Introduction

Le sort de la musique anglaise s’avère complexe et paradoxal. Du XVe siècle jusqu'à la fin du XVIIe siècle, à l'époque de la formation et de l'épanouissement de la tradition musicale classique anglaise, son développement fut continu. Ce processus s'est déroulé de manière intensive grâce au recours au folklore, déterminé plus tôt que dans d'autres écoles de composition, ainsi qu'à la formation et à la préservation de genres uniques et distinctifs au niveau national (hymne, masque, semi-opéra). Musique anglaise ancienne art européen impulsions importantes, dont la polyphonie, les principes de développement variationnels-figuratifs, la suite orchestrale. En même temps, elle réfractait de manière originale les stimuli venant de l’extérieur.

Au XVIIe siècle, des événements ont eu lieu qui ont porté des coups puissants à la culture musicale anglaise. Il s'agit tout d'abord du puritanisme, qui s'est établi lors de la révolution de 1640-1660, avec son désir fanatique d'abolir les valeurs spirituelles antérieures et les types et formes anciens. culture laïque, et deuxièmement, la restauration de la monarchie (1660), qui a radicalement modifié l'orientation culturelle générale du pays et accru l'influence extérieure (de la France).

Étonnamment, parallèlement aux symptômes évidents de la crise, des phénomènes apparaissent qui indiquent une hausse plus élevée art musical. Dans les moments difficiles musique anglaise C'est à cette époque qu'apparaît Henry Purcell (1659-1695), dont les œuvres marquent l'épanouissement de l'économie nationale. école de composition, même s'ils n'ont pas eu d'impact direct sur la créativité des générations suivantes. George Frideric Handel (1685-1759), travaillant en Angleterre, a établi avec ses oratorios la primauté de la tradition chorale dans le spectre des genres de la musique anglaise, ce qui l'a directement influencé la poursuite du développement. Au cours de la même période, « L'Opéra du mendiant » de Gay et Pepusch (1728), dont le caractère parodique témoignait de l'avènement d'une ère de tournant culturel, devint l'ancêtre de nombreux exemples de ce qu'on appelle l'opéra ballade.

Elle était l'un des sommets arts théâtraux Angleterre et en même temps preuve du renversement de l'art musical - plus précisément du mouvement de son « énergie créatrice de culture » (A. Schweitzer) - de la sphère professionnelle vers la sphère amateur.

Une tradition musicale est composée de nombreux facteurs, tels que la composition, l'interprétation et le mode de vie musical. Régulés par des orientations idéologiques, esthétiques et artistiques générales, ces facteurs n'agissent pas toujours dans une unité coordonnée, souvent dans certains conditions historiques leur interaction est perturbée. Cela peut être confirmé par la période centenaire qui s'étend approximativement du milieu du XVIIIe au milieu du XIXe siècle en Angleterre.

Musique d'Angleterre

Le haut niveau d'interprétation, l'étendue et l'enracinement profond dans la vie quotidienne de diverses formes de création musicale - instrumentale, ensemble vocal et chorale - ont alors créé un terrain favorable pour la vie de concert lumineuse et à grande échelle de Londres, qui a attiré des musiciens continentaux vers le capitale de l'empire : Chopin, Berlioz, Tchaïkovski, Glazunov... Le vent frais de la modernité est porté avec eux par les musiciens allemands, dont la route vers les îles britanniques était grande ouverte depuis le règne de la dynastie hanovrienne (de 1714 à 1901) - rappelons-nous par exemple les concerts hebdomadaires de Bach - Abel et les concerts de Haydn - Zalomon . Ainsi, l'Angleterre a participé au processus intensif de formation des symphonies préclassiques et classiques, mais n'y a pas apporté une contribution créative. En général, pendant cette période, la succursale créativité nationale dans les genres de l'opéra et de la symphonie, pertinents sur le continent, elle était sous-développée ; dans d'autres genres (par exemple, l'oratorio), le canal devenait parfois superficiel. C’est cette époque qui a donné à l’Angleterre le nom désormais peu convaincant de « pays sans musique ».

Il est paradoxal que « l'ère du silence » se soit produite à l'époque dite victorienne - la période du règne de la reine Victoria (de 1837 à 1901). L’État était au zénith de sa force et de sa gloire. Une puissante puissance coloniale, « l’atelier du monde », a donné à sa nation une confiance en soi et la conviction qu’« elle est destinée à occuper la première place mondiale jusqu’à la fin de ses jours » (J. Aldridge). L'ère victorienne a été l'apogée de tous les domaines de la culture anglaise : la prose et la poésie, le drame et le théâtre, la peinture et l'architecture, et enfin l'esthétique - et une époque de déclin notable dans le domaine de la composition.

Dans le même temps, c'est précisément à partir du milieu du XIXe siècle, alors que la crise de l'école nationale des compositeurs était déjà évidente, que des impulsions de réveil ont commencé à s'accumuler, qui se sont manifestées au milieu du XIXe siècle et se sont clairement manifestées. lui-même dans tournant du 19ème siècle et XX siècles.

Le mouvement choral, amateur et professionnel, se développe et se développe. La tradition chorale était perçue comme véritablement nationale. Des maîtres anglais lui prêtèrent allégeance : Hubert Parry (1848-1918), Edward Elgar (1857-1934), Frederick Dilius (1862-1934), Gustav Holst (1874-1934), Ralph Vaughan Williams (1872-1958).

