Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα κίνημα τέχνης που εμφανίστηκε στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. Ο κύριος στόχος του ήταν να μεταφέρει φευγαλέες, μεταβλητές εντυπώσεις.
Η εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού συνδέεται με την επιστήμη: με τις τελευταίες ανακαλύψεις στην οπτική και τη θεωρία των χρωμάτων.
Αυτή η τάση επηρέασε σχεδόν όλα τα είδη τέχνης, αλλά εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα στη ζωγραφική, όπου η μετάδοση του χρώματος και του φωτός ήταν η βάση του έργου των ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών.
Έννοια του όρου
Ιμπρεσιονισμός(γαλλ. Impressionnisme) από εντύπωση - εντύπωση). Αυτό το στυλ ζωγραφικής εμφανίστηκε στη Γαλλία στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Εκπροσωπήθηκε από τους Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Αλλά ο ίδιος ο όρος εμφανίστηκε το 1874, όταν ο πίνακας του Monet «Impression. Ανατολή του ηλίου"(1872). Στον τίτλο του πίνακα, ο Μονέ εννοούσε ότι μετέφερε μόνο τη φευγαλέα εντύπωσή του για το τοπίο.
Κ. Μονέ «Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου» (1872). Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι
Αργότερα, ο όρος «ιμπρεσιονισμός» στη ζωγραφική άρχισε να γίνεται κατανοητός ευρύτερα: μια προσεκτική μελέτη της φύσης από την άποψη του χρώματος και του φωτισμού. Στόχος των ιμπρεσιονιστών ήταν να απεικονίσουν στιγμιαίες, φαινομενικά «τυχαίες» καταστάσεις και κινήσεις. Για να γίνει αυτό, χρησιμοποίησαν διάφορες τεχνικές: σύνθετες γωνίες, ασυμμετρία, κατακερματισμένες συνθέσεις. Για τους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες, ένας πίνακας γίνεται μια παγωμένη στιγμή ενός συνεχώς μεταβαλλόμενου κόσμου.
Ιμπρεσιονιστική καλλιτεχνική μέθοδος
Τα πιο δημοφιλή είδη ιμπρεσιονιστών είναι τοπία και σκηνές από τη ζωή της πόλης. Πάντα βάφονταν «στο ύπαιθρο», δηλ. απευθείας από τη φύση, στη φύση, χωρίς σκίτσα ή προκαταρκτικά σκίτσα. Οι ιμπρεσιονιστές παρατήρησαν και μπόρεσαν να μεταφέρουν χρώματα και αποχρώσεις στον καμβά που ήταν συνήθως αόρατα με γυμνό μάτικαι ένας απρόσεκτος θεατής. Για παράδειγμα, μεταφορά μπλε χρώματοςστις σκιές ή ροζ - στο ηλιοβασίλεμα. Αποσυνέθεσαν σύνθετους τόνους στα συστατικά τους καθαρά χρώματα του φάσματος. Αυτό έκανε τους πίνακές τους να φαίνονται φωτεινοί και ζωντανοί. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εφάρμοσαν χρώματα σε ξεχωριστές πινελιές, με ελεύθερο και ακόμη και απρόσεκτο τρόπο, έτσι ώστε οι πίνακές τους να προβάλλονται καλύτερα από απόσταση - με αυτήν την άποψη δημιουργείται το αποτέλεσμα της ζωντανής τρεμοπαίζεις των χρωμάτων.
Οι ιμπρεσιονιστές εγκατέλειψαν το περίγραμμα, αντικαθιστώντας το με μικρές, ξεχωριστές και αντίθετες πινελιές.
Ο C. Pissarro, ο A. Sisley και ο C. Monet προτιμούσαν τοπία και σκηνές πόλης. Ο Ο. Ρενουάρ αγαπούσε να απεικονίζει ανθρώπους στην αγκαλιά της φύσης ή στο εσωτερικό. Ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός δεν έθεσε φιλοσοφικά και κοινωνικά προβλήματα. Δεν στράφηκαν σε βιβλικά, λογοτεχνικά, μυθολογικά, ιστορικά θέματα που ήταν εγγενή στον επίσημο ακαδημαϊσμό. Αντίθετα, μια εικόνα της καθημερινής ζωής και του νεωτερισμού εμφανίστηκε στους πίνακες ζωγραφικής. μια εικόνα ανθρώπων σε κίνηση, ενώ χαλαρώνουν ή διασκεδάζουν. Τα κύρια θέματα τους είναι το φλερτ, ο χορός, οι άνθρωποι σε καφετέριες και θέατρα, βόλτες με βάρκα, παραλίες και κήποι.
Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να αποτυπώσουν μια φευγαλέα εντύπωση, τις μικρότερες αλλαγές σε κάθε αντικείμενο ανάλογα με τον φωτισμό και την ώρα της ημέρας. Από αυτή την άποψη, οι κύκλοι ζωγραφικής του Monet "Haystacks", "Rouen Cathedral" και "Parliament of London" μπορούν να θεωρηθούν το υψηλότερο επίτευγμα.
C. Monet “The Cathedral of Rouen in the Sun” (1894). Μουσείο Orsay, Παρίσι, Γαλλία
Ο «Καθεδρικός της Ρουέν» είναι ένας κύκλος 30 έργων ζωγραφικής του Κλοντ Μονέ, οι οποίοι αντιπροσωπεύουν όψεις του καθεδρικού ναού ανάλογα με την ώρα της ημέρας, το χρόνο και τον φωτισμό. Αυτός ο κύκλος ζωγραφίστηκε από τον καλλιτέχνη τη δεκαετία του 1890. Ο καθεδρικός ναός του επέτρεψε να δείξει τη σχέση μεταξύ της σταθερής, σταθερής δομής του κτιρίου και του μεταβαλλόμενου, εύκολα παίζοντας φως που αλλάζει την αντίληψή μας. Ο Μονέ επικεντρώνεται σε μεμονωμένα θραύσματα του γοτθικού καθεδρικού ναού και επιλέγει την πύλη, τον πύργο του Αγίου Μαρτίνου και τον πύργο του Άλμπαν. Ενδιαφέρεται αποκλειστικά για το παιχνίδι του φωτός στην πέτρα.
K. Monet “Rouen Cathedral, Western Portal, Foggy Weather” (1892). Μουσείο Orsay, Παρίσι
K. Monet «Καθεδρικός ναός της Ρουέν, πύλη και πύργος, πρωινό εφέ. λευκή αρμονία» (1892-1893). Μουσείο Orsay, Παρίσι
K. Monet «Καθεδρικός ναός της Ρουέν, πύλη και πύργος στον ήλιο, αρμονία μπλε και χρυσού» (1892-1893). Μουσείο Orsay, Παρίσι
Μετά τη Γαλλία, ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες εμφανίστηκαν στην Αγγλία και τις ΗΠΑ (James Whistler), στη Γερμανία (Max Liebermann, Lovis Corinth), στην Ισπανία (Joaquin Sorolla), στη Ρωσία (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
Σχετικά με το έργο ορισμένων ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, φωτογραφία 1899
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού. Γεννήθηκε στο Παρίσι. Από μικρός λάτρευε το σχέδιο και σε ηλικία 15 ετών έδειξε ότι είναι ταλαντούχος καρικατούρας. Εισήχθη στη ζωγραφική τοπίου από τον Eugene Boudin, έναν Γάλλο καλλιτέχνη, προκάτοχο του ιμπρεσιονισμού. Αργότερα, ο Μονέ μπήκε στο πανεπιστήμιο της Σχολής Τεχνών, αλλά απογοητεύτηκε και το άφησε, γράφοντας στο στούντιο ζωγραφικής του Charles Gleyre. Στο στούντιο γνώρισε τους καλλιτέχνες Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frédéric Bazille. Ήταν ουσιαστικά συνομήλικοι, είχαν παρόμοιες απόψεις για την τέχνη και σύντομα αποτέλεσαν τη ραχοκοκαλιά της ιμπρεσιονιστικής ομάδας.
Ο Μονέ έγινε διάσημος για το πορτρέτο του Camille Doncieux, που ζωγράφισε το 1866 ("Camille, ή Πορτρέτο μιας κυρίας με πράσινο φόρεμα"). Η Καμίλα έγινε σύζυγος του καλλιτέχνη το 1870.
C. Monet “Camille” (“Lady in Green”) (1866). Kunsthalle, Βρέμη
C. Monet “Walk: Camille Monet with her son Jean (Woman with an Umbrella)” (1875). Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον
Το 1912, οι γιατροί διέγνωσαν στον C. Monet διπλό καταρράκτη και χρειάστηκε να υποβληθεί σε δύο επεμβάσεις. Έχοντας χάσει τον φακό στο αριστερό του μάτι, ο Μονέ ξαναβρήκε την όρασή του, αλλά άρχισε να βλέπει το υπεριώδες φως ως μπλε ή μοβ, με αποτέλεσμα οι πίνακές του να πάρουν νέα χρώματα. Για παράδειγμα, όταν ζωγράφιζε τα περίφημα «Νούφαρα», ο Μονέ είδε τα κρίνα ως γαλαζωπό στην περιοχή υπεριώδους ακτινοβολίας για άλλους ανθρώπους που ήταν απλά λευκά.
C. Monet «Νούφαρα»
Ο καλλιτέχνης πέθανε στις 5 Δεκεμβρίου 1926 στο Giverny και κηδεύτηκε στο κοιμητήριο της τοπικής εκκλησίας.
Camille Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro «Αυτοπροσωπογραφία» (1873)
Γάλλος ζωγράφος, ένας από τους πρώτους και πιο συνεπείς εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.
