Métodos de enseñanza a tocar instrumentos populares. Métodos de enseñanza de instrumentos musicales para niños Plan de curso temático.

En la teoría y la práctica de la educación musical, existen varios enfoques para enseñar a los niños. edad preescolar tocando instrumentos.

Hay varias formas conocidas de aprender a tocar melodías. instrumentos musicales: por notas, por color y designaciones digitales, de oído.

Enseñar a los niños a tocar a partir de notas requiere mucha mano de obra, aunque a veces se utiliza en la práctica. No todos los niños en edad preescolar dominan la notación musical a menos que se realice un trabajo individual constante.

Es importante que los niños comprendan la conexión entre la ubicación de las notas en el pentagrama y su sonido en la melodía, eliminando la reproducción mecánica de notas musicales.

El sistema de color, muy extendido en el extranjero, es conveniente para que los niños dominen rápidamente la ejecución de instrumentos. A cada sonido se le asigna una designación de color específica (teclas de colores, placas de metalófono). El niño tiene una grabación de la melodía en designación de color: se utilizan círculos de colores o una imagen en color de notas, con y sin designación rítmica. Es muy fácil tocar con este sistema, pero con este método de tocar (veo un símbolo de nota verde, presiono la tecla verde), el oído no participa en la reproducción de la melodía, el niño toca mecánicamente.

De manera similar, a los niños se les enseña a tocar según los números pegados cerca de cada placa del metalófono y a escribir la melodía en notación digital. También se puede modelar la designación de la duración (palos largos y cortos, etc.)

Sistema digital propuesto en los años 30. N.A. Metlov, en ese momento, pudo haber estado justificado, pero luego comenzó a usarse con menos frecuencia, ya que conduce a una reproducción mecánica de la melodía.

Ambos métodos de enseñar a los niños (utilizando símbolos de colores y números) permiten obtener fácil y rápidamente el resultado deseado, pero no tienen un efecto en el desarrollo: la proporción de reproducción mecánica de la melodía en estos métodos es demasiado grande.

El mayor efecto del aprendizaje en el desarrollo se logra sólo jugando de oído. Este método requiere un desarrollo auditivo constante y un entrenamiento auditivo serio.

Desde pequeños es importante animar a los niños a escuchar los sonidos de una melodía, compararlos y distinguirlos por su tono. Para acumular experiencia auditiva y desarrollar la atención auditiva de los niños, se utilizan material didáctico, simulando el movimiento de la melodía hacia arriba, hacia abajo, en su lugar. Se trata de una escalera musical que va de flor en flor (notas), mariposa, etc. Al mismo tiempo, se cantan los sonidos de la melodía, correspondientes en altura a las proporciones de sonidos simuladas.

También puedes mostrar con tu mano el movimiento de los sonidos de una melodía mientras la reproduces simultáneamente (con tu voz o en un instrumento).

El método para enseñar a los niños a tocar instrumentos musicales de oído se basa en una ampliación gradual de la gama de canciones interpretadas. Primero, el niño toca una melodía basada en un sonido. Antes de tocar la melodía, la escucha interpretada por el director musical, quien primero la canta, llamando la atención sobre el hecho de que los sonidos de la melodía no difieren en tono, luego toca el metalófono y canta al mismo tiempo. Cantar cánticos permite a los niños imaginar mejor la dirección del movimiento de la melodía y desarrolla percepciones musicales y auditivas.

A los niños se les enseñan las técnicas de producción de sonido: sostenga el martillo correctamente (debe descansar libremente sobre el dedo índice, solo se sostiene ligeramente con el pulgar), dirija el golpe hacia el centro de la placa de metalófono, no sostenga el martillo. el plato, pero retírelo rápidamente (como una pelota que rebota). Cuando se tocan notas largas. El martillo debería rebotar más alto, las notas cortas deberían rebotar más bajo. Cuando un niño toca una melodía con un sonido, debe reproducir con precisión el patrón rítmico. Para ello, a la hora de cantar una melodía con letra, puedes centrarte en el ritmo de los poemas. Para comprender la relación entre las duraciones de los sonidos de las melodías, se modelan utilizando palos largos y cortos o notaciones aceptadas en notación musical (negras, corcheas).

Así, aprender a tocar instrumentos musicales incluye tres etapas: en la primera, los niños escuchan y memorizan melodías, las cantan, se familiarizan con las técnicas de interpretación, en la segunda seleccionan canciones, en la tercera las interpretan a voluntad.

El método de enseñanza de los instrumentos infantiles depende de:

• o - el instrumento pertenece a un determinado grupo y subgrupo de clasificación;
• o - el principio de producción de sonido;
• o - la edad del ejecutante y las tareas que le sean asignadas;
• o - el nivel de desarrollo físico, musical y emocional del intérprete;
• o - disponibilidad de condiciones (materiales, temporales, organizativas) para aprender a tocar el instrumento.

La metodología para aprender a tocar cualquier instrumento musical debe incluir los siguientes pasos:

• 1. Conocimiento del instrumento: historia de su creación, características de diseño, capacidades de ejecución;
• 2. Puesta en escena de los aparatos escénicos: cuerpo, brazos, etc.;
• 3. Dominar las técnicas básicas de producción sonora;
• 4. Desarrollo de habilidades interpretativas: trabajo en la interpretación artística, expresiva, emocional, musicalmente alfabetizada y técnicamente perfecta de una obra musical;
• 5. Trabajar en una pieza musical.

Métodos para aprender a tocar instrumentos de percusión.

Los instrumentos de percusión resultan especialmente atractivos para los músicos jóvenes. Entrenamiento de juego de poder instrumentos de percusión orquesta (rublo, trinquete, badajo, etc.) no requiere mucho tiempo ni entrenamiento especial, mientras que el desarrollo de las habilidades de interpretación adecuadas le permite posteriormente dominar sin mucha dificultad instrumentos de percusión más complejos, técnicas de interpretación e instrumentos musicales de Otro grupo de la orquesta.

En el proceso de familiarización con el instrumento de percusión, los niños:

• · Conocer la historia de su creación;
• · Estudiar las características de diseño y las capacidades de desempeño (incluidas las técnicas);
• · Identificar las características que determinan las características específicas de un instrumento en particular;
• · Establecer membresía en un subgrupo basado en el elemento formador de sonido:
  • - cuerpo del instrumento - ruido;
  • - membrana, membrana - membranosa;
  • - placa - laminar;
  • - la presencia de varios elementos sonoros - tipo combinado;
• Aprenda cómo se produce el sonido:
• - golpearse entre sí los dedos, las palmas, los palos, los martillos, las mazas, los instrumentos (del mismo o diferente nombre) o partes de instrumentos;
• - como resultado de sacudidas;
• - fricción (deslizamiento);
• - otras técnicas de producción sonora, incluidas las mixtas;
• · Conocer las propiedades del sonido (tono indefinido o definido, características tímbricas, capacidades dinámicas, etc.);
• · Adquirir conocimientos sobre las peculiaridades del uso de instrumentos de percusión (creación de un fondo rítmico ostinático, efectos de sonido, imitaciones de sonido; tocar solo, en conjunto, enfatizar matices dinámicos, etc.)

El proceso de aprender a tocar debe comenzar con un calentamiento propedéutico especial de las manos sin instrumento. Esto te permitirá preparar el aparato de juego para el juego, formar y reflejar las sensaciones musculares necesarias para el juego y desarrollar la coordinación de las manos. En la etapa inicial, se recomienda estudiar instrumentos sin un tono determinado (del subgrupo de instrumentos de ruido y membranosos).

Así, habiendo analizado los métodos de enseñanza de instrumentos musicales a los niños, podemos concluir que el mayor efecto en el desarrollo se logra cuando se toca de oído.

Plan de lección:

1) Momento organizacional

2) Calentar. Ejercicios dirigidos a la libertad del sistema musculoesquelético.

3)Trabajar con material musical (utilizando tecnología que salve la salud).

4) Situación problemática basada en material educativo.

5) Consolidación del material tratado - medios expresivos en la música (uso de tecnología de juegos).

6) Resumen de la lección.

7)Tarea.

Descargar:

Avance:

Gestión del sistema educativo de la administración del distrito municipal de Lukhovitsky.

MBOU DOD "Escuela de música para niños rurales de Krasnopoimovskaya"

Lección abierta sobre especialidad.

(Departamento de instrumentos folclóricos)

Sobre el tema: “Las principales etapas del aprendizaje inicial de la guitarra”

Profesora: Romanova O.N.

P. Krasnaya Poyma 2012

tipo de lección : combinado (consolidación de conocimientos, aplicación compleja de conocimientos).

La lección incluye:

Configuración organizativa y de contenidos.

Probar la profundidad de comprensión y la solidez del conocimiento del estudiante.

Interacción entre el maestro y el niño basada en el mensaje: la adquisición de nuevos conocimientos, habilidades y habilidades.

Consolidación del material aprendido y ejercicios.

Diagnóstico de la fortaleza de la adquisición de conocimientos.

Instrucciones de tarea

Tipo de lección: tradicional

Propósito de la lección : consolidación del concepto de medio expresividad musical A base de ejercicios, juegos didácticos y trabajos estudiados.

Métodos de enseñanza:

1) Perspectiva: transmisión verbal y percepción auditiva. El profesor comunica información ya preparada mediante demostraciones. El alumno comprende y recuerda.

2) Reproductiva: los estudiantes recuerdan la información comunicada por el profesor. Promueve la formación de conocimientos, destrezas y habilidades a través de un sistema de ejercicios.

