38 Kiseleva Maria. Robber Musil : le corps et la parole comme moyen de comprendre les héros // Questions de littérature. 2009. N° 3. P. 350.
39 Spengler Oswald. Le déclin de l'Europe. Essais sur la morphologie de l'histoire du monde. T. 1. Gestalt et réalité. M. : Mysl, 1993. P. 231.
40 Mannheim Karl. Idéologie et utopie // Karl Mannheim. Diagnostic de notre époque. M. : Avocat, 1994. P. 185.
41 Zamiatine Evg. Paradis // Zamiatine E.I. Je crains. P. 53.
42 Puits Herbert. Utopie moderne. P. 189.
* Nous n'avons conservé ce mot que sous la forme d'une métaphore poétique : composition chimique cette substance nous est inconnue.
43 Arendt Hannah. Les gens dans les temps sombres. M. : École de recherche politique de Moscou, 2003.S. 21.
44 L'étymologie de Shklovsky est très douteuse. Comme vous le savez, le nom Méphistophélès est peut-être grec. origine - "détestant la lumière", de moi - non, phos - lumière et philos - aimant ; selon une autre version, l'hébreu ancien. origine - de mefitz - propagation (distribution) et tofel - souillure, péché. Cela n'apparaît pas dans la Bible. Apparu très probablement à la Renaissance.
45 Chklovski Victor. Plafond d'Evgeny Zamyatin // Compte Shklovsky V.B. Hambourg : Articles, mémoires, essais (1914-1933). M. : écrivain soviétique, 1990. P. 259.
46 Zamiatine Evgeniy. À propos des laquais // Zamyatin E.I. J'ai peur. P. 38.
47 Zamiatine E. I. H.G. Wells// Zamiatine E.I. Izbr. prod. : en 2 volumes T. 2. M. : Khudozh. lit., 1990. P. 306. Dans une édition récente, ce livre a été traduit par « Modern Utopia ».
Les bienfaiteurs, que le héros compare à Jéhovah, sont des « gardiens », c’est-à-dire des agents de renseignement que le narrateur compare à des anges gardiens. Les ennemis du système eux-mêmes prennent le nom de « Mefi ».
49 Stepun F.A. Signification religieuse révolution // Stepun F. A. Vie et créativité. Œuvres choisies. M. : Astrel, 2009. P. 486.
50 Florovsky Gueorgui. Prérequis métaphysiques de l'utopisme // Florovsky Georgy. Du passé de la pensée russe. M. : Agraf, 1998. P. 273.
51 Frank S. L. Hérésie de l'utopisme // Frank S. L. Au-delà de la droite et de la gauche. Paris : YMCA-Press, 1972. pp. 86-87.
52 Voir mon article à ce sujet : Dostoïevski, Nietzsche et la crise du christianisme en Europe fin XIX- début du XXe siècle // Questions de philosophie. 2002. N° 9. P. 54-67.
CDU 18.111.85:7.01
Natalia Alekseevna Terentyeva
État de Tcheliabinsk Université pédagogique
LE BALLET COMME PHÉNOMÈNE ARTISTIQUE ET CULTUREL : CARACTÉRISTIQUES ESSENTIELLES ET APPROCHES DE DÉFINITION
L'article révèle les principaux caractéristiques essentielles le ballet en tant que phénomène culturel, les principales approches culturelles nécessaires pour révéler l'essence de l'art du ballet sont analysées ; la spécificité de la lecture culturelle du ballet en tant que système socioculturel est déterminée.
Mots clés: ballet, art du ballet, synthèse des arts, créativité, performance scénique, divertissement.
© Terentyeva N.A., 2011.
Le ballet, à la fois le ballet en général et un spectacle de ballet spécifique, peut être qualifié de phénomène une vie culturelle, qui a une longue tradition d'existence historique et culturelle, agissant comme un phénomène efficace culture artistique société. Le moins controversé est la tradition historique et culturelle du ballet, incarnée dans la galaxie des noms légendaires d'interprètes, de professeurs de ballet, de chorégraphes, de compositeurs, de chefs d'orchestre et d'artistes. La composante impériale du ballet russe l'a longtemps classé comme une forme particulière de « sacrement esthétique », fascinant par sa théâtralité lumineuse, sa combinaison talentueuse de contes de fées avec la réalité, la diversité des originaux. technique de danse, une pantomime expressivement claire, le génie de l'accompagnement musical, des rythmes vifs de l'action scénique.
Cela ne semble pas être une coïncidence Importance culturelle le ballet en Russie comme une marque unique, esthétique " carte de visite» L'art russe (confirmé par le statut particulier du Théâtre Bolchoï ; définition traditionnelle le ballet comme élément de fierté nationale). Le mot « ballet » dans notre esprit est associé au théâtre - des loges dorées, des rangées de chaises en velours, un lustre étincelant, une fosse d'orchestre, un lourd rideau qui, une fois ouvert, nous montre une belle image du royaume des fées magiques. , jeunes princes et princesses, cygnes enchantés, bons et colériques, parfois rusés, parfois tristes, mais toujours inoubliables.