Γεννήθηκε στο νησί του Αγίου Θωμά (Δυτικές Ινδίες), σε μια αστική οικογένεια ενός Σεφαραδίτικου Εβραίου και με καταγωγή από τη Δομινικανή Δημοκρατία. Έζησε στις Δυτικές Ινδίες μέχρι τα 12 του χρόνια και σε ηλικία 25 ετών μετακόμισε μαζί με όλη την οικογένειά του στο Παρίσι. Σπούδασα στο σχολείο εδώ καλές τέχνεςκαι στο Suisse Academy. Δάσκαλοί του ήταν οι Camille Corot, Gustave Courbet και Charles-François Daubigny. Ξεκίνησε με αγροτικά τοπίακαι θέα στο Παρίσι. Ο Πισάρο είχε ισχυρή επιρροή στους ιμπρεσιονιστές, αναπτύσσοντας ανεξάρτητα πολλές από τις αρχές που αποτέλεσαν τη βάση του ζωγραφικού τους στυλ. Ήταν φίλος με τους καλλιτέχνες Degas, Cezanne και Gauguin. Ο Πιζάρο ήταν ο μόνος που συμμετείχε και στις 8 ιμπρεσιονιστικές εκθέσεις.
Πέθανε το 1903 στο Παρίσι. Τάφηκε στο νεκροταφείο Père Lachaise.
Ήδη μέσα πρώιμα έργαο καλλιτέχνης έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στην απεικόνιση φωτισμένων αντικειμένων στον αέρα. Το φως και ο αέρας έχουν γίνει έκτοτε το κύριο θέμα στο έργο του Pissarro.
C. Pissarro «Boulevard Montmartre. Απόγευμα, ηλιόλουστη» (1897)
το 1890, ο Pizarro άρχισε να ενδιαφέρεται για την τεχνική του pointillism (ξεχωριστή εφαρμογή των κτυπημάτων). Αλλά μετά από λίγο επέστρεψε στους συνήθεις τρόπους του.
ΣΕ τα τελευταία χρόνιαΚατά τη διάρκεια της ζωής του, η όραση του Camille Pissarro επιδεινώθηκε αισθητά. Όμως συνέχισε το έργο του και δημιούργησε μια σειρά από απόψεις του Παρισιού, γεμάτες με καλλιτεχνικά συναισθήματα.
C. Pissarro «Οδός στη Ρουέν»
Η ασυνήθιστη γωνία ορισμένων από τους πίνακές του εξηγείται από το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης τους ζωγράφισε από δωμάτια ξενοδοχείου. Αυτή η σειρά έγινε ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματα του ιμπρεσιονισμού στη μετάδοση φωτός και ατμοσφαιρικών εφέ.
Ο Pissarro ζωγράφιζε επίσης σε ακουαρέλες και δημιούργησε μια σειρά από χαρακτικά και λιθογραφίες.
Εδώ είναι μερικές από τις ενδιαφέρουσες δηλώσεις του για την τέχνη του ιμπρεσιονισμού: «Οι ιμπρεσιονιστές είναι στο σωστό δρόμο, η τέχνη τους είναι υγιής, βασίζεται σε αισθήσεις και είναι ειλικρινής».
«Ευτυχισμένος είναι αυτός που μπορεί να δει την ομορφιά στα συνηθισμένα πράγματα, εκεί που οι άλλοι δεν βλέπουν τίποτα!»
C. Pissarro «The First Frost» (1873)
Ρωσικός ιμπρεσιονισμός
Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός αναπτύχθηκε από τέλη XIX-αρχές 20ου αιώνα Επηρεάστηκε από το έργο των Γάλλων ιμπρεσιονιστών. Αλλά ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός έχει μια έντονη εθνική ιδιαιτερότητα και από πολλές απόψεις δεν συμπίπτει με τις ιδέες των σχολικών βιβλίων για τον κλασικό γαλλικό ιμπρεσιονισμό. Στη ζωγραφική των Ρώσων ιμπρεσιονιστών κυριαρχεί η αντικειμενικότητα και η υλικότητα. Είναι περισσότερο φορτωμένο με νόημα και λιγότερο δυναμικό. Ο ρωσικός ιμπρεσιονισμός είναι πιο κοντά από τον γαλλικό στον ρεαλισμό. Οι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές εστίασαν στην εντύπωση αυτού που είδαν και οι Ρώσοι πρόσθεσαν επίσης μια αντανάκλαση της εσωτερικής κατάστασης του καλλιτέχνη. Η εργασία έπρεπε να ολοκληρωθεί σε μία συνεδρία.
Μια ορισμένη ατέλεια του ρωσικού ιμπρεσιονισμού δημιουργεί τη «συγκίνηση της ζωής» που τους ήταν χαρακτηριστικό.
Ο ιμπρεσιονισμός περιλαμβάνει το έργο των Ρώσων καλλιτεχνών: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov κ.ά.
V. Serov «Κορίτσι με ροδάκινα» (1887)
Αυτός ο πίνακας θεωρείται το πρότυπο του ρωσικού ιμπρεσιονισμού στην προσωπογραφία.
Valentin Serov «Κορίτσι με ροδάκινα» (1887). Καμβάς, λάδι. 91×85 εκ. Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στο κτήμα του Σάββα Ιβάνοβιτς Μαμόντοφ στο Αμπράμτσεβο, το οποίο απέκτησε από την κόρη του συγγραφέα Σεργκέι Ακσάκοφ το 1870. Το πορτρέτο απεικονίζει τη 12χρονη Βέρα Μαμόντοβα. Το κορίτσι σχεδιάζεται κάθεται σε ένα τραπέζι. φοράει μια ροζ μπλούζα με σκούρο μπλε φιόγκο. υπάρχει ένα μαχαίρι, ροδάκινα και φύλλα στο τραπέζι.
«Το μόνο που προσπαθούσα ήταν η φρεσκάδα, αυτή η ιδιαίτερη φρεσκάδα που νιώθεις πάντα στη φύση και δεν τη βλέπεις στους πίνακες. Ζωγράφιζα για περισσότερο από ένα μήνα και την εξάντλησα, καημένη, ήθελα πολύ να διατηρήσω τη φρεσκάδα του πίνακα ενώ ήμουν εντελώς πλήρης, όπως οι παλιοί δάσκαλοι» (V. Serov).
Ο ιμπρεσιονισμός σε άλλες μορφές τέχνης
Στη λογοτεχνία
Στη λογοτεχνία, ο ιμπρεσιονισμός ως ξεχωριστό κίνημα δεν αναπτύχθηκε, αλλά τα χαρακτηριστικά του αντικατοπτρίστηκαν νατουραλισμόςΚαι συμβολισμός .
Edmond και Jules Goncourt. φωτογραφία
Αρχές νατουραλισμόςμπορεί να εντοπιστεί στα μυθιστορήματα των αδελφών Γκονκούρ και του Τζορτζ Έλιοτ. Αλλά ο Emile Zola ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε τον όρο «νατουραλισμός» για να αναφερθεί στο δικό του έργο. Οι συγγραφείς Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans και Paul Alexis συγκεντρώθηκαν γύρω από τον Zola. Μετά την κυκλοφορία της συλλογής "Medan Evenings" (1880), με ειλικρινείς ιστορίες για τις καταστροφές του Γαλλο-Πρωσικού Πολέμου (συμπεριλαμβανομένης της ιστορίας του Maupassant "Dummpling"), τους ανατέθηκε το όνομα "Medan group".
Εμίλ Ζολά
Η νατουραλιστική αρχή στη λογοτεχνία έχει συχνά επικριθεί για την έλλειψη καλλιτεχνίας της. Για παράδειγμα, ο I. S. Turgenev έγραψε για ένα από τα μυθιστορήματα του Zola ότι «υπάρχει πολύ σκάψιμο σε γλάστρες θαλάμου». Ο Gustave Flaubert ήταν επίσης επικριτικός απέναντι στον νατουραλισμό.
Ο Ζολά διατηρούσε φιλικές σχέσεις με πολλούς ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες.
Συμβολιστέςχρησιμοποιημένα σύμβολα, υποτίμηση, υπαινιγμοί, μυστήριο, αίνιγμα. Η κύρια διάθεση που κατέγραψαν οι Συμβολιστές ήταν η απαισιοδοξία, φτάνοντας στο σημείο της απόγνωσης. Καθετί «φυσικό» αντιπροσωπευόταν μόνο ως «εμφάνιση» που δεν είχε ανεξάρτητη καλλιτεχνική σημασία.
Έτσι, ο ιμπρεσιονισμός στη λογοτεχνία εκφράστηκε με την ιδιωτική εντύπωση του συγγραφέα, την απόρριψη μιας αντικειμενικής εικόνας της πραγματικότητας και την απεικόνιση κάθε στιγμής. Στην πραγματικότητα, αυτό οδήγησε στην απουσία πλοκής και ιστορίας, στην αντικατάσταση της σκέψης με την αντίληψη και της λογικής με το ένστικτο.
G. Courbet “Portrait of P. Verlaine” (περίπου 1866)
Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα ποιητικού ιμπρεσιονισμού είναι η συλλογή του Paul Verlaine «Romances without Words» (1874). Στη Ρωσία, ο Konstantin Balmont και ο Innokenty Annensky βίωσαν την επιρροή του ιμπρεσιονισμού.
V. Serov “Portrait of K. Balmont” (1905)
Innokenty Annensky. φωτογραφία
Αυτά τα συναισθήματα επηρέασαν επίσης τη δραματουργία. Τα έργα περιέχουν μια παθητική αντίληψη του κόσμου, ανάλυση των διαθέσεων, νοητικές καταστάσεις. Οι διάλογοι συγκεντρώνουν φευγαλέες, σκόρπιες εντυπώσεις. Αυτά τα χαρακτηριστικά είναι χαρακτηριστικά του έργου του Arthur Schnitzler.
