix de la bonne direction et des bonnes priorités dans la vie.

L'art est une compréhension créative du monde qui nous entoure par une personne talentueuse. Les fruits de cette compréhension appartiennent non seulement à ses créateurs, mais à toute l’humanité vivant sur la planète Terre.

Les belles créations des sculpteurs et architectes grecs antiques, des maîtres mosaïstes florentins, Raphaël et Michel-Ange... Dante, Pétrarque, Mozart, Bach, Tchaïkovski sont immortels. Cela vous coupe le souffle lorsque vous essayez de saisir avec votre esprit tout ce qui a été créé par les génies, préservé et continué par leurs descendants et leurs disciples.

Dans la société primitivecréativité primitiveest né avec une vueHomo sapienscomme moyen d'activité humaine pour résoudre des problèmes pratiques. Originaire de l'époquePaléolithique moyen, art primitifa atteint son apogée il y a environ 40 000 ans et était un produit social de la société, incarnant une nouvelle étape dans le développement de la réalité. Œuvres anciennes l'art tel qu'un collier de coquillages trouvé en Afrique du Sud remonte au 75e millénaire avant JC. e. et plus. A l'âge de pierre, l'art était représenté par des rituels primitifs, de la musique, des danses, toutes sortes de décorations corporelles, des géoglyphes - images au sol, des dendrographes - images sur l'écorce des arbres, des images sur des peaux d'animaux, peinture rupestre, peintures rupestres,pétroglyphes et la sculpture.

L'émergence de l'art est associée àJeux, rituels Et rituels, y compris ceux causésmythologiquement- magiquereprésentations.

De nos jours, le mot « art » est souvent utilisé dans son sens originel, très large. Il s'agit de toute compétence dans l'exécution de tâches nécessitant une certaine perfection de ses résultats. Au sens plus étroit du terme, il s'agit de la créativité « selon les lois de la beauté ». Œuvres de créativité artistique, ainsi que les œuvres arts appliqués, sont créés selon les « lois de la beauté ». Une œuvre d'art, comme tous les autres types de conscience sociale, est toujours une unité de l'objet qui y est connu et du sujet connaissant cet objet.

Dans la société primitive et préclassique, l’art en tant que variété particulière de la conscience sociale n’existait pas encore de manière indépendante. Elle était alors en unité avec la mythologie, la magie, la religion, avec les légendes d'une vie passée, avec les idées géographiques primitives, avec les exigences morales.

Et puis l’art s’est imposé parmi eux comme une variété particulière et spécifique. C'est devenu l'une des formes de développement de la conscience sociale divers peuples. C’est ainsi qu’il faut voir les choses.

Ainsi, l’art est un type de conscience de la société ; c’est un contenu artistique et non scientifique. L. Tolstoï, par exemple, a défini l'art comme un moyen d'échange de sentiments, en l'opposant à la science comme moyen d'échange de pensées.

L’art est souvent comparé à un miroir réfléchissant, reflétant la réalité à travers les pensées et les sentiments du créateur. À travers lui, ce miroir reflète ces phénomènes de la vie qui ont attiré l’attention et l’excité de l’artiste.

Ici, on peut à juste titre discerner l'une des spécificités les plus importantes de l'art en tant que type d'activité humaine.

Tout produit du travail - qu'il s'agisse d'un outil, d'un outil, d'une machine ou d'un moyen de subsistance - est créé pour un besoin particulier. Même des produits de la production spirituelle tels que la recherche scientifique peuvent très bien rester accessibles et importants à un groupe restreint de spécialistes, sans rien perdre de leur signification sociale.

Mais une œuvre d’art ne peut être reconnue comme telle que si son contenu est universel, « d’intérêt général ». L'artiste est appelé à exprimer quelque chose qui est tout aussi important pour le conducteur que pour le scientifique, qui s'applique à leur vie non seulement dans la mesure de la spécificité de leur métier, mais aussi dans la mesure de leur implication dans la vie de les gens, leur capacité à être humains, à être un individu.

2.2. Types d'art

Selon les moyens matériels à l'aide desquels les œuvres d'art sont construites, trois groupes de types d'art apparaissent objectivement : 1) spatial, ou plastique (peinture, sculpture, graphisme, photographie d'art, architecture, artisanat et design), c'est-à-dire ceux qui déploient leurs images dans l'espace ; 2) temporaires (verbales et musicales), c'est-à-dire celles où les images se construisent dans le temps, et non dans l'espace réel ; 3) spatio-temporel (danse ; jeu d'acteur et tout ce qui en découle ; synthétique - théâtre, cinéma, télévision, variétés et cirque, etc.), c'est-à-dire ceux dont les images ont à la fois extension et durée, physicalité et dynamisme. Chaque type d'art est directement caractérisé par le mode d'existence matérielle de ses œuvres et le type de signes figuratifs utilisés. Dans ces limites, tous ses types présentent des variétés, déterminées par les caractéristiques d'un matériau particulier et l'originalité du langage artistique qui en résulte.

Ainsi, les variétés de l'art verbal sont la créativité orale et la littérature écrite ; types de musique - vocale et différents types musique instrumentale; variétés d'arts du spectacle - dramatiques, musicaux, marionnettes, théâtre d'ombres, ainsi que la scène et le cirque ; variétés de danse - danse de tous les jours, classique, acrobatique, gymnastique, danse sur glace, etc.