3) Práctico: musical juegos didácticos, acciones repetidas para mejorar la habilidad y desarrollar el oído para la música.

Técnicas metódicas:

Verbal, visual, práctico.

Activación de la audición, apelación a la percepción musical del alumno.

Desarrollo del pensamiento, iniciativa creativa.

Técnicas de control y autocontrol: al actuar, escuche el sonido que se reproduce; Realizar correctamente la melodía y transmitir el patrón rítmico.

Condiciones psicológicas en la lección.:

Movilizando la atención actividad cognitiva, ritmo óptimo de la lección, flexibilidad, capacidad de reorganizar compositivamente la lección teniendo en cuenta la situación actual, microclima psicológico en la lección.

Objetivos de la lección:

De forma interesante para el niño, consolidar el concepto de medios expresivos en la música y su influencia en el tono emocional y figurativo de la obra, ampliar las capacidades creativas del alumno en el proceso de aprender a tocar el instrumento.

1) Educativo: consolidar los conocimientos teóricos aprendidos (trazos, escala, tempo, timbre, ritmo, melodía), continuar la formación de habilidades prácticas, trabajar con matices dinámicos, interpretar una pieza en un tempo determinado).

2) De desarrollo: desarrollo de la audición, coordinación de movimientos, pensamiento musical imaginativo, actividad creativa a través de diversos tipos de actividades.

3) Educadores: cultivar el amor por la música, educar. gusto estético, cultivar la perseverancia, el trabajo duro, la concentración.

Herramientas de aprendizaje:

Instrumento (guitarra), silla, reposapiés, mando a distancia, partituras, dibujo, rompecabezas musicales.

Aplicación de tecnologías educativas:

1.Ahorro de salud:

Se desarrollan los músculos de los dedos, lo que tiene un efecto positivo en la memoria. Las clases de música te enseñan a utilizar tu jornada laboral de forma más racional, estará más organizada.

Organización racional de la lección: pausa dinámica, inclusión de momentos de juego, ejercicios.

Alternancia de varios tipos de actividades educativas (el juego de escalas, los ejercicios se sustituyen por el análisis de material musical, la repetición de piezas aprendidas y la escucha de música).

En la lección son importantes el confort psicológico, el estilo de comunicación entre el profesor y el alumno, la carga de emociones positivas y la manifestación de buena voluntad.

2. Tecnología de aprendizaje centrado en el estudiante:

El reconocimiento del alumno como principal figura activa en todo el proceso educativo es una pedagogía orientada a la personalidad. Esta tecnología se basa en el reconocimiento de la individualidad y originalidad de cada persona, su desarrollo, en primer lugar, como individuo dotado de una experiencia subjetiva propia y única. La lección crea las condiciones para la autorrealización del estudiante, el desarrollo de habilidades cognitivas individuales y la imaginación creativa.

Ejercicios “Dedos que caminan”, “Hocus pocus”.

Esta tarea anima al estudiante a elegir de forma independiente formas de resolver un problema determinado; revela la experiencia subjetiva del estudiante; evalúa no solo el resultado, sino principalmente el proceso de aprendizaje; estimula el autodesarrollo y la autoexpresión en el curso de la adquisición de conocimientos.

3. Tecnología del aprendizaje basado en problemas:

Esta tecnología implica la presentación consistente y decidida de problemas educativos al estudiante. El estudiante participa en una actividad mental activa, expresa su propia opinión y absorbe activamente conocimientos.

4.Tecnología de formación de motivación o tecnología de juego.:

La tecnología implica la organización de actividades de juego encaminadas a buscar, procesar y asimilar informacion educativa. Es bueno utilizarlo durante el entrenamiento inicial. Incluir momentos de juego en el proceso educativo aumenta el interés del alumno por practicar el instrumento y lo activa. actividad creativa. El profesor crea en la lección la llamada “situación de éxito”. La sensación de éxito aumenta la motivación para aprender, mantiene el interés y el entusiasmo por tocar el instrumento y evoca emociones positivas.

Plan de lección:

1) Momento organizacional

2) Calentar. Ejercicios dirigidos a la libertad del sistema musculoesquelético.

3)Trabajar con material musical (utilizando tecnología que salve la salud).

4) Situación problemática basada en material educativo.

5) Consolidación del material tratado - medios expresivos en la música (uso de tecnología de juegos).

6) Resumen de la lección.

7) Tarea.

Progreso de la lección:

1) Momento organizacional. Saludar, sentarse frente al instrumento, crear el ambiente para un trabajo creativo activo.

2) Calentar. Ejercicios "Dedos para caminar", destinado a liberar los dedos de la mano derecha. (Supervisamos la calidad de la producción de sonido y la libertad de los dedos de la mano derecha).

Ejercicio "Hocus Pocus"(tocando el patrón rítmico del poema):

Enfoque - muerde, arrastre - piérdete,

Un ratón viaja en un camión volquete.

¿Qué estás haciendo, esto es un ratón?

¿Nos estás menospreciando?

Shoo, shoo, shoo.

P P P P

1 1 2 2 1 1 3 3

P P P P

1 1 4 4 1 1 3 3

P P P |

1 1 2 2 1 1 3

P P P |

1 1 4 4 1 1 2

Consolidar habilidades non legato en el aprendizaje de escalas fa mayor . Performance basada en el primer sonido, trabajando con dinámica.

Repetición de escalas en do mayor y re mayor. a un ritmo en movimiento, utilizando matices dinámicos y varios patrones rítmicos (uso de duraciones: negras y corcheas).

Estudio de L. Panayotov (La menor).

3)Trabajar con material musicalutilizando tecnología que salva la salud. El alumno interpreta piezas previamente aprendidas.

N. Ponyaev "Otoño"(escuchar, trabajar la imagen, trabajar la dinámica), utilizando una ayuda visual (dibujar).

Canción popular ucraniana “Un cosaco cruzó el Danubio” (trabajar en lugares difíciles).

Física. calentamiento:

Ejercicio para los ojos: mueva los ojos hacia la derecha, hacia la izquierda, hacia arriba, hacia abajo, ciérrelos, ábralos.

Ejercicio “Ciempiés”: junte las manos en un anillo (la mano derecha está arriba), pase alternativamente los dedos de ambas manos a lo largo de la superficie de las manos y pronuncie el texto: “Dos ciempiés corrieron por el camino. Corrimos y corrimos y nos alcanzamos”.

4) Situación problemática basada en material educativo.

Arreglo de V. Kalinin Canción popular rusa “Like a Meadow”

(analizando el texto musical, viendo partes individuales - tema y acompañamiento, tocando el tema con la letra de la canción, combinando 2 partes).

5) Consolidación del material cubierto(notas de la primera y segunda octava, medios expresivos en la música) utilizando tecnología de juegos (dibujos, rompecabezas).

6) Resumen de la lección:

Los medios de expresión musical influyen más directamente en el carácter de una obra musical, su imagen. El desarrollo simultáneo de la audición, el sentido del ritmo, la capacidad de leer notaciones musicales y tocar expresivamente aumenta la eficacia de dominar cada habilidad por separado y proporciona una experiencia holística y enfoque sistemático al aprendizaje. Experimentar activamente una pieza musical ayuda a percibir la música y tiene un efecto positivo en el proceso creativo. Al encender una chispa de interés por aprender sobre el fascinante mundo de la música, cultivamos en el estudiante el amor por el arte y moldeamos su gusto artístico y estético.

7) Tarea, calificación.

Técnicas de enseñanza

Los diferentes grupos de instrumentos requieren dominar técnicas de ejecución de distintos grados de dificultad. Por lo tanto, a los participantes de la orquesta se les deben asignar tareas diferenciadas, teniendo en cuenta sus capacidades individuales.
En la metodología para aprender a tocar instrumentos, es importante establecer la secuencia de realización de diversas tareas musicales. Todavía no existen tradiciones pedagógicas largas y fuertes sobre este tema. Como ocurre con cualquier interpretación, es necesario utilizar las técnicas de ejecución correctas al aprender las piezas. Continuidad en lo colectivo y trabajo individual: en clases generales y en la interpretación musical independiente, en actuaciones festivas y entretenimiento.
La interpretación expresiva de una pieza (con varios instrumentos) por parte de un profesor, la demostración de técnicas, los métodos de producción y explicación del sonido (métodos tradicionales bien probados) aún pueden complementarse con otros. Se pide a los niños que “examinen” los propios instrumentos y se les asignan tareas sencillas. tareas creativas y fomentar el autoaprendizaje estudios independientes. Cuando la formación se realiza utilizando una combinación de estos métodos, se puede contar con el éxito pedagógico.
En la práctica, a menudo empiezan a aprender a tocar muchos instrumentos al mismo tiempo, aunque cada instrumento requiere diferentes técnicas de interpretación, o aprenden la pieza completa de una vez. Al mismo tiempo, algunos niños tienen que esperar mientras otros estudian. Esto cansa a los chicos y distrae su atención.
Evidentemente, se puede considerar apropiada otra cosa. Después de familiarizar a los niños en lecciones generales con, digamos, la apariencia de la cítara, con las técnicas básicas para tocarla, después de haber aprendido 2 o 3 cantos en el transcurso de varias lecciones, el instrumento se transmite al grupo. durante los juegos, los niños, por iniciativa propia, continúan
Para familiarizarse con el instrumento, el profesor les ayuda. Mientras tanto, en las clases generales se empieza a conocer otro instrumento. Además, a veces se pide a los niños más capaces que examinen el instrumento, encuentren formas de tocarlo y luego el maestro hace sus propias correcciones.
Poco a poco, a los niños se les presentan instrumentos que tienen escalas diatónicas o cromáticas: metalófonos, trioles, acordeones, cítaras. El grupo de percusión requiere menos tiempo para familiarizarse con él: se pueden traer a la lección dos o tres instrumentos a la vez, por ejemplo, un tambor, una pandereta y castañuelas, ya que los niños solo tocan el ritmo.
Consideremos las características de la metodología de la enseñanza desde el punto de vista de las siguientes tareas: dominar las técnicas técnicas del juego; secuencias de tareas para dominar el juego de instrumentos individuales; aprendiendo algunas piezas.

