La culture artistique russe a connu un grand succès dans la première moitié du XIXe siècle. C'est à cette époque que créaient Pouchkine, Gogol, Lermontov, Griboïedov, Joukovski, Krylov. Cette floraison rapide de la culture artistique est associée à la montée de la conscience nationale dans les cercles avancés de la société russe pendant la guerre patriotique de 1812. La lutte pour la libération de la patrie de l'intervention étrangère, qui a provoqué une vague de sentiments patriotiques élevés, ne pouvait qu'affecter les phénomènes de l'art russe.
L'idéologie russe avancée de l'époque a pris forme sous l'influence directe de la guerre patriotique de 1812 et de la noblesse mouvement révolutionnaire, qui a pris forme dans le programme décembriste.
Guerre patriotique a élevé la conscience de soi, le sentiment de patriotisme et la fierté nationale du peuple à un niveau inhabituellement élevé. Caractère folklorique les guerres et les actes patriotiques du peuple russe ordinaire ont longtemps attiré l'attention du public progressiste de Russie et provoqué une sorte de réévaluation des valeurs esthétiques : les images populaires et les sujets nationaux occupaient une place extrêmement importante dans l'art russe. lieu important, incommensurable avec ça rôle de camée, qu'ils ont joué dans les œuvres de la plupart des maîtres du XVIIIe siècle. L’appel au peuple a insufflé une nouvelle force à la culture artistique russe. Avancé directions créatives s'appuyait sur l'éventail des idées avancées par la noble pensée révolutionnaire.
Les critiques de l’époque mettaient en avant « l’orientation puissante du génie moderne vers le peuple » dans tous les domaines de l’art. Le « nationalisme » est devenu le problème central de la culture russe avancée dans les années vingt et trente du siècle dernier. Même des publicistes réactionnaires ont tenté d’utiliser le concept de nationalité, en l’incluant dans la formule officielle de la politique gouvernementale (« Orthodoxie, autocratie, nationalité »). Contrairement à l'interprétation officielle de la nationalité dans les cercles artistiques avancés, une compréhension complètement différente s'est développée, formulée par l'un des théoriciens de l'art progressistes au début des années trente : « Par nationalité, j'entends cette animation patriotique des beaux-arts, qui, nourrissant sur les impressions et les souvenirs indigènes, reflète dans ses œuvres le ciel béni natal, la terre sainte natale, les précieuses traditions indigènes, les coutumes et la morale indigènes, la vie indigène, la gloire indigène, la grandeur indigène.
La première moitié du XIXe siècle constitue une page brillante de la culture russe. Toutes les directions - littérature, architecture, peinture de cette époque sont marquées par toute une constellation de noms qui ont fait la renommée mondiale de l'art russe. Au XVIIIe siècle, le style classique dominait la peinture russe. Le classicisme a joué un rôle important dans début XIX siècle. Cependant, dans les années 1830, cette direction perdait progressivement sa signification sociale et se transformait de plus en plus en un système de canons et de traditions formels. Cette peinture traditionnelle devient un art froid et officiel, soutenu et contrôlé par l’Académie des Arts de Saint-Pétersbourg. Ensuite concept d'"académisme" a commencé à être utilisé pour désigner un art inerte, séparé de la vie.
Il a apporté de la nouveauté aux vues art russe le romantisme- un mouvement européen qui s'est développé au tournant des XVIIIe et XIXe siècles. L'un des principaux postulats du romantisme, à l'opposé du classicisme, est affirmation de la personnalité d’une personne, de ses pensées et de sa vision du monde comme valeur principale de l’art. Garantir le droit d'une personne à l'indépendance personnelle a suscité un intérêt particulier pour son monde intérieur et a en même temps présupposé la liberté de créativité de l'artiste. En Russie, le romantisme a acquis sa particularité : au début du siècle, il avait coloration héroïque, et pendant les années de la réaction de Nikolaev - tragique. Dans le même temps, le romantisme en Russie a toujours été une forme de pensée artistique, proche dans son esprit des sentiments révolutionnaires et épris de liberté.
Ayant pour particularité la connaissance d'une personne spécifique, le romantisme est devenu la base de l'émergence ultérieure et la formation d'une direction réaliste, implanté dans l'art dans la seconde moitié du XIXe siècle. Caractéristique le réalisme était un appel au thème de la vie populaire moderne, l'établissement d'un nouveau thème dans l'art - la vie des paysans. Ici, il faut tout d'abord noter le nom de l'artiste A.G. Venetsianova. Les découvertes les plus réalistes de la première moitié du XIXe siècle se reflètent dans les années 1840 dans les travaux de P.A. Fedotova.
Culturel global la vie pendant cette période était ambiguë et diversifiée: certaines tendances dominantes de l'art ont été remplacées par d'autres. Par conséquent, les chercheurs, lorsqu'ils examinent plus en détail l'art de la première moitié du XIXe siècle, le divisent généralement en deux périodes - le premier et le deuxième quart du siècle. Il convient toutefois de noter que cette division est conditionnelle. De plus, parler de classicisme, de romantisme et de réalisme dans forme pure pendant cette période ce n'est pas nécessaire : leur différenciation, tant chronologiquement que par caractéristiques, n'est pas absolue.
Dans la première moitié du XIXe siècle, la peinture a acquis une importance bien plus grande dans la vie sociale qu'au XVIIIe siècle. Le développement de la conscience nationale, provoqué par la victoire dans la guerre patriotique de 1812, a soulevé l'intérêt des gens pour la culture et l'histoire nationales, pour les talents nationaux. En conséquence, au cours du premier quart du siècle, sont apparues pour la première fois des organisations publiques dont la tâche principale était le développement des arts. Parmi ces organisations figuraient telles que Société libre amateurs de littérature, de sciences et d'art, Société d'Encouragement des Artistes. Des magazines spéciaux parurent et les premières tentatives furent faites pour collectionner et exposer l'art russe. Ainsi, le petit « Musée russe » privé de P. Svinin est devenu célèbre dans les cercles instruits, et la Galerie russe a été créée à l'Ermitage impérial en 1825. Depuis le début du siècle, la pratique de l'Académie des Arts comprend des expositions périodiques, qui attirent de nombreux visiteurs. En même temps, une grande réussite a été l'admission à ces expositions par certains jours gens ordinaires, ce qui a néanmoins suscité les objections de certains critiques du magazine.
Les réalisations exceptionnelles de l'art russe du début du XIXe siècle se caractérisent par peinture de portraits. Tout au long du siècle, le portrait russe sera le genre de peinture qui liera le plus directement les artistes à la société, avec des contemporains marquants. Après tout, comme vous le savez, un grand nombre de Les artistes recevaient des commandes de particuliers spécifiquement pour des portraits.
OREST KIPRENSKI (1782-1836)
Orest Kiprensky, l'un des plus grands peintres de la première moitié du XIXe siècle - Autoportrait (1). L'art de cet artiste, comme celui de tout grand maître, est hétérogène. Dans ses aspirations créatives, Kiprensky est soumis à influencé à la fois par le romantisme et le classicisme. Les œuvres d'un artiste, même de la même période, sont souvent différentes. Les meilleures peintures de Kiprensky mettent en valeur une compréhension romantique de la personnalité humaine. Dans ses œuvres, l'artiste confère à une personne des qualités spirituelles- intelligence, noblesse, caractère, capacité de penser et de ressentir. C'est pourquoi, dans ses portraits, Kiprensky principalement contemporains représentés ou éminents– parmi ses œuvres figurent des portraits de Pouchkine, Batyushkov, Joukovski, héros de la guerre patriotique de 1812, ou vos amis proches. La galerie de portraits qu'il a créée est la fierté des beaux-arts russes. Immédiatement après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Arts Kiprensky entièrement consacré au portrait. L'une des meilleures œuvres du jeune artiste de l'époque était portrait de Davydov (2). Kiprensky a créé l'image d'un officier russe caractéristique de l'époque - un participant à la lutte pour l'indépendance de sa patrie. La grande compétence artistique de Kiprensky s'est révélée dans l'exaltation émotionnelle du portrait et la richesse de ses couleurs. Dans d'autres portraits et dans toute une série de dessins au crayon, l'artiste a capturé des images de participants à la guerre, d'officiers et de milices qu'il connaissait personnellement bien. Dans tous les portraits de Kiprensky, à côté des traits d’exaltation romantique, on peut clairement voir le désir d'une divulgation réaliste de la psychologie humaine. D'un intérêt exceptionnel est portrait de A. S. Pouchkine (3), capturant fidèlement l’image du grand poète pour les générations futures. L'importance de Kiprensky, dessinateur et coloriste subtil, dans l'art russe de la première moitié du XIXe siècle est énorme.
Les contemporains comparaient ses œuvres aux genres de la poésie lyrique, de la dédicace poétique aux amis, très courants à l’époque de Pouchkine. Les portraits de Kiprensky sont toujours dotés d'une profonde réflexion ; ils semblent scruter le monde. Kiprensky a découvert à bien des égards de nouvelles possibilités dans la peinture. Chacun de ses portraits se distingue par une nouvelle structure picturale, une lumière et une ombre bien choisies, un contraste varié - « Fille napolitaine aux fruits » (4), « Gitane avec une branche de myrte » (5), « Fille à la couronne de coquelicots avec un œillet à la main (Mariuccia) » (6), « Jeune jardinier » (7), "Portrait d'E.P. Rostopchina" (8). Transmettant fidèlement les caractéristiques individuelles de ses modèles, K. a réussi à incarner un grand contenu social dans ses meilleurs portraits, à montrer la dignité humaine et la profondeur de la culture spirituelle des personnes représentées : derrière leur calme extérieur, des sentiments humains vivants se font toujours sentir.
La réaction de Nikolaev qui suit la défaite des décembristes contraint l'artiste à repartir en 1828 pour l'Italie, où il meurt.
VASILY TROPININE (1776-1857) –(9)
Un phénomène important dans l'histoire de la peinture russe fut l'œuvre de V. Tropinin, un remarquable artiste réaliste, une partie importante de ma vie ancien serf.
Vasily Andreevich Tropinin était même un peu plus âgé que Kiprensky, mais des circonstances défavorables ont longtemps retardé le développement de son talent.
Dans les années où Kiprensky créa le portrait de Davydov, marquant l'apogée de la peinture romantique russe, Tropinine était encore un artiste serf inconnu dans la propriété ukrainienne du comte Morkov et combinait les fonctions de pâtissier et de valet de pied principal avec la peinture. En raison du caprice du propriétaire foncier, il n'a pas pu terminer ses études à l'Académie des Arts. La jeunesse de Tropinin s'est déroulée en autodidacte, malgré les obstacles, maîtrisant les compétences techniques et atteignant l'excellence professionnelle. Dans ses études, il a choisi la voie que suivaient habituellement les artistes autodidactes de son temps : il travaillait dur et beaucoup d'après nature et copiait des peintures dans des collections d'art privées, auxquelles il avait accès grâce aux relations de son propriétaire foncier. Il a étudié les techniques de peinture non pas dans un atelier académique, mais à partir de sa propre expérience et des œuvres de maîtres anciens, et la vie en Ukraine, comme l'artiste lui-même l'a dit plus tard, a remplacé son voyage en Italie.
