Las obras dramáticas (otro gr. de acción), como las épicas, recrean series de acontecimientos, las acciones de las personas y sus relaciones. Como el autor de una obra épica, el dramaturgo está sujeto a la “ley del desarrollo de la acción”. Pero no hay una imagen narrativa y descriptiva detallada en el drama.
El discurso real del autor aquí es auxiliar y episódico. Se trata de listas de personajes, a veces acompañadas de breves características, designación del tiempo y lugar de acción; descripciones de la situación escénica al comienzo de actos y episodios, así como comentarios sobre comentarios individuales de los personajes e indicaciones de sus movimientos, gestos, expresiones faciales, entonaciones (comentarios).
Todo ello constituye un texto secundario de una obra dramática. Su texto principal es una cadena de declaraciones de los personajes, sus comentarios y monólogos.
De ahí algunas limitaciones de las posibilidades artísticas del teatro. Un escritor-dramaturgo utiliza solo una parte de los medios visuales que están a disposición del creador de una novela o epopeya, cuento o cuento. Y los personajes de los personajes se revelan en el drama con menos libertad y plenitud que en la épica. "Percibo el drama", señaló T. Mann, "como el arte de la silueta y sólo percibo a la persona a la que se cuenta como una imagen tridimensional, integral, real y plástica".
Al mismo tiempo, los dramaturgos, a diferencia de los autores de obras épicas, se ven obligados a limitarse al volumen de texto verbal que satisface las necesidades del arte teatral. El tiempo de la acción representada en el drama debe encajar en el estricto marco temporal del escenario.
Y la representación en las formas habituales del teatro europeo moderno no dura, como saben, más de tres o cuatro horas. Y esto requiere un tamaño adecuado del texto dramático.
El tiempo de los acontecimientos reproducidos por el dramaturgo durante el episodio escénico no está comprimido ni estirado; Los personajes del drama intercambian comentarios sin intervalos de tiempo notables y sus declaraciones, como señala K.S. Stanislavsky, forma una línea continua y continua.
Si con la ayuda de la narración la acción se capta como algo del pasado, entonces la cadena de diálogos y monólogos del drama crea la ilusión del tiempo presente. La vida aquí habla como si fuera por sí misma: entre lo representado y el lector no hay un narrador intermediario.
La acción se recrea en drama con la máxima inmediatez. Fluye como ante los ojos del lector. “Todas las formas narrativas”, escribió F. Schiller, “transfieren el presente al pasado; todo lo dramático hace presente el pasado”.
El drama se orienta hacia las exigencias del escenario. Y el teatro es un arte público, de masas. La actuación afecta directamente a muchas personas, que parecen fusionarse en respuestas a lo que sucede frente a ellos.
El objetivo del drama, según Pushkin, es actuar sobre la multitud, despertar su curiosidad” y para ello captar la “verdad de las pasiones”: “El drama nació en la plaza y era un entretenimiento popular. La gente, al igual que los niños, exige entretenimiento y acción. El drama le presenta incidentes extraños e inusuales. La gente exige sensaciones fuertes. La risa, la compasión y el horror son los tres hilos de nuestra imaginación, sacudidos por el arte dramático”.
El género dramático de la literatura está especialmente relacionado con el ámbito de la risa, ya que el teatro se fortaleció y se desarrolló en inextricable conexión con las celebraciones masivas, en una atmósfera de juego y diversión. "El género cómico es universal en la antigüedad", señaló O. M. Freidenberg.
Lo mismo puede decirse del teatro y la dramaturgia de otros países y épocas. T. Mann tenía razón cuando llamó al "instinto del comediante" "la base fundamental de toda habilidad dramática".
No es de extrañar que el drama gravite hacia una presentación aparentemente espectacular de lo representado. Sus imágenes resultan hiperbólicas, pegadizas y teatralmente brillantes. "El teatro requiere líneas amplias exageradas tanto en la voz, como en la recitación y en los gestos", escribió N. Boileau. Y esta propiedad del arte escénico deja invariablemente su huella en el comportamiento de los héroes de las obras dramáticas.
“Como si actuara en el teatro”, comenta Bubnov (“En las profundidades inferiores” de Gorky) sobre la diatriba frenética del desesperado Kleshch, quien, al irrumpir inesperadamente en la conversación general, le dio un efecto teatral.
Son significativos (como característica del tipo dramático de literatura) los reproches de Tolstoi a W. Shakespeare por la abundancia de hipérbole, que supuestamente "viola la posibilidad de impresión artística". "Desde las primeras palabras", escribió sobre la tragedia "El rey Lear", "se puede ver la exageración: la exageración de los acontecimientos, la exageración de los sentimientos y la exageración de las expresiones".
L. Tolstoi se equivocó en su valoración de la obra de Shakespeare, pero la idea de que el gran dramaturgo inglés se comprometió con la hipérbole teatral es completamente justa. Lo dicho sobre el "Rey Lear" se puede aplicar con no menos justificación a las comedias y tragedias antiguas, a las obras dramáticas del clasicismo, a las obras de F. Schiller y V. Hugo, etc.
En los siglos XIX y XX, cuando en la literatura prevalecía el deseo de autenticidad cotidiana, las convenciones inherentes al drama se volvieron menos obvias y, a menudo, se redujeron al mínimo. Los orígenes de este fenómeno son el llamado “drama filisteo” del siglo XVIII, cuyos creadores y teóricos fueron D. Diderot y G.E. Menos.
Obras de los más grandes dramaturgos rusos del siglo XIX. y principios del siglo XX - A.N. Ostrovsky, A.P. Chéjov y Gorki se distinguen por la autenticidad de las formas de vida recreadas. Pero incluso cuando los dramaturgos se centraron en la verosimilitud, se conservaron las hipérboles argumentales, psicológicas y del discurso real.