Considérant dans cet article le ballet comme un phénomène culturel particulier, il est nécessaire de souligner un certain nombre de traits caractéristiques, définissant sa spécificité. L'art du ballet est syncrétique et universel : le ballet (forme traditionnelle, classique) est impossible sans musique, inexpressif sans décoration, pauvre sans source littéraire. L'universalisme du ballet se manifeste le plus clairement dans sa présence culturelle générale, sa facilité de pénétration même dans les cultures qui ne connaissaient pas d'analogues nationaux (naturellement, lorsqu'il est réfracté dans mentalité nationale, vision du monde, traditions d'expression artistique). Le ballet est un art synthétique ou « synthèse des arts ». Après tout, le ballet combine trois fondamentaux - la danse, la musique et le théâtre - et plusieurs arts « supplémentaires » (ou « auxiliaires ») - visuels, littéraires, etc. Il est clair que le cinéma est dans la même situation. arts performants, en partie - l'architecture, surtout non pas pratique, mais religieuse (édifices religieux), qui combine également la composante principale elle-même - l'architecture avec les beaux-arts, avec la sculpture, indirectement - avec la musique (puisque catholique ou Église orthodoxe il est difficile d'imaginer « silencieux », sans musique ni liturgies, et même dans des moments de silence - c'est son but qui ne permet pas de s'oublier, puisque le temple est conçu en tenant compte des exigences de l'acoustique, c'est-à-dire , la fonction musicale et sonore y est intégrée dès le début). Cependant, le ballet a sa propre essence dans cette série - le centre de son action est le drame, et la danse et la musique sont les langages dans lesquels le ballet « parle » à son public.
Un spectacle de ballet a un caractère d'action communicatif. Elle est représentée par plusieurs faces : la communication entre les danseurs qui expriment directement l'intrigue et le contenu du ballet, son système images artistiques; communication entre individus moyens expressifs(musique, danseurs, etc.) ; communication entre les artistes (y compris les musiciens) et le public. Les deux premiers types de communication permettent d'émerger le troisième type - qui est le sens du ballet en tant que spectacle, c'est-à-dire public, communicatif, transmettant le sens de l'action.
L'art du ballet - scène-public - est une créativité qui intéresse non seulement l'auteur du ballet (chorégraphe, compositeur, librettiste, artiste, artistes), mais aussi
spectateurs. L'art fait partie de la culture spirituelle de toute l'humanité, et le ballet en tant qu'art est le résultat de l'activité de toute l'humanité. Le ballet, en règle générale, ne se concentre pas sur l'expression d'un raisonnement philosophique abstrait ; il vise à démontrer les images les plus simples et donc les plus complexes - des images d'expériences sensuelles et émotionnelles. L'art du ballet est extrêmement populaire dans le monde entier. Unique au niveau national pour chaque nation, il ne nécessite pas de traduction dans d'autres langues et est compréhensible par tous, quels que soient leur lieu de résidence, leur culture, leur activité et leur langue de parole.
Ainsi, on peut dire que l'art du ballet est démocratique dans sa perception et supprime les barrières nationales (même si la perception du ballet national d'une autre culture nécessite une certaine préparation ou familiarité avec cette culture). Art de la danse dans le théâtre de ballet atteint son plus haut développement. Elle se conjugue ici avec la dramaturgie, révélatrice de personnages et de relations, avec la musique dans ses plus hautes formes symphoniques, avec les beaux-arts dans les réalisations modernes. La nature synthétique du théâtre de ballet combine différents arts en un seul tout artistique.
Une caractéristique essentielle du ballet est son divertissement (après tout, il n'est pas destiné principalement à la contemplation méditative, comme les objets arts visuels ou architecture), qui se réalise à travers son caractère scénique. Le côté spectaculaire de la danse, c’est aussi sa conception, ou son « motif ornemental" D’où le besoin de sa conception visuelle et de son costume. Le ballet naît là où un spectacle est construit sur la base de la danse et où la chorégraphie devient un phénomène théâtral. La danse se développe avec le temps et est capable d'exprimer des états, des actions et des actions. Une danse qui porte un contenu efficace acquiert une dramaturgie. La dramaturgie de la danse constitue le noyau efficace du ballet. L'unité du scénario et de la musique détermine la dramaturgie du ballet. Le scénario (livret) d'un ballet donne généralement un bref résumé verbal des idées, de l'intrigue, du conflit et des personnages du futur spectacle. Une partie de la chorégraphie, avec la danse classique, est un moyen d'expression spécial du ballet : la pantomime.