Στη μουσική
Ο μουσικός ιμπρεσιονισμός αναπτύχθηκε στη Γαλλία τον τελευταίο καιρό τρίμηνο XIX V. – αρχές 20ου αιώνα Εκφράστηκε πιο ξεκάθαρα στα έργα των Erik Satie, Claude Debussy και Maurice Ravel.
Erik Satie
Ο μουσικός ιμπρεσιονισμός είναι κοντά στον ιμπρεσιονισμό στη γαλλική ζωγραφική. Δεν έχουν μόνο κοινές ρίζες, αλλά και σχέσεις αιτίου-αποτελέσματος. Οι ιμπρεσιονιστές συνθέτες αναζήτησαν και βρήκαν όχι μόνο αναλογίες, αλλά και εκφραστικά μέσα στα έργα των Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes και Henri de Toulouse-Lautrec. Φυσικά τα μέσα ζωγραφικής και μέσα μουσική τέχνημπορούν να συνδεθούν μεταξύ τους μόνο με τη βοήθεια ειδικών, λεπτών συνειρμικών παραλληλισμών που υπάρχουν μόνο στη συνείδηση. Αν κοιτάξετε τη θολή εικόνα του Παρισιού «στη φθινοπωρινή βροχή» και τους ίδιους ήχους, «πνιγμένους από τον θόρυβο των σταγόνων που πέφτουν», τότε εδώ μπορούμε να μιλήσουμε μόνο για το ακίνητο καλλιτεχνική εικόνα, αλλά όχι η πραγματική εικόνα.
Claude Debussy
Ο Debussy γράφει "Clouds", "Prints" (το πιο εικονιστικό από τα οποία, ένα σκίτσο ήχου ακουαρέλας - "Gardens in the Rain"), "Images", "Reflections on the Water", που προκαλούν άμεσους συσχετισμούς με τον διάσημο πίνακα του Claude Monet "Impression: Sunrise" " Σύμφωνα με τον Mallarmé, οι ιμπρεσιονιστές συνθέτες έμαθαν να «ακούνε φως», να μεταφέρουν με ήχους την κίνηση του νερού, τη δόνηση των φύλλων, το φύσημα του ανέμου και τη διάθλαση του ηλιακού φωτός στον βραδινό αέρα.
Μωρίς Ραβέλ
Άμεσες συνδέσεις μεταξύ ζωγραφικής και μουσικής υπάρχουν στον M. Ravel στο ηχητικό-οπτικό του «Play of Water», στον κύκλο θεατρικών έργων «Reflections» και στη συλλογή πιάνου «Rustles of the Night».
Οι ιμπρεσιονιστές δημιούργησαν έργα εκλεπτυσμένης τέχνης και ταυτόχρονα καθαρά εκφραστικά μέσα, συναισθηματικά συγκρατημένος, χωρίς συγκρούσεις και αυστηρός στο στυλ.
Στη γλυπτική
O. Rodin "The Kiss"
Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική εκφράστηκε στην ελεύθερη πλαστικότητα των απαλών μορφών, που δημιουργεί προκλητικό παιχνίδιφως στην επιφάνεια του υλικού και αίσθημα ατελείας. Οι πόζες των γλυπτικών χαρακτήρων αποτυπώνουν τη στιγμή της κίνησης και της ανάπτυξης.
Ο. Ροντέν. Φωτογραφία από το 1891
Αυτή η σκηνοθεσία περιλαμβάνει έργα γλυπτικής των O. Rodin (Γαλλία), Medardo Rosso (Ιταλία), P.P. Trubetskoy (Ρωσία).
V. Serov «Πορτρέτο του Paolo Trubetskoy»
Πάβελ (Πάολο) Τρουμπέτσκι(1866-1938) – γλύπτης και καλλιτέχνης, εργάστηκε στην Ιταλία, τις ΗΠΑ, την Αγγλία, τη Ρωσία και τη Γαλλία. Γεννήθηκε στην Ιταλία. Παράνομος γιοςΡώσος μετανάστης, πρίγκιπας Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Από την παιδική μου ηλικία, ασχολούμαι ανεξάρτητα με τη γλυπτική και τη ζωγραφική. Δεν είχε μόρφωση. Στην αρχική περίοδο της δημιουργικότητάς του δημιούργησε προτομές πορτρέτων, έργα μικρής γλυπτικής και συμμετείχε σε διαγωνισμούς για τη δημιουργία μεγάλων γλυπτών.
P. Trubetskoy «Μνημείο Αλέξανδρος Γ'", Αγία Πετρούπολη
Η πρώτη έκθεση έργων του Paolo Trubetskoy πραγματοποιήθηκε στις ΗΠΑ το 1886. Το 1899, ο γλύπτης ήρθε στη Ρωσία. Παίρνει μέρος σε διαγωνισμό για τη δημιουργία μνημείου του Αλέξανδρου Γ' και, απροσδόκητα για όλους, λαμβάνει το πρώτο βραβείο. Το μνημείο αυτό προκάλεσε και προκαλεί αντικρουόμενες εκτιμήσεις. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ένα πιο στατικό και βαρύ μνημείο. Και μόνο μια θετική εκτίμηση της αυτοκρατορικής οικογένειας επέτρεψε στο μνημείο να πάρει την κατάλληλη θέση - στη γλυπτική εικόνα βρήκαν ομοιότητες με το πρωτότυπο.
Οι κριτικοί πίστευαν ότι ο Trubetskoy δούλευε στο πνεύμα του «ξεπερασμένου ιμπρεσιονισμού».
Η εικόνα του λαμπρού Ρώσου συγγραφέα του Trubetskoy αποδείχθηκε πιο «ιμπρεσιονιστική»: υπάρχει ξεκάθαρα κίνηση εδώ - στις πτυχές του πουκάμισου, στα ρέοντα γένια, στη στροφή του κεφαλιού, υπάρχει ακόμη και η αίσθηση ότι ο γλύπτης κατάφερε να συλλάβει η ένταση της σκέψης του Λ. Τολστόι.
P. Trubetskoy “Bust of Leo Tolstoy” (χάλκινο). Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ
«Ο νέος κόσμος γεννήθηκε όταν τον ζωγράφισαν οι ιμπρεσιονιστές»
Henri Kahnweiler
19ος αιώνας. Γαλλία. Κάτι πρωτόγνωρο συνέβη στη ζωγραφική. Μια ομάδα νέων καλλιτεχνών αποφάσισε να ταρακουνήσει παραδόσεις 500 χρόνων. Αντί για ένα καθαρό σχέδιο, χρησιμοποίησαν ένα φαρδύ, «ατημέλητο» κτύπημα.
Και εγκατέλειψαν εντελώς τις συνηθισμένες εικόνες. Απεικονίζοντας τους πάντες. Και κυρίες της εύκολης αρετής, και κύριοι αμφίβολης φήμης.
Το κοινό δεν ήταν έτοιμο για ιμπρεσιονιστική ζωγραφική. Τους χλεύασαν και τους μάλωσαν. Και το πιο σημαντικό, δεν αγόρασαν τίποτα από αυτούς.
Όμως η αντίσταση έσπασε. Και κάποιοι από τους ιμπρεσιονιστές έζησαν για να δουν τον θρίαμβό τους. Είναι αλήθεια ότι ήταν ήδη πάνω από 40. Όπως ο Claude Monet ή ο Auguste Renoir. Κάποιοι περίμεναν την αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής τους, όπως ο Camille Pissarro. Κάποιοι δεν έζησαν για να τον δουν, όπως ο Άλφρεντ Σίσλεϊ.
Τι επαναστάτη πέτυχε ο καθένας τους; Γιατί το κοινό άργησε να τα αποδεχτεί; Εδώ είναι οι 7 πιο διάσημοι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές. Που γνωρίζει όλος ο κόσμος.
1. Εντουάρ Μανέ (1832 – 1883)
Εντουάρ Μανέ. Αυτοπροσωπογραφία με παλέτα. 1878 Ιδιωτική συλλογήΟ Μανέ ήταν μεγαλύτερος από τους περισσότερους ιμπρεσιονιστές. Ήταν η κύρια έμπνευσή τους για αλλαγή.
Ο ίδιος ο Μανέ δεν ισχυρίστηκε ότι ήταν ο αρχηγός των επαναστατών. Αυτός ήταν κοσμικός άνθρωπος. Ονειρευόμουν επίσημα βραβεία.
Όμως περίμενε πολύ καιρό για την αναγνώριση. Το κοινό ήθελε να δει ελληνικές θεές. Ή στη χειρότερη νεκρές φύσεις. Για να δείχνεις όμορφη στην τραπεζαρία. Ο Μανέ ήθελε να ζωγραφίσει τη σύγχρονη ζωή. Για παράδειγμα, εταίρες.
Το αποτέλεσμα ήταν «Πρωινό στο γρασίδι». Δύο νταντάδες χαλαρώνουν παρέα με κυρίες της εύκολης αρετής. Ένας από αυτούς, σαν να μην είχε συμβεί τίποτα, κάθεται δίπλα ντυμένοι άντρες.
Εντουάρ Μανέ. Πρωινό στο γρασίδι. 1863, Παρίσι Συγκρίνετε το μεσημεριανό του γεύμα στο γρασίδι με το Romans in Decline του Thomas Couture. Ο πίνακας του Couture δημιούργησε αίσθηση. Ο καλλιτέχνης έγινε αμέσως διάσημος.
Το «Breakfast on the Grass» κατηγορήθηκε για χυδαιότητα. Στις έγκυες γυναίκες δεν συνιστάται σοβαρά να την κοιτάξουν.