D'autre part, chaque type d'art comporte des divisions génériques et de genre. Les critères de ces divisions sont définis différemment, mais la présence même de types de littérature tels que l'épopée, la poésie lyrique, le théâtre, des types d'art visuel tels que le chevalet, le monumental-décoratif, la miniature, des genres de peinture tels que le portrait, le paysage, encore la vie est une évidence...

Ainsi, l'art, pris dans son ensemble, est un système historiquement établi de diverses méthodes spécifiques d'exploration artistique du monde,

chacun d’eux possède des caractéristiques communes à tous et uniques individuellement.

2.3. Fonctions de l'art

L’art présente des similitudes et des différences avec d’autres formes de conscience sociale. Tout comme la science, elle reflète objectivement la réalité et en connaît les aspects importants et essentiels. Mais contrairement à la science, qui maîtrise le monde grâce à une pensée théorique abstraite, l’art comprend le monde à travers une pensée imaginative. La réalité apparaît dans l’art de manière holistique, dans la richesse de ses manifestations sensorielles.

Contrairement à la science, la conscience artistique ne se fixe pas pour objectif de fournir des informations particulières sur les branches privées de la pratique sociale et d'identifier leurs modèles, tels que physiques, économiques, etc. Le sujet de l'art est tout ce qui intéresse une personne dans la vie.

Les objectifs que l'auteur ou le créateur se fixe intentionnellement et consciemment tout en travaillant sur une œuvre ont une direction. Il peut s'agir d'une sorte d'objectif politique, d'un commentaire sur le statut social, de la création d'une certaine ambiance ou émotion, d'un effet psychologique, d'une illustration de quelque chose, de la promotion d'un produit (dans le cas de la publicité) ou simplement de la transmission d'un message. une sorte de message.

1. Moyens de communication.Dans sa forme la plus simple, l’art est un moyen de communication. Comme la plupart des autres formes de communication, elle comporte l’intention de transmettre des informations à un public. Par exemple, l’illustration scientifique est aussi une forme d’art qui existe pour transmettre des informations. Un autre exemple de ce genre est Cartes géographiques. Cependant, le contenu du message n’est pas nécessairement scientifique. L’art vous permet de transmettre non seulement des informations objectives, mais aussi des émotions, une humeur et des sentiments.
2. L'art comme divertissement. Le but de l’art peut être de créer une ambiance ou une émotion qui aide à se détendre ou à s’amuser. Très souvent, des dessins animés ou des jeux vidéo sont créés dans ce but précis.
3. Avant-garde, l'art pour le changement politique.L’un des objectifs déterminants de l’art du début du XXe siècle était de créer des œuvres provoquant un changement politique. Les orientations qui ont émergé à cet effet sont :Dadaïsme, surréalisme, russe constructivisme, expressionisme abstrait- collectivement dénommésavant-garde.
4. Art pour la psychothérapie.Les psychologues et les psychothérapeutes peuvent utiliser l'art à des fins thérapeutiques. Une technique spéciale basée sur l’analyse des dessins du patient est utilisée pour diagnostiquer l’état de personnalité et l’état émotionnel. Dans ce cas, le but ultime n’est pas le diagnostic, mais la santé mentale.
5. Art de protestation sociale, de renversement de l’ordre existant et/ou de l’anarchie.En tant que forme de protestation, l’art peut n’avoir aucun objectif politique spécifique, mais peut se limiter à la critique du régime en place ou de certains aspects de celui-ci.

2.4. Le rôle de l'art dans la vie humaine

Tous les types d’art sont au service du plus grand des arts : l’art de vivre sur terre.
Bertolt Brecht

Il est désormais impossible d'imaginer que notreviene serait pas accompagné d'art,création. Où et quand vous vivezHumain, même à l'aube de son développement, il a essayé de comprendre le monde qui l'entourait, ce qui signifie qu'il s'est efforcé de comprendre et de transmettre de manière figurée et intelligible les connaissances acquises aux générations futures. C'est ainsi que les peintures murales sont apparues dans les grottes - d'anciens établissements humains. Et cela naît non seulement du désir de protéger ses descendants des erreurs déjà commises par ses ancêtres, mais aussi de transmettre la beauté et l’harmonie du monde, l’admiration pour les créations parfaites de la nature.

L'humanité n'a pas marqué le pas, elle a progressivement avancé et grandi, et l'art s'est également développé, accompagnant l'homme à toutes les étapes de ce long et douloureux chemin. Si vous regardez la Renaissance, vous admirez les sommets atteints par les artistes et les poètes, les musiciens et les architectes. Les créations immortelles de Raphaël et Léonard de Vinci fascinent toujours par leur perfection et leur profonde conscience du rôle de l'homme dans le monde, où il est destiné à parcourir son chemin court mais beau, parfois tragique.