Grande importance pour le ballet, il a son intrigue, exprimée à travers une dramaturgie spécifique du ballet. La dramaturgie du ballet présente diverses caractéristiques externes et internes et dépend de l'idée du ballet, de l'intrigue, du conflit, du genre et du style de l'œuvre. Même la base sans intrigue initialement donnée du ballet est toujours exécutée de manière séquentielle et a sa propre dynamique interne.
Une autre particularité du ballet est liée à son base littéraire, la textualité de l’action. À notre avis, cette particularité confère au ballet une certaine composante mythologique, une base verbale et symbolique de l'action. La dramaturgie de scénario relie le ballet à la littérature, puisque le scénario du ballet est une intrigue énoncée verbalement. Très souvent, un scénario de ballet est créé sur la base de Travail littéraire ou source-épique, mythe. Le grand J. J. Nover, chorégraphe, réformateur et théoricien du ballet, a souligné dans son livre « Lettres sur la danse et les ballets » l'importance de la littérature dans le ballet. Survivre dans le répertoire moderne oeuvres du XIX siècle - le ballet « Corsaire » d'A. Adam, le ballet « Esmeralda » de C. Pugni, sont associés à des œuvres marquantes littérature romantique D. Byron et V. Hugo. Les célèbres chefs-d'œuvre de P. I. Tchaïkovski ont une base littéraire de conte de fées (« La Belle au bois dormant » de Charles Perrault, « Casse-Noisette » d'Hoffmann).
Dans le même temps, le ballet s'appuie en grande partie sur l'héritage verbal classique de la culture, sur la couche culturelle de base du texte sacré (classiques) - introduction au grand monde littérature classique. « La fontaine Bakhchisaraï » de B. Asafiev (chorégraphe R. Zakharov), « Roméo et Juliette » de S. Prokofiev (chorégraphe L. Lavrovsky), « Laurencia »
A. Kerin (chorégraphe V. Chebukiani), « Taras Bulba » de V. Soloviev-Sedoy (chorégraphe B. Fenster), « Cavalier de bronze» R. Glière (chorégraphe R. Zakharov), « Mirandolina »
V. Vasilenko (chorégraphe V. Vayonen), « Sept beautés » de K. Karavaev (chorégraphe P. Gusev), « Shurale » de F. Yarulin (chorégraphe L. Yakobson), « Spartacus » de A. Khachaturian (chorégraphe L. Yakobson) et bien d'autres spectacles où des images d'œuvres littéraires marquantes sont révélées sur scène.
Une autre caractéristique du ballet peut être définie comme la canonicité (le strict respect du canon). Le « langage » de la représentation du ballet en tant que « test » est la danse classique. La danse classique est une danse « exemplaire » ; il n’y a pas de place pour quoi que ce soit de superflu ou d’inutile, car son système s’est cristallisé au fil des siècles. Tous les mouvements (pas) ont un certain contenu, chaque pa n'a que sa propre imagerie, qui peut être renforcée ou affaiblie, faite forte ou piano, mais ne peut pas être changée en sens inverse. Certains mouvements sont de nature comique, d’autres sont lyriques.
Considérant le ballet comme un phénomène culturel, il semble nécessaire d'aborder la corrélation du ballet avec les catégories « masse - élite ». L’idée selon laquelle le ballet ne peut être vécu que par un public spécialement formé est fausse. Préparé – oui, bien sûr, mais préparé de quelle manière ? Après tout, un spectateur prêt à percevoir le ballet n’est pas nécessairement un chorégraphe ou un musicien ; Il s’agit d’une personne à qui on parle non pas avec le texte direct d’un drame classique, mais avec des images visuelles, une pantomime et un langage corporel. Le musicien et le danseur, s'il n'est pas prêt à percevoir le ballet comme une série d'images dansées et musicales se remplaçant, auront besoin d'un livret.
La capacité de percevoir le ballet est une sorte de test de la « maturité » émotionnelle d’une personne, sa capacité à percevoir et à comprendre les sentiments des autres, exprimés non pas dans les mots éculés des personnages de feuilletons télévisés, mais dans l’image du mouvement. C'est pourquoi les œuvres consacrées à des questions d'actualité et privées (ballets de D. Chostakovitch, F. Krasny, etc.), qui tentaient d'exprimer non pas l'idée des sentiments humains, mais l'idéologie de la société communiste, ne sont pas devenues des classiques du ballet. . Ainsi, la nature synthétisée de l’art du ballet réside également dans l’imbrication de la composante masse-élite de la culture.
