« Nido noble" - uno de los más notables obras de arte Turguénev. La sutileza en la expresión de los sentimientos, las experiencias emocionales de los personajes, el lirismo que impregna toda la novela, el dramatismo de las escenas y las extraordinarias imágenes poéticas de la naturaleza, todo esto cautiva al lector.
El episodio más sorprendente, que combina lirismo y sutileza. análisis psicológico, y la belleza de la naturaleza, es el escenario de la explicación de Lisa y Lavretsky (Capítulo 34). Sigue un episodio que describe la disputa de Lavretsky con Panshin. Esta secuencia de episodios no es casual. Después de todo, la disputa demostró que Lavretsky y Lisa tenían mucho en común: "... ambos se dieron cuenta de que esa noche se habían acercado mucho, se dieron cuenta de que amaban y no les gustaba lo mismo". Por esta razón, el escenario de la discusión parece preparar el escenario para la explicación de Liza y Lavretsky.
Después de dejar a los Kalitin, Lavretsky no regresa a casa. Deambula por el campo y, como si una fuerza desconocida lo trajera de regreso a la casa de los Kalitin. "No es en vano", piensa Lavretsky. El estado de ánimo del héroe se transmite mediante la descripción de la naturaleza: "Todo estaba en silencio alrededor". Es interesante que el motivo del silencio no sólo esté presente en este episodio, sino que sea la característica principal en la descripción de la relación entre Lisa y Lavretsky. El silencio y el silencio dan a las escenas con la participación de estos personajes una cierta emotividad.
Al escuchar la voz de Lavretsky, Lisa sale silenciosamente al jardín y luego sigue a Lavretsky sin resistencia. Su estado de asombro en ese momento se transmite por su “rostro pálido, ojos inmóviles y todos sus movimientos”. Ella no entiende dónde está. Sólo después de escuchar la declaración de amor de Lavretsky hacia ella, Lisa comprende lo que le sucedió, pero aún se niega a creerlo. Ella responde a Lavretsky con su religiosidad característica: "Todo está en el poder de Dios..."
A la pregunta de Lavretsky sobre su destino futuro Lisa no da una respuesta directa. Pero ella no se resiste al héroe cuando intenta besarla. Esto atestigua la fuerza y la plenitud del sentimiento que la niña experimenta por Fyodor Ivanovich.
Parecería que la escena de declaración de amor requiere un gran diálogo entre los personajes en el que expresarían sus sentimientos. Pero con Turgenev todo es diferente. Muy gran lugar retoma una descripción del estado de los personajes, pero al mismo tiempo, el escritor no analiza en detalle el estado mental de los personajes. Y, sin embargo, Turgenev logra transmitir la plenitud vida interior Lisa y Lavretsky. Esto se logra gracias a la unidad de sus estados de ánimo, a través de pausas (esto se evidencia por la abundancia de elipses en los comentarios), a través de miradas, expresiones faciales (“Liza lo miró lentamente”, “ya no lloraba y lo miró”). cuidadosamente con los ojos húmedos”, “miradas levantadas hacia él”, “bajando los ojos”, “ojos fijos”) o la entonación. Se crea una sensación de un único movimiento interno. Los amantes se entienden sin palabras, como lo indican las observaciones del autor:
“¿Qué te pasa?” dijo Lavretsky y escuchó un sollozo silencioso, su corazón se hundió... Se dio cuenta de lo que significaban estas lágrimas “¿Realmente me amas?”
Este episodio muestra la habilidad de Turgenev para transmitir las experiencias internas de una persona. El escritor no utiliza colores románticos brillantes, pero logra un estado de ánimo sublime en la descripción del amor.
Turgenev transmite muy sutilmente el estado de sus héroes a través de una descripción de la naturaleza.
En general, en la historia sobre la relación entre Liza y Lavretsky, hay un cambio constante en los colores claros y oscuros de la naturaleza, dependiendo de los cambios en el destino de los héroes. La noche en que Lavretsky le confiesa su amor a Liza es tranquila y luminosa. Fue en esta tranquila y luminosa noche de verano que conectaron sus labios en un beso por única vez.
El paisaje tranquilo transmite toda la pureza y sinceridad del amor mutuo de los héroes. La descripción del paisaje, las acciones pausadas de los personajes, las pausas en sus comentarios crean una sensación de lentitud en la acción.
No hay impetuosidad ni arrebato de sentimientos en los movimientos de Lisa y Lavretsky. Toda la escena de la declaración de amor está imbuida de lirismo, incluso de una especie de estado de ánimo de decadencia. La atmósfera en la que se escribió la escena sugiere que no todo será tan sencillo en la relación entre los amantes.
De hecho, en los siguientes capítulos el lector comprenderá que la escena de la declaración de amor de Lavretsky y Lisa es el único momento brillante en su relación. Sólo entonces los héroes podrían ser felices abiertamente, sin ningún obstáculo.
Este episodio, desarrollado magistralmente por Turgenev, puede considerarse con razón uno de los mejores de la novela. No sólo ayuda a revelar los personajes de los personajes, sino que también transmite uno de los momentos más importantes de sus vidas: una declaración de amor, un breve pero feliz momento de sentimiento mutuo.
En este episodio se revelan todas las técnicas y características básicas del estilo de Turgenev. De este pasaje podemos juzgar de una manera creativa escritor, sus puntos de vista sobre muchos temas de la vida.
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Características de la imagen de Lisa Kalitina.
A primera vista, Lisa Kalitina es una joven provinciana corriente que toca el piano todos los días y obedece a su madre en todo. Probablemente, a Lisa, un novio envidiable, le esperaba una buena pareja, y ella habría vivido su vida como muchos de sus contemporáneos. Pero en realidad ella era una chica especial, no como las demás. El propio autor la destaca especialmente entre todos los personajes de su novela. Con la aparición de cada héroe, se describe su historia de fondo, y no solo él, sino también su familia, solo que aprendemos sobre Lisa primero por las características que le dan los demás. Lavretsky, después de varios encuentros fugaces con ella, piensa así: “Bonita chica, ¿algo saldrá de ella? Ella es bonita también...
Explicación de la vulgaridad en las historias de A. P. Chéjov.
En el momento de su mayor florecimiento creativo, Chéjov escribió varias historias sobre la intelectualidad. Da la alarma, advirtiendo que las personas llamadas a liderar al pueblo se están convirtiendo en personas comunes y corrientes, degradándose bajo la influencia del entorno en el que se encuentran. La más poderosa, en mi opinión, es la historia "Ionych" (1898). La trama de la historia es sencilla: joven, hombre astuto termina en la ciudad gris y mohosa de S....
Características de la imagen de Lavretsky en la novela "El nido noble".
Turgenev concibió la novela "El nido noble" en 1855. Sin embargo, en ese momento el escritor experimentó dudas sobre la fuerza de su talento, y también quedó la huella de la inquietud personal en la vida. Turgenev no reanudó el trabajo en la novela hasta 1858, a su llegada de París. La novela apareció en el libro de enero de Sovremennik de 1859. El propio autor señaló más tarde que "El nido noble" fue el mayor éxito que jamás le había sucedido. Turgenev, que se distinguió por su capacidad para notar y retratar algo nuevo y emergente, reflejó en esta novela la modernidad, los momentos principales de la vida de la noble intelectualidad de esa época. Lavretsky, Panshin, Liza no son imágenes abstractas creadas por el líder, sino personas vivas, representantes de las generaciones de los años 40 del siglo XIX....
Gloria comprada con sangre (análisis del poema "Patria" de Lermontov)
Lo nuevo fue que Lermontov, con mayor agudeza que Pushkin, se dio cuenta de la necesidad de fusionarse con el pueblo y tal vez incluso subordinarle a la nobleza avanzada. Dobrolyubov escribió que Lermontov experimentó tempranamente “las deficiencias sociedad moderna"y "supo comprender" que "la salvación de... la forma incorrecta sólo se encuentra entre la gente”. Lermontov reforzó constantemente esta convicción, como lo demuestra "Cossack Lullaby" (1839). glorificando el coraje de los cosacos comunes y corrientes, y especialmente el poema "Patria" (1841), donde se manifestaba el amor "santo" y "razonable" del poeta (N. A. Dobrolyubov) por la patria....