L'art est l'une des étapes les plus importantes de l'évolution humaine. L'art aide une personne à regarder le monde avec différents points vision. A chaque époque, à chaque siècle, elle est de plus en plus améliorée par l'homme. De tout temps, l’art a aidé les gens à développer leurs capacités et à améliorer leur pensée abstraite. Au fil des siècles, l’homme a essayé de plus en plus de changer l’art, de l’améliorer et d’approfondir ses connaissances. L’art est le grand mystère du monde, dans lequel se cachent les secrets de l’histoire de nos vies. L'art est notre histoire. Parfois, vous pouvez trouver des réponses à des questions auxquelles même les manuscrits les plus anciens ne peuvent répondre.
Aujourd'hui, une personne ne peut plus imaginer la vie sans un roman lu, sans un nouveau film, sans une première au théâtre, sans un succès à la mode et un bien-aimé. groupe de musique, sans expositions d'art... Dans l'art, une personne trouve à la fois de nouvelles connaissances et des réponses à la vie questions importantes, et la paix de l'agitation quotidienne et le plaisir. Une véritable œuvre d’art est toujours en phase avec les pensées des lecteurs, des spectateurs et des auditeurs. Un roman peut parler d'une époque historique lointaine, de personnes qui semblent avoir un mode de vie et un style de vie complètement différents, mais les sentiments dont les gens ont toujours été imprégnés sont compréhensibles pour le lecteur actuel, en accord avec lui, si le roman a été écrit par un vrai maître. Laissez Roméo et Juliette vivre à Vérone dans les temps anciens. Ce n’est pas le moment ou le lieu de l’action qui détermine ma perception du grand amour et de la véritable amitié décrite par le brillant Shakespeare.

La Russie n’est pas devenue une province artistique lointaine. Même à l'aube de son émergence, elle a déclaré haut et fort son droit de se tenir aux côtés des plus grands créateurs d'Europe : « Le conte de la campagne d'Igor », les icônes et les peintures d'Andrei Rublev et de Théophane le Grec, les cathédrales de Vladimir, Kiev et Moscou. Nous sommes non seulement fiers des proportions étonnantes de l'église de l'Intercession sur la Nerl et de la cathédrale de l'Intercession de Moscou, mieux connue sous le nom de cathédrale Saint-Basile, mais nous honorons également de manière sacrée les noms des créateurs.

Il n’y a pas que les créations anciennes qui retiennent notre attention. Nous rencontrons constamment des œuvres d'art dans la vie de tous les jours. Visiter des musées et salles d'exposition, nous voulons nous joindre à cela monde merveilleux, accessible d'abord uniquement aux génies, puis aux autres, nous apprenons à comprendre, voir et absorber la beauté qui fait déjà partie de notre vie ordinaire.

Les images, la musique, le théâtre, les livres, les films donnent à une personne une joie et une satisfaction incomparables, la font sympathiser. Élimine tout cela de ta vie homme civilisé, et il se transformera, sinon en animal, du moins en robot ou zombie. Les richesses de l'art sont inépuisables. Il est impossible de visiter tous les musées du monde, on ne peut pas écouter toutes les symphonies, sonates, opéras, on ne peut pas revoir tous les chefs-d'œuvre de l'architecture, on ne peut pas relire tous les romans, poèmes, poèmes. Et ça ne sert à rien. Les je-sais-tout s’avèrent en réalité des personnes superficielles. Parmi toute la diversité, une personne choisit pour son âme ce qui lui est le plus proche, ce qui fonde son esprit et ses sentiments.

Les possibilités de l'art sont multiples. L’art forme des qualités intellectuelles et morales, stimule la créativité et favorise une socialisation réussie. Dans la Grèce antique, les beaux-arts étaient considérés comme un moyen efficace d’influencer une personne. Des sculptures personnifiant de nobles qualités humaines (« Miséricorde », « Justice », etc.) étaient exposées dans les galeries. On croyait qu'en contemplant de belles sculptures, une personne absorbait tout le meilleur qu'elles reflétaient. Il en va de même pour les peintures de grands maîtres.

Un groupe de chercheurs dirigé par le professeur Marina de Tommaso de l'Université de Bari, en Italie, a découvert que de belles peintures peuvent réduire la douleur, écrit aujourd'hui le Daily Telegraph. Les scientifiques espèrent que les nouveaux résultats convaincront les hôpitaux de prendre davantage soin de la décoration des chambres dans lesquelles sont gardés les patients.

Dans l'étude, un groupe de personnes, composé d'hommes et de femmes, a été invité à examiner 300 tableaux de maîtres tels que Léonard de Vinci et Sandro Botticelli, et à sélectionner parmi eux 20 tableaux qu'ils trouvaient les plus beaux et les plus laids. . À l'étape suivante, les sujets ont vu ces images ou rien, laissant un grand mur noir libre pour les images, et en même temps, ils ont frappé les participants avec une courte impulsion laser, comparable en force à toucher une poêle chaude. . Il a été constaté que lorsque les gens regardent des images qu'ils aiment, la douleur est ressentie trois fois moins intensément que lorsqu'ils sont obligés de regarder des images laides ou un mur noir.

Non seulement les enfants, mais souvent aussi les adultes sont incapables de gérer leurs émotions. Nous vivons selon les règles, nous forçant à répéter constamment « Nous avons besoin, nous avons besoin, nous avons besoin… », en oubliant nos désirs. De ce fait, un mécontentement interne apparaît, qu'une personne, étant un être social, essaie de garder pour elle. En conséquence, le corps souffre, car un état émotionnel négatif conduit souvent à diverses maladies. Dans ce cas, la créativité aide à soulager le stress émotionnel, à harmoniser le monde intérieur et à parvenir à une compréhension mutuelle avec les autres. Bien sûr, il peut s'agir non seulement de dessin, mais aussi d'appliqués, de broderies, de photographies, de modelages à partir d'allumettes, de prose, de poésie et bien plus encore, liés d'une manière ou d'une autre à l'art.