Ce système d'auto-éducation, malgré toutes ses lacunes, pourrait encore avoir quelques côtés positifs pour un artiste au talent grand et original. L'absence d'enseignement académique routinier a en partie aidé Tropinin à maintenir intacte la pureté et l'originalité de ses perceptions artistiques. Une communication vivante avec la nature et la connaissance de la vie populaire, soutenues par un travail constant sur la nature, ont contribué au développement des tendances réalistes inhérentes au talent de Tropinin. Mais dans ses jeunes années, séparé de force du milieu artistique, il n’était pas encore au niveau des tâches avancées de l’art de son temps. L'œuvre de Tropinin, même à la fin des années 1810, ressemblait par son style non pas aux œuvres de ses pairs, mais à l'art du XVIIIe siècle.
La libération tant attendue du servage n'est arrivée qu'en 1823, alors que Tropinin avait déjà quarante-sept ans ; L'épanouissement de son talent remonte à cette époque. C'est au cours de cette période qu'est né son propre système artistique indépendant, qui a retravaillé de manière unique l'héritage du classicisme et des techniques de peinture du XVIIIe siècle, et celui créé par Tropinin a finalement pris forme. genre de portrait intime du quotidien. Les experts appellent les portraits de Tropinine « l’antipode » des portraits de Kiprensky, puisque ses peintures montrent une personne libre, décomplexée et « simple ».
« Le portrait d'une personne est peint à la mémoire de ses proches, de ses proches, de ceux qui l'aiment », disait Tropinin lui-même ; Cette affirmation quelque peu naïve contient, en substance, tout un programme qui caractérise les tâches de Tropinin et son attitude face à la réalité. Dans les portraits de Tropinin, il est véhiculé aspect intime et « simple » des gens de son époque; Les personnages de Tropinin ne « posent » pas devant l’artiste et le spectateur, mais sont capturés tels qu’ils l’étaient dans la vie privée, autour du foyer familial.
Tropinin s'est tourné vers des motifs de genre, consacrant représentation d'une simple personne qui travaille un certain nombre d'ouvrages. Dans ses œuvres, il accorde une grande attention à l'étude de la nature - tous ses portraits reproduisent fidèlement la vie autour de l'artiste, il n'y a rien de délibéré ou d'artificiel en eux - « Fille à la poupée » (10), « Vieux cocher appuyé sur un fouet » (11), « Dentellière » (12).
Ses portraits peints avec douceur se distinguent par leurs hautes qualités picturales et leur facilité de perception sont perçues comme caractéristiques ; vérité et calme sans grande excitation intérieure .
Certaines de ces œuvres, malgré leur caractère réaliste assez évident, présentent des traits de sentimentalisme - « Fille au pot de roses » (13), « Femme à la fenêtre. (Trésorier) » (14).
À la fin de 1826, S. A. Sobolevsky, un ami proche de Pouchkine, s'adressa à Tropinine avec une proposition de peindre un portrait du poète. Les attributs de la « convivialité » - une robe, un col de chemise déboutonné, des cheveux ébouriffés - sont perçus non comme une preuve de l'aisance intime du poseur, mais plutôt comme un signe de ce « désordre poétique » auquel l'art romantique associe si souvent le idée d'inspiration «Portrait de Pouchkine» (15). Dans sa structure figurative, le portrait de Pouchkine fait écho aux œuvres de la peinture romantique contemporaine de Tropinin, mais en même temps Tropinin a réussi à créer une image romantique sans sacrifier l'exactitude réaliste et la véracité de l'image. Pouchkine est représenté assis, dans une pose naturelle et détendue. Le visage, ombré par la blancheur du revers de la chemise, est la tache colorée la plus intense de l'image et en est également le centre de composition. L’artiste n’a pas cherché à « embellir » le visage de Pouchkine et à adoucir l’irrégularité de ses traits ; mais, suivant consciencieusement la nature, il a réussi à la recréer et à la capturer haute spiritualité. Les contemporains ont unanimement reconnu la ressemblance impeccable avec Pouchkine dans le portrait de Tropinine. Par rapport à portrait célèbre Le portrait de Pouchkine par Kiprensky Tropinsky semble plus modeste et, peut-être, intime, mais ne lui est inférieur ni en expressivité ni en puissance picturale.
En premier quart du XIX siècles, des processus importants se déroulent dans la région PEINTURE DE PAYSAGE. Si les paysages des artistes d'autrefois étaient en grande partie conventionnels et délibérément construits et, en règle générale, ils étaient peints en atelier, sans nature ou n'avaient que très peu à voir avec elle, les peintres paysagistes apportent désormais beaucoup plus à leur travail. vérité de la vie, une observation attentive et début émotionnel. La place la plus importante ici appartient bien entendu à Sylvester Shchedrin.
SYLVESTRE CHCHEDRIN (1791- 1830)
Maître du romantisme paysager russe et de l'interprétation lyrique de la nature. L'œuvre de Sylvester Feodosievich Shchedrin a marqué la frontière entre l'ancien et le nouveau dans l'histoire du paysage russe. L'artiste a perfectionné ce que ses prédécesseurs recherchaient et a jeté les bases d'un nouveau développement réaliste de la peinture de paysage russe. Ses œuvres montrent clairement une persistance travail de la vie. Il fut le premier peintre russe à se tourner vers le travail en plein air. Tous ses paysages transmettre avec précision le caractère de la nature. Shchedrin introduit également des personnages dans ses paysages, non plus sous la forme de figures sans visage à l'échelle, comme c'était le cas auparavant, mais des personnes vivantes qui sont véritablement connectées à la nature. Dans ses meilleures œuvres, il a réussi à surmonter le goût conventionnel du « musée » et à a transmis l'état naturel de la nature- nuances de soleil, brume bleu clair au loin, douces teintes de ciel bleu. Il avait un subtil sens lyrique de la nature.
Après avoir été diplômé de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, en 1818 arrivé en Italie et a vécu plus de 10 ans. Il méritait quelque chose d’incroyable pour cette époque. popularité parmi les Italiens Ceux qui voulaient acheter ses tableaux devaient parfois écrire de nombreux exemplaires de leurs œuvres les plus réussies, qui se vendaient rapidement. Ses œuvres célèbres sont « Nouvelle Rome « Château du Saint-Ange » (17), Promenade Mergellina à Naples (18), Grand Port sur l'île de Capri (19) et d'autres. Après avoir surmonté la tradition du « paysage héroïque » et la compréhension de la nature développée à l'Académie des Arts comme motif de souvenirs historiques, en se tournant vers la réalité vivante et contemporaine et la nature réelle, Shchedrin a en même temps surmonté le conventionnel. programme académique solution artistique au thème du paysage.
Ayant vécu une vie courte mais créative, Shchedrin n'a jamais pu retourner en Russie. Les magnifiques paysages italiens reflétaient toute la beauté unique de la nature de cette région, que de nombreux artistes russes imaginaient comme un paradis - une terre promise - « Grotte de Florence » (20), « Paysage italien. Capri" (21), " Nuit au clair de luneà Naples » (22), « Vue du lac de Nemi aux environs de Rome ».
Dans cette petite toile, qui fait partie des meilleures créations de la peinture paysagère russe, les principales caractéristiques du nouveau système artistique de Shchedrin apparaissent avec toute la clarté. « Vue sur le lac Nemi » est étrangère à ces effets délibérés qui constituent l'essence même du paysage universitaire. Dans le paysage de Shchedrin, il n'y a pas de bosquets classiques, pas de cascades, pas de ruines majestueuses ; l'idéalisation est remplacée par une recréation vivante et véridique de l'image de la nature. La base de la nouvelle méthode n'est pas la « composition » d'un paysage, mais observation directe et précise de la nature.
Un chemin étroit, bordé de vieux arbres, serpente le long du rivage et entraîne le regard du spectateur dans les profondeurs du tableau. Au premier plan se trouvent plusieurs personnages : deux paysannes parlent sur le rivage, un moine marche et un jeune conducteur conduit un âne derrière lui. Plus loin, les eaux calmes et légères du lac sont visibles ; dans les profondeurs, couvrant l'horizon, une haute montagne couverte de forêt devient bleue. Une douce lumière diffuse inonde l'image, l'éblouissement du soleil tombe à travers les branches des arbres sur le chemin sablonneux, l'eau scintille d'argent au soleil et un voile aéré transparent enveloppe les objets proches et lointains.
La maîtrise réaliste de l’espace est l’une des principales réalisations de Shchedrin dans ce film. Il n’y a pas de scènes de coulisses, pas de marqueurs d’objets marquant la profondeur. La perspective linéaire a cédé la place à la perspective aérienne. Certes, les trois plans traditionnels sont toujours conservés dans l'image, mais la route plus profonde les relie entre eux et rend l'espace continu. L'artiste ne se contente plus de la reproduction fidèle de détails individuels ; il atteint l'intégrité de l'impression globale et l'unité organique de tous les éléments qui composent le paysage. Transmission de la lumière et de l'air, unité d'éclairage, reliant les objets et les plans spatiaux, est le principal moyen par lequel l'image acquiert cette intégrité.
Le système de peinture développé par Shchedrin basé sur l'étude de la nature en plein air (dite peinture en plein air) ouvre une nouvelle page dans l'histoire du paysage. Il n'est pas surprenant que l'innovation du maître russe n'ait pas été immédiatement appréciée et ait provoqué les protestations des conservateurs. critique d'art. Il semblait aux idéologues de l'art académique que Shchedrin «adhère à une imitation servile de la nature, ne permettant pas de déviations, même en faveur des élégants». En effet, l’artiste abandonne consciemment les effets conventionnels et fictifs, jugés « élégants » dans les milieux proches de l’Académie des Arts. Mais, bien entendu, il était très loin de copier passivement la nature. Sa peinture capture non seulement l'apparence réelle des rives du lac Nemi, mais révèle également avec une pénétration profonde et authentique la poésie de la nature italienne, sa tranquillité ensoleillée et son harmonie lumineuse et paisible.
L'artiste s'est intéressé à un autre motif - une terrasse couverte de raisins surplombant la mer - « Véranda entrelacée de raisins » (24).
ALEXEY VENETSIANOV (1780-1847) – (25)
Venetsianov s'appelle fondateur de la peinture de genre russe (quotidienne). Ce n'est pas tout à fait vrai : il a eu des prédécesseurs au XVIIIe siècle. Mais ça commence avec Venetsianov montée de tendances réalistes dans l'art russe, accompagné d'un appel au monde de l'art national et images folkloriques et un intérêt accru pour la vie moderne.
La créativité de Venetsianov est empreinte de patriotisme et d'authenticité attitude démocratique. L’ère de l’essor social associée à la Guerre patriotique a ouvert les yeux de l’artiste sur les profondes qualités morales d’un simple Russe issu du peuple, sur son héroïsme et sa dignité humaine. DANS Paysannerie serf russe Venetsianov, artiste-humaniste, était capable de discerner les traits non pas d'un esclave, mais au contraire d'un type humain supérieur.
Merveilleux russe peintre de genre et portraitiste Alexey Gavrilovich Venetsianov pour la première fois dans la peinture russe images combinées de paysans et de nature nationale. Venetsianov - le créateur d'une galerie entière portraits de paysans - «Le berger endormi» (26).