Enfin, problème important La dichotomie « national – international » dans l’art du ballet reste, en d’autres termes, le problème de l’introduction de composantes « culturelles étrangères » dans le ballet. Ainsi, l’école de ballet russe s’est encore développée dans le cadre des traditions théâtrales, dramatiques, musicales et chorégraphiques paneuropéennes. Cependant, le ballet moderne russe (et mondial) démontre l’introduction de toute une couche de culture nationale- nationales et musique folklorique, costumes, traditions de danse, etc. Cela n'indique pas la dégradation du ballet, sa « division » en classique et national, mais que le ballet est devenu un phénomène national-universel. Il ne s’agit plus de l’addition de certains arts en un seul tradition culturelle, mais est devenu mondial phénomène culturel, qui se manifeste même dans les cultures qui ne pourraient pas donner naissance à elles seules au ballet.
Du point de vue de l'étude du ballet en tant que phénomène culturel, on peut également souligner un certain nombre d'approches culturelles nécessaires pour révéler l'essence de l'art du ballet.
L'application de l'approche structurale-fonctionnelle à l'étude de l'art du ballet consiste à présenter le ballet comme une institution vie artistique société, une structure complexe d'interaction entre créateurs, distributeurs et consommateurs d'art. La composante fonctionnelle est envisagée dans la compréhension du ballet comme un phénomène multifonctionnel qui affecte divers domaines réalité sociale.
Approche systémique est utilisé dans l'étude du ballet comme un système intégral de synthèse des arts, où toutes les parties sont interdépendantes et ne représentent pas des sous-systèmes fermés.
tiges, mais sont harmonieusement tissées dans l'ensemble global, non pas par simple sommation, mais par addition également dépendante. Le ballet doit être considéré soit comme art spécial, qui, bien que « composé » de méthodes de danse, de musique et de théâtre, est une et indivisible. Ballet dans dans ce cas apparaît d'une part comme une unité dynamique de ses parties (musique, théâtre, chorégraphie, scénographie) et, d'autre part, comme un sous-système d'un certain métasystème - un domaine unique de l'art, un sous-système de la vie artistique.
L'approche sémiotique permet de considérer le ballet comme un texte unique, en concentrant l'attention sur sa composante sémiotique : le langage chorégraphique. Dans le cadre de cette approche, l'action du ballet apparaît comme un acte de communication, un transfert de sens à l'aide d'un système chorégraphique symbolique spécifique.
L'approche synergique consiste à comprendre l'art du ballet comme un processus de développement organisé de manière complexe dans lequel certains sous-systèmes (types, genres, thèmes) sont renforcés, tandis que d'autres s'éteignent. L'art du ballet apparaît comme un système ouvert, alternant dans son développement des zones de calme relatif et d'excitabilité croissante (points de bifurcation), comme un changement d'états de chaos et d'ordre, d'entropie et de dépassement (ce qui est clairement confirmé dans l'étude de l'histoire). et dynamique culturelle du développement du ballet d'Europe occidentale et russe). Inégal dans différentes époques La relation entre les principales composantes du ballet en tant que forme d'art a également été présentée : la relation entre la danse et le théâtre n'a pas fondamentalement changé tout au long de l'existence du ballet, bien que les moyens d'expression aient changé très sérieusement, ce qui se manifeste, bien sûr, dans le drame extérieur de l'action du ballet, la relation entre musique et danse.
Ainsi, en nous appuyant sur la méthodologie intégrative de compréhension du ballet en tant que phénomène culturel, nous pouvons mettre en évidence les spécificités de sa lecture culturelle, qui, à notre avis, est associée au fonctionnement du ballet en tant que système socioculturel de création, de diffusion et de perception de valeurs artistiques et spirituelles, dépendantes d'un complexe de conditions culturelles et historiques et des circonstances dans lesquelles ce système existe.
Daria Olegovna Usanova
Académie d'État de la culture et des arts de Tcheliabinsk
UNE RÉALITÉ VIRTUELLE :
PROBLÈMES DU PRÉSENT DANS LA RÉTROSPECTIVE DU PATRIMOINE PHILOSOPHIQUE ET CULTUROLOGIQUE
Aujourd’hui, les problématiques de réalité virtuelle attirent de plus en plus l’attention des chercheurs de diverses disciplines. Le concept de réalité virtuelle est devenu si populaire et à la mode qu’il semble difficile de trouver un domaine d’activité humaine où il ne pourrait pas être appliqué. Il semble qu'à côté du monde réel, un nouveau soit apparu monde virtuel. Cet article examine l'histoire de la formation et du développement du concept de « réalité virtuelle » et met en évidence les approches des scientifiques modernes dans l'interprétation de ce terme.
Mots clés : virtualité, réalité virtuelle, culture virtuelle, postmodernisme, simulacre, hyperréalité.
© Usanova D.O., 2011.
L'histoire du ballet pour enfants vous racontera comment et où le ballet est apparu.
Quand le ballet est-il apparu ?
Le terme « ballet » est apparu à la fin du XVIe siècle (de l'italien balletto - danser). Mais il ne s’agissait pas alors d’un spectacle, mais seulement d’un épisode de danse véhiculant une certaine ambiance.
