INSTITUTION ÉDUCATIVE FÉDÉRALE DE L'ÉTAT

FORMATION PROFESSIONNELLE SUPÉRIEURE

"UNIVERSITÉ D'ÉTAT DE LA CULTURE ET DES ARTS DE MOSCOU"

Théâtre folklorique

Travaux de cours

Complété:

étudiant par correspondance

Groupes 11105

Zakharova I.V.

Professeur:

Blinova G.P.

Moscou

Introduction

Chapitre I. Théâtre folklorique

1.1. Origines et développement du théâtre populaire

1.2. Types de théâtre folklorique

Chapitre II. Développement du théâtre populaire aux XX-XXI siècles.

Conclusion

Bibliographie

Introduction

Cet ouvrage est consacré à l'étude du théâtre populaire, à son rôle dans la culture artistique populaire, à la prise en compte de ses types et de ses principales caractéristiques.

Pertinence Le thème de l'étude du théâtre populaire est déterminé par l'urgence du problème de la préservation de la culture et de ses valeurs. Non seulement les changements sociaux en Russie au XXe siècle ont conduit à la destruction des fondements de la culture traditionnelle, mais aussi le rythme de vie actuel, qui entraîne un changement rapide des priorités, qui ne permet pas de regarder en arrière et d'apprendre l'histoire de la culture de son peuple. La conséquence en fut la prise de conscience de la perte apparemment inévitable de la culture populaire. Mais l’intérêt du pays pour son histoire, son art, son folklore et son désir de préserver et de défendre son identité culturelle ne se sont pas démentis.

Cible Le travail consiste à considérer le potentiel culturel du théâtre populaire et à révéler son importance au stade actuel de développement de la société.

Atteindre cet objectif est associé à la résolution des tâches suivantes :

Décrire l'histoire de l'émergence et du développement du théâtre populaire ;

Considérez les principales caractéristiques et types de théâtre folklorique ;

Analyser ses fonctions dans le développement et la préservation des traditions de la culture populaire à l'aide de l'exemple du théâtre folklorique « Blossom, Our Land ! » ;

Identifier les perspectives de développement dans la société moderne.

Objet d'étude : patrimoine culturel, folklore russe.

Sujet de recherche : activités du théâtre populaire.

Chapitre I. Théâtre folklorique.

1.1. Origines et développement.

Le théâtre populaire russe est né dans l’Antiquité. La base de son apparition était l'activité de production de nos lointains ancêtres slaves. De nombreux rituels, actions rituelles et fêtes folkloriques ont joué un rôle majeur dans le développement du théâtre.

Le principal moyen de formation du théâtre populaire en Russie est le dépérissement progressif des anciennes idées païennes de l'homme sur le monde et l'échange de valeurs culturelles entre les villages et les villes, entre le peuple russe et les étrangers.

En Russie, le théâtre en tant que forme d'art n'est apparu que sous le règne d'Alexei Mikhaïlovitch « Le plus silencieux », et les mots « théâtre » et « drame » sont d'origine grecque, comme le dit le critique de théâtre V.N. Vsevolodsky-Gerngross, n'est entré dans la langue russe qu'au XVIIIe siècle. Chez le peuple, le « théâtre » était précédé de la « honte », et le « drame » était précédé du jeu. Tout au long du XVIIe siècle. Le terme « amusement » a été utilisé, qui a ensuite été remplacé par « comédie ».

Les réformes grandioses de Pierre le Grand ont changé non seulement le mode de vie, mais aussi la culture traditionnelle de la Russie. « En implantant le théâtre dans le sens de l'alignement sur l'Europe, Pierre l'a contraint à jouer le rôle politique direct d'un agitateur, d'un panégyriste de ses réformes. Le théâtre que Pierre a fondé était censé être un spectacle public, c'est-à-dire il s’agit essentiellement d’une idée complètement nouvelle pour la Russie.»

Le folklore dans ses formes rituelles et rituelles fut supplanté et resta le lot du peuple, loin des nouveaux divertissements théâtraux. Les rituels et les spectacles ont progressivement perdu leurs fonctions rituelles liées au lien magique de l’homme avec le monde naturel et, comme l’écrit B.N. Putilov, « leurs formes directement ritualisées ».

Avec la perte de la fonction rituelle, l'action ancienne a été préservée dans la vie populaire sous la forme d'un jeu, remplissant non plus une fonction rituelle, mais une fonction esthétique et d'étiquette.

Au stade de tels changements, le théâtre folklorique est né. Le langage conventionnel des représentations ne nécessitait pas de place particulière - les spectateurs librement situés devenaient nécessairement des participants au plaisir. Comme l'a souligné D.M. Balachov, « théâtre folklorique - plus tard

phénomène de la culture traditionnelle<...>elle est née des changements fondamentaux que la Russie a connus à partir de l’époque de Pierre le Grand et qui ont donné naissance au théâtre et à l’art dramatique professionnels » (extrait de).

L'année de la création du premier théâtre national (folklore) en Russie est considérée comme

1765, lorsque « sur la place Brumberg près de la Moïka<...>des comédiens russes anonymes sous un ciel clair tous les jours<...>ont présenté leurs comédies.

Ce type de théâtre – déguisements, farces, sketches dramatiques, spectacles de marionnettes interprétés par des acteurs non professionnels – a existé tout au long du XIXe et du début du XXe siècle. En outre, à partir de la fin du XVIIe siècle, les estampes populaires laïques sont devenues populaires, parmi lesquelles une proportion importante étaient des feuilles « amusantes » d'Europe occidentale, des estampes populaires russes représentant des bouffons, des bouffons, des fêtes et festivités folkloriques, héros de contes de fées. Au XIXe siècle, ils ont été remplacés par des livres imprimés populaires contenant des textes d'histoires, de contes de fées et de satires, très demandés par le public démocrate. Le folklore urbain émergent comprenait également des spectacles folkloriques traditionnels : spectacles de marionnettistes, de chefs d'ours, de musiciens et de farceurs. De nouveaux genres de théâtre populaire émergent. Depuis le début du XIXe siècle, le paradis est devenu un élément incontournable du divertissement des vacances. Dès le milieu du XVIIIe siècle, le stand devient l'âme de toutes les festivités de la ville.

Progressivement, diverses restrictions sont imposées aux genres de l'art équitable, ils sont soumis à une censure stricte, les foires et lieux de divertissement sont déplacés hors de la ville. Chassés des lieux anciennement développés, soumis au contrôle de la censure, les festivités s'éteignent et, au début du XXe siècle, cessent pour l'essentiel d'exister.

L'originalité du théâtre folklorique "Petrushki" en tant que forme de folklore spectaculaire urbain en Russie. Originalité artistique et éléments expressifs des représentations du théâtre populaire "Petrushki". Les principaux éléments artistiques et expressifs de l'image de "Petrouchka".

Université de la culture et des arts de Saint-Pétersbourg

Test

Sujet : « Créativité artistique populaire »

Thème : « Théâtre folklorique »

Rostov-sur-le-Don

2010

DANSconduite

L'art populaire, né dans l'Antiquité, constitue la base historique de toute la culture artistique mondiale, la source de la richesse nationale. traditions artistiques, un représentant de la conscience de soi nationale. Certains chercheurs classent également tous les types d’art non professionnel (art amateur, y compris les théâtres populaires) comme art populaire.

Art populaire - folklore, le plus souvent oral ; activité créatrice collective artistique du peuple, reflétant sa vie, ses opinions, ses idéaux ; poésie créée par le peuple et existant parmi les masses (légendes, chansons, chansons, anecdotes, contes de fées, épopées), musique folklorique(chansons, airs instrumentaux et pièces de théâtre), théâtre (drames, pièces satiriques, théâtre de marionnettes), danse, architecture, fine et décorative arts appliqués.

Le folklore est divisé en deux groupes : rituel et non rituel. Le folklore rituel comprend : calendrier folklorique(chants de Noël, chants de Maslenitsa, chants de printemps), folklore familial (contes de famille, berceuses, chants de mariage, lamentations), occasionnel (sorts, chants, comptines). Le folklore non rituel est divisé en quatre groupes : le drame folklorique, la poésie, la prose et le folklore des situations de discours. Le drame folklorique comprend : le théâtre du persil, le drame religieux, le drame de la crèche.

La pièce de la Nativité tire son nom de la crèche - un théâtre de marionnettes portable en forme de boîte en bois à deux étages, dont l'architecture ressemble à une scène pour représenter des mystères médiévaux. Le début de la pièce de la Nativité doit être considéré comme le drame de Noël des marionnettes, qui est passé de l'Europe occidentale à la Pologne au XVIIe siècle ; Au même moment, des jeux de la Nativité sont apparus en Ukraine. Le milieu dans lequel le théâtre de la Nativité est né, a grandi et s'est répandu sont les étudiants ukrainiens, principalement les « spudes » de Kiev, qui ont contribué à son introduction dans le nord, par exemple en Sibérie. L'existence des crèches en Pologne et en Russie est estimée à environ 200 ans. Dans la première moitié du XIXe siècle, la crèche disparaît en tant que phénomène quotidien, apparaissant parfois dans des régions reculées de Biélorussie et d'Ukraine et persistant plus fermement dans la vie de la paysannerie ukrainienne de la Galicie orientale. Le texte de la crèche de Khorol, publié dans le livre d'E. Markovsky, enregistré en 1928, indique que le drame de la crèche en Ukraine a survécu jusqu'à ce jour.

Le théâtre biélorusse Batleyka était également célèbre. Il s’agissait d’une armoire portative en bois dotée d’une scène à deux niveaux pour jouer du théâtre. La face avant de la boîte est fermée par des volets. Les poupées, attachées à des tiges, se déplacent le long des fentes du sol. Les scènes de la naissance du Christ étaient traditionnellement jouées au niveau supérieur. Une crèche fortifiée et des figures de Marie et Joseph ont été placées ici.

Le développement actif de l'art populaire s'exprime dans la poésie. La poésie folklorique comprend : l'épopée, la chanson historique, le vers spirituel, la chanson lyrique, la ballade, la romance cruelle, la chansonnette, les chansons poétiques pour enfants (parodies poétiques), les comptines sadiques. La prose folklorique est à nouveau divisée en deux groupes : les contes de fées et les non-contes de fées. La prose de conte de fées comprend : un conte de fées (qui, à son tour, se décline en quatre types : un conte de fées, un conte de fées sur les animaux, un conte de fées de tous les jours, un conte de fées cumulatif) et une anecdote. La prose non-conte de fées comprend : la tradition, la légende, le conte, l'histoire mythologique, l'histoire d'un rêve. Le folklore des situations de discours comprend : des proverbes, des dictons, des vœux de bonheur, des malédictions, des surnoms, des teasers, des graffitis de dialogue, des énigmes, des virelangues et quelques autres. Il existe également des formes écrites du folklore, telles que des chaînes de lettres, des graffitis, des albums (par exemple des recueils de chansons).

Une définition précise du terme « folklore » est difficile, car cette forme d’art populaire n’est pas immuable et figée. Le folklore est constamment en train de se développer et d'évoluer : Chatushki peut être interprété en accompagnement de musiques modernes. instruments de musique sur thèmes modernes, de nouveaux contes peuvent être dédiés phénomènes modernes, la musique folk peut être influencée par la musique rock et elle-même musique contemporaine peut inclure des éléments du folklore, des beaux-arts populaires et des arts appliqués. peut être influencé par l'infographie, etc.