Un mouvement folklorique parallèle se développe, dont la figure de proue est Cecil J. Sharp (1859-1924). Il comprenait une direction scientifique (collecte de terrain, compréhension théorique) et une direction pratique (introduction à l'école et à la vie quotidienne). Cela s'est accompagné d'une réévaluation critique de l'assimilation des genres folkloriques dans les salons de divertissement et de la pénétration du matériel folklorique dans la créativité des compositeurs. Tous ces aspects du mouvement folklorique ont interagi – se complétant et parfois s’opposant de manière conflictuelle.

Jusqu'au milieu du XIXe siècle, aussi étrange que cela puisse paraître à première vue, les chansons anglaises elles-mêmes se retrouvaient rarement dans les recueils - beaucoup moins souvent que les chansons d'Écosse, du Pays de Galles et, surtout, d'Irlande. Non sans ironie, Ralph Vaughan Williams a écrit dans l'essai d'introduction au livre du plus grand folkloriste du pays Cecil Sharp, « English Folk Song » : « Nous savions jusqu'à présent, de sources faisant autorité, que la musique folk était « soit mauvaise, soit irlandaise ».

Le mouvement pour la renaissance de la musique ancienne - Purcell, Bach, madrigalistes et virginalistes anglais - a contribué à l'éveil d'un profond intérêt pour les interprètes, les fabricants d'instruments de musique et les scientifiques (comme A. Dolmetsch et sa famille), ainsi que les compositeurs de

"l'âge d'or" de l'école professionnelle anglaise. Le patrimoine des XVe-XVIIe siècles, vivifié par la pratique du spectacle, sublime pensée critique, est apparu comme une force inspirante de l’artisanat national original.

Les tendances répertoriées, d'abord à peine perceptibles, ont progressivement gagné en puissance et, se précipitant les unes vers les autres, pour fin du 19ème siècle des siècles ont fait exploser le sol. Leur unification a marqué le début d'une nouvelle renaissance musicale Angleterre. Après une longue pause, ce pays n'est pas séparé personnalités créatives, mais est entrée dans la culture musicale européenne en tant qu'école nationale. A cette époque, le continent parlait de compositeurs anglais ; Brahms prédit un avenir intéressant pour la musique anglaise, R. Strauss le soutient en la personne d'E. Elgar. L'intensité de son évolution au tournant des XIXe et XXe siècles fut grande.

La tradition du romantisme austro-allemand a depuis longtemps trouvé un terrain fertile en Angleterre. Il s’agit d’une influence historiquement déterminée, renforcée par le système éducation musicale et la pratique consistant à perfectionner les jeunes compositeurs dans les villes d'Allemagne se reflétait dans le style (principalement à Parry, Standford, Elgar). Les musiciens anglais ont compris que l’affirmation de l’identité nationale présupposait la libération d’une influence aussi puissante. Cependant, contrairement aux déclarations, ce processus de créativité était lent et difficile, car les genres dominants eux-mêmes - y compris les genres conceptuels comme la symphonie ou le poème symphonique - s'appuyaient sur l'expérience fructueuse de l'école austro-allemande. En conséquence, l’étendue de l’influence allemande et la mesure dans laquelle elle a été surmontée ont servi de critère pour l’identité nationale et la signification de l’œuvre du compositeur. Par exemple, les évaluations suivantes d’un critique anglais sont révélatrices : « Alors que la musique de Parry et Stanford parlait allemand avec un accent anglais et irlandais… la musique d’Elgar parlait anglais avec un accent allemand. »

Au tournant du siècle, en Grande-Bretagne comme dans toute l’Europe, il y avait un désir de créer un langage musical qui correspondrait à l’esthétique moderne. Le « mot nouveau » vient de France. L'intérêt pour l'Orient qui s'est manifesté parmi les musiciens anglais les a incités à s'intéresser aux réalisations de l'impressionnisme français. Cela était particulièrement évident dans les œuvres de Cyril Scott (1879-1970), Grenville Bantock (1868-1946) et Gustav Holst. Certes, chez Scott et Bantock, le monde des images et des ambiances orientales n'affecte pas les fondements de la pensée du compositeur. Leur image de l’Orient est conventionnelle et il n’est pas difficile de détecter de nombreuses caractéristiques traditionnelles dans son incarnation.

La mise en œuvre de ce thème dans l'œuvre de Holst, gravitant vers la culture indienne, a atteint un autre niveau. Il cherchait à trouver un contact spirituel plus profond entre l'Occident et cultures orientales, ce qui est généralement caractéristique de l'art du XXe siècle. Et il a réalisé ce désir à sa manière, en contradiction avec ce que faisait son aîné contemporain Debussy. Dans le même temps, les découvertes de l'impressionnisme, associées à une nouvelle idée de l'espace musical, du timbre, de la dynamique, à une nouvelle attitude envers le son, entrent dans la palette des moyens d'expression utilisés par les compositeurs en Angleterre - la patrie de « paysage et port de plaisance » (C. Nodier).

Malgré toutes leurs différences stylistiques individuelles, les compositeurs anglais de cette période étaient unis par le désir de renforcer les fondements folk-nationaux de leur musique. La découverte du folklore paysan et la créativité des maîtres de la vieille école anglaise en tant que deux sources interdépendantes appartiennent à G. Holst et R. Vaughan-Williams. Appel à l’héritage de « l’âge d’or » art anglaisétait le seul moyen possible de faire revivre la tradition nationale. Folklore et maîtres anciens, établissant des liens avec la culture musicale européenne moderne - l'interaction de ces tendances dans l'art de Holst et Vaughan Williams a apporté un renouveau tant attendu à la musique anglaise du XXe siècle. Les thèmes, intrigues et images de la prose, de la poésie et du théâtre anglais ont constitué un support important dans l'établissement des idéaux nationaux. Pour les musiciens, les ballades rurales de Robert Burns et les poèmes impies de John Milton, les élégies pastorales de Robert Herrick et les poèmes de John Donne, riches en tension passionnée, acquièrent une sonorité moderne ; a été redécouvert William Blake. Une vision toujours plus approfondie culture nationale devenu le facteur le plus important la formation et l'épanouissement de l'école anglaise de composition du XXe siècle, la formation de l'idéal esthétique des compositeurs.

