No importa cómo lo mires, no puedes ignorarlo. famosa obra maestra Compositor ruso en cuatro actos, gracias al cual la leyenda alemana de la bella cisne quedó inmortalizada ante los ojos de los conocedores del arte. Según la trama, el príncipe, enamorado de la reina cisne, la traiciona, pero ni siquiera la comprensión del error lo salva ni a él ni a su amada de los elementos furiosos.
Imagen personaje principal– Odettes – como si complementara la galería de símbolos femeninos creada por el compositor durante su vida. Es de destacar que el autor del argumento del ballet sigue siendo desconocido y los nombres de los libretistas nunca han aparecido en ningún cartel. El ballet se presentó por primera vez en 1877 en el escenario del Teatro Bolshoi, pero la primera versión se consideró infructuosa. lo mas producción famosa– Petipa-Ivanov, que se convirtió en el estándar para todas las actuaciones posteriores.
Los mejores ballets del mundo: “El Cascanueces” de Tchaikovsky
Popular en Nochevieja, el ballet infantil El Cascanueces se presentó al público por primera vez en 1892 en el escenario del famoso Teatro Mariinski. Su trama está basada en el cuento de hadas de Hoffmann "El cascanueces y rey ratón" La lucha de generaciones, el enfrentamiento entre el bien y el mal, la sabiduría detrás de la máscara - profunda significado filosófico Los cuentos de hadas se presentan en imágenes musicales brillantes que son comprensibles para los espectadores más jóvenes.
La acción tiene lugar en invierno, en Nochebuena, cuando todos los deseos pueden hacerse realidad, y esto le da un encanto adicional a la mágica historia. En este cuento de hadas todo es posible: los deseos más preciados se harán realidad, las máscaras de hipocresía caerán y la injusticia definitivamente será derrotada.
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Los mejores ballets del mundo: “Giselle” de Adana
"El amor que más fuerte que la muerte“- quizás la descripción más precisa del famoso ballet en cuatro actos “Giselle”. La historia de una niña muerta de amor ardiente que entregó su corazón a alguien comprometido con otra novia joven noble, se transmite tan vívidamente en los elegantes pasos de las esbeltas Wilis, las novias que murieron antes de la boda.
El ballet fue un gran éxito desde su primera representación en 1841, y a lo largo de 18 años se representaron 150 representaciones en el escenario de la Ópera de París. representaciones teatrales obras del famoso compositor francés. Esta historia cautivó tanto los corazones de los conocedores del arte que incluso un museo al aire libre recibió el nombre del personaje principal de la historia. finales del XIX asteroide del siglo. Y hoy nuestros contemporáneos ya se han ocupado de preservar uno de perlas mas grandes obras clásicas en versiones cinematográficas de producciones clásicas.
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Los mejores ballets del mundo: “Don Quijote” de Minkus
La era de los grandes caballeros ya pasó, pero esto no impide en absoluto que las jóvenes modernas sueñen con conocer a Don Quijote del siglo XXI. El ballet transmite con precisión todos los detalles del folclore de los habitantes de España; y muchos maestros intentaron escenificar la trama de la noble caballería en una interpretación moderna, pero es la producción clásica la que adorna el escenario ruso durante ciento treinta años.
El coreógrafo Marius Petipa supo encarnar hábilmente todo el sabor del baile. cultura española gracias al uso de elementos bailes nacionales, y algunos gestos y poses indican directamente el lugar donde se desarrolla la trama. La historia no ha perdido su significado hoy: incluso en el siglo XXI, Don Quijote inspira hábilmente a jóvenes de buen corazón capaces de cometer actos desesperados en nombre del bien y la justicia.
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Los mejores ballets del mundo: Romeo y Julieta de Prokofiev
historia inmortal dos corazones amorosos, unidos sólo después de la muerte para siempre, se encarna en el escenario gracias a la música de Prokofiev. La producción tuvo lugar poco antes de la Segunda Guerra Mundial, y hay que rendir homenaje a los dedicados artesanos que resistieron el orden habitual de aquella época, que también reinaba en la esfera creativa del país estalinista: el compositor conservó el tradicional final trágico de la trama.
Después del primer gran éxito, que otorgó a la obra el Premio Stalin, hubo muchas versiones, pero literalmente en 2008 tuvo lugar en Nueva York la tradicional producción de 1935 con un final feliz desconocido para el público hasta ese momento. historia famosa.