Técnica

Las técnicas de ejecución dependen del diseño de cada instrumento. En primer lugar, es necesario establecer la posición inicial correcta y la ubicación del instrumento en relación con el niño.
Es mejor colocar metalófonos y cítaras en pequeños soportes ubicados al nivel de las rodillas de los intérpretes. Si no hay soportes, las herramientas se pueden colocar en su regazo. Instrumentos de viento(antes del inicio del juego) también se colocan sobre las rodillas. El tambor y la pandereta se sostienen a la altura de la cintura y el triángulo se cuelga de un soporte o el niño lo sostiene con la mano izquierda.
Es muy importante enseñar técnicas correctas de producción de sonido. Al jugar en metalófono El martillo debe sostenerse de manera que descanse sobre el dedo índice y el pulgar lo sostenga desde arriba. El golpe debe caer en el centro del plato y, lo más importante, ser ligero. El cepillo debe quedar libre. Si el niño sostiene el martillo con fuerza en el puño, lo golpea con fuerza y ​​lo sostiene sobre el disco, el sonido será “sucio” y desagradable.
Al jugar en cítara El mediador debe sujetarse entre el pulgar y el índice. El sonido se produce con un movimiento ligero y elástico a lo largo de la cuerda. Al mismo tiempo, debemos esforzarnos por no tocar hilos innecesarios.
Castañuelas Suenan muy fuerte, por eso se toman en la mano derecha y se golpean ligeramente con los “pétalos” en la palma de la izquierda. El sonido es algo apagado y el patrón rítmico es claramente audible.
Platos los niños sujetan las correas y golpean una contra otra con un movimiento deslizante. Para que el sonido se detenga inmediatamente, los platillos se colocan sobre las rodillas. A veces puedes golpear los platos (colgándolos) con un palo, cuyo extremo está cubierto con varias capas de material suave o algodón.
Al jugar en triángulo debes golpear el palo en el medio de su parte horizontal. El sonido debe ser ligero y elástico.

y si continúa durante mucho tiempo, debes presionar el triángulo con la mano; el sonido se detendrá inmediatamente.
Pandereta emite sonidos de diferente naturaleza dependiendo de si se golpea su membrana con los dedos, la parte blanda de la palma o un pulgar. Si también cambia la ubicación del impacto: más cerca del marco de madera (donde la resonancia es más fuerte), hacia el medio, golpeando el marco mismo o, finalmente, alternando estos impactos, entonces puede lograr una interesante comparación tímbrica de los sonidos. .
Aprovecharse de trillizo Y Melodías-26 sigue las mismas técnicas. El niño sopla por el orificio del tubo y expulsa el aliento de manera uniforme. Al mismo tiempo presiona la tecla deseada. Las teclas de triola son de colores, cada una con su propio color y nombre. Primeras llaves - Re, Fa#, Sol y luego la escala Sol mayor. Por lo tanto, en un triplete puedes tocar melodías en sol mayor y parcialmente en otras tonalidades, pero en un rango limitado.
El instrumento, llamado Melody-26, está construido en una escala cromática (dos octavas) y en él se puede interpretar prácticamente cualquier melodía dentro de dos octavas.
Cuando un niño siente diferencias en la calidad del sonido, cuando él mismo comienza a navegar por varias técnicas de juego, desarrollará el control auditivo y la capacidad de corregir imprecisiones en su interpretación.

Secuencia de tareas

Al inicio de la formación, las técnicas metodológicas del profesor están naturalmente orientadas a despertar el interés del niño por un nuevo tipo de actividad.
En la naturaleza del sonido de cada instrumento musical se puede encontrar una analogía con algún fenómeno natural: las voces de los pájaros, los animales, el habla humana. La maestra, por ejemplo, llama la atención de los niños sobre el hecho de que los pájaros cantan alto, fuerte y tierno, y esto se puede representar en una cítara.

El metalófono transmite bien los sonidos de las gotas de lluvia que caen: al principio caen raramente, luego suenan con más frecuencia, con más frecuencia: la lluvia se intensifica.

El sonido de la triola se prolonga, como si alguien estuviera gritando en el bosque, llamando.

Y la flauta o Melody-26 les dice a todos los chicos: prepárense para una caminata.

En el tambor, los palos golpean una fracción, como si retumbara un trueno (el maestro alterna golpes rápidos con dos palos).
El objetivo de estas técnicas es familiarizar a los niños con las capacidades expresivas de cada instrumento.
En esta etapa inicial, también es útil preparar a los niños para acciones conjuntas coordinadas y desarrollar el sentido de conjunto que es tan importante para tocar en una orquesta. Para ello se utilizan “orquestas” rítmicas únicas. Los niños aplauden, golpean con los pies, golpean palillos de madera, barras, cajas de plástico, vacías o llenas de guijarros, guisantes, etc. Y aquí los métodos de producción de sonido pueden ser diferentes. Entonces, si golpeas las palmas de las manos con los dedos doblados, el sonido será fuerte y sordo; si golpea con las palmas "planas", como si golpeara "platillos", entonces el sonido es claro y resonante.
Puedes golpear los dedos de una mano contra la palma de la otra y el sonido difiere significativamente dependiendo de si los dedos se mantienen extendidos o sueltos y doblados. Los pisotones también son diferentes: con todo el pie, con un dedo o con el talón, alternativamente con la punta y luego con el talón. Las llamadas “bofetadas” se utilizan con las palmas o las yemas de los dedos sobre los muslos.
Los objetos de madera, plástico y metal también permiten producir sonidos de diversos tipos. Niños con interés
escúchelos mientras realiza tareas rítmicas, domine las habilidades de acciones conjuntas o alternas. A los niños se les dan, por ejemplo, los siguientes ejercicios:

Eco musical

Los niños se dividen en dos subgrupos.
1ª línea. La maestra golpea con los palillos.
2da línea. El primer subgrupo de niños golpea con los dedos de los pies.
3ª línea. El segundo subgrupo de niños golpea con los dedos la palma de la otra mano.


Dichos ejercicios pueden variar en cuanto a ritmo y diferentes formas de dar palmas, pisotones, “bofetadas”, etc.
El movimiento de un tren se imita bien, por ejemplo, alternando golpes con el pie, ahora con la punta, ahora con el talón, o con las manos, ahora con los dedos, ahora con una palmada sorda. El tempo puede acelerarse o ralentizarse arbitrariamente y el sonido intensificarse o atenuarse.

1ª línea. Patada de talón.

2da línea. Patada con la punta del pie.

Es útil familiarizar a los niños con la percepción y la interpretación expresiva de las entonaciones rítmicas recitativas de la voz. Al principio, puede mostrar su expresividad en oraciones rítmicas simples, entonaciones del habla y recitativos. Como saben, el recitativo se acerca a la recitación melodiosa. Contiene subidas y bajadas de entonación que son naturales para el habla conversacional, los acentos y las pausas son claramente audibles.
Es aconsejable llamar la atención de los niños sobre el hecho de que en diversos juegos y situaciones de la vida Puedes utilizar oraciones rítmicas y entonaciones musicales del habla.
Demos ejemplos de diversas técnicas que llevan constantemente a los niños a una actuación expresiva.
La maestra invita a los niños a adivinar a quién llamó: Tanya o Andryusha. Los niños deben reconocer esto a partir de un patrón rítmico realizado por un adulto con palmas o con un metalófono:

Los niños descubrirán cómo se llamaba la niña: Tanya o Tanechka:

Después de esto, los chicos pueden nombrarse entre sí de forma independiente. Habiendo encontrado un ritmo determinado, colocan las tarjetas en un franelógrafo, utilizándolas del apéndice del "Libro ABC musical". Las cartas anchas representan cuartos, las cartas estrechas representan octavos:

Pueden realizar el mismo patrón rítmico en un metalófono, triodo o instrumentos de percusión.
De realizar un patrón rítmico, los niños pasan al recitativo. Se les invita a llamarse unos a otros, pero de diferentes maneras: con cariño, con ira, de forma inquisitiva, de manera invitante. A los niños se les ocurren entonaciones expresivas que se acercan al discurso melódico. Estas aún no son entonaciones vocales con su tono preciso y su sonido melodioso. Se pronuncian en patois. Ya sea subiendo o bajando la entonación, los chicos buscan simultáneamente otras similares que suenen en instrumentos musicales, componiendo así melodías cortas.
El entrenamiento posterior se realiza en la siguiente secuencia: primero se domina un instrumento, luego otro, etc. Al mismo tiempo, aumenta el volumen de habilidades interpretativas: primero, patrones rítmicos; luego melodías construidas en intervalos estrechos; melodías posteriores, incluidas secciones significativas de la escala e intervalos más amplios.
Al aprender la melodía de obras de teatro, canciones y cánticos sencillos, los niños deben afrontar dos dificultades: reproducir el patrón rítmico y línea melódica. En primer lugar, al dominar las técnicas de producción correcta de sonido, el maestro ofrece a los niños una tarea más sencilla: reproducir el ritmo, aprender las técnicas de producción correcta de sonido, las piezas iniciales de la “Cartilla musical”. Su ventaja artística es que los chistes rítmicos se dan con acompañamiento de piano, lo que los hace más expresivos.
Después de que el maestro la interpreta, los niños aprenden fácilmente la canción y la cantan, dando palmas al ritmo. Es bueno utilizar tarjetas de la aplicación "Note Lotto" ("Libro ABC musical").