Le ballet en tant que forme d’art est assez jeune. La danse qui orne nos vies a déjà atteint sa fin 400 ans. Le lieu d'origine du ballet est l'Italie du Nord, et cela s'est produit à la Renaissance. Les princes locaux aimaient les magnifiques festivités du palais et engageaient des maîtres de danse qui répétaient les mouvements de danse et les figures individuelles avec les nobles.
On pense que celui qui a inventé le ballet était chorégraphe italien Baltazarini de Belgioioso. Il a mis en scène le premier ballet intitulé « Le Ballet Comédie de la Reine », qui a été mis en scène en France en 1581.
C'est en France que le ballet commence à se développer. Pendant le règne Louis XIV Les représentations du ballet de cour ont atteint une splendeur particulière.
Brève histoire du ballet russe
En Russie, un ballet intitulé « Le Ballet d'Orphée et d'Eurydice » a été créé pour la première fois le 8 février 1673. Cela s'est produit dans le palais du tsar Alexeï Mikhaïlovitch. Des danses lentes et cérémonieuses comportaient des poses, des mouvements et des arcs gracieux, alternés avec des paroles et des chants.
Seulement un quart de siècle plus tard, parallèlement aux réformes de Pierre Ier, la danse et la musique entrèrent dans la vie du peuple russe. DANS les établissements d'enseignement Des cours de danse étaient équipés pour les nobles. Les étrangers ont commencé à se produire à la cour royale artistes d'opéra, musiciens et troupes de ballet.
La première école de ballet de Russie a été ouverte en 1731. On l'appelait le Corps de Terre de la noblesse. Elle est considérée comme le berceau du ballet russe. En développement école de ballet une énorme contribution a été apportée par Jean Baptiste Lande, un maître de danse français. Il est le fondateur du ballet russe. Lande a également ouvert la première école de danse classique en Russie. Aujourd'hui, c'est l'Académie du ballet russe qui porte son nom. A.Ya.Vaganova.
Le ballet reçut un nouvel élan dans son développement sous le règne de la tsarine Elisabeth Petrovna. Après l'invitation en Russie du chorégraphe français Didelot, cet art a atteint un sommet particulier - les mises en scène gracieuses, les poses et le design ont fait sensation.
Il convient de noter que dans le développement du ballet classique russe, il n'y a pas dernier rôle joué par Piotr Ilitch Tchaïkovski. Il est l'auteur de ballets aussi brillants que « Le lac des cygnes", "Casse-Noisette" et "La Belle au bois dormant".
Nous espérons que cet article vous a appris quand le ballet est apparu.
Instructions
Le ballet apparaît d'abord en Italie, puis en France. Il est curieux qu'il connaisse même la date de la première production française de ballet. Le 15 octobre 1581, le royal et les courtisans assistèrent à la production de Circé, ou le Queen's Comedy Ballet. L'idée du spectacle appartient à l'un des violonistes de la cour - l'Italien Baltazarini de Belgioso.
A l'aube du ballet, il s'appuyait sur des danses adoptées à la cour royale. Après une centaine d'années, de nouveaux genres émergent : ballet, ballet-opéra et autres. La musique de ces spectacles commence à être identifiée comme un genre particulier et la production s'efforce d'être aussi dramatique que possible. Après un autre siècle, le ballet est devenu une forme d'art indépendante. Le chorégraphe français Jean Georges Noverre a joué un rôle important à cet égard, qui a procédé à un certain nombre de réformes et s'est appuyé sur la révélation de la production à travers des images expressives.
Le ballet a toujours été placé dans une catégorie particulière. La première représentation en Russie eut lieu le 8 février 1673. Ce jour-là, le tsar Alexeï Mikhaïlovitch se trouvait dans le village de Preobrazhenskoye, près de Moscou, et voulait s'amuser. Selon la légende, il aurait tellement aimé le ballet qu'il aurait ordonné le développement de cette direction artistique.
Le ballet russe, en tant que partie particulière de l'art général du ballet, a commencé à prendre forme en début XIX siècle. Le chorégraphe français Charles-Louis Didelot rapproche davantage les pas de danse et la pantomime et accroît l'importance du corps de ballet. C'est lui qui a fait de la danse féminine le centre de la production. Le ballet russe ne serait pas connu dans le monde entier sans le compositeur P.I. Chaïkovski. C'est lui qui possède la musique qui est devenue la base ballets classiques"Casse-Noisette", "Le Lac des Cygnes", "La Belle au bois dormant" et autres. Une musique profonde et émouvante a donné aux danseurs l'occasion de révéler plus pleinement le contenu figuratif et d'exprimer les sentiments et les expériences des personnages par des moyens dramatiques. Sur scène, les personnages ont grandi, se sont développés, se sont battus entre eux et entre eux-mêmes, sont tombés amoureux, se sont tués. Le ballet a cessé d'être simplement un type de danse, mais est devenu un véritable art, compréhensible pour le spectateur.