Episodio de la muerte de Valet (análisis de la parte 5 del capítulo 31 de la novela "Quiet Don" de M. Sholokhov)
En las páginas de la novela épica de Sholokhov " Don tranquilo"vemos más conflictos trágicos, las contradicciones más intrincadas, las pasiones y dificultades más inéditas, de las que a veces la única salida es la muerte, la autodestrucción. Consideremos y analicemos el episodio de la muerte de Valet en la novela "Quiet Don". Valet es un trabajador de la fábrica de Sergei Platonovich. Luego, a medida que avanza la novela, aparece ante nosotros como un soldado y sirve en el 318.º Regimiento de Chernoyarsk. Tiempos difíciles Reinaba: trincheras, operaciones militares, levantamientos, la imprevisibilidad de un nuevo día. La novela termina con un episodio en el que Valet está destinado a morir, precisamente "destinado", porque su camarada Mikhail Koshevoy sigue vivo y él tiene derecho a menos. castigo cruel. Si consideramos este episodio en detalle, nada presagiaba problemas: “La niebla hacía espuma en la estepa, se arremolinaba en los barrancos, mellaba en las depresiones, lamía las estribaciones del Yarov. Los montículos cubiertos con él se iluminaron. Las codornices graznaban sobre la hierba tierna. Sí, un mes flotaba en las alturas celestiales, como una flor de nenúfar completamente madura en un estanque cubierto de juncos y besugos. Caminaron hasta el amanecer. Stozhary ya se ha desvanecido. Ha caído el rocío. Se acercaba el pueblo de Nizhne-Yablonovsky”. Así es exactamente como Sholokhov describe el estado de naturaleza. De repente, casi de la nada, aparecen los cosacos y atacan a Koshevoy y Valet. Aquí todo el curso de los acontecimientos ya se vuelve en su contra: “la hierba está baja, el mes es luminoso... Nos pillaron...”. También suena un disparo de forma aleatoria e inexplicable: “Cien brazas se movían en silencio. Luego un tiro..." Todo sucede como según un esquema claramente pensado por alguien, pero al mismo tiempo es imposible adivinar qué pasará a continuación. Koshevoy sigue vivo, aunque de todo se desprende claramente que preferiría aceptar la muerte antes que soportar la humillación y las privaciones, y los cosacos pronuncian la siguiente frase: "Mataron a un hombre, pero se compadecieron de ti". Es como si te hicieran un favor. Esta declaración hirió mucho el orgullo de Mishka, pero no se desanimó. En cuanto al valet baleado y abandonado, dos cosacos de Yablonovsky lo "limpiaron dos días después". Cavaron una tumba poco profunda porque el suelo era duro y el trabajo lento. Sin embargo, según los mismos cosacos, el lugar de enterramiento era fértil. Esto es lo que dicen: “Sí... el tipo tendrá que yacer en buena tierra, en una altura... Aquí hay viento, sequedad, sol... No se deteriorará pronto”. El autor es lacónico en esta descripción, se siente su dolor por el héroe. Pero la descripción posterior es bastante vívida: “Después de medio mes, el pequeño montículo estaba cubierto de plátanos y ajenjo joven, la avena silvestre comenzó a brotar en él, el costado de la colza se volvió amarillo con un color exuberante, el trébol dulce colgaba como una pelusa borlas, olía a tomillo, algodoncillo y cobriza”. Sholokhov también señala que un anciano erigió una capilla en este lugar: "En la estepa, quedó una capilla para entristecer los ojos de los transeúntes con una mirada eternamente triste, para despertar una melancolía inarticulada en sus corazones". A pesar de toda la tragedia de la trama, el autor finalmente convierte las esperanzas del lector en lo mejor, lo más brillante y lo más amable: “Y un poco más tarde, justo al lado de la capilla, debajo de un montículo, bajo un manto peludo de ajenjo viejo, una pequeña hembra La avutarda puso nueve huevos con manchas de color azul ahumado y se posó sobre ellos, calentándolos con el calor de su cuerpo, protegiéndolos con un ala de plumas brillantes”. Este es el contenido del episodio final de la novela. ...
Pregunta 2
origen de la musica(esto es lo más normal que pude encontrar, el resto de lo que vi definitivamente diría tonterías (esto es de una enorme enciclopedia de música))
Música (griego musa - musa). La música es una forma de arte que afecta a una persona a través de imágenes sonoras que reflejan sus diversas experiencias y la vida que lo rodea. A diferencia de artes espaciales(pintura, escultura, arquitectura), la música, junto con la coreografía, el teatro y el cine, pertenece a las artes temporales. Una de las principales características de la música es que en realidad sólo existe en la interpretación, en el sonido en vivo.
Sincretismo- una combinación o fusión de formas de pensar y puntos de vista "incomparables". Denota coherencia y unidad ( sincrético).
Muy a menudo, el término sincretismo se aplica al campo del arte, a los hechos. desarrollo historico música, danza, teatro y poesía. Según la definición de A. N. Veselovsky, el sincretismo es "una combinación de movimientos rítmicos y orquestales con canciones y elementos de la letra. El estudio de los fenómenos del sincretismo es extremadamente importante para resolver cuestiones sobre el origen y el desarrollo histórico de las artes". El concepto mismo de "sincretismo" se propuso en la ciencia en oposición a las soluciones teóricas abstractas al problema del origen de los géneros poéticos (lírica, épica y dramática) en su surgimiento supuestamente secuencial.
En la construcción de A. N. Veselovsky, la teoría del sincretismo se reduce básicamente a lo siguiente: durante el período de sus inicios, la poesía no solo no se diferenciaba por género (letra, epopeya, drama), sino que en general no representaba en sí misma la elemento principal de un todo sincrético más complejo: el papel principal en este arte sincrético lo desempeñaba la danza: “movimientos rítmicos orquestales acompañados de canciones-música”
3. Música del romanticismo
Música del período romántico es un término profesional en musicología que describe un período de la historia de la música europea, que cubre aproximadamente los años 1800-1910.
La música de este período se desarrolló a partir de formas, géneros e ideas musicales establecidas en períodos anteriores como período clásico. Aunque el romanticismo no siempre significa relación romántica Sin embargo, esta trama fue la principal en muchas obras sobre literatura, pintura y música creadas en la era del romanticismo.
Durante el romanticismo se desarrollaron las ideas y la estructura de las obras que se establecieron o recién surgieron en períodos anteriores. Como resultado, los oyentes (tanto en el siglo XIX como en la actualidad) perciben las obras relacionadas con el romanticismo como más apasionadas y emocionalmente expresivas. Los compositores románticos intentaron utilizar medios musicales Expresar la profundidad y riqueza del mundo interior de una persona. La música se vuelve más prominente e individual. Se están desarrollando géneros de canciones, incluidas las baladas.
En general, se acepta que los predecesores inmediatos del romanticismo fueron Ludwig van Beethoven (en la música austroalemana) y Luigi Cherubini (en francés); Muchos románticos (por ejemplo, Schubert, Wagner, Berlioz) consideraban a K.V. Gluck. Se considera el período de transición del clasicismo al romanticismo. periodo prerromantico- un período relativamente corto en la historia de la música y el arte.
Los principales representantes del romanticismo en la música son:
en Austria, Franz Schubert y Franz Liszt, así como los románticos tardíos, Anton Bruckner y Gustav Mahler;
en Alemania: Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr;
en Italia: Niccolò Paganini, Vincenzo Bellini, los primeros Giuseppe Verdi;
en Francia - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer y representante romanticismo tardío César Frank;
en Polonia - Frédéric Chopin.
En Rusia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N.A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Borodin, Cesar Cui, P.I Tchaikovsky trabajaron en la línea del romanticismo.
sinestesia
(del griego antiguo sinaisthesis - co-sensación) Un concepto que significa una forma de percepción caracterizada por conexiones entre sentimientos en la psique, así como los resultados de sus manifestaciones en áreas específicas del arte: a) tropos poéticos y figuras estilísticas asociadas con lo intersensorial transferencias; b) imágenes cromáticas y espaciales evocadas por la música; c) interacciones entre las artes (visual y auditiva). Así, las expresiones literarias incluyen expresiones como “El sonido de la flauta es azul del amanecer” (K. Balmont), las pinturas incluyen pinturas de M. K. Ciurlionis y V. Kandinsky, y las expresiones musicales incluyen obras de N. A. Rimsky-Korsakov, que implican Este es el existencia de géneros “sinestésicos” especiales (música programática, pintura musical) y tipos de arte (música ligera, cine sinestésico). Todos los niveles de S. están determinados por un fenómeno psicológico básico (comunicación intersensorial). La decodificación literal del concepto de S. como “co-sensación” no se corresponde con el contenido real de este fenómeno. S. es más bien “co-representación”, “simpatía”. Puede haber similitud en el contenido y el impacto emocional (en esto se basan las analogías sinestésicas “timbre - color”, “tonalidad - color”). El último tipo de S. es el más inherente al art. Además, en cada tipo de arte, la totalidad de sus características inherentes forma su propio llamado "fondo sinestésico".