La question est de savoir comment la littérature affecte une personne, son comportement et son psychisme, quels mécanismes conduisent à des expériences uniques et, par conséquent, à des changements dans les caractéristiques personnelles d'une personne lors de la lecture. Travail littéraire, a occupé l’esprit de nombreux scientifiques et chercheurs de l’Antiquité à nos jours. La fiction, apportant une connaissance de la réalité, élargit les horizons mentaux des lecteurs de tous âges, offre une expérience émotionnelle qui va au-delà de ce qu'une personne pourrait acquérir dans sa vie, forme le goût artistique et procure un plaisir esthétique, qui occupe une place dans la vie de l'homme moderne. bel endroit et c'est l'un de ses besoins. Mais surtout, la fonction principale fiction- c'est la formation chez les gens de sentiments profonds et durables qui les encouragent à réfléchir, à déterminer leur vision du monde et à orienter leur comportement personnalité.

La littérature est pour les gens une école de sentiments et de connaissance de la réalité et se fait une idée des actions idéales des gens, de la beauté du monde et des relations. La Parole est un grand mystère. Son Force magique réside dans la capacité d’évoquer des images vives et de transporter le lecteur dans un autre monde. Sans littérature, nous n'aurions jamais su qu'il était une fois dans le monde une personne merveilleuse et écrivain Victor Hugo ou, par exemple, Alexandre Sergueïevitch Pouchkine. Nous ne saurions rien de l’époque à laquelle ils vivaient. Grâce à la littérature, nous devenons plus instruits et apprenons l'histoire de nos ancêtres.

L'influence de la musique sur une personne est grande. Une personne n'entend pas seulement les sons avec ses oreilles ; il entend le son de tous les pores de son corps. Le son imprègne tout son être, et selon une certaine influence ralentit ou accélère le rythme de la circulation sanguine ; soit excite le système nerveux, soit le calme ; s'éveille davantage chez une personne des passions fortes ou l'apaise, lui apportant la paix. Un certain effet est produit en fonction du son. Par conséquent, la connaissance du son peut donner à une personne un outil magique pour gérer, régler, contrôler et utiliser la vie, ainsi que pour aider les autres à en tirer le meilleur parti.Ce n’est un secret pour personne, l’art peut guérir.

Isothérapie, danse-thérapie, thérapie musicale, ce sont déjà des vérités communes.

Le créateur de la pharmacologie musicale, le scientifique Robert Shofler, prescrit d'écouter toutes les symphonies de Tchaïkovski, « Le roi de la forêt » de Schubert et l'ode « À la joie » de Beethoven à des fins thérapeutiques. Il affirme que ces travaux favorisent une reprise accélérée. Et des chercheurs de l’Université de Californie ont prouvé expérimentalement qu’après avoir écouté la musique de Mozart pendant 10 minutes, les tests ont montré une augmentation du QI des étudiants de 8 à 9 unités.

Mais tout l’art ne guérit pas.

Par exemple : La musique rock provoque la libération d'hormones de stress, qui effacent certaines informations dans le cerveau, provoquant une agressivité ou une dépression. Le psychologue russe D. Azarov note qu'il existe une combinaison spéciale de notes, il les appelle musique tueuse. Après avoir écouté plusieurs fois de telles phrases musicales, une personne développe une humeur et des pensées sombres.

Le tintement des cloches tue vite :

1. bactéries typhoïdes
2. virus.

La musique classique (Mozart, etc.) favorise :

1. calme général
2. augmentation de la sécrétion de lait (de 20 %) chez les mères qui allaitent.

 Les sons rythmiques de certains interprètes, du fait de leur effet direct sur le cerveau, contribuent à :

1. libération d'hormones de stress
2. déficience de mémoire
3. affaiblissement (au bout de 1-2 ans) de l'état général (notamment lors de l'écoute de musique au casque).

Les mantras, ou sons méditatifs « om », « aum », etc., ont une nature vibrante.
Les vibrations contribuent dans un premier temps à l’activation de certains organes et structures cérébrales. Parallèlement, de nombreuses hormones différentes sont libérées dans le sang. (Cela permet probablement d'effectuer un travail monotone avec moins de consommation d'énergie).

Les sons vibrants provoquent

1. plaisir - pour certains, pour d'autres - les mêmes sons provoquent
2. réponse au stress avec libération d'hormones et forte augmentation du métabolisme oxydatif.

1. contribue à une forte augmentation de la pression artérielle,
2. conduisant souvent à des spasmes cardiaques.

Dans les sources littéraires de l'Antiquité, nous trouvons de nombreux exemples de l'influence délibérée de la musique sur l'état mental des personnes. Plutarque dit que les accès de colère furieuse d’Alexandre le Grand étaient généralement apaisés en jouant de la lyre. Le puissant Achille, selon Homère, essayait, en jouant de la lyre, de calmer sa « célèbre » colère, par laquelle commence l'action de l'Iliade.