Thomas Couture. Ρωμαίοι στην παρακμή τους. 1847 Musée d'Orsay, Παρίσι. artchive.ru Στη ζωγραφική του Couture βλέπουμε όλες τις ιδιότητες του ακαδημαϊσμού (παραδοσιακή ζωγραφική του 16ου-19ου αιώνα). Στήλες και αγάλματα. Άνθρωποι απολλώνιας εμφάνισης. Παραδοσιακά σιωπηλά χρώματα. Τρόποι πόζες και χειρονομίες. Μια πλοκή από τη μακρινή ζωή ενός εντελώς διαφορετικού λαού.
Το «Breakfast on the Grass» του Manet είναι διαφορετικής μορφής. Πριν από αυτόν, κανείς δεν είχε απεικονίσει εταίρες τόσο εύκολα. Κοντά σε αξιοσέβαστους πολίτες. Αν και πολλοί άντρες εκείνης της εποχής περνούσαν τον ελεύθερο χρόνο τους έτσι. Πραγματική ζωή αληθινοί άνθρωποι.
Κάποτε έγραψα σε μια αξιοσέβαστη κυρία. Ασχημος. Δεν μπορούσε να την κολακέψει με ένα πινέλο. Η κυρία ήταν απογοητευμένη. Τον άφησε με κλάματα.
Εντουάρ Μανέ. Αντζελίνα. 1860 Musée d'Orsay, Παρίσι. Wikimedia.commons.org Έτσι συνέχισε να πειραματίζεται. Για παράδειγμα, με χρώμα. Δεν προσπάθησε να απεικονίσει το λεγόμενο φυσικό χρώμα. Αν έβλεπε το γκρι-καφέ νερό ως έντονο μπλε, τότε το απεικόνιζε ως έντονο μπλε.
Αυτό φυσικά εκνεύρισε το κοινό. Άλλωστε, ακόμη και η Μεσόγειος Θάλασσα δεν μπορεί να καυχηθεί ότι είναι τόσο γαλάζια όσο το νερό του Μανέ, ειρωνεύτηκαν.
Εντουάρ Μανέ. Argenteuil. 1874 Μουσείο Καλών Τεχνών, Tournai, Βέλγιο. Wikipedia.org Όμως το γεγονός παραμένει γεγονός. Ο Μανέ άλλαξε ριζικά τον σκοπό της ζωγραφικής. Ο πίνακας έγινε η ενσάρκωση της ατομικότητας του καλλιτέχνη. Όποιος γράφει όπως θέλει. Ξεχνώντας τα πρότυπα και τις παραδόσεις.
Όλες οι καινοτομίες δεν τον συγχώρεσαν για πολύ καιρό. Έλαβε αναγνώριση μόνο στο τέλος της ζωής του. Όταν δεν το χρειαζόταν πια. Πέθανε οδυνηρά από μια ανίατη ασθένεια.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Κλοντ Μονέ. Αυτοπροσωπογραφία σε μπερέ. 1886 Ιδιωτική συλλογή Ο Κλοντ Μονέ μπορεί να ονομαστεί χριστιανός ιμπρεσιονιστής. Αφού ήταν πιστός σε αυτή την κατεύθυνση όλο του μακροζωία.
Δεν ζωγράφισε αντικείμενα και ανθρώπους, αλλά μια μονόχρωμη κατασκευή από ανταύγειες και σημεία. Ξεχωριστά εγκεφαλικά επεισόδια. Αέριες δονήσεις.
Κλοντ Μονέ. Κωπηλασία πισίνα. 1869 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη. metmuseum.org Ο Μονέ ζωγράφισε όχι μόνο τη φύση. Είχε επίσης επιτυχία στα τοπία της πόλης. Ένα από τα πιο διάσημα - .
Υπάρχει πολλή φωτογραφία σε αυτή την εικόνα. Για παράδειγμα, η κίνηση μεταδίδεται μέσω μιας θολής εικόνας.
Παρατηρήστε πώς τα μακρινά δέντρα και οι φιγούρες φαίνονται να βρίσκονται σε ομίχλη.
Κλοντ Μονέ. Boulevard des Capucines στο Παρίσι. 1873 (Πινακοθήκη Ευρωπαϊκής και Αμερικανικής Τέχνης 19ου-20ου αιώνα), Μόσχα Μπροστά μας είναι μια παγωμένη στιγμή στην πολυσύχναστη ζωή του Παρισιού. Χωρίς σκηνικό. Κανείς δεν ποζάρει. Οι άνθρωποι απεικονίζονται ως μια συλλογή από πινελιές. Τέτοια έλλειψη πλοκής και το εφέ «freeze-frame» είναι τα κύρια χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονισμού.
Στα μέσα της δεκαετίας του '80, οι καλλιτέχνες απογοητεύτηκαν από τον ιμπρεσιονισμό. Η αισθητική είναι, φυσικά, καλή. Αλλά η έλλειψη πλοκής καταθλίβει πολλούς.
Μόνο ο Μονέ συνέχισε να επιμένει. Υπερβολικός ιμπρεσιονισμός. Το οποίο εξελίχθηκε σε μια σειρά από πίνακες.
Απεικόνισε το ίδιο τοπίο δεκάδες φορές. ΣΕ διαφορετική ώραημέρες. Σε διαφορετικές εποχές του χρόνου. Για να δείξει πώς η θερμοκρασία και το φως μπορούν να αλλάξουν το ίδιο είδος πέρα από την αναγνώριση.
Έτσι, εμφανίστηκαν αμέτρητες θημωνιές.
Πίνακες του Claude Monet στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Αριστερά: Haystocks στο ηλιοβασίλεμα στο Giverny, 1891. Δεξιά: Haystacks (φαινόμενο χιονιού), 1891.
Σημειώστε ότι οι σκιές σε αυτούς τους πίνακες είναι έγχρωμες. Και όχι γκρι ή μαύρο, όπως συνηθιζόταν πριν από τους ιμπρεσιονιστές. Αυτό είναι ένα άλλο χαρακτηριστικό τους.
Ο Μονέ κατάφερε να απολαύσει την επιτυχία και υλική ευημερία. Μετά τα 40, ξέχασε ήδη τη φτώχεια. Απέκτησε ένα σπίτι και έναν όμορφο κήπο. Και δημιούργησε για δική του ευχαρίστηση πολλά χρόνια.
Διαβάστε για τον πιο εμβληματικό πίνακα του πλοιάρχου στο άρθρο
3. Ογκίστ Ρενουάρ (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Αυτοπροσωπογραφία. 1875 Ινστιτούτο Τέχνης Sterling and Francine Clark, Μασαχουσέτη, ΗΠΑ. Pinterest.ru Ο ιμπρεσιονισμός είναι ο πιο θετικός πίνακας. Και το πιο θετικό μεταξύ των ιμπρεσιονιστών ήταν ο Ρενουάρ.
Δεν θα βρείτε δράμα στους πίνακές του. Ούτε μαύρη μπογιά δεν χρησιμοποίησε. Μόνο η χαρά της ύπαρξης. Ακόμα και τα πιο μπανάλ πράγματα στο Ρενουάρ φαίνονται όμορφα.
Σε αντίθεση με τον Μονέ, ο Ρενουάρ ζωγράφιζε ανθρώπους πιο συχνά. Τα τοπία ήταν λιγότερο σημαντικά για αυτόν. Στους πίνακές του οι φίλοι και οι γνωστοί του χαλαρώνουν και απολαμβάνουν τη ζωή.
Pierre-Auguste Renoir. Πρωινό των κωπηλατών. 1880-1881 Phillips Collection, Ουάσιγκτον, Η.Π.Α. Wikimedia.commons.org Δεν θα βρείτε κανένα βάθος στο Ρενουάρ. Ήταν πολύ χαρούμενος που προσχώρησε στους ιμπρεσιονιστές. Ο οποίος αρνήθηκε εντελώς τα οικόπεδα.
Όπως είπε και ο ίδιος, επιτέλους έχει την ευκαιρία να γράψει λουλούδια και να τα αποκαλεί απλά «Λουλούδια». Και μην επινοείτε ιστορίες για αυτούς.
Pierre-Auguste Renoir. Γυναίκα με μια ομπρέλα στον κήπο. 1875 Μουσείο Thyssen-Bormenis, Μαδρίτη. arteuam.com Ο Ρενουάρ ένιωθε καλύτερα παρέα με γυναίκες. Ζήτησε από τις υπηρέτριές του να τραγουδήσουν και να αστειευτούν. Όσο πιο ηλίθιο και αφελές ήταν το τραγούδι, τόσο το καλύτερο για αυτόν. Και οι αντρικές φλυαρίες τον κούρασαν. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι ο Ρενουάρ φημίζεται για τα γυμνά του.
Το μοντέλο στον πίνακα «Nude in ηλιακό φως» φαίνεται να εμφανίζεται σε ένα πολύχρωμο αφηρημένο φόντο. Γιατί για τον Ρενουάρ τίποτα δεν είναι δευτερεύον. Το μάτι του μοντέλου ή ένα τμήμα του φόντου είναι ισοδύναμα.
Pierre-Auguste Renoir. Γυμνό στο φως του ήλιου. 1876 Musée d'Orsay, Παρίσι. wikimedia.commons.org Ο Ρενουάρ έζησε πολύ. Και δεν αφήνω ποτέ κάτω το πινέλο και την παλέτα μου. Ακόμη και όταν τα χέρια του ήταν τελείως δεσμευμένα από ρευματισμούς, έδεσε τη βούρτσα στο χέρι του με ένα σχοινί. Και ζωγράφισε.
Όπως ο Μονέ, περίμενε την αναγνώριση μετά από 40 χρόνια. Και είδα τους πίνακές μου στο Λούβρο, δίπλα σε έργα διάσημων δασκάλων.