Música en la novela de I.S. Turgenev "El nido noble"
Romano I.S. "El nido noble" de Turgenev fue escrito en 1858. El propio autor señaló posteriormente que "El nido noble" fue el mayor éxito que jamás le había sucedido.
hogar línea de la historia La novela refleja la historia de amor de los personajes principales: Lisa Kalitina y Lavretsky. Podemos hablar del predominio de un estado de ánimo romántico en la novela, que también está asociado a la imagen del viejo músico Lemm, representante de la cultura romántica alemana. El ambiente romántico de la novela es creado y apoyado por la música que suena constantemente en las páginas del libro, porque la música es capaz de expresar los matices más sutiles de los sentimientos y experiencias humanas, revelando mundo interior persona. La música realza y resalta la emotividad de la novela. La música está compuesta por los propios personajes; refleja su estado de ánimo en determinados momentos, transmite la atmósfera cotidiana que los rodea, complementa la belleza de la naturaleza, realzando el lirismo y el sabor poético general de la novela.
La música siempre ha jugado un papel muy importante en la vida de I.S. Turgenev y los personajes de sus obras. (Los niños recordarán fácilmente el cuento "Asya", la novela "Padres e hijos".) Pero la música para un escritor, o más precisamente, la actitud de los héroes de la novela hacia la música, es también un medio para caracterizar a los personajes. , una forma de expresar la actitud del autor hacia ellos.
Panshin.
"Marya Dmitrievna lo adoraba", "Gedeonovsky... se congraciaba con un joven y brillante funcionario de San Petersburgo", le agrada a Lisa, Lenochka lo adora
¿Qué causa esta actitud? (Es diestro, inteligente, guapo, amable, talentoso).
Talentos - "... Cantaba dulcemente, dibujaba inteligentemente, escribía poesía, tocaba bastante bien en el escenario"
En este fragmento, Turgenev, caracterizando a su héroe, expresa la opinión de algunos de sus contemporáneos. romance, como canción folk, V. mediados del 19 Durante siglos se consideró un género musical superficial y frívolo. Estas obras se consideraban cosas que podían entretener y aliviar el aburrimiento. Las letras de los romances hablaban de tristeza, tristeza, angustia y amor no correspondido. Este es exactamente el romance interpretado por Panshin.
¿Cómo lo caracteriza la actitud de Panshin hacia la música? (Frivolidad, superficialidad, vacío, vanidad, falsedad, narcisismo.)
Varvara Pávlovna“Toqué varias mazurcas de Chopin y luego se puso de moda”
Aquí volvemos a encontrarnos con el concepto “ música ligera”, según Turguénev. Estamos hablando de la mazurca, una danza folclórica polaca.
El vals es baile de salón, que había estado prohibido por la Iglesia durante mucho tiempo y que en aquel momento volvía a estar de moda. Los valses del compositor austriaco Johann Strauss gozaron de especial popularidad en los salones aristocráticos.
El vals corresponde a su carácter, condición, estilo de vida.
Me encantó la música italiana”; "Ella interpretó a Liszt dos veces y fue tan dulce, tan simple, ¡encantadora!"
Franz Liszt- un famoso músico húngaro - viajó por toda Europa, dando conciertos en los salones más ricos y famosos. Se consideraba una gran suerte que este pianista de moda actuara en casa en una fiesta o baile.
Turgenev expresa su actitud hacia Varvara Pavlovna de una manera que ya conocemos: ella, como Panshin (a diferencia de Lemm, Lavretsky y Liza), canta un romance.
No es casualidad que Varvara Pavlovna fuera recibida en casa de los Kalitin de la misma manera que Panshin: secamente por Marfa Timofeevna, con deleite por Marya Dmitrievna, quien inmediatamente notó que Varvara Pavlovna debería encontrarse con Panshin, que "compone cosas muy bonitas" y “Sólo uno puede apreciarla plenamente”. Y, de hecho, Panshin y Varvara Pavlovna descubren el parentesco de almas y una total afinidad.
¿Con cuál de los héroes de la novela el destino fue tan despiadado como con Lavretsky? ¿Qué más une a Lavretsky y ¿Lema? (“...Una imaginación vivaz”, “coraje de pensamiento”, “algo bueno, honesto”; estas palabras de Turgenev sobre Lemma también se pueden atribuir a Lavretsky).
Pero lo principal es el amor por la música: Lemm “conocía la música a fondo”, “admirador de Bach y Handel, experto en su campo”, “habría estado entre los grandes compositores de su tierra natal” (capítulo 5). Lavretsky “amaba apasionadamente la música, práctica, clásica” (capítulo 21).
¿Cómo caracteriza Lemma su pasión por este tipo de música? ¿Por qué está componiendo una cantata como regalo para Lisa? ¿Por qué esta música es cercana a él? ( Cantata: una canción solemne, principalmente coral..)
Los sentimientos de Lemm se manifiestan en una lúgubre incomodidad o en la música, en la que se revela su alma. Hay dos episodios de la novela en los que Lemm expresa sus sentimientos a través de la música (capítulos 26 y 34).
Lisa- la única heroína cuya maravillosa imagen está dibujada con profunda simpatía y ligera tristeza. Lisa aparece en la novela al final del tercer capítulo y no dice una palabra durante todo el cuarto capítulo. Pero ya tenemos una idea de ella a través del regalo que recibe de Lemm. ¿Qué clase de regalo es este? ( cantata espiritual.)
¿Qué aprendemos sobre la cantata en el capítulo cinco? ¿Cómo caracteriza este don a Lisa? ( Religiosidad, espiritualidad, sublimidad y, además, este don ya predice el destino futuro de Lisa: entrar en un monasterio..)
¿Cómo caracteriza Lemm a su alumno? ( “Ella es muy pura de corazón” - cap. 23.)
La pureza de corazón y la claridad de alma de Lisa se manifiestan en la iglesia.
Como todos los personajes de la novela, Lisa conoce y ama la música. Le pide a Panshin que le busque la Obertura Oberon de la ópera de K.M. Weber
Carlos Weber- su compatriota y contemporáneo Lemma, incluso nacieron el mismo año; no es casualidad que el carácter y el destino de estas personas tengan mucho en común: las dificultades de la vida, la adversidad, la gran eficiencia y el trabajo duro. Weber es conocido como el fundador de la ópera romántica alemana, Lemm también es un romántico de corazón.
En la música de Beethoven se pueden escuchar entonaciones heroicas, valientes, decisivas y trágicas. Toda la vida de Beethoven es una lucha. La lucha consigo mismo, con la sociedad, con la enfermedad, la muerte. Liza también luchaba consigo misma, con sus sentimientos por Lavretsky. Turgenev enfatiza así el complejo, doloroso, personaje trágico la elección de una niña entre la vida entre las personas y el servicio a Dios.
Después de leer la novela, nos despedimos no solo de sus héroes, sino también de Rusia, que habíamos perdido. Se trata de el nivel más alto cultura musical, que estaba en posesión de representantes de la sociedad noble de la época. Saturando, impregnando de música su novela, Turgenev contó con el lector que sabe perfectamente qué son una cantata y una mazurca, cuáles son las diferencias entre Bach y Chopin y por qué Panshin no logra terminar de tocar una sonata de Beethoven, pero interpreta la novela. con facilidad y más de una vez. Nosotros, la generación del siglo XXI, estamos “terriblemente lejos” de tal capacidad de comprender música clásica, y esto no nos adorna en absoluto.
La novela contiene música de Beethoven, Weber, Donizetti, Strauss, Alyabiev.
Música y poesía
Oda (del griego ōdē - canción), género de poesía lírica y música. En la antigüedad, la palabra "O." Al principio no tenía significado terminológico, luego comenzó a significar una canción coral predominantemente lírica escrita en estrofas de carácter solemne, alegre y moralizante (especialmente las canciones de Píndaro). Durante el Renacimiento y el Barroco (siglos XVI-XVII), el término "O." entró en uso para designar un lirismo patéticamente elevado, centrándose en ejemplos antiguos, principalmente en Píndaro, en parte en Horacio (P. Ronsard en Francia, G. Chiabrera en Italia, A. Cowley y J. Dryden en Inglaterra, G. R. Weckerlin en Alemania). En la era del clasicismo (siglos XVII-XVIII), la poesía fue canonizada como el género líder del alto lirismo (F. Malherbe, Voltaire, J.B. Rousseau, E. Lebrun - Francia). Se han simplificado sus métricas y estrofas, técnicas de composición Se regularon (ataque "tranquilo" o "rápido", presencia de digresiones, se permitió "desorden lírico"), se distinguieron lo espiritual, solemne ("pindárico"), moralizante ("horaciano") y el amor ("anacreóntico"). O. aparece por primera vez en la poesía rusa en V. K. Trediakovsky (1734). Aquí luchan dos tendencias, una más cercana a la tradición barroca (la exigencia de "deleite" - M. V. Lomonosov, V. P. Petrov), la otra es racionalista - cercana a la Ilustración (la exigencia de "naturalidad" - A. P. Sumarokov, M. M. Kheraskov). En la era del prerromanticismo (finales del siglo XVIII) características del género Las formas se “aflojan” (la poesía de G. R. Derzhavin), los intentos de imitar formas antiguas son cada vez más frecuentes (F. Klopstock, F. Hölderlin - Alemania). En la era del romanticismo, la palabra "O". ya se aplica a un poema sin signos de género canónicos ("odas" de P. B. Shelley, J. Keats, A. Lamartine, V. Hugo, A. Manzoni, etc.); en Rusia está estrechamente relacionado con la tradición de la poesía civil ("Libertad" de A. N. Radishchev, "Civil Courage" de K. F. Ryleev). En los siglos XIX y XX. sistema de género en la poesía lírica, el concepto de O. se erosiona y cae en desuso, apareciendo en poesía sólo esporádicamente ("Oda a la Revolución" de V.V. Mayakovsky).