Il existait une opinion selon laquelle la musique sauve les gens d'une mort imminente due aux morsures de serpents et de scorpions venimeux. La musique était largement recommandée comme antidote dans ces cas par l'un des médecins les plus célèbres. Rome antique Galien. Nirkus, compagnon de campagne d'Alexandre le Grand, ayant visité l'Inde, a déclaré que dans ce pays qui regorge de serpents venimeux, le chant est considéré comme le seul remède contre leurs morsures. Comment expliquer l’effet miraculeux de la musique ? La recherche de notre époque a montré que la musique dans de tels cas n'agit pas comme un antidote, mais comme un moyen d'éliminer le traumatisme mental, elle aide la victime à supprimer le sentiment d'horreur ; Ce n’est qu’un exemple parmi d’autres où la santé et même la vie d’une personne dépendent en grande partie de son état d’esprit. Mais cet exemple individuel permet de juger de l'importance du rôle du système nerveux dans l'organisme. Il faut en tenir compte lors de l'explication du mécanisme de l'impact de l'art sur la santé des personnes.

L’effet de la musique sur les émotions est encore plus frappant. L’influence de la musique sur les émotions est connue depuis l’Antiquité. La musique était utilisée à des fins médicinales et à la guerre. La musique agit à la fois comme moyen de distraction des pensées qui dérangent une personne et comme moyen d'apaisement et même de guérison. La musique joue un grand rôle dans la lutte contre le surmenage. La musique peut donner un certain rythme avant de commencer le travail ou créer une ambiance de repos profond pendant une pause.

L’art rend le monde des gens plus beau, plus vivant et plus dynamique. Par exemple, la peinture : combien de choses ont atteint notre époque tableaux anciens, grâce auquel on peut déterminer comment les gens vivaient il y a deux, trois, quatre siècles ou plus. Il existe aujourd'hui de nombreuses peintures écrites par nos contemporains, et quelles qu'elles soient : abstraction, réalisme, nature morte ou paysage - la peinture est bel art, avec l'aide duquel une personne a appris à voir le monde comme lumineux et coloré.
L'architecture est une autre des formes d'art les plus importantes. Il existe un grand nombre de beaux monuments disséminés dans le monde, et ils ne sont pas seulement appelés « monuments » - ils contiennent les plus grands secrets de l'histoire et leur mémoire. Parfois, ces mystères ne peuvent être résolus par les scientifiques du monde entier.
Bien sûr, pour percevoir la beauté de l'art de l'opéra, par exemple, il faut connaître ses caractéristiques, comprendre le langage de la musique et du chant, à l'aide duquel le compositeur et les chanteurs transmettent toutes les nuances de la vie et des sentiments et influencer les pensées et les émotions des auditeurs. La perception de la poésie et des beaux-arts nécessite également une certaine préparation et une compréhension appropriée. Même une histoire intéressante ne captivera pas le lecteur s'il n'a pas développé la technique de la lecture expressive, s'il consacre toute son énergie à composer des mots à partir de sons parlés et n'éprouve pas leur influence artistique et esthétique.

L'effet de l'art sur une personne peut être à long terme ou à long terme. Cela souligne les grandes possibilités d'utiliser l'art pour obtenir un effet durable et durable, en l'utilisant à des fins éducatives, ainsi que pour l'amélioration de la santé et la prévention en général. L’art n’agit pas sur une seule capacité ou force humaine, qu’il s’agisse de l’émotion ou de l’intellect, mais sur la personne dans son ensemble. Elle constitue, parfois inconsciemment, le système même des attitudes humaines.

Le génie artistique de la célèbre affiche de D. Moore « Êtes-vous inscrit comme volontaire ? », si largement promue pendant la Seconde Guerre mondiale, réside dans le fait qu'elle fait appel à la conscience humaine à travers toutes les capacités spirituelles de l'homme. Ceux. Le pouvoir de l’art réside dans le fait de faire appel à la conscience humaine et d’éveiller ses capacités spirituelles. Et à cette occasion on peut citer les paroles célèbres de Pouchkine :

Brûlez le cœur des gens avec le verbe.

Je pense que c'est le véritable but de l'art.

2.5.La vie est courte, l'art est éternel.

L’art est éternel et beau car il apporte la beauté et la bonté au monde.

Une personne a des exigences très strictes et l’art doit refléter ces exigences. Les artistes du classicisme se sont inspirés des exemples classiques. Ils croyaient que l'éternel est immuable - il est donc nécessaire d'apprendre des auteurs grecs et romains. Les chevaliers, les rois et les ducs deviennent très souvent des héros. Ils étaient convaincus que la beauté dans l’art est créée par la vérité – c’est pourquoi un écrivain doit imiter la nature et décrire la vie de manière crédible. Des canons rigides de la théorie du classicisme apparaissent. L'expert en art Boileau écrit : « L'incroyable ne peut pas vous émouvoir, que la vérité paraisse toujours crédible. » Les écrivains du classicisme abordaient la vie du point de vue de la raison ; ils ne faisaient pas confiance aux sentiments, les considérant comme changeants et trompeurs. Précis, raisonnable, véridique et beau. "Il faut réfléchir à une pensée et ensuite seulement écrire."