Διαβάστε για ένα από τα πιο γοητευτικά πορτρέτα του Ρενουάρ στο άρθρο
4. Έντγκαρ Ντεγκά (1834 – 1917)
Έντγκαρ Ντεγκά. Αυτοπροσωπογραφία. 1863 Μουσείο Calouste Gulbenkian, Λισαβόνα, Πορτογαλία. καλλιεργημένος.com Ο Ντεγκά δεν ήταν κλασικός ιμπρεσιονιστής. Δεν του άρεσε να δουλεύει στο ύπαιθρο (open air). Δεν θα βρείτε μια εσκεμμένα φωτισμένη παλέτα μαζί του.
Αντίθετα, αγαπούσε μια ξεκάθαρη γραμμή. Έχει μπόλικο μαύρο. Και δούλευε αποκλειστικά στο στούντιο.
Αλλά και πάλι βρίσκεται πάντα σε μια σειρά με άλλους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Γιατί ήταν ιμπρεσιονιστής χειρονομίας.
Απροσδόκητες γωνίες. Ασυμμετρία στη διάταξη των αντικειμένων. Χαρακτήρες ξαφνιασμένοι. Όλα αυτά είναι τα κύρια χαρακτηριστικά των έργων του.
Σταμάτησε μια στιγμή ζωής, μην του επιτρέψει να συνέλθει. Απλώς δείτε την «Ορχήστρα της Όπερας» του.
Έντγκαρ Ντεγκά. Ορχήστρα όπερας. 1870 Musée d'Orsay, Παρίσι. commons.wikimedia.org Σε πρώτο πλάνο είναι η πλάτη μιας καρέκλας. Η πλάτη του μουσικού είναι σε εμάς. Και επάνω Ιστορικόοι μπαλαρίνες στη σκηνή δεν χωρούσαν στο «κάδρο». Τα κεφάλια τους είναι ανελέητα «κομμένα» από την άκρη της εικόνας.
Επομένως, οι χορευτές που αγαπούσε τόσο πολύ δεν απεικονίζονται πάντα όμορφες πόζες. Μερικές φορές κάνουν απλώς διατάσεις.
Αλλά τέτοιος αυτοσχεδιασμός είναι φανταστικός. Φυσικά, ο Ντεγκά σκέφτηκε προσεκτικά τη σύνθεση. Αυτό είναι απλώς ένα εφέ παγώματος καρέ, όχι ένα πραγματικό καρέ παγώματος.
Έντγκαρ Ντεγκά. Δύο χορευτές μπαλέτου. 1879 Μουσείο Shelburne, Βερμούτ, Η.Π.Α Ο Έντγκαρ Ντεγκά λάτρευε να ζωγραφίζει γυναίκες. Όμως η ασθένεια ή τα χαρακτηριστικά του σώματος δεν του επέτρεπαν να έχει σωματική επαφή μαζί τους. Δεν έχει παντρευτεί ποτέ. Κανείς δεν τον είχε δει ποτέ με γυναίκα.
Η απουσία πραγματικών θεμάτων στην προσωπική του ζωή πρόσθεσε έναν λεπτό και έντονο ερωτισμό στις εικόνες του.
Έντγκαρ Ντεγκά. αστέρι του μπαλέτου. 1876-1878 Musee d'Orsay, Παρίσι. wikimedia.comons.org Σημειώστε ότι στον πίνακα "Αστέρι του Μπαλέτου" απεικονίζεται μόνο η ίδια η μπαλαρίνα. Οι συνάδελφοί της στα παρασκήνια φαίνονται μετά βίας. Μόνο λίγα πόδια.
Αυτό δεν σημαίνει ότι ο Ντεγκά δεν ολοκλήρωσε τον πίνακα. Αυτή είναι η υποδοχή. Κρατήστε μόνο τα πιο σημαντικά πράγματα στο επίκεντρο. Κάνε τα υπόλοιπα να εξαφανιστούν, δυσανάγνωστα.
Διαβάστε για άλλους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Εντουάρ Μανέ. Πορτρέτο του Berthe Morisot. 1873 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι. Η Berthe Morisot σπάνια τοποθετείται στην πρώτη σειρά με τους μεγάλους ιμπρεσιονιστές. Είμαι σίγουρος ότι δεν το αξίζει. Είναι στη δουλειά της που θα βρείτε όλα τα κύρια χαρακτηριστικά και τεχνικές του ιμπρεσιονισμού. Και αν σας αρέσει ο ιμπρεσιονισμός, θα λατρέψετε τη δουλειά της με όλη σας την καρδιά.
Το Morisot λειτούργησε γρήγορα και ορμητικά. Μεταφέροντας τις εντυπώσεις σας σε καμβά. Οι φιγούρες φαίνεται ότι πρόκειται να διαλυθούν στο διάστημα.
Berthe Morisot. Καλοκαίρι. 1880 Μουσείο Fabray, Μονπελιέ, Γαλλία. Όπως και ο Ντεγκά, συχνά άφηνε κάποιες λεπτομέρειες ημιτελείς. Και ακόμη και μέρη του σώματος του μοντέλου. Δεν μπορούμε να διακρίνουμε τα χέρια του κοριτσιού στον πίνακα "Καλοκαίρι".
Η πορεία του Morisot προς την αυτοέκφραση ήταν δύσκολη. Όχι μόνο ασχολήθηκε με την «απρόσεκτη» ζωγραφική. Ήταν ακόμα γυναίκα. Εκείνες τις μέρες, μια γυναίκα υποτίθεται ότι ονειρευόταν να παντρευτεί. Μετά από αυτό τα χόμπι ξεχάστηκαν.
Ως εκ τούτου, η Bertha αρνήθηκε το γάμο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Μέχρι που βρήκε έναν άντρα που σεβόταν το επάγγελμά της. Ο Ευγένιος Μανέ ήταν αδελφός του καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ. Λαχταρούσε υπηρεσιακά το καβαλέτο και τις μπογιές της γυναίκας του.
Berthe Morisot. Ο Eugene Manet με την κόρη του στο Bougival. 1881 Μουσείο Marmottan-Monet, Παρίσι. Αλλά και πάλι ήταν στον 19ο αιώνα. Όχι, δεν φόρεσα παντελόνι Morisot. Αλλά δεν μπορούσε να αντέξει την πλήρη ελευθερία κινήσεων.
Δεν μπορούσε να πάει στο πάρκο για να δουλέψει μόνη της. Ασυνόδευτος από κάποιο κοντινό σου πρόσωπο. Δεν μπορούσα να κάτσω μόνος μου σε ένα καφέ. Επομένως, οι πίνακές της είναι ανθρώπων από τον οικογενειακό κύκλο. Σύζυγος, κόρη, συγγενείς.
Berthe Morisot. Μια γυναίκα με ένα παιδί σε έναν κήπο στο Bougival. 1881 Εθνικό μουσείοΟυαλία, Κάρντιφ. Ο Μορισό δεν περίμενε την αναγνώριση. Πέθανε σε ηλικία 54 ετών από πνευμονία. Χωρίς να πουλήσει σχεδόν κανένα έργο του όσο ζούσε. Στο πιστοποιητικό θανάτου της, υπήρχε μια παύλα στη στήλη «κατοχή». Ήταν αδιανόητο μια γυναίκα να λέγεται καλλιτέχνης. Ακόμα κι αν ήταν στην πραγματικότητα.
Διαβάστε για τους πίνακες του πλοιάρχου στο άρθρο
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Αυτοπροσωπογραφία. 1873 Musée d'Orsay, Παρίσι. Wikipedia.org Camille Pissarro. Χωρίς σύγκρουση, λογικό. Πολλοί τον αντιλαμβάνονταν ως δάσκαλο. Ακόμα και οι πιο ιδιοσυγκρασιακοί συνάδελφοι δεν μίλησαν άσχημα για τον Πισάρο.
Ήταν πιστός οπαδός του ιμπρεσιονισμού. Σε μεγάλη ανάγκη, με πέντε παιδιά και μια γυναίκα, δούλευε ακόμα σκληρά στο ίδιο στυλ. Και δεν πέρασα ποτέ στη ζωγραφική στο σαλόνι. Για να γίνει πιο δημοφιλής. Δεν είναι γνωστό από πού βρήκε τη δύναμη να πιστέψει πλήρως στον εαυτό του.
Για να μην πεθάνει καθόλου από την πείνα, ο Πισάρο ζωγράφισε θαυμαστές. Τα οποία αγοράστηκαν με ανυπομονησία. Όμως η πραγματική αναγνώριση του ήρθε μετά από 60 χρόνια! Όταν επιτέλους κατάφερε να ξεχάσει την ανάγκη του.
Camille Pissarro. Πούλμαν στη Λουβεσιέν. 1869 Musée d'Orsay, Παρίσι Ο αέρας στους πίνακες του Pissarro είναι πυκνός και πυκνός. Ένας εξαιρετικός συνδυασμός χρώματος και όγκου.
Ο καλλιτέχνης δεν φοβόταν να ζωγραφίσει τα πιο ευμετάβλητα φυσικά φαινόμενα. Που θα εμφανιστεί για μια στιγμή και θα εξαφανιστεί. Πρώτο χιόνι, παγωμένος ήλιος, μακριές σκιές.
Camille Pissarro. Παγωνιά. 1873 Musée d'Orsay, Παρίσι Τα πιο διάσημα έργα του είναι οι απόψεις του Παρισιού. Με φαρδιές λεωφόρους, πολύβουο και πολύχρωμο πλήθος. Τη νύχτα, τη μέρα, με διαφορετικό καιρό. Κατά κάποιο τρόπο απηχεί τη σειρά των πινάκων του Κλοντ Μονέ.