Le tableau « Le berger endormi » occupe une place prépondérante dans ce cycle. Elle est l'une des créations les plus poétiques de Venetsianov. L'artiste a représenté les enfants des paysans avec une chaleur particulière et une exaltation lyrique. La pureté et la clarté harmonieuse de sa pensée artistique convenaient parfaitement aux tâches de recréation du monde d'un enfant. Aucun des maîtres russes de son époque n'a atteint une telle perspicacité, une véracité aussi aiguë et en même temps une telle puissance de sentiment poétique dans la représentation des images et des expériences de l'enfance. Cependant, cela n’épuise pas le contenu de « Le Berger endormi ». Toutes les fonctionnalités principales apparaissent ici clairement et clairement. langage artistique Venetsianov, toute la structure de sa pensée imaginative, tous les aspects progressistes de son art, mais en même temps les limites historiquement explicables de son réalisme. Il n’y a aucune action dans La Bergère endormie. Un garçon paysan est représenté s'endormant dans un champ ; il est assis au bord d'une rivière étroite, appuyé contre le tronc d'un grand vieux bouleau, et derrière lui, en arrière-plan du tableau, s'ouvre un paysage russe typique avec une hutte branlante, des sapins rares et des champs sans fin qui s'étendent jusqu'au horizon. Mais un contenu émotionnel profond est intégré dans cette intrigue simple. La peinture de Venetsianov est imprégnée d’un sentiment de paix et de tranquillité, d’un amour lyrique pour la nature et l’homme.
Le thème principal du tableau est la fusion harmonieuse de l'homme avec la nature, et Venetsianov fait ici sans aucun doute écho au sentimentalisme. XVIIIe siècle. Dans « La Bergère », il n'y a aucune trace de pose délibérée ; au contraire, toute l'apparence du garçon endormi est marquée par des traits de naturel vif et détendu. Venetsianov souligne avec un soin particulier le type national russe en lui et donne à son visage une expression de pureté spirituelle véritablement touchante. Les critiques ont parfois reproché à Venetsianov la pose un peu maniérée de la bergère, mais ce reproche est injuste - c'est la pose du garçon endormi, avec son engourdissement particulier, qui traduit bien l'état de sommeil, qui témoigne de l'observation fine de l'artiste et de la proximité de ses images avec la nature vivante. Le paysage joue un rôle particulièrement important dans le tableau. Il ne devient plus un « fond » pour l'image d'une personne, mais un moyen indépendant et essentiel pour transmettre des sentiments et construire une image. C'est dans le domaine du paysage que Venetsianov apparaît comme le fondateur d'une nouvelle direction, qui sera ensuite largement développée par l'art russe du XIXe siècle. Venetsianov s'est tourné vers la nature simple et « sans fioritures » de son pays natal et l'a recréé non seulement avec une précision minutieuse, mais aussi avec un profond sentiment lyrique.
L’image de la nature, tout comme l’image de l’homme, dans l’art de Venetsianov devient porteuse d’une vision idyllique du monde.
« La bonne aventure par cartes » (27), « Faucheurs » (28), « Paysanne avec une faux et un râteau (Pelageya » (29), « Baigneurs » (30), « Sur les terres arables. Printemps » (31) . Dans ses œuvres d'art, le peintre exprime sa position idéologique et esthétique. Venetsianov a montré l'attractivité spirituelle des paysans, a affirmé sa personnalité, défendant ainsi ses droits humains. Dans ses œuvres représentant des paysans, l'artiste a cherché à révéler beauté spirituelle et physique d'une simple personne russe. Le peintre sympathisait profondément avec le sort des paysans, déployait beaucoup d'efforts pour améliorer la situation des artistes serfs, mais en même temps il était loin de critique sociale . L’œuvre de Venetsianov est fortement influencée par l’héritage classique : il n’a pas peur d’utiliser les moyens de la peinture ancienne dans ses œuvres. En même temps, étant réaliste dans ses aspirations, parallèlement à l'harmonie sublime des classiques, il était proche du respect de l'individualité caractéristique du romantisme. Le large appel du « père du genre russe » au thème paysan fut une véritable révélation artistique pour l’époque et fut chaleureusement accueilli par la partie dirigeante de la société russe.
L'innovation de Venetsianov s'est manifestée non seulement dans le fait qu'il s'est tourné vers une gamme d'images nouvelles dans la peinture russe, mais aussi dans le fait que pour les mettre en œuvre, il a développé de nouveaux moyens visuels réalistes. Venetsianov rompit ouvertement avec le vieil art conventionnel de l'Académie et appelé à apprendre de la vie, de la nature, à l'étudier et à l'imiter.
Grande importance de Venetsianov comme un enseignant. Sur son domaine Safonkovo il a créé école d'art, dans lequel toute une galaxie de peintres, les soi-disant Vénitiens, ont été formés. Ces artistes, suivant les préceptes de leur professeur, travaillent principalement dans le domaine du genre, représentant la vie domestique, les scènes de rue, le travail des paysans et artisans et les paysages ruraux.
Les dépenses exorbitantes liées à la nécessité d'entretenir l'école et de subvenir aux besoins de ses élèves imposent une lourde charge au domaine. Finalement, il fut contraint d'hypothéquer la succession au Conseil des Tuteurs. Essayant d'améliorer d'une manière ou d'une autre sa situation financière, Venetsianov a entrepris des travaux sur commande. Il s'agissait pour la plupart de portraits et d'icônes d'églises. Le 4 décembre 1847, après avoir réalisé des croquis d'icônes pour l'une des églises de Tver, il voulut les emmener personnellement à Tver. En descendant la montagne escarpée, les chevaux ont commencé à déraper, Venetsianov a été éjecté du traîneau et s'est pris dans les rênes. La troïka a traîné le corps déjà sans vie jusqu'au village de Poddubye.
KARL BRIOULLOV (1799-1852) - (32)
Karl Petrovich Bryullov - Russe exceptionnel peintre historique, portraitiste, paysagiste, auteur de peintures monumentales ; lauréat de prix honorifiques : grandes médailles d'or pour les tableaux « L'apparition de trois anges à Abraham au chêne de Mamré » (1821) et « Le dernier jour de Pompéi » (1834), Ordre d'Anne, degré III ; Membre des Académies des Arts de Milan et de Parme, de l'Académie Saint-Luc de Rome, professeur des Académies des Arts de Saint-Pétersbourg et de Florence, associé libre honoraire de l'Académie des Arts de Paris.
Dans la famille de l'académicien de sculpture ornementale P.I. Brullo, les sept enfants avaient des talents artistiques. Cinq fils : Fedor, Alexander, Karl, Pavel et Ivan sont devenus artistes. Mais la gloire qui revient à Karl a éclipsé les succès des autres frères. Entre-temps, il grandit comme un enfant faible et frêle, ne se leva pratiquement pas pendant sept ans et fut tellement épuisé par la scrofule qu'il « devint un objet de dégoût pour ses parents ».
Karl Pavlovitch Briullov était l'un des plus brillants, et en même temps artiste controversé dans la peinture russe du XIXe siècle. Bryullov avait un talent brillant et façon de penser indépendante. Malgré les tendances de l'époque (influence du romantisme), l'artiste ne parvient pas à se débarrasser complètement des canons classiques. C'est peut-être pour cette raison que son travail était très apprécié par l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, loin d'être avancée : dans sa jeunesse, il en fut l'élève, puis devint professeur émérite. Cependant, à l'exception de Fedotov, l'artiste n'avait pas d'élèves talentueux. Ses disciples sont pour la plupart devenus des peintres de salon superficiels, n’ayant adopté que certaines des techniques extérieures de Bryullov. Néanmoins, de son vivant, Bryullov, ou « le grand Karl », comme le surnommait l’élite, était vénéré non seulement en Russie, mais aussi par de nombreuses personnalités en Europe. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'apogée du réalisme, artistes et critiques ne voyaient en Bryullov qu'un représentant d'un courant « académique » qui leur était inacceptable. De nombreuses années se sont écoulées avant que l'artiste prenne la place qui lui revient dans l'histoire de l'art russe.
Bryullov était un homme doté d'un énorme talent, dont il a fait preuve dans une grande variété de genres artistiques. Développement Peinture historique russe, portrait, dessin, peinture décorative doit beaucoup à son travail. Dans chacun de ces genres, un savoir-faire virtuose merveilleux artiste a laissé une trace profonde.
Ayant reçu sa formation initiale de son père, professeur à l'Académie des Arts, puis à l'Académie elle-même, Bryullov et les jeunes années découvert des capacités artistiques exceptionnelles.
Alors qu'il était retraité à Rome et qu'il avait étudié le patrimoine classique, il réalisa des œuvres qui révélèrent immédiatement non seulement la maturité de son talent, mais aussi la fécondité de sa recherche d'une expressivité réaliste de l'image artistique. Des peintures de Bryullov telles que "Matin italien" (33), "Noon" et quelques autres, consacrés à la vie du peuple italien, ont suscité le reproche des défenseurs du classicisme de Saint-Pétersbourg pour l'engagement excessif du jeune artiste dans la vie réelle. Cela n'a pas dérangé Bryullov du tout et il a continué à travailler sur sa plus grande toile avec beaucoup d'enthousiasme. "Le dernier jour de Pompéi" (34), ce qui lui valut la renommée du meilleur peintre de l'époque. Après avoir effectué un énorme travail préliminaire, il a créé une épopée véritablement dramatique, dont l'exaltation romantique des images a fait une impression colossale sur ses contemporains. Ce tableau fut un triomphe des beaux-arts russes, une preuve convaincante de sa maturité.
La compréhension du thème historique exprimé dans « Le Dernier Jour de Pompéi » résonne directement avec l’ensemble des idées historiques développées par la littérature russe avancée et la pensée sociale des années 1820-1830.
Contrairement à la peinture historique antérieure avec son culte des héros et son attention particulière portée à l'individu, par opposition à la foule impersonnelle, Briullov a conçu « Le dernier jour de Pompéi » comme une scène de masse dans laquelle le seul et véritable héros serait le peuple. Tous les personnages principaux du film sont des représentants presque égaux de son thème ; Le sens de l'image ne s'incarne pas dans la représentation d'un seul acte héroïque, mais dans une transmission minutieuse et précise de la psychologie des masses. Les travaux sur « Le dernier jour de Pompéi » ont duré près de six ans.
Le thème du tableau est tiré de l’histoire romaine antique.
Pompéi (ou plutôt Pompéi) - une ancienne ville romaine située au pied du Vésuve - le 24 août 79 après JC, à la suite d'une puissante éruption volcanique, elle fut remplie de lave et recouverte de pierres et de cendres. Deux mille habitants (dont environ 30 000 au total) sont morts dans les rues de la ville lors d'une bousculade.
Pendant plus de mille cinq cents ans, la ville est restée enfouie sous terre et oubliée. Ce n'est qu'à la fin du XVIe siècle, lors de travaux de fouilles, que l'on découvrit accidentellement un endroit où se trouvait autrefois une colonie romaine perdue. Dès 1748, les fouilles archéologiques commencèrent, notamment relancées au premier décennies du XIX siècle.
Au centre de l’image se trouve la figure prostrée d’une jeune femme qui est morte d’une chute d’un char. On peut supposer que dans cette figure, Bryullov voulait symboliser tout le monde antique mourant ; une allusion à une telle interprétation se retrouve également dans les critiques des contemporains. Ce n'est pas un hasard si, à côté de la figure centrale de la femme assassinée, l'artiste a représenté un beau bébé, symbole du pouvoir inépuisable de la vie. Dans l'image, il y a à la fois un prêtre païen et un prêtre chrétien, comme s'il personnifiait le monde antique en voie de disparition et la civilisation chrétienne émergeant sur ses ruines.
En tant que peintre de grand talent, Bryullov a détruit avec ses œuvres le cadre étroit des canons académiques. Ses œuvres se distinguaient invariablement par l'étendue de leur concept.
