Όπως και να το δεις, δεν μπορείς να το αγνοήσεις διάσημο αριστούργημαΡώσος συνθέτης σε τέσσερις πράξεις, χάρη στον οποίο ο γερμανικός θρύλος της όμορφης κύκνο κορίτσι απαθανατίστηκε στα μάτια των γνώστες της τέχνης. Σύμφωνα με την πλοκή, ο πρίγκιπας, ερωτευμένος με τη βασίλισσα των κύκνων, την προδίδει, αλλά ακόμη και η συνειδητοποίηση του λάθους δεν σώζει ούτε αυτόν ούτε την αγαπημένη του από τα μανιασμένα στοιχεία.
Εικών κύριος χαρακτήρας– Odettes – σαν να συμπληρώνει τη γκαλερί των γυναικείων συμβόλων που δημιούργησε ο συνθέτης κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αξίζει να σημειωθεί ότι ο συγγραφέας της πλοκής του μπαλέτου παραμένει ακόμα άγνωστος και τα ονόματα των λιμπρετιστών δεν έχουν εμφανιστεί ποτέ σε καμία αφίσα. Το μπαλέτο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1877 στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι, αλλά η πρώτη έκδοση θεωρήθηκε ανεπιτυχής. Τα περισσότερα διάσημη παραγωγή– Petipa-Ivanov, που έγινε το πρότυπο για όλες τις επόμενες παραστάσεις.
Τα καλύτερα μπαλέτα στον κόσμο: «Ο Καρυοθραύστης» του Τσαϊκόφσκι
Δημοφιλές την παραμονή της Πρωτοχρονιάς, το μπαλέτο Καρυοθραύστης για παιδιά παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1892 στη σκηνή του διάσημου Θέατρο Μαριίνσκι. Η πλοκή του βασίζεται στο παραμύθι του Χόφμαν «Ο Καρυοθραύστης και βασιλιάς του ποντικιού" Ο αγώνας των γενεών, η αντιπαράθεση του καλού με το κακό, η σοφία πίσω από τη μάσκα - βαθιά φιλοσοφικό νόηματα παραμύθια παρουσιάζονται σε φωτεινές μουσικές εικόνες που είναι κατανοητές στους νεότερους θεατές.
Η δράση διαδραματίζεται τον χειμώνα, την παραμονή των Χριστουγέννων, όταν όλες οι επιθυμίες μπορούν να πραγματοποιηθούν - και αυτό δίνει επιπλέον γοητεία στη μαγική ιστορία. Σε αυτό το παραμύθι, όλα είναι πιθανά: οι αγαπημένες επιθυμίες θα πραγματοποιηθούν, οι μάσκες της υποκρισίας θα πέσουν και η αδικία σίγουρα θα νικηθεί.
************************************************************************
Τα καλύτερα μπαλέτα στον κόσμο: «Giselle» των Adana
«Η αγάπη που πιο δυνατό από τον θάνατο«- ίσως η πιο ακριβής περιγραφή του διάσημου μπαλέτου σε τέσσερις πράξεις «Ζιζέλ». Η ιστορία ενός κοριτσιού που πεθαίνει από ένθερμο έρωτα που έδωσε την καρδιά της σε κάποιον αρραβωνιασμένο με μια άλλη νύφη ευγενής νέος, μεταφέρεται τόσο ζωντανά στο χαριτωμένο πάσο των λεπτών wilis - νύφες που πέθαναν πριν τον γάμο.
Το μπαλέτο γνώρισε τρομερή επιτυχία από την πρώτη του παραγωγή το 1841, και κατά τη διάρκεια 18 ετών 150 παραστάσεις παίχτηκαν στη σκηνή της Όπερας του Παρισιού. θεατρικές παραστάσειςέργα του διάσημου Γάλλου συνθέτη. Αυτή η ιστορία μαγνήτισε τόσο τις καρδιές των γνώστες της τέχνης που ένα υπαίθριο μουσείο πήρε ακόμη και το όνομα του κύριου χαρακτήρα της ιστορίας. τέλη XIXαστεροειδής αιώνα. Και σήμερα οι σύγχρονοί μας έχουν ήδη φροντίσει να διατηρήσουν ένα από αυτά τα μεγαλύτερα μαργαριτάριακλασικά έργα σε κινηματογραφικές εκδοχές κλασικών παραγωγών.
************************************************************************
Τα καλύτερα μπαλέτα στον κόσμο: «Δον Κιχώτης» του Μίνκους
Η εποχή των μεγάλων ιπποτών έχει περάσει από καιρό, αλλά αυτό δεν εμποδίζει καθόλου τις σύγχρονες νεαρές κυρίες να ονειρεύονται να συναντήσουν τον Δον Κιχώτη του 21ου αιώνα. Το μπαλέτο μεταφέρει με ακρίβεια όλες τις λεπτομέρειες της λαογραφίας των κατοίκων της Ισπανίας. και πολλοί δάσκαλοι προσπάθησαν να σκηνοθετήσουν την πλοκή του ευγενούς ιπποτισμού σε μια σύγχρονη ερμηνεία, αλλά είναι η κλασική παραγωγή που διακοσμεί τη ρωσική σκηνή εδώ και εκατόν τριάντα χρόνια.