Ιμπρεσιονισμός (από τα γαλλικά" εντύπωση" - εντύπωση) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη (λογοτεχνία, ζωγραφική, αρχιτεκτονική), εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα στη Γαλλία και γρήγορα διαδόθηκε σε άλλες χώρες του κόσμου. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης, που πίστευαν ότι οι ακαδημαϊκές, παραδοσιακές τεχνικές, για παράδειγμα, στη ζωγραφική ή την αρχιτεκτονική, δεν μπορούν να μεταδώσουν πλήρως την πληρότητα και τις μικρότερες λεπτομέρειες του γύρω κόσμου, στράφηκαν στη χρήση εντελώς νέων τεχνικών και μεθόδων, πρώτα απ 'όλα στη ζωγραφική, μετά στη λογοτεχνία και τη μουσική. Κατέστησαν δυνατή την πιο ζωντανή και φυσική απεικόνιση όλης της κινητικότητας και της μεταβλητότητας πραγματικό κόσμομεταφέροντας όχι τη φωτογραφική του εμφάνιση, αλλά μέσα από το πρίσμα των εντυπώσεων και των συναισθημάτων των συγγραφέων για αυτό που είδαν.
Ο συγγραφέας του όρου «ιμπρεσιονισμός» θεωρείται ότι είναι Γάλλος κριτικόςκαι ο δημοσιογράφος Louis Leroy, ο οποίος εντυπωσιασμένος από την επίσκεψή του στην έκθεση μιας ομάδας νέων καλλιτεχνών «The Salon of the Rejected» το 1874 στο Παρίσι, τους αποκαλεί στο φειλέτο του ιμπρεσιονιστές, ένα είδος «ιμπρεσιονιστές», και αυτή η δήλωση είναι κάπως απορριπτικό και ειρωνικό χαρακτήρα. Η βάση για το όνομα αυτού του όρου ήταν ο πίνακας του Claude Monet "Impression" που είδε ένας κριτικός. Ανατολή του ηλίου". Και παρόλο που στην αρχή πολλοί από τους πίνακες αυτής της έκθεσης υπόκεινται σε έντονη κριτική και απόρριψη, αργότερα αυτή η κατεύθυνση έλαβε ευρύτερη δημόσια αναγνώριση και έγινε δημοφιλής σε όλο τον κόσμο.
Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική
(Claude Monet "Βάρκες στην παραλία")
Το νέο στυλ, τρόπος και τεχνική απεικόνισης δεν επινοήθηκαν από Γάλλους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες, βασίστηκαν στην εμπειρία και τα επιτεύγματα των πιο ταλαντούχων ζωγράφων της Αναγέννησης: Rubens, Velazquez, El Greco, Goya. Από αυτούς, οι ιμπρεσιονιστές πήραν τέτοιες μεθόδους για πιο ζωντανή και ζωντανή μετάδοση του περιβάλλοντος κόσμου ή την εκφραστικότητα των καιρικών συνθηκών όπως η χρήση ενδιάμεσων τόνων, η χρήση τεχνικών φωτεινών ή, αντίθετα, θαμπών πινελιών, μεγάλων ή μικρών, που χαρακτηρίζονται από αφηρημένη. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης στη ζωγραφική είτε εγκατέλειψαν εντελώς τον παραδοσιακό ακαδημαϊκό τρόπο σχεδίασης, είτε αναμόρφωσαν εντελώς τις μεθόδους και τις μεθόδους απεικόνισης με τον δικό τους τρόπο, εισάγοντας τέτοιες καινοτομίες όπως:
- Αντικείμενα, αντικείμενα ή φιγούρες απεικονίστηκαν χωρίς περίγραμμα, αντικαταστάθηκαν από μικρές και αντίθετες πινελιές.
- Δεν χρησιμοποιήθηκε παλέτα για την ανάμειξη χρωμάτων επιλέχθηκαν που αλληλοσυμπληρώνονται και δεν απαιτούν συγχώνευση. Μερικές φορές το χρώμα πιέζονταν στον καμβά απευθείας από έναν μεταλλικό σωλήνα, δημιουργώντας ένα καθαρό, αστραφτερό χρώμα με ένα εφέ πινελιάς.
- Εικονική απουσία μαύρου χρώματος.
- Οι καμβάδες ζωγραφίστηκαν ως επί το πλείστον σε εξωτερικούς χώρους, από τη φύση, προκειμένου να μεταφέρουν πιο ζωντανά και εκφραστικά τα συναισθήματα και τις εντυπώσεις τους από αυτό που είδαν.
- Η χρήση χρωμάτων με υψηλή καλυπτική ικανότητα.
- Εφαρμόζοντας φρέσκες πινελιές απευθείας στην ακόμα υγρή επιφάνεια του καμβά.
- Δημιουργία βρόχων ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣνα μελετήσει τις αλλαγές στο φως και τη σκιά («Haystacks» του Claude Monet).
- Έλλειψη απεικόνισης πιεστικών κοινωνικών, φιλοσοφικών ή θρησκευτικών ζητημάτων, ιστορικών ή σημαντικών γεγονότων. Τα έργα των ιμπρεσιονιστών είναι γεμάτα θετικά συναισθήματα, δεν υπάρχει χώρος για κατήφεια και βαριές σκέψεις, υπάρχει μόνο ελαφρότητα, χαρά και ομορφιά κάθε στιγμής, ειλικρίνεια των συναισθημάτων και ειλικρίνεια των συναισθημάτων.
(Εντουάρ Μανέ «Διαβάζω»)
Και παρόλο που δεν τήρησαν όλοι οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος ιδιαίτερη ακρίβεια στην εκτέλεση όλων των ακριβών χαρακτηριστικών του ιμπρεσιονιστικού στυλ (Ο Edouard Manet τοποθετήθηκε ως μεμονωμένος καλλιτέχνης και δεν συμμετείχε ποτέ σε κοινές εκθέσεις (υπήρχαν 8 συνολικά από το 1874 έως το 1886) Ο Έντγκαρ Ντεγκά δημιούργησε μόνο στο δικό του εργαστήριο) αυτό δεν τους εμπόδισε να δημιουργήσουν αριστουργήματα καλών τεχνών, τα οποία εξακολουθούν να αποθηκεύονται στο. καλύτερα μουσείακαι ιδιωτικές συλλογές σε όλο τον κόσμο.
Ρώσοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες
Το να είσαι εντυπωσιασμένος από δημιουργικές ιδέεςΓάλλοι ιμπρεσιονιστές, Ρώσοι καλλιτέχνες στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα δημιούργησαν τα αυθεντικά αριστουργήματα καλών τεχνών τους, αργότερα γνωστά ως συνηθισμένο όνομα«Ρωσικός ιμπρεσιονισμός».
(V. A. Serov "Κορίτσι με ροδάκινα")
Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποί του είναι ο Konstantin Korovin ("Portrait of a Chorus Girl", 1883, "Northern Idyll" 1886), ο Valentin Serov (" Ανοιχτό παράθυρο. Πασχαλιά», 1886, «Κορίτσι με ροδάκινα», 1887), Arkhip Kuindzhi («North», 1879, «Dnieper in the Morning» 1881), Abram Arkhipov («North Sea», «Landscape. Study with a Log House») , «όψιμος» ιμπρεσιονιστής Igor Grabar («Birch Alley», 1940, «Winter Landscape», 1954).
(Borisov-Musatov "Το τραγούδι του φθινοπώρου")
Οι μέθοδοι και ο τρόπος απεικόνισης που είναι εγγενείς στον ιμπρεσιονισμό έλαβαν χώρα στα έργα τέτοιων εξαιρετικών Ρώσων καλλιτεχνών όπως ο Borisov-Musatov, ο Bogdanov Belsky, ο Nilus. Κλασικοί κανόνες Γαλλικός ιμπρεσιονισμόςΟι πίνακες των Ρώσων καλλιτεχνών υπέστησαν κάποιες αλλαγές, με αποτέλεσμα αυτή η κατεύθυνση να αποκτήσει μια μοναδική εθνική ιδιαιτερότητα.
Ξένοι ιμπρεσιονιστές
Ένα από τα πρώτα έργα που εκτελέστηκαν με ύφος ιμπρεσιονισμού θεωρείται ο πίνακας του Εντουάρ Μανέ «Luncheon on the Grass», ο οποίος εκτέθηκε στο κοινό το 1860 στο «Salon of the Rejected» του Παρισιού, όπου καμβάδες που δεν πέρασαν επιλογή του Salon of Arts του Παρισιού θα μπορούσε να αποσυναρμολογηθεί. Ο πίνακας, ζωγραφισμένος σε στυλ ριζικά διαφορετικό από τον παραδοσιακό τρόπο απεικόνισης, προκάλεσε πολλά επικριτικά σχόλια και συγκέντρωσε τους οπαδούς της νέας τέχνης γύρω από τον καλλιτέχνη. καλλιτεχνική διεύθυνση.
(Εντουάρ Μανέ «Στην ταβέρνα του πατέρα Λατουίλ»)
Οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες περιλαμβάνουν τον Edouard Manet ("Bar at the Folies-Bergere", "Music in the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "At Father Lathuile's", "Argenteuil"), Claude Monet ("Field of Poppies" στο Argenteuil», «Walk to the Cliff in Pourville», «Women in the Garden», «Lady with an Umbrella», «Boulevard des Capucines», σειρά έργων «Water Lilies», «Impression»). Alfred Sisley ("Rural Alley", "Frost at Louveciennes", "Bridge at Argenteuil", "Early Snow at Louveciennes", "Lawns in Spring"), Pierre Auguste Renoir ("Breakfast of the Rowers", "Ball at the Moulin" de la Galette», «Dance in the Country», «Umbrellas», «Dance at Bougival», «Girls at the Piano»), Camille Pizarro («Boulevard Montmartre at Night», «Harvest at Eragny», «Reapers Resting» , “Garden at Pontoise”, “Entering the Village of Voisin”) , Edgar Degas (“Dance Class”, “Rehearsal”, “Concert at the Ambassador Café”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Lovers ”), Georges Seurat (“Sunday Afternoon”, “Cancan”, “Models”) και άλλοι.