Les premiers grands représentants du nouveau renouveau musical anglais furent Hubert Parry (1848-1918) et Charles Stanford (1852-1924). Compositeurs, érudits, interprètes, musiciens et enseignants, ils étaient, comme les fondateurs de nombreuses écoles nationales, des personnalités marquantes dont le travail aux multiples facettes visait avec altruisme à créer une nouvelle école nationale de composition, capable de faire revivre la tradition du passé glorieux de la musique anglaise. . Leurs propres activités sociales et créatives servies exemple élevé pour les contemporains et pour les compositeurs anglais des générations ultérieures et plus jeunes.

La formation d’une nouvelle école anglaise de composition a eu lieu pendant le long règne (1837-1901) de la reine Victoria. Durant cette époque, divers domaines de la culture anglaise se sont pleinement développés. La vaste tradition littéraire nationale était particulièrement riche et fructueuse. Si Parry et Stanford sont étroitement liés, relativement parlant, à la période proto-Renaissance de l'époque considérée, alors le nom d'Elgar ouvre la voie. période créative nouveau renouveau.

Comme ses contemporains, l’école de composition anglaise était avant tout confrontée aux problèmes du romantisme musical européen dans son ensemble. Et naturellement, l’art de Wagner est devenu leur priorité. La puissante influence de la musique de Wagner en Angleterre ne peut être comparée qu'à son influence en France à l'époque ou à celle de Haendel en Angleterre au XVIIIe siècle.

Au tournant du siècle déjà, les compositeurs anglais s'efforçaient avec persistance de se soustraire à l'influence des traditions classiques et romantiques allemandes, si profondément enracinées sur le sol anglais. Rappelons que Parry souhaitait créer – contrairement à celui de Mendelssohn – une variété nationale d'oratorio philosophique. Une réalisation majeure fut la trilogie de petites cantates d'Elgar, The Spirit of England (1917).

Le premier véritable compositeur que l’Angleterre ait produit depuis Purcell s’appelle Edward Elgar (1857-1934). Il était très étroitement associé à la culture musicale provinciale anglaise. Sur étapes initiales Au cours de sa vie créative, il a été compositeur et arrangeur pour l'orchestre de sa ville natale de Worcester, a également écrit pour des musiciens de Birmingham et a travaillé pour des chorales locales. Ses premiers chants choraux et cantates s’inscrivent dans la grande tradition chorale anglaise née dans les années 80 et 90. XIXème siècle - c'est-à-dire exactement au moment où Elgar a créé le premier œuvres chorales, - à la phase culminante. L'oratorio d'Elgar, The Dream of Gerontius (1900), qui a rendu célèbre la musique anglaise sur le continent, a été une réalisation si importante pour le compositeur qu'il a généralement supplanté Elijah de Mendelssohn et est devenu le deuxième oratorio préféré du public anglais après les Messies de Haendel.

L'importance d'Elgar pour l'histoire de la musique anglaise est déterminée principalement par deux œuvres : l'oratorio « Le Rêve de Gerontius » (1900, d'après la pièce de J. Newman) et la symphonique « Variations sur un thème mystérieux » (« Enigma » - variations (Enigma (lat.) - énigme. ), 1899), qui devint le summum du romantisme musical anglais. L'oratorio « Le Rêve de Gerontius » résume non seulement le long développement des genres cantates-oratorio dans l'œuvre d'Elgar lui-même (4 oratorios, 4 cantates, 2 odes), mais à bien des égards tout le cheminement précédent de la musique chorale anglaise. . Une autre caractéristique importante de la Renaissance nationale se reflétait également dans l'oratorio : l'intérêt pour le folklore. Ce n’est pas un hasard si, après avoir écouté « Le Rêve de Gerontius », R. Strauss a porté un toast « à la prospérité et au succès du premier progressiste anglais Edward Elgar, le maître de la jeune école progressiste des compositeurs anglais ». Contrairement à l'oratorio Enigma, les variations ont posé la première pierre des fondations de la symphonie nationale, qui avant Elgar était le domaine le plus vulnérable de la culture musicale anglaise. "Les variations d'Enigma indiquent qu'en la personne d'Elgar le pays a trouvé un compositeur d'orchestre de première grandeur", a écrit l'un des chercheurs anglais. Le « mystère » des variations réside dans le fait que les noms des amis du compositeur y sont cryptés, cachés aux regards et aux regards. chanson du thème faire du vélo. (Tout cela n’est pas sans rappeler les « Sphinx » du « Carnaval » de R. Schumann.) Elgar a également écrit la première symphonie anglaise (1908).

L'œuvre d'Elgar est l'un des phénomènes marquants du romantisme musical. Synthétisant les influences nationales et d'Europe occidentale, principalement austro-allemandes, il présente les traits de directions lyriques-psychologiques et épiques. Le compositeur utilise largement le système de leitmotivs, dans lequel l'influence de R. Wagner et R. Strauss se fait clairement sentir.