Ο χορογράφος Marius Petipa μπόρεσε να ενσωματώσει επιδέξια όλη τη γεύση στο χορό ισπανική κουλτούραχάρη στη χρήση στοιχείων εθνικούς χορούς, και κάποιες χειρονομίες και πόζες υποδεικνύουν άμεσα το μέρος όπου εκτυλίσσεται η πλοκή. Η ιστορία δεν έχει χάσει τη σημασία της σήμερα: ακόμη και στον 21ο αιώνα, ο Δον Κιχώτης εμπνέει επιδέξια εγκάρδιους νέους ικανούς να κάνουν απελπισμένες πράξεις στο όνομα της καλοσύνης και της δικαιοσύνης.
************************************************************************
Τα καλύτερα μπαλέτα στον κόσμο: Ρωμαίος και Ιουλιέτα του Προκόφιεφ
Αθάνατη ιστορίαδυο αγαπημένες καρδιές, ενωμένο μόνο μετά θάνατον για πάντα, ενσαρκώνεται στη σκηνή χάρη στη μουσική του Προκόφιεφ. Η παραγωγή έλαβε χώρα λίγο πριν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο και πρέπει να αποτίσουμε φόρο τιμής στους αφοσιωμένους τεχνίτες που αντιστάθηκαν στην εθιμική τάξη εκείνη την εποχή, η οποία βασίλευε επίσης στη δημιουργική σφαίρα της σταλινικής χώρας: ο συνθέτης διατήρησε το παραδοσιακό τραγικό τέλος του οικόπεδο.
Μετά την πρώτη μεγάλη επιτυχία, που απένειμε στο έργο το βραβείο Στάλιν, υπήρξαν πολλές εκδοχές, αλλά κυριολεκτικά το 2008, η παραδοσιακή παραγωγή του 1935 έγινε στη Νέα Υόρκη με αίσιο τέλος άγνωστο στο κοινό μέχρι εκείνη τη στιγμή. διάσημη ιστορία.
************************************************************************
Απολαύστε την παρακολούθηση!
Έχοντας προέλθει ως μίμηση δυτικών μοντέλων, η ρωσική όπερα έχει συνεισφέρει πολύτιμη στο θησαυροφυλάκιο ολόκληρου του παγκόσμιου πολιτισμού.
Εμφανίστηκε την εποχή της κλασικής ακμής των γαλλικών, γερμανικών και ιταλικές όπερες, η ρωσική όπερα τον 19ο αιώνα όχι μόνο πρόλαβε τις κλασικές εθνικές σχολές όπερας, αλλά και προηγήθηκε. Είναι ενδιαφέρον ότι οι Ρώσοι συνθέτες παραδοσιακά επέλεγαν θέματα καθαρά λαϊκού χαρακτήρα για τα έργα τους.
«Ζωή για τον Τσάρο» της Γκλίνκα
Η όπερα "Μια ζωή για τον Τσάρο" ή "Ιβάν Σουσάνιν" μιλά για τα γεγονότα του 1612 - την πολωνική εκστρατεία των ευγενών εναντίον της Μόσχας. Ο συγγραφέας του λιμπρέτου ήταν ο βαρόνος Yegor Rosen, ωστόσο, in Σοβιετική εποχήγια ιδεολογικούς λόγους, η επιμέλεια του λιμπρέτου ανατέθηκε στον Σεργκέι Γκοροντέτσκι. Η όπερα έκανε πρεμιέρα στο Θέατρο ΜπολσόιΠετρούπολη το 1836. Για πολύ καιρό, ο Fyodor Chaliapin έπαιξε το ρόλο της Susanin. Μετά την επανάσταση, η «Ζωή για τον Τσάρο» εγκατέλειψε τη σοβιετική σκηνή. Υπήρξαν προσπάθειες προσαρμογής της πλοκής στις απαιτήσεις της νέας εποχής: έτσι έγινε αποδεκτή η Σουσάνιν στην Κομσομόλ και οι τελευταίες γραμμές ακούγονταν σαν «Δόξα, δόξα, σοβιετικό σύστημα». Χάρη στον Γκοροντέτσκι, όταν η όπερα ανέβηκε στο θέατρο Μπολσόι το 1939, το «σοβιετικό σύστημα» αντικαταστάθηκε από τον «ρωσικό λαό». Το Θέατρο Μπολσόι παραδοσιακά άνοιξε τη σεζόν του από το 1945. διάφορες παραγωγές«Ιβάν Σουσάνιν» του Γκλίνκα. Η μεγαλύτερη παραγωγή της όπερας στο εξωτερικό πραγματοποιήθηκε ίσως στη Σκάλα του Μιλάνου.