À propos des formes de folklore spectaculaire urbain, il faut tout d'abord parler de l'époque de Pierre Ier. À l'époque de Pierre Ier, le nombre de foires (foires) a fortement augmenté dans les villes de Russie. Les foires avaient lieu avant les grandes fêtes. Les vacances comprennent des éléments et des formes de diverses traditions, sphères de la vie, de la culture et de l'art. Initialement, la culture des foires populaires absorbait une réglementation stricte et des fonctions rituelles, magiques et païennes. L’art public est l’élément principal du folklore spectaculaire urbain.

Les couches moyennes des citadins participent à la formation de leur art public. Les amuseurs populaires affluaient aux foires. Ils ont construit des tavernes, des carrousels, des balançoires, des cabines de cirque et de théâtre, puis des scènes. Le champ de foire est devenu un lieu de divers divertissements et divertissements de masse.

Entre le divertissement forain russe et les phénomènes d'Europe occidentale, les scientifiques (M.M. Bakhtine, D.S. Likhachev, A.F. Nekrylova, N.I. Savushkina) découvrent des similitudes dans les moyens artistiques et les techniques stylistiques, une fusion de deux cultures - agricole et industrielle. Le théâtre de la place de la foire intègre de nombreuses techniques de mise en scène, divers effets pyrotechniques et lumineux, des costumes colorés et un répertoire d'art européen. Il n'était pas étranger aux spectacles folkloriques traditionnels, aux performances d'acteurs et de farceurs. Le théâtre folklorique occupait une place très importante dans la vie des villes russes. En adaptant tous types d'art aux besoins de son visiteur, il a une grande influence sur ses goûts et ses besoins.

Les représentations de persil étaient particulièrement populaires lors des foires et des festivals folkloriques et constituaient une forme de folklore urbain spectaculaire.

1. L'originalité du théâtre populaire "Petrushki" comme formefolklore urbain spectaculaire de Russie

Le persil est l'un des personnages des spectacles de marionnettes folkloriques russes. Représenté dans une chemise rouge, un pantalon en toile et une casquette pointue avec un pompon ; Traditionnellement, Persley est une poupée gantée. PETRUSHKA, "le surnom d'une poupée de farce, d'un bouffon russe, d'un farceur, d'un esprit en caftan rouge et bonnet rouge ; le nom est aussi Petrouchka, le tout clownesque, crèche de marionnettes" (V. Dahl).

L'origine de cette poupée, apparue en Russie dans la seconde moitié du XIXe siècle, n'a pas été élucidée de manière fiable. Bien qu'en Russie (Encyclopédie autour du monde) le persil soit connu depuis le 17ème siècle. Les marionnettistes russes utilisaient des marionnettes (théâtre de marionnettes à fils) et du persil (marionnettes à gants). Jusqu'au XIXe siècle, la préférence était donnée au persil, à la fin du siècle - aux marionnettes, car les fabricants de persil s'unissaient aux joueurs d'orgue. Le paravent à persil était constitué de trois cadres, fixés avec des agrafes et recouverts de chintz. Il était posé directement sur le sol et cachait le marionnettiste. L'orgue de Barbarie a rassemblé les spectateurs et derrière l'écran, l'acteur a commencé à communiquer avec le public à travers un sifflet. Plus tard, avec des rires et des reprises, il sortit lui-même en courant, avec un bonnet rouge et un long nez. Le joueur d'orgue devenait parfois le partenaire de Petrouchka : à cause du grincement, la parole n'était pas toujours intelligible, et il répétait les phrases de Petrouchka et menait un dialogue. La comédie avec Petrouchka s'est jouée dans les foires et les stands. D'après certains mémoires et journaux des années 1840, il s'ensuit que Petrouchka avait nom et prénom- ils l'appelaient Piotr Ivanovitch Uksusov. Le célèbre marionnettiste russe Sergueï Obraztsov appelait Petrouchka Piotr Petrovich Uksusov (l'histoire « Les Quatre Frères ») ou Vanka Ratatouille. Il y avait des intrigues principales : le traitement de Persley, l'entraînement des soldats, la scène avec la mariée, l'achat d'un cheval et son test. Les histoires se transmettaient d’acteur en acteur, de bouche à oreille. Pas un seul personnage du théâtre russe n’avait une popularité égale à Petrouchka.

Les premiers spectacles de marionnettes ayant pour personnage principal Petrouchka sont apparus dans la première moitié du XIXe siècle. Sur les pages des essais sur la vie quotidienne et des livres imprimés populaires, son nom est mentionné depuis les années 1840.

Dans la Russie du siècle dernier, la comédie sur Petrouchka n'avait pas d'égal parmi les autres types de théâtre de marionnettes en termes de popularité auprès du grand public, d'étendue de sa diffusion (de Saint-Pétersbourg à Sakhaline et d'Arkhangelsk au Caucase du Nord), de l'actualité, l'esprit et le pouvoir mortel du rire. Petrouchka était considéré comme le principal et peut-être le seul héros du théâtre de marionnettes russe.

La comédie de Petrouchka était constamment en développement, remplie de nouveaux personnages et devenait de plus en plus pertinente et socialement riche.

Le Théâtre Petrouchki n’a pas été créé uniquement sous l’influence des traditions de marionnettes russes, slaves et d’Europe occidentale. C'était une sorte de gens culture théâtrale, qui fait partie du folklore extrêmement développé (folklore spectaculaire) en Russie. Par conséquent, il a beaucoup de points communs avec le drame populaire, avec les représentations de farces, avec les verdicts des garçons d'honneur au mariage, avec les estampes populaires amusantes, avec les blagues des raeshniks, etc.

L'atmosphère particulière de la place festive de la ville explique, par exemple, la familiarité de Petrouchka, sa gaieté débridée et son aveuglement face à l'objet du ridicule et de la honte. Après tout, Petrouchka bat non seulement les ennemis de classe, mais tout le monde - de sa propre fiancée au policier, le bat souvent pour rien (un blackamoor, une vieille mendiante, un clown allemand, etc.), et à la fin il est frappé aussi : le chien lui tire sans pitié sur le nez. Le marionnettiste, comme les autres participants à la foire et au plaisir carré, est attiré par l'opportunité même de ridiculiser, de parodier, de battre, et plus c'est fort, plus inattendu, plus net, mieux c'est. Des éléments de protestation sociale et de satire se sont superposés avec beaucoup de succès et de manière naturelle à cette ancienne base du rire.

Comme tous les divertissements folkloriques, « Petrouchka » est rempli d'obscénités et de malédictions. La signification originale de ces éléments a été étudiée de manière assez approfondie, et la profondeur avec laquelle ils ont pénétré dans la culture populaire du rire et la place qu'y occupent les jurons, l'obscénité verbale et les gestes humiliants et cyniques, est pleinement montré par M.M. Bakhtine.

Des spectacles étaient présentés plusieurs fois par jour dans conditions différentes(sur les foires, devant les stands, dans les rues des villes, en banlieue). "Marcher" Le persil était l'utilisation la plus courante de la poupée.

Pour le théâtre folklorique mobile, un écran lumineux, des poupées, des coulisses miniatures et un rideau ont été spécialement réalisés. Petrouchka a couru sur la scène, ses gestes et ses mouvements créant l'apparence d'une personne vivante.

L'effet comique des épisodes a été obtenu grâce à des techniques caractéristiques de la culture populaire du rire : bagarres, coups, obscénités, surdité imaginaire d'un partenaire, mouvements et gestes drôles, mimiques, funérailles drôles, etc.

Il existe des avis contradictoires sur les raisons de l'extraordinaire popularité du théâtre : actualité, orientation satirique et sociale, personnage comique, jeu simple et compréhensible pour toutes les couches de la population, le charme du personnage principal, l'improvisation du jeu, la liberté de choix. de matière, la langue acérée de la marionnette.

Le persil est une joie des fêtes folkloriques.

Le persil est une manifestation de l’optimisme populaire, une moquerie des pauvres envers les puissants et les riches.

Le théâtre Parsley est resté longtemps une partie du divertissement des fêtes. En tant que phénomène de masse de la culture des foires populaires, elle a cessé d'exister au début du 20e siècle.

2 . Originalité artistique et éléments expressifs des représentations du théâtre populaire "Petrushki"

2. 1 Contenu et base de l'intrigue des représentations de persil du théâtre populaire

Un joueur d'orgue arrive dans notre cour ce printemps

Il a amené les acteurs et la troupe sur son dos...

Il déplia le paravent au milieu de la cour ;

Concierges, valets de pied, blanchisseuses, cochers

Ils se pressaient autour des écrans pour regarder,

Comment Persley représentera la comédie.

L'originalité du Théâtre Petrouchki était que le spectateur ne prenait pas plaisir à rencontrer un nouveau héros et une nouvelle intrigue : le contenu de la comédie et ses personnages étaient bien connus de tous. L'attention principale n'était pas tant portée à ce qu'ils jouaient, mais à la manière dont ils jouaient. Cela a également été facilité par « l'antipsychologisme » des héros de la comédie. Les téléspectateurs de "Petrushka", dont les idéaux esthétiques et goût artistique ont été élevés principalement à partir d'œuvres folkloriques, n'exigeaient pas le développement psychologique des personnages de comédie, ils aimaient suivre ce que l'un ou l'autre ferait personnage célèbre, vous retrouvant dans cette situation. Dans ce théâtre, tous les personnages, « bien connus du public de la vie, de la vie quotidienne... entraient dans la pièce déjà pleinement formés, et ce n'était pas leur « développement » qui intéressait le spectateur, mais leur « dépassement ». », leur honte.

Petrouchka et la comédie elle-même ont parcouru un chemin intéressant et complexe, absorbant les caractéristiques étrangères et russes, traitant et maîtrisant spécialement le riche folklore spectaculaire, les genres comiques et satiriques de l'art populaire russe, les réalisations du théâtre démocratique des XVIIe et XVIIIe siècles de drame populaire.

Le casting de personnages de la comédie est assez large et varié - un soldat, un gentleman, un gitan, une mariée, un médecin, un policier, etc. Les matériaux survivants nous permettent de parler d'environ 50 personnages, bien qu'en réalité chaque marionnettiste il n'y avait pas plus de 20 à 25 poupées et toutes n'ont pas participé au spectacle.

La représentation consistait en une série de rencontres - des affrontements entre Petrouchka et différents personnages. Les scènes de la comédie sont faiblement ou pas du tout liées les unes aux autres, de sorte que l'ordre de leur placement n'était pas strictement fixé et permettait une variété de réarrangements, la perte de scènes individuelles et l'ajout de nouvelles.

A en juger par le matériel à notre disposition. La comédie pourrait comprendre les scènes suivantes :

UN)Exit le persil.

La représentation a commencé par des rires, des chants, du bruit venant de derrière l'écran, puis du persil jaillissant rapidement. Il a salué les gens rassemblés autour de son écran, a félicité tout le monde pour les vacances, a entamé une conversation sur un sujet d'actualité, a posé des questions, a plaisanté et « intimidé » le public. Caractéristique Cette scène est le monologue de sortie de Petrouchka, qui comprenait une auto-caractérisation typique de la bande dessinée folklorique et des moqueries du public.

B)Marier.

Après avoir parlé avec le public, Petrouchka s'est tourné vers le musicien et l'a informé de son intention de se marier. Le musicien a demandé à amener la mariée et a posé des questions sur la dot. La mariée est apparue, Petrouchka l'a félicitée et le musicien lui a toujours trouvé un défaut : de son point de vue, elle avait le nez retroussé, « boiteuse d'un œil », « briqueuse », etc. Petrouchka s'est mis en colère, a demandé au musicien de jouer quelque chose de drôle, a dansé avec son élue puis l'a raccompagnée « chez elle », derrière le paravent. Dans la plupart des cas, la mariée était représentée comme potelée, aux joues rouges, rondelette, habillée à la mode, tandis que les détails de la mode étaient exagérés et caricaturaux.