Del siglo XVII en los países de Europa occidental el término "O". comenzó a significar vocal-instrumental composicion musical, escrito para los días festivos de la corte, en honor a un evento o a una persona noble. En Inglaterra, estas obras estaban cerca de la cantata (G. Purcell, G. F. Handel, etc.), en Alemania, junto con la cantata O. (J. S. Bach. “Funeral Ode”; L. Beethoven, final de la novena sinfonía ) también fueron creados por O. en forma de canciones con acompañamiento. En épocas posteriores, O. surgió para la mayoría varias composiciones, incluidos los puramente instrumentales; entre sus autores se encuentran L. Cherubini, F. David, F. Liszt, J. Bizet, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev (“Oda al fin de la guerra” para 8 arpas, 4 flautas, contrabajos, instrumentos de viento y instrumentos de percusión, 1945).
Letra edad de plata diverso y muy musical. El epíteto "plata" en sí mismo suena como una campana. La Edad de Plata nos brindó toda una constelación de poetas. Poetas-músicos. Los poemas de la Edad de Plata son la música de las palabras. En estos versos no había ni un solo sonido extra, ni una sola coma innecesaria, ni un solo punto fuera de lugar.
A principios del siglo XX. habia muchos tendencias literarias. Esto es simbolismo, futurismo e incluso egofuturismo de Igor Severyanin. Todas estas direcciones son muy diferentes, tienen diferentes ideales, persiguen diferentes objetivos, pero coinciden en una cosa: es necesario trabajar frenéticamente en el ritmo, en las palabras, para llevar a la perfección la interpretación y manipulación de los sonidos. En mi opinión, los futuristas lo consiguieron especialmente. El futurismo abandonó por completo lo viejo. tradiciones literarias, “lenguaje antiguo”, “palabras antiguas”, declarando la búsqueda de la base de la versificación nueva forma palabras, independientemente del contenido, es decir, en otras palabras, la invención de un nuevo lenguaje. Trabajar sobre las palabras, sobre “domesticar” los sonidos, se convirtió en un fin en sí mismo, a veces incluso en detrimento del significado. Tomemos, por ejemplo, el poema "Perverten" de V. Khlebnikov, cada verso del cual es un palíndromo. Aparecieron, se inventaron y se compusieron nuevas palabras.
El culto a la forma no duró mucho; el futurismo rápidamente quedó obsoleto. Pero el trabajo de los futuristas no fue en vano. En sus poemas, se añadía significado a su dominio casi perfecto de las palabras, y sonaban como una hermosa música. Recordemos el poema "Blizzard" de Boris Pasternak. El canto de la tormenta de nieve ya se escucha en las primeras líneas. Una sola frase y estabas dando vueltas, arrastrado por una tormenta de nieve... Boris Pasternak comenzó como futurista. El talento de B. Pasternak y su dominio futurista de la forma dieron resultados sorprendentes.
A diferencia del futurismo, el simbolismo proclamaba no sólo el culto a la forma del verso, sino también el culto a los símbolos: la abstracción y la concreción deben fusionarse fácil y naturalmente en un símbolo poético, como “en una mañana de verano, ríos de agua se fusionan armoniosamente”. luz de sol". Esto es lo que sucede en los poemas de K. Balmont, similar al susurro de las hojas. Por ejemplo, su misterioso y enigmático poema “Cañas”.
7 + 8. Pintura de iconos rusos sobre temas bíblicos. Pintura de iconos rusos sobre la vida de los santos. (aquí todo está muy cerca. Solo lee, tal vez recuerdes algo)
Un icono es una imagen pintoresca, con menos frecuencia en relieve, de Jesucristo, la Madre de Dios, ángeles y santos. No puede considerarse una pintura; no reproduce lo que el artista tiene ante sus ojos, sino un cierto prototipo que debe seguir.
Inicialmente, las muestras eran frescos griegos. De allí llegaron los primeros pintores de iconos a suelo ruso. Uno de ellos fue Teófanes el griego.
Como regla general, los iconos fueron pintados por monjes que ayunaron durante 10 días antes de crearlos. El icono fue pintado sobre una tabla de tilo o pino. Estaba reforzado con tacos transversales para que no se deformara ni se doblara. Anteriormente se le pegaba un pavolok (lienzo) sobre el que se colocaba la imprimación, el llamado “gesso” (una mezcla de cola de pescado y tiza). Todo estaba bien secado y pulido con cola de caballo. Para una solemnidad especial, se colocaban las más finas láminas de oro o plata. ¡Este brillo, que se destaca debajo de la capa de pintura, fascinó y cautivó a una persona!
Y ahora el tablero está listo para pintar.
Bogomaz, como se llamaba a los pintores de iconos, utilizaba pinturas naturales para pintar y mantenía en secreto los trucos de su oficio. Al observar las imágenes, no es difícil determinar dónde y en qué siglo fueron pintadas. Por lo tanto, los íconos de las escuelas de Novgorod y Vladimir fueron especialmente amados.
El más antiguo que se conserva es “El Salvador no hecho por manos”, creado en Novgorod en el siglo XII y ahora propiedad de la Galería Tretyakov.
Un tipo de representación del Salvador muy importante y extendido en el arte ruso antiguo era el llamado “Salvador Todopoderoso”. El concepto de “Todopoderoso” expresa la idea básica de la doctrina cristiana sobre Jesucristo. “Salvador Todopoderoso” es una imagen de medio cuerpo de Jesucristo en su mano izquierda con el Evangelio - signo de la enseñanza que trajo al mundo - y con su mano derecha, su mano derecha, levantada en un gesto de bendición dirigida a este mundo. Pero no sólo estos importantes atributos semánticos unen las imágenes del Salvador Todopoderoso. Los artistas que los crearon buscaron con particular integridad dotar a la imagen de Jesucristo de poder y grandeza divinos.
Una imagen en mosaico del Salvador Todopoderoso en la cúpula de uno de los templos antiguos- Catedral de Santa Sofía en Kiev (1043-1046).
También hubo numerosas imágenes iconográficas del Salvador Todopoderoso. Y entre ellos, quizás el más famoso sea el icono pintado a principios del siglo XV por el mayor artista ruso Andrei Rublev. Ahora se llama "Balnearios de Zvenigorod" por el lugar donde se encontró en la ciudad de Zvenigorod.
Con los mismos atributos del Señor del mundo que el Salvador Todopoderoso - con el Evangelio en su mano izquierda y su mano derecha levantada en señal de bendición - Jesucristo también fue representado en las composiciones comunes "El Salvador en el Trono". Su poder real fue indicado aquí por el mismo sentado en el trono (trono). En estas imágenes quedó especialmente claro que el Señor del mundo es también su juez, ya que “habiéndose sentado en el trono”, el Salvador ejecutará su juicio final sobre los hombres y el mundo.
Imágenes de la Virgen María
Junto a las imágenes del Salvador con arte ruso antiguo a su manera.
sentido y significado, según el lugar que ocupan en la conciencia
niya y en la vida espiritual de las personas, hay imágenes de la Madre de Dios, la Virgen Ma-
ria, de donde se encarnó el Salvador, se hizo hombre - imágenes
su madre terrenal. Y los cristianos tienen la firme creencia de que, habiéndose convertido en la Señora
paz, la Madre de Dios se convirtió en la inmutable intercesora de los hombres: la eterna
la compasión materna alcanzó su máxima plenitud, su corazón,
“traspasado” por los grandes tormentos del Hijo, respondió para siempre a innumerables
sufrimiento humano constante.
La tradición decía que se crearon los primeros iconos de la Madre de Dios.
incluso durante su vida, que fueron escritos por uno de los apóstoles, el autor de Evan-
helio Lucas. Las obras del artista evangelista incluyeron
icono "Nuestra Señora de Vladimir", que era considerada la patrona
nissa de Rusia, ahora en la colección de la Galería Tretyakov
penoles Hay noticias crónicas de que este ícono fue traído.
en en principios del XII siglo a Kiev desde Constantinopla (como la llamaban en Rusia)
capital de Bizancio, Constantinopla). El nombre "Vladimirskaya" es medio
Vivía en Rusia: se la llevó desde Kiev y se dirigió al norte.
tierras orientales, Príncipe Andrei Bogolyubsky. Y aquí en la ciudad
En Vladimir, el icono ganó fama. En el centro del icono se encuentra
imagen de medio cuerpo de la Madre de Dios con un bebé en brazos, que
presiona suavemente contra su mejilla.