L'art ne vieillit jamais. Dans le livre du philosophe académicien I.T. Frolov a écrit : « La raison en est l'originalité unique des œuvres d'art, leur caractère profondément individualisé, finalement déterminé par leur attrait constant pour l'homme. L’unité unique de l’homme et du monde dans une œuvre d’art, la « réalité humaine ». Le célèbre physicien danois Niels Bohr a écrit : « La raison pour laquelle l’art peut nous enrichir est sa capacité à nous rappeler des harmonies hors de portée d’une analyse systématique. » L’art met souvent en lumière des problèmes universels et « éternels » : ce qui est bien et mal, la liberté, la dignité humaine. Les conditions changeantes de chaque époque nous obligent à résoudre ces problèmes à nouveau.

L'art a plusieurs visages, est éternel, mais, malheureusement, il ne peut influencer les gens sans leur volonté, leur effort mental et un certain travail de pensée. Une personne doit vouloir apprendre à voir et à comprendre la beauté, alors l'art aura un effet bénéfique sur elle et sur la société dans son ensemble. Cela se produira probablement dans le futur. En attendant, les créateurs talentueux ne doivent pas oublier que leurs œuvres ont le pouvoir d’influencer des millions de personnes, et que cela peut être bénéfique ou préjudiciable.

Laissez-moi vous donner un exemple simple. Par exemple, un artiste a peint un tableau. L'image représente des scènes négatives de meurtre, il y a du sang et de la saleté partout, les tons les plus chaotiques et les plus durs sont utilisés, bref, l'ensemble de l'image a un effet déprimant sur le spectateur, provoquant des émotions négatives chez une personne. L'énergie émanant de l'image est extrêmement déprimante. Voilà pour la relation complète entre la pensée de l’artiste et la création physique du tableau et, par conséquent, le ou les spectateurs qui le regardent… Imaginez des milliers, des dizaines de milliers de tableaux aussi déprimants. On peut en dire autant de notre cinéma. Quels dessins animés nos enfants regardent-ils, sans parler des films pour adultes ? Et en général, il n'existe même plus d'interdiction pour les «moins de 16 ans» comme dans les années 70. Un « négativisme » complet... Imaginez combien d'énergie négative il y a dans le pays, dans le monde, sur la Terre entière !.. On peut en dire autant de tous les types de notre art !
« Les pensées combinées aux actions conduisent au changement. S’ils sont nobles, alors ils libèrent, sauvent et favorisent l’épanouissement. enrichir. S’ils sont vils, alors ils asservissent, appauvrissent, affaiblissent et détruisent. Si la propagande de la violence, le culte du pouvoir et du mal envahissent nos écrans, nous mourrons après les malheureux héros de ces films d’action d’un jour.

Le véritable art doit être beau, avoir un bon départ, humain, avec des traditions séculaires.

3. Conclusion.

L’art joue un rôle essentiel dans nos vies, aidant les générations futures à grandir moralement. Chaque génération apporte sa contribution au développement de l’humanité en l’enrichissant culturellement. Sans l'art, nous ne serions guère capables de regarder le monde sous différents angles, différemment, de regarder au-delà de l'ordinaire, de ressentir un peu plus intensément. L’art, comme l’être humain, possède de nombreuses petites veines, vaisseaux sanguins et organes.

Passions, aspirations, rêves, images, peurs - tout ce avec quoi chaque personne vit - acquiert dansla créativitécouleur et force spéciales.

Il est impossible que tout le monde soit créateur, mais il est en notre pouvoir d'essayer de pénétrer dans l'essence de la création d'un génie, de se rapprocher de la compréhension du beau. Et plus nous devenons des contemplateurs de peintures, de chefs-d’œuvre architecturaux, des auditeurs de belle musique, mieux c’est pour nous et pour ceux qui nous entourent.

L’art nous aide à maîtriser la science et à approfondir progressivement nos connaissances. Et comme mentionné ci-dessus, il s’agit d’un élément essentiel du développement humain :

Forme la capacité d'une personne à percevoir, ressentir, comprendre correctement et apprécier le beau dans réalité environnante et l'art,

Développe des compétences dans l’utilisation des moyens artistiques pour comprendre la vie des gens et la nature elle-même ;

Développe une compréhension profonde de la beauté de la nature et du monde environnant. la capacité de prendre soin de cette beauté ;

Arme les gens de connaissances et leur inculque également des compétences dans le domaine des arts accessibles - musique, peinture, théâtre, mot artistique, architecture;

Développe la créativité, les compétences et les capacités pour ressentir et créer de la beauté dans la vie environnante, à la maison, dans la vie de tous les jours ;

Développe une compréhension de la beauté dans les relations humaines, le désir et la capacité d'apporter de la beauté dans la vie quotidienne.

Ainsi, l'art influence notre vie de tous côtés, la rend diversifiée et lumineuse, vivante et intéressante, riche, aidant une personne à mieux comprendre son but dans ce monde.Notre monde terrestre est tissé de perfection et d’imperfection. Et cela ne dépend que de la personne elle-même, comment elle fera son avenir, ce qu'elle lira, ce qu'elle écoutera, comment parler.

"Le meilleur moyen de cultiver les sentiments en général, d'éveiller le sentiment de beauté, de développer l'imagination créatrice, est l'art lui-même", a souligné le scientifique et psychologue N.E. Roumiantseva.