Dans son travail, l'artiste principalement prêté attention à la personne, révélant la puissance de son esprit et affirmant la noblesse de ses aspirations. Dans chaque œuvre de Bryullov, dans chacune de ses toiles et dans chacun de ses dessins, l'amour et le respect de l'homme sont invariablement incarnés - « Le génie de l'art » (35), « Narcisse regardant dans l'eau » (36), « Junon endormie » (37).
Les réalisations de l’artiste dans le domaine du portrait ne sont pas fortuites. Bryullov a imprimé toute une série d'images de ses contemporains. Outre les portraits commandés par les autorités, il nous a laissé un certain nombre d'images profondément réalistes d'artistes, de personnes de son entourage - écrivains, artistes, acteurs - "Cavalière" (38), "La bonne aventure de Svetlana" (39), "Portrait de la princesse Volkonskaya" (40), "Femme turque" (41), "Rêve d'une nonne" (42), "Profil de la tête de Glinka" (43).
ALEXANDRE IVANOV (1806-1858)
Une page nouvelle et encore plus significative de l'histoire de la peinture russe fut l'œuvre d'Alexandre Ivanov. Ayant reçu une éducation artistique à Saint-Pétersbourg, Ivanov, en tant que retraité de la Société pour l'encouragement des arts, fut envoyé en Italie pour améliorer et étudier l'art classique.
Élevé par son père, professeur de peinture historique à l'Académie des Arts, dans les traditions du classicisme russe, Ivanov a ressenti avec acuité le déclin de ce style dans les nouvelles conditions historiques et l'effondrement des idéaux et idées esthétiques récemment dominants. Il s'est fixé pour objectif de toute sa vie de redonner à l'art sa signification sociale. Selon lui, les réalisations créatives des grands artistes classiques auraient dû être liées aux nouvelles idées avancées de la société russe.
"Combiner la technique de Raphaël", écrit-il, "avec les idées d'une nouvelle civilisation - telle est la tâche de l'art à l'heure actuelle". « L'apparition du Christ à Marie-Madeleine » (44),
- appartient à la première période de l'œuvre d'Ivanov et présente toutes les caractéristiques inhérentes au classicisme : composition équilibrée, répartition des figures et des objets selon les plans, motif lisse et couleur locale, expressivité émotionnelle dans l'interprétation des thèmes mythologiques et évangéliques traditionnels. Valeur leader car Ivanov sont des images de l’art de la Renaissance italienne. Le tableau met fin à la première période de travail de l’artiste « Apollon, Hyacinthe et Cyprès, engagés dans la musique et le chant » (44a), créé par Ivanov déjà à Rome, qui se distingue par son harmonie compositionnelle et coloristique inhabituellement subtile et sa sublimité poétique dans l'interprétation des images mythe ancien
. C'est l'Antiquité perçue à travers la Renaissance. L'artiste semble révéler le sens divin caché de la nature. Le grand artiste russe Alexandre Andreïevitch Ivanov a enrichi la peinture russe et européenne du XIXe siècle de la profondeur de la pensée philosophique. Dans son œuvre, Ivanov soulève de nombreux problèmes de la vie contemporaine : l'artiste fut le premier de la peinture russe à évoquer. Sa vision du monde s'est formée sous l'influence de N.V. Gogol, avec qui l'artiste était ami au cours de ces années. Gogol a largement influencé les idées d’Ivanov sur les tâches éducatives de l’art. Ivanov a réalisé rôle éducatif et prophétique de l'artiste, il croyait que l'art devait servir à la transformation et à l'amélioration morale de l'humanité. L'artiste a cherché à comprendre
Dans la culture russe de la première moitié du XIXe siècle, le romantisme a ses spécificités. La croyance dans les idéaux des Lumières en matière de raison, de progrès et de droits individuels fondamentaux - tout cela était encore d'actualité en russe. vie publique première moitié du siècle.
L'image d'une personne a reçu une profonde incarnation poétique dans l'œuvre du plus grand portraitiste russe du 1er tiers du XIXe siècle.
Orest Adamovitch Kiprensky. (1782-1836).
Le plus grand maître du portrait romantique.
Quand on regarde les portraits de Kiprensky, il semble que l’on voit peuple libre. Aucun de ses contemporains n’a réussi à exprimer de cette manière ce sentiment d’homme nouveau.
Parmi les œuvres les plus significatives de Kiprensky figurent les portraits de militaires ayant participé aux campagnes antinapoléoniennes du début du siècle.
1809. Calendrier
Portrait des A.A. Chelishcheva. 1808 - début 1809 Galerie Tretiakov fait référence à la première période de la créativité d’O.A. Kiprenski.
L'ère du romantisme crée une attitude tout à fait particulière envers le concept d'enfance. Si les portraitistes du XVIIIe siècle représentaient généralement un enfant comme un petit adulte, alors les romantiques voyaient en lui un monde de personnalité spécial et unique, qui restait encore pur et insensible aux vices des adultes.
Portrait de la comtesse Ekaterina Petrovna Rostopchina. 1809. Galerie Tretiakov.
Certaines des images féminines qu’il a créées sont particulièrement charmantes.
Elle n’a pas d’égal dans toute la peinture mondiale du XIXe siècle, en termes de pouvoir d’expression de la beauté spirituelle, comme si elle anticipait l’image de la Tatiana de Pouchkine.
Alors qu'il vivait à Saint-Pétersbourg, Kiprensky s'est rapproché des personnalités les plus marquantes de son siècle.
Les tendances romantiques de l’œuvre de Kiprensky s’incarnent dans le portrait du célèbre poète russe V.A. Joukovski.
Portrait d'E.S. Avduline. 1822-1823.
- l'une des meilleures œuvres de feu Kiprensky.
apparaît devant le spectateur comme un homme d'une grande subtilité et noblesse spirituelle, possédant un monde intérieur profondément caché.
Dans le portrait de Pouchkine, l’artiste traduit avec précision les caractéristiques de l’apparence du poète, mais refuse systématiquement tout ce qui est ordinaire. Comprendre le caractère unique de la tâche - capturer l'apparence du grand poète - O.A. Kiprensky combinait harmonieusement l'esprit de liberté romantique et le pathétique des grands classiques.
Combustion créative.
« Je me vois comme dans un miroir, mais ce miroir me flatte».
O.A. Kiprensky. "Autoportrait". 1828
Tropinine, Vassili Andreïevitch(1776-1857) - Artiste russe, académicien, maître du portrait. Par origine - un paysan serf. Tropinin n'a pas réussi à obtenir son diplôme de l'Académie. Le comte Morkov interrompit ses études en 1804, convoquant Kukavka dans son domaine ukrainien. Au jeune artiste il devait être peintre en bâtiment et en même temps exercer les fonctions d'homme de jardin. À partir de 1821, il vécut définitivement à Moscou, où il acquit reconnaissance et renommée.
Les images de personnes créées par Tropinin sont largement connues.
« Tropinin avait peu de rivaux dans son talent artistique. En 1818, alors qu'il était encore serf et vivait avec son maître dans le domaine de Kukavka en Ukraine, il écrivit « Portrait d'un fils » - étonnant par son charme pittoresque et sa manière libre de peindre. Ce portrait d'un garçon blond et bronzé rayonne, vit et respire. Après cela, Tropinin travailla encore quarante ans, immortalisa un grand nombre de personnes, développa des méthodes de portrait plus ou moins stables, perfectionna sa technique, mais le portrait de son fils resta inégalé, à l'exception peut-être du portrait de Pouchkine, peint la même année que Kiprensky et ne lui est pas inférieur "(Dmitrieva N.A. Brève histoire de l'art. Numéro III : Pays Europe de l'Ouest XIXème siècle; Russie du 19ème siècle. - M. : Art, 1992. P. 198-200.).
Le meilleur du cercle des portraits tropinins des années 1820
La lèvre supérieure légèrement relevée donne au visage du poète une touche d’animation sobre.
La robe brun lilas est drapée de larges plis lâches ; Le col de la chemise est grand ouvert, la cravate bleue est nouée volontairement avec désinvolture.
La couleur a la fraîcheur de l’observation directe. Les reflets de la chemise à col blanc, mettant en valeur le menton et le cou nu de la personne représentée, sont rendus de manière convaincante.
Etant déjà un artiste célèbre, Tropinin a créé une sorte de maison, portrait intime avec des éléments peinture de genre. En règle générale, il s’agit d’une image à mi-corps d’une personne effectuant son activité habituelle.
La jolie fille rusée est pleine de grâce, comprise par ses contemporains comme un « plaisir » particulier, comme quelque chose qui « captive le cœur », mais « impossible à comprendre avec l'esprit ».
L'année où le tableau a été peint, Vasily Andreevich Tropinin, l'artiste serf du comte Morkov, a obtenu sa liberté. Il avait 47 ans. La même année, il expose à l'Académie des Arts sa « Dentellière », qui gagne immédiatement en popularité, qui ne l'a pas quitté jusqu'à ce jour.
Venetsianov Alexeï Gavrilovitch. 1780-1847. le premier peintre russe qui a consciemment choisi le genre quotidien comme base de son œuvre.
C'est à lui qu'on attribue l'établissement du genre quotidien dans l'art russe en tant que type de peinture indépendant.
Il a développé une forme de peinture de genre à plusieurs figures, dans laquelle le paysage ou l'intérieur joue souvent un rôle important. Venetsianov fut également le premier à attirer l'attention sur certains types populaires. Sa peinture est nationale et démocratique.
En 1811, il est reconnu par l’Académie des Arts comme « désigné » pour son autoportrait.
La première œuvre fondamentale de Venetsianov fut le tableau « La Grange », qui ouvrit de nouvelles voies à la peinture russe.
L'artiste a créé un idéalisé image poétique la vie paysanne. Travailler à l'extérieur a permis à Venetsianov d'utiliser les effets de la lumière du jour et de compliquer la palette.
Brioullov Karl Pavlovitch(1799-1852). Peintre, dessinateur. Maître de la peinture historique, portraitiste, peintre de genre.
Il surmonte la mort des canons du classicisme avec un désir romantique de remplir l'image de sentiments vivants.
des principes réalistes constituent la base
La joie d'être, un sentiment de vie joyeux et plein de sang, fusionnant avec l'environnement scintille. Les rayons du soleil pénètrent dans le feuillage de la vigne, glissent sur les mains, le visage et les vêtements de la jeune fille ; une atmosphère de connexion vivante entre l'homme et la nature est créée. Le visage de la jeune fille aux traits absolument réguliers et aux grands yeux pétillants est d'une beauté idéale, il semble presque en porcelaine (un effet fréquent chez Bryullov). L'apparence de type italien était alors considérée comme parfaite, et l'artiste en joue avec plaisir.
Le comité de la Société, ayant reçu « Midi », reproche prudemment à l'artiste d'avoir choisi un modèle qui ne répondait pas aux idéaux classiques des connaisseurs de Saint-Pétersbourg.
Ligne épicurienne
Ligne tragique dans la créativité
Le dernier jour de Pompéi. 1830-1833. Musée d'État russe Huile sur toile. 465,5 x 651
Pour la première fois dans la peinture russe, le classicisme se conjugue avec une perception romantique du monde. Il convient de noter que pour K.P. Pour Bryullov, la vérité de la réalité historique était importante. Il a étudié les sources écrites sur la tragédie de Pompéi (Pline le Jeune, Tacite), ainsi que Recherche scientifique dédié aux fouilles archéologiques.