Imagen de María y el bebé en posiciones de caricia mutua -
en ruso fue designado como "Ternura". Manteniéndote cerca de tu derecha
mano del hijo pequeño, inclinando suavemente la cabeza hacia él, mano izquierda
María le extiende la mano en un gesto de súplica: traspasada por su madre
el dolor de su madre por él, le trae su tristeza, su
intercesión eterna por las personas. Capaz de resolver maternal
Qué tristeza, aquí se representa al Hijo pequeño para responder a su oración:
en su rostro, en su mirada dirigida a su madre, hay un misterioso
Había dulzura infantil y sabiduría profunda e inefable.
La veneración de “Nuestra Señora de Vladimir” llevó no sólo a
mu que en Rusia había muchas copias de él, muchos de sus re-
Torenio. Obviamente, en gran parte gracias al amor por este antiguo icono.
no, especialmente en las tierras del noreste de Rusia, muy extendido
El tipo “Ternura” al que ella pertenecía quedó herido.
"Ternura" es la famosa "Nuestra Señora del Don" - icono,
Según la leyenda, recibió su nombre debido al hecho de que Dmitry
Donskoy la llevó consigo al Don, a la batalla en el campo de Kulikovo, donde
Se obtuvo una gran victoria sobre los tártaros.
Además de imágenes como "Ternura", numerosas y queridas
Éramos imágenes de la Madre de Dios con un bebé en brazos, que
fueron llamados "Hodegetria", que significa "Guía". En la habitación
posiciones "Odigitria", la Madre de Dios está representada en el frontal, el torso
pose femenina. Solo mano derecha Virgen María baja y tranquila
levantada en un gesto de súplica dirigido a su hijo. A veces "Nuestra Señora"
Hodegetria" se llama "Nuestra Señora de Smolensk". El hecho es que
Según la crónica, el más antiguo de los traídos a Rusia.
enumera "Odigitri" estaba ubicado en Smolensk.
Hay varias imágenes más de diferentes composiciones.
niya de la Madre de Dios. Estos incluyen: "Nuestra Señora de Kazán", "Dios-
Madre de Tikhvin", "Nuestra Señora de Oranta (orando)", "Nuestra Señora
El presagio".
Además de los iconos que hemos considerado, hay varios más.
Grupos zhetnyh: íconos que representan varios días festivos, por ejemplo.
medidas, Navidad, Presentación, Dormición y muchas otras; iconos con imagenes
las batallas de varios santos, por ejemplo, San Jorge el Victorioso, apóstol
tolov Peter y Paul, Kozma y Demyan y muchos otros. Todos estos
Los iconos están pintados según ciertos cánones, es decir. reglas, yo determino-
Trama general y composición de la imagen.
Las obras de Andrei Rublev.
Las obras de Andrei Rublev pertenecen a los mayores logros del arte espiritual ruso y mundial, que encarnan una comprensión sublime de la belleza espiritual y la fuerza moral del hombre en la Santa Rusia. Estas cualidades son inherentes a los iconos del rango de Zvenigorod ("Salvador", "Apóstol Pablo" (ubicado en el Museo Ruso), "Arcángel Miguel", todos de finales de los siglos XIV-XV), donde los contornos lacónicos y suaves y un estilo de pincelada amplio se aproximan a las técnicas de la pintura monumental.
Al pintar la Catedral de la Asunción en Vladimir en 1408, Andrei Rublev actuó por primera vez como portador de una cosmovisión y un estilo independientes, que divergían de la tradición bizantina. De los frescos que se conservan, el más significativo es la composición "El Juicio Final". Si Teófanes el griego, al representar esta escena, vio en Dios a un juez formidable e incorruptible que pronuncia sentencia sobre las personas, y éstas esperan con horror su decisión. Entonces la escena tradicionalmente amenazadora de Andrei Rublev se convierte en santa fiesta Justicia divina. Las personas representadas en los frescos no sienten miedo al castigo, sino esperanza de perdón y fe en un Dios misericordioso. Aquí triunfa la idea del perdón.
La pintura de iconos rusa, siguiendo a Andrei, también revisa la tradición bizantina de representar a Dios. Rublev en su famoso icono "Zvenigorod Spa" encarna la imagen del ideal espiritual del hombre ruso de su tiempo. En Cristo, el amor de Andrés por la paz y la mansedumbre se unieron a la fortaleza, la fortaleza y el coraje. La bondad humana y la tranquila sabiduría se revelan a los ojos del Salvador.
El mayor logro de la obra de Andrei Rublev fue su famosa "Trinidad". Fue escrito por orden del monje Nikon, alumno de Sergio de Radonezh. El cronista señala que Nikon “ordenó pintar una imagen de la Santísima Trinidad en alabanza a su padre Sergio el Taumaturgo” para el Monasterio de la Trinidad fundado por su maestro.
Tradicional historia bíblica- la aparición de tres ángeles a Abraham - el pintor de iconos lleno de profunda poética y contenido filosófico. Este ícono encarna simbólicamente el sueño de la humanidad de un mundo perfecto donde reinarán la armonía, el amor y la amistad. La suavidad y ternura de los rostros angelicales representados en el icono se equilibra con una confianza tranquila y fuerza interior en su mirada. Los tres ángeles son notablemente similares entre sí. Parecen reflejarse unos en otros, representando una unidad indisoluble. El tema de la "Trinidad" de Rublev es la consonancia de las almas, su unidad. Al mirar el icono, nos parece ver un alma en tres caras. Andrei Rublev logró expresar con un pincel y pintar el dogma cristiano difícil de entender de la Santísima Trinidad, enseñando sobre la trinidad y una esencia de las tres Divinas Personas. No es casualidad que la obra de Rublev se llame “teología en colores”.
Últimos años Andrei Rublev pasó su vida en el monasterio Andronikov de Moscú, rodeado de estudiantes y seguidores. Con ellos pintó el monasterio. iglesia catedral Spasa. Fue allí donde murió el famoso pintor de iconos, según el cronista, “a edad avanzada el 29 de enero de 1430”.
La obra de Andrei Rublev pertenece a los mayores logros del arte mundial y encarna una comprensión sublime de la belleza espiritual. Este es un mundo de “ligera tristeza” (como dijo Pushkin hace cuatrocientos años) años extra más tarde), elevando a una persona por encima del drama y la dureza de la vida. Se trata de un silencio capturado que atrae a la persona a su atmósfera especial.
La Capilla Sixtina (en italiano: Cappella Sistina) en Roma, una antigua iglesia en casa en el Vaticano. Construido en 1473-1481 por el arquitecto Giorgio de Dolci, por encargo del Papa Sixto IV, de ahí el nombre.
El Vaticano es rico en museos como ningún otro estado del mundo. Entre ellos se encuentra la Capilla Sixtina. En sus bóvedas, Miguel Ángel creó un fresco que le dio fama como gran pintor y se convirtió en uno de los más trabajos famosos Renacimiento. Los cuerpos de personas y criaturas celestiales se entrelazan en la historia. historia bíblica humanidad. Leyenda cristiana y culto pagano a la belleza y fuerza del cuerpo humano. El genio creativo une aquí dos elementos opuestos y normalmente opuestos.
A Miguel Ángel a menudo se le llama el titán del Renacimiento. Y este “título” le pertenece por derecho. Pero también es el creador de los titanes. Porque los héroes de la pintura Sixtina no son gente corriente y ni siquiera representantes ideales “diseñados” por el genio del artista. raza humana. Este súper ser, cuyos poderes exceden los límites de nuestro entendimiento. Sus cuerpos musculosos ocultan el poder divino.
Imágenes Profetas del Antiguo Testamento y las Sibilas (antiguas sacerdotisas dotadas del don de la previsión), que predijeron el nacimiento de Cristo, sirven de marco a la parte central del cuadro. La Crónica de la Creación del Mundo y la historia de Noé son sus temas. Pero parece que el artista no quedó satisfecho con los personajes y el espacio de las historias elegidas. Los cubrió y enmarcó con una red de imágenes. Figuras de hombres, mujeres y niños, que a veces toman la forma de esculturas de mármol, están entretejidas en un patrón ornamental a lo largo del techo Sixtino. Sus cuerpos son tan perfectos como el cuerpo de Adán. El héroe del fragmento más famoso del famoso cuadro, capturado en el momento en que el Señor le da un alma, sin la cual ni siquiera el más cuerpo hermoso no ganará la vida y la eternidad.