«Μπορίς Γκοντούνοφ» του Μουσόρσκι
Η όπερα, στην οποία ο Τσάρος και ο λαός επιλέγονται ως οι δύο χαρακτήρες, ξεκίνησε από τον Mussorgsky τον Οκτώβριο του 1868. Για να γράψει το λιμπρέτο, ο συνθέτης χρησιμοποίησε το κείμενο ομώνυμη τραγωδίαΠούσκιν και υλικά από την «Ιστορία του ρωσικού κράτους» του Καραμζίν. Το θέμα της όπερας ήταν η βασιλεία του Μπόρις Γκοντούνοφ λίγο πριν Ώρα των προβλημάτων" Ο Μουσόργκσκι ολοκλήρωσε την πρώτη έκδοση της όπερας Μπόρις Γκοντούνοφ το 1869, η οποία παρουσιάστηκε στην επιτροπή θεάτρου της Διεύθυνσης Αυτοκρατορικών Θεάτρων. Ωστόσο, οι κριτικοί απέρριψαν την όπερα, αρνούμενοι να την ανεβάσουν λόγω της έλλειψης φωτεινών γυναικείο ρόλο. Ο Mussorgsky εισήγαγε την «Πολωνική» πράξη στην όπερα γραμμή αγάπηςΜαρίνα Μνίσεκ και Ψεύτικος Ντμίτρι. Πρόσθεσε επίσης μια μνημειώδη σκηνή λαϊκής εξέγερσης, που έκανε το τέλος πιο θεαματικό. Παρ' όλες τις προσαρμογές, η όπερα απορρίφθηκε και πάλι. Ανέβηκε μόνο 2 χρόνια αργότερα το 1874 στη σκηνή του θεάτρου Mariinsky. Η όπερα έκανε πρεμιέρα στο εξωτερικό στο Θέατρο Μπολσόι στη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού στις 19 Μαΐου 1908.
«Βασίλισσα των Μπαστούνι» του Τσαϊκόφσκι
Η όπερα ολοκληρώθηκε από τον Τσαϊκόφσκι στις αρχές της άνοιξης του 1890 στη Φλωρεντία και η πρώτη παραγωγή έγινε τον Δεκέμβριο του ίδιου έτους στο θέατρο Μαριίνσκι της Αγίας Πετρούπολης. Η όπερα γράφτηκε από τον συνθέτη κατόπιν αιτήματος του Imperial Theatre και για πρώτη φορά ο Τσαϊκόφσκι αρνήθηκε να λάβει την παραγγελία, με το επιχείρημα ότι η άρνησή του οφειλόταν στην έλλειψη «κατάλληλης σκηνικής παρουσίας» στην πλοκή. Είναι ενδιαφέρον αυτό στην ιστορία του Πούσκιν κύριος χαρακτήραςφέρει το επώνυμο Hermann (με δύο «n» στο τέλος), και στην όπερα το κύριο ηθοποιόςγίνεται ένας άντρας που ονομάζεται Herman - αυτό δεν είναι λάθος, αλλά μια σκόπιμη αλλαγή συγγραφέα. Το 1892, η όπερα ανέβηκε για πρώτη φορά εκτός Ρωσίας στην Πράγα. Στη συνέχεια - η πρώτη παραγωγή στη Νέα Υόρκη το 1910 και η πρεμιέρα στο Λονδίνο το 1915.
"Πρίγκιπας Ιγκόρ" Μποροντίν
Το λιμπρέτο βασίστηκε στο μνημείο αρχαία ρωσική λογοτεχνία«Η ιστορία της εκστρατείας του Ιγκόρ». Η ιδέα για την πλοκή προτάθηκε στον Borodin από τον κριτικό Vladimir Stasov σε ένα από μουσικές βραδιέςστο Σοστακόβιτς. Η όπερα δημιουργήθηκε σε διάστημα 18 ετών, αλλά δεν ολοκληρώθηκε ποτέ από τον συνθέτη. Μετά το θάνατο του Borodin, οι εργασίες για το έργο ολοκληρώθηκαν από τους Glazunov και Rimsky-Korsakov. Υπάρχει η άποψη ότι ο Glazunov μπόρεσε να ανακατασκευάσει από μνήμης την ουρά της όπερας που άκουσε κάποτε στην παράσταση του συγγραφέα, ωστόσο, ο ίδιος ο Glazunov αρνήθηκε αυτή τη γνώμη. Παρά το γεγονός ότι ο Γκλαζούνοφ και ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ έκαναν το μεγαλύτερο μέρος της δουλειάς, επέμειναν ότι ο Πρίγκιπας Ιγκόρ ήταν εξ ολοκλήρου μια όπερα του Αλεξάντερ Πορφιρίεβιτς Μποροντίν». Η όπερα πρωτοπαρουσιάστηκε στο θέατρο Mariinsky της Αγίας Πετρούπολης το 1890 και 9 χρόνια αργότερα την είδαν ξένο κοινό στην Πράγα.
«Ο χρυσός κόκορας» του Ρίμσκι-Κόρσακοφ
Η όπερα «The Golden Cockerel» γράφτηκε το 1908 βασισμένη στο ομώνυμο παραμύθι Πούσκιν. Αυτή η όπερα έγινε τελευταία δουλειάΡίμσκι-Κόρσακοφ. Τα αυτοκρατορικά θέατρα αρνήθηκαν να ανεβάσουν την όπερα. Αλλά μόλις ο θεατής την είδε για πρώτη φορά το 1909 στη Μόσχα όπεραΣεργκέι Ζιμίν, η όπερα ανέβηκε στο Θέατρο Μπολσόι ένα μήνα αργότερα και στη συνέχεια ξεκίνησε τη θριαμβευτική της πορεία σε όλο τον κόσμο: Λονδίνο, Παρίσι, Νέα Υόρκη, Βερολίνο, Βρότσλαβ.