Ses héros dans dernier moment les vies démontrent la dignité humaine et la grandeur d’esprit face aux éléments aveugles du mal.
Contrairement à ce que l'on voit dans les peintures classiques, le centre de la composition n'est pas ici le personnage historique principal (qui n'existe tout simplement pas), mais la mère décédée, à côté de laquelle est représenté un enfant encore vivant, saisi d'horreur. Le concept de la toile se révèle dans le contraste entre la vie et la mort.
Ainsi, pour la première fois, le peuple entra dans la peinture historique russe, même s'il était représenté de manière plutôt idéalisée.
Portrait Grande-Duchesse Elena Pavlovna avec sa fille Maria. 1830. Musée russe Finalement, Briullov en arrive à l'image de la Grande-Duchesse en mouvement. Désormais, dans les grands portraits, il utilisera cette technique, qui contribue à rehausser l'expressivité de l'image.
Cavalier. Portrait de Giovanina et Amazilia Pacini, élèves de la comtesse Yu.P. Samoïlova. 1832. Galerie Tretiakov
Au début des années 1830, K.P. Bryullov a pris l'une des principales places dans l'art russe et dans tout l'art d'Europe occidentale. Sa renommée en tant que maître exceptionnel du portrait a été consolidée par « La Cavalière », peinte en Italie.
Le portrait cérémonial de Bryullov est marqué par des caractéristiques innovantes. Contrairement aux héros des portraits de cérémonie du XVIIIe siècle, où la tâche principale était de souligner la position sociale de la personne représentée et ses vertus publiques, les personnages de Briullov font avant tout preuve de spontanéité, de jeunesse et de beauté.
Portrait de Son Altesse Sérénissime la Princesse Elizaveta Pavlovna Saltykova, née Comtesse Strogonova, épouse de Son Altesse Sérénissime le Prince I.D. Saltykova. 1841. Calendrier
Portrait de la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova, née comtesse Palen, quittant le bal avec sa fille adoptive Amazilia Paccini. 1842. Calendrier
le dernier ouvrage important de K.P. Bryullov et l'une de ses meilleures œuvres dans le genre du portrait cérémonial, caractérisé par une ambiance optimiste et romantique.
L’artiste a présenté son héroïne déguisée en reine, sur fond de rideau de théâtre luxuriant qui la séparait des participants au bal.
souligne sa position dominante dans la foule, l'exclusivité de sa nature.
Ivanov Alexandre Andreïevitch(1806-1858) - peintre, dessinateur. Maître de peinture historique, peintre paysagiste, portraitiste. Créativité des AA Ivanova se situe au centre de la quête spirituelle de la culture russe du XIXe siècle.
La plus haute réalisation de la peinture historique russe est associée au travail de A. Ivanov. Fils du professeur A.I. Ivanov, il a étudié à l'Académie des Arts, maîtrisant avec brio la composition et le dessin (outre son père, ses professeurs étaient Egorov et Shebuev.
En 1824 Ivanov a peint sa première grande peinture à l'huile, « Priam demandant à Achille le corps d'Hector » (Galerie Tretiakov), pour laquelle il a reçu une petite médaille d'or. Déjà dans ses premiers travaux, Ivanov révèle un désir d'expressivité psychologique et de précision archéologique. Lorsque le tableau a été présenté à l’exposition, les critiques ont noté l’attitude attentive de l’artiste à l’égard du texte d’Homère et la forte expression des personnages du tableau.
A l'exposition de 1827 Le deuxième tableau d'Ivanov est apparu, "Joseph interprétant les rêves du boulanger et du majordome" (Musée russe), qui a reçu une grande médaille d'or de la Société pour l'encouragement des artistes. Ici l'expression des visages et la plasticité incomparable des personnages surpassaient de loin « Priam », témoignant du talent exceptionnel de l'artiste et de son évolution rapide. Les figures lumineuses sur fond sombre donnent l’impression de statues. Les plis fluides de la robe antique de Joseph sont traités avec une étonnante perfection. Joseph dit au boulanger quelque chose de terrible à considérer, en lui montrant un relief représentant une exécution gravé sur le mur de la prison. L'échanson attend avec impatience et avec un espoir brillant ce que le devin dira de lui. Le boulanger et l'échanson se ressemblent, comme des frères, c'est pourquoi sur leurs visages apparaissent des expressions de sentiments opposés : le désespoir et l'espoir. Le relief égyptien composé par Ivanov montre qu'il était déjà familier avec l'archéologie égyptienne et qu'il possédait un sens subtil du style. Dans toutes ses premières œuvres, Ivanov recherchait des mouvements émotionnels forts, exprimés sous une forme extrêmement claire.
Cependant, ce tableau a failli conduire à l’effondrement de la carrière d’Ivanov, qui avait si brillamment commencé. L'image (sous forme de bas-relief) d'une exécution sur le mur du donjon a été interprétée comme une allusion audacieuse aux représailles de Nicolas Ier contre les décembristes. Hood a à peine réussi à s'échapper de la Sibérie. Et malgré le fait qu'Ivanov ait reçu une grande médaille d'or, la question de son affectation à l'étranger s'éternisait. La Société pour l'encouragement des artistes, ayant l'intention d'envoyer Ivanov en Italie pour se perfectionner, décide de tester à nouveau ses capacités en fixant un nouveau sujet : « Bellérophon fait campagne contre la Chimère » (1829, Musée russe).
Il s'est néanmoins vu attribuer un voyage d'affaires à l'étranger. À cette époque, Ivanov était déjà l'auteur de plusieurs peintures, réalisait des dessins de grande taille à partir de statues anciennes - "Laocoon", "Vénus de Médicée", "Le Combattant Borghésien" (tous dans la Galerie nationale Tretiakov) et de nombreux dessins d'universitaires. des modèles. Ses premiers albums incluent également ligne entière des croquis au crayon et à la sépia sur des thèmes historiques et antiques, parmi lesquels quelques croquis d'après nature ; Les portraits sont encore plus rares. Un petit autoportrait (1828, Galerie Tretiakov), peint à l'huile, date d'avant son départ à l'étranger.
En hommage au classicisme, Ivanov commence à Rome un tableau dans l'esprit de Poussin « Apollon, Hyacinthe et Cyprès engagés dans la musique et le chant » (1831-1834, Galerie Tretiakov), en utilisant des monuments de sculpture antique. Le tableau est resté inachevé. Malgré cela, c’est l’une des œuvres les plus parfaites du classicisme russe. Les personnages joliment regroupés semblent être des statues animées.
Le feuillage des arbres contraste merveilleusement avec la couleur des corps nus : la couleur délicate du corps de Jacinthe, la couleur sombre du Cyprès et la figure d'Apollon, comme taillée dans l'ivoire. L’image est une composition musicalement harmonieuse et harmonieuse. Une comparaison des croquis montre qu'Ivanov recherchait consciemment la beauté musicale des lignes douces et la perfection plastique des formes. Le visage merveilleusement inspiré d'Apollon. Prenant la tête d'Apollon Belvédère comme base de l'image, Ivanov lui a insufflé une nouvelle vie - la vie des sentiments. Cette méthode de traitement des images anciennes est devenue la principale pour Ivanov tout au long de la première moitié de son œuvre.
En relisant les évangiles, Ivanov a finalement découvert un complot que personne n'avait imaginé auparavant : la première apparition du Messie (Christ) devant le peuple attendant la réalisation de ses aspirations les plus chères, prédite par Jean-Baptiste. Ivanov considérait que ce complot contenait tout le sens de l'Évangile. À son avis, ce complot pourrait incarner les idéaux moraux élevés de toute l’humanité tels que les comprenaient leurs contemporains. Les travaux sur les esquisses du tableau commencèrent à l’automne 1833.
Dès le début de son œuvre, l'artiste a conçu l'intrigue plus comme historique que religieuse, éliminant tous les traits de son interprétation mystique. Il élabore un plan d'une durée d'une décennie, en accord avec l'extrême complexité du plan. Ce plan a effrayé les « bienfaiteurs » méfiants d’Ivanov à Saint-Pétersbourg en raison de sa durée et de son coût élevé. Malgré les menaces de la Société pour l'encouragement des artistes de le priver de tout moyen de subsistance, Ivanov n'a pas abandonné. Il a étudié en profondeur les monuments de l'art ancien et peinture monumentale Renaissance italienne. Impossible de se rendre en Palestine pour rencontrer types folkloriques et des paysages de lieux associés à la légende évangélique, Ivanov a cherché la nature correspondante en Italie.
En 1835 Ivanov a terminé et envoyé à Saint-Pétersbourg pour l'exposition académique « L'apparition du Christ à Marie-Madeleine après la résurrection » (Musée russe) ; Le succès du film dépasse les attentes de l'artiste : il reçoit le titre d'académicien et son séjour en Italie est prolongé de trois ans.
Dans le caractère statuaire des personnages de ce tableau (en particulier le Christ, qui rappelle une statue de Thorvaldsen), dans les draperies et le paysage conventionnels, qui servent de fond presque neutre aux personnages, Ivanov a rendu le dernier hommage à l'académisme. Cela correspondait pleinement à l'intention originale du tableau, dans laquelle l'artiste entendait montrer sa capacité à représenter le corps humain nu et les draperies. Cependant, parallèlement à cela, il était fasciné par la tâche de représenter un beau visage féminin en pleurs et le mouvement de la figure. Il n'a pas osé apporter des changements plus radicaux au tableau, même si les compositions de Giotto qu'il a vues en Italie sur le même sujet ont donné naissance à l'idée d'abandonner complètement la « pièce de nudité officielle ».
L’expression complexe du visage de Madeleine (sourire à travers les larmes) et la position réussie des jambes du Christ (basée sur une connaissance approfondie de l’anatomie et donnant à sa silhouette l’illusion du mouvement) sont les caractéristiques les plus réalistes du tableau dans sa structure académique générale.
Après avoir terminé ce travail, l'artiste se consacre à nouveau entièrement au développement de l'idée principale. L’œuvre sur « L’Apparition du Christ au peuple » (1837-1857, Galerie Tretiakov) occupa la majeure partie de la vie d’Ivanov. De nombreux matériaux survivants (croquis, esquisses, dessins) et une abondante correspondance de l'artiste permettent de reconstituer les principales étapes de cette énorme œuvre. Les premiers croquis remontent à 1833, ils ont donc été réalisés avant le premier voyage en Italie.
En 1837 la composition du tableau était déjà si développée que l'artiste a pu le transférer sur une grande toile, et l'année suivante il l'a ombré et l'a peint en terdesien.
K1845 « L'apparition du Christ au peuple » était, pour l'essentiel, terminée, à l'exception de quelques détails (le visage d'un esclave, les personnages sortant de l'eau, le groupe du milieu).
Les travaux ultérieurs se sont déroulés dans deux directions - la plus grande précision des caractères des personnages et la seconde - l'étude du paysage sur des sujets individuels déterminés par la composition de l'image (arbres de premier plan, terre, pierres, eau, arbres de fond et montagnes). . Il est possible que tout ce travail ait été précédé d'une recherche du ton général du tableau, pour lequel Ivanov a écrit à Venise, à proximité immédiate des grands coloristes vénitiens, une petite esquisse (« Esquisse dans les tons vénitiens », 1839, Tretiakov Gallery), qui a largement prédéterminé la couleur du tableau « L’apparition du Christ au peuple ».