Las convenciones teatrales se hicieron sentir incluso en la dramaturgia de Chéjov, que mostraba el límite máximo de la "realidad". Echemos un vistazo más de cerca escena final"Tres hermanas" Una joven, hace diez o quince minutos, rompió con su ser querido, probablemente para siempre. Hace cinco minutos más se enteró de la muerte de su prometido. Y así, junto con la tercera hermana mayor, resumen los resultados morales y filosóficos del pasado, reflexionando al son de una marcha militar sobre el destino de su generación, sobre el futuro de la humanidad.
Es casi imposible imaginar que esto suceda en la realidad. Pero no nos damos cuenta de la inverosimilitud del final de "Tres hermanas", ya que estamos acostumbrados al hecho de que el drama cambia significativamente las formas de las actividades de la vida de las personas.
Lo anterior nos convence de la validez del juicio de A. S. Pushkin (de su artículo ya citado) de que “la esencia misma del arte dramático excluye la verosimilitud”; “Al leer un poema o una novela, a menudo podemos olvidarnos de nosotros mismos y creer que el incidente descrito no es ficción, sino la verdad.
En una oda, en una elegía, podemos pensar que el poeta describió sus verdaderos sentimientos, en circunstancias reales. Pero ¿dónde está la credibilidad en un edificio dividido en dos partes, una de las cuales está llena de espectadores que estuvieron de acuerdo?
El papel más importante en las obras dramáticas pertenece a las convenciones de autorrevelación verbal de los héroes, cuyos diálogos y monólogos, a menudo llenos de aforismos y máximas, resultan mucho más extensos y efectivos que aquellos comentarios que podrían pronunciarse de manera similar. situación en la vida.
Los comentarios convencionales son "al margen", que no parecen existir para otros personajes en el escenario, pero que son claramente audibles para el público, así como los monólogos pronunciados por los personajes solos, solos consigo mismos, que son una técnica puramente escénica para sacar a relucir el habla interior (hay muchos monólogos de este tipo, como en las tragedias antiguas y en la dramaturgia moderna).
El dramaturgo, organizando una especie de experimento, muestra cómo hablaría una persona si expresara sus estados de ánimo con la máxima plenitud y brillo en las palabras pronunciadas. y discurso en trabajo dramático a menudo adquiere similitudes con el discurso artístico, lírico u oratorio: los personajes aquí tienden a expresarse como poetas improvisadores o maestros de la oratoria.
Por lo tanto, Hegel tenía parte de razón cuando veía el drama como una síntesis del principio épico (el acontecimiento) y el principio lírico (la expresión del habla).
El drama tiene, por así decirlo, dos vidas en el arte: teatral y literaria. Al constituir la base dramática de las representaciones, existente en su composición, la obra dramática también es percibida por el público lector.
Pero este no fue siempre el caso. La emancipación del drama del escenario se llevó a cabo gradualmente, a lo largo de varios siglos, y se completó hace relativamente poco tiempo: en los siglos XVIII y XIX. Los ejemplos de drama de importancia mundial (desde la antigüedad hasta el siglo XVII) en el momento de su creación prácticamente no eran reconocidos como obras literarias: existían sólo como parte de las artes escénicas.
Ni W. Shakespeare ni J.B. Moliere fueron percibidos por sus contemporáneos como escritores. Papel decisivo En el fortalecimiento de la idea del drama como una obra destinada no solo a la producción escénica, sino también a la lectura, el “descubrimiento” en la segunda mitad jugó un papel. Siglo XVIII Shakespeare como gran poeta dramático.
En el siglo XIX (especialmente en su primera mitad) los méritos literarios del drama a menudo se colocaban por encima de los escénicos. Así, Goethe creía que "las obras de Shakespeare no son para los ojos del cuerpo", y Griboyedov calificó de "infantil" su deseo de escuchar los versos de "Ay de Wit" desde el escenario.
Se ha generalizado el llamado Lesedrama (drama para la lectura), creado centrándose principalmente en la percepción en la lectura. Tales son el Fausto de Goethe, las obras dramáticas de Byron, las pequeñas tragedias de Pushkin, los dramas de Turgenev, sobre los cuales el autor comentó: "Mis obras, insatisfactorias en el escenario, pueden ser de algún interés para la lectura".
No existen diferencias fundamentales entre Lesedrama y una obra destinada por el autor a una producción teatral. Los dramas creados para la lectura suelen ser potencialmente obras de teatro. Y el teatro (incluido el moderno) busca persistentemente y, a veces, encuentra las claves para ellos, prueba de lo cual son las exitosas producciones de "Un mes en el campo" de Turgenev (en primer lugar, esta es la famosa obra prerrevolucionaria Teatro de Arte) y numerosas (aunque no siempre exitosas) lecturas escénicas de las pequeñas tragedias de Pushkin en el siglo XX.
La vieja verdad sigue vigente: el objetivo principal y más importante del drama es el escenario. "Sólo durante la representación teatral", señaló A. N. Ostrovsky, "la invención dramática del autor adquiere una forma completamente acabada y produce exactamente esa acción moral, cuyo logro el autor se propuso como objetivo".
La creación de una actuación basada en una obra dramática está asociada a su finalización creativa: los actores crean dibujos plásticos de entonación. roles jugados, el artista diseña el espacio escénico, el director desarrolla la puesta en escena. En este sentido, el concepto de la obra cambia algo (se presta más atención a algunos de sus aspectos, menos atención a otros) y, a menudo, se especifica y se enriquece: la puesta en escena introduce nuevos matices de significado en el drama.
Al mismo tiempo, el principio de lectura fiel de la literatura es de suma importancia para el teatro. El director y los actores deben transmitir la obra escenificada al público de la forma más completa posible. La fidelidad de la lectura escénica se produce cuando el director y los actores comprenden profundamente una obra dramática en sus principales características de contenido, género y estilo.
Las producciones teatrales (así como las adaptaciones cinematográficas) son legítimas sólo en los casos en que existe un acuerdo (incluso relativo) del director y los actores con la gama de ideas del escritor-dramaturgo, cuando los actores están cuidadosamente atentos al significado de la obra. puesta en escena, a las características de su género, a las características de su estilo y al texto mismo.