Las tarjetas están dispuestas en franela:

Se pide a los niños que cuenten el sexto plato (desde el principio) en un metalófono: “esta es una nota la", y luego toque un patrón rítmico: la canción "Blue Sky". El profesor acompaña al piano. La actuación secundaria va acompañada de cantos colectivos. Se domina la tarea y los niños podrán reproducir la canción por sí solos.

el cielo es azul
Música de E. Tilicheeva

[Tranquilamente]

En las siguientes clases de música se realiza un examen individual: los niños interpretan esta canción con diferentes sonidos (discos). Los llaman notas (su ubicación en los registros es familiar para los niños): "Toca la nota mi, en una nota a" etc. En este caso, necesita
pero recuerde que los niños solo pueden cantar y acompañarse con un metalófono una canción bien aprendida, ya que el sonido de un metalófono es más alto y no corresponde a las capacidades vocales de un niño en edad preescolar. Es fácil que un niño se confunda, ya que la misma nota en un metalófono suena en una octava diferente (más alta).

Después de haber aprendido varios cantos rítmicos, puede pasar a las siguientes tareas: primero, aprenda cantos que constan de intervalos cortos y luego de otros más amplios. El método de aprendizaje sigue siendo el mismo. Cabe recordar que el texto poético facilita la memorización y permite a los niños utilizar obras aprendidas en sus estudios independientes. También es importante dificultar constantemente las tareas. Más fácil de jugar artículos de segunda clase, sus sonidos se encuentran cerca. Por lo tanto, después de los ejercicios con un sonido, es aconsejable tocar canciones basadas en este intervalo (por ejemplo, la canción popular rusa "Soroka-Soroka", "Acordeón" de E. Tilicheeva, etc.).

cuarenta y cuarenta
canción popular rusa

Armónico
Música de E. Tilicheeva
[EN tempo medio, rítmico]

Dominar gradualmente técnicas de interpretación más complejas permite complicar el repertorio. En los cantos aparecen movimientos progresivos en pequeñas escalas y los intervalos se amplían. El acompañamiento de piano, presentado de forma vívida y expresiva, interesa cada vez más a los niños. Es importante que los niños escuchen los medios de expresión musical y sientan el tono de la música. Cada obra de arte es original y única a su manera, y los métodos para dominarla deben ser diferentes.
La percepción musical de los niños se activa si, después de escuchar una pieza por primera vez, se les hacen, por ejemplo, las siguientes preguntas: “¿Con qué instrumentos es mejor interpretar esta pieza?”; “¿En qué parte de la pieza deberías tocar otros instrumentos y cuáles?” Los niños suelen elegir instrumentos más fácilmente si la pieza tiene un carácter lo suficientemente claro, una forma musical clara y está construida sobre partes que tienen un carácter contrastante. Por supuesto, los niños no pueden orquestar una obra de teatro. Pero es importante utilizar una técnica interesante en la que intenten componer y tomar su “decisión”: qué instrumento debe sonar en tal o cual parte de la pieza. Con un enfoque hábil y discreto, sus propuestas pueden verse influenciadas de manera oportuna y sus respuestas pueden dirigirse.

Metodología para el aprendizaje de obras individuales.

Cuanto más compleja sea la pieza, más desarrollado sea el acompañamiento de piano de la canción, más pausado debe ser el proceso de aprendizaje. Veamos dos ejemplos: “Lluvia” y “Nuestra Orquesta”.
La primera canción es "Lluvia". La canción popular rusa arreglada por T. Popatenko se basa en el motivo de dos sonidos uno al lado del otro. (gran segundo). Este motivo se repite muchas veces con una ligera variación rítmica: al principio la canción comienza con un fuerte ritmo de compás (“¡Llueve, llueve más!”), y luego con un tiempo alegre (“Te daremos grueso”). El carácter general del tratamiento del piano es móvil, claro y ligero. La textura es transparente: hay muchas pausas, el trazo principal es staccato. Hay una introducción y una conclusión. En la introducción suena un motivo simplificado de la canción, y la conclusión, por así decirlo, "dibuja" gotas de lluvia.
La naturaleza transparente de la canción no debería perder su encanto cuando se instrumenta. En la introducción se puede escuchar una especie de pase de lista de dos registros. En conclusión, suenan triángulos. Reproducen muy bien el carácter de las "gotitas", especialmente porque la melodía de la conclusión no puede transmitirse mediante los sonidos de los metalófonos y cítaras de los niños. En esta pieza, es aconsejable utilizar un pequeño número de instrumentos que se distingan por un sonido ligero, resonante y abrupto.
La secuencia de lecciones para aprender esta canción se puede resumir de la siguiente manera.

Lección 1. Los niños escuchan esta canción, que ya les resulta familiar, interpretada por un adulto. Llama la atención el sonido claro y transparente de la parte del piano. Los niños recuerdan la canción y la cantan. El profesor sugiere pensar qué instrumentos se adaptarían mejor a su sonido.
Lección 2. Una vez interpretada la canción, comienza una discusión sobre cómo instrumentarla. Se llama la atención sobre la naturaleza de la introducción, la conclusión y algunas diferencias entre la segunda frase y la primera. Las propuestas de los niños se discuten y se prueban en la práctica. Si una u otra versión de la instrumentación resulta buena, entonces se puede realizar en su totalidad durante esta lección.
Lección 3. Si está aprendiendo la versión propuesta por el profesor (supongamos que no se aceptan versiones para niños), primero puede interpretar solo la melodía de la canción (en un metalófono, cítara) y, por ahora, realizar la introducción y la conclusión en el piano. . Presta atención a la entrada oportuna de la cítara.
Lección 4. Se aprende la canción completa: al principio sin cantar, luego unos niños tocan, otros cantan y finalmente todos tocan y cantan.

Otra canción, "Nuestra orquesta" de E. Tilicheeva (letra de Yu. Ostrovsky), es mucho más difícil para la interpretación en conjunto. La melodía es más variada, su rango ya está dentro Septims, Además, hay saltos, movimientos sucesivos que suben y bajan. El ritmo también tiene dificultades: hay notas con punto. Todo esto requiere que los niños tengan ciertas habilidades. Con acompañamiento de piano y melodía. caracteristicas musicales sonido varios grupos herramientas. Basta recordar los compases donde se escuchan las palabras “Tambos, tambores, tambores, tambores”, en los que se da un ritmo claro, como imitando a un tambor. A continuación aparece un registro superior, así la instrumentación es sugerida por el compositor y poeta. Pero para que los niños puedan participar ellos mismos en la elección de los instrumentos, obviamente, primero necesitan interpretar una canción sin texto que sugiera una decisión.
Por tanto, es aconsejable la siguiente secuencia de clases:

Lección 1. El profesor interpreta la parte de piano sin cantar. A los niños se les ofrecen acertijos musicales: se reproducen frases individuales que, hasta cierto punto, caracterizan el sonido de varios instrumentos. Adivinan y nombran qué instrumentos son adecuados para una frase en particular. Luego el maestro interpreta la canción por segunda vez, pero ya canta y toca. De esta forma, los niños sabrán si nombraron correctamente los instrumentos.
Lección 2. Aprender la parte vocal de una canción. Los niños aprenden una melodía. Luego lo cantan por partes: los futuros intérpretes cantan la primera frase con trillizos, la segunda con la batería, etc. Mientras cantan, los chicos imitan los movimientos de tocar tal o cual instrumento.
Lección 3. Aprendizaje de partes más complejas: triol (1er cuatro compases) y metalófonos con cítaras (3er cuatro compases). Primero, todos los niños juegan, luego eligen a los que interpretarán estas partes, les muestran estas partes, les explican con qué nota empezar y se ofrecen a jugar. Luego todos los niños tocan tambores imaginarios y algunos niños tocan instrumentos reales.
Lección 4. Continúa la práctica de partes de triol y metalófono. Primero se aprende la última frase con los metalófonos en los que se interpreta la melodía, y luego la grupo de ataque- batería. Se repite el patrón de batería. Al final de la lección, se interpreta por primera vez la partitura completa, pero sin cantar.
Lección 5. La interpretación de cada parte se repite por separado. Todo cumplido

Lluvia
Organizado por T. Popatenko
[No muy pronto]

partitura, pero al mismo tiempo algunos niños cantan, otros juegan. Se controla el ingreso oportuno de cada grupo de instrumentos y se especifican matices dinámicos.
En clases posteriores se repite toda la obra y se consolidan las habilidades adquiridas.