Souvent, la scène avec la mariée était remplie de cynisme comique et se présentait comme un intermède spécial qui, sous le nom de « Le mariage de Petrouchka », était projeté moyennant des frais supplémentaires et non pour des frais supplémentaires. large éventail spectateurs.

DANS)Acheter un cheval.

Petrouchka envisageait d'acheter un cheval. Il eut à peine le temps d'en parler au musicien qu'un gitan apparut aussitôt et lui proposa un excellent cheval : « Pas un cheval, mais un miracle : il court et tremble, mais s'il tombe, il ne se relève jamais. Dans le vent, sans collier, conduis avec deux fouets, vole comme une flèche et ne regarde pas en arrière... Il courra sur la montagne et pleurera, et il courra et sautera en bas de la montagne et restera coincé dedans la boue, alors emmène-le toi-même, c'est un excellent cheval.

Une gitane - une poupée en chemise rouge, un gilet noir, avec un fouet à la ceinture, des cheveux noirs ébouriffés et un visage taché de suie - exige un prix énorme. Après une longue négociation, Petrouchka demande une caution, mais revient avec. un bâton et bat le gitan, qui s'enfuit ou tombe tué à cause de trop de portions d'« argent de bouleau ».

Épreuve du cheval. Petrouchka examine le cheval, essaie de le monter, grimpe à reculons et tombe, ébranlé par l'achat rétif.

G)Traitement.

Persley, allongé sur le sol, gémit bruyamment, crie et appelle le médecin. Un médecin apparaît, tout de noir vêtu, avec d'immenses lunettes. Il prononce un monologue comique - auto-caractérisation :

Je suis médecin du personnel, guérisseur,

sous le pont de pierre, il y a un pharmacien.

je m'arrache les dents

J'ajoute des sangsues et des bocaux.

Je le prends sur mes pieds,

Je t'envoie avec des béquilles.

Suit ensuite un épisode de recherche d'un endroit meurtri, au cours duquel le médecin et le patient sont mutuellement en colère l'un contre l'autre : le Docteur parce que Petrouchka ne peut pas indiquer quoi et où ça fait mal, et Petrouchka parce que le médecin lui-même n'est pas capable d'identifier le point sensible. . Finalement, Petrouchka bat le médecin, lui payant ainsi la visite et lui montrant au « médecin-re-pharmacien » où le cheval a frappé.

D)Rencontre avec un étranger.

Le plus souvent, un Allemand joue le rôle d’un étranger. Petrouchka lui apprend à parler russe ou essaie de s'expliquer. en allemand, traduire des mots et des expressions étrangères selon le principe de l'étymologie populaire (traduction non par le sens, mais par un son similaire). Dans la scène avec l'Allemand, sont jouées les phrases allemandes les plus quotidiennes, les mieux connues de la population russe des classes populaires urbaines :

Était? Était-ce comme ça ? - une fois, du kvas aigre.

Donner plus humide ? - le vent souffle.

Guten Morgen? - dans le visage

Schprechen-sie Deutsch? - Ivan Andreich, Trifon Matveich, etc.

Après plusieurs tentatives infructueuses pour se comprendre, les héros se battent, Petrouchka prend le dessus, s'éloigne et tue le plus souvent l'Allemand.

Formation aux techniques du soldat. Un soldat apparaît sur scène, annonce l'ordre de mettre Petrouchka en service et commence à lui enseigner la science du soldat. Le moment central de la scène est l’épisode de l’exécution comique par Petrouchka des ordres du soldat, où le jeu sur les homonymes auditifs est également largement utilisé :

« Caporal : Voici une arme à feu pour vous. Le tenir!

Persil : je vais le garder.

Caporal : Regardez !

Persil : je cherche.

Caporal : Écoutez !

Persil : je vais le manger.

Caporal : Ne mangez pas, mais écoutez. Gardez-le droit !

Persil : Qu'est-ce que c'est ? Matriona Petrovna ?

Caporal : Pas Matryona Petrovna, mais tenez bon ! Quel genre de Matryona Petrovna aimez-vous ? Comme tu es ignorant.

Persil : Allez, je vais prendre un rouble, va le chercher... »

Lorsque Petrouchka se lasse de cette activité, il se débarrasse de son « professeur », comme toujours, avec l'aide d'un club.

E) Interrogatoire.

L'interrogatoire est effectué par un policier, un policier ou un officier après les prochaines représailles de Petrouchka contre n'importe quel personnage. Le représentant de la police veut punir Petrouchka, mais il ne se laisse pas offenser et traite à sa manière même avec un adversaire aussi dangereux. Cette scène était souvent perçue comme le point culminant de la comédie ; elle était la plus poignante et suscitait l'approbation chaleureuse du public de « Petrouchka ». Rappelons que dans le poème de A. N. Nekrasov « Qui vit bien en Russie », la comédie populaire du persil se caractérise par deux vers :

« Au résident, le rapport trimestriel

Pas dans le sourcil, mais droit dans les yeux !

C'est là, selon le poète, son principal avantage, sa force, et c'est pourquoi elle attire de nombreux participants à la foire rurale. Le poète iskriste G.N. Joulev a consacré tout un poème à « Petrouchka », dans lequel il souligne les mêmes caractéristiques et la même réaction du public :

Bravo, Petrouchka ! Mais tout s'est calmé en un instant :

Un collier rouge est apparu derrière les écrans,

Il s'approcha de Petrouchka et dit d'une voix grave :

« Pourquoi es-tu un coquin ici ? Je vais te tuer!

Petka n'est pas timide : prends le bâton, applaudis !

Des patrons sages au front de bois.

« Je n’ai pas contrarié les autorités ! Quels miracles !... »

OUI. Rovinsky, dans sa description de la représentation de Moscou avec Petrouchka, arrivant sur les lieux de l'interrogatoire mené ici par « l'officier mortel », a noté : « Un combat commence, qui se termine par la destruction et l'expulsion de l'officier mortel, pour le plaisir général du public ; cette protestation fantoche contre la police crée généralement une véritable sensation dans le public.»

ET)Service chez le maître.

Petrouchka annonce au musicien qu'il est obligé d'entrer dans le service, car il a complètement « dilapidé », ou le maître lui-même l'invite chez lui et lui fixe un salaire - « le premier mois... une livre de balle, pour le deuxième mois, un quart de sorbier pourri. Après avoir convenu du paiement, le maître envoie un nouveau serviteur pour installer le samovar. Après un certain temps, Petrouchka apparaît et rapporte que « le samovar s'est enfui ». Le maître stupide comprend cela au sens littéral et est surpris de voir comment le samovar peut fonctionner. Parfois, la femme du maître participe à cette scène, ou simplement « Mamselle Katerina », avec qui Petrouchka danse.

H)Compétition avec un blackamoor.

Très souvent, le spectacle comprenait des scènes de Petrouchka rivalisant avec un blackamoor (une poupée au visage noir vêtue d'une robe rouge) pour chanter, jouer du violon, etc., qui, selon les règles de la comédie, se terminaient par la victoire de Petrouchka. .

ET)Combats, danses.

Le spectacle de persil pouvait être interrompu par des intermèdes particuliers - des scènes de combats ou de danses. Dans ce cas, le marionnettiste a démontré sa virtuosité et son invention en exposant des poupées dans des tenues exotiques qui n'avaient rien à voir avec la comédie avec Petrouchka. Dans la pièce, représentée en 1899 dans la ville de Lyubech, province de Tchernigov, après plusieurs des aventures habituelles de Petrouchka, il y a eu une pause : « Derrière le paravent, il y a des poupées - des représentants différentes nationalités, et ils commencent tous à danser. A ce moment-là, Petrouchka chante "On the Pavement Street", assis au bord de l'écran.

À)Rencontre avec un ami.

Dans de nombreuses versions de la comédie, il y a une scène où Petrouchka rencontre un personnage qui se déclare son ami. Filimoshka essaie de se rappeler de lui-même, parle de leurs soirées communes, de leur passe-temps amusant précédent et demande à le traiter à l'occasion de la rencontre. Petrouchka fait semblant de reconnaître son ami, part boire un verre et une collation et, comme toujours, apparaît avec un bâton, traitant l'ami trouvé de coups.

L)Funérailles.

Parmi les scènes de comédie les plus courantes, citons également les « funérailles », lorsque Petrouchka ou d'autres personnages enterrent la victime avec une massue de persil. En règle générale, c'était une scène de pantomime. Un exemple frappant d'une telle scène insérée contient l'une des listes de comédies sudistes : « Deux myrtilles entrent. Ils prennent l'Allemand mort et le roulent dans une toile. Puis ils s'inclinent devant le public et partent chercher le cercueil. [...] Blueberries apportent le cercueil. Ils prennent l'allemand et commencent à mesurer. Le cercueil est court et étroit en largeur. Ils l'essaient trois fois. Ensuite, ils y réfléchissent. Ensuite, ils attrapent l'Allemand, le plient, le froissent en trois et le mettent dans un cercueil. Une des religieuses myrtilles se penche pour voir si le défunt est confortablement installé. Une autre, distraitement, ne s'en aperçoit pas, ferme le couvercle du cercueil et pince la tête de son amie. Elle hurle des obscénités, essayant de toutes ses forces de s'échapper. Lorsqu'elle y parvient enfin, elle entame une bagarre avec son amie distraite. Finalement, au son de Komarinski, le cercueil est emporté.»

Dans des cas isolés, il existe des enregistrements de scènes de la dispute de Petrouchka avec sa femme, de ses représailles contre le commerçant, du procès de Petrouchka et de quelques autres.

M)Le final.

Mérite une attention particulière scène finale"Persil". Dans l'écrasante majorité des versions existantes, le héros tombe entre les griffes d'un chien de garde, d'un bâtard, d'un diable, d'un brownie, qui l'entraînent vers le bas, mettant ainsi fin à la représentation. Apparemment, c'est précisément cette fin qui devrait être considérée comme la plus cohérente avec la nature de la comédie, où chaque scène et l'ensemble du spectacle dans son ensemble ont un début et une fin clairement définis. Par exemple, Petrouchka disparaît toujours presque derrière l'écran dès la fin de la scène suivante (d'ailleurs la main du marionnettiste se repose à ce moment-là) et réapparaît au début de la suivante, soulignant ainsi mécaniquement le cadre des scènes individuelles. En ce sens, la « vraie » fin de la comédie doit être considérée comme la mort du héros, puisque de son vivant, ses aventures peuvent se poursuivre indéfiniment. En même temps, il s'agit d'une mort joyeuse, d'un dispositif de composition purement formel, et elle est perçue ainsi, sans aucun regret ni perplexité face à la mort si injustifiée du héros bien-aimé, d'autant plus que Petrouchka « ressuscite » au début de la prochaine représentation. C’est exactement ce dont parle la dernière remarque de la citation d’A.Ya. Alekseev-Yakovlev décrit le spectacle de Saint-Pétersbourg : « Mais ici, le musicien a lancé contre Petrouchka un chien de garde maléfique et féroce, qui l'a attrapé par le nez et l'a traîné derrière le paravent.