L'établissement de nouvelles positions dans la musique anglaise intervient à un moment charnière dans la vie spirituelle de la Grande-Bretagne. Ce furent des années de grandes épreuves et de grands changements. D'abord Guerre mondiale a forcé de nombreux artistes de ce pays, qui se considérait comme un bastion inviolable en Europe, à réagir avec sensibilité aux contradictions de la réalité environnante à une échelle sans précédent. La musique anglaise d’après-guerre est dominée par un besoin centrifuge de regarder le monde avec une vision élargie. La jeune génération entre de manière décisive en contact avec les recherches innovantes des maîtres européens - Stravinsky, Schoenberg. Les origines de "Facade" de William Walton (1902-1983) sont des idées de composition tirées du "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, mais la base du style de l'œuvre est l'anti-romantisme proclamé par Stravinsky et le "Six" français. Constant Lambert (1905-1951) a surpris ses compatriotes en commençant à travailler dans le genre du ballet dès les premiers pas de son parcours créatif, dont les traditions furent interrompues en Angleterre dans la seconde moitié du XVIIIe siècle ; en fait, c'est tout naturellement que le compositeur a été attiré par ce genre qui, en Europe, dans les années 20 du XXe siècle, était devenu un symbole de la quête artistique moderne. Le ballet Roméo et Juliette de Lambert (1925) était une sorte de réponse à Pulcinella de Stravinsky. Parallèlement, avec son autre composition - Elegiac Blues pour petit orchestre (1927) - Lambert répond au jazz qui émerveille les Européens. Alan Bush (1900-1995) a lié ses activités à la position créative d'Eisler et au mouvement ouvrier ; il a non seulement adopté les idées sociopolitiques et philosophiques correspondantes, mais a également développé de manière fructueuse sa technique de composition, en s'appuyant sur l'expérience de la nouvelle école de Vienne. réfracté par Eisler.

Dans la première moitié des années 30, le changement de génération de compositeurs apparu au cours de la décennie précédente est enfin déterminé. En 1934, l'Angleterre perdit trois grands maîtres : Elgar, Dilius et Holst. Parmi eux, seul Holst travailla activement jusqu'à ses derniers jours. Elgar, après une décennie de silence, n'a repris vie pour sa créativité qu'au début des années 30. Parallèlement, frappé d'une grave maladie et de cécité, Dilius, qui vivait en France, s'inspire du succès inattendu de sa musique dans son pays natal, à Londres, où se tient le festival de son auteur en 1929, et dans un élan de avec force, il dicte ses dernières œuvres.

A la fin des années 30, la jeune génération entre dans une époque de maturité créative. Le temps de l’expérimentation est dépassé, les principaux intérêts sont déterminés, la créativité s’engouffre dans le courant dominant des traditions établies, la maîtrise et la rigueur par rapport à ses idées apparaissent. Ainsi, William Walton écrit un oratorio biblique monumental (« Le Festin de Belshazzar », 1931) et le fait suivre de grandes œuvres orchestrales (Première Symphonie, 1934 ; Concerto pour violon, 1939). Michael Tippett (né en 1905) rejette ses œuvres antérieures ; de nouvelles œuvres dans le genre de chambre (Première Sonate pour piano, 1937) et des œuvres orchestrales de concert (Concerto pour double orchestre à cordes, 1939 ; Fantaisie sur un thème de Haendel pour piano et orchestre, 1941), il déclare être le début de son parcours créatif, dont le premier point culminant fut l'oratorio « L'Enfant de notre temps » (1941). Dans ces années-là, Lambert (le masque « The Last Will and Testament of Summer » pour soliste, chœur et orchestre, 1936), Berkeley (Première Symphonie, 1940), Bush (Première Symphonie, 1940) travaillaient sur des compositions à grande échelle dans ces années.

Parmi les nombreuses personnalités artistiques brillantes et originales dont est riche l'école anglaise des compositeurs du XXe siècle, Benjamin Britten se démarque. C'est lui qui était destiné à trouver dans son œuvre une interaction harmonieuse de tendances multidirectionnelles (et pour la génération précédente de compositeurs anglais, presque mutuellement exclusives) - l'incarnation des idées de modernité et la mise en œuvre de l'originalité de l'art national.

ensemble de musique britten vocal

En 1904, le critique allemand Oscar Adolf Hermann Schmitz publia un livre sur la Grande-Bretagne, l'appelant (à la fois le livre et le pays lui-même) « Le pays sans musique » (Das Land Ohne Musik). Peut-être avait-il raison. Après la mort de Haendel en 1759, la Grande-Bretagne apporta une contribution négligeable au développement de la musique classique. Il est vrai que Schmitz a prononcé sa condamnation au mauvais moment : le XXe siècle a été témoin d'un renouveau de la musique britannique, qui s'est manifesté par la formation d'un nouveau style national. Cette époque a également donné au monde quatre grands compositeurs britanniques.

Édouard Elgar

Il n'a formellement étudié l'art de la composition nulle part, mais a réussi, d'un modeste chef d'orchestre de Worcester et chef d'orchestre de l'hôpital psychiatrique de Worcester, à devenir le premier compositeur britannique en deux cents ans à obtenir une reconnaissance internationale. Après avoir passé son enfance dans la boutique de son père dans la rue principale du Worcestershire, entouré de partitions, d'instruments de musique et de manuels de musique, le jeune Elgar a étudié de manière indépendante théorie de la musique. Par temps chaud jours d'été il a commencé à emporter des manuscrits avec lui hors de la ville pour étudier (dès l'âge de cinq ans, il est devenu accro au vélo). Ainsi, pour lui, était posé le début d’une relation forte entre la musique et la nature. Plus tard, il dira : « La musique, elle est dans l’air, la musique est autour de nous, le monde en est plein, et tu peux en prendre autant qu’il te faut. » À l'âge de 22 ans, il accepte un poste de chef d'orchestre à l'hôpital psychiatrique de Worcester pour les pauvres à Pawick, à cinq kilomètres au sud-ouest de Worcester, une institution progressiste qui croit au pouvoir de guérison de la musique. Sa première œuvre orchestrale majeure, « Variations sur un thème mystérieux » (Enigma Variations, 1899), lui valut une renommée - mystérieuse car chacune des quatorze variations était écrite sur un thème unique que personne n'avait jamais entendu. La grandeur d'Elgar (ou son caractère anglais, comme certains disent) réside dans son utilisation de thèmes mélodiques audacieux qui véhiculent une ambiance de mélancolie nostalgique. Son meilleur essai appelé un oratorio « Le rêve de Gérontius » (1900), et sa Première marche de la pompe et des circonstances n° 1, 1901, également connue sous le nom de « La terre de l'espoir et de la gloire », suscite invariablement un grand plaisir parmi les auditeurs lors des « concerts de promenade » annuels.