Para pintar el techo fue necesario instalar un andamio. A Miguel Ángel se le ocurrió una estructura hecha de vigas que no tocaban las paredes, que durante mucho tiempo habían estado cubiertas de frescos. Desde entonces, estos andamios se han utilizado constantemente para pintar el techo y la parte superior de las paredes. La construcción de los andamios fue sólo el comienzo de toda una serie de dificultades. Miguel Ángel llamó desde Florencia los mejores maestros pintura al fresco y se puso a trabajar con ellos. Al artista no le gustó la participación externa. Además, el orgullo de esta gente, con la exigencia de Miguel Ángel y su temperamento ardiente y nervioso, conduciría inevitablemente a peleas. Un día, al llegar a la capilla, no encontraron allí al artista; Desapareció y fue imposible atraparlo ni en el andamio ni en casa. Pasaron varios días así.
9 escenas bíblicas en el centro.
"Creación del Sol, la Luna y las Plantas". Dios vuela, como entre los truenos, se detiene por un momento... tensión: el Sol y la Luna fueron creados. Lo vemos en perspectiva, vemos su mirada, ambas manos la crean al mismo tiempo, pero en la derecha hay más fuerza y expresividad. Dios se representa aquí dos veces. La segunda vez es visible desde atrás, como un torbellino que vuela hacia las profundidades: basta con un momento de la mano y se crea el mundo de las plantas. La repetición de una misma figura no significa un retorno a técnicas narrativas primitivas, es un deseo de movimiento dinámico. En cada músculo del Creador, así como en general, hay tanta fuerza y poder inmenso que las luminarias y los mundos parecen solo chispas que salen volando de este ser titánico.
"La creación de Adán". La figura de Dios Creador es completamente diferente cuando crea al hombre. A la hermosa y desnuda criatura tendida en la cima de la montaña todavía le falta el aliento de vida. Pero ahora, llevado por las nubes, el creador desciende de las alturas celestiales. En un loco torbellino, como una bola de fuego, como la fuerza recogida en un manto, rodeado de ángeles, Dios vuela hacia el inmóvil Adán. Su rostro es bello y complaciente, su movimiento es fácil y libre; todas las partes de Su cuerpo están en completo reposo, así como el águila desciende suavemente con las alas extendidas. Sus dedos extendidos casi se tocan y, como una chispa eléctrica, el espíritu de vida penetra en el cuerpo de Adán. En Adán hay una combinación inaudita de fuerza derretida con impotencia total. Todavía no puede ponerse de pie ni girar la cabeza. Y al mismo tiempo ¡qué poder! El contraste de dos contornos es inusualmente expresivo: uno curvo a lo largo de la pierna extendida y a lo largo del torso y uno recto a lo largo de los hombros. La falta de vida se convierte en energía ante nuestros ojos. El primer hombre despierta.
"La creación de Eva". Dios Padre aparece por primera vez en escena; es enorme y debe doblarse en un marco estrecho. No agarra a Eva por el codo, no la arrastra hacia él, como les gustaba retratar a los primeros maestros. Con un gesto tranquilo, él simplemente le dice: levántate. Para Eva, la sorpresa y la alegría de vivir se convierten en adoración agradecida. Aquí triunfa la belleza sensual en el espíritu del Alto Renacimiento Romano: formas masivas y pesadas.
"La caída." El paisaje paradisíaco se muestra a través de la línea ondulada del suelo y del tronco del árbol: un verdadero paisaje del escultor. Lo que es memorable es el grupo de exiliados llevados al límite y la línea sorprendente que conduce hasta ellos desde la Eva reclinada a través de la mano del tentador y la espada del ángel. ¿Qué valor tiene este siniestro vacío entre el árbol y el Adán expulsado?
“La separación de la luz de las tinieblas” ya no representa figuras humanas, sino elementos de la naturaleza, las fuerzas elementales de la energía. En el torbellino, Dios, por así decirlo, se separa del caos del universo, de las tinieblas a la luz.
Profetas y Sibilas.
Miguel Ángel alcanza su máxima profundidad en las figuras individuales de los profetas y las sibilas. Anteriormente, las imágenes de los profetas se diferenciaban sólo en nombres y atributos. Miguel Ángel los caracteriza por su edad, por las propiedades del don profético, que encarna la inspiración misma, la reflexión silenciosa o el éxtasis de la adivinación. Miguel Ángel comienza con figuras tranquilas. Un profundo misterio rodea a las bellas figuras de las Sibilas.
La Sibila Eritrea está llena de noble y tranquila solemnidad. La Sibila está sentada de perfil, lista para hojear un libro, mientras el putto enciende la lámpara. Esto es sólo una preparación para la acción. En el mismo lado, un poco más lejos, se encuentra la Sibila Persa. La anciana se sienta de lado, empuja el libro hacia sus ojos y lo gira hacia la luz, como una mujer miope. Parece devorar el texto del libro, fuente de su inspiración. Isaías escucha, Ezequiel pregunta. Los ojos de la Sibila de Delfos están abiertos de miedo. Pero el ritmo se intensifica, la preparación pasiva ha dado paso a la actividad activa.
La hermosa figura de un joven, llena de fuego y atención divina: el profeta Isaías. La voz del Todopoderoso lo arrancó repentinamente de la tierra, del libro en el que estaba sumergido; ahora un ángel, mensajero de Dios, le susurra verdades celestiales; es como si otro mundo se abriera ante él, ve al Eterno, escucha Sus palabras proclamando los destinos de los pueblos; el profeta vuelve su rostro hacia él y con un movimiento involuntario acerca su mano derecha.
El joven Daniel sostiene un libro abierto en su regazo. Leyó algo en él y ahora, alejándose bruscamente, lo escribe rápidamente en un pequeño control remoto. Una luz dura cae sobre su frente y su pecho, su manto está arrugado, su cabello alborotado, este es un pensador ardiendo con fuego creativo. Hacia el final del techo el movimiento se vuelve aún más intenso. La Sibila libia y Jeremías son como contrastes entre sí. La Sibila está enteramente construida sobre el movimiento externo. Se gira en un giro inusualmente brusco, de modo que vemos su cara y su espalda al mismo tiempo. Esta tensión externa de la pose se ve aún más acentuada por la fantasía del baño: una combinación de complejos y pesados pliegues que cubren el cuerpo y una desnudez completa. Incluso los amorcillos se asombran y susurran, señalando a la profetisa africana.
Nunca antes ningún artista había representado el pensamiento profundo con tanta fuerza como lo hizo Miguel Ángel en la persona del profeta Jeremías. Sorprende precisamente por su sencillez, como un poderoso bloque oscuro, congelado en una trágica desesperación. Toda su majestuosa figura respira una tristeza desesperada. Ni un gesto, ni una lágrima, ni un sollozo: la mano izquierda colgaba sin fuerzas, la mano derecha se cubría la boca con un sello de silencio. Lamenta el destino de su pueblo. Pensamientos pesados inclinaron la figura del anciano profeta. El codo de su mano descansa sobre el asiento, y la mano de ella, que sostiene su cabeza inclinada, se pierde en barba gruesa, cerca de la boca. Incluso los pliegues de su ropa parecen hablar de una tristeza oculta, que, sin embargo, no logra perturbar la estructura armoniosa de su alma y su cuerpo fuerte. Sólo las sombras de las mujeres de luto en las profundidades - una de las creaciones más bellas de Miguel Ángel - dan paso a la gran
- Personalidad y carácter de Lavretsky.
- Lisa Kalitina - la mejor imagen femenina autor.
- ¿Qué interfiere con los sentimientos de los personajes?
Ivan Sergeevich Turgenev es el mayor clásico ruso, a quien llamaban "el cantante de nidos nobles". El escritor señaló en el borrador del manuscrito que “El Nido Noble”, concebido en 1856, “se convirtió” en una novela en 1858. El nuevo trabajo del escritor no pasó desapercibido. El entusiasmo por la novela fue unánime. "El nido noble", según el autor, fue el mayor éxito que jamás haya experimentado el escritor. En la obra, lectores y críticos quedaron cautivados por “la brillante poesía derramada en cada sonido de esta novela”. Uno de los temas principales de la novela son los sentimientos y vivencias de los personajes principales, sus relaciones. Esto se muestra más claramente en el ejemplo del amor entre Liza Kalitina y Lavretsky. Desde la primera aparición de estos personajes en las páginas de la novela, existe la sensación de que existe algún tipo de obstáculo, un obstáculo insuperable para el desarrollo de su relación. Me gustaría entender cuál es el problema, ¿qué impide que dos personas se amen? Para comprender este problema es necesario analizar las características de estos personajes.
El país atravesaba nuevos tiempos (murió Nicolás I, la guerra de Crimea terminó con la derrota de Rusia). La sociedad se enfrentaba a la pregunta: ¿cómo vivir? "...¿Que estas intentando hacer?" - pregunta uno de los personajes de la novela de Turgenev, Pan-shin, al personaje principal, Lavretsky. "Arar la tierra", responde Lavretsky, "y tratar de ararla lo mejor posible". Pisarev señaló que "la personalidad de Lavretsky lleva un sello de nacionalidad claramente marcado". El ruso nunca lo traiciona, su simple pero fuerte sentido práctico común y su buen carácter ruso, a veces anguloso y torpe, pero siempre sincero y desprevenido. Lavretsky es sencillo al expresar alegría y dolor; no tiene exclamaciones ni gestos plásticos, no porque los haya reprimido, sino porque no está en su naturaleza.