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¡Disfruta viendo!
La ópera rusa, que surgió como una imitación de los modelos occidentales, ha hecho una contribución muy valiosa al tesoro de la cultura mundial.
Apareciendo durante la era del apogeo clásico de los idiomas francés, alemán y óperas italianas, La ópera rusa del siglo XIX no sólo alcanzó a las escuelas de ópera nacionales clásicas, sino que también las adelantó. Es interesante que los compositores rusos tradicionalmente eligieran temas de carácter puramente popular para sus obras.
"Vida para el zar" de Glinka
La ópera "Una vida para el zar" o "Ivan Susanin" cuenta sobre los acontecimientos de 1612: la campaña polaca de la nobleza contra Moscú. El autor del libreto fue el barón Yegor Rosen, sin embargo, en era soviética Por razones ideológicas, la edición del libreto fue confiada a Sergei Gorodetsky. La ópera se estrenó en Teatro Bolshói Petersburgo en 1836. Durante mucho tiempo, el papel de Susanin lo desempeñó Fyodor Chaliapin. Después de la revolución, “La vida para el zar” abandonó el escenario soviético. Hubo intentos de adaptar la trama a las exigencias de los nuevos tiempos: así fue como Susanin fue aceptada en el Komsomol, y las líneas finales sonaban como "Gloria, gloria, sistema soviético". Gracias a Gorodetsky, cuando la ópera se representó en el Teatro Bolshoi en 1939, el “sistema soviético” fue reemplazado por el “pueblo ruso”. El Teatro Bolshoi ha abierto tradicionalmente su temporada desde 1945. varias producciones"Ivan Susanin" de Glinka. Quizás la mayor representación de la ópera en el extranjero se realizó en La Scala de Milán.
"Boris Godunov" de Mussorsky
La ópera, en la que el zar y el pueblo son elegidos como dos personajes, fue iniciada por Mussorgsky en octubre de 1868. Para escribir el libreto, el compositor utilizó el texto. tragedia del mismo nombre Pushkin y materiales de la “Historia del Estado ruso” de Karamzin. El tema de la ópera fue el reinado de Boris Godunov justo antes. Tiempo de problemas" Mussorgsky completó la primera edición de la ópera Boris Godunov en 1869, que fue presentada al comité de teatro de la Dirección de Teatros Imperiales. Sin embargo, los críticos rechazaron la ópera, negándose a montarla por falta de brillo. papel femenino. Mussorgsky introdujo el acto “polaco” en la ópera linea de amor Marina Mnishek y el Falso Dmitry. También añadió una escena monumental de un levantamiento popular, lo que hizo más espectacular el final. A pesar de todos los ajustes, la ópera fue nuevamente rechazada. Se representó sólo dos años después, en 1874, en el escenario del Teatro Mariinsky. La ópera se estrenó en el extranjero en el Teatro Bolshoi de la Gran Ópera de París el 19 de mayo de 1908.
"Reina de espadas" de Tchaikovsky
La ópera fue terminada por Tchaikovsky a principios de la primavera de 1890 en Florencia, y la primera producción tuvo lugar en diciembre del mismo año en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. La ópera fue escrita por el compositor a petición del Teatro Imperial, y por primera vez Tchaikovsky se negó a aceptar el encargo, argumentando que su negativa se debía a la falta de “presencia escénica adecuada” en la trama. Es interesante que en la historia de Pushkin personaje principal lleva el apellido Hermann (con dos “n” al final), y en la ópera el principal actor se convierte en un hombre llamado Herman; esto no es un error, sino un cambio intencional de autor. En 1892 la ópera se representó por primera vez fuera de Rusia en Praga. A continuación, la primera producción en Nueva York en 1910 y el estreno en Londres en 1915.
"Príncipe Igor" Borodin
El libreto se basó en el monumento. literatura rusa antigua"La historia de la campaña de Igor". La idea de la trama se la sugirió a Borodin el crítico Vladimir Stasov en una de las veladas musicales en casa de Shostakóvich. La ópera fue creada a lo largo de 18 años, pero el compositor nunca la completó. Después de la muerte de Borodin, Glazunov y Rimsky-Korsakov completaron el trabajo. Existe la opinión de que Glazunov pudo reconstruir de memoria la obertura de la ópera que escuchó una vez en la interpretación del autor, sin embargo, el propio Glazunov negó esta opinión. A pesar de que Glazunov y Rimsky-Korsakov hicieron la mayor parte del trabajo, insistieron en que Príncipe Igor era enteramente una ópera de Alexander Porfiryevich Borodin." La ópera se estrenó en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo en 1890 y nueve años después fue vista por público extranjero en Praga.