Le ballet académique du XIXe siècle était soumis à des règles, des stéréotypes et des conventions. Au début du XXe siècle, non seulement en Russie, mais aussi dans d'autres pays du monde, une recherche intensifiée de nouvelles formes a commencé. Le modernisme est apparu - une alternative aux formes strictes de ballet, puis à la danse libre. On pense que la danse libre a été inventée par Isadora Duncan. Elle était convaincue que la danse est naturelle, fait partie de chaque personne et reflète le langage de l'âme. C'est Duncan qui a été le premier à abandonner les pointes de ballet et à abandonner les tutus inconfortables au profit de vêtements légers et fluides. La danse libre est devenue un mouvement mondial qui a servi de moteur au prochain cycle évolutif du ballet.
type d'arts du spectacle. La spécificité du ballet est la transmission de contenus à travers la danse, en images musicales et chorégraphiques. En règle générale, la musique est composée par des compositeurs spécifiquement pour un ballet donné, sur la base de scénario littéraire(livret).
Le ballet européen, dont l'Italie est la patrie, a commencé à prendre forme à la Renaissance. Elle fut finalement constituée au XVIIIe siècle.
En Russie, les représentations de ballet sont devenues régulières depuis les années 30 du XVIIIe siècle. Maîtriser l'expérience des chorégraphes étrangers, étudier culture populaire danse, les artistes russes créent progressivement un style de spectacle original, une école de danse originale, qui prend finalement forme dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le summum de cela art du 19ème siècle siècle était l'œuvre des chorégraphes russes M. Petipa et L. Ivanov, qui ont créé le style du ballet académique ("Le Lac des Cygnes", "Casse-Noisette", "La Belle au bois dormant").
Excellente définition
BALLET
Ballet français, du latin tardif. ballo-danse) - vue Théâtre musical. La spécificité de B. est le transfert de contenu à travers la danse, en images musicales et chorégraphiques (Chorégraphie). B. est un art synthétique : son contenu, ainsi que la danse, est déterminé par le scénario, la musique et moyens théâtraux expressivité (conception, mise en scène, jeu d'acteur) ; parfois, il peut inclure des voix - à la fois sous forme de numéros indépendants et comme accompagnement musical supplémentaire ou unique. Grâce à l'interaction avec le cinéma, nouveau genre- le ballet cinématographique. La nature de B. est double : d'une part, elle gravite vers la musique et les techniques d'expression correspondantes, d'autre part, elle se développe comme un art théâtral. L'histoire de B. connaît des périodes où k.-l. L'un des deux principes est devenu le principal, déterminant l'originalité des spectacles créés à cette époque et leur genre : de la danse symphonique au choréodrame. En règle générale, la musique est composée par un compositeur spécifiquement pour une musique donnée sur la base d'un scénario littéraire, moins souvent elle est sélectionnée à partir d'œuvres finies ; À la manière traditionnelle européenne. B. culture avec classique et danse de caractère folklorique la pantomime peut être utilisée. Au 20ème siècle Le matériau pour créer des images chorégraphiques est également la « danse libre », la danse « moderne », d'autres types de danse ou leurs éléments en combinaison avec la danse classique. L'Europe B., dont la patrie est l'Italie, a commencé à prendre forme à la Renaissance. Plus tard, il est apparu en Angleterre, en Autriche et en France. Elle fut finalement constituée au XVIIIe siècle. En Russie, les représentations de ballet sont devenues régulières depuis les années 30. XVIIIe siècle Maîtriser l'expérience des chorégraphes étrangers, étudier la culture chorégraphique populaire, russe. Les maîtres de danse ont progressivement créé un style de spectacle original, le russe. école nationale de danse, qui prend finalement forme dans la seconde moitié du XIXe siècle. Le summum du ballet théâtre XIXème V. La créativité russe est devenue les chorégraphes M. I. Petipa et L. I. Ivanov, qui ont créé le style du ballet académique (« Le Lac des Cygnes », « La Belle au bois dormant », « Raymonda », « Casse-Noisette »). Des formes symphoniques complexes sont apparues danse classique, B. a rencontré la musique des compositeurs symphoniques P. I. Tchaïkovski et A. K. Glazunov. Au début du 20e siècle. B. est entré dans le trésor national russe. culture, tandis que théâtre de ballet en Occident est tombé en déclin et a dégénéré en un spectacle divertissant. Visites à l'étranger en russe. B. à cette époque (les saisons parisiennes de S. P. Diaghilev) constituaient essentiellement la redécouverte de ce type d'art pour le public occidental, et donnaient une impulsion à la renaissance de B. à bien des égards. des pays. Le B. soviétique a hérité de tout le meilleur des Russes. B., a développé ses réalisations, proposé de nouvelles idéologiques et principes esthétiques. Basé sur le russe B. a donné naissance au B. national des républiques fédérées, formant avec lui l'art multinational du ballet soviétique.