Lavretsky tiene otra cualidad puramente rusa: el humor ligero e inofensivo impregna casi cada palabra suya; Bromea de buen humor con los demás y, a menudo, evaluando su situación, encuentra en ella un lado cómico. Nunca cae en la tragedia; al contrario, su actitud hacia su propia personalidad sigue siendo humorística. Con buen humor, con un dejo de tranquila tristeza, se ríe de sí mismo, de sus aficiones y esperanzas. En su opinión, Lavretsky está cerca del eslavofilismo. (Movimiento que surgió en los años 20 del siglo XIX, rechazando servidumbre, poder sobre la persona de la burocracia estatal. Los eslavófilos vieron una salida para Rusia en el alma popular rusa y, más ampliamente, en la vida eslava).
"Lavretsky defendió la juventud y la independencia de Rusia... exigió, ante todo, el reconocimiento de la verdad y la humildad del pueblo ante él". A través de esta convicción del héroe, Turgenev expresó su comprensión del tiempo, aunque las ideas expresadas por Lavretsky contradecían en gran medida las opiniones del autor. La imagen de Lavretsky tenía un significado especial para Turgenev: es una imagen verdaderamente autobiográfica, pero esto no radica en la coincidencia de características y eventos externos en la vida del héroe y el escritor (hay muy pocos de ellos), sino en su semejanza interna: “¡Qué podría apartarlo de aquello que reconocía como su deber, la única tarea de su futuro! ¡La sed de felicidad es nuevamente la sed de felicidad!... “Querías experimentar la felicidad en”. vida por segunda vez”, se dijo (Lavretsky), “olvidaste que incluso eso es un lujo, una misericordia inmerecida, cuando visita a una persona aunque sea una vez. No fue completo, fue falso, dices, muestra tus derechos; Para completar la verdadera felicidad, mira a tu alrededor, ¿quién es dichoso a tu alrededor, quién disfruta?
Lavretsky, como el autor, sobrevivió a una crisis severa, se hizo más fuerte en la desgracia y aprendió a afrontar el tiempo que se acercaba sin miedo. El "sentimiento de patria" le ayuda a expulsar de su alma el "dolor por el pasado". En el monólogo de despedida del héroe se escucha la voz de Turgenev: “... él, un vagabundo solitario y sin hogar, bajo los gritos alegres de quien ya lo había reemplazado, lo alcanzó Generación más joven, recordó su vida. Su corazón se sentía triste, pero no pesado ni lamentable: tenía algo de qué arrepentirse, nada de qué avergonzarse: “Juega, diviértete, crece, fuerzas jóvenes”, pensó, y no había amargura en sus pensamientos, “tú ten una vida por delante.” , y te será más fácil vivir: no tendrás que, como nosotros, encontrar el camino, luchar, caer y levantarte en medio de la oscuridad; Estábamos tratando de descubrir cómo sobrevivir, ¡y cuántos de nosotros no sobrevivimos! - Pero necesitas hacer algo, trabajar, y la bendición de nuestro hermano, el anciano, estará contigo. Y todo lo que tengo que hacer es darte mi última reverencia; y aunque con tristeza, pero sin envidia, sin ningún sentimiento oscuro, di, en vista del fin, en vista del Dios que espera: “¡Hola, vejez solitaria! ¡Quema, vida inútil!
El autocontrol de Lavretsky también se expresó en su comprensión del objetivo de su propia vida: "arar la tierra", es decir, lenta pero minuciosamente, sin frases ruidosas ni afirmaciones excesivas, para transformar la realidad. Sólo así, según el escritor, se puede lograr cambiar toda la vida social y política en Rusia. Por lo tanto, puso sus principales esperanzas principalmente en "labradores" discretos como Lezhnev ("Rudin"), y más novelas posteriores- Litvinov (“Humo”), Solomin (“Nove”). La figura más significativa de esta serie fue Lavretsky, quien se encadenó con “cadenas de hierro del deber”.
Pero incluso más que con la imagen de Lavretsky, la idea de la necesidad de subordinar la vida al deber está asociada con la imagen de Liza Kalitina, una de las creaciones más notables de Turgenev. Pisarev llamó a Lisa Kalitina "una de las personalidades femeninas más elegantes jamás creadas por Turgenev". Creía que el escritor "mostraba deficiencias en la personalidad de Lisa". personaje femenino" y "una fascinación fantástica por el deber incomprendido". Pero ésta es una interpretación muy estrecha de la imagen de la heroína. Lisa es una persona inusualmente integral y armoniosa. Vive en armonía con el mundo de las personas y la naturaleza, y cuando pierde esta conexión, se va para servir a Dios, no quiere hacer ningún trato con su conciencia, esto contradice sus principios morales y nunca los traspasará. Y esto hace que Lisa Kalitina se parezca mucho a Tatyana Larina (“Eugene Onegin”). Belleza interior Liza se encarna en el autosacrificio total e incondicional, en un agudo sentido de la imposibilidad de “basar tu felicidad en la desgracia de otro”. "La felicidad no reside únicamente en los placeres del amor, sino en la más alta armonía del espíritu": estas palabras de F. M. Dostoievski contienen la clave para comprender la imagen de Liza Kalitina. El logro moral reside en el autosacrificio. Al cumplir con el deber, una persona adquiere libertad moral.
Estas ideas sonaron muy claramente en la novela "El nido noble". Entre las "chicas Turgenev", Liza Kalitina ocupa una posición especial. También tiene integridad de carácter y una fuerte voluntad, pero no se esfuerza por realizar actividades sociales y prácticas, sino por mejorar su propia personalidad. Sin embargo, ella no busca separarse del “mundo universal”, sino que intenta encontrar una expresión de la relación entre el mundo y el individuo. Lisa no sólo siente lo pecaminoso de su deseo de felicidad, sino que también la atraviesa un sentimiento de culpa por la imperfección de la vida que la rodea y la de su clase: “La felicidad no vino a mí; Incluso cuando tenía esperanzas de ser feliz, todavía me dolía el corazón. Lo sé todo: mis pecados, los de los demás, y cómo papá adquirió su riqueza; Lo se todo. ¡Todo esto debe ser eliminado con oración, debe ser eliminado con oración!” No sabe cómo calmar el espíritu si comete un “acto despiadado e inhumano”. Para ella, la felicidad no se puede “robar” a los demás. El autosacrificio de Lisa tiene una fuerte connotación religiosa.
En cuanto a Lavretsky, Turgenev podría decir de Liza: “En en este caso“En mi opinión, así es exactamente como resultó la vida”. Pero esta vida ya estaba sobreviviendo a su vida. Los caminos de Lavretsky y Lisa son, sin duda, para los progresistas críticos literarios en la segunda mitad de los años 50 del siglo XIX se presentaron como caminos que conducían a un callejón sin salida. Lavretsky es muy similar a Oblomov (“Oblomov”), el héroe de la novela de Goncharov. Oblomov, como Lavretsky, está dotado de maravillosas cualidades espirituales: bondad, mansedumbre, nobleza. No quiere ni puede participar en el bullicio de la vida injusta que lo rodea. Pero Turgenev, obviamente, no podía considerar estos rasgos de personalidad de su héroe suficientes para toda la vida. "Como activista, es un cero": esto es lo que más preocupaba al autor de Lavretsky.
Ahora bien, basándose en análisis detallado Personajes, puntos de vista de Lisa y Kalitin, podemos decir con seguridad que no hay obstáculos externos para sus sentimientos. El problema es que los héroes sólo tienen la culpa de la muerte de su amor. Exclusivamente su carácter, visión de la vida y metas en la vida, solo esto los obstaculiza. Los héroes no pueden cambiar y no lo consideran necesario; cada uno de ellos continúa su camino de vida habitual.
"El Nido Noble" es una de las obras artísticas más notables de Turgenev. La sutileza en la expresión de los sentimientos, las experiencias emocionales de los personajes, el lirismo que impregna toda la novela, el dramatismo de las escenas y las extraordinarias imágenes poéticas de la naturaleza, todo esto cautiva al lector.
El episodio más sorprendente, que combina lirismo, análisis psicológico sutil y la belleza de la naturaleza, es la escena de la explicación de Lisa y Lavretsky (capítulo 34). Sigue un episodio que describe la disputa de Lavretsky con Panshin. Esta secuencia de episodios no es casual. Después de todo, esta disputa demostró que Lavretsky y Lisa tenían mucho en común: "... ambos se dieron cuenta de que esa noche se habían acercado mucho, se dieron cuenta de que amaban y no les gustaba lo mismo". Por tanto, el escenario de la discusión parece preparar el escenario para la explicación de Liza y Lavretsky.