"El gallo de oro" de Rimsky-Korsakov
La ópera "El gallo de oro" fue escrita en 1908 basada en el cuento de hadas de Pushkin del mismo nombre. Esta ópera se convirtió último trabajo Rimski-Kórsakov. Los teatros imperiales se negaron a representar la ópera. Pero tan pronto como el espectador la vio por primera vez en 1909 en Moscú teatro de la ópera Sergei Zimin, la ópera se representó en el Teatro Bolshoi un mes después y luego comenzó su marcha triunfal por todo el mundo: Londres, París, Nueva York, Berlín, Wroclaw.
"La señora Macbeth distrito de mtsensk"Shostakóvich
La idea de la ópera surgió de Alexander Dargomyzhsky en 1863. Sin embargo, el compositor dudó de su éxito y consideró la obra como una “inteligencia” creativa, “diversión con el Don Juan de Pushkin”. Escribió música para el texto de Pushkin "El invitado de piedra" sin cambiar una sola palabra. Sin embargo, los problemas cardíacos no permitieron al compositor completar la obra. Murió, pidiendo a sus amigos Cui y Rimsky-Korsakov que completaran el trabajo de su testamento. La ópera se presentó por primera vez al público en 1872 en el escenario del Teatro Mariinsky de San Petersburgo. El estreno en el extranjero no tuvo lugar hasta 1928 en Salzburgo. Esta ópera se ha convertido en una de las “piedras fundacionales”; sin su conocimiento es imposible comprender no sólo la música clásica rusa, sino también la música clásica rusa. cultura general nuestro país.
Los clásicos no son sólo sinfonías, óperas, conciertos y música de cámara. Algunos de los más reconocibles obras clasicas apareció en forma de ballet. El ballet se originó en Italia durante el Renacimiento y gradualmente se convirtió en una forma de danza técnica que requería mucho entrenamiento por parte de los bailarines. Creado por primera vez compañía de ballet fue el Ballet de la Ópera de París, que se formó después del rey Luis XIV nombró a Jean-Baptiste Lully director de la Real Academia de Música. Muchos musicólogos consideran que las composiciones de Lully para ballet son un punto de inflexión en el desarrollo de este género. Desde entonces, la popularidad del ballet se ha ido desvaneciendo poco a poco, “vagando” de un país a otro, lo que proporcionó a los compositores diferentes nacionalidades oportunidad de recopilar algunos de sus más obras famosas. Aquí se presentan siete de los ballets más populares y queridos del mundo.
Tchaikovsky escribió esta canción eterna en 1891. ballet clasico, que es el ballet más representado era moderna. En Estados Unidos, El Cascanueces apareció por primera vez en el escenario recién en 1944 (fue interpretado por el Ballet de San Francisco). Desde entonces, se ha convertido en una tradición representar “El Cascanueces” durante la temporada de Año Nuevo y Navidad. Este gran ballet no sólo tiene la música más reconocible, sino que su historia trae alegría tanto a niños como a adultos.
El lago de los cisnes es el ballet clásico más complejo técnica y emocionalmente. Su música estaba muy adelantada a su tiempo y muchos de sus primeros intérpretes argumentaban que El lago de los cisnes era demasiado difícil de bailar. De hecho, se sabe muy poco sobre la primera producción original, y a lo que todo el mundo está acostumbrado hoy es a una reelaboración. coreógrafos famosos Producción de Petipa e Ivanov. El lago de los cisnes siempre será considerado un estándar del ballet clásico y se representará durante siglos.
El sueño de una noche de verano
La comedia de Shakespeare El sueño de una noche de verano se ha adaptado a muchos estilos artísticos. El primer ballet de larga duración (durante toda la velada) basado en esta obra fue representado en 1962 por George Balanchine con música de Mendelssohn. Hoy en día, El sueño de una noche de verano es un ballet muy popular y amado por muchos.