Fin 1838 il y a eu une interruption du travail. A cette époque, Ivanov rencontre N.V. Gogol, qui arrive ensuite à Rome. Ils devinrent amis. Leur amitié était marquée par l’attrait inattendu d’Ivanov pour les thèmes de la vie des gens. Sous l'influence de l'écrivain, Ivanov a créé un certain nombre d'aquarelles de genre représentant des scènes de la vie des gens ordinaires. Ils sont poétiques, vitaux et empreints de chaleur spirituelle. Des compositions complexes à plusieurs figures sont unies par l'action de la lumière. La lune déverse sa lumière calme sur un groupe d'enfants et de filles chantant en chœur l'Ave Maria (« Ave Maria », 1839, Musée russe), les lumières chaudes des bougies se reflètent par des reflets sur leurs visages et leurs vêtements. Sous les rayons brûlants du soleil du sud, se joue une douce scène (« Le marié choisit des boucles d'oreilles pour la mariée », 1838, Galerie Tretiakov) Les figures des filles de l'aquarelle « Vacances d'octobre à Rome » sont pleines de mouvements détendus. . À Ponte Mole » (1842, Musée Russe). Dans l'aquarelle « Vacances d'octobre à Rome. Scène dans la Loggia » (1842, Galerie Tretiakov) représente une danse ludique. Les mouvements rapides des personnes entourant le grand Anglais s'expriment par une silhouette complexe et belle. Sans l'influence de Gogol, l'apparition de ces scènes de genre est inexplicable.
Dans toutes les aquarelles d’Ivanov, le principe de connexion psychologique entre les figures humaines prévaut sur le principe de composition architecturale classique. L'artiste y recherchait clairement la véracité des mouvements des personnages et de leurs relations.
Dans les deux premières aquarelles du genre, Ivanov était pratiquement confronté à des problèmes d'éclairage. Cette tâche était particulièrement difficile dans l'aquarelle « Ave Maria », dans laquelle le froid et même Clair de lune combinée à la lumière chaleureuse et respectueuse des bougies et à la douce lumière d'une lanterne devant l'image de la Madone.
Le problème de la transmission de la lumière solaire, qui occupait particulièrement l'artiste à la fin des années 40, a été posé pour la première fois par lui dans l'aquarelle susmentionnée «Le marié choisit des boucles d'oreilles pour la mariée». La comparaison de deux versions de ce dessin (THG et GRM) montre qu'Ivanov a cherché à utiliser l'éclairage comme principe unificateur.
K1845 « L'apparition du Christ au peuple » était, pour l'essentiel, terminée, à l'exception de quelques détails (le visage d'un esclave, les personnages sortant de l'eau, le groupe du milieu).
Pour résoudre le problème : pour représenter l'humanité en attente de libération, Ivanov se considérait comme ayant le droit d'utiliser tout ce qui avait été réalisé auparavant par l'art mondial. Il a tiré des exemples d'art plastique de l'Antiquité sculpture grecque, étudiant les originaux anciens à Rome et à Florence, il étudie la peinture de la Renaissance : Léonard de Vinci, Fra Bartolomeo, Ghirlandaio et surtout Raphaël.
De toute évidence, dès les premiers pas du travail sur la composition du tableau, Ivanov a ressenti le besoin d'organiser les figures humaines en groupes, liés par des points communs ou, au contraire, juxtaposés dans des contrastes délibérés. Ces groupes étaient définis comme suit: un vieillard et un jeune homme sortant de l'eau, un groupe de disciples conduit par le Baptiste et fermé à gauche par la figure d'un sceptique, au premier plan un groupe d'un homme riche et d'un esclave, et enfin, un groupe de père et fils tremblants encadrant toute la composition à droite. De plus, de nombreux personnages sont placés dans l’ombre, au milieu du tableau, dans la foule occupant la partie supérieure droite de la toile. Ces personnages sont également organisés en groupes.
La figure de Jean-Baptiste revêt une importance décisive. Il est situé presque au centre et organise l’ensemble de la composition grâce à sa force puissante. Dans sa représentation de Baptiste, Ivanov a utilisé des monuments de la peinture italienne et, surtout, Raphaël, ce qui n'a en aucun cas privé l'image de sa propre expressivité. John sur la photo est plein d'un tempérament fougueux ; il brûle le cœur des gens avec son verbe. D’un geste incroyablement puissant, il désigne le Messie qui approche. Il fut le premier à voir et à reconnaître le Messie. Son geste détermine le mouvement de toute la structure compositionnelle du tableau.
L'artiste s'est fixé pour objectif de réaliser chez chacun des personnages l'expression extrêmement typique de chaque personne. personnage. Il réussit surtout dans les images du Baptiste, des apôtres Jean, André, Nathanaël et de l'esclave, dont les croquis sont parmi les meilleurs. Il n’est pas étonnant que Kramskoï considérait le baptiste d’Ivanovo comme « un portrait idéal ».
Il est caractéristique qu'un véritable portrait soit sous-jacent à chaque personnage, à chaque type inclus dans l'image. À l'étape suivante, l'art attire les têtes de sculptures anciennes, comme s'il les façonnait avec les caractéristiques classiques de la nature vivante.
«L'Apparition du Christ au peuple» combine la haute idée de la libération de l'humanité avec une forme monumentale.
Vers 1845 comprennent des croquis de la peinture murale « La Résurrection du Christ », destinée à la cathédrale du Christ-Sauveur, construite par K.A. Ton. Durant cette période, Ivanov a eu l'idée de créer toute une série de peintures sur des sujets bibliques. Ces peintures étaient censées recouvrir les murs d'un bâtiment public(pas des églises, comme l'artiste lui-même l'a toujours souligné). Leurs thèmes et leur séquence étaient plus cohérents avec le livre « La Vie de Jésus » de D. Strauss, mais étaient basés sur des auto-apprentissage sources primaires par l'artiste lui-même. Ivanov avait l'intention de présenter ici l'évolution des croyances humaines dans leur étroite interconnexion et leur conditionnement historique. Dans le cycle de croquis qui incarnait ce plan, les problèmes des destinées historiques du peuple, des relations entre le peuple et l'individu, si typiques de l'historicisme romantique, ont reçu la solution la plus profonde par rapport à toute la peinture historique russe du 2 /3 siècle. L’abondance et la variété infinie des œuvres d’Ivanov sont étonnantes. croquis à l'aquarelle sur des sujets bibliques (presque tous sont conservés à la Galerie nationale Tretiakov).
Il est difficile de sélectionner le meilleur parmi les croquis. Par conséquent, vous devez vous concentrer uniquement sur les plus caractéristiques. Tel est par exemple le croquis «Trois étrangers annoncent à Abraham la naissance d'Isaac», dont la composition étonne par sa monumentalité, l'unité de l'homme et de la nature et l'expressivité des figures. Non moins intéressante est « Collecte de manne dans le désert » - une scène de masse dans laquelle des gens qui courent sont capturés par un joyeux tourbillon, ou « Procession des prophètes », pleine d'un rythme puissant et époustouflant. Bien que le plan d’Ivanov ne soit resté que sous forme d’esquisses, ces esquisses appartiennent au plus grand patrimoine de l’art.
Ses paysages sont magnifiques. « Voie Appienne » (1845, Galerie Tretiakov). « La Baie de Naples près de Castellammare » (1846, Galerie Tretiakov). Ivanov a pris de manière décisive la voie du plein air. Dans sa peinture, la nature n'est pas à travers le mythe, comme dans les œuvres des classiques, mais à travers la réalité.
L’œuvre d’Ivanov, allant bien au-delà des idéaux romantiques de l’époque, est l’expression la plus puissante de l’orientation réaliste de l’art russe du milieu du XIXe siècle.
Dans les premières années de sa retraite en Italie, au début des années 1830, Ivanov peint le magnifique tableau « Apollon, Cyprès et Hyacinthe engagés dans la musique et le chant ».
De brillants croquis de peintures pour le « Temple de l'humanité » qu'il a conçu dans « Esquisses bibliques », Ivanov a cherché à combiner organiquement la vérité de l'Évangile avec. vérité historique, le légendaire et le mythique avec la réalité, le sublime avec l'ordinaire, le tragique avec le quotidien.
Art du milieu (années 40 à 50) du XIXe siècle – la période « Gogol » de la culture russe
Fedotov, Pavel Andreïevitch(1815-1852) - célèbre artiste et dessinateur russe, fondateur réalisme critique dans la peinture domestique.Dans l’œuvre de Fedotov, pour la première fois dans l’art russe, le programme du réalisme critique a été mis en œuvre. Cette « orientation accusatrice » se reflète également dans « Le petit-déjeuner d’un aristocrate ».
Fedotov a réalisé le tableau «La Veuve» en plusieurs versions, se dirigeant constamment vers son objectif: montrer le malheur humain tel qu'il est réellement.
Le tableau « Ancre, plus d’ancre ! » de couleur constante - rouge boueux et une humeur émotionnelle inquiétante. La toile est vraiment tragique : elle met en avant la mélancolie du quotidien disgracieux et l'absurdité de l'existence.
Peinture de la première moitié du XIXe siècle La première moitié du XIXe siècle est une page lumineuse de la culture russe. Toutes les directions - peinture, littérature, architecture, sculpture, théâtre de cette époque sont marquées par toute une constellation de noms qui ont fait la renommée mondiale de l'art russe.
La peinture dans la première moitié du XIXe siècle revêtait une grande importance dans la vie de la société. Le développement de la conscience nationale, provoqué par la victoire dans la guerre patriotique de 1812, a accru l'intérêt du peuple pour la culture et l'histoire nationales, pour les talents nationaux. Ainsi, au cours du premier quart du siècle, naissent pour la première fois des organismes publics dont la tâche principale est le développement des arts : la Société Libre des Amoureux de la Littérature, des Sciences et des Arts, la Société pour l'Encouragement des Artistes. Des magazines spéciaux parurent et les premières tentatives furent faites pour collectionner et exposer l'art russe. Le petit « Musée russe » privé de P. Svinin est devenu célèbre et la Galerie russe a été créée à l'Ermitage impérial en 1825. Depuis le début du siècle, la pratique de l'Académie des Arts comprend des expositions périodiques, qui attirent de nombreux visiteurs. Dans le même temps, l'admission du peuple à ces expositions certains jours était une grande réussite.
Au tout début du XIXe siècle, le classicisme joue un rôle important dans la peinture. Cependant, dans les années 1830, cette direction perdait progressivement sa signification sociale et se transformait de plus en plus en un système de canons et de traditions formels. Le romantisme, mouvement européen né au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, a apporté de la nouveauté à l’art russe. L’un des principaux postulats du romantisme, contrairement au classicisme, est l’affirmation de la personnalité d’une personne, de ses pensées et de sa vision du monde comme valeur principale de l’art. Garantir le droit d'une personne à l'indépendance personnelle a suscité un intérêt particulier pour son monde intérieur et a en même temps présupposé la liberté de créativité de l'artiste. En Russie, le romantisme a acquis sa propre particularité : au début du siècle, il avait une connotation héroïque, et pendant les années de la réaction de Nicolas, il avait une connotation tragique. Ayant pour particularité la connaissance d'une personne spécifique, le romantisme est devenu la base de l'émergence et de la formation ultérieures du mouvement réaliste, qui s'est imposé dans l'art dans la seconde moitié du XIXe siècle. Un trait caractéristique du réalisme était son appel au thème de la vie populaire moderne, l'établissement de nouveaux thèmes dans l'art de la vie paysanne. Ici, il faut tout d'abord noter le nom de l'artiste A.G. Venetsianova. Les découvertes les plus réalistes de la première moitié du XIXe siècle se reflètent dans les années 1960 dans les travaux de P.A. Fedotova.