«Λαίδη Μάκβεθ Περιοχή Mtsensk«Σοστακόβιτς
Η ιδέα για την όπερα ξεκίνησε από τον Alexander Dargomyzhsky το 1863. Ωστόσο, ο συνθέτης αμφέβαλλε για την επιτυχία του και θεώρησε το έργο ως δημιουργική «ευφυΐα», «διασκέδαση με τον Δον Ζουάν του Πούσκιν». Έγραψε μουσική στο κείμενο του Πούσκιν «The Stone Guest» χωρίς να αλλάξει ούτε μια λέξη από αυτό. Ωστόσο, τα καρδιακά προβλήματα δεν επέτρεψαν στον συνθέτη να ολοκληρώσει το έργο. Πέθανε, ζητώντας από τους φίλους του Cui και Rimsky-Korsakov να ολοκληρώσουν το έργο στη διαθήκη του. Η όπερα παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1872 στη σκηνή του θεάτρου Μαριίνσκι στην Αγία Πετρούπολη. Η ξένη πρεμιέρα έγινε μόλις το 1928 στο Σάλτσμπουργκ. Αυτή η όπερα έχει γίνει ένας από τους «θεμελιώδεις λίθους» χωρίς τη γνώση της είναι αδύνατο να κατανοήσουμε όχι μόνο τη ρωσική κλασική μουσική γενική κουλτούραχώρα μας.
Τα κλασικά δεν είναι μόνο συμφωνίες, όπερες, συναυλίες και μουσική δωματίου. Μερικά από τα πιο αναγνωρίσιμα κλασικά έργαεμφανίστηκε με τη μορφή μπαλέτου. Το μπαλέτο ξεκίνησε στην Ιταλία κατά την Αναγέννηση και σταδιακά εξελίχθηκε σε μια μορφή τεχνικής χορού που απαιτούσε πολλή εκπαίδευση από τους χορευτές. Πρωτόπλαστος θίασος μπαλέτουήταν το Μπαλέτο της Όπερας του Παρισιού, που δημιουργήθηκε μετά τον βασιλιά Λουδοβίκος ΙΔ'διόρισε τον Jean-Baptiste Lully διευθυντή της Βασιλικής Ακαδημίας Μουσικής. Οι συνθέσεις του Lully για μπαλέτο θεωρούνται από πολλούς μουσικολόγους ως σημείο καμπής στην ανάπτυξη αυτού του είδους. Έκτοτε, η δημοτικότητα του μπαλέτου σταδιακά εξαφανίστηκε, «περιπλανώμενος» από τη μια χώρα στην άλλη, γεγονός που παρείχε συνθέτες διαφορετικές εθνικότητεςευκαιρία να συγκεντρωθούν μερικά από τα περισσότερα διάσημα έργα. Εδώ είναι επτά από τα πιο δημοφιλή και αγαπημένα μπαλέτα στον κόσμο.
Ο Τσαϊκόφσκι έγραψε αυτό το διαχρονικό τραγούδι το 1891. κλασικό μπαλέτο, που είναι το μπαλέτο που παίζεται πιο συχνά σύγχρονη εποχή. Στην Αμερική, ο Καρυοθραύστης εμφανίστηκε για πρώτη φορά στη σκηνή μόλις το 1944 (παρουσιάστηκε από το Μπαλέτο του Σαν Φρανσίσκο). Έκτοτε, έχει γίνει παράδοση να ανεβάζουμε τον «Καρυοθραύστη» κατά την περίοδο της Πρωτοχρονιάς και των Χριστουγέννων. Αυτό υπέροχο μπαλέτοόχι μόνο έχει την πιο αναγνωρίσιμη μουσική, αλλά η ιστορία του φέρνει χαρά τόσο σε παιδιά όσο και σε μεγάλους.
Η Λίμνη των Κύκνων είναι το πιο σύνθετο τεχνικά και συναισθηματικά κλασικό μπαλέτο. Η μουσική του ήταν πολύ μπροστά από την εποχή της, και πολλοί από τους πρώτους ερμηνευτές του υποστήριξαν ότι η Λίμνη των Κύκνων ήταν πολύ δύσκολη για χορό. Στην πραγματικότητα, πολύ λίγα είναι γνωστά για την αρχική πρώτη παραγωγή, και αυτό που όλοι έχουν συνηθίσει σήμερα είναι μια επανεπεξεργασία διάσημους χορογράφουςΠαραγωγή Petipa και Ivanov. Η Λίμνη των Κύκνων θα θεωρείται πάντα πρότυπο των κλασικών μπαλέτων και θα παίζεται για αιώνες.
Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας
Η κωμωδία του Σαίξπηρ A Midsummer Night's Dream έχει προσαρμοστεί σε πολλά στυλ τέχνης. Το πρώτο μεγάλο μπαλέτο (για όλη τη βραδιά) βασισμένο σε αυτό το έργο ανέβηκε το 1962 από τον George Balanchine σε μουσική του Mendelssohn. Σήμερα, το Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας είναι ένα πολύ δημοφιλές μπαλέτο που λατρεύεται από πολλούς.