Oh, musicien, s'il te plaît, intercède, - Petrouchka a crié nasillardement - Au revoir, les gars ! Adieu, brave vie !... Oooh-ooh-ooh !... Ma petite tête audacieuse a disparu, emportée avec le bonnet et la brosse !... Mon respect !... Jusqu'à la prochaine représentation !... »

Les versions individuelles dépourvues d'une telle scène sont généralement des enregistrements incomplets ou défectueux. Dans le même temps, on peut supposer qu'au siècle dernier, la comédie a connu une autre fin: le triomphe de Persil. C'est ce que voulait dire M. Gorki lorsque, dans son discours au premier congrès de l'Union écrivains soviétiques Parmi d’autres héros populaires, il a nommé Petrouchka, qui bat « le médecin, le prêtre, le policier, le diable et même la mort ». Les propos de M. Gorki sont confirmés par la liste de la comédie de Novgorod, où Petrouchka bat le policier avec le diable, les tue tous les deux et les traîne à la décharge. De plus, il y a une description des représentations moscovites des années 70 du siècle dernier, il est dit que Petrouchka, après s'être occupé de ses ennemis (médecin, gitan, gendarme, policier), « les a tous mis sur ses épaules et s'est caché derrière un paravent. , en chantant."

Toutes les scènes répertoriées n'étaient pas présentes dans chaque représentation. Analyse comparative les textes et les descriptions permettent de dire qu'il y avait des scènes principales et obligatoires qui formaient le noyau de la comédie, son noyau, et des scènes secondaires individuelles. Les premiers (à venir, notons-le, dans un certain ordre) comprennent : la sortie de Petrouchka, la scène avec la mariée, l'achat d'un cheval et le monter sans succès, le traitement de Petrouchka, lui enseigner la science militaire, l'interrogation et les relations avec un policier, et aussi scène finale. La présence de deux scènes, leur ordre et leur nombre étaient déterminés par diverses circonstances, telles que le talent du marionnettiste, sa richesse (combien de marionnettes et d'assistants il avait à sa disposition), tradition locale, conditions d'exécution.

Tout ce qui a été dit sur le Théâtre Petrouchki reflète, en fait, l'étape où la comédie s'est formée, a développé un schéma de présentation stable, des images de base, des critères et des lieux communs. Sur cette base générale, des versions locales et individuelles ont été créées, à partir de là, les marionnettistes ont improvisé, élargi ou contracté, se sont contentés de simples moqueries ou, au contraire, ont rempli leurs performances d'un contenu d'actualité.

Cet état a été précédé d'une période assez longue de développement de la comédie, et nous nous y attarderons sur quelques moments.

Ce type de spectacle, connu plus tard sous le nom de Théâtre Petrouchki, s'est formé parmi l'abondance de spectacles de marionnettes dans les villes russes du début du XIXe à la fin du XVIIIe siècle. Le théâtre de marionnettes domestique qui existait à cette époque se composait principalement de scènes distinctes et sans rapport entre elles. Peu à peu, une tendance à la cyclisation apparaît, à unir des scènes jusqu'alors disparates autour d'un héros qui trompe, trompe, punit et ridiculise ceux qui, dans leur vie, n'ont pas bénéficié de la sympathie d'un simple spectateur de spectacles de marionnettes folkloriques. À cet égard, il y a aussi une transition de la pantomime aux scènes conversationnelles. La préférence est donnée aux scènes où les poupées « elles-mêmes » mènent une conversation pleine de remarques lumineuses, pointues et imaginatives.

En conséquence, dans la seconde quart du XIX V. Sur la base du théâtre de marionnettes traditionnel de tous les jours, sont apparues les premières versions de la future comédie avec Petrouchka, dont le héros a facilement absorbé et adapté les scènes des spectacles de marionnettes folkloriques qui existaient avant lui.

En 1844, le gardien de l'école paroissiale V.F. Zolotarenko écrit dans son journal un article très précieux sur sa visite à une comédie de marionnettes lors de la foire d'automne d'Ekaterinodar. L'entrée reflète un moment de transition dans le développement de ce type de théâtre : « J'étais dans une comédie de marionnettes. Ici, je vis maintenant un cercle de violonistes, de basse, de tambourin et de cymbales. Les paravents sont fabriqués à partir de papier peint, avec un trou sur le dessus. Une musique farfelue a commencé à jouer et deux poupées mâles et femelles négligées ont commencé à danser, mais, bien sûr, aucune jambe n'était visible. Un couple était suivi d'un autre, dans un costume complètement différent, et ainsi de suite. A la fin de la danse, ils s'embrasseront. Finalement, un géant négligé et au gros nez apparut ; il tua d'abord le soldat, puis le médecin et enfin le diable lui-même. Il était tapageur jusqu'à ce qu'un chien blanc l'attrape par le nez et l'entraîne dans les coulisses. Puis ils ont annoncé : c’est fini.

Il est facile de remarquer que la seconde moitié du spectacle est proche du classique « Petrouchka » du XIXe siècle, et la première, comme nous le verrons plus tard, s'apparente à la partie profane des représentations dans un autre type de théâtre de marionnettes. - la crèche. La combinaison de deux traditions s'est également reflétée dans l'interprétation de l'image du « géant au nez » : le marionnettiste d'Ekaterinodar a fait de lui le vainqueur du diable (à l'instar de Zaporozhets - le héros de la crèche ukrainienne), mais la victime d'un chien (comme dans la comédie russe avec Petrouchka).

2.2 Éléments artistiques et expressifs de l'image de « Petrouchka »

La voix haute et rauque de ce héros se faisait entendre dans toutes les foires, lors des fêtes folkloriques traditionnelles et lors des fêtes des temples. À Saint-Pétersbourg, par exemple, sur la place Admiralteyskaya pendant les festivités de Maslenitsa et de Pâques, plusieurs joueurs de persil se produisaient simultanément, chacun interprétant une comédie 8 à 10 fois par jour, et une foule de personnes se rassemblait toujours autour de l'écran.

Habituellement, deux personnes accompagnaient « Petrouchka » : un marionnettiste et un musicien. La propriété du théâtre se composait d'un paravent léger, d'une loge contenant 7 à 20 poupées et d'un orgue de Barbarie. Toutes les poupées étaient faites de gants, avec des têtes en bois ou en papier mâché, à l'exception du cheval, qui était découpé dans du carton ou du contreplaqué.

Ils ont essayé de donner des traits typiques à l'apparence des personnages de la comédie afin qu'il soit facile de « reconnaître » le héros - son statut social, nationalité, profession, etc. De telles exigences n'étaient pas adressées à Petrouchka ; il n'avait pas de prototype dans la vie réelle, mais faisait partie d'une famille de bouffons du folklore qui possédaient (dans l'intervalle) tradition européenne) caractéristiques générales obligatoires de l'apparence : un nez énorme, une bosse ou deux bosses - devant et derrière, un menton saillant, une casquette stupide sur la tête, etc. Petrouchka était vêtu d'une chemise rouge ou d'un caftan rouge, son pantalon rentré dans des bottes en cuir verni. Parfois il était habillé à la manière d'un arlequin (vêtements faits de chutes colorées) ou d'un clown (collier à clochettes, etc.).

La voix de Petrouchka se distinguait par un timbre et une hauteur spéciaux ; pour cela, lorsqu'ils parlaient pour lui, les marionnettistes utilisaient un appareil spécial - un locuteur, un couineur. Comme l'a rapporté l'un des correspondants P.N. Tikhanov, il s'agit « d'un petit projectile constitué de deux plaques d'os, à l'intérieur desquelles est renforcée une étroite bande de mince ruban de lin ». Selon un collectionneur de la province de Volyn, « la voix grinçante particulière de Petrouchka est produite à l'aide d'un « causeur », que le propriétaire du théâtre, prononçant les rôles d'autres poupées, déplace rapidement sur le côté, derrière sa joue ; la vitesse de déplacement du « parler » de la langue à la joue et au dos est remarquable et s’obtient grâce à une longue pratique.

Le Théâtre Petrouchki ne connaissait pas le décor. Parmi les accessoires, le principal et souvent le seul était le bâton avec lequel Petrouchka battait ses ennemis. Pour créer des effets sonores, une matraque à cliquet spéciale a été utilisée. Le bâton servait également de substitut à certains objets mentionnés lors de l'action : il imitait un fusil, un violon, un fusil, etc.

Seules deux poupées pouvaient être présentes sur la scène du persil en même temps (une à chaque main du marionnettiste). A côté de l'écran, sur le côté, il y avait un musicien avec un orgue de Barbarie.

Un des plus composants importants les performances de "Petrushka" sont le mouvement des marionnettes. « Leur beauté est dans le mouvement, le sens de leur existence est dans le jeu. Il n’y a rien à voir sur la photo du persil », a écrit N.Ya. Simonovitch-Efimova dans livre célèbre"Notes d'une plante de persil." C'est juste, car la marionnette - la base du spectacle - n'est perçue que lorsqu'elle « prend vie » sur scène, c'est-à-dire bouge, gesticule. Les marionnettistes populaires le savaient. Parfois, il peut sembler que de nombreux gestes des poupées étaient inutiles ; n'ont aucun sens, mais les fabricants de persil croyaient que sans cela, la poupée cesserait de vivre et qu'au lieu d'être « une créature faite de viande et de sang, avec un cœur, une âme, un esprit et un caractère », comme on le voyait sur l'écran du célèbre persil. I.A. Zaitsev, le spectateur ne trouvera devant lui que « un chiffon avec une tête en bois peinte ». Cette règle était strictement suivie par tous les marionnettistes, en particulier en ce qui concerne Petrouchka, « dont la figure amusante » brillait toujours avec fureur sur la « barre » au-dessus de l'écran mobile maladroit et bigarré ». Même en prononçant son monologue de sortie, Petrouchka n'arrêtait pas de bouger et de gesticuler. Environ 40 mots célèbres - c'est le discours de Petrouchka lorsqu'il entre à l'écran dans le spectacle de Maykop, et il est accompagné de nombreux mouvements : le héros s'incline devant le public, se frappe au front, s'assoit sur la barrière, frappe dessus avec sa main, et interrompt en même temps ses paroles par des rires et des chants, qui étaient aussi, naturellement, accompagnés de divers mouvements du corps et couraient le long du lit du jardin.

La comédie s'est enrichie de nouveaux personnages, est devenue plus pertinente et socialement riche. Et là où la protestation est contre divers représentants le pouvoir, contre les oppresseurs ou les ordres existants, a acquis une plus grande force.

Persley, dans toutes ses actions, est un porte-parole de la protestation. Sa gaieté inépuisable et son esprit saisissant en faisaient un favori des larges masses, et la comédie qui le concernait était la plus populaire de toutes les anciennes comédies populaires.

Les bagarres et les meurtres ne suscitent pas un instant la censure du public. D'ailleurs, tous les enregistrements de cette comédie qui nous sont parvenus se terminent par le paiement cruel de Petrouchka pour ses crimes. Et pourtant, le « châtiment céleste » qui s’abat sur lui n’enlève rien à l’optimisme et à la force de protestation qui imprègnent la pièce dans son ensemble.

La comédie sur Petrouchka a été créée et diffusée, apparemment, dans les cercles urbains, cantonaux et suburbains. En témoignent les scènes de la taverne, l'image de l'ami de Petrouchka - un jeune artisan venu en ville pour gagner de l'argent, le chagrin de la mère de Petrouchka face au fait que son fils épousait une fille de la ville, alors qu'il aurait pu choisi une épouse dans le village. Petrouchka est resté le personnage principal d'un certain nombre de nouvelles pièces et a subi des changements importants dans son caractère et son apparence.

Actuellement, les spectacles impliquant du persil sont rares, mais le système de marionnettes, collectivement appelés « persil » ou marionnettes à main, est largement utilisé dans le théâtre de marionnettes.