4. Littérature

1. Nazarenko-Krivosheina E.P. Tu es beau, mec ? - M. : Genre. Garde, 1987.

2. Nejnov G.G. L'art dans nos vies. - M., « La connaissance », 1975.

3. Pospelov G.N. Art et esthétique. - M. : Art, 1984.

8. Solntsev N.V. Patrimoine et époque. M., 1996.

9. Pour préparer ce travail, du matériel provenant de sites Internet a été utilisé.

1. Le but de l'art.

La question du rôle que joue l’art dans la vie humaine est aussi ancienne que les premières tentatives de compréhension théorique. C'est vrai, comme le note Stolovich L.N. , à l’aube même de la pensée esthétique, parfois exprimée sous forme mythologique, il n’en était en effet pas question. Après tout, notre lointain ancêtre était sûr que percer l’image d’un bison avec une flèche réelle ou dessinée signifiait assurer une chasse réussie, et exécuter une danse de guerre signifiait sûrement vaincre ses ennemis. La question se pose : quels doutes pourrait-il y avoir sur l'efficacité pratique de l'art, s'il était organiquement tissé dans la vie pratique des personnes, était indissociable de l'artisanat qui créait le monde des objets et des choses nécessaires à l'existence des personnes, était associé avec des rituels magiques, grâce auxquels les gens cherchaient à influencer l'environnement leur réalité ? Faut-il s'étonner qu'ils aient cru qu'Orphée, à qui mythologie grecque antique est crédité de l'invention de la musique et de la versification ; il pouvait plier des branches d'arbres avec son chant, déplacer des pierres et apprivoiser des animaux sauvages.

Le monde des images artistiques, selon les penseurs et artistes antiques, la vie « imitée », est devenu une partie intégrante la vraie vie personne. Euripide, par exemple, écrivait :

Non, je ne quitterai pas, Muses, votre autel...

Il n'y a pas de vraie vie sans art...

Mais comment cela affecte-t-il une personne ? Monde incroyable art?

L’esthétique ancienne cherchait déjà à apporter des réponses à cette question, mais celles-ci n’étaient pas sans ambiguïté. Platon, qui ne reconnaissait que les œuvres d'art qui renforcent principes morauxÉtat aristocratique, a souligné l'unité de l'efficacité esthétique de l'art et sa signification morale.

Selon Aristote, la capacité de l'art à exercer une influence morale et esthétique sur une personne repose sur « l'imitation » de la réalité, façonnant la nature même de ses sentiments : « L'habitude d'éprouver du chagrin ou de la joie en percevant quelque chose qui imite la réalité. conduit au fait que nous commençons à éprouver les mêmes sentiments face à la réalité.

L'histoire de la culture artistique a enregistré de nombreux cas où la perception de l'art a servi d'impulsion directe à la réalisation de certaines actions, pour changer le mode de vie. Après avoir lu des romans chevaleresques, le pauvre hidalgo Kehana s'est transformé en Don Quichotte de La Manche et s'est lancé sur le maigre Rossinante pour affirmer la justice dans le monde. L’image de Don Quichotte est depuis devenue un nom familier et a servi d’exemple à suivre dans la vraie vie.

Ainsi, nous voyons que les origines de l'art sont réelles, mais qu'une œuvre d'art représente un monde particulier qui présuppose une perception différente de la perception de la réalité de la vie. Si le spectateur, prenant l'art pour la réalité, tente d'établir la justice en s'attaquant physiquement à l'acteur qui joue le méchant, tire sur l'écran de cinéma ou se précipite sur le tableau avec un couteau, menace le romancier, s'inquiète du sort du héros du film. roman, alors ce sont tous des symptômes évidents de la pathologie mentale en général, ou, du moins, des pathologies de la perception artistique.

L’art n’agit pas sur une seule capacité ou force humaine, qu’il s’agisse de l’émotion ou de l’intellect, mais sur la personne dans son ensemble. Il forme, parfois inconsciemment, le système même des attitudes humaines, dont l'action se manifestera tôt ou tard et souvent de manière imprévisible, et ne poursuit pas simplement l'objectif d'inciter une personne à telle ou telle action spécifique.

Le génie artistique de la célèbre affiche de D. Moore « Êtes-vous inscrit comme volontaire ? », si largement diffusée pendant la Seconde Guerre mondiale, réside dans le fait qu'elle ne se limite pas à une tâche pragmatique momentanée, mais fait appel aux conscience humaine à travers toutes les capacités spirituelles de l'homme. Ceux. Le pouvoir de l’art réside dans le fait de faire appel à la conscience humaine et d’éveiller ses capacités spirituelles. Et à cette occasion on peut citer les paroles célèbres de Pouchkine :

Je pense que c'est le véritable but de l'art.