El ballet Coppélia fue escrito. compositor francés Leo Deliboe y coreografía de Arthur Saint-Leon. Coppelia es una historia alegre que describe el conflicto del hombre entre idealismo y realismo, arte y vida, con música vibrante y bailes animados. Su estreno mundial en la Ópera de París tuvo un gran éxito en 1871, y el ballet sigue teniendo éxito hoy en día, estando en el repertorio de muchos teatros.
Peter Pan
Peter Pan es un magnífico ballet apto para toda la familia. Los bailes, decorados y disfraces son tan coloridos como la historia misma. Peter Pan es relativamente nuevo en el mundo del ballet y, dado que no existe una versión única clásica del mismo, el ballet puede ser interpretado de manera diferente por cada coreógrafo, coreógrafo y director musical. Aunque cada producción puede ser diferente, la historia sigue siendo casi la misma, por lo que este ballet ha sido catalogado como un clásico.
la Bella durmiente del bosque
"La Bella Durmiente" fue la primera ballet famoso Chaikovski. En él, la música no es menos importante que el baile. La historia de "La Bella Durmiente" es la combinación perfecta de celebraciones de ballet real en un magnífico castillo, la batalla del bien y el mal y la victoria triunfal. amor eterno. La coreografía fue creada por el mundialmente famoso Marius Pepita, quien también dirigió El Cascanueces y El lago de los cisnes. Este ballet clásico se representará hasta el fin de los tiempos.
Cenicienta
Hay muchas versiones de Cenicienta, pero la más común es la versión de Sergei Prokofiev. Prokofiev comenzó su trabajo en Cenicienta en 1940, pero no completó la partitura hasta 1945 debido a la Segunda Guerra Mundial. En 1948, el coreógrafo Frederick Ashton puso en escena la en su totalidad utilizando la música de Prokofiev, que se convirtió en un gran éxito.
Alexander Nikolaevich Scriabin Alexander Nikolaevich Scriabin es un compositor y pianista ruso, una de las personalidades más brillantes de Rusia y del mundo. cultura musical. La creatividad original y profundamente poética de Scriabin se destacó por su innovación incluso en el contexto del nacimiento de muchas nuevas tendencias en el arte asociadas con cambios en vida pública a principios del siglo XX.
Nacido en Moscú, su madre murió temprano, su padre no pudo prestar atención a su hijo, ya que se desempeñaba como embajador en Persia. Scriabin fue criado por su tía y su abuelo, y desde pequeño mostró habilidades musicales. Al principio estudió en el cuerpo de cadetes, tomó lecciones privadas de piano y, después de graduarse del cuerpo, ingresó en el Conservatorio de Moscú; su compañero de clase era S. V. Rachmaninov. Después de graduarse en el conservatorio, Scriabin se dedicó por completo a la música: como concertista de piano y compositor realizó giras por Europa y Rusia, pasando la mayor parte de su tiempo en el extranjero.
El pico de la creatividad compositiva de Scriabin fueron los años 1903-1908, cuando apareció la Tercera Sinfonía (" Poema divino"), poemas sinfónicos "Poema del éxtasis", poemas para piano "trágicos" y "satánicos", sonatas 4ª y 5ª y otras obras. "Poema del éxtasis", compuesto por varios temas-imágenes, concentrados ideas creativas Sryabin es su obra maestra más brillante. Combina armoniosamente el amor del compositor por el poder de una gran orquesta y el sonido lírico y aireado de los instrumentos solistas. Encarnado en el "Poema del éxtasis" es colosal. energía vital, pasión ardiente, poder de voluntad fuerte causa una impresión irresistible en el oyente y hoy conserva el poder de su impacto.
Otra obra maestra de Scriabin es "Prometeo" ("Poema de fuego"), en la que el autor renovó por completo su lenguaje armónico, alejándose del sistema tonal tradicional, y por primera vez en la historia se suponía que esta obra iba acompañada de música en color. , pero el estreno, por motivos técnicos, se realizó sin efectos de iluminación.
El último "Misterio" inconcluso fue el plan de Scriabin, un filósofo soñador, romántico, para atraer a toda la humanidad e inspirarla a crear un nuevo orden mundial fantástico, la unión del Espíritu Universal con la Materia.