A menudo, en la práctica pedagógica se encuentra la siguiente técnica: los niños interpretan una melodía con sus instrumentos y un adulto toca la melodía y el acompañamiento en el piano. Para diversificar el sonido, puedes hacerlo de otra manera. Por ejemplo, toda la pieza la interpreta el maestro en el piano, y los niños tocan una melodía en el metalófono y, por así decirlo, un acompañamiento, es decir, los sonidos correspondientes al primero (I) y al quinto (V). o los grados primero (I), cuarto (IV) y quinto (V) de modo.
Aquí, por ejemplo, se presentan tres versiones de la melodía popular ucraniana "Oh, estallando el aro", arreglada por T. Popatenko. En el primer caso, los metalófonos duplican la melodía, en el segundo, la voz del bajo, en el tercero tocan sin acompañamiento de piano.
Otra obra es "Ardilla", un extracto de la ópera "El cuento del zar Saltan" de N. Rimsky-Korsakov. Este pasaje transmite la imagen de una ardilla de cuento de hadas. Para caracterizar la imagen, el compositor utilizó la melodía del famoso ruso. canción popular“Ya sea en el jardín o en el huerto”. La melodía de la canción es alegre, juguetona, de naturaleza bailable, pero interpretada a un ritmo moderado. A la hora de orquestar una pieza, es necesario seleccionar instrumentos musicales con un sonido ligero, resonante y brusco. Puede ser un metalófono y un triángulo.

Al aprender una pieza, puedes sugerir la siguiente secuencia de lecciones.
Lección 1. Los niños escuchan una obra de teatro interpretada por un adulto. Llama la atención el sonido brillante de la melodía, su carácter juguetón y bailable. Puede leer un extracto de la obra de A. S. Pushkin "El cuento del zar Saltan". Después de que el maestro interprete la pieza nuevamente, se pide a los niños que piensen qué instrumentos son mejores para tocar en una orquesta debido a la naturaleza de la música. Se discuten las propuestas de los niños. Se selecciona una de las opciones. El profesor toca una melodía en un metalófono.
Lección 2. El profesor interpreta la melodía de la obra sin acompañamiento de piano. Los niños aplauden siguiendo el patrón rítmico de la melodía. Luego se aprende la parte del triángulo. Algunos realizan un patrón rítmico sobre triángulos, otros aplauden. Entonces las acciones de los niños cambian. Antes de aprender la parte del metalófono, el profesor primero interpreta él mismo la melodía, que luego se aprende en partes (primer cuatro tiempos, luego segundo cuatro tiempos).
Lección 3. Continúa la práctica de la parte metalófona. Los niños interpretan la primera parte de la obra (primer y segundo cuatro compases) y se interpreta la partitura completa. Cuando se repite, se unen triángulos a los metalófonos.
Lección 4. Cada parte se realiza por separado sin acompañamiento y con acompañamiento. Luego se interpreta toda la partitura. Se llama la atención de los niños sobre la clara ejecución del patrón rítmico.
Lección 5. Cada parte se interpreta por separado con acompañamiento, luego se interpreta la partitura completa. Se llama la atención de los niños sobre la expresividad de la actuación. Al volver a tocar, los niños pueden cambiar de instrumento.

nuestra orquesta
Letra de Yu Ostrovsky Música de E. Tilicheeva

[Despacio. Solemnemente]

Ardilla (extracto)
De la ópera “El cuento del zar Saltan”
Música de N. Rimsky-Korsakov
[Moderadamente]

Aprender a tocar instrumentos musicales no puede limitarse simplemente a aprender el repertorio. Es importante que estas actividades sean creativas.
Los ejercicios que le piden reproducir (de oído) una melodía familiar, tocar una canción rítmica en diferentes tonos (transposición) o encontrar una nueva forma de tocar un instrumento ciertamente desarrollan la independencia y la comprensión auditiva de los niños. Pero también es importante crear las condiciones previas para las propias expresiones creativas de los niños. Déles la oportunidad de elegir instrumentos para interpretar una pieza en particular, anímelos a improvisar.

Técnicas para desarrollar la creatividad musical.

La creatividad musical de los niños comienza con un "examen" de las capacidades sonoras de los instrumentos. Esto es muy valioso, pero los niños a menudo se encuentran indefensos en su búsqueda. El profesor guía esta búsqueda, invitando a los niños a jugar cómo cantan los cucos y los pájaros, cómo llueve, cómo retumba el trueno, etc. Pero también se puede utilizar una interesante técnica de creatividad colectiva con metalófonos y xilófonos. Si grabas las notas F Y si(etapas IV y VII) o quitar los registros de estos sonidos para que los niños no los reproduzcan, luego pueden improvisar todo al mismo tiempo. Los niños tocan cinco sonidos. (hacer, re, mi, sal, la). El resultado son combinaciones armónicas muy interesantes, que cambian constante e inesperadamente, pero siempre muy melódicas. Al mismo tiempo, los niños pueden tocar con cualquier ritmo, pero a veces se les ofrece un ritmo determinado, por ejemplo, una negra y dos corcheas. La importancia de esta técnica no reside sólo en el desarrollo de la audición armónica. Los niños comienzan a improvisar, haciendo sus primeros intentos de crear “sus propias composiciones”.
Cabe destacar especialmente que la metodología para enseñar a tocar instrumentos en los jardines de infancia debería ser más organizada y coherente que en la práctica. El éxito de esta formación depende de la coherencia de todas las formas. lecciones de musica niños. En las clases adquieren una cierta cantidad de conocimientos y habilidades y acumulan un repertorio.
Los niños utilizan de buena gana y con gran placer las canciones y obras de teatro que han aprendido en sus juegos y las interpretan en vacaciones y entretenimiento, presentando a los niños nuevos instrumentos y tocándolos. tareas interesantes la elección de instrumentos para interpretar determinadas obras y canciones, la capacidad adquirida de evaluar (de oído) la calidad de su interpretación, de improvisar, la oportunidad de participar en varios conjuntos: todo esto hace que tocar instrumentos sea interesante para los niños y valioso para su conjunto. desarrollo musical.
Cuidando el desarrollo de las manifestaciones creativas de los niños, el maestro les ofrece una variedad de tareas, por ejemplo, evaluar la interpretación de una melodía familiar, la improvisación de un amigo o su propia interpretación de cualquier instrumento musical; elija entre los que se ofrecen un instrumento musical en el que podrá representar el canto de los pájaros, el susurro de las hojas, el aullido del viento, etc.; seleccione instrumentos musicales de timbre adecuado en los que pueda interpretar tal o cual pieza o canción; transmitir con un tambor o pandereta el ritmo de una marcha compuesta por el propio niño; intentar componer una melodía de baile, etc.
El papel del director musical y del educador es bastante obvio. No solo deben dominar los métodos de dirección de clases, sino también poder tocar libremente instrumentos musicales para niños, conocer la estructura y las técnicas para tocarlos.
Tocar instrumentos es una actividad musical interesante y útil para los niños. Los juguetes e instrumentos musicales permiten decorar la vida de un niño, entretenerlo e inspirar su propia creatividad. En el proceso de aprender a tocar instrumentos, se forman bien las percepciones auditivas, el sentido del ritmo, el timbre y la dinámica. Las acciones del niño desarrollan independencia, atención y organización.
Toda la gama de técnicas para introducir a los niños en interpretaciones musicales entretenidas y complejas los prepara bien para futuros estudios en la escuela.

PREGUNTAS Y TAREAS

1. ¿Cuál es la importancia de los juguetes e instrumentos musicales en la vida de los niños en edad preescolar?
2. Describir los tipos de instrumentos infantiles.
3. Cuéntenos sobre las características de los juguetes e instrumentos musicales para niños.
4. ¿A qué edad se recomienda aprender a tocar instrumentos musicales? Enumere los objetivos de aprendizaje.
5. Qué repertorio musical es apropiado utilizar para aprender a tocar instrumentos.
6. ¿Cuál es la metodología para enseñar a los niños en edad preescolar a tocar instrumentos musicales infantiles?
7. Utilizando el ejemplo de una pieza musical, haga un resumen de las lecciones durante las cuales el maestro enseña a los niños a tocar el metalófono.
8. Enumere las formas de aprender a tocar instrumentos infantiles.

9. Revelar las técnicas para desarrollar la creatividad musical de los niños en el proceso de dominio de la ejecución de instrumentos.

LITERATURA

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Métodos de educación musical en el jardín de infancia: “Preescolar. educación”/ N.A. Vetlugina, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarova y otros; Ed. N / A. Vetlugina. - 3ª ed., rev. y adicional - M.: Educación, 1989. - 270 p.: notas.

Notas de la lección de matemáticas:

Profesor de instrumentos de viento.

Pueblo de MBOU DOD DSHI Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Describir

Artículo: clase de instrumento de viento

Clase: 2

Tipo de lección: individual

Tema de la lección : “Metodología integral para la enseñanza de instrumentos de viento en escuela primaria»

sistema educativo utilizado (metodología, tecnología)

- El maestro crea las condiciones para el crecimiento espiritual del individuo, su necesidad de superación personal;

- Un requisito previo para la formación es la creación de requisitos previos para la transición de la educación a la autoeducación;

- Forma actividades conjuntas en el sistema: profesor - alumno; estudiante - estudiante; estudiante - padre; maestro - padre (circuito cerrado).

– El maestro desarrolla la actividad creativa en el niño. Es importante determinar las habilidades, orientación, potencialidades de cada estudiante, sus orientaciones vitales y profesionales y orientar su desarrollo. El docente también utiliza formas y métodos activos de enseñanza y educación, un enfoque de aprendizaje basado en actividades, movimiento y desarrollo basado en experiencia personal comprender y acumular nuevas experiencias y conocimientos.

Tecnología que salva la salud;

Tecnología de juegos;

Tecnología orientada a lo personal y con un enfoque diferenciado;- formación para el desarrollo;

Artístico.

Materiales metodológicos:

Gotsdiner G. Psicología musical - M., 1987.

Skok G. Cómo analizar sus propias actividades docentes - M., 2000.

Kirnarskaya D. Habilidades musicales. - “Talentos-siglo XXI”.

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Platonov P. Cuestiones sobre los métodos de enseñanza de tocar instrumentos de viento. - M., 1978.