(Πωλ Σεζάν «Ο Πιερό και ο Αρλεκίνος»")
Τέσσερις καλλιτέχνες στη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα δημιούργησαν μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη βασισμένη στον ιμπρεσιονισμό και αυτοαποκαλούνταν μετα-ιμπρεσιονιστές (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Το έργο τους χαρακτηρίζεται από τη μετάδοση όχι φευγαλέων αισθήσεων και εντυπώσεων από τον κόσμο γύρω τους, αλλά από τη γνώση της αληθινής ουσίας των πραγμάτων, που κρύβεται κάτω από το εξωτερικό τους κέλυφος. Οι περισσότεροι από αυτούς διάσημα έργα: Paul Gauguin (“A Naughty Joke”, “La Orana Maria”, “Jacob's Wrestling with an Angel”, “Yellow Christ”), Paul Cezanne (“Pierrot and Arlequin”, “Great Bathers”, “Lady in Blue”) , Βίνσεντ Βαν Γκογκ ( Starlight Night», «Sunflowers», «Irises»), Henri de Toulouse-Lautrec («The Laundress», «Toilet», «Dance Training at the Moulin Rouge»).
Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική
(Ογκίστ Ροντέν «Ο στοχαστής»)
Ο ιμπρεσιονισμός δεν αναπτύχθηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση στην αρχιτεκτονική γλυπτικές συνθέσειςκαι μνημεία. Γλυπτική αυτό το στυλΔίνει ελεύθερη πλαστικότητα στις απαλές φόρμες, δημιουργούν ένα εκπληκτικό παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια των μορφών και δίνουν κάποια αίσθηση ατελείας, οι γλυπτικοί χαρακτήρες απεικονίζονται συχνά τη στιγμή της κίνησης. Τα έργα προς αυτή την κατεύθυνση περιλαμβάνουν γλυπτά του διάσημου Γάλλου γλύπτη Auguste Rodin («Το φιλί», «Ο στοχαστής», «Ποιητής και μούσα», «Ρωμαίος και Ιουλιέτα», «Αιώνια Άνοιξη»), Ιταλός καλλιτέχνηςκαι ο γλύπτης Medardo Rosso (φιγούρες από πηλό και γύψο γεμάτες με κερί για να επιτευχθεί ένα μοναδικό εφέ φωτισμού: «The Gatekeeper and the Mistress», «The Golden Age», «Motherhood»), Ρωσικά ιδιοφυές ψήγμα Pavel Trubetskoy (χάλκινη προτομή του Λέοντος Τολστόι, μνημείο του Αλέξανδρου Γ' στην Αγία Πετρούπολη).
Έκθεση ιμπρεσιονιστών
Πρώτα από όλα, επισκέφτηκα την έκθεση για τρίτη φορά σε ένα υπέροχο Αίθουσα του Κιέβου Art Mall. Έχω ήδη γράψει για τις θαυματουργές τεχνολογίες για την εμφάνιση εκθέσεων σε αυτόν τον ιστότοπο. Δεν θα επαναλάβω τον εαυτό μου, θα πω απλώς ότι αυτή τη φορά όλα ήταν υπέροχα, δεν υπήρχε απογοήτευση :). Αυτή η τελευταία έκθεση παρουσίασε έργα ζωγραφικής όλων των κορυφαίων δασκάλων αυτού του καλλιτεχνικού κινήματος. Αν κάποιος δεν ξέρει, για κάθε ενδεχόμενο, θα δώσω μια λίστα με αυτούς τους ίδιους ιμπρεσιονιστές δασκάλους:
- Εντουάρ Μανέ.Αν και ο ίδιος ο καλλιτέχνης προσπαθούσε συνεχώς για επίσημη αναγνώριση, ήταν σκανδαλώδες διάσημη εικόναΤο "Breakfast on the Grass" έχει γίνει ένα πραγματικό σύμβολο του Salon of Rejects.
- Berthe Morisot.Από τις λίγες (φοβάμαι να πω ότι η μοναδική) γυναίκα ιμπρεσιονίστρια. Το 2013, ο πίνακας «After Dinner» πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για 10,9 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό το γεγονός έκανε τον Morisot τον πιο ακριβό καλλιτέχνη.
- Camille Pissarro.Λατρεύω τις εικόνες του από τις παριζιάνικες λεωφόρους. Η σειρά με την Boulevard Montmartre θεωρείται ένα από τα κοινώς αποδεκτά σύμβολα του ιμπρεσιονισμού.
- Κλοντ Μονέ.Ίσως ο πιο διάσημος εκπρόσωπος του κινήματος. Σε κάθε περίπτωση, ήταν ο πίνακας του «Εντύπωση. Sunrise» κάποτε έδωσε το όνομά του σε όλο το καλλιτεχνικό κίνημα.
- Έντγκαρ Ντεγκά.Εδώ θα ήθελα να εκφράσω μια ελαφρώς αστεία και υπερβολική ρήση του σύγχρονου μποέμ πάρτι: αν υπάρχουν πολλά ανθρωπάκια, αυτή είναι η Bosch, αν οι χοντρές μπαλαρίνες είναι οι Ντεγκά :)
- Πιερ Ρενουάρ.Ο αγαπημένος μου ιμπρεσιονιστής. Και όχι άλλα σχόλια.
- Τουλούζ ντε Λωτρέκ.Τραγουδιστής της διασκέδασης και της καθημερινότητας της παριζιάνικης μποέμιας και του «βυθού». Τα καμπαρέ και οι οίκοι ανοχής είναι το πράγμα του.
- Henri Cross.Με έκπληξη ανακάλυψα ότι άκουσα αυτό το όνομα για πρώτη φορά στην έκθεση!
- Paul Signac.Τα πανέμορφα τοπία του με φωτεινά, καθαρά χρώματα γέννησαν ένα νέο κίνημα νεοϊμπρεσιονισμού - τον πουαντιλισμό.
- Πωλ Σεζάν.Η κύρια σχέση που έχω μαζί του είναι οι νεκρές φύσεις και η αντιπάθεια για τα ανθρώπινα μοντέλα, και αυτό συνδέεται με την αγαπημένη μου αστεία κατάσταση.
- Πολ Γκογκέν.Ένας από τους τιτάνες του μετα-ιμπρεσιονισμού. Σχεδόν παντελής έλλειψη αναγνώρισης κατά τη διάρκεια της ζωής και ρεκόρ για την πώληση πινάκων μετά θάνατον.
- Βίνσεντ Βαν Γκογκ.Άλλος ένας σταρ με απίστευτα δύσκολο δημιουργικό και βιοτικό πεπρωμένο. Και εκκωφαντική δόξα μετά θάνατον...
Όλοι αυτοί είναι τιτάνες. Οι πίνακές τους (αναπαραγωγές) μπορούν να κοιτάζονται για ώρες, όπως έκανα και στην έκθεση του Κιέβου. Οι φωτογραφίες μου δεν αντιπροσωπεύουν τίποτα καλλιτεχνική αξία, θα μπορέσετε να βρείτε πολύ καλύτερα δείγματα. Θα αναρτήσω όμως μερικά αποσπάσματα από την έκθεση:
Ιμπρεσιονιστικά μουσεία
Όπως είπα ήδη, ο ιμπρεσιονισμός συνοδεύει ολόκληρη την ενήλικη ζωή μου. Ακόμη και σε ορισμένους πόρους, αποδίδω αυθάδη στον εαυτό μου το παρατσούκλι ιμπρεσιονισμός, υπονοώντας έτσι όχι τη συμμετοχή μου, αλλά την ιδιαίτερη ευλαβική μου στάση. Γι' αυτό αναρωτιόμουν πού μπορείτε να δείτε μη αναπαραγωγές. και τα πρωτότυπα; Η προσωπική μου εμπειρία είναι πολύ μικρή: ενώ ήμουν ακόμη φοιτητής επισκέφτηκα την ένδοξη πόλη της Αγίας Πετρούπολης και Ερημητήριο. Στο Ερμιτάζ δεν προσπάθησα καν να καταλάβω την απεραντοσύνη, αλλά αμέσως βρήκα σε ποια δωμάτια μπορείτε να δείτε ιμπρεσιονιστικούς πίνακες. Η συνάντηση είναι αρκετά μεγάλη! Θα αναφέρω μόνο μερικούς από τους αγαπημένους μου πίνακες:
Camille Pissarro. «Boulevard Montmartre in Paris» 1897
Paul Signac «Λιμάνι στη Μασσαλία». 1906-1907
Πίνακας του Κλοντ Μονέ «Γέφυρα του Βατερλό. (εφέ ομίχλης)"
Πολ Γκογκέν. «Γυναίκα που κρατά ένα φρούτο». 1893
Ογκίστ Ρενουάρ. «Κορίτσι με θαυμαστή». 1881
Ογκίστ Ρενουάρ. «Πορτρέτο της ηθοποιού Jeanne Samary». 1878
Εκτός όμως από τις δικές μου πληροφορίες, έχω και τις εντυπώσεις των φίλων μου. Εκείνοι, μολυσμένοι από αισθήματα για τους ιμπρεσιονιστές όχι λιγότερο από μένα, επισκέφτηκαν το Παρίσι δύο φορές. Και δύο φορές υποχρεωτικό μέρος του προγράμματός τους ήταν οι επισκέψεις σε μουσεία που διαθέτουν συλλογές ζωγραφικής από αυτή την κατεύθυνση. Τα βασικά σημεία αυτής της παρισινής πολιτιστικής αποστολής είναι:
- Μουσείο Orangerie– η πλουσιότερη συλλογή ιμπρεσιονιστών και μετα-ιμπρεσιονιστών. Ο πιο διάσημος πίνακας είναι τα «Νούφαρα» του C. Monet. Μόνο από φίλους έμαθα ότι αυτός ο πίνακας, όπως φαίνεται, ζωγραφίστηκε από τον καλλιτέχνη ακριβώς στον τοίχο του μουσείου και καταλαμβάνει εντελώς ξεχωριστό δωμάτιογκαλερί.