Elgar - Le rêve de Gérontius

Gustave Holst

Suédois né en Angleterre, Holst était un compositeur exceptionnellement exceptionnel. Maître de l'orchestration, il s'appuie dans son travail sur de telles différentes traditions Comme l'anglais chansons folkloriques et madrigaux, le mysticisme hindou et l'avant-gardeisme de Stravinsky et Schoenberg. Il s'intéressait également à l'astrologie et son étude inspira Holst à créer son œuvre la plus célèbre (mais pas la meilleure), la suite symphonique en sept mouvements (Les Planètes, 1914-1916).

Gustav Holst. "Planètes. Vénus"

Ralph Vaughan-Williams

Ralph Vaughan Williams est considéré comme le plus anglais des compositeurs britanniques. Il rejette les influences étrangères, imprégnant sa musique de l'ambiance et des rythmes du folklore national et des œuvres des compositeurs anglais du XVIe siècle. Vaughan Williams est l'un des compositeurs majeurs de la première moitié du XXe siècle, qui a joué un rôle important dans le regain d'intérêt pour la musique académique britannique. Son héritage est très vaste : six opéras, trois ballets, neuf symphonies, cantates et oratorios, œuvres pour piano, orgue et ensembles de chambre, arrangements chansons folkloriques et bien d'autres ouvrages. Dans son travail, il s'inspire des traditions des maîtres anglais des XVIe et XVIIe siècles (il fait revivre le genre du masque anglais) et de la musique folklorique. Les œuvres de Williams sont connues pour leur conception à grande échelle, leur mélodisme, leur interprétation vocale magistrale et leur orchestration originale. Vaughan Williams est l'un des fondateurs de la nouvelle école de composition anglaise, la soi-disant « renaissance musicale anglaise ». Vaughan Williams est surtout connu comme l'auteur de A Sea Symphony (1910), "Une Symphonie de Londres" (1913) et la délicieuse romance pour violon et orchestre »(The Lark Ascending, 1914).

Vaughan Williams. "Symphonie de Londres"

Benjamin Britten

Britten était et reste à ce jour le dernier grand compositeur britannique. Son talent et son ingéniosité, notamment en tant que compositeur vocal, lui valent une reconnaissance internationale comparable à celle d'Elgar. Parmi lui meilleures œuvres opéra Peter Grimes (1945), œuvre orchestrale "Le Guide de l'Orchestre du Jeune, 1946) et une grande œuvre orchestrale et chorale « War Requiem » (War Requiem, 1961) basée sur des poèmes de Wilfred Owen. L'un des thèmes principaux de l'œuvre de Britten - la protestation contre la violence, la guerre, l'affirmation de la valeur du monde humain fragile et non protégé - a reçu sa plus haute expression dans "War Requiem" (1961). Britten a parlé de ce qui l'a amené au War Requiem : « J'ai beaucoup pensé à mes amis morts au cours des deux guerres mondiales. Je ne prétendrai pas que cet essai soit écrit sur des tons héroïques. Il y a beaucoup de regrets à propos de ce terrible passé. Mais c’est précisément pourquoi Requiem s’adresse au futur. Au vu des exemples d’un passé terrible, nous devons prévenir des catastrophes telles que les guerres. Britten n’était pas un grand fan du « traditionalisme anglais » caractéristique des compositeurs de la génération précédente, même s’il arrangeait des chansons folkloriques pour son partenaire, le ténor Peter Pears. Ni dans premières années, et dans les étapes ultérieures de son évolution créative, Britten ne s'est pas donné pour tâche d'inventer de nouvelles techniques techniques de composition ou de justifications théoriques pour son style individuel. Contrairement à beaucoup de ses pairs, Britten ne s’est jamais laissé emporter par la recherche du « plus récent » et n’a pas non plus cherché à s’appuyer sur les techniques de composition établies héritées des maîtres des générations précédentes. Il est guidé avant tout par le libre vol de l'imagination, de la fantaisie, de l'opportunité réaliste, et non par l'appartenance à l'une des nombreuses « écoles » de notre siècle. Britten accordait plus d’importance à la sincérité créatrice qu’au dogme scolastique, aussi ultramoderne soit-il. Il a laissé pénétrer tous les vents de l'époque dans son laboratoire créatif, pénétrez, mais ne vous en débarrassez pas.