Το μπαλέτο Coppelia γράφτηκε Γάλλος συνθέτης Leo Deliboe και χορογραφία του Arthur Saint-Leon. Το Coppelia είναι μια ανάλαφρη ιστορία που απεικονίζει τη σύγκρουση του ανθρώπου μεταξύ ιδεαλισμού και ρεαλισμού, τέχνης και ζωής, με ζωντανή μουσική και ζωηρό χορό. Του παγκόσμια πρεμιέραστην Όπερα του Παρισιού γνώρισε εξαιρετική επιτυχία το 1871 και το μπαλέτο παραμένει επιτυχημένο σήμερα, καθώς βρίσκεται στο ρεπερτόριο πολλών θεάτρων.
Πήτερ Παν
Ο Πήτερ Παν είναι ένα υπέροχο μπαλέτο κατάλληλο για όλη την οικογένεια. Οι χοροί, τα σκηνικά και τα κοστούμια είναι τόσο πολύχρωμα όσο και η ίδια η ιστορία. Ο Πήτερ Παν είναι σχετικά νέος στον κόσμο του μπαλέτου και δεδομένου ότι δεν υπάρχει κλασική ενιαία εκδοχή του, το μπαλέτο μπορεί να ερμηνευτεί διαφορετικά από κάθε χορογράφο, χορογράφο και μουσικός διευθυντής. Αν και κάθε παραγωγή μπορεί να διαφέρει μεταξύ τους, η ιστορία παραμένει σχεδόν η ίδια, γι' αυτό και αυτό το μπαλέτο έχει χαρακτηριστεί ως κλασικό.
Κοιμωμένη Ομορφιά
Η «Ωραία Κοιμωμένη» ήταν η πρώτη διάσημο μπαλέτοΤσαϊκόφσκι. Σε αυτό, η μουσική δεν είναι λιγότερο σημαντική από τον χορό. Η ιστορία της «Ωραίας Κοιμωμένης» είναι ο τέλειος συνδυασμός μπαλέτου-βασιλικών εορτασμών σε ένα υπέροχο κάστρο, η μάχη του καλού και του κακού και η θριαμβευτική νίκη αιώνια αγάπη. Η χορογραφία δημιουργήθηκε από τον παγκοσμίου φήμης Marius Pepita, ο οποίος σκηνοθέτησε επίσης τον Καρυοθραύστη και τη Λίμνη των Κύκνων. Αυτό το κλασικό μπαλέτο θα παιχτεί μέχρι το τέλος του χρόνου.
Στακτοπούτα
Υπάρχουν πολλές εκδοχές της Σταχτοπούτας, αλλά η πιο κοινή είναι η εκδοχή του Σεργκέι Προκόφιεφ. Ο Προκόφιεφ ξεκίνησε τη δουλειά του για τη Σταχτοπούτα το 1940, αλλά δεν ολοκλήρωσε τη μουσική μέχρι το 1945 λόγω του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Το 1948, ο χορογράφος Frederick Ashton ανέβασε το πλήρωςχρησιμοποιώντας τη μουσική του Προκόφιεφ, που έγινε τεράστια επιτυχία.
Alexander Nikolaevich Scriabin Ο Alexander Nikolaevich Scriabin είναι Ρώσος συνθέτης και πιανίστας, μια από τις πιο λαμπρές προσωπικότητες της Ρωσίας και του κόσμου. μουσική κουλτούρα. Η πρωτότυπη και βαθιά ποιητική δημιουργικότητα του Scriabin ξεχώρισε για την καινοτομία της ακόμη και στο πλαίσιο της γέννησης πολλών νέων τάσεων στην τέχνη που σχετίζονται με αλλαγές στην δημόσια ζωήστις αρχές του 20ου αιώνα.
Γεννημένος στη Μόσχα, η μητέρα του πέθανε νωρίς, ο πατέρας του δεν μπορούσε να δώσει σημασία στον γιο του, καθώς υπηρέτησε ως πρεσβευτής στην Περσία. Ο Scriabin μεγάλωσε από τη θεία και τον παππού του, και από την παιδική του ηλικία έδειξε μουσικές ικανότητες. Στην αρχή σπούδασε στο σώμα των δόκιμων, έκανε ιδιαίτερα μαθήματα πιάνου και μετά την αποφοίτησή του από το σώμα μπήκε στο Ωδείο της Μόσχας, συμμαθητής του ήταν ο S. V. Rachmaninov. Μετά την αποφοίτησή του από το ωδείο, ο Scriabin αφοσιώθηκε εξ ολοκλήρου στη μουσική - ως συναυλιακός πιανίστας-συνθέτης έκανε περιοδείες στην Ευρώπη και τη Ρωσία, περνώντας τον περισσότερο χρόνο του στο εξωτερικό.