Il suffit d'ajouter que « Petrouchka » en tant que phénomène de masse de la culture du divertissement populaire n'a pas cessé d'exister au début du 20e siècle. Avec tous ses avantages et ses inconvénients, le Théâtre Petrouchki occupait une place très importante dans le cercle du divertissement populaire et a eu une grande influence sur les premiers pas du théâtre de marionnettes professionnel.

Conclusion

Si nous parlons de l'actualité du théâtre Petrouchki, de sa pertinence sociale, il faut noter que leur degré peut être différent même pour le même marionnettiste, changeant de scène en scène, de représentation en représentation. L'effet comique a été obtenu dans la plupart des cas à l'aide de techniques caractéristiques de la culture populaire du rire, sur laquelle M.M. Bakhtine. Ce sont des bagarres sans fin, des coups, toutes sortes d'obscénités, des combinaisons de mots spirituelles et illogiques, mettant en scène la surdité imaginaire du partenaire, etc. Le marionnettiste pouvait donner à chaque épisode la nuance dont il avait besoin du moment, placer les accents nécessaires, concentrer l'attention sur certaines scènes et en supprimer et adoucir d'autres. Par exemple, si une comédie était mise en scène dans une seule compagnie (principalement des officiers), alors le centre de gravité tombait sur les mouvements des personnages, colorés d'une sorte de comédie. Ici, un intermède spécial a été joué, intitulé « Le mariage de Petrouchka », dont D.A. Rovinsky : « Il n'y a pas d'intrigue, mais il y a beaucoup d'action. Petrouchka amène son épouse Varyusha : il l'examine comme un cheval. Petrouchka aimait beaucoup Varyushka, et il ne supporte pas d'attendre le mariage, c'est pourquoi il commence à la supplier : « Sacrifie-toi, Varyushka ! Puis arrive la scène finale, dans laquelle le beau sexe ne peut pas être présent. Si le spectacle a été joué devant « son frère », des spectateurs ordinaires (paysans, pauvres des villes), alors le point culminant a été l'interrogatoire de Petrouchka, qui a surpassé toutes les scènes de comédie en termes de pouvoir d'impact social et émotionnel sur le public. . Les représailles de Petrouchka contre le policier ont particulièrement attiré les téléspectateurs réguliers et ont été très appréciées par certaines personnes révolutionnaires ou démocratiques. Rappelons-nous : dans le poème « Qui vit bien en Russie » la comédie se caractérise par deux vers :

« Au résident, le rapport trimestriel

Pas dans le sourcil, mais droit dans les yeux !

C'est, selon Nekrasov, son principal avantage, sa force, et c'est pourquoi elle attire une foule de gens lors d'une foire rurale.

M. Gorki, caractérisant l'image de Petrouchka, a écrit «... une figure a été créée, également connue de toutes les nations : en Italie c'est Pulcinello, en Angleterre c'est Ponch, en Turquie c'est Karapet, et dans notre pays c'est Petrouchka.

M. Gorki l'a mis sur un pied d'égalité avec ce qu'il disait être les types de héros les plus profonds, les plus brillants et les plus artistiquement parfaits créés par le folklore, tels qu'Hercule, Prométhée, Mikula Selyaninovich, Sviatogor, Faust, Vasilisa le Sage, Ivan le Fou. Les représentations comiques ressemblaient toujours à une fête. Autour du paravent sur lequel Petrouchka se déchaînait, il y avait foule et très animé.

Le persil est héros invincible comédie populaire de marionnettes, il bat tout et tout le monde, et il reste lui-même immortel. Dans cette image profonde et naïve, les travailleurs incarnaient eux-mêmes et leur conviction qu’ils finiraient par vaincre tout et tout le monde. Entre les mains de vrais maîtres de leur métier, les chiffonniers « pouvaient » même changer leur expression faciale en raison d'une inclinaison ou d'un tour à peine perceptible de la tête de la poupée, au cours de laquelle les sourcils et la bouche étaient formés différemment, les yeux en bouton peints ou en verre étaient illuminée - la poupée riait, était triste, perplexe, en colère, etc. Les marionnettistes soviétiques professionnels ont ensuite établi que l'expression du visage de la poupée devait être neutre, mais dans ce cas, elle pouvait la modifier en fonction de la nature du mouvement. La tête du peuple Persil n'a pas été confectionnée selon ces règles, malgré elles. Dans le même temps, le héros de la comédie n'était parfois pas perçu au moment de la pièce comme créé à partir de matériau inanimé, car il avait des expressions faciales ; Le secret de sa vitalité réside dans son mouvement continu tout au long de la représentation.

À l'acteur le plus âgé Théâtre soviétique poupées E.V. Enfant, Speransky a dû voir plus d'une fois la populaire « Petrouchka » et voici ce qu'il écrit à son sujet : Piotr Petrovich Uksusov est une « créature » taillée, semble-t-il, contrairement à toutes les lois de notre art : nous sommes maintenant il a peur de l'expression trop précise d'un masque de poupée, mais il rit ouvertement et hardiment ; nous évitons les détails naturalistes et des yeux soigneusement dessinés vous regardent. Il est conçu pour des montées et des descentes rapides, pour des virages instantanés, des coups de foudre. Ses pauses scéniques étaient mesurées en fractions de secondes ; lui, comme un photon, une particule de lumière, était privé de « masse de repos » - c'est pourquoi il avait le droit de porter son sourire impudent et plein de dents tout au long de la représentation : ce n'était pas le cas. avoir le temps de se figer, de se transformer en grimace. Le rôle du mouvement est important dans des spectacles comme la comédie sur Petrouchka également parce que le public n'est pas tant attiré par l'intrigue elle-même, bien connue à l'avance, que par l'incarnation vivante qui la joue sur scène. Il s'agit d'une manifestation typique du caractère folklorique du théâtre Petrouchki et il a été conçu pour des spectateurs dont les idéaux esthétiques et le goût artistique ont été formés et élevés principalement sur les traditions folkloriques. Ce qui était exigé du spectacle n'était pas le développement psychologique des héros, ni la révélation des motifs de leurs actions, mais les actions elles-mêmes, des actions visant principalement à surmonter les obstacles et à faire honte à leurs ennemis. "Toute la comédie est remplie de coups de poing et de pied", a noté D.A. Rovinsky - ils constituent la partie la plus importante et la plus ridicule du public. Les combats se déroulaient toujours avec du bruit et des exclamations. Non seulement les capacités vocales des marionnettistes ont été utilisées, mais aussi le bâton à cliquet avec lequel Petrouchka battait sa victime, ainsi que le choc des têtes en bois des poupées sur le bord de l'écran. Le public a particulièrement apprécié ce dernier, car il montrait « visuellement » la force du coup et l'intensité du combat.

La pantomime occupait une place de choix dans le théâtre Petrouchki. Ce sont des funérailles, des combats, des danses, des apparitions divertissantes de poupées « d'extérieur ».

Malgré l'éclat et la comédie extrême des épisodes pantomimiques de la comédie, ils n'en constituent pas la base. Le Théâtre Petrouchki est un type de théâtre populaire qui était non seulement regardé, mais aussi écouté, de sorte que la plupart des scènes comprenaient à la fois du mouvement et des conversations dans des proportions variables. Dans les épisodes de marchandage (la scène de l'achat d'un cheval), le traitement, le ridicule de l'exercice militaire, la parole et le geste sont, en règle générale, équivalents ; ils se complètent, combinant perception visuelle et auditive.

Les chants et les danses faisaient partie intégrante de la plupart des représentations au Théâtre Petrouchki. Les héros de la comédie ont interprété des chansons lyriques, des chansons de danse, des distiques du type chansonnette, romances cruelles, Chansons origine littéraire. Ils ont dansé le russe, la Komarinskaya, le trepaka, la « dame », la polka, la valse, etc. Les expositions musicales ont joué un rôle important dans la comédie. Les danses et les chants, les mélodies de vielle n'étaient pas seulement le cadre musical du spectacle, ils étaient conçus pour mettre le public dans une ambiance joyeuse et festive, pour créer des effet comiqueà travers un rapport contrasté entre mélodie et action, caractériser les personnages, les diversifier, c'est-à-dire, avec d'autres techniques poétiques et scéniques, faire du spectacle un spectacle vivant et vibrant.

Le marionnettiste était libre de choisir le répertoire, de le répartir entre les personnages et d'enrichir le spectacle d'inserts musicaux. Tout d’abord, cela dépendait du talent, du goût, de la capacité de chanter et de la connaissance des chants et des danses de l’homme au persil, de sa capacité à « sentir » le public. Cependant, il existait encore certaines restrictions et certaines tendances. Tout d’abord, des chansons et des mélodies populaires dans cet environnement ont été sélectionnées. Cela n’a pas été fait uniquement parce que les spectacles étaient conçus pour le public le plus large et le plus populaire. Une autre chose n'est pas moins importante. En raison de leur spécificité, les spectacles de marionnettes folkloriques ne peuvent pas durer longtemps et nécessitent des changements d'épisodes fréquents et une action rapide. Par conséquent, en règle générale, les héros d'un tel spectacle ne chantent pas de chansons entières et ne dansent pas pendant longtemps, sinon cela perturberait le tempo et affecterait certainement la qualité du spectacle. Le couplet, les premières lignes de la chanson sont interprétés, les premières mesures de la mélodie sont jouées, chantées ou sifflées, et comme des œuvres connues sont utilisées, le public lui-même restitue instantanément l'ensemble et se met dans l'ambiance du moment. . De plus, une chanson et un insert musical créent souvent un effet comique en parodiant une œuvre, et le degré de comédie dépend en grande partie de la popularité de la chose parodiée. Souvent, les rires du public accompagnent l’interprétation d’une chanson car son contenu contraste fortement avec les actions des héros. Pétrouchka grimpe avec difficulté sur le cheval, s'assoit en arrière, attrape comiquement la queue ou la crinière pour ne pas tomber et se met à chanter une chanson fringante de cocher : « J'attelerai trois lévriers de chevaux brun foncé ». Non moins contrastées, d'où les vers de la romance "Ne pars pas, ma chérie, Ne quitte pas tes chers champs...", interprétée par Petrouchka immédiatement après avoir battu et chassé le blackamoor avec un bâton, ne sonne pas moins. drôle.

Une chanson peut également servir de description de soi à un personnage. Ainsi, un homme ivre apparaît au-dessus des écrans en chantant « Oh, tard dans la soirée, un brave type s'est promené dans les champs » ; l'ami Filimoshka chante généralement des chansons qui, d'une manière ou d'une autre, touchent au thème de la taverne, comme

"La brise souffle

De la taverne à la cave.

Marchez et marchez" ;

Le gitan chante ces chansons qui parlent soit des gitans, soit des chevaux, etc.

La structure d'une représentation théâtrale est également déterminée par la relation entre spectateurs et acteurs. L'orientation vers le public a existé et existe dans tous les types d'art théâtral, à des degrés divers bien sûr et avec des qualités différentes.

THÉÂTRE POPULAIRE- Théâtre créé directement par le peuple lui-même, existant parmi les larges masses sous des formes organiquement liées à l'art populaire oral. En cours d'histoire développement des arts. la culture du peuple est le principe fondamental qui donne naissance à toute l'histoire ultérieure du prof. théâtre. revendication-va, est adv. théâtre. création.