Britten. "Guide jeunesse de l'orchestre"

Depuis que Britten a été enterré à Aldborough, dans le Suffolk, en 1976, la musique classique britannique a eu du mal à maintenir son illustre réputation. John Taverner, descendant direct du compositeur du XVIe siècle John Taverner, et Peter Maxwell Davies créent des œuvres qui ont été favorablement accueillies par la critique, mais rien de vraiment remarquable n'est encore paru. La musique classique occupe une certaine niche dans la culture britannique, mais peut-être pas aussi grande que ses fans le souhaiteraient. Il apparaît dans des publicités télévisées et lors de divers événements sportifs, et les Britanniques ordinaires peuvent très bien regarder la dernière soirée des « bals » à la télévision (s'il n'y a rien d'autre d'intéressant), mais en réalité musique classiqueécouté par une très petite partie de la nation, principalement la classe moyenne. Une musique respectable pour des gens respectables.

Matériaux utilisés à partir du site : london.ru/velikobritaniya/muzika-v-velik obritanii

Que serait notre vie sans musique ? Depuis de nombreuses années, les gens se posent cette question et arrivent à la conclusion que sans les beaux sons de la musique, le monde serait très différent. La musique nous aide à ressentir plus pleinement la joie, à retrouver notre moi intérieur et à faire face aux difficultés. Les compositeurs, travaillant sur leurs œuvres, se sont inspirés d'une variété de choses : l'amour, la nature, la guerre, le bonheur, la tristesse et bien plus encore. Certaines des compositions musicales qu’ils ont créées resteront à jamais gravées dans le cœur et la mémoire des gens. Voici une liste des dix plus grands et compositeurs talentueux pendant tout ce temps. Sous chaque compositeur, vous trouverez un lien vers l'une de ses œuvres les plus célèbres.

10 PHOTOS (VIDÉO)

Franz Peter Schubert était un compositeur autrichien qui n'a vécu que 32 ans, mais sa musique vivra très longtemps. Schubert a écrit neuf symphonies, environ 600 compositions vocales et un grand nombre de musique de chambre et piano solo.

"Sérénade du soir"

Compositeur et pianiste allemand, auteur de deux sérénades, quatre symphonies, ainsi que de concerts pour violon, piano et violoncelle. Il se produit en concert dès l'âge de dix ans, se produisant pour la première fois avec concert soloà 14 ans. Au cours de sa vie, il a gagné en popularité principalement grâce aux valses et aux danses hongroises qu’il a écrites.

"Danse hongroise n°5".

George Frideric Handel était un compositeur allemand et anglais de l'époque baroque ; il a écrit une quarantaine d'opéras, de nombreux concerts d'orgue et de la musique de chambre. La musique de Haendel est jouée lors des couronnements des rois anglais depuis 973, elle est également entendue lors des cérémonies de mariage royaux et est même utilisée comme hymne de la Ligue des champions de l'UEFA (avec un petit arrangement).

"Musique sur l'eau"

Joseph Haydn est un compositeur autrichien célèbre et prolifique de l'ère classique, on l'appelle le père de la symphonie, car il a apporté une contribution significative au développement de ce genre musical. Joseph Haydn est l'auteur de 104 symphonies, 50 sonates pour piano, 24 opéras et 36 concertos

"Symphonie n°45".

Piotr Ilitch Tchaïkovski est le compositeur russe le plus célèbre, auteur de plus de 80 œuvres, dont 10 opéras, 3 ballets et 7 symphonies. Il était très populaire et connu en tant que compositeur de son vivant et se produisait en Russie et à l'étranger en tant que chef d'orchestre.

"Valse des Fleurs" du ballet "Casse-Noisette".

Frédéric François Chopin est un compositeur polonais qui est également considéré comme l'un des les meilleurs pianistes de tous les temps. Il a beaucoup écrit œuvres musicales pour piano, dont 3 sonates et 17 valses.

"Valse de la pluie".

Le compositeur vénitien et violoniste virtuose Antonio Lucio Vivaldi est l'auteur de plus de 500 concertos et 90 opéras. Il a eu une énorme influence sur le développement de l’art du violon italien et mondial.

"Chanson des Elfes"

Wolfgang Amadeus Mozart est un compositeur autrichien qui a émerveillé le monde par son talent dès la petite enfance. Dès l’âge de cinq ans, Mozart composait de courtes pièces. Au total, il a écrit 626 œuvres, dont 50 symphonies et 55 concertos. 9. Beethoven 10. Bach

Jean-Sébastien Bach - compositeur allemand et organiste de l'époque baroque, connu comme un maître de la polyphonie. Il est l'auteur de plus de 1000 œuvres, qui couvrent presque tous les genres importants de l'époque.

"Blague musicale"

B. Britten est l'un des compositeurs les plus importants du XXe siècle. Son œuvre représente presque tous les genres musicaux : des pièces pour piano et œuvres vocales à l'opéra.

Il a en fait fait revivre la musique anglaise qui, après la mort de Haendel, n'avait pas eu de compositeur d'une telle envergure depuis près de deux cents ans.

Biographie

Période initiale de créativité

Edward Benjamin Britten, compositeur, chef d'orchestre et pianiste britannique , né en 1913 à Lowestoft (Suffolk) dans la famille d'un dentiste. Capacité musicale cela se manifeste très tôt : à l'âge de 6 ans, il commence déjà à composer de la musique. Son premier professeur de piano fut sa mère, puis le garçon apprit à jouer de l'alto.

Collège royal de musique

En Royale école de musiqueà Londres, il étudie le piano et étudie également la composition. Son premières œuvres a immédiatement attiré l'attention monde musical– il s'agissait de « Hymne à la Vierge » et des variations chorales « L'Enfant est né ». Britten est invité dans une société de films documentaires avec laquelle il collabore depuis 5 ans. Il considère cette période comme une bonne école, où il a dû apprendre beaucoup et composer même lorsque l'inspiration s'en va et qu'il ne reste qu'un travail consciencieux.