Le plus beau de tous les arts.Le plus beau de tous les arts, le ballet, raconte des histoires d’amour et de mort dans un langage compréhensible par tous les habitants de la Terre. Les valeurs durables, les crimes répétés et les miracles de la foi, du serment et du devoir trouvent leur expression dans la danse. « Au commencement il y avait la Parole », dit la Bible, mais Maya Plisetskaya objecte : « Au commencement il y avait un geste ! » L’art du mouvement silencieux ne nécessite ni langage ni traduction humaine. La beauté du corps en mouvement, le corps comme instrument de création artistique, servent désormais eux-mêmes de « intrigues » à des danses sans intrigue. Le ballet est impossible sans la technique de la danse classique, sans la nature du corps, sans sacrifice et amour inconditionnel, sans sueur ni sang. Et pourtant, le ballet est un mouvement parfait qui fait oublier tout ce qui est mesquin et terrestre.
Histoire courte Ballet russe.
La première représentation de ballet en Russie a eu lieu à Maslenitsa le 17 février 1672 à la cour du tsar Alexeï Mikhaïlovitch à Preobrazhenskoye. Avant le début du spectacle, l'acteur incarnant Orphée est monté sur scène et a chanté des distiques allemands, traduits au tsar par un traducteur, dans lesquels étaient vantées les merveilleuses propriétés de l'âme d'Alexeï Mikhaïlovitch. A cette époque, des deux côtés d'Orphée se dressaient deux pyramides décorées de bannières et éclairées de lumières multicolores qui, après le chant d'Orphée, se mirent à danser. Sous Pierre Ier, la danse au sens moderne du mot est apparue en Russie : des menuets, des danses country, etc. ont été introduites. Il a publié un décret selon lequel la danse devenait l'élément principal de l'étiquette de la cour et les jeunes nobles étaient obligés d'apprendre la danse. . En 1731, le Land Noble Corps est ouvert à Saint-Pétersbourg, destiné à devenir le berceau du ballet russe. Étant donné que les diplômés du corps devaient à l'avenir occuper des postes gouvernementaux élevés et qu'ils devaient connaître les mœurs laïques, l'étude beaux-Arts, y compris la danse de salon, le bâtiment a été attribué lieu important. Le 4 mai 1738, le maître de danse français Jean Baptiste Lande a ouvert la première école de danse classique en Russie - « L'École de danse de Sa Majesté Impériale » (aujourd'hui l'Académie Vaganova du ballet russe).
Dans les salles spécialement équipées du Palais d'Hiver, Lande a commencé à former 12 garçons et filles russes. Les étudiants ont été recrutés parmi des enfants d'origine simple. L'enseignement à l'école était gratuit, les élèves étaient contenu complet. Le ballet s'est développé davantage en Russie sous le règne d'Elizabeth Petrovna. Parmi les cadets du Ground Corps, Nikita Beketov excellait en danse. De plus, Beketov, qui devint plus tard le favori d'Elizabeth, bénéficiait de la faveur particulière de l'impératrice, qui habillait elle-même le jeune homme qui jouait à merveille. rôles féminins. En 1742, le premier troupe de ballet, et en 1743, ses participants commencèrent à percevoir des frais. Le 1er août 1759, jour de la fête de l'impératrice et à l'occasion de la victoire sur les troupes prussiennes à Francfort, le ballet-drame « Refuge de la Vertu » fut solennellement mis en scène, ce qui connut un immense succès.
Sous le règne de Catherine II, le ballet en Russie gagna encore plus en popularité et reçut la poursuite du développement. A l'occasion de son couronnement, un luxueux ballet « Retour joyeux aux bergers et bergères arcadiennes de la déesse du printemps » a été donné au palais de Moscou, auquel ont participé les nobles les plus nobles. On sait que dans le théâtre de la cour de spectacles de ballet L'héritier du trône, Pavel Petrovich, dansait souvent. Depuis l'époque de Catherine II, une tradition de ballets de serfs est apparue en Russie, lorsque les propriétaires terriens créaient des troupes composées de paysans serfs. Parmi ces ballets, le ballet du propriétaire terrien Nashchokin jouissait de la plus grande renommée.
En 1766, le chorégraphe et compositeur Gasparo Angiolini, libéré de Vienne, ajoute une saveur russe aux représentations de ballet - introduit accompagnement musical des représentations de ballet de mélodies russes, qui ont surpris tout le monde et ont suscité des éloges universels. Au début du règne de Paul Ier, le ballet était encore à la mode. Il est intéressant de noter que sous Paul Ier, ils ont été publiés règles spéciales pour le ballet - il a été ordonné qu'il n'y ait pas un seul homme sur scène pendant la représentation ; les rôles d'hommes ont été dansés par Evgenia Kolosova et Nastasya Berilova.