En la estética clásica de los siglos XVIII y XIX, en particular en Hegel y Belinsky, el drama (principalmente el género de la tragedia) se consideraba la forma más elevada. creatividad literaria: como "la corona de la poesía".
toda una serie eras artisticas y de hecho se mostró principalmente en el arte dramático. Esquilo y Sófocles en su apogeo cultura antigua, Moliere, Racine y Corneille en la época del clasicismo no tenían igual entre los autores de obras épicas.
La obra de Goethe es significativa a este respecto. Para el gran escritor alemán todo estaba disponible géneros literarios, coronó su vida en el arte con la creación de una obra dramática: el inmortal "Fausto".
En los siglos pasados (hasta el siglo XVIII), el drama no sólo compitió con éxito con la épica, sino que también se convirtió a menudo en la principal forma de reproducción artística de la vida en el espacio y el tiempo.
Esto se debe a varias razones. En primer lugar, jugó un papel muy importante. artes escénicas, accesible (a diferencia de los libros escritos a mano e impresos) para los estratos más amplios de la sociedad. En segundo lugar, las propiedades de las obras dramáticas (representación de personajes con rasgos claramente definidos, reproducción pasiones humanas, atracción por el patetismo y lo grotesco) en las épocas “prerrealistas” correspondía plenamente a las tendencias literarias y artísticas generales.
Y aunque en los siglos XIX-XX. La novela sociopsicológica, un género de la literatura épica, ha pasado al primer plano de la literatura; las obras dramáticas todavía ocupan un lugar de honor.
V.E. Khalízev Teoría de la literatura. 1999
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Épica, lírica, dramática. Se determina según varios criterios: desde el punto de vista de los métodos de imitación de la realidad (Aristóteles), tipos de contenido (F. Schiller, F. Schelling), categorías de epistemología (objetiva subjetiva en G.V.F. Hegel), formal. . Diccionario enciclopédico
Drama (griego dráma, literalmente - acción), 1) uno de los tres tipos de literatura (junto con la poesía épica y lírica; ver género literario). D. pertenece simultáneamente al teatro y a la literatura: al ser la base fundamental de la representación, se percibe al mismo tiempo en... ... Gran enciclopedia soviética
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Género literario- GÉNERO LITERARIO, uno de los tres grupos de obras. ficciónÉpica, lírica, dramática. La tradición de división genérica de la literatura fue fundada por Aristóteles. A pesar de la fragilidad de las fronteras entre géneros y la abundancia de formas intermedias (liroépicas... ... Diccionario enciclopédico ilustrado
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VARILLA, a (y), ant. sobre (en) género y en (sobre) género, plural. s, ov, marido. 1. La principal organización social del sistema comunal primitivo, unida por el parentesco consanguíneo. El mayor del clan. 2. Un número de generaciones que descienden de un antepasado, así como una generación en general... Diccionario explicativo de Ozhegov
Libros
- Pushkin, Tynyanov Yuri Nikolaevich. Yuri Nikolaevich Tynyanov (1894-1943), un destacado prosista y crítico literario, se parecía a Pushkin, como le dijeron años de estudiante. Quién sabe, tal vez fue esta similitud lo que ayudó...
El drama es uno de los tres tipos de literatura (junto con la poesía épica y lírica). El drama pertenece simultáneamente al teatro y a la literatura: al ser la base fundamental de la representación, también se percibe en la lectura. Se formó a partir de la evolución de las representaciones teatrales: el protagonismo de los actores que combinaban la pantomima con la palabra hablada marcó su surgimiento como tipo de literatura. Destinado a la percepción colectiva, el drama siempre ha gravitado hacia lo más agudo. problemas sociales y en los ejemplos más llamativos se hizo popular; su base son las contradicciones sociohistóricas o las antinomias eternas y universales. Está dominado por el drama: la propiedad espíritu humano, despertado por situaciones en las que lo que es querido y esencial para una persona permanece insatisfecho o está amenazado. La mayoría de los dramas se basan en una única acción externa con sus vericuetos (lo que corresponde al principio de unidad de acción, que se remonta a Aristóteles). La acción dramática suele estar asociada con el enfrentamiento directo entre los héroes. O se recorre de principio a fin, capturando grandes períodos de tiempo (drama medieval y oriental, por ejemplo, “Shakuntala” de Kalidasa), o se toma sólo en su forma original. clímax, cerca del cruce ( tragedias antiguas o muchos dramas de los tiempos modernos, por ejemplo “La dote”, 1879, A.N.
Principios de la construcción dramática.
La estética clásica del siglo XIX absolutizó estos principios de la construcción dramática. Considerando el drama, siguiendo a Hegel, como una reproducción de impulsos volitivos (“acciones” y “reacciones”) que chocan entre sí, V.G Belinsky creía que “en el drama no debería haber una sola persona que no fuera necesaria en el mecanismo de su acción. curso y desarrollo" y que "la decisión de elegir un camino depende del héroe del drama, y no del acontecimiento". Sin embargo, en las crónicas de W. Shakespeare y en la tragedia "Boris Godunov" de A.S Pushkin, la unidad de la acción exterior está debilitada, y en A.P. Chéjov está completamente ausente: aquí se desarrollan varias acciones iguales al mismo tiempo. historias. A menudo, en un drama predomina la acción interna, en la que los personajes no hacen tanto algo sino que experimentan situaciones de conflicto persistentes y piensan intensamente. La acción interna, cuyos elementos ya están presentes en las tragedias "Edipo Rey" de Sófocles y "Hamlet" (1601) de Shakespeare, domina el drama de finales del siglo XIX y mediados del XX (G. Ibsen, M. Maeterlinck, Chekhov , M. Gorky, B. Shaw, B. Brecht, drama “intelectual” moderno, por ejemplo: J. Anouilh). El principio de acción interna fue proclamado polémicamente en la obra de Shaw "La quintaesencia del ibsenismo" (1891).
Base de composición
La base universal de la composición de un drama es la división de su texto. en episodios escénicos, dentro de los cuales un momento es muy adyacente a otro vecino: el llamado tiempo real representado corresponde inequívocamente al tiempo de percepción, el tiempo artístico (ver).