Durant cette période, il travaille également à la radio : il écrit de la musique pour des émissions de radio, puis se lance dans des activités de concert.

Période de la Seconde Guerre mondiale

Dans les années 1930, il était déjà un compositeur dont les œuvres acquéraient une renommée mondiale : sa musique était entendue en Italie, en Espagne, en Autriche et aux États-Unis, mais la Seconde Guerre mondiale commença et Britten quitta l'Angleterre pour se rendre aux États-Unis et au Canada. Le compositeur n'est retourné dans son pays natal qu'en 1942. Ses performances ont immédiatement commencé à travers le pays : dans les petits villages, les abris anti-bombes, les hôpitaux et même dans les prisons. Et à la fin de la guerre, il se rend immédiatement en Allemagne, en Belgique, aux Pays-Bas, en Suisse et dans les pays scandinaves avec des concerts.

La créativité d'après-guerre

En 1948, il organise l'Annuelle Internationale Festival de musique, à qui il consacre beaucoup de temps, d'efforts et d'argent. Lors du premier festival en 1948, sa cantate « Saint Nicolas » est jouée.

Au début des années 1950, Britten a participé aux activités de l'Organisation des musiciens partisans de la paix, a écrit des opéras et, en 1956, s'est rendu en Inde, à Ceylan, en Indonésie et au Japon. Les impressions du voyage se reflètent dans la partition du ballet « Prince des Pagodes ». Cette extravagance de conte de fées devient avant cela le premier « grand » ballet national ; ballets en un acte. Après cela, Britten est revenu à son opéra préféré : L'Arche de Noé est apparu en 1958 et Le Songe d'une nuit d'été est apparu en 1960.

En 1961, Britten crée le « War Requiem », qui devient un monument aux victimes de la guerre. Il a été écrit pour la cérémonie de consécration de la cathédrale de la ville de Coventry, entièrement détruite par les bombardements allemands. « War Requiem » a été créé pour la première fois en 1962. Le succès fut assourdissant : « Requiem » a vendu 200 000 disques au cours des deux premiers mois, ce qui témoigne du réel succès de l'œuvre.

Ruines de la cathédrale de Coventry

Parallèlement, Britten écrit des œuvres d'un genre nouveau : les opéras paraboliques. Basé sur une histoire japonaise, « Curlew River » a été écrit en 1964. « The Cave Act » (1966) est basé sur un épisode de l'Ancien Testament, et « The Prodigal Son » (1968) est basé sur une parabole évangélique. Britten a écrit la « Cantate de la Miséricorde » pour le 100e anniversaire de la fondation de la Croix-Rouge ; la cantate est basée sur la parabole du Bon Samaritain. Elle fut solennellement jouée à Genève le 1er septembre 1963.

Britten et la Russie

Ayant entendu M. Rostropovitch jouer pour la première fois à Londres, Britten décide de lui écrire une Sonate en cinq mouvements, dont chacun démontre le talent particulier du violoncelliste. En mars 1963, un festival de musique anglaise eut lieu à Moscou et à Léningrad, où cette sonate fut interprétée par Britten lui-même et M. Rostropovitch. Au même moment, les opéras en un acte de Britten étaient représentés pour la première fois en Russie par la Petite Troupe du Covent Garden Theatre. En 1964, Britten a de nouveau visité notre pays, il a noué des relations amicales avec D. Chostakovitch, M. Rostropovitch et G. Vishnevskaya, et même Britten a célébré le Nouvel An 1965 avec Chostakovitch dans sa datcha.

M. Rostropovitch et B. Britten

La musique de Chostakovitch a une influence notable sur l'œuvre de Britten. Il écrit un Concerto pour violoncelle qu’il dédie à Mstislav Rostropovitch, ainsi qu’un cycle de chants basés sur les poèmes de Pouchkine à Galina Vishnevskaya. Chostakovitch dédie sa Quatorzième Symphonie à Britten.

La dernière fois que B. Britten s'est rendu en Russie, c'était en 1971. D. Chostakovitch est décédé en 1975 et Britten en 1976.

Les œuvres de B. Britten

Britten est considéré comme le fondateur de la renaissance de l'opéra en Angleterre. Travailler dans divers genres musicaux, Britten aimait par-dessus tout l'opéra. Il achève son premier opéra, Peter Grimes, en 1945, et sa production marque le renouveau de la scène nationale. Théâtre musical. Le livret de l'opéra est basé sur l'histoire tragique du pêcheur Peter Grimes, hanté par le destin. La musique de son opéra est de styles variés : il utilise le style de nombreux compositeurs selon le contenu de la scène : il dessine des images de solitude et de désespoir à la manière de G. Mahler, A. Berg, D. Chostakovitch ; réaliste scènes de genre- dans le style de D. Verdi, et des marines - dans le style de C. Debussy. Et tous ces styles sont ingénieusement unis par une seule chose : le style Britten et la saveur britannique.

Le compositeur a passé toute sa vie à composer des opéras. Il crée des opéras de chambre : « La Profanation de Lucrèce » (1946), « Albert Herring » (1947) d'après le récit de G. Maupassant. Dans les années 50-60. crée les opéras « Billy Budd » (1951), « Gloriana » (1953), « Le Tour d'écrou » (1954), « L'Arche de Noé » (1958), « Le Songe d'une nuit d'été » (1960) d'après la comédie de W. Shakespeare, l'opéra de chambre « Carlew River » (1964), l'opéra « Prodigal Son » (1968), dédié à Chostakovitch, et « Mort à Venise » (1970) d'après T. Mann.