L'art ne vieillit jamais. Dans le livre du philosophe académicien I.T. Les « Perspectives de l'homme » de Frolov contiennent des discussions sur les raisons pour lesquelles l'art ne devient pas obsolète. Ainsi, note-t-il notamment : « La raison en est l'originalité unique des œuvres d'art, leur caractère profondément individualisé, déterminé en fin de compte par leur attrait constant pour l'homme. L'unité unique de l'homme et du monde dans une œuvre d'art, la « réalité humaine » qu'elle connaît, distingue profondément l'art de la science non seulement par les moyens utilisés, mais aussi par son objet même, toujours en corrélation avec la personnalité de l'artiste. , sa vision subjective du monde, tandis que la science s'efforce d'émerger au-delà de ces limites, se précipite vers le « suprahumain », guidée par le principe d'objectivité. Par conséquent, la science s'efforce d'obtenir une stricte unicité dans la perception de la connaissance par l'homme, elle trouve pour cela les moyens appropriés, son propre langage, alors que les œuvres d'art n'ont pas une telle unicité : leur perception, réfractée à travers le monde subjectif de l'homme, donne naissance à toute une gamme de nuances et de tons profondément individuels qui font que cette perception est inhabituellement diversifiée, bien que subordonnée à une certaine direction, à un thème général.

C'est précisément le secret de l'impact extraordinaire de l'art sur une personne, son monde moral, son mode de vie et son comportement. En se tournant vers l'art, une personne dépasse les limites de la certitude rationnelle. L'art révèle le mystérieux, l'inaccessible savoir scientifique. C'est pourquoi une personne a besoin de l'art en tant que partie organique de ce qui se trouve en elle et dans le monde qu'elle apprend et qu'elle apprécie.

Le célèbre physicien danois Niels Bohr a écrit : « La raison pour laquelle l’art peut nous enrichir est sa capacité à nous rappeler des harmonies hors de portée d’une analyse systématique. » L’art met souvent en lumière des problèmes universels et « éternels » : ce qui est bien et mal, la liberté, la dignité humaine. Les conditions changeantes de chaque époque nous obligent à résoudre ces problèmes à nouveau.

2. La notion d'art.

Le mot « art » est souvent utilisé dans son sens originel, très large. Il s'agit de toute sophistication, de toute compétence, de la maîtrise dans la mise en œuvre de toute tâche nécessitant une certaine perfection de ses résultats. Au sens plus étroit du terme, il s'agit de la créativité « selon les lois de la beauté ». Les œuvres de créativité artistique, comme les œuvres d’art appliqué, sont créées selon les « lois de la beauté ». Les œuvres de tous types de créativité artistique contiennent dans leur contenu une conscience générale de la vie qui existe en dehors de ces œuvres, et il s'agit principalement de la vie humaine, sociale, historique nationale. Si le contenu des œuvres d'art contient une conscience généralisatrice historique national

la vie, alors en elle, il faut donc distinguer entre le reflet de certains traits généraux et essentiels de la vie elle-même et la conscience de l'artiste qui les généralise. Une œuvre d'art, comme tous les autres types de conscience sociale, est toujours une unité de l'objet qui y est connu et du sujet connaissant cet objet. Le « monde intérieur » connaissable et reproduit par l'artiste lyrique, même s'il s'agit de son propre « monde intérieur », est toujours l'objet de sa cognition - cognition active, qui comprend une sélection des caractéristiques essentielles de ce « monde intérieur

" ainsi que leur compréhension et leur évaluation.

Cela signifie que l'essence de la créativité lyrique réside dans le fait qu'elle est généralement consciente des principales caractéristiques des expériences humaines - soit dans leur propre état et développement temporaire, soit dans leur focalisation sur le monde extérieur, par exemple sur un phénomène naturel. , comme dans la poésie paysagère. L'épopée, la pantomime, la peinture, la sculpture présentent entre elles d'énormes différences, découlant des caractéristiques des moyens et des méthodes de reproduction de la vie dans chacune d'elles. Et pourtant tout l'art, dans chacun d'eux, les traits essentiels de la vie historique nationale sont reconnus dans leurs manifestations extérieures.

Dans la société primitive et préclassique, l’art en tant que variété particulière de la conscience sociale n’existait pas encore de manière indépendante. C'était alors dans une unité indifférenciée et indifférenciée avec d'autres aspects de la conscience syncrétique et de la créativité qui l'exprime - avec la mythologie, la magie, la religion, avec les légendes sur la vie tribale passée, avec les idées géographiques primitives, avec les exigences morales.

Et puis l'art au sens propre du terme s'est divisé en d'autres aspects de la conscience sociale, se distinguant parmi eux comme une variété particulière et spécifique. C'est devenu l'une des formes de développement de la conscience sociale de divers peuples. C’est ainsi qu’il faudra le considérer dans ses évolutions ultérieures.

Ainsi, l'art est une variété particulièrement significative de la conscience de la société ; il s'agit d'un contenu artistique et non scientifique ou philosophique. L. Tolstoï, par exemple, a défini l'art comme un moyen d'échange de sentiments, en l'opposant à la science comme moyen d'échange de pensées.

L’art est souvent comparé à un miroir réfléchissant. Ce n'est pas sûr. Il serait plus juste de dire, comme l'a noté Nezhnov, auteur de la brochure « L'art dans notre vie » : l'art est un miroir spécial avec une structure unique et inimitable, un miroir qui reflète la réalité à travers les pensées et les sentiments de l'artiste. . À travers l’artiste, ce miroir reflète ces phénomènes de la vie qui ont attiré l’attention de l’artiste et l’ont excité.

3. Socialisation artistique de l'individu et formation du goût esthétique.