Le portrait se caractérise par des réalisations exceptionnelles dans l'art russe de la première moitié du XIXe siècle. Le portrait russe est le genre de peinture qui relie le plus directement les artistes à la société et à des contemporains exceptionnels. L'épanouissement du portrait est associé à la recherche de nouveaux principes de créativité artistique et à la diffusion du romantisme en Russie. Le romantisme est inhérent aux portraits des artistes O.A. Kiprensky, V.A. Tropinin, K.P. Le plus portraitistes célèbres cette fois - Kiprensky O.A. et Tropinin V.A. Kiprensky O.A. «Autoportrait» Tropinin V.A. "Autoportrait", 1846
Kiprensky O.A. (). Une page particulière de la peinture russe - portraits féminins artiste. Chacun de ses portraits captive par un aperçu des profondeurs spirituelles de l'image, une originalité unique de l'apparence et d'excellentes compétences d'interprétation. Les portraits les plus célèbres d'E.S. Avdulina (1822), E.A. Teleshova (1828), D.N. Queue (1814). L’un des sommets de l’œuvre d’Orest Adamovich est le portrait d’E.P. Rostopchina (1809). Portrait d'E.S.Avdulina Portrait d'E.A.Teleshova Portrait de D.N.Khvostova Portrait d'E.P.Rostopchina
Le célèbre portrait du poète A.S. Pouchkine (l'une des meilleures œuvres de toute une vie) de Kiprensky. Le poète lui-même a écrit à propos de cette image : « Je me vois comme dans un miroir. Mais ce miroir me flatte. Portrait du colonel hussard à vie E.V. Davydov (1809). L'image de Davydov, créée par Kiprensky, apparaît devant le spectateur comme un symbole de l'époque des guerres avec Napoléon, à la veille de la guerre patriotique de 1812.
Tropinine Vasily Andreevich (). Fils de serf, lui-même serf jusqu'en 1823. Sa capacité à dessiner est apparue dans l'enfance ; il a étudié à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, a connu de brillants succès académiques et a reçu des médailles d'argent et d'or. Mais le maître l'a envoyé dans un domaine ukrainien, où l'artiste a vécu pendant environ 20 ans, a peint, construit et peint une église. Tropinine V.A. Il a peint un grand nombre de portraits, non seulement de personnages célèbres et célèbres, mais aussi de représentants du peuple. Attention particulière sont dessinés par des portraits à vie du grand poète A.S. Pouchkine et du héros de la guerre patriotique de 1812 I.P. Bagration. «Portrait de Bagration P.I.» "Portrait d'A.S. Pouchkine", 1827
Dans les portraits de ses contemporains, des gens du peuple, l'artiste montre la beauté intérieure d'une personne. Ainsi, dans le film « La Dentellière », Tropinin V.A. a réussi à trouver une rare harmonie de beauté physique et morale, de certitude sociale du type de fille du peuple et de poésie de l'image. « La Dentellière » est typique de la peinture russe de la période pré-Peredvizhniki : les traditions du XVIIIe siècle se mêlent ici aux signes de la nouvelle ère. « Fille au pot de roses », 1820 « Joueur de guitare », 1823 « Dentellière », 1823 « Couturière d'or », 1826
Karl Pavlovich Bryullov () était l'un des artistes les plus brillants et en même temps controversés de la peinture russe du XIXe siècle. Bryullov avait un talent brillant et une façon de penser indépendante. Il a grandi dans la famille d'un artiste, dès son enfance il était passionné par la peinture et à l'âge de 10 ans il entre à l'Académie des Arts. En 1822, Karl Bryullov se rend à Rome pour étudier l'art des maîtres de la Renaissance. "Autoportrait", 1834 "Autoportrait", 1848 "Portrait de la comtesse Yu P. Samoilova avec sa fille adoptive Amazilia Pacini" "Portrait d'Alexei Tolstoï", 1832
Au cours de la période de créativité italienne, Bryullov a consacré une attention particulière au portrait, a écrit portrait célèbre"Cavalier". Dans le tableau « Matin italien », il ne se tourne pas vers des sujets historiques et mythologiques, mais vers la scène quotidienne des vendanges. En 1836, Karl Pavlovich Bryullov devient professeur à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg, enseigne à l'Académie et peint également environ 80 portraits au cours de cette période. « Fortune Svetlana », 1836 « Cavalière », 1832 « Après-midi italien », 1832 « Portrait des sœurs Shishmarev, 1839
Le genre historique était considéré comme le plus élevé de l'Académie. Les meilleures œuvres de ce genre étaient les œuvres de K.P. Bryullov, dont « Le Dernier Jour de Pompéi ». Ce tableau est un exemple frappant d’art académique, mais des éléments de romantisme sont déjà visibles.
L'histoire de la création du tableau «Le dernier jour de Pompéi». En 1827, lors d'une des réceptions, l'artiste rencontra la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova, qui devint son idéal artistique, son amie la plus proche et son amour. Avec elle, Karl se rend en Italie pour inspecter les ruines des anciennes villes de Pompéi et d'Herculanum, détruites par une éruption volcanique en 79 après JC. e. Impressionné par la description d'un témoin oculaire de la tragédie de l'écrivain romain Pline le Jeune, Bryullov réalisa qu'il avait trouvé un thème pour son prochain ouvrage. Pendant trois ans, l'artiste a collecté du matériel dans les musées archéologiques et les fouilles afin que chaque objet peint sur la toile corresponde à l'époque. Tous les travaux sur le tableau ont duré six ans. Au cours du travail sur le tableau, de nombreux croquis, croquis, croquis ont été réalisés et la composition elle-même a été reconstruite à plusieurs reprises. Lorsque l'œuvre fut présentée au grand public au milieu de 1833, elle provoqua une explosion d'admiration et d'admiration pour l'artiste. Auparavant, aucun tableau de l’école de peinture russe n’avait atteint une telle renommée européenne. En 1834, lors des expositions de Milan et de Paris, le succès du tableau est étonnant. En Italie, Bryullov a été élu membre honoraire de plusieurs académies d'art et à Paris, il a reçu Médaille d'or. Le succès du film a été prédéterminé non seulement par l'intrigue bien trouvée, qui correspond à la conscience romantique de l'époque, mais aussi par la façon dont Bryullov divise la foule des mourants en groupes locaux, dont chacun illustre l'un ou l'autre affect - l'amour, le sacrifice de soi, le désespoir, la cupidité. La force montrée sur l'image, détruisant tout autour, envahissant l'harmonie de l'existence humaine, a évoqué chez les contemporains des réflexions sur une crise d'illusions, sur des espoirs non réalisés. Ce tableau a valu à l'artiste une renommée mondiale. Le client du tableau, Anatoly Demidov, l'a présenté au tsar Nicolas Ier.
Ivanov Alexander Andreevich (gg.) Une place particulière dans le genre historique est occupée par la toile monumentale d'A.A Ivanov « L'Apparition du Christ au peuple », sur laquelle il a travaillé pendant 20 ans. Exécuté dans le respect des normes fondamentales de la peinture classique, il combine les idéaux du romantisme et du réalisme. L'idée principale de l'image est la confiance dans la nécessité du renouveau moral des gens.
L'histoire de la création du tableau «L'apparition du Christ au peuple». En 1833 (de 1830 à 1858 l'artiste vécut en Italie), Alexandre Andreïevitch conçut l'idée d'une nouvelle peinture monumentale. Ce tableau de renommée mondiale devient l’apogée de son œuvre ; il révèle pleinement le puissant talent de l’artiste. Travailler sur le tableau occupait toutes les pensées et tout le temps de l’artiste ; Plus de trois cents croquis préparatoires d'après nature et croquis d'album ont été réalisés, dont beaucoup sont devenus des œuvres indépendantes. Tout en travaillant sur le tableau, Ivanov a relu la littérature sur l'histoire, la philosophie et les enseignements religieux et a repensé le concept et l'intrigue à plusieurs reprises. En Italie, l'artiste se retrouve dans une situation financière difficile. Ivanov vivait des bénéfices qu'il parvenait à obtenir auprès de diverses institutions ou mécènes. Il a économisé sur chaque petite chose. Alexandre Andreïevitch a dépensé presque tout l'argent qu'il a réussi à gagner pour entretenir un immense atelier, en achetant matériel d'art et le paiement des gardiens. Après plusieurs interruptions dans le travail sur le tableau, l'artiste le termina finalement en 1857. Mais le tableau « L'Apparition du Christ au peuple », montré par l'artiste après son retour en Russie en 1857, d'abord au Palais d'Hiver, puis à l'Académie des Arts, fut accueilli avec assez de retenue.
À propos de l'art du portrait de l'artiste Ivanov A.A. En témoigne le portrait de N.V. Gogol, peint en 1841, avec qui le peintre entretenait une étroite amitié. Tableau de la période « italienne » de l’œuvre du peintre, « L’Apparition du Christ à Marie-Madeleine après la Résurrection », à laquelle il travailla de 1834 à 1836. Cette toile a été envoyée à Saint-Pétersbourg, où elle a reçu des critiques positives. Le tableau a été placé dans galerie d'art Ermitage. Le Conseil de l’Académie a apprécié le travail de l’artiste, strictement conforme aux canons classiques, et lui a décerné le titre d’académicien.
Autoportrait, 1848 Fedotov Pavel Andreevich (). Le fondateur du réalisme critique dans la peinture russe. Dans ses peintures de genre, il exprime de grands problèmes sociaux. Durant son enfance, il a étudié au premier corps de cadets de Moscou. Grâce à sa mémoire phénoménale, Pavel étudiait bien, la science lui venait facilement. Même alors, dès les premières années de ses études, Fedotov montra un désir de peindre. Au fil du temps, le dessin est devenu une passion. Les premières œuvres de Fedotov étaient liées à des thèmes militaires. Il entre à l'Académie des Arts. Il n'a pas complètement assumé avec foi tout ce qui était enseigné à l'Académie, ce qui a déterminé la formation de sa propre vision de la peinture, différente des canons figés de l'académisme. Après sa retraite, l’artiste a créé des œuvres talentueuses à orientation sociale, montrant la position critique de l’auteur par rapport à la réalité.
"Fresh gentleman", 1846 "Fresh gentleman", 1847 La première œuvre de l'artiste P.A. Fedotov, peinte à l'huile - "Fresh gentleman" - remonte à 1846. Les professeurs universitaires et les spectateurs démocrates ont apprécié cette image de genre. Un an plus tard, Fedotov peint un autre tableau, « La mariée difficile ». Avec la participation directe de Briullov, ces deux tableaux furent acceptés pour l'exposition académique de 1847.
«Matchmaking of a Major», 1851 Pour le tableau «Matchmaking of a Major», peint plus tard, le Conseil de l'Académie a décerné à Pavel Andreevich le titre d'académicien. Les portraits occupaient une place importante dans l’œuvre de Fedotov, parmi lesquels se distingue le « Portrait de N. Zhdanovich », peint en 1849. «Portrait de N. Jdanovitch au piano», 1849
Venetsianov Alexey Gavrilovich (), le fondateur du genre domestique quotidien (peinture de genre). Ses peintures poétisent la vie du peuple russe ordinaire et sont consacrées au travail et à la vie quotidienne des paysans. «Autoportrait», 1811 Né à Moscou, dans la famille d'un commerçant. Il a étudié dans une pension privée, a travaillé dans le département des Postes et aimait peindre depuis son enfance. Il fut l'élève du célèbre artiste V.L. Borovikovski. En 1811, A.G. Venetsianov fut élu académicien de l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg.