Le théâtre folklorique est la créativité dramatique traditionnelle du peuple. Les types de divertissements folkloriques et de culture ludique sont variés : rituels, danses en rond, mummers, clowneries, etc. Dans l'histoire du théâtre populaire, il est d'usage de considérer les étapes pré-théâtrales et majestueuses du théâtre folklorique. créativité dramatique. Les formes pré-théâtrales incluent des éléments théâtraux dans le calendrier et rituels familiaux. Dans les rituels du calendrier, il y a des figures symboliques de Maslenitsa, Sirène, Kupala, Yarila, Kostroma, etc., jouant des scènes avec elles, s'habillant. La magie agricole jouait un rôle de premier plan, avec des actes magiques et des chants destinés à favoriser le bien-être de la famille. Par exemple, pour la période hivernale de Noël, ils tiraient une charrue autour du village, "semaient" du grain dans la hutte, etc. Avec la perte de sens magique, le rituel s'est transformé en plaisir. La cérémonie de mariage représentait également ; jeu théâtral : l'ordre des « rôles », l'enchaînement des « scènes », la transformation des interprètes de chants et de lamentations en protagonistes du rituel (la mariée, sa mère). Complexe jeu psychologique il y avait un changement dans l'état intérieur de la mariée, qui dans la maison de ses parents devait pleurer et se lamenter, et dans la maison de son mari signifiait bonheur et contentement. Cependant, la cérémonie de mariage n’a pas été perçue par la population comme une représentation théâtrale. Dans le calendrier et les rituels familiaux, les mamans participaient à de nombreuses scènes. Ils se déguisaient en vieil homme, en vieille femme, en homme habillé en Vêtements pour femmes, et la femme - en tant qu'homme, déguisé en animaux, surtout souvent en ours et en chèvre. Les costumes des momies, leurs masques, leur maquillage, ainsi que les scènes qu'elles représentaient se transmettaient de génération en génération. À Noël, à Maslenitsa et à Pâques, les mamans ont interprété des scènes humoristiques et satiriques. Certains d’entre eux ont ensuite fusionné avec des drames populaires.

Balagan- un bâtiment provisoire en bois destiné aux représentations théâtrales et de cirque, largement répandu lors des foires et des festivals folkloriques. Souvent aussi un bâtiment d'éclairage temporaire pour le commerce lors de foires, pour accueillir les travailleurs dans heure d'été. Au sens figuré - actions, phénomènes similaires à un spectacle de farce (bouffon, grossier). Les Balagans sont connus depuis le XVIIIe siècle.

crèche- un théâtre de marionnettes folklorique, qui est une caisse en bois à deux étages ressemblant à une scène. Le théâtre de la Nativité est entré en Russie à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle, de la Pologne à l'Ukraine et à la Biélorussie. Le nom est associé à la représentation originale de scènes sur la vie de Jésus-Christ dans la grotte où il était caché au roi Hérode.

Chez les Ukrainiens, les Biélorusses et les Russes, le spectacle était divisé en deux parties : religieuse et quotidienne. Au fil du temps, la partie religieuse s'est rétrécie et a acquis une saveur locale, tandis que le répertoire s'est élargi et que la crèche s'est transformée en théâtre populaire.

Contrairement au « Théâtre Parsley », les marionnettes sont contrôlées par le bas

Théâtre de la crècheétait une grande boîte avec une scène à l'intérieur, généralement à deux niveaux. Sur la scène supérieure, ils ont montré le culte du nouveau-né Jésus, sur la scène inférieure - des épisodes avec Hérode, après la mort duquel a suivi la partie quotidienne du spectacle. Les poupées en bois étaient attachées par le bas à un fil, à l'aide duquel le créateur de crèches les déplaçait le long des fentes du sol. La décoration principale de la scène est une crèche avec un bébé. Sur le mur du fond se trouvaient les figures du juste Joseph avec une longue barbe et de la sainte Vierge Marie. Les scènes de la naissance du Christ étaient traditionnellement jouées au niveau supérieur. Le propriétaire de la crèche prononçait généralement lui-même le texte à différentes voix et conduisait des poupées. Les enfants de la chorale ont chanté des chants de Noël. Et si un musicien était présent, il accompagnait les chants et les danses avec de la musique. Les marionnettistes, les musiciens et la chorale qui les accompagnaient se promenaient de maison en maison ou organisaient des spectacles dans des lieux de rassemblement publics, dans des zones commerçantes.

En fait, il s'agissait d'une boîte à deux niveaux, de 1 x 1,5 m, avec des poupées se déplaçant sur les niveaux.

Théâtre Petrouchka- Le paravent à persil était constitué de trois cadres, fixés avec des agrafes et recouverts de chintz. Il était posé directement sur le sol et cachait le marionnettiste. L'orgue de Barbarie a rassemblé les spectateurs et derrière l'écran, l'acteur a commencé à communiquer avec le public à travers un sifflet. Plus tard, avec des rires et des reprises, il sortit lui-même en courant, avec un bonnet rouge et un long nez. Le joueur d'orgue devenait parfois le partenaire de Petrouchka : à cause du grincement, la parole n'était pas toujours intelligible, et il répétait les phrases de Petrouchka et menait un dialogue. La comédie avec Petrouchka s'est jouée dans les foires et les stands.

En Russie, seuls les hommes « conduisaient » Petrouchka. Pour rendre la voix plus forte et plus grinçante (cela était nécessaire à la fois pour l'audibilité lors des représentations équitables et pour le caractère particulier du personnage), ils ont utilisé un grincement spécial inséré dans le larynx. Le discours de Petrouchka devait être « perçant » et très rapide.

Contrairement à la crèche, le paravent n'est pas une boîte, mais une fenêtre avec des « rideaux ». Et la personne qui contrôlait la marionnette dans le théâtre Petrouchka pouvait apparaître elle-même au public et parler avec sa propre marionnette.

Rayok- un théâtre folklorique constitué d'une petite boîte avec deux loupes devant. À l'intérieur, des images sont réorganisées ou une bande de papier avec des images locales de différentes villes, de personnages et d'événements formidables est rembobinée d'une patinoire à l'autre. Raeshnik déplace les images et raconte des dictons et des blagues pour chaque nouvelle intrigue.

La plus haute manifestation du théâtre populaire est drame populaire. Les premiers drames populaires ont été créés aux XVIe et XVIIe siècles. Leur formation est passée de formes simples à des formes plus complexes. Les drames populaires les plus célèbres et les plus répandus étaient « Le Bateau » et « Le Tsar Maximilien ». Des drames satiriques populaires et quotidiens ont également été joués ("Le Maître", "Le Maître imaginaire", "Mavrukh", "Pakhomushka", etc.), à côté des jeux de Noël et de Maslenitsa. Ils sont basés sur des scènes dramatiques interprétées par des momies.

Certains drames populaires étaient de nature historique. L’un d’eux est « Comment les Français ont pris Moscou ».

Le théâtre folklorique est un ensemble de phénomènes théâtraux du folklore, le spectacle drames folkloriques artistes folkloriques, spectacles de marionnettes et célestes, phrases de grands-pères farfelus.

Types et genres :

Il comprend des représentations de bouffons, le théâtre de marionnettes de Persil, des stands, du raek, une crèche et, enfin, du théâtre populaire.

Les premiers acteurs de Rus' sont considérés comme des bouffons. On les appelait souvent des divertissements parce qu'ils divertissaient les gens avec leurs blagues et leurs scènes satiriques amusantes. Les premières mentions de bouffons se trouvent dans le Conte des années passées.

Les bouffons exprimaient les pensées et les sentiments du peuple, ridiculisaient les boyards et les prêtres et glorifiaient la force et les prouesses des héros, défenseurs de la terre russe.

Les autorités les traitèrent de rebelles ; en 1648, un arrêté royal fut publié interdisant la bouffonnerie.
Théâtres de marionnettes. Les premières représentations ont été mises en scène par des bouffons-marionnettistes. Personnage principal- Petrouchka espiègle et joyeuse. Dans les comédies sur P. il y avait 2 héros selon le nombre de mains du marionnettiste ; par exemple P. et le médecin, le policier, etc. P. exerce toujours la justice et les représailles contre les forces hostiles.

La crèche était particulièrement répandue dans les régions du sud de la Russie. V. est une boîte en bois portable spéciale dans laquelle des poupées en bois ou d'autres matériaux peuvent se déplacer.

2 étages. Au dernier étage, ils jouaient habituellement histoires bibliques, en bas - les quotidiens, le plus souvent comiques. À l'aide de poupées représentant divers personnages bibliques, des scènes de la Nativité de Jésus-Christ ont été jouées, qui, selon l'Évangile, se sont déroulées dans une grotte de la ruelle. crèche Pièce de théâtre populaire, le roi Hérode.

Rayok est une petite boîte avec deux loupes devant, à l'intérieur de laquelle une bande avec des images de différentes villes, de personnages et d'événements formidables est rembobinée d'une patinoire à l'autre.

Associé au développement du commerce en Russie, à la croissance des villes et à la popularité des foires russes. Raeshnik a non seulement montré des images, mais il les a également commentées, parlant des événements qui y sont représentés, critiquant parfois les autorités et ordre établi, en un mot, a abordé des questions urgentes.

Vitrine. Ils ont été construits directement sur la place à partir de planches et de toiles. A l'intérieur il y avait une scène, un rideau et des bancs pour les spectateurs.

La troupe du spectacle était généralement composée d'acteurs itinérants. Ils donnaient plusieurs représentations par jour. Il s'agissait principalement de tours et de clowneries. Des chanteurs, des danseurs et des gens tout simplement étranges se sont produits ici.
Des drames populaires étaient mis en scène pendant les vacances dans les villages et les villes. Il s'agissait de représentations originales sur des thèmes et des intrigues historiques, quotidiens et religieux. On les jouait généralement dans une cabane, dans des granges spacieuses ou en plein air. Bateau, Tsar Maximilien.

Parallèlement au théâtre populaire russe, il y avait des spectacles de forme similaire, organisés les jours fériés à l'église. Églises orthodoxes. On les appelait des actions liturgiques. Marcher sur un âne ou le Flower Blossom Act a été joué au printemps le dimanche des Rameaux.

Introduction

J'ai choisi ce sujet parce que je voulais en savoir plus sur le folklore russe, ses caractéristiques festives et ses coutumes. Ce thème permet de révéler les moyens expressifs de la plupart des spectacles folkloriques, des fêtes et du théâtre folklorique en général.

Le folklore est la créativité de tout peuple, qui se transmet de génération en génération. caractéristique principale- c'est l'absence d'un auteur célèbre.

Le théâtre (du grec - je regarde, je vois) est une forme d'art ; le lieu où se déroule l'action ; le spectacle lui-même, la scène ou la scène ; un ensemble d'œuvres dramatiques.

Originalité artistique du théâtre populaire

Le théâtre russe est né dans l’Antiquité. Le sol de l'apparition de ses éléments initiaux était l'activité de production de nos lointains ancêtres slaves. De nombreux rituels, actions rituelles et fêtes folkloriques ont joué un rôle majeur dans les éléments du développement du théâtre en un système complexe de créativité dramatique populaire.

Après avoir parcouru des siècles de développement indépendant, le théâtre populaire russe a eu une énorme influence sur le théâtre professionnel. On peut dire que sans prendre en compte l'expérience du théâtre populaire, sans s'appuyer sur elle comme base solide, le théâtre professionnel russe ne serait pas en mesure de période historique de votre existence pour atteindre les sommets du monde. Cela seul nous oblige à accorder une grande attention au théâtre populaire russe et rend nécessaire son étude.

Des éléments de compréhension artistique sont apparus à l’époque du système communal primitif. L’art de cette époque lointaine était « directement lié à l’activité matérielle et à la communication matérielle des gens ».