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Kryuchkov A. Conceptos básicos de la respiración al tocar instrumentos musicales de viento para estudiantes de primaria y secundaria. educación especial. Moscú, 1985.

Ayudas técnicas para la formación. (si se usa en la lección)

Lista de grabaciones de audio, video, ayudas visuales, etc. utilizadas en la lección.

Equipo de lección :

plan de lección;

dos saxofones (uno para el profesor);

piano;

atril;

partituras;

material didáctico (tarjetas con tareas, dibujos infantiles).

Objetivos de la lección :

Educativo :

Formación de habilidades básicas en el dominio del saxofón:

1. cierre seguro de las válvulas con los dedos de ambas manos, flexibilidad de los dedos

para algunas digitaciones;

2.aprender la correcta posición “libre” del aparato labial

(embocadura);

3. uso correcto de la respiración durante el juego;

Educativo:

Desarrollo de empresas independientes y trabajo creativo desde las primeras lecciones

música;

Desarrollo de la audición, la memoria, el ritmo, el pensamiento musical;

Desarrollo de habilidades básicas en el dominio del saxofón.

Desarrollo de una perspectiva general, desarrollo de la voluntad y control de la conducta.

Educativo:

Educación del gusto estético.

- fomentando la perseverancia y el trabajo duro.

Objetivos de la lección:

formar un músico sensible y educado, intérprete de orquesta y de cámara, así como solista, que domine los medios de expresión característicos de su instrumento y sea capaz de revelar el contenido de las obras musicales a los oyentes;

aprenda a escucharse y oírse a sí mismo durante el proceso de interpretación.

Métodos y técnicas para la implementación de las tareas asignadas:

Observación;

Audiencia;

Práctico;

Visual;

Resultado esperado :

- consolidación de las habilidades iniciales para tocar el saxofón en combinación con

mejorando el estado físico y psicológico del cuerpo.

- aprender a tocar un instrumento con fluidez

Domina las principales tareas de la tecnología de juegos.

Adquirir experiencia en trabajos analíticos al realizar estudios, escalas,

ejercicios y juegos

Parte principal de la lección:

“Metodología integral para la enseñanza de instrumentos de viento en educación primaria”.

1.Introducción: introducción al instrumento.

El saxofón es un instrumento relativamente joven, cuyo inventor fue el talentoso músico belga Adolphe Sax (1814-1894). Después de mucha búsqueda y experimentación, logró hacer la primera copia de un instrumento musical inusual, que recibió el nombre de su inventor. Esto sucedió alrededor de 1840. Sax fue el primero en actuar en concierto frente a un público, demostrando con su interpretación todas las ventajas del saxofón.

Posteriormente, Sax desarrolló su idea constructiva, que le llevó a la creación de toda una familia de saxofones. Hizo la primera familia para usarla en una orquesta de ópera y sinfónica, y la segunda, como parte de una banda de música. Además, cada tipo de saxofón recibió su nombre de acuerdo con los nombres aceptados. voces cantando: sopranino, soprano, alto, tenor, barítono y bajo. Los saxofones del primer grupo no resistieron el paso del tiempo y dieron paso a los instrumentos de la segunda familia. Estos son los instrumentos que los saxofonistas tocan hoy en el escenario de conciertos, en orquestas y conjuntos.

Los primeros en experimentar la belleza del timbre del saxofón, principalmente como miembro de una orquesta de ópera y sinfónica, fueron destacados franceses. compositores XIX siglo G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, C. Saint-Saens, V. d'Indy y otros. Fueron ellos quienes anticiparon el futuro del saxofón y la perspectiva de su participación en diversas formas académicas y géneros del arte musical. En el siglo XX se crearon especialmente muchas obras maravillosas para saxofón. La música fue escrita para él por A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Ibert, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov, A. Eshpai y otros. Además de la interpretación solista y orquestal, se ha generalizado la forma de tocar el saxofón en conjunto. Además de obras escritas especialmente para saxofón, el repertorio de los intérpretes incluye numerosos arreglos y transcripciones de música clásica, que también revelan las capacidades naturales del instrumento.

Los saxofonistas han logrado grandes logros en el campo de la música jazz, donde el instrumento ha ocupado durante mucho tiempo una posición de liderazgo.

El saxofón pertenece al grupo de los instrumentos de viento madera y tiene una estructura compleja. Consta de tres partes principales: una boquilla concaña, tubo de plomo y cuerpo con sistema desarrollado mecanismo de palanca de válvula. El extremo del tubo del instrumento tiene forma de campana girada hacia arriba.

Una parte importante del saxofón esboquilla, Representando en su apariencia un cilindro hueco en forma de pico. Está hecho de caucho, ebonita, plexiglás o una aleación metálica especial. La boquilla influye mucho en el sonido del instrumento, o más bien en el color del sonido. La boquilla se conecta y retira fácilmente del tubo de plomo.

2. Marco racional.

Para dominar con éxito la técnica de tocar el saxofón, especialmente en la etapa inicial de las lecciones, el futuro músico primero necesita comprender claramente las reglas básicas de la puesta en escena y luego implementarlas en el proceso de trabajo individual.

El concepto de "puesta en escena" significa un conjunto de reglas para la posición racional y la interacción de todos los componentes del aparato interpretativo del músico (respiración, labios, dedos, manos, etc.). La puesta en escena racional ayuda al saxofonista a lograr resultados de interpretación de alta calidad con el mínimo esfuerzo y tiempo, y a evitar tensiones musculares adicionales e innecesarias. El objetivo de una correcta configuración es facilitar la organización eficaz y disciplinada de las lecciones de instrumento, en las que la elección de las técnicas, métodos y ritmos de trabajo debe realizarse teniendo en cuenta el nivel y la duración de la formación del músico, así como su habilidades individuales.

Una formulación racional incluye los siguientes elementos:

1. Configuración general – manera conveniente sosteniendo el saxofón en las manos, la posición correcta del cuerpo, cabeza, brazos, dedos de manos y pies.

2. Puesta en escena de la respiración: métodos de control voluntario de la respiración y reglas para cambiar la inhalación durante el juego.

3. Colocación de la embocadura: la ubicación más adecuada de la boquilla en los labios, la forma y naturaleza de la acción de la embocadura y la mandíbula inferior.

4. Articulación – posición de la lengua, forma de la cavidad bucal.

5. Digitación: colocación de los dedos sobre el instrumento, organización de acciones precisas, coordinadas, reflejas estables, libres y económicas del aparato de los dedos.

El requisito previo más importante para desarrollar las habilidades de la técnica interpretativa de un saxofonista es el cumplimiento de los requisitos que garantizan el desempeño general del juego. Se reducen a los siguientes puntos.

El saxofonista debe mantener el cuerpo y la cabeza rectos y rectos, sin desviaciones hacia los lados ni inclinaciones hacia adelante o hacia atrás. La postura al tocar debe ser natural y relajada, independientemente de si el saxofonista toca el instrumento de pie o sentado. En este caso, el pecho debe estar ligeramente elevado y los hombros girados. Esto dará a los músculos respiratorios mayor libertad para trabajar.

Un buen apoyo en los pies ayuda a mantener una postura corporal adecuada cuando se juega de pie. Para ello, es mejor extenderlos a lo ancho de los pies, girar los dedos y avanzar un poco la pierna izquierda. Cuando se juega sentado, se recomienda sentarse erguido, a mitad de la silla, sin apoyarse en el respaldo. Está estrictamente prohibido cruzar las piernas mientras se hace esto. El saxofón alto se coloca en las manos en diagonal a través del cuerpo, apoyando la curva inferior del tubo sobre el muslo derecho del instrumentista. Una correa especial con mosquetón permite adaptar el saxofón a una posición estable, lo que permite ajustar la altura requerida de suspensión del instrumento.

Se puede ajustar un ajuste cómodo alrededor de los labios de la boquilla con caña girando la boquilla en el tubo de la boquilla sin cambiar la posición de la cabeza.

La posición general del saxofonista se caracteriza por que el codo derecho se mueve ligeramente hacia atrás, alejándose del cuerpo. Los dedos se colocan sobre las teclas principales (nácar), a una distancia de aproximadamente un centímetro de su superficie. Deben estar (a excepción de los pulgares) en un estado redondeado y relajado, y en la zona de curvatura de la primera y segunda falange deben acercarse a una posición vertical. La pulsación de teclas y palancas se realiza con las yemas de los dedos sin aumentar la presión, con cierto avance en el ataque del sonido. Cuando se presiona dedos índice Los pequeños movimientos de las manos deben conectarse con las solapas laterales. La correcta colocación de los dedos se ve facilitada por el estado natural de las muñecas, que junto con las manos forman una línea recta. Cuando los dedos de la mano izquierda tocan las válvulas laterales, se produce cierta flexión de la muñeca.

técnica de respiración .

En el proceso de desarrollo constante de la técnica individual para tocar el saxofón, la puesta en escena de la respiración profesional, es decir, la interpretación, es de particular importancia.

La respiración profesional de un saxofonista es una respiración específica: además de la función fisiológica (intercambio continuo de gases), realiza la función de suministro oportuno de aire al instrumento. Esta respiración se basa en la capacidad del saxofonista para controlar voluntariamente las fases de inhalación y exhalación. Ambas fases de la respiración están interconectadas y ocurren bajo sus propias condiciones especiales: inhalación rápida y corta y exhalación larga y uniforme. La principal dificultad de la técnica respiratoria radica en la coordinación de las dos fases respiratorias. El uso hábil por parte del saxofonista de la flexibilidad natural de los músculos respiratorios y el uso de un tipo de respiración racional ayudan a superar esta dificultad.