Después de dejar a los Kalitin, Lavretsky no regresa a casa. Deambula por el campo y, como si una fuerza desconocida lo trajera de regreso a la casa de los Kalitin. "No es en vano", piensa Lavretsky. El estado de ánimo del héroe se transmite mediante la descripción de la naturaleza: "Todo estaba en silencio alrededor". Es interesante que el motivo del silencio no sólo esté presente en este episodio, sino que sea la característica principal en la descripción de la relación entre Lisa y Lavretsky. El silencio y el silencio dan a las escenas con la participación de estos personajes una cierta emotividad.
Al escuchar la voz de Lavretsky, Lisa sale silenciosamente al jardín y luego sigue a Lavretsky sin resistencia. Su estado de asombro en este momento se transmite por su “rostro pálido, ojos inmóviles, todos sus movimientos”. Ella no entiende dónde está. Sólo después de escuchar la declaración de amor de Lavretsky hacia ella, Lisa comprende lo que le sucedió, pero aún se niega a creerlo. Ella responde a Lavretsky con su religiosidad característica: "Todo está en el poder de Dios..."
Lisa no da una respuesta directa a la pregunta de Lavretsky sobre su destino futuro. Pero ella no se resiste al héroe cuando intenta besarla. Esto atestigua la fuerza y la plenitud del sentimiento que la niña experimenta por Fyodor Ivanovich.
Parecería que la escena de declaración de amor requiere un gran diálogo entre los personajes en el que expresarían sus sentimientos. Pero con Turgenev todo es diferente. Un lugar muy grande lo ocupa la descripción del estado de los personajes, pero al mismo tiempo el escritor no analiza en detalle el estado mental de los personajes. Y, sin embargo, Turgenev logra transmitir la plenitud de la vida interior de Liza y Lavretsky. Esto se logra gracias a la unidad de sus estados de ánimo, a través de pausas (esto se evidencia por la abundancia de elipses en los comentarios), a través de miradas, expresiones faciales (“Liza lo miró lentamente”, “ya no lloraba y lo miró”). cuidadosamente con los ojos húmedos”, “miradas levantadas hacia él”, “bajando los ojos”, “ojos fijos”) o la entonación. Se crea una sensación de un único movimiento interno. Los amantes se entienden sin palabras, como lo indican las observaciones del autor:
“¿Qué te pasa?” dijo Lavretsky y escuchó un sollozo silencioso, su corazón se hundió... Se dio cuenta de lo que significaban estas lágrimas “¿Realmente me amas?”
Este episodio muestra la habilidad de Turgenev para transmitir las experiencias internas de una persona. El escritor no utiliza colores románticos brillantes, pero logra un estado de ánimo sublime en la descripción del amor.
Turgenev transmite muy sutilmente el estado de sus héroes a través de una descripción de la naturaleza. En general, en la historia sobre la relación entre Liza y Lavretsky, hay un cambio constante en los colores claros y oscuros de la naturaleza, dependiendo de los cambios en el destino de los héroes. La noche en que Lavretsky le confiesa su amor a Liza es tranquila y luminosa. Fue en esta tranquila y luminosa noche de verano que conectaron sus labios en un beso por única vez.
El paisaje tranquilo transmite toda la pureza y sinceridad del amor mutuo de los héroes. La descripción del paisaje, las acciones pausadas de los personajes, las pausas en sus comentarios crean una sensación de lentitud en la acción. No hay impetuosidad ni arrebato de sentimientos en los movimientos de Lisa y Lavretsky. Toda la escena de la declaración de amor está imbuida de lirismo, incluso de una especie de estado de ánimo de decadencia. La atmósfera en la que está escrita la escena prepara el hecho de que no todo será tan sencillo en la relación entre los amantes.
De hecho, en los siguientes capítulos el lector comprenderá que la escena de la declaración de amor entre Lavretsky y Lisa es el único momento brillante en su relación. Sólo entonces los héroes podrían ser felices abiertamente, sin ningún obstáculo.
Este episodio, desarrollado magistralmente por Turgenev, puede considerarse con razón uno de los mejores de la novela. No sólo ayuda a revelar los personajes de los personajes, sino que también transmite uno de los aspectos más puntos importantes en su vida: una declaración de amor, un breve pero feliz momento de sentimiento mutuo.
En este episodio se revelan todas las técnicas y características básicas del estilo de Turgenev. A partir de este pasaje podemos juzgar el estilo creativo del escritor y sus puntos de vista sobre muchos temas de la vida.
En el destino del personaje principal de "El nido noble", según la justa observación de V. Markovich, brilla una trama bíblica hijo pródigo, quien primero abandonó su “nido” natal en busca de los placeres de la vida y luego regresó a casa después de pasar pruebas. La historia del héroe está escrita en la historia. familia noble Lavretsky durante unos 150 años de su existencia, lo que amplía significativamente el marco temporal de la novela. Estamos hablando de la nobleza como una clase llamada a desempeñar un papel de liderazgo en muchos ámbitos de la vida en Rusia. Sin embargo, la existencia real de esta clase es casi ilusoria; sus conexiones con el pueblo son superficiales y aleatorias.
La educación de Fyodor Lavretsky estuvo enteramente determinada por la arbitrariedad de su padre anglomaníaco, de cuyas manos Fyodor surgió como un hombre. buena salud, pero sin tradiciones, sin ideales sociales ni pautas morales, sin inclinación hacia ninguna causa. La juventud, una vaga necesidad de amor, el enamoramiento de la primera mujer que encontró en el camino, el matrimonio, los viajes al extranjero, una vida sin complicaciones a expensas de la herencia familiar: esta es la primera parte del camino de su vida. Luego un desastre amoroso, una ruptura con su esposa, un sufrimiento severo y un regreso a su tierra natal. Recién ahora comienza el verdadero reconocimiento de Rusia, que Lavretsky siente profundamente en la inmutable vida cotidiana secular, en su silencio y letargo. Lavretsky se da cuenta de repente de que no puede vivir fuera de Rusia. La apatía inicial (su inherente “baybachismo”) es reemplazada por la necesidad de hacer negocios y actuar. A la tradicional pregunta rusa "¿qué hacer?" él responde. "Para arar la tierra". De repente se da cuenta de su papel como terrateniente y de su deber: llevar la vida práctica de un propietario de aldea, ocupándose de los hombres que le han sido confiados.
En el personaje del héroe, Turgenev revela profundamente rasgos nacionales, no en vano es hijo no solo de un maestro, sino también de una campesina sierva. A sus raíces populares debe cualidades como la sencillez, la amplitud de miras y la gentileza. Al mismo tiempo, Lavretsky también tiene mucho del tipo de cultura opuesto: noble. En primer lugar, se trata de peticiones espirituales, impulsos hacia lo absoluto. En Rusia, en el camino de Lavretsky aparece Liza Kalitina, en quien éste se siente como una persona que no es ajena al “nido”. En el alma de Lavretsky, el sueño de una casa familiar, un presentimiento de una posible felicidad, arde con renovado vigor. Sin embargo, las circunstancias externas se desarrollan de tal manera que, a pesar de toda su cercanía espiritual, los héroes no pueden unir sus vidas. El azar que determina su destino le parece a Lavretsky inmoral, carente de lógica y significado; sin embargo, Lisa ve en ello la manifestación de un patrón profundo. "Los héroes más rusos" y espiritualmente ricos de la novela no sólo luchan el uno por el otro, sino que también discrepan en sus posiciones de vida. Si Lavretsky defiende el derecho al amor y a la alegría personal, Liza siente la inevitabilidad del castigo por la ilícita esperanza de felicidad. En comparación con Lavretsky, Liza tiene integridad de carácter y fuerza de voluntad, que, sin embargo, no están dirigidas a actividades sociales, sino a la profundización espiritual de la propia personalidad. Lisa está atormentada por un sentimiento de culpa por las imperfecciones de su vida en su conjunto. Ella va al monasterio "para expiar los pecados de sus padres". Conviene citar aquí las palabras de F.M. Dostoievski, dijo sobre Lisa: “La felicidad no reside sólo en los placeres del amor, sino también en la más alta armonía del espíritu”. En su abnegación, Lisa gana libertad interior; y, sin embargo, su apariencia tiene rasgos de ascetismo y, hasta cierto punto, de exaltación religiosa.
Lavretsky no es así. Expresa demasiado el sufrimiento del individuo consciente de sí mismo. La angustia mental del héroe se combina aquí con el tormento del propio autor. El proceso de desarrollo espiritual de Lavretsky (el más importante de la novela) conduce a la adquisición por parte del héroe de integridad interior debido a la renuncia a pretensiones excelentes y a la humildad ante la realidad. Tratando de superar “su soledad, su debilidad, su oportunidad” frente al elemento del amor que escapa a su control, Lavretsky recurre a los valores de la existencia nacional, popular y natural, aceptándolos como la más alta necesidad histórica.