La place principale dans l'art de l'homme primitif était occupée par la bête - le sujet de la chasse, dont dépendait en grande partie toute vie. Dans les rituels précédant le début d'une chasse ou après sa réussite, il y avait également des éléments dramatiques qui reproduisaient des éléments de la chasse. Peut-être même à cette époque, un ou plusieurs participants étaient vêtus de peaux et représentaient des animaux, d'autres étaient des « chasseurs ».

Avec le développement de l'agriculture, des actions similaires apparaissent qui reproduisent la plantation, la récolte et la transformation de plantes utiles. De telles actions ont duré plusieurs siècles. Certains d'entre eux, sous forme de danses en rond ou de jeux d'enfants, ont survécu jusqu'à nos jours.

Chaque nation a son propre art ; ce sont des légendes, des épopées, des chants, des danses, l'art des dentellières, des tricoteurs, des sculpteurs sur bois, des ciseleurs de métaux, et l'art du tissage de produits à partir d'écorce de bouleau, de brindilles, et l'art des potiers et du tissage.

De nombreux types d’art populaire ont donné naissance à l’artisanat populaire dans les temps anciens. Il existe de nombreux endroits en Russie où l'artisanat artistique est né et vit encore. Qui ne connaît pas la célèbre peinture sur les plats de Gjel, les plateaux Zhostovo, les jouets Vyatka, les boîtes Palekh et X Ô Luya, les louches en bois de Khokhloma, Gorodets peignant sur les planches ?! Qu'en est-il de l'émail de Rostov ? Et la broderie Vladimir ? Et la dentelle de Vologda ? Et bien que tous les métiers populaires n'aient pas survécu au fil du temps, les centres de nombreux arts populaires sont néanmoins toujours vivants et il existe encore en Russie de brillants maîtres, grâce à l'art desquels tradition ancienne arts et métiers populaires.

Cependant, tout l’art populaire ne doit pas être qualifié de folklore. Recherche dernières décennies a conduit à une compréhension du folklore comme un art populaire oral, exprimé sous des formes verbales, musicales, chorégraphiques et dramatiques. Cela signifie que le folklore comprend les épopées, les contes populaires, chansons folkloriques(jeux, rituels, etc.), l'art des bouffons, les scènes de farces populaires. Rituels, rituels, jeux et divertissements folkloriques, fêtes folkloriques - tout cela est aussi du folklore. Mais artisanat populaire et l'artisanat n'appartiennent pas au folklore, bien qu'ils représentent art folklorique, existant réellement dans la vie des gens.

Le folklore se caractérise par la bifonctionnalité et le syncrétisme. Ces propriétés le rapprochent de l’art primitif. Le folklore, comme art primitif, syncrétique : dans son origine et son existence, il n'y avait pas de division en types d'art. Les épopées étaient racontées par des conteurs accompagnés du gusli ; les chansons étaient souvent accompagnées de danses et contenaient des éléments de jeu dramatiques ; et l'art des bouffons combinait souvent le théâtre, le chant, la danse, la jonglerie et les acrobaties.

La bifonctionnalité du folklore signifie qu'il est à la fois art et non-art, c'est-à-dire partie de la vie quotidienne. Cela se manifestait particulièrement clairement dans le folklore rituel, qui se distinguait par son divertissement.

La bifonctionnalité caractérise également une caractéristique du folklore telle que l'absence de division entre interprètes et public (ce qui est caractéristique importante art établi) ; voici tous les participants et spectateurs en même temps.

Mais en plus de ces propriétés importantes du folklore, il présente également des caractéristiques particulières. Les caractéristiques du folklore sont les suivantes : l'oralité, la collectivité, l'anonymat, la traditionalité, la variabilité, la créativité artistique.

Ces signes dans différentes époques avaient des significations différentes, mais leur complexité était toujours importante ; cela signifie qu'il est impossible de déterminer le folklore qui se trouve devant nous ou non sur la base d'un, deux ou trois signes.

L'oralité de la créativité signifie que les œuvres folkloriques existent sous forme orale, c'est-à-dire en transmission « de bouche à bouche ». La nature orale de la créativité n'est pas associée au manque d'alphabétisation de la population et moins au processus de création, comme on le pensait auparavant, qu'au besoin psychologique de communication.

La collectivité et l'anonymat de la créativité signifient que les œuvres folkloriques n'ont pas d'auteurs, qu'elles ont été créées au fil des décennies, voire des siècles, collectivement, transmises de bouche en bouche, complétées, mais en même temps, les traditions séculaires établies n'ont pas été violées.

La créativité traditionnelle désigne certains canons de contenu, de formes et de techniques de créativité. Au fil des siècles, certaines « règles » se sont développées et ne peuvent être enfreintes. Ainsi, par exemple, dans les contes de fées, il y a toujours un début. C'est une tradition, un canon. Dans le contenu - le héros traverse trois épreuves - c'est aussi un canon. Dans la finale, le mal est vaincu, le bien triomphe - c'est aussi un canon. Les contes de fées étaient également censés être racontés d'une certaine manière, et de merveilleux conteurs et conteurs savaient comment le faire. Malheureusement, aujourd'hui, cette tradition de raconter des contes de fées n'a pas été préservée. Les détails inclus dans de nombreux rites et rituels ont également été perdus ; d'autres détails ont été préservés ; signification symbolique, signification.

Variabilité de la créativité. Cette caractéristique est associée au caractère anonyme de son œuvre et signifie qu'une même œuvre folklorique existe dans des dizaines de variantes, selon la localité de son existence. Mais il faut distinguer la variabilité œuvre folkloriqueà partir du texte d'un auteur déformé, au cours du processus d'existence dont le texte (ou la mélodie) a changé. Par exemple, certains auteurs ont de nombreux ouvrages qui sont « allés au peuple » : « Pourquoi regardez-vous avidement la route », « Colporteurs » de N.A. Nekrasov, quelques poèmes de S.A. Yesenin, qui sont devenus des chansons, etc. Si dans différents domaines nous trouvons texte différent m mélodie différente, alors ce n'est pas une manifestation de variabilité, mais une distorsion du texte de l'auteur et de la mélodie composée par le compositeur.

La créativité artistique est une caractéristique très importante du folklore. Dans la science pré-révolutionnaire, on croyait que tout art qui n'était pas reconnu par la société, parce qu'il ne correspondait pas aux critères esthétiques prévalant dans la société à un moment donné, devait être classé comme folklore. Cependant, il s'agit d'une affirmation profondément erronée, car chaque type d'art et de folklore a sa propre imagerie, son propre système de moyens d'expression, sa propre esthétique. Il faut donc parler de l’esthétique du folklore, qui diffère de l’esthétique de l’art « scientifique » qui nous est familière.

Le folklore a prospéré au XVIIe siècle. Le début des réformes de Pierre 1, le développement des fonderies, des manufactures, etc. impliquait la destruction progressive du mode de vie patriarcal dans lequel le folklore s'est développé et a vécu avec succès. Sa base sociale était la communauté paysanne, qui a été durement touchée par les réformes économiques de Pierre. Par conséquent, le folklore a commencé à s’effondrer. Ce processus s'est déroulé de manière inégale selon les régions : dans certaines régions, les processus économiques étaient actifs, détruisant économie naturelle et, par conséquent, la base du folklore. Dans d'autres, ces processus se sont déroulés lentement (dans les « arrière-pays » russes, dans les provinces du nord, de l'ouest, du sud et de la Sibérie), et de nombreux types de folklore y ont été préservés.

Actuellement, les formes de chant et de danse du folklore sont vivantes dans les villages éloignés des centres industriels. Les conteurs appartiennent au passé ; dans de nombreux rites et rituels, la signification de leurs détails individuels a été perdue, les traditions de nombreuses fêtes et jeux folkloriques ont été perdues, car tout cela a depuis longtemps disparu de la vie populaire. Perte du folklore – objectif processus historique. Les tentatives visant à préserver certaines de ses formes sont louables, mais, malheureusement, elles ne sont pas menées au nom du folklore lui-même ; Le plus souvent, cela est facilité par l'intérêt commercial. C’est pourquoi il existe aujourd’hui tant de pseudo folklore.

Parmi les nombreuses formes de folklore, il y en avait une : le théâtre folklorique.

Le théâtre folklorique est un phénomène unique dans le folklore russe culture artistique, un phénomène qui combine les notions de « folklore » et de « théâtre ». Jusqu’à présent, les experts ne sont pas d’accord sur la définition du « théâtre folklorique ». Certains pensent que le théâtre populaire regroupe tout ce qui, dans le folklore, a une valeur de divertissement : cérémonies, rituels, jeux, événements de masse, festivals, etc. D'autres classent les représentations basées sur le drame populaire oral comme théâtre folklorique. Qui a raison? Pour répondre à cette question, rappelez-vous signes spécifiques art théâtral. Parmi eux, il y aura du divertissement, de l'efficacité, du jeu, de la créativité collective et du talent artistique (et bien d'autres), c'est-à-dire signes caractéristiques à la fois du théâtre et folklore rituel. Mais le contenu de ces panneaux sera différent.

Le divertissement rituel est un élément nécessaire du rituel lui-même et existe principalement pour ses participants.

Un tel divertissement est traditionnel, canonique et ne peut contenir aucun élément individuel. Divertissement performance théatrale existe pour le public. Elle est inextricablement liée à l’expressivité artistique du spectacle. Il est conçu et incarné dans une action dramatique. La valeur divertissante de chaque représentation est individuelle.

L'efficacité peut être constatée dans toute une série de rites, rituels, célébrations, etc. Mais, contrairement à l'efficacité d'une représentation théâtrale, dans l'efficacité rituelle, il n'y a pas de drame, pas de lutte dramatique, pas de conflit. Le théâtre est impensable sans conflit, sans lutte dramatique. Par conséquent, l’efficacité dans l’art théâtral présuppose le drame et le conflit dramatique.

Jouer dans la vie est un moyen de satisfaire les besoins de ses participants au jeu lui-même.

Jouer au théâtre est une façon pour un acteur de créer image artistique, la nature d'un personnage particulier. C'est une façon d'exprimer un conflit. Un tel jeu est un moyen de satisfaire les besoins esthétiques du public.

Le caractère collectif de la créativité dans le folklore signifie l'impersonnalité, l'anonymat et l'absence de paternité. Dans l'art théâtral, il s'agit d'une immense équipe d'acteurs, un artiste, un compositeur, des costumiers, des maquilleurs, des éclairagistes, des concepteurs sonores, des machinistes, etc., organisée et dirigée par le metteur en scène vers un seul objectif : le création d'un spectacle. En même temps, la créativité de chaque participant est profondément individuelle. Et la paternité se manifeste dans la créativité de chaque participant à la performance.

L’image est un trait caractéristique de l’art. Dans le théâtre populaire, il s'agit d'une image de masque, c'est-à-dire image traditionnelle et canonique de ceci ou de cela personnage folklorique, indiqué par certains détails du costume, du maquillage et des accessoires. Créer une telle image ne nécessite pas d'individualisation de ses traits de caractère ; au contraire, une exécution traditionnelle doit être observée ici. C’est une caractéristique essentielle de l’art folklorique. (Voici, par exemple, comment s'exprime le costume de certains héros folkloriques : Dame - casquette, parapluie et éventail ; Gitane - chemise rouge, bottes ; Pop - barbe en étoupe, croix de bois à la main ; Chèvre - l'interprète est couvert avec un manteau en peau de mouton, retourné, etc.).