La división del drama en episodios se realiza de diferentes formas. En el drama popular medieval y oriental, así como en Shakespeare, en Boris Godunov de Pushkin, en las obras de Brecht, el lugar y el tiempo de la acción cambian a menudo, lo que da a la imagen una especie de libertad épica. El drama europeo de los siglos XVII y XIX se basa, por regla general, en unos pocos y extensos episodios escénicos que coinciden con los actos de las representaciones, lo que da a la representación un tono de autenticidad realista. La estética del clasicismo insistía en el dominio más compacto del espacio y el tiempo; Las "tres unidades" proclamadas por N. Boileau sobrevivieron hasta el siglo XIX ("Ay de Wit", A.S. Griboedova).
Drama y expresión de personajes.
En el drama, las declaraciones de los personajes son cruciales., que marcan sus acciones volitivas y su autorrevelación activa, mientras que la narrativa (historias de los personajes sobre lo que sucedió antes, mensajes de los mensajeros, la introducción de la voz del autor en la obra) está subordinada, o incluso completamente ausente; Las palabras pronunciadas por los personajes forman una línea sólida e ininterrumpida en el texto. El discurso teatral-dramático tiene dos tipos de abordaje: el personaje-actor entabla un diálogo con sus compañeros de escena y apela monológicamente al público (ver). El comienzo monólogo del discurso se produce en el drama, en primer lugar, de forma latente, en forma de comentarios secundarios incluidos en el diálogo que no reciben respuesta (estas son declaraciones Los héroes de Chéjov, marcando una oleada de emociones de personas desconectadas y solitarias); en segundo lugar, en forma de monólogos, que revelan las experiencias ocultas de los personajes y, por lo tanto, realzan el dramatismo de la acción, amplían el alcance de lo representado y revelan directamente su significado. Combinando conversación dialógica y retórica monológica, el habla en el drama concentra las capacidades apelativas-efectivas del lenguaje y adquiere una energía artística especial.
En las primeras etapas históricas (desde la antigüedad hasta F. Schiller y V. Hugo), el diálogo, predominantemente poético, se basaba en gran medida en monólogos (efusiones de las almas de los héroes en "escenas de patetismo", declaraciones de mensajeros, comentarios secundarios, llamamientos directos al público), que la acercó a la oratoria y la poesía lírica. En los siglos XIX y XX, la tendencia de los héroes de un drama poético tradicional a "florecer hasta que se agoten por completo sus fuerzas" (Yu.A. Strindberg) a menudo se percibía de manera distante e irónica, como un homenaje a la rutina y falsedad. En el drama del siglo XIX, marcado por un gran interés por la vida privada, familiar y cotidiana, domina el principio conversacional-dialógico (Ostrovsky, Chéjov), la retórica monóloga se reduce al mínimo ( jugadas tardías Ibsen). En el siglo XX, el monólogo volvió a activarse en el drama, que abordaba los conflictos sociopolíticos más profundos de nuestro tiempo (Gorky, V.V. Mayakovsky, Brecht) y las antinomias universales del ser (Anouilh, J.P. Sartre).
Discurso en teatro
Discurso dramático destinado a ser pronunciado en un espacio amplio. espacio teatral, diseñado para un efecto de masas, potencialmente sonoro, de voz plena, es decir, lleno de teatralidad (“sin elocuencia no hay escritor dramático”, señaló D. Diderot). El teatro y el drama necesitan situaciones en las que el héroe hable ante el público (el clímax de El inspector gubernamental, 1836, N.V. Gogol y La tormenta, 1859, A.N. Ostrovsky, episodios fundamentales de las comedias de Mayakovsky), así como una hipérbole teatral: un personaje dramático. necesita palabras más fuertes y claramente pronunciadas que las que requieren las situaciones representadas (el monólogo periodísticamente vívido de Andrei solo empujando un cochecito de bebé en el cuarto acto de “Tres hermanas”, 1901, Chéjov). Pushkin ("De todo tipo de obras, las más inverosímiles son las dramáticas". A.S. Pushkin. Sobre la tragedia, 1825), E. Zola y L.N Tolstoi hablaron sobre la atracción del drama por la convencionalidad de las imágenes. La disposición a entregarse imprudentemente a las pasiones, la tendencia a tomar decisiones repentinas, las reacciones intelectuales agudas, la expresión extravagante de pensamientos y sentimientos son inherentes a los héroes del drama mucho más que a los personajes. obras narrativas. El escenario “combina en un espacio reducido, en apenas dos horas, todos los movimientos que incluso un ser apasionado muchas veces sólo puede experimentar en un largo período de la vida” (Talma F. On stage art.). El tema principal de la búsqueda del dramaturgo son los movimientos mentales significativos y vívidos que llenan completamente la conciencia, que son predominantemente reacciones a lo que sucede en en este momento: a una palabra recién dicha, al movimiento de alguien. Los pensamientos, sentimientos e intenciones, vagos y vagos, se reproducen en el discurso dramático con menos especificidad y plenitud que en la forma narrativa. Estas limitaciones del drama se superan mediante su reproducción escénica: las entonaciones, los gestos y las expresiones faciales de los actores (a veces registrados por los escritores en las acotaciones escénicas) capturan los matices de las experiencias de los personajes.