Cela a continué jusqu'à l'arrivée d'Auguste Poirot à Saint-Pétersbourg. Sous le règne d'Alexandre Ier, le ballet russe poursuit son développement et atteint de nouveaux sommets. Le ballet russe doit son succès à cette époque avant tout au chorégraphe français invité Carl Didelot, arrivé en Russie en 1801. Sous sa direction, des danseuses telles que Maria Danilova et Evdokia Istomina ont commencé à briller dans le ballet russe. A cette époque, le ballet en Russie atteint une popularité sans précédent. Derjavin, Pouchkine et Griboïedov ont chanté les ballets de Didelot et de ses élèves, Istomin et Teleshova. L’Empereur adorait les représentations de ballet et n’en manquait presque jamais une seule. En 1831, Didelot quitte la scène de Saint-Pétersbourg en raison d'un conflit avec le metteur en scène le prince Gagarine. Bientôt, une star a commencé à briller sur la scène de Saint-Pétersbourg Ballet européen Maria Taglioni.
Elle fait ses débuts le 6 septembre 1837 dans le ballet La Sylphide et ravit le public. Une telle légèreté, une telle grâce chaste, une technique et des expressions faciales aussi extraordinaires n'ont jamais été montrées par aucun des danseurs. En 1841, elle dit au revoir à Saint-Pétersbourg, après avoir dansé plus de 200 fois pendant cette période.
En 1848, la rivale de Taglioni, Fanny Elsler, célèbre pour sa grâce et ses expressions faciales, arrive à Saint-Pétersbourg. À sa suite, Carlotta Grisi visite Saint-Pétersbourg, qui fait ses débuts en 1851 dans « Giselle » et connaît un grand succès, se montrant une danseuse de premier ordre et une excellente actrice mimétique. A cette époque, les chorégraphes Marius Petipa, Joseph Mazilier et d'autres montaient systématiquement des ballets luxueux et, en attirant des artistes talentueux, tentaient de proposer des spectacles de ballet, qui commencèrent à se calmer grâce à opéra italien. Parmi les critiques de ballet de l'époque se trouvait Vissarion Belinsky, qui écrivit des articles sur Taglioni, Guerino et Sankovskaya. Sous le règne d'Alexandre II, la promotion des talents nationaux a commencé dans le ballet russe. Ligne entière de talentueux danseurs et danseurs russes ont été décorés scène de ballet. Bien qu'une grande économie ait été observée dans les productions de ballet, l'expérience de Mariyca Petipa a permis de mettre en scène des spectacles de ballet élégants à faible coût financier, dont le succès a été grandement facilité par les excellentes décorations des artistes. Durant cette période de développement du ballet russe, la danse a pris le pas sur la plasticité et les expressions faciales.
Pendant le règne Alexandra III des ballets étaient donnés au Théâtre Mariinsky deux fois par semaine - les mercredis et dimanches. Le chorégraphe était toujours Marius Petipa. A cette époque, des ballerines étrangères étaient en tournée à Saint-Pétersbourg, dont Carlotta Brianza, qui fut la première à interpréter le rôle d'Aurora dans le ballet « La Belle au bois dormant » de Piotr Tchaïkovski. Les principaux danseurs étaient Vasily Geltser et Nikolai Domashev. Au 20e siècle - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909. Au début du 20e siècle, les gardiens des traditions académiques étaient des artistes : Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. Sedova, Agrippine. Vaganova, Olga Spesivtseva. À la recherche de nouvelles formes, Mikhaïl Fokin s'appuie sur les beaux-arts modernes.
Anna Pavlova. Invitation à la Danse alias Invitation à la valse.
La forme scénique préférée du chorégraphe était ballet en un acte avec une action continue laconique, avec une coloration stylistique clairement définie. Mikhaïl Fokine possède les ballets suivants : « Pavillon d'Armide », « Chopiniana », « Nuits égyptiennes », « Carnaval », 1910 ; "Petrouchka", "Danses polovtsiennes" dans l'opéra "Prince Igor". Tamara Karsavina, Vaslav Nijinski et Anna Pavlova sont devenues célèbres dans les ballets de Fokine. Le premier acte du ballet «Don Quichotte», sur la musique de Ludwig Minkus, a atteint les contemporains dans l'édition d'Alexandre Gorsky.
Ballet russe du XXe siècle.
Galina Oulanova dans le ballet "Giselle".
Pas de deux du ballet "Le Lac des Cygnes" de Tchaïkovski.
Ballet russe du 21ème siècle.
Pas de deux du ballet "Corsaire" d'Adana.
Pas de deux du ballet "Don Quichotte" de Minkus.
Pas de deux du ballet "La Bayadère" de Minkus.
Adagio et pas de deux du ballet "Giselle" d'Adam.