Η κορύφωση της συνθετικής δημιουργικότητας του Scriabin ήταν τα έτη 1903-1908, όταν η Τρίτη Συμφωνία (" Θείο Ποίημα"), συμφωνικό "Ποίημα της Έκστασης", "Τραγικά" και "Σατανικά" ποιήματα για πιάνο, 4η και 5η σονάτες και άλλα έργα. "Ποίημα της Έκστασης", που αποτελείται από πολλά θέματα-εικόνες, συμπυκνωμένα δημιουργικές ιδέεςΟ Sryabin είναι το πιο λαμπρό αριστούργημα του. Συνδυάζει αρμονικά την αγάπη του συνθέτη για τη δύναμη μιας μεγάλης ορχήστρας και τον λυρικό, αέρινο ήχο των σόλο οργάνων. Ενσαρκωμένο στο «Ποίημα της Έκστασης» είναι κολοσσιαίο ζωτικής ενέργειας, φλογερό πάθος, ισχυρή θέληση κάνει μια ακαταμάχητη εντύπωση στον ακροατή και σήμεραδιατηρεί τη δύναμη της επιρροής του.
Ένα άλλο αριστούργημα του Scriabin είναι ο «Προμηθέας» («Ποίημα της φωτιάς»), στο οποίο ο συγγραφέας ενημέρωσε πλήρως την αρμονική του γλώσσα, ξεφεύγοντας από το παραδοσιακό τονικό σύστημα και για πρώτη φορά στην ιστορία αυτό το έργο υποτίθεται ότι συνοδευόταν από έγχρωμη μουσική. , αλλά η πρεμιέρα, για τεχνικούς λόγους, έγινε χωρίς εφέ φωτισμού.
Το τελευταίο ημιτελές «Μυστήριο» ήταν το σχέδιο του Σκριάμπιν, ενός ονειροπόλου, ρομαντικού, φιλοσόφου, να απευθυνθεί σε όλη την ανθρωπότητα και να την εμπνεύσει να δημιουργήσει μια νέα φανταστική παγκόσμια τάξη πραγμάτων, την ένωση του Συμπαντικού Πνεύματος με την Ύλη.
A. N. Scriabin "Προμηθέας"
Ο Sergei Vasilievich Rachmaninov Ο Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμανίνοφ είναι ο μεγαλύτερος συνθέτης στον κόσμο των αρχών του 20ου αιώνα, ένας ταλαντούχος πιανίστας και μαέστρος. Δημιουργική εικόναΟ συνθέτης Ραχμάνινοφ συχνά ορίζεται με το επίθετο «ο πιο Ρώσος συνθέτης», τονίζοντας σε αυτή τη σύντομη διατύπωση τα πλεονεκτήματά του στην ένωση των μουσικών παραδόσεων της Μόσχας και της Αγίας Πετρούπολης σχολές συνθέτωνκαι στη δημιουργία του δικού σας μοναδικού στυλ, που ξεχωρίζει στην παγκόσμια μουσική κουλτούρα.
Γεννημένος στην επαρχία Νόβγκοροντ, σε ηλικία τεσσάρων ετών άρχισε να σπουδάζει μουσική υπό την καθοδήγηση της μητέρας του. Σπούδασε στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης, μετά από 3 χρόνια σπουδών μεταγράφηκε στο Ωδείο της Μόσχας και αποφοίτησε με μεγάλο χρυσό μετάλλιο. Γρήγορα έγινε γνωστός ως μαέστρος και πιανίστας και συνέθεσε μουσική. Η καταστροφική πρεμιέρα της καινοτόμου Πρώτης Συμφωνίας (1897) στην Αγία Πετρούπολη προκάλεσε την κρίση ενός δημιουργικού συνθέτη, από την οποία ο Ραχμανίνοφ αναδύθηκε στις αρχές του 1900 με ένα διαμορφωμένο ύφος που ένωσε το ρωσικό εκκλησιαστικό τραγούδι, αφήνοντας ευρωπαϊκός ρομαντισμός, σύγχρονος ιμπρεσιονισμόςκαι νεοκλασικισμός - και όλα αυτά είναι γεμάτα σύνθετους συμβολισμούς. Αυτό δημιουργική περίοδοςτα καλύτερα έργα του γεννιούνται, με
ΜπαλέτοΠως μουσική μορφήαναπτύχθηκε από μια απλή προσθήκη στο χορό, σε μια συγκεκριμένη σύνθεση σύνθεσης, που συχνά είχε την ίδια σημασία με τον χορό που τον συνόδευε. Με καταγωγή από τη Γαλλία τον 17ο αιώνα, η μορφή του χορού ξεκίνησε ως θεατρικός χορός. Επίσημα, το μπαλέτο δεν έλαβε το «κλασικό» καθεστώς μέχρι τον 19ο αιώνα. Στο μπαλέτο, οι όροι «κλασικό» και «ρομαντικό» ξεδιπλώνονται χρονολογικά από μουσική χρήση. Έτσι, τον 19ο αιώνα κλασική περίοδοτο μπαλέτο συνέπεσε με την εποχή του ρομαντισμού στη μουσική. Οι συνθέτες μουσικής μπαλέτου από τον 17ο έως τον 19ο αιώνα, συμπεριλαμβανομένων των Jean-Baptiste Lully και Pyotr Ilyich Tchaikovsky, ήταν κυρίως στη Γαλλία και τη Ρωσία. Ωστόσο, με την αυξανόμενη διεθνή φήμη του, ο Τσαϊκόφσκι κατά τη διάρκεια της ζωής του είδε τη διάδοση της μουσικής σύνθεσης μπαλέτου και του μπαλέτου γενικότερα, σε όλο τον δυτικό κόσμο.