Al tocar el saxofón, la inhalación se realiza de forma rápida y silenciosa por las comisuras de la boca y parcialmente por la nariz. Al inhalar, el saxofonista no debe aspirar demasiado aire para evitar tensiones innecesarias. músculos respiratorios. También es necesario asegurarse de que los hombros no se levanten al inhalar. La velocidad de la inhalación debe corresponder al tiempo asignado para cambiar la respiración: cuanto más corta es la pausa, más rápido se realiza la inhalación y viceversa.

Hay dos tipos de respiración: diafragmática y toracoabdominal.

La respiración diafragmática se caracteriza por el movimiento activo del diafragma y las costillas inferiores. Suele utilizarse cuando se tocan formaciones musicales cortas o en los casos en los que el saxofonista tiene poco tiempo para respirar. Y viceversa: cuando se asigna suficiente tiempo para reproducir la inhalación, se recurre a un tipo de respiración profunda: la abdominal, que permite interpretar largas frases musicales sin un esfuerzo excesivo forzado.

El desarrollo de la técnica de la respiración se puede realizar de dos formas: sin instrumento y mientras lo toca.

El primer método es auxiliar. Se basa en que el saxofonista realiza diversas series de ejercicios físicos generales y especiales de respiración que contribuyen favorablemente a la vitalidad general del cuerpo y fortalecen el aparato respiratorio. Los ejercicios de respiración son especialmente útiles para un saxofonista principiante, ya que le permiten adquirir rápidamente la habilidad de controlar conscientemente la frecuencia y profundidad de la inhalación, la relación entre la duración de la inhalación y la exhalación y el grado de tensión en la zona de soporte respiratorio. .

La segunda forma en que se desarrolla la técnica respiratoria es la principal. Se caracteriza por la reproducción sistemática de sonidos continuos en diversos tonos dinámicos, así como por la interpretación de música de carácter lento y, por supuesto, varios tipos de ejercicios.

También inflar billetes conF en pagy de vuelta. Tocar notas largas en octavas.

3. Producción de sonido. Formación de la embocadura.

Al tocar el saxofón, las acciones más sutiles y complejas las realizan unos labios formados y entrenados de una determinada forma. La combinación de músculos labiales y faciales involucrados en la producción de sonido y su posición característica alrededor de la boquilla con un bastón forman un complejo fisiológico especial: la embocadura (deFrancés las palabras bouche - boca y embocadura - llevarse a la boca. Para posicionar correctamente la embocadura se deben cumplir las siguientes condiciones:

1.respira profundamente sin levantar los hombros.

2. Meta ligeramente el labio inferior sobre los dientes inferiores.

3. Coloque los dientes superiores firmemente en la boquilla en el centro y cierre las mandíbulas.

4. Mantén tus labios en una media sonrisa.

5. Coloque la lengua debajo del bastón y sople aire silenciosamente, al mismo tiempo moviendo la lengua profundamente y hacia abajo, sin inflar las mejillas.

6.estire el sonido, asegure la uniformidad de la entonación.

El primer sonido se emite en la boquilla y sólo cuando la entonación se estabiliza, comienzan las lecciones sobre el instrumento. Como regla general, los ejercicios para desarrollar la técnica respiratoria son adecuados para entrenar el aparato labial. También en la etapa inicial del entrenamiento, se entrena la elasticidad de los músculos labiales. bocetos simples:

A medida que se consolidan las habilidades motoras de la embocadura, aparecen fuerza y ​​​​resistencia en los labios, se pueden complicar los ejercicios de entrenamiento y pasar a dominar los registros extremos del instrumento.

La colocación de la embocadura es inseparable de la preaudición auditiva de la calidad del sonido que se extrae. La memoria muscular y la audición interactúan simultáneamente, proporcionando así el timbre, la dinámica y la entonación necesarios para el sonido del saxofón en varios registros. La embocadura coordina su trabajo con otros departamentos del aparato interpretativo del saxofonista, uniéndose con ellos en una compleja cadena de formación de sonido.

Un saxofonista necesita controlar constantemente el estado de sus labios, protegerlos de diversas lesiones y grietas. Si el labio inferior está cortado por los dientes, puede utilizar revestimientos dentales hechos de papel, algodón, goma elástica o solicitar un revestimiento especial a los protésicos dentales.

Ataque sonoro.

Al tocar el saxofón se lleva a cabo el inicio de la producción de sonido. de varias maneras asociado con el movimiento simultáneo de la lengua y la corriente de aire exhalado. Este momento inicial de producción de sonido se llama ataque sonoro. El saxofonista debe conceder especial importancia al ataque, ya que caracteriza la forma individual de pronunciar el sonido.

El ataque del sonido está garantizado por el trabajo activo de todo un grupo de músculos de la lengua que, cuando se contraen, cambian la configuración de la lengua: haciéndola plana o gruesa, relajada o densa.

Antes de que se produzca el sonido, la lengua está en posición adelantada, tocando adentro"cojín" muscular del labio inferior, y parte superior– bastones.

estabilidad de la entonación y calidad del tono.

La consolidación de esta habilidad escénica inicial se puede llevar a cabo sobre la base del trabajo en un ejercicio especial, por ejemplo:

4.Técnica de juego.

De gran importancia para la adaptación individual de un saxofonista a su instrumento es el desarrollo de una variedad de movimientos de los dedos de ambas manos en constante interacción, que proporcionan el contacto necesario con el mecanismo de válvula y palanca del saxofón.

La técnica de los dedos del saxofonista presupone la capacidad de tocar de forma rápida, clara, coordinada y libre de tensiones innecesarias. Esta cualidad se adquiere en una secuencia determinada (de lo simple a lo complejo) y está sujeta a una formación larga y reflexiva. El trabajo de los dedos está coordinado con el funcionamiento lúdico de la respiración, la embocadura, el aparato articulatorio y la audición.

La formación de habilidades de juego del aparato de los dedos tiene los siguientes patrones generales:

1. En la etapa inicial de trabajo de la motricidad de los dedos, la habilidad motora se forma progresivamente, a partir de un ciclo repetitivo de ejercicios, es decir, la consolidación de un estereotipo reflejo de movimientos.

2. En la etapa posterior del trabajo técnico, se produce la estabilización de la habilidad motora, el movimiento de los dedos adquiere un carácter variable: cuando cambian las condiciones de entonación, dinámica y timbre del juego, se pueden realizar acciones con varias combinaciones de dedos, y cuando surgen estímulos externos extraños, los dedos actúan de manera constante sin violaciones o interrupciones de la digitación.

3. Dependiendo de las situaciones de juego, ciertos movimientos de digitación memorizados, por muy automatizados que estén, pueden realizarse de forma inconsciente o consciente.

4. La consolidación refleja de las habilidades se adquiere mejor cuando se trabaja con material técnico a un ritmo lento, mediante múltiples repeticiones, cuyo número debe ser óptimo e individual para cada saxofonista.

5. Durante la transición de la etapa inicial de automatización de los movimientos a una mayor mejora de la fluidez de los dedos, la consolidación de una habilidad motora se ralentiza un poco, mientras que el crecimiento de la técnica de ejecución se produce espasmódicamente, con aumentos y retrasos.

En el proceso de trabajar la técnica de los dedos, el saxofonista desarrolla una sensibilidad músculo-motora específica, lo que le permite coordinar con precisión las acciones motoras de sus dedos en términos espaciales, temporales y de digitación. Es necesario desarrollar la técnica de los dedos mediante los siguientes ejercicios:
Al tocar varios ejercicios, escalas y estudios, la tarea principal de un saxofonista principiante es colocar libremente los aparatos de ejecución (manos, dedos, embocadura, respiración).

5.Análisis del resultado de la lección:

Las principales metas y objetivos de la lección eran enseñar al niño a tocar el instrumento correctamente. El niño aprendió los principios iniciales para configurar todo el aparato en su conjunto: esto incluye cómo sostener el instrumento correctamente, cómo sostener la cabeza y el cuerpo, cómo deben funcionar los labios y los dedos. Además, el niño sabe en qué secuencia estudiará, qué ejercicios para desarrollar ciertos tipos de técnica utilizará durante las lecciones. Las habilidades adquiridas en la lección inicial deben desarrollarse y mantenerse durante todo el proceso de estudio en una escuela de música.

Formularios de verificación tarea alumno:

Para la casa se pide lo siguiente:

1. Tocar sonidos largos en secuencia directa - 10 min Tocar la escala comentada en la lección.

2.Análisis independiente del boceto.

3.Trabajar en el trabajo, completando las tareas asignadas en la lección.

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Transcripción

1 Esquema del plan de la lección abierta de la profesora Galina Vyacheslavovna Gorobtsova en la clase de piano. La lección se llevó a cabo con un estudiante de tercer grado del departamento de estética general, Georgy Gorobtsov. Se utilizó un programa adaptado a variables para la asignatura “Piano Especial”. Todas las secciones que se utilizan en la lección ayudan a resolver los problemas principales. Tema de la lección: "Desarrollo de habilidades para leer notas de una hoja". Objeto de la lección: Desarrollo de horizontes musicales, activación del pensamiento, audición, coordinación al leer notas de una hoja. Objetivos: educativo - dominio del estudiante de conocimientos teóricos y habilidades prácticas; desarrollo Tipo de lección: - dominar la notación musical; - desarrollo de la coordinación; - desarrollo del ojo musical; - desarrollo de habilidades rítmicas; - organización rítmica de la interpretación; - adquisición de habilidades de control auditivo. Lección sobre consolidación y sistematización de conocimientos y habilidades. Métodos y tecnologías de enseñanza: - visual; - verbal; - práctico; - emocionalmente cognitivo; - métodos de generalización; - tecnologías de juego; - tecnologías de ahorro de salud. Equipo de lección: - instrumento musical; - partituras; - material didáctico; - material didáctico.