Propósito del drama
El objetivo del drama, según Pushkin, es “actuar sobre la multitud, despertar su curiosidad” y para ello captar la “verdad de las pasiones”: “La risa, la piedad y el horror son las tres cuerdas de nuestra imaginación, sacudidas por el arte dramático” (A.S. Pushkin. Acerca de drama popular y el drama “Marfa Posadnitsa”, 1830). El drama está especialmente relacionado con el ámbito de la risa, ya que el teatro se fortaleció y desarrolló en el marco de celebraciones masivas, en una atmósfera de juego y diversión: el “instinto del comediante” es “la base fundamental de toda habilidad dramática” (Mann T. .). En épocas anteriores, desde la antigüedad hasta el siglo XIX, las principales propiedades del drama correspondían a tendencias literarias y artísticas generales. El principio transformador (idealizante o grotesco) en el arte dominaba el reproductivo, y lo representado se desviaba notablemente de las formas. vida real, por lo que el drama no solo compitió exitosamente con tipo épico, pero también fue percibida como la “corona de la poesía” (Belinsky). En los siglos XIX y XX, el deseo del arte por la semejanza y la naturalidad, respondiendo al predominio de la novela y al declive del papel del drama (especialmente en Occidente en la primera mitad del siglo XIX), en el Al mismo tiempo modificó radicalmente su estructura: bajo la influencia de la experiencia de los novelistas, las convenciones tradicionales y el hiperbolismo de la imagen dramática comenzaron a reducirse al mínimo (Ostrovsky, Chéjov, Gorki con su deseo de autenticidad cotidiana y psicológica de las imágenes). Sin embargo, el nuevo drama también conserva elementos de “inverosimilitud”. Incluso en las obras realistas de Chéjov, algunas de las declaraciones de los personajes son convencionalmente poéticas.
Aunque en sistema figurativo El drama está invariablemente dominado por las características del habla, su texto se centra en una expresividad espectacular y tiene en cuenta las posibilidades de la tecnología escénica. De ahí que el requisito más importante del drama sea su calidad escénica (en última instancia determinada por un conflicto agudo). Sin embargo, hay dramas destinados únicamente a la lectura. Se trata de muchas obras de los países de Oriente, donde el apogeo del drama y el teatro a veces no coincidían, la novela dramática española "Celestina" (finales del siglo XV), en la literatura del siglo XIX, las tragedias de J. Byron, “Fausto” (1808-31) de I.V.Goethe. El énfasis de Pushkin en la actuación escénica en “Boris Godunov” y especialmente en pequeñas tragedias es problemático. El teatro del siglo XX, que domina con éxito casi cualquier género y forma genérica de literatura, borra la antigua frontera entre el drama en sí y el drama para leer.
En el escenario
Al montar un drama en el escenario (como otros obras literarias) no sólo se representa, sino que los actores y el director lo traducen al lenguaje del teatro: a partir del texto literario se desarrollan la entonación y los dibujos gestuales de los papeles, se crean escenografías, efectos sonoros y puesta en escena. creado. La “finalización” escénica de un drama, en la que su significado se enriquece y modifica significativamente, tiene una importante función artística y cultural. Gracias a él se lleva a cabo un nuevo énfasis semántico de la literatura, que inevitablemente acompaña a su vida en la mente del público. Rango interpretaciones escénicas El drama, como lo demuestra la experiencia moderna, es muy amplio. Al crear un texto escénico real actualizado, tanto la ilustratividad, la literalidad en la lectura del drama y la reducción de la actuación al papel de su "interlineal", como la remodelación arbitraria y modernizadora de una obra creada previamente: su transformación en una razón para el director. expresar sus propias aspiraciones dramáticas- son indeseables. Una actitud respetuosa y cuidadosa de los actores y del director hacia el concepto significativo, las características del género y el estilo de una obra dramática, así como su texto, se convierte en un imperativo cuando se recurre a los clásicos.
Como una especie de literatura.
El drama como tipo de literatura incluye muchos géneros.. A lo largo de la historia del drama hay tragedia y comedia; La Edad Media se caracterizó por el teatro litúrgico, las obras de misterio, las obras de milagros, las obras de moralidad y el teatro escolar. En el siglo XVIII, el drama surgió como un género que luego prevaleció en el drama mundial (ver). También son comunes los melodramas, las farsas y los vodeviles. En el drama moderno han adquirido un papel importante las tragicomedias y los tragifarces, que predominan en el teatro del absurdo.
Los orígenes del drama europeo son las obras de los antiguos trágicos griegos Esquilo, Sófocles, Eurípides y el comediante Aristófanes. Centrándose en las formas de celebraciones masivas que tenían orígenes rituales y de culto, siguiendo las tradiciones de las letras corales y la oratoria, crearon un drama original en el que los personajes se comunicaban no solo entre sí, sino también con el coro, que expresaba el estado de ánimo de el autor y el público. El drama romano antiguo está representado por Plauto, Terencio, Séneca. Al drama antiguo se le confió el papel de educador público; se caracteriza por la filosofía, la grandeza de las imágenes trágicas, el brillo del juego satírico carnavalesco en la comedia. La teoría del drama (principalmente el género trágico) desde la época de Aristóteles ha aparecido en cultura europea al mismo tiempo como una teoría del arte verbal en general, que atestiguaba la importancia especial del tipo dramático de literatura.
en el este
El apogeo del drama en Oriente se remonta a una época posterior: en la India, desde mediados del primer milenio d.C. (Kalidasa, Bhasa, Shudraka); El drama indio antiguo se basaba ampliamente en tramas épicas, motivos de los Vedas y formas líricas y de canciones. Los dramaturgos más importantes de Japón son Zeami (principios del siglo XV), en cuya obra el drama recibió por primera vez un carácter completo. forma literaria(género yokyoku) y Monzaemon Chikamatsu (finales del siglo XVII y principios del XVIII). En los siglos XIII y XIV, el drama secular tomó forma en China.
Drama europeo de los tiempos modernos.
El drama europeo de la Nueva Era, basado en los principios del arte antiguo (principalmente en tragedias), al mismo tiempo heredó las tradiciones del medieval. teatro folklórico, en su mayoría comedia-farsa. Su “edad de oro” es el drama renacentista y barroco inglés y español y la dualidad de la personalidad renacentista, su libertad de los dioses y al mismo tiempo su dependencia de las pasiones y el poder del dinero, la integridad e inconsistencia del flujo histórico. se encarnaron en Shakespeare en una forma dramática verdaderamente popular, sintetizando lo trágico y lo cómico, lo real y lo fantástico, poseyendo libertad compositiva, versatilidad argumental, combinando inteligencia sutil y poesía con farsa tosca. Calderón de la Barca encarnó las ideas del Barroco: la dualidad del mundo (la antinomia de lo terrenal y lo espiritual), la inevitabilidad del sufrimiento en la tierra y la estoica autoliberación del hombre. El drama del clasicismo francés también se convirtió en un clásico; Las tragedias de P. Corneille y J. Racine desarrollaron psicológicamente profundamente el conflicto entre los sentimientos personales y el deber hacia la nación y el Estado. " Alta comedia“Moliere combinó las tradiciones del espectáculo popular con los principios del clasicismo y la sátira de los vicios sociales con la alegría popular.