Εγκυκλοπαιδικό YouTube
1 / 3
✪ Απόλυτο βήμαγια το μπαλέτο "Ωραία Κοιμωμένη"
✪ Dona nobis pacem Δώσε μας ειρήνη I S Bach Mass h-moll Tatar Opera and Ballet Theatre 2015
✪ ♫ Κλασσική μουσικήγια παιδιά (Κλασική μουσική για παιδιά).
Υπότιτλοι
Ιστορία
- Μέχρι το δεύτερο μισό περίπου του 19ου αιώνα, ο ρόλος της μουσικής στο μπαλέτο ήταν δευτερεύων, με κύρια έμφαση στον χορό, ενώ η ίδια η μουσική απλώς δανειζόταν από χορευτικές μελωδίες. Η συγγραφή «μουσικής μπαλέτου» ήταν έργο μουσικών τεχνιτών, όχι δασκάλων. Για παράδειγμα, οι κριτικοί του Ρώσου συνθέτη Pyotr Ilyich Tchaikovsky αντιλήφθηκαν το γράψιμό του για μουσική μπαλέτου ως κάτι βασικό.
Από τα πρώτα μπαλέτα μέχρι την εποχή του Jean-Baptiste Lully (1632-1687), η μουσική του μπαλέτου δεν ξεχώριζε από τη χορευτική μουσική αίθουσας χορού. Ο Lully δημιούργησε ένα ξεχωριστό στυλ στο οποίο η μουσική θα έλεγε την ιστορία. Το πρώτο «Μπαλέτο Δράσης» ανέβηκε το 1717. Ήταν μια ιστορία που ειπώθηκε χωρίς λόγια Ο πρωτοπόρος ήταν ο Τζον Γουίβερ (1673-1760), τόσο ο Λούλι όσο και ο Ζαν-Φίλιπ Ραμώ έγραψαν μια «όπερα-μπαλέτο». εν μέρει χορεύοντας, εν μέρει τραγουδώντας, αλλά η μουσική μπαλέτου έγινε σταδιακά λιγότερο σημαντική.
Το επόμενο μεγάλο βήμα έγινε στα πρώτα χρόνια του δέκατου ένατου αιώνα, όταν οι σολίστ άρχισαν να χρησιμοποιούν ειδικά άκαμπτα παπούτσια μπαλέτου - παπούτσια πουέντ. Αυτό επέτρεψε ένα πιο fractional στυλ μουσικής. Το 1832 διάσημη μπαλαρίναΗ Maria Taglioni (1804-1884) ήταν η πρώτη που επέδειξε χορό με παπούτσια πουέντ. Ήταν στο La Sylphide. Ήταν πλέον δυνατό η μουσική να γίνει πιο εκφραστική Σταδιακά ο χορός έγινε πιο τολμηρός, με τις μπαλαρίνες να σηκώνονται στον αέρα από τους άνδρες.
Μέχρι την εποχή του Τσαϊκόφσκι, ο συνθέτης μπαλέτου δεν χωριζόταν από τον συνθέτη συμφωνιών. Η μουσική μπαλέτου χρησίμευσε ως συνοδεία για σόλο και χορό συνόλου. Το μπαλέτο του Τσαϊκόφσκι «Η Λίμνη των Κύκνων» ήταν το πρώτο μιούζικαλ δουλειά μπαλέτου, που δημιουργήθηκε από συμφωνικό συνθέτη. Με πρωτοβουλία του Τσαϊκόφσκι, οι συνθέτες μπαλέτου δεν έγραφαν πλέον απλά και εύκολα χορευτικά μέρη. Τώρα η κύρια εστίαση του μπαλέτου δεν ήταν μόνο στον χορό. η σύνθεση, ακολουθώντας τους χορούς, έπαιρνε την ίδια σημασία. Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο Marius Petipa, ένας χορογράφος του ρωσικού μπαλέτου και χορού, συνεργάστηκε με συνθέτες όπως ο Cesar Pugni για τη δημιουργία αριστουργημάτων μπαλέτου που καυχιόταν τόσο περίπλοκο χορό όσο και περίπλοκη μουσική. Ο Πετίπα συνεργάστηκε με τον Τσαϊκόφσκι, συνεργαζόμενος με τον συνθέτη στα έργα του "Η Ωραία Κοιμωμένη" και "Ο Καρυοθραύστης", ή έμμεσα, μέσω της νέας έκδοσης " Λίμνη των Κύκνων«Ο Τσαϊκόφσκι μετά τον θάνατο του συνθέτη.
Ακόμα σύντομο σε πολλές περιπτώσεις σκηνές μπαλέτουχρησιμοποιείται σε όπερες για να αλλάξει σκηνικό ή κοστούμι. Ίσως το πιο διάσημο παράδειγμα μουσικής μπαλέτου ως μέρος μιας όπερας είναι ο Χορός των Ωρών από την όπερα La Gioconda (1876) του Amilcare Ponchielli.
Μια θεμελιώδης αλλαγή στη διάθεση συνέβη όταν δημιουργήθηκε το μπαλέτο του Igor Stravinsky The Rite of Spring (1913).