2 Plan de lección I. Etapa organizativa. a) saludo, estado de ánimo psicológico del alumno; b) comunicar el tema de la lección y sus objetivos. II. Parte principal. 1. Dominar el alfabeto musical 2. Ejercicios para desarrollar la coordinación 3. Dominar la notación musical 4. Ejercicios rítmicos 5. Desarrollo de la habilidad de “mirar-oír” hacia adelante 6. Formación de la habilidad de memorizar rápidamente texto “fotografiar” 7. Conjunto reproducción de música III. Parte final Resumiendo (evaluando la efectividad de la lección). Tarea. Progreso de la lección II. La parte principal de la formación de habilidades para leer música a partir de una partitura está asociada con la solución secuencial de toda una gama de problemas prácticos y pedagógicos. Con la práctica regular de la lectura a primera vista, los horizontes musicales del estudiante se expanden, se desarrolla el oído para la música y el pensamiento, se facilita la tarea de organizar el aparato pianístico, se desarrolla una rápida orientación en el teclado, se desarrollan habilidades motoras complejas y se forma una base para el acompañante. Se forma la práctica y la interpretación en conjunto. ¿Dónde comienza el desarrollo de las habilidades de lectura a primera vista? Desde conocer el alfabeto musical. Utilizo tres círculos del alfabeto musical en mi trabajo: - el primer círculo son secuencias de siete notas, dispuestas en orden, donde cada una de las siete notas puede ser la primera. Pronunciamos el primer círculo del alfabeto musical a partir de los sonidos dados. -el segundo círculo del alfabeto musical es la secuencia de “terceros”, donde cada nota también puede ser la primera. Pronunciamos el segundo círculo del alfabeto musical a partir de los sonidos dados. - Hoy nos familiarizaremos con el tercer círculo del alfabeto musical: la "cuarta" secuencia. Pregunta al alumno: ¿dime qué es un “cuarto”? Respuesta: Un cuarto es un intervalo de cuatro pasos de ancho. - Ahora tocarás y nombrarás las notas, recorriendo este intervalo desde la tecla “C” de la primera octava hasta llegar al “C” de la cuarta octava. Y luego, retroceda en orden inverso, continuando nombrando cada tecla tocada. El alumno toca y recita el tercer círculo del alfabeto musical. - Tengo una tarjeta en la que están escritas todas las opciones para el tercer círculo, en casa seguirás estudiándola usándola. Las acciones relacionadas con la motricidad son la parte más elemental para desarrollar la habilidad de leer notas de una hoja. La formación de tal orientación, el desarrollo de una representación visual del teclado del piano, comienza en el proceso de estudio de escalas y ejercicios. Aprendemos la escala usando una técnica non legato en una octava, y luego tocamos con diferentes golpes sin mirarnos las manos. Lo mejor es elegir una escala utilizando teclas negras como: D, A, E, B mayor, y posteriormente menores: C, G, D. Son las teclas negras las que servirán como guía confiable para los dedos privados de soporte visual.

3 Se invita al estudiante a tocar cualquiera de las escalas nombradas con golpes no legato y staccato. Al mismo tiempo, intentamos concentrar toda su atención en el sonido y la articulación. Desde las primeras lecciones comenzamos a dominar la notación musical con el estudio de dos claves al mismo tiempo, y numeramos cada línea tanto en clave de sol como de fa con los números 1,2,3,4 y 5. La línea adicional de la nota “C” de la primera octava recibió el número cero. Contrariamente a la tradición, las líneas de clave de fa se cuentan de arriba a abajo. - Encuentra y toca la clave que está escrita en la cuarta línea de la clave de sol; en la primera línea de la clave de fa; regla cero con la mano derecha, entre la quinta y la cuarta en clave de fa con la mano izquierda al mismo tiempo. - Ahora toca la tecla Fa de la segunda octava y dime en qué regla está escrito; clave de la octava pequeña y nombre su ubicación en el pentagrama. Tocar notas presenta nuevas dificultades para un niño. Es aconsejable reducir al mínimo la gama de problemas. Tocar en la etapa inicial con un dedo le permite concentrarse en la producción correcta del sonido, las piezas no deben ser complicadas, el niño debe tocar mirando las notas; - Ahora tú y yo jugaremos el ejercicio “Pathfinder” (de material didáctico“En la música con alegría” de O. Getalova e I. Vizna.) Y si en lecciones anteriores “seguiste el rastro” ya sea en clave de sol o de fa, hoy haremos ejercicios usando dos claves al mismo tiempo. Pregunta: ¿Con qué nota empezarás el juego? Respuesta: de la nota C. - Tu tarea es mirar las notas, determinar dónde y cómo se mueve la melodía: espasmódicamente, con un movimiento escalonado hacia arriba o hacia abajo. Se sabe que los niños desarrollan habilidades métricos mucho más rápido y más fácilmente que las habilidades de tono, razón por la cual algunos profesores no prestan suficiente atención a la educación métrica. Para que a los estudiantes les resulte más fácil navegar por el ritmo y no crear dificultades rítmicas al leer notas de una hoja, es recomendable utilizar ejercicios rítmicos especiales, aislando y resolviendo por separado las relaciones de varias figuras rítmicas. En la etapa inicial del entrenamiento son suficientes dos figuras rítmicas (una mitad y dos cuartos, o un cuarto y dos octavos). Pregunta: si yo camino en cuartos y tú caminas en octavos, ¿cuántas veces más rápido deberías moverte? Respuesta: dos veces. - Caminemos en octavos y yo caminaré en cuartos. - Ahora cambiemos, yo estoy en octavos y tú en cuartos. Pregunta: en la última lección, tú y yo cantamos la canción "Our Kitten" con letra. ¿Qué duraciones se encuentran aquí?

4 Respuesta: cuarto y medio. -¿Has notado que las palabras te ayudan a sentir el patrón rítmico de este canto? Toca el ritmo, pronunciando sílabas rítmicas. - Ahora veamos la canción popular rusa "Loaf". Pregunta: ¿cual es el tamaño de la canción? Respuesta: 4/4 Pregunta: mira atentamente el primer compás, ¿qué puedes decir al respecto? Respuesta: tiene dos tiempos en lugar de cuatro, lo que significa que es optimista. Pregunta: ¿recuerdas qué es un grifo?

5 Respuesta: Hubo una vez un tiempo en la obra, el primer tiempo fue, pero le sucedió una desgracia y se partió en dos partes. El comienzo de este ritmo estuvo detrás de toda la obra. Y el final del mismo compás subió al principio y se convirtió en un tiempo superado. Por eso ahora el conteo se hace al revés. - Yo tocaré el acompañamiento y tú palmas el ritmo de la melodía: Es recomendable empezar a leer las obras directamente desde la partitura al inicio del entrenamiento con una tarea simplificada de lectura de la melodía (tocar con palmas, voz, etc.) . También es posible utilizar ejercicios especiales: el profesor toca la pieza y el alumno recita las notas en voz alta:

6 El profesor comienza a tocar la frase, el alumno la continúa gritando las notas en voz alta, pero manteniendo la continuidad del movimiento. Así, se desarrolla la capacidad de seguir atentamente las notas y “mirar y oír”. Entre los ejercicios que desarrollan la habilidad de percepción acelerada del texto, la llamada fotografía juega un papel importante. Al alumno se le muestra un fragmento de texto (motivo, frase, oración), que debe recordar, imaginar mentalmente en sonido y jugar. En el momento de la actuación, el alumno lee y recuerda el siguiente fragmento. Primer fragmento: Segundo fragmento: Es muy útil utilizar formas musicales en conjunto en todas las etapas del aprendizaje. Este juego introduce al estudiante a sonidos relativamente complejos que le resultan inaccesibles en la interpretación en solitario, disciplina la voluntad, entrena la atención y le ayuda a sentir el movimiento metro-rítmico de la música. - Ahora tú y yo leeremos a primera vista un conjunto llamado “Toy Bear”. Intenta mirar hacia adelante, escucha atentamente la segunda parte y sigue el desarrollo rítmico de la pieza.

7III. Parte final La formación de la habilidad de analizar y leer rápidamente textos musicales está estrechamente relacionada con el desarrollo musical y pianístico general del niño. Los mejores resultados en la habilidad de leer notas de una partitura se logran cuando esta habilidad se forma desde los primeros pasos de la formación de un pianista. La experiencia demuestra que incluso los estudiantes débiles, que juegan sistemáticamente sin ser vistos, avanzan mucho más rápido y con más confianza. Desarrollan un interés por tocar un instrumento. El maestro debe aprovechar todas las oportunidades disponibles para inculcar en sus alumnos el amor por la lectura a primera vista y la interpretación musical independiente. Pregunta: ¿Qué aprendiste en la lección de hoy? Respuesta: en el tercer círculo del alfabeto musical, nos familiarizamos con nuevas canciones. La tarea es repetir el primero, segundo y aprender el tercer círculo del alfabeto musical, tocar escalas y leer a primera vista. Evaluación del trabajo realizado por el alumno: ¿se ha logrado el objetivo de la lección (dominar la lectura a primera vista?) ¿Ha comprendido mejor cómo trabajar en casa?

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