L'art du théâtre se caractérise par un début individuel dans la création de l'image d'un personnage ; l'image créée elle-même est dotée de nombreux traits de caractère individuels. Les performances traditionnelles et canoniques sont inappropriées ici. Il serait regrettable de voir des Hamlet identiques et d’autres héros des pièces de Shakespeare sur les scènes des théâtres du monde entier, reconnaissables à leurs costumes, détails d’accessoires et maquillage. Au cours de plusieurs centaines d'années, de grandes œuvres de divers acteurs ont été créées sur les scènes théâtrales du monde ; L'histoire du théâtre mondial comprend les célèbres créateurs de l'image d'Hamlet : l'Anglais David Garrick, l'Italienne Eleonora Duse, l'Allemande Devrient, bien d'autres, ainsi que les acteurs de théâtre russes Mochalov, Karatygin, et à notre époque la célèbre Laurence Olivier , Innokenty Smoktunovsky et plusieurs autres grands acteurs. Chacun d'eux a son propre Hamlet.

Le théâtre folklorique, bien sûr, a perdu des propriétés du folklore telles que le syncrétisme et la bifonctionnalité : il existe déjà une division claire en « artistes » et « public » (bien que les « artistes » soient des compatriotes des « spectateurs ») ; et lui-même est clairement attiré par l'art du théâtre (c'est-à-dire qu'il rompt avec le syncrétisme folklorique). Au cours de ses nombreuses décennies d'existence, elle a également développé sa propre dramaturgie, qui n'a d'ailleurs pas perdu le contact avec la tradition populaire. Par conséquent, nous pouvons dire que le théâtre populaire est un théâtre de drame populaire oral. Il existe principalement trois drames majeurs - "Le tsar Maximilien", "Le bateau", "La bande des voleurs", ainsi que des drames plus petits - "Black Raven", "Ermak", "Comment le Français a pris Moscou", "Parasha". Leurs variantes sont également connues. Il existe également des drames satiriques : « Le Maître », « Le Maître imaginaire », « Mavrukh », « Pakhomushka ». Les collectionneurs du folklore russe les ont écrits. Le tsar Maximilien a été enregistré pour la première fois en 1818, d'autres drames ont été enregistrés plus tard. Cela signifie qu'au début du XIXe siècle, il existait encore un théâtre populaire. Mais apparemment, son apogée a eu lieu plus tôt. Il vivait dans des villages. Les représentations étaient préparées à l'avance et avaient généralement lieu pendant la période de Noël ou pendant la Semaine Sainte. Les acteurs ambulants (anciens bouffons) et les gars les plus « pauvres » du village, ceux qui se distinguaient par leur ingéniosité, leur sens de l'humour et étaient considérés comme des artistes reconnus qui connaissaient les traditions d'interprétation de certains rôles, participaient aux représentations.

Si nous lisons le texte de l'un des drames folkloriques oraux, nous n'aurons aucune idée de la représentation, car l'intrigue, par exemple, de « Boats » ou « Gang of Robbers » est assez primitive, inspirée des « exploits » d'Ataman Stenka Razin. Il contient des emprunts à la fois aux chansons folkloriques et légendes folkloriques, et de sources littéraires. L'intrigue elle-même est très sommaire. Tous les spectateurs connaissaient à l'avance le contenu de la représentation à venir. Mais tout l'avantage de la représentation théâtrale ne résidait pas dans la présentation au public de l'intrigue, mais dans les intermèdes d'improvisation entre les scènes « tragiques » qui surgiraient aujourd'hui. Ces intermèdes farfelus n'avaient aucun rapport avec l'intrigue principale du drame oral, et le public pouvait contacter les « artistes » directement du « public », et ils paraient généralement adroitement toutes les attaques du public. C'était là le principal plaisir d'un tel jeu-spectacle. Mais c’est précisément cette capacité d’improvisation qui a été perdue en premier lieu.

Les réformes économiques en Russie, commencées par Pierre, marquèrent le début de la destruction de ce mode de vie (c.-à-d. communauté paysanne), qui nourrit le folklore et contribua à son épanouissement. La poursuite du développement les relations marchandise-argent affectaient de plus en plus l'état de la communauté villageoise et l'état du folklore. Au XXe siècle, de nombreux types de folklore ont disparu. Les performances amateurs modernes sont un phénomène qualitativement nouveau. Certains chercheurs tentent de présenter cela comme du folklore moderne. Mais une telle affirmation, d’un point de vue scientifique, n’est pas vraie. Les spectacles amateurs modernes ne correspondent à aucune des caractéristiques du folklore ; Il s'agit d'un art populaire qualitativement nouveau.

Il y a eu des tentatives pour inviter les représentations théâtrales amateurs modernes à emprunter la voie créativité folklorique: faire revivre le drame populaire oral. Mais très vite, il est devenu clair que le théâtre folklorique n’était pas viable et que sa renaissance dans le théâtre amateur était vaine et ne pouvait conduire à un succès créatif ; Parfois, certains metteurs en scène se vantaient de s'être tournés vers le théâtre populaire et d'avoir récolté du succès. Cependant, en fait, il s'agissait de représentations dans lesquelles seuls certains éléments de l'expressivité folklorique étaient utilisés, ce qui est tout à fait approprié. Ici, on pourrait citer un brillant exemple de spectacle folklorique : il s'agissait d'une représentation du théâtre Skomorokh dans les années 70. siècle dernier, mis en scène par Gennady Yudenich. C'était l'histoire de notre pays, présentée dans l'esthétique et l'expressivité du folklore. Mais celui-ci chance créative- malheureusement, le seul exemple.

Drame populaire russe et folk arts performants dans l'ensemble - un phénomène très intéressant et significatif culture nationale. Même au début du XXe siècle, les jeux et représentations dramatiques faisaient partie intégrante de la vie populaire festive, qu'il s'agisse de réunions de village, d'écoles religieuses, de casernes de soldats et d'usines ou de stands de foire.

Le drame populaire est une conséquence naturelle de la tradition folklorique. Il y a été compressé expérience créative, accumulés par des dizaines de générations des couches les plus larges du peuple. Plus tard, cette expérience s’est enrichie d’emprunts à la littérature professionnelle et populaire et au théâtre démocratique.

Les acteurs folkloriques pour la plupart n'étaient pas des professionnels, ils constituaient un type particulier d'amateurs, experts en tradition folklorique, héritée de père en fils, de grand-père en petit-fils, de génération en génération de jeunes villageois en âge de pré-conscription. Un homme revenait du travail ou d'un métier et rapportait dans son village natal sa pièce préférée, mémorisée par cœur ou copiée dans un cahier. Même si au début il n'était qu'un figurant - un guerrier ou un voleur, mais il savait tout par cœur. Et maintenant, un groupe de jeunes se rassemble et, dans un endroit isolé, adopte le « truc » et apprend le rôle. Et à Noël, il y a une « première ».

La géographie de distribution du drame populaire est vaste. Les collectionneurs d'aujourd'hui ont découvert des « foyers » théâtraux uniques dans les régions de Yaroslavl et de Gorki, dans les villages russes de Tataria, à Viatka et Kama, en Sibérie et dans l'Oural.

Formation des plus célèbres pièces folkloriques s'est produit à l'époque des transformations sociales et culturelles en Russie à la fin du XVIIIe siècle. Depuis lors, des estampes et des images populaires sont apparues et ont été largement diffusées, qui étaient à la fois une information « de journal » d'actualité pour le peuple (reportages sur les événements militaires, leurs héros) et une source de connaissances sur l'histoire, la géographie et un divertissement. théâtre" avec des héros comiques - Petrukha Farnos, crêpe cassée, Maslenitsa.

De nombreuses estampes populaires ont été publiées sur des thèmes religieux - sur les tourments des pécheurs et les exploits des saints, sur Anika la guerrière et la mort. Plus tard, ils ont acquis une extrême popularité dans les estampes et les livres populaires. contes de fées, emprunté à des romans traduits et à des histoires sur des voleurs - Black Raven, Fadey Woodpecker, Churkin. Des recueils de chansons bon marché ont été publiés dans de grandes éditions, notamment des œuvres de Pouchkine, Lermontov, Joukovski, Batyushkov, Tsyganov, Koltsov.

Lors des foires urbaines et plus tard rurales, des carrousels et des stands étaient installés sur la scène desquels étaient joués des spectacles de contes de fées et nationaux. sujets historiques, qui a progressivement remplacé les pièces traduites antérieures. Pendant des décennies, les représentations remontant à la dramaturgie du début du XIXe siècle n'ont pas quitté la scène publique - « Ermak, conquérant de la Sibérie » de P. A. Plavilshchikov, « Natalia, la fille du boyard » de S. N. Glinka, « Dmitry Donskoy » de A. A. Ozerov , "Le Bigame" de A. A. Shakhovsky, plus tard - joue sur Stepan Razin de S. Lyubitsky et A. Navrotsky.

Tout d’abord, le confinement des idées populaires était traditionnel. Partout, ils se sont installés pour Noël et Maslenitsa. Ces deux courtes « saisons » théâtrales contenaient un programme très riche. Actions rituelles anciennes dans fin XIX- au début du XXe siècle, déjà perçues comme un divertissement et, de plus, comme un méfait, étaient exécutées par des mummers. acteur de théâtre de performance artistique

Le sens ancien du marmonnement est l'effet magique des mots et du comportement sur la préservation, la restauration et l'augmentation des forces vitales fécondes des personnes, des animaux et de la nature. Ceci est associé à l'apparition de personnes nues ou à moitié habillées lors de rassemblements, au « picage » des filles avec une grue, aux coups de garrot, de spatule, de souliers ou de bâton lors de la « vente » de kvas, de tissu, de tissu imprimé, etc.

Les jeux de mummers de Noël et de Maslenitsa sont accompagnés de petites pièces satiriques « Le Maître », « Le Maître imaginaire », « Mavrukh », « Pakhomushka ». Ils sont devenus un « pont » entre les petites formes dramatiques et les grandes. La popularité des dialogues comiques entre maître et chef, maître et serviteur était si grande qu'ils étaient invariablement inclus dans de nombreux drames.

Le style du drame populaire se caractérise par la présence de différentes couches ou séries stylistiques, chacune se rapportant à sa manière à l'intrigue et au système de personnages.

Ainsi, les personnages principaux s'expriment dans un discours solennel, se présentent et donnent des ordres et des instructions. Dans les moments de troubles émotionnels, les personnages du drame prononcent des monologues lyriques sincères (ils sont parfois remplacés par l'interprétation d'une chanson). Dans les dialogues et les scènes de foule, on entend le discours des événements quotidiens, dans lequel les relations sont clarifiées et les conflits sont définis. Les personnages de bandes dessinées se caractérisent par un discours humoristique et parodique. Les acteurs jouant le rôle d'un vieil homme, d'un domestique ou d'un médecin ont souvent recours à l'improvisation basée sur des techniques folkloriques traditionnelles pour jouer sur la surdité, les synonymes et les homonymes.

Un rôle particulier est joué dans le drame populaire par les chansons interprétées par les héros à des moments critiques pour eux ou par la chorale - un commentateur des événements qui se déroulent. Des chansons étaient obligatoires au début et à la fin de la représentation. Répertoire de chansons les drames folkloriques se composent principalement de chansons originales populaires dans toutes les couches de la société des XVIIIe et XIXe siècles. Il s'agit des chansons des soldats « Le tsar blanc de Russie est parti », « Malbrouk est parti en campagne », « Louange, louange à toi, héros » et les romances « Je me suis promené dans les prés le soir », « Je suis en route vers le désert », « Ce qui est nuageux, l'aube claire » et bien d'autres.