- Μουσείο Orsayδεν θεωρείται εξειδικευμένο μόνο στα έργα των ιμπρεσιονιστών, που παρουσιάζονται εδώ διάφορες κατευθύνσεις Ευρωπαϊκή ζωγραφικήκαι γλυπτά. Αλλά σχεδόν όλοι οι δάσκαλοι που συμπεριλήφθηκαν στη λίστα που δημοσίευσα παραπάνω εκτίθενται στο Orsay. Τι αξίζει τουλάχιστον ένα διάσημο «Ολυμπία» του Εντουάρ Μανέ!
- Μουσείο Marmottan-Monetέχει στη συλλογή του περισσότερους από 300 ιμπρεσιονιστικούς πίνακες. Highlight: ο εμβληματικός πίνακας του Claude Monet «Impression. Ανατολή ηλίου". Ναι, ναι, ακριβώς αυτό. Φίλοι λένε ότι το να τη βλέπεις ζωντανά είναι ένα μαγευτικό συναίσθημα. Πραγματικά τους ζηλεύω...
Κλοντ Μονέ. Εντύπωση. Ανατολή του ηλίου
Ο ιμπρεσιονισμός πρωτοεμφανίστηκε στη Γαλλία προς το τέλος XIX αιώνα. Πριν από την εμφάνιση αυτού του κινήματος, οι νεκρές φύσεις, τα πορτρέτα και ακόμη και τα τοπία ζωγραφίζονταν κυρίως από καλλιτέχνες σε στούντιο. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες δημιουργήθηκαν συχνά στο ύπαιθρο και τα θέματά τους ήταν πραγματικές φευγαλέες σκηνές μοντέρνα ζωή. Και παρόλο που ο ιμπρεσιονισμός αρχικά επικρίθηκε, σύντομα προσέλκυσε πολλούς οπαδούς και ξεκίνησε παρόμοια κινήματα στη μουσική και τη λογοτεχνία.
Διάσημοι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες
Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική έγινε μια από τις πιο διάσημες τάσεις της καλών τεχνών: οι καλλιτέχνες που δούλεψαν σε αυτό το στυλ άφησαν πίσω τους εκπληκτικά όμορφους καμβάδες, ανάλαφρους, σαν μια ανάσα καθαρού αέρα, γεμάτο φως και χρώματα. Πολλα απο αυτα όμορφα έργαγραμμένο από τους παρακάτω δεξιοτέχνες του ιμπρεσιονισμού, τους οποίους γνωρίζει κάθε γνώστης της παγκόσμιας ζωγραφικής που σέβεται τον εαυτό του.
Εντουάρ Μανέ
Παρά το γεγονός ότι ολόκληρο το έργο του Edouard Manet δεν μπορεί να τοποθετηθεί μόνο στο πλαίσιο του ιμπρεσιονισμού, ο ζωγράφος επηρέασε σε μεγάλο βαθμό την εμφάνιση αυτού του κινήματος και άλλοι Γάλλοι καλλιτέχνες που εργάζονταν σε αυτό το στυλ τον θεωρούσαν ιδρυτή του ιμπρεσιονισμού και ιδεολογικό εμπνευστή τους. καλοί φίλοιΟι δάσκαλοι ήταν άλλοι διάσημοι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές: ο Edgar Degas, ο Pierre Auguste Renoir, καθώς και ένας ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης με παρόμοιο επώνυμο, που μπερδεύει τους νεοφερμένους στον κόσμο της ζωγραφικής - Claude Monet.
Μετά τη γνωριμία με αυτούς τους καλλιτέχνες, έγιναν ιμπρεσιονιστικές αλλαγές στο έργο του Manet: άρχισε να προτιμά να εργάζεται στο ύπαιθρο, το φως, τα φωτεινά χρώματα, το άφθονο φως και η κλασματική σύνθεση άρχισαν να κυριαρχούν στους πίνακές του. Αν και από σκούρα χρώματαακόμα δεν αρνείται, και προτιμά να ζωγραφίζει σε τοπία καθημερινό είδος- αυτό φαίνεται στα έργα του ζωγράφου "Bar at the Folies Bergere", "Music in the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "At Father Lathuille's", "Argenteuil" και άλλα.
Κλοντ Μονέ
Όνομα αυτού Γάλλος καλλιτέχνηςΜάλλον όλοι το έχουν ακούσει τουλάχιστον μία φορά στη ζωή τους. Ο Claude Monet ήταν ένας από τους ιδρυτές του ιμπρεσιονισμού και ήταν ο πίνακας του «Impression: The Rising Sun» που έδωσε το όνομά του στο κίνημα.
Στη δεκαετία του '60 του 19ου αιώνα, ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης ήταν ένας από τους πρώτους που ενδιαφέρθηκαν να ζωγραφίσουν καθαρός αέρας, και πολλοί αργότερα δημιούργησαν μια νέα πειραματική προσέγγιση στην εργασία. Αποτελούνταν από την παρατήρηση και την απεικόνιση του ίδιου αντικειμένου σε διαφορετικές ώρες της ημέρας: έτσι δημιουργήθηκε μια ολόκληρη σειρά από καμβάδες με θέα την πρόσοψη Καθεδρικός ναός της Ρουέν, απέναντι από το οποίο μάλιστα εγκαταστάθηκε ο καλλιτέχνης για να μην χάσει από τα μάτια του το κτίριο.
Όταν εξερευνάτε τον ιμπρεσιονισμό στη ζωγραφική, μην χάσετε τις σειρές του Monet Field of Poppies στο Argenteuil, Walk to the Cliff στο Pourville, Women in the Garden, Lady with an Umbrella, Boulevard des Capucines και Watermen.
Πιερ Ογκίστ Ρενουάρ
Αυτός ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης είχε ένα μοναδικό όραμα ομορφιάς, το οποίο έκανε τον Ρενουάρ έναν από τους περισσότερους διάσημους εκπροσώπουςαυτής της κατεύθυνσης. Πρώτα απ 'όλα, είναι διάσημος για τους πίνακές του για τη θορυβώδη παριζιάνικη ζωή και τον ελεύθερο χρόνο στα τέλη του 19ου αιώνα. Ο Ρενουάρ ήταν εξαιρετικός στο να δουλεύει με το χρώμα και το chiaroscuro είναι ιδιαίτερα αξιοσημείωτη η εξαιρετική του ικανότητα να ζωγραφίζει γυμνά, με μια μοναδική απόδοση τόνων και υφών.
Ήδη από τη δεκαετία του '80, ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης άρχισε να κλίνει περισσότερο προς το κλασικό στυλ ζωγραφικής και άρχισε να ενδιαφέρεται για τη ζωγραφική της Αναγέννησης, γεγονός που τον ανάγκασε να συμπεριλάβει πιο έντονες γραμμές και πιο καθαρή σύνθεση στα ώριμα έργα του. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου που ο Pierre Auguste Renoir δημιούργησε μερικά από τα πιο άφθαρτα έργα της εποχής του.
Δώστε ιδιαίτερη προσοχή σε πίνακες του Ρενουάρ όπως «Το γεύμα των κωπηλατών», «Μπάλα στο Μουλέν ντε λα Γκαλέτ», «Χορός στο χωριό», «Ομπρέλες», «Χορός στο Μπουγκιβάλ», «Κορίτσια στο πιάνο» .
Έντγκαρ Ντεγκά
Στην ιστορία της τέχνης, ο Edgar Degas παρέμεινε ως ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης, αν και ο ίδιος απέρριψε αυτή την ετικέτα, προτιμώντας να αποκαλείται περισσότερο ανεξάρτητος καλλιτέχνης. Πράγματι, είχε κάποιο ενδιαφέρον για τον ρεαλισμό, που διέκρινε τον καλλιτέχνη από άλλους ιμπρεσιονιστές, αλλά ταυτόχρονα χρησιμοποίησε πολλές ιμπρεσιονιστικές τεχνικές στο έργο του, συγκεκριμένα, «έπαιζε» με το φως με τον ίδιο τρόπο και του άρεσε να απεικονίζει σκηνές από τη ζωή της πόλης.
Ο Ντεγκά έλκονταν πάντα από την ανθρώπινη φιγούρα, απεικόνιζε συχνά τραγουδιστές, χορευτές, πλυντήρια, προσπαθώντας να απεικονίσει το ανθρώπινο σώμα σε διάφορες θέσεις, για παράδειγμα, στους καμβάδες "Τάξη χορού", "Πρόβα", "Συναυλία στο Ambassador Cafe" , «Ορχήστρα της Όπερας», «Χορευτές στα μπλε».
Camille Pissarro
Ο Pissarro ήταν ο μόνος καλλιτέχνης που πήρε μέρος και στις οκτώ εκθέσεις του ιμπρεσιονισμού από το 1874 έως το 1886. Ενώ οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες είναι γνωστοί για τις σκηνές διακοπών τους στην πόλη και στην εξοχή, οι πίνακες του Pissarro δείχνουν στον θεατή την καθημερινή ζωή των Γάλλων αγροτών, απεικονίζοντας αγροτική φύση V διαφορετικές συνθήκεςκαι υπό διαφορετικές συνθήκες φωτισμού.
Γνωρίζοντας τους πίνακες που ζωγράφισε αυτός ο ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης, αξίζει πρώτα απ 'όλα να δείτε τα έργα "Boulevard Montmartre at Night", "The Harvest at Eragny", "The Reapers Resting", "The Garden at Pontoise" και "Entering το χωριό Voisin».