En 1818, Venetsianov quitta service publique, se marie et part avec sa famille dans le domaine Safonkovo , qui appartenait à sa nouvelle épouse. C'est ici, loin de l'agitation de la ville, qu'Alexeï Gavrilovitch retrouve sujet principal de votre créativité. Venetsianov découvre une source d'inspiration inépuisable, une variété de sujets et d'images. L'énorme contribution d'Alexei Gavrilovich Venetsianov au développement de la peinture russe réside dans la création de sa propre école, de sa propre méthode. De portraits privés de paysans, l'artiste aboutit à de magnifiques compositions artistiques dans lesquelles la vie populaire, son aura, trouve une expression multicolore. En 1822, pour la première fois, l'œuvre de l'artiste A.G. Venetsianov fut présentée à l'empereur. Le peintre en reçut mille roubles et l'œuvre elle-même fut placée dans la salle des diamants du Palais d'Hiver. Le nom du tableau était « Nettoyer les betteraves ». Cette toile est devenue une sorte de « tournant » dans la peinture russe, l'émergence d'une nouvelle direction dans l'art russe du genre quotidien. C'est Venetsianov qui a acquis la popularité de ce style de peinture parmi le peuple.
Dans les années 1820, Alexei Gavrilovich a peint plusieurs petits tableaux, appelés « portraits de paysans », représentant des filles avec un pot de lait, une faux, des betteraves, des bleuets, un garçon avec une hache ou dormant sous un arbre, un vieil homme ou une vieille femme. « Fille au foulard », 1810 « Zakharka » « Fille au pot de lait », 1824 Paysanne aux bleuets.
« Sur les terres arables. Printemps." 1820 Aux vendanges. Été. Il convient de noter la particularité des images de paysannes, caractéristiques de nombreuses peintures de l’artiste : leur majesté, leur dignité calme, leur expression pragmatique sur leurs visages. Le prototype de la paysanne pour le tableau « Sur les terres arables. Spring » était l’épouse de l’artiste. C'est une jeune femme élancée vêtue d'une longue robe d'été, menant deux chevaux à travers un champ. Non moins célèbre est le tableau « À la récolte. Été". Cette œuvre se distingue par l’harmonie des images artistiques : l’amour de Venetsianov pour les paysans travailleurs lui a permis d’y représenter la vraie beauté.
Vérifions vos connaissances : 1. Quelles tendances artistiques coexistaient dans la peinture dans la première moitié du XIXe siècle : A) classicisme, sentimentalisme, réalisme B) réalisme, abstractionnisme, sentimentalisme C) classicisme, romantisme, réalisme 2. Quel artiste a peint le portrait d'A.S. Pouchkine, à propos duquel le poète a dit : « Je me vois comme dans un miroir. Mais ce miroir me flatte » : A) Kiprensky B) Tropinin D) Venetsianov 3. Lequel des artistes de la première moitié du XIXe siècle est le fondateur du genre domestique quotidien en peinture : A) Bryullov B) Venetsianov D) Fedotov 4. Lequel des artistes de la première moitié du XIXe siècle est le fondateur du réalisme critique dans la peinture russe : A) Tropinine B) Fedotov C) Ivanov A.A.
Réponses : 1.B) classicisme, romantisme, réalisme 2.A) Kiprensky 3.B) Venetsianov 4.B) Fedotov 5.K.P. Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » 6. A.G. Venetsianov « Sur les terres arables. Printemps" 7.P.A. Fedotov « Cavalier frais » 8.A.A. Ivanov « L'apparition du Christ au peuple » 9.V.A. Tropinin « La Dentellière » 10. O.A. Kiprensky « Portrait d'A.S. Pouchkine"
La crise du servage ralentit le développement du système capitaliste. Des idées épris de liberté émergent dans les cercles laïques, la guerre patriotique de 1812 se poursuit, ainsi que la participation des troupes russes à la libération des États européens de Napoléon, le soulèvement des décembristes de 1825 contre le tsarisme, tout cela a un impact sur la peinture.
Quelle est la différence entre peindre à l'époque du génie A.S. Pouchkine ?
Probablement l'incarnation des idéaux brillants et humains d'un peuple épris de liberté...
Parallèlement au classicisme, le mouvement romantique se développe et le réalisme se forme.
La direction romantique de la peinture russe est devenue le début du développement du réalisme au cours des décennies suivantes. C'est ainsi que se déroule le rapprochement Artistes russes, romantiques avec vrai vie, qui était l’essence du mouvement artistique de cette époque. La large diffusion des expositions témoigne en même temps du rapprochement du peuple russe avec le monde de l'art ; les gens de toutes classes s'efforcent de visiter les expositions. On pense que le tableau de K.P. Le dernier jour de Pompéi de Bryulov constitue un tel rapprochement. Les Saint-Pétersbourg de toutes les classes sociales essayèrent de la voir.
La peinture russe devient multinationale, les peintures acquièrent des nuances nationales, des étudiants de différentes nationalités sont acceptés à l'Académie. Les autochtones d'Ukraine, de Biélorussie, des États baltes, de Transcaucasie et d'Asie centrale étudient ici.
Dans la première moitié du XIXe siècle, la peinture est représentée dans tous les genres : portrait, paysage, nature morte, peinture historique.
Artistes russes célèbres de la première moitié du XIXe siècle :
Chefs-d'œuvre de la peinture russe
- Peinture de Bryullov K.P. "Le dernier jour de Pompéi"
- Peinture d'Aivazovsky I.K. "La Neuvième Vague"
- Peinture de Bruni F.A. "Serpent de cuivre"
- Peinture de Venetsianov A.G. "L'aire de battage"
- Peinture de Tropinin V.A. "La Dentellière"
La culture artistique russe, dont les origines ont commencé avec le classicisme, a acquis une sonorité populaire puissante, comme le grand classicisme, qui se reflétait dans la peinture du XIXe siècle, et est progressivement passée du romantisme au réalisme dans les beaux-arts russes. Les contemporains de cette époque appréciaient particulièrement la direction des artistes russes, dans lesquels prédominait le genre historique mettant l'accent sur des thèmes nationaux.
Mais en même temps, il n'y a eu aucun changement significatif dans l'art de la direction historique par rapport aux maîtres de la seconde moitié du XVIIIe siècle et depuis le tout début de l'histoire du portrait russe. De nombreux maîtres ont souvent consacré leurs œuvres aux véritables héros de la Russie antique, dont les exploits les ont inspirés à écrire peintures historiques. Les peintres russes de cette époque ont établi leur propre principe de description des portraits et des peintures, développant leurs propres orientations dans la représentation de l'homme et de la nature, témoignant d'un concept figuratif complètement indépendant.
Les artistes russes reflétaient dans leurs peintures divers idéaux d'élévation nationale, abandonnant progressivement les principes stricts du classicisme imposés par les fondations académiques. Le XIXe siècle a été marqué par un grand épanouissement de la peinture russe, au cours de laquelle les peintres russes ont laissé à la postérité une marque indélébile sur l'histoire des beaux-arts russes, imprégnée de l'esprit d'une réflexion globale de la vie du peuple.
Les plus grands chercheurs de la peinture russe du XIXe siècle notent en général le rôle exceptionnel dans l'épanouissement de la créativité des grands maîtres et des beaux-arts russes. Des œuvres uniques créées par des maîtres nationaux ont enrichi à jamais la culture russe.
Artistes célèbres du 19ème siècle
(1782-1836) Les portraits magnifiquement et subtilement peints de Kiprensky lui valent une renommée et une véritable reconnaissance parmi ses contemporains. Ses œuvres Autoportrait, A. R. Tomilova, I. V. Kusov, A. I. Korsakov 1808 Portrait d'un garçon Chelishchev, Golitsin A. M. 1809 Portrait de Denis Davydov, 1819 Fille avec une couronne de coquelicots, le portrait le plus réussi de 1827 de A. S. Pouchkine et d'autres. reflètent la beauté de l'excitation, le monde intérieur raffiné des images et l'état d'esprit. Les contemporains ont comparé ses œuvres aux genres de la poésie lyrique et du dévouement poétique aux amis.(1791-1830) Maître du romantisme paysager russe et de l'interprétation lyrique de la nature. Dans plus de quarante de ses tableaux, Shchedrin représente des vues de Sorento. Parmi eux, les peintures du quartier de Sorrente sont remarquables. Soirée, Nouvelle Rome "Château du Saint Ange", Promenade Mergellina à Naples, Grand Port sur l'île de Capri, etc. S'abandonner complètement au romantisme du paysage et environnement naturel
(1776-1857) Remarquable portraitiste russe, descendant de serfs. Ses œuvres célèbres sont des peintures : La Dentellière, également Portrait de Pouchkine A.S., le graveur E.O. Skotnikova, Vieil homme - Mendiant, distingué par une couleur claire Portrait d'un fils, 1826 Fileur, Orfèvre, ces œuvres ont particulièrement attiré l'attention des contemporains. En 1846, Tropinin développe son propre style de portrait figuratif indépendant, qui caractérise le genre d'écriture spécifique à Moscou. A cette époque, Tropinine devint la figure centrale de l’élite moscovite.(1780-1847) Le fondateur du genre paysan quotidien, Son célèbre portrait de la Faucheuse, tableau > Faucheuses, Fille au foulard, Printemps dans les terres arables, Paysanne aux bleuets, Zakharka et autres. On peut particulièrement souligner la peinture de l'aire de battage, qui a attiré l'attention de l'empereur Alexandre Ier ; il a été touché par les images vives des paysans, véhiculées avec vérité par l'auteur. Il aimait les gens ordinaires, y trouvant un certain lyrisme, cela se reflétait dans ses peintures montrant la difficulté la vie paysanne. ses meilleures œuvres ont été créées dans les années 20. (1799-1852) Maître des peintures historiques, Le dernier jour de Pompéi dans la tourmente, les habitants condamnés fuient la fureur du volcan Vésuve. Le tableau a fait une impression stupéfiante sur ses contemporains. Il peint magistralement des peintures profanes, la Cavalière et des portraits en utilisant des moments coloristiques brillants dans la composition du tableau, la Comtesse Yu. Samoilova. Ses peintures et portraits sont composés de contrastes d'ombre et de lumière. . Influencé par le classicisme académique traditionnel, Karl Bryullov a doté ses peintures d'authenticité historique, d'esprit romantique et de vérité psychologique.(1806-1858) Excellent maître du genre historique. Pendant environ deux décennies, Ivanov a travaillé sur son tableau principal, L'Apparition du Christ au peuple, soulignant son désir passionné de représenter la venue de Jésus-Christ sur terre. Au stade initial, il s'agit des peintures d'Apollon, de Hyacinthe et de Cyprès 1831-1833, l'Apparition du Christ à Marie-Madeleine après la résurrection en 1835. Au cours de sa courte vie, Ivanov a créé de nombreuses œuvres, pour chaque tableau il a peint de nombreux croquis de paysages et portraits. Ivanov est un homme d'une intelligence extraordinaire, s'efforçant toujours de montrer dans ses œuvres les éléments des mouvements populaires.