A. N. Scriabin "Prometeo"
Sergei Vasilievich RachmaninovSergei Vasilievich Rachmaninov es el compositor más grande del mundo de principios del siglo XX, un talentoso pianista y director. Imagen creativa El compositor Rachmaninoff a menudo es definido con el epíteto de “el compositor más ruso”, enfatizando en esta breve formulación sus méritos al unir las tradiciones musicales de Moscú y San Petersburgo. escuelas de compositores y en la creación de su propio estilo único, que se destaca en la cultura musical mundial.
Nacido en la provincia de Novgorod, a los cuatro años comenzó a estudiar música de la mano de su madre. Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo, después de 3 años de estudio se trasladó al Conservatorio de Moscú y se graduó con una gran medalla de oro. Rápidamente se hizo conocido como director y pianista, y compuso música. El desastroso estreno de la innovadora Primera Sinfonía (1897) en San Petersburgo provocó una crisis creativa del compositor, de la que Rachmaninov surgió a principios del siglo XX con un estilo formado que unía la canción de la iglesia rusa, dejando romanticismo europeo, impresionismo moderno y neoclasicismo, y todo esto está lleno de un simbolismo complejo. Este periodo creativo nacen sus mejores obras, con
Ballet Cómo forma musical evolucionó desde una simple adición a la danza hasta una forma compositiva específica, que a menudo tenía el mismo significado que la danza que la acompañaba. Originaria de Francia en el siglo XVII, esta forma de danza comenzó como una danza teatral. Formalmente, el ballet no recibió el estatus de "clásico" hasta el siglo XIX. En el ballet, los términos “clásico” y “romántico” se desarrollaron cronológicamente desde uso musical. Así, en el siglo XIX periodo clasico El ballet coincidió con la era del romanticismo en la música. Los compositores de música de ballet de los siglos XVII al XIX, incluidos Jean-Baptiste Lully y Pyotr Ilyich Tchaikovsky, estuvieron principalmente en Francia y Rusia. Sin embargo, con su creciente fama internacional, Tchaikovsky durante su vida vio la difusión de la composición musical de ballet, y del ballet en general, por todo el mundo occidental.
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✪ tono absoluto sobre el ballet "La Bella Durmiente"
✪ Dona nobis pacem Danos la paz I S Bach Misa h-moll Teatro de Ópera y Ballet Tártaro 2015
✪ ♫ Música clásica para niños (Música clásica para niños).
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Historia
- Hasta aproximadamente la segunda mitad del siglo XIX, el papel de la música en el ballet era secundario, con énfasis principal en la danza, mientras que la música en sí era simplemente tomada prestada de melodías de baile. Escribir "música de ballet" solía ser obra de artesanos musicales, no de maestros. Por ejemplo, los críticos del compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky percibieron su escritura de música de ballet como algo básico.
Desde los primeros ballets hasta la época de Jean-Baptiste Lully (1632-1687), la música del ballet era indistinguible de la música de baile de salón. Lully creó un estilo separado en el que la música contaría la historia. El primer "Ballet de acción" se representó en 1717. Era una historia contada sin palabras. El pionero fue John Weaver (1673-1760). Tanto Lully como Jean-Philippe Rameau escribieron una "ópera-ballet" donde se representaba la acción. en parte bailando, en parte cantando, pero la música de ballet fue perdiendo importancia gradualmente.
El siguiente gran paso tuvo lugar en los primeros años del siglo XIX, cuando los solistas comenzaron a utilizar zapatillas de ballet rígidas especiales: las zapatillas de punta. Esto permitió un estilo de música más fraccionado. En 1832 bailarina famosa Maria Taglioni (1804-1884) fue la primera en demostrar el baile con zapatillas de punta. Fue en La Sílfide. Ahora la música pudo volverse más expresiva. Poco a poco el baile se volvió más atrevido y los hombres levantaban a las bailarinas en el aire.
Hasta la época de Tchaikovsky, el compositor de ballet no estaba separado del compositor de sinfonías. La música de ballet sirvió de acompañamiento para la danza solista y en conjunto. El ballet de Tchaikovsky "El lago de los cisnes" fue el primer musical trabajo de ballet, que fue creado por un compositor sinfónico. Por iniciativa de Tchaikovsky, los compositores de ballet ya no escribieron piezas de danza sencillas y fáciles. Ahora el foco principal del ballet no era sólo la danza; la composición, después de las danzas, cobró igual importancia. A finales del siglo XIX, Marius Petipa, coreógrafo de ballet y danza rusos, trabajó con compositores como Cesar Pugni en la creación de obras maestras del ballet que contaban tanto con danza como con música complejas. Petipa trabajó con Tchaikovsky, colaborando con el compositor en sus obras "La Bella Durmiente" y "El Cascanueces", o indirectamente, a través de la nueva edición " lago de los cisnes"Tchaikovsky tras la muerte del compositor.