Las ideas y conflictos de la Ilustración quedaron reflejados en los dramas de G. Lessing, Diderot, P. Beaumarchais, C. Goldoni; En el género del drama burgués se cuestionó la universalidad de las normas del clasicismo y se produjo la democratización del drama y su lenguaje. A principios del siglo XIX, la dramaturgia más significativa la crearon los románticos (G. Kleist, Byron, P. Shelley, V. Hugo). El patetismo de la libertad individual y la protesta contra el burguesismo se transmitieron a través de acontecimientos vívidos, legendarios o históricos, y se revestiron de monólogos llenos de lirismo.
El nuevo auge del drama de Europa occidental se remonta a principios del siglo XIX y XX: Ibsen, G. Hauptmann, Strindberg y Shaw se centran en agudos conflictos sociales y morales. En el siglo XX, las tradiciones del drama de esta época fueron heredadas por R. Rolland, J. Priestley, S. O'Casey, Y. O'Neill, L. Pirandello, K. Chapek, A. Miller, E. de Filippo, F. Dürrenmatt, E. Albee, T. Williams. Lugar destacado en arte extranjero ocupado por el llamado drama intelectual asociado al existencialismo (Sartre, Anouilh); en la segunda mitad del siglo XX se desarrolló el drama del absurdo (E. Ionesco, S. Beckett, G. Pinter, etc.). Los agudos conflictos sociopolíticos de las décadas de 1920 y 1940 se reflejaron en la obra de Brecht; su teatro es enfáticamente racionalista, intelectualmente intenso, abiertamente convencional, oratorio y rally.
drama ruso
El drama ruso adquirió el estatus de grandes clásicos a partir de las décadas de 1820 y 1830.(Griboyedov, Pushkin, Gogol). La dramaturgia multigénero de Ostrovsky, con su conflicto transversal entre la dignidad humana y el poder del dinero, con la puesta de relieve de una forma de vida marcada por el despotismo, con su simpatía y respeto por el “pequeño hombre” y el predominio de la “vida -like”, se volvió decisiva en la formación repertorio nacional Siglo XIX. León Tolstoi creó dramas psicológicos llenos de sobrio realismo. A principios del siglo XIX y XX, el drama sufrió un cambio radical en la obra de Chéjov, que, habiendo comprendido drama emocional intelectualidad de su tiempo, vistió un profundo drama en forma de lirismo lúgubre e irónico. Las réplicas y los episodios de sus obras están conectados asociativamente, según el principio de "contrapunto", estados de ánimo Los héroes se revelan en el contexto del curso ordinario de la vida con la ayuda de un subtexto desarrollado por Chéjov en paralelo con el simbolista Maeterlinck, quien estaba interesado en los "secretos del espíritu" y la "tragedia de la vida cotidiana" oculta.
Los orígenes del drama ruso del período soviético son las obras de Gorky, continuadas por obras históricas y revolucionarias (N.F. Pogodin, B.A. Lavrenev, V.V. Vishnevsky, K.A. Trenev). Mayakovsky, M.A. Bulgakov, N.R. Erdman crearon vívidos ejemplos de drama satírico. El género del juego de cuento de hadas, que combina lirismo ligero, heroísmo y sátira, fue desarrollado por E.L. El drama social y psicológico está representado por las obras de A.N. Afinogenov, L.M. Leonov, A.E. Korneychuk, A.N. Arbuzov y, más tarde, V.S. L.G.Zorina, R.Ibragimbekova, I.P.Drutse, L.S.Petrushevskaya, V.I.Slavkina, A.M.Galina. El tema de la producción formó la base de las obras socialmente agudas de I.M. Dvoretsky y A.I. A.V. Vampilov creó una especie de "drama moral", que combina el análisis socio-psicológico con un estilo grotesco de vodevil. A lo largo de última década Las obras de N.V. Kolyada tienen éxito. El drama del siglo XX a veces incluye un comienzo lírico (“ dramas líricos"Maeterlinck y A.A. Blok) o narrativa (Brecht llamó a sus obras “épicas”). El uso de fragmentos narrativos y la edición activa de episodios escénicos a menudo da al trabajo de los dramaturgos un tono documental. Y al mismo tiempo, es en estos dramas donde se destruye abiertamente la ilusión de la autenticidad de lo representado y se rinde homenaje a la demostración de la convención (apelaciones directas de los personajes al público; reproducción en el escenario de los recuerdos del héroe. o sueños; canciones y fragmentos líricos que se inmiscuyen en la acción). A mediados del siglo XX se difundió un docudrama que reproducía hechos reales, documentos históricos, literatura de memorias(“Querido mentiroso”, 1963, J. Kilty, “El seis de julio”, 1962, y “Revolutionary Study”, 1978, M.F. Shatrova).
La palabra drama proviene de Drama griego, que significa acción.
Andreev L. Vida humana. Pensamiento (análisis comparativo de la obra “Pensamiento” con historia del mismo nombre). Ekaterina Ivánovna. (El concepto de panpsiquismo).
Anuj J. Antígona. Medea. Alondra. (Tema de mujer)
Arbuzov A.N. Tanya. Cuentos del viejo Arbat.
Aristófanes. Nubes. Lisístrata. (Comedia absoluta)
Beckett S. El sonido de pasos. Esperando a Godot. (Drama de la Corriente de la Conciencia)
Brecht B. La ópera de tres centavos. Madre Coraje y sus hijos. (Drama épico)
Beaumarchais. Las bodas de Fígaro. (El canon ideal de una obra clasicista)
Bulgákov M.A. Días de las Turbinas. Correr. El apartamento de Zoya.
Volodin A. Cinco tardes. Hermana mayor. Lagarto.