Musique pour les enfants

Britten écrit également pour les enfants et conçoit la musique à des fins pédagogiques. Par exemple, dans la pièce « Faisons un opéra » (1949), il présente au public le processus de sa représentation. En 1945, il écrit une variation et fugue sur un thème de Purcell, A Guide to the Orchestra for jeunes auditeurs», dans lequel il fait découvrir aux auditeurs les timbres de divers instruments. S. Prokofiev a un opéra pour enfants similaire - "Pierre et le loup".

En 1949, Britten crée un opéra pour enfants, « The Little Chimney Sweep », et en 1958, l’opéra « Noah’s Ark ».

B. Britten a beaucoup joué en tant que pianiste et chef d'orchestre, en tournée différents pays paix.

Les plus grands compositeurs du monde de tous les temps : listes par ordre chronologique et alphabétique, ouvrages et ouvrages de référence

100 grands compositeurs du monde

Liste des compositeurs par ordre chronologique

1. Josquin Despres (1450 –1521)
2. Giovanni Pierluigi de Palestrina (1525 –1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 –1643)
4. Heinrich Schütz (1585 –1672)
5. Jean-Baptiste Lully (1632 –1687)
6. Henri Purcell (1658 –1695)
7. Arcangelo Corelli (1653 –1713)
8.Antonio Vivaldi (1678 –1741)
9. Jean-Philippe Rameau (1683 –1764)
10. Georges Haendel (1685 –1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 –1757)
12. Jean-Sébastien Bach (1685 –1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713 –1787)
14. Joseph Haydn (1732 –1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitri Stepanovitch Bortnyanski (1751 –1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 –1826)
19. Johann Népomucène Hummel (1778 –1837)
20. Nicollo Paganini (1782 –1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 –1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 –1826)
23. Gioachino Rossini (1792 –1868)
24. Franz Schubert (1797 –1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 –1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 –1869)
28. Mikhaïl Ivanovitch Glinka (1804 –1857)
29. Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809 –1847)
30. Frédéric Chopin (1810 –1849)
31. Robert Schumann (1810 –1856)
32. Alexandre Sergueïevitch Dargomyjski (1813 –1869)
33. Franz Liszt (1811 –1886)
34. Richard Wagner (1813 –1883)
35. Giuseppe Verdi (1813-1901)
36. Charles Gounod (1818 –1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 –1872)
38. Jacques Offenbach (1819 –1880)
39. Alexandre Nikolaïevitch Serov (1820 –1871)
40. César Frank (1822 –1890)
41. Bedrich Smetana (1824 –1884)
42. Anton Bruckner (1824 –1896)
43. Johann Strauss (1825 –1899)
44. Anton Grigoriévitch Rubinstein (1829 –1894)
45. Johannes Brahms (1833 –1897)
46. ​​​​​​Alexandre Porfirievitch Borodine (1833 –1887)
47. Camille Saint-Saëns (1835 –1921)
48. Léo Delibes (1836 –1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 –1910)
50. Georges Bizet (1838 –1875)
51. Modeste Petrovitch Moussorgski (1839 –1881)
52. Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840 –1893)
53. Antonin Dvorak (1841 –1904)
54. Jules Massenet (1842 –1912)
55. Edvard Grieg (1843 –1907)
56. Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (1844 – 1908)
57. Gabriel Fauré (1845 –1924)
58. Léos Janacek (1854 –1928)
59. Anatoly Konstantinovitch Lyadov (1855 –1914)
60. Sergueï Ivanovitch Taneyev (1856 –1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 –1919)
62. Giacomo Puccini (1858-1924)
63. Hugo Loup (1860 –1903)
64. Gustav Mahler (1860-1911)
65. Claude Debussy (1862 –1918)
66. Richard Strauss (1864-1949)
67. Alexandre Tikhonovitch Grechaninov (1864 –1956)
68. Alexandre Konstantinovitch Glazounov (1865 –1936)
69. Jean Sibélius (1865 –1957)
70. Franz Lehar (1870 –1945)
71. Alexandre Nikolaïevitch Scriabine (1872 –1915)
72. Sergueï Vassilievitch Rachmaninov (1873 –1943)
73. Arnold Schönberg (1874 –1951)
74. Maurice Ravel (1875 –1937)
75. Nikolaï Karlovitch Medtner (1880 –1951)
76. Béla Bartok (1881 –1945)
77. Nikolaï Yakovlevitch Myaskovsky (1881 –1950)
78. Igor Fedorovitch Stravinsky (1882 –1971)
79. Anton Webern (1883 –1945)
80. Imre Kalman (1882 –1953)
81. Alban Berg (1885 –1935)
82. Sergueï Sergueïevitch Prokofiev (1891 –1953)
83. Arthur Honegger (1892 – 1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. Carl Orff (1895-1982)
86.Paul Hindemith (1895-1963)
87. Georges Gershwin (1898-1937)
88. Isaac Osipovitch Dunaevsky (1900 –1955)
89. Aram Ilitch Khatchatourian (1903 – 1978)
90. Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch (1906 –1975)
91. Tikhon Nikolaïevitch Khrennikov (né en 1913)
92. Benjamin Britten (1913-1976)
93. Gueorgui Vassilievitch Sviridov (1915 – 1998)
94. Léonard Bernstein (1918 –1990)
95. Rodion Konstantinovitch Shchedrin (né en 1932)
96. Krzysztof Penderecki (né en 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 – 1998)
98. Bob Dylan (né en 1941)
99. John Lennon (1940-1980) et Paul McCartney (né en 1942)
100. Sting (né en 1951)

CHEFS-D'ŒUVRE DE LA MUSIQUE CLASSIQUE

Les compositeurs les plus célèbres du monde

Liste des compositeurs par ordre alphabétique