Todavía corto en muchos casos. escenas de ballet Se utiliza en óperas para cambiar de escenario o de vestuario. Quizás el ejemplo más famoso de música de ballet como parte de una ópera sea la Danza de las Horas de la ópera La Gioconda (1876) de Amilcare Ponchielli.
Se produjo un cambio fundamental de humor cuando se creó el ballet La consagración de la primavera (1913) de Igor Stravinsky.
La música era expresionista y discordante y los movimientos muy estilizados. En 1924, George Antheil escribió Ballet Mecánica. Esto era adecuado para una película de objetos en movimiento, pero no para bailarines, aunque su uso fue innovador. musica jazz. A partir de este punto de partida, la música del ballet se divide en dos direcciones: el modernismo y la danza jazz. George Gershwin intentó llenar este vacío con su ambiciosa partitura para Shall We Dance (1937), más de una hora de música que abarcaba jazz y rumba cerebrales y técnicamente con los pies caídos. Una de las escenas fue compuesta especialmente para la bailarina Harriet Hoctor.
Muchos dicen que la danza jazz está mejor representada por el coreógrafo Jerome Robbins, quien trabajó con Leonard Bernstein en West Side Story (1957). En algunos aspectos es un regreso a la "ópera-ballet", ya que la trama se cuenta principalmente con palabras. El modernismo está mejor representado por Sergei Prokofiev en el ballet "Romeo y Julieta". Este es un ejemplo de ballet puro, y lo hay. Sin influencia del jazz ni de ningún otro tipo de música popular. Otra tendencia en la historia de la música de ballet es la tendencia a la adaptación creativa de la música antigua. Ottorino Respighi organizó las obras de Gioachino Rossini (1792-1868) y sus series conjuntas en el ballet. Llamada “La Tienda Mágica”, que se estrenó en 1919 en el Auditorio de Ballet, prefiere la música romántica, por lo que se combinan nuevos ballets con obras antiguas a través de nuevas coreografías. Un ejemplo famoso es "The Dream", música de Felix Mendelssohn, adaptada por John Lanchbury.
Compositores de ballet
EN principios del XIX Durante siglos, los coreógrafos representaron representaciones con música recopilada, la mayoría de las veces compuesta por fragmentos de ópera y melodías de canciones populares y conocidas. El primero que intentó cambiar la práctica existente fue el compositor Jean-Madeleine Schneizhoffer. Por ello fue objeto de considerables críticas, a partir de su primera obra, el ballet “Proserpina” (1818):
La música pertenece joven, que, a juzgar por la obertura y algunos motivos del ballet, merece estímulo. Pero creo firmemente (y la experiencia respalda mi opinión) que los motivos hábilmente seleccionados para las situaciones siempre sirven mejor a las intenciones del coreógrafo y revelan su intención más claramente que una música casi completamente nueva, que, en lugar de explicar la pantomima, espera a su vez una explicación. .
A pesar de los ataques de los críticos, siguiendo a Schneitzhoffer, otros compositores comenzaron a alejarse de la tradición de crear partituras de ballet recopiladas a partir de fragmentos musicales basadas en motivos de otras obras famosas (la mayoría de las veces operísticas): Ferdinand Herold, Fromental Halévy y, en primer lugar, - y luego, fructíferamente, quien trabajó con Marius Petipa, al crear sus partituras, siguió estrictamente las instrucciones del coreógrafo y su plan, hasta el número de compases de cada número. En el caso de Saint-Leon, incluso tuvo que utilizar melodías proporcionadas por el coreógrafo: según las memorias de Karl Waltz, Saint-Leon, él mismo violinista y músico, más de una vez silbó melodías para Minkus, que “tradujo febrilmente en notaciones musicales”.
Esta práctica no correspondía a los principios del mismo Schneizhoffer, quien valoraba su reputación como autor independiente y siempre trabajaba por separado del coreógrafo al crear partituras (solo se hizo una excepción al crear el ballet "La Sylphide" junto con