Vampilov A. Hijo mayor. El verano pasado en Chulimsk. Caza de patos.
Goethe I.-G. Fausto. (“El drama eterno” o el “juego para leer” ideal)
Gógol N.V. Inspector. Casamiento. Jugadores. (Simbolismo místico del fantasma de la realidad)
Gorin G. Una plaga en vuestras dos casas. La casa que construyó Swift. (Recuerdo del juego)
Gorki m. En la parte inferior. Filisteos. ( drama social)
Griboedov A.¡Ay de la mente! (El canon ideal del clasicismo)
Eurípides. Medea. (Tema de mujeres)
Ibsen H. Fantasmas. Casa de muñecas. Compañero Gynt. ("Nuevo drama")
Ionesco E. Cantante calvo. (Anti-juego y anti-teatro)
Calderón. Adoración de la cruz. La vida es un sueño. Príncipe firme.
Cornel P. Sid. (Tragedia héroe ideal)
Lérmontov M.Yu. Mascarada. (Drama de tragedia romántica)
Lope de Vega. Perro en el pesebre. Fuente de ovejas. (Polifonismo de género)
Maeterlinck M. Ciego. Milagro de San Antonio. Pájaro azul.
Moliere J.-B. Un comerciante entre la nobleza. Tartufo. Don Juan. Los trucos de Scapin.
Ostrovsky A.N. Sin dote. Doncella de la nieve. Bosque. Culpable sin culpa. Corazón cálido. (" personas extra Rusia" en el escenario del teatro ruso)
Pushkin A.S. Borís Godunov. Pequeñas tragedias.
Radzinsky E. Teatro de la época de Nerón y Séneca. Conversaciones con Sócrates.
Racine J. Fedra. ("Tragedia psicológica")
Rozov V.S. Siempre vivo. (“Patetismo sin patetismo”)
Pirandello L. Seis personajes en busca de un autor. (“Teatralidad de la obra”)
Sófocles Edipo Rey. Edipo en Colono. Antígona. (" proporción áurea"dramas)
Stoppard T. Rosencrantz y Guildenstern están muertos. (Tragedia hombrecito)
Sukhovo-Kobylin A.V. La boda de Krechinsky. Caso. Muerte de Tarelkin. (Dramaturgia del cosmismo ruso)
Turgenev I.S. Un mes en el pueblo. Aprovechador. (Matices del psicologismo)
Chéjov A.P. Gaviota. Tres hermanas. Tío Vanya. huerto de cerezos. (Comedia vida humana)
Shakespeare W. Aldea. Rey Lear. Macbeth. El sueño de una noche de verano.
Shaw B. Pigmalión. La casa que rompe corazones.
Esquilo. Persas. Prometeo encadenado. ("mito trágico")
V. TEMAS Y PREGUNTAS DEL CURSO “TEORÍA DEL DRAMA”
(indicando personalidades)
1. El equilibrio de los principios figurativos y expresivos en el drama: la dialéctica de “épica” y “lyros” (“musicalidad” como ritmo y polifonía). Personalidades: Hegel, Belinsky, Wagner, Nietzsche.
2. La acción como forma interna y externa de drama: “imitación de acción por acción”. Personalidades: Aristóteles, Brecht.
3. Arquitectura exterior e interior de una obra dramática: acto-cuadro-fenómeno; monólogo-diálogo-comentario-pausa.
5. Modelado imaginativo y basado en eventos de la acción en el drama. Personalidades: Esquilo, Sófocles, Shakespeare, Pushkin, Chéjov.
6. Naturaleza conflicto dramático: conflicto externo e interno.
7. Tipología de conflicto dramático.
8. Formas de organizar un conflicto dramático según la línea: imagen - idea - personaje ( personaje).
9. Colisión e intriga en el desarrollo argumental de la obra.
10. Elementos formadores de estructura y estructuralmente significativos de la trama: “vicisitudes”, “reconocimiento”, “motivo de elección” y “motivo de decisión”.
11. Personaje dramático: imagen - héroe - personaje - personaje - rol - imagen.
12. Carácter y niveles profundos de desarrollo de la acción: “motivo”, “modelos actantes”, “típico” y “arquetípico”.
13. Discurso y carácter: niveles y zonas de expresión dramática.
14. Poéticas de la composición dramática: análisis estructural.
15. El problema de la relación entre los elementos compositivos del drama y el análisis eficaz (basado en eventos) de la obra.
16. Género del drama: cómico y trágico.
17. Evolución del género: comedia. Personalidades: Aristófanes, Dante, Shakespeare, Moliere, Chéjov.
18. Evolución del género: tragedia. Personalidades: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca, Shakespeare, Calderón, Corneille, Racine, Schiller.
19. Procesos de integración en mixto. géneros dramáticos: melodrama, tragicomedia, farsa trágica.
20. Evolución del género: drama - de “sátira” y “naturalista” a “épico”. Personalidades: Diderot, Ibsen, Chéjov, Shaw, Brecht.
21. Evolución del género: drama simbolista - del “litúrgico” al “místico”. Personalidades: Ibsen, Maeterlinck, Andreev.
22. Evolución general del género: del drama al “antidrama” del existencialismo y el absurdo. Personalidades: Sartre, Anouilh, Beckett, Ionesco, Pinter, Mrozhek.
23. Forma, estilo y estilización en el arte dramático: época - dirección - autor.
24. Texto, subtexto, contexto en el drama. Personalidades: Chéjov, Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Butkevich.
25. Principio “monodramático” del desarrollo de la acción en una tragedia clásica. Personalidades: Sófocles (“Edipo Rey”), Shakespeare (“Hamlet”), Calderón (“El Príncipe Inquebrantable”), Corneille (“Cid”), Racine (“Fedra”).
26. El principio libre de la acción autodesarrollada en una obra dramática. Personalidades: Shakespeare (“El rey Lear”), Pushkin (“Boris Godunov”).
27. Personaje dramático en situación cómica: sitcoms, comedias de errores, comedias de personajes. Personalidades: Menandro, Terencio, Shakespeare, Moliere, Gozzi, Goldoni, Beaumarchais.
28. Principios del desarrollo de la acción en la comedia: organización tempo-rítmica de la obra. Personalidades: Shakespeare (“La fierecilla domada”), Moliere (“Los trucos de Scapin”), Beaumarchais (“Las bodas de Fígaro”).
29. Paradojas y contradicciones en el drama del romanticismo (Musset).
30. “Realismo fantástico” en el drama ruso: de lo grotesco a la fantasmagoría del “cosmos”. Personalidades: Gogol (“El inspector general”), Sukhovo-Kobylin (“La muerte de Tarelkin”).
31. Análisis comparativo método de investigación naturalismo (Zola, Daudet, Boborykin) y método artístico Ruso " escuela natural"(Gogol, Turgenev, Sukhovo-Kobylin).
32. Organización de la acción en el drama simbolista. Personalidades: Maeterlinck (“La hermana Beatriz”), Andreev (“La vida de un hombre”).
33. Organización retrospectiva de la acción en el drama analítico. Personalidades: Sófocles (“Edipo Rey”), Ibsen (“Fantasmas”).
34. Principios de la construcción de un drama épico (el concepto de sistema doble). Personalidades: Brecht (“Madre Coraje y sus hijos”).
35. La relación entre tema e idea en el drama intelectual. Usando el ejemplo de análisis obras del mismo nombre: “Medea” de Eurípides y Anouilh; "Antígona" de Sófocles y Anouilh.
37. Principios de interacción entre trama y trama en la comedia de Griboedov "Ay de Wit". (Usando el ejemplo de la producción de V.E. Meyerhold de “Woe to Wit”).
38. Principios compositivos en el drama del absurdo. Personalidades: Beckett (“Esperando a Godot”), Ionesco (“El cantante calvo”).
39. Mito, cuento de hadas, realidad en las obras de Schwartz. "Dragón", "Milagro ordinario".
40. Mito, historia, realidad y personalidad en las obras de Radzinsky (“Teatro de la época de Nerón y Séneca”, “Conversaciones con Sócrates”).
41. Conflicto interno como una forma de poetizar la heroicidad y la vida cotidiana en el drama soviético. Personalidades: Vishnevsky ("La tragedia optimista"), Volodin ("Cinco noches"), Vampilov ("La caza de patos").
42. Jugar teatro en las obras de Gorin ("La casa que construyó Swift", "Una plaga en ambas casas", "El bufón Balakirev").
43. Transformaciones dramáticas " tema femenino"(desde la tragedia de Eurípides hasta las obras de Petrushevskaya, Razumovskaya, Sadur).
Tragedia(del gr. Tragos - cabra y oda - canción) - uno de los tipos de drama que se basa en el conflicto irreconciliable de una personalidad inusual con circunstancias externas insuperables. Normalmente el héroe muere (Romeo y Julieta, Hamlet de Shakespeare). La tragedia ocurrió en Grecia antigua, el nombre proviene de una creencia popular en honor al dios del vino, Dioniso. Se representaban danzas, cantos e historias sobre su sufrimiento, al final de los cuales se sacrificaba un macho cabrío.
Comedia(del gr. comoidia. Comos - multitud alegre y oda - canción) - una especie de arbitrariedad dramática en la que se representa el cómic vida social, comportamiento y carácter de las personas. Hay una comedia de situaciones (intriga) y una comedia de personajes.
Drama - un tipo de dramaturgia intermedia entre la tragedia y la comedia (“La tormenta” de A. Ostrovsky, “La felicidad robada” de I. Franko). Los dramas representan principalmente la vida privada de una persona y su agudo conflicto con la sociedad. Al mismo tiempo, a menudo se hace hincapié en las contradicciones humanas universales, encarnadas en el comportamiento y las acciones de personajes específicos.
Misterio(del gr. mysterion - sacramento, servicio religioso, ritual) - un género de teatro religioso de masas de finales de la Edad Media (siglos XIV-XV), muy extendido en los países de Nvrotta occidental.
Atracción secundaria(del latín intermedius - lo que está en el medio) - pequeño obra cómica o una parodia que se representó entre los actos del drama principal. en moderno arte pop Existe como un género independiente.
Vodevil(del vodevil francés) una obra cómica ligera en la que se combina la acción dramática con la música y el baile.
Melodrama- una obra de aguda intriga, exagerada emotividad y tendencia moral y didáctica. Típico del melodrama es un “final feliz”, un triunfo golosinas. El género del melodrama fue popular en el siglo XVIII. siglos XIX, luego adquirió una reputación negativa.
Farsa(del latín farcio empiezo, lleno) es una comedia popular de Europa occidental de los siglos XIV al XVI, que surgió a partir de divertidos juegos rituales e interludios. La farsa se caracteriza por los principales rasgos de las ideas populares: participación masiva, orientación satírica y humor grosero. En los tiempos modernos, este género ha entrado en el repertorio de los pequeños teatros.
Como se señaló, los métodos de representación literaria a menudo se mezclan dentro especies individuales y géneros. Esta mezcla es de dos tipos: en algunos casos hay una especie de inclusión, cuando el principal características de nacimiento se conservan; en otros, los principios genéricos están equilibrados y la obra no puede atribuirse ni a la épica, ni al clero ni al drama, por lo que se les denomina formaciones adyacentes o mixtas. La mayoría de las veces se mezclan épica y lírica.
Balada(de Provenza ballar - bailar) - una pequeña obra poética con una trama dramática y dramática de amor, legendario-histórico, heroico-patriótico o contenido fabuloso. La descripción de los acontecimientos se combina en él con un pronunciado sentimiento de autor; la epopeya se combina con la letra. El género se generalizó en la era del romanticismo (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko, etc.).
poema épico lírico- una obra poética en la que, según V. Mayakovsky, el poeta habla del tiempo y de sí mismo (poemas de V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, etc.).
poema dramático- una obra escrita en forma dialógica, pero no destinada a la producción en escena. Ejemplos de este género: "Fausto" de Goethe, "Caín" de Byron, "En las catacumbas" de L. Ukrainka, etc.