Η μουσική ήταν εξπρεσιονιστική και ασύμφωνη και οι κινήσεις ήταν πολύ στυλιζαρισμένες. Το 1924, ο George Antheil έγραψε το Ballet Mechanica. Αυτό ήταν κατάλληλο για μια ταινία με κινούμενα αντικείμενα, αλλά όχι για χορευτές, αν και ήταν καινοτόμο στη χρήση τζαζ μουσική. Από αυτό το σημείο εκκίνησης, η μουσική μπαλέτου χωρίζεται σε δύο κατευθύνσεις - τον μοντερνισμό και τον χορό τζαζ. Ο George Gershwin προσπάθησε να καλύψει αυτό το κενό με τη φιλόδοξη μουσική του για το Shall We Dance (1937), πάνω από μια ώρα μουσικής που αγκάλιαζε την εγκεφαλική και την τεχνική τζαζ και τη ρούμπα. Μία από τις σκηνές γράφτηκε ειδικά για την μπαλαρίνα Harriet Hoctor.
Πολλοί λένε ότι ο χορός της τζαζ εκπροσωπείται καλύτερα από τον χορογράφο Jerome Robbins, ο οποίος συνεργάστηκε με τον Leonard Bernstein στο West Side Story (1957). Από ορισμένες απόψεις είναι μια επιστροφή στο «όπερα-μπαλέτο», αφού η πλοκή αφηγείται κυρίως ο Σεργκέι Προκόφιεφ στο μπαλέτο «Ρωμαίος και Ιουλιέτα», και υπάρχει Καμία επιρροή από την τζαζ ή οποιοδήποτε άλλο είδος λαϊκής μουσικής. που ονομάζεται «The Magic Shop», που πρωτοπαρουσιάστηκε το 1919 στο Ballet Auditorium, προτιμά τη ρομαντική μουσική, έτσι ώστε τα νέα μπαλέτα να συνδυάζονται με παλιά έργα μέσα από νέες χορογραφίες. Διάσημο παράδειγμαείναι το "The Dream" - μουσική του Felix Mendelssohn, σε διασκευή του John Lanchbury.
Συνθέτες μπαλέτου
ΣΕ αρχές XIXΓια αιώνες, οι χορογράφοι ανέβαζαν παραστάσεις με συλλογή μουσικής, που τις περισσότερες φορές αποτελούνταν από δημοφιλή και γνωστά κομμάτια όπερας και μελωδίες τραγουδιών. Ο πρώτος που προσπάθησε να αλλάξει την υπάρχουσα πρακτική ήταν ο συνθέτης Jean-Madeleine Schneizhoffer. Για αυτό, δέχθηκε σημαντική κριτική, ξεκινώντας από το πρώτο του έργο, το μπαλέτο «Προσερπίνα» (1818):
Η μουσική ανήκει νέος, που, αν κρίνουμε από την ουβερτούρα και κάποια μοτίβα του μπαλέτου, αξίζει ενθάρρυνσης. Αλλά πιστεύω ακράδαντα (και η πείρα υποστηρίζει τη γνώμη μου) ότι τα κίνητρα επιδέξια επιλεγμένα σε καταστάσεις εξυπηρετούν πάντα καλύτερα τις προθέσεις του χορογράφου και αποκαλύπτουν την πρόθεσή του πιο ξεκάθαρα από τη μουσική που είναι σχεδόν εντελώς νέα, η οποία, αντί να εξηγεί την παντομίμα, περιμένει εξήγηση.
Παρά τις επιθέσεις των κριτικών, ακολουθώντας τον Schneitzhoffer, άλλοι συνθέτες άρχισαν να απομακρύνονται από την παράδοση δημιουργίας παρτιτούρας μπαλέτου που συναρμολογούνται από μουσικά κομμάτια βασισμένα σε κίνητρα άλλων διάσημων (συνήθως οπερατικών) έργων - Ferdinand Herold, Fromental Halévy και, πρώτα απ 'όλα - και στη συνέχεια γόνιμα που συνεργάστηκε με τον Marius Petipa, όταν δημιουργούσε τις παρτιτούρες του, ακολούθησε αυστηρά τις οδηγίες του χορογράφου και το σχέδιό του - μέχρι τον αριθμό των ράβδων σε κάθε αριθμό. Στην περίπτωση του Saint-Leon, χρειάστηκε ακόμη και να χρησιμοποιήσει μελωδίες του χορογράφου: σύμφωνα με τα απομνημονεύματα του Karl Waltz, ο Saint-Leon, ο ίδιος βιολονίστας και μουσικός, σφύριξε πολλές φορές τραγούδια στον Minkus, τα οποία «μετέφρασε πυρετωδώς σε μουσικές σημειώσεις».
Αυτή η πρακτική δεν ανταποκρινόταν στις αρχές του ίδιου Schneitzhoffer, ο οποίος εκτιμούσε τη φήμη του ως ανεξάρτητου συγγραφέα και δούλευε πάντα χωριστά από τον χορογράφο όταν δημιουργούσε παρτιτούρες (εξαίρεση έγινε μόνο κατά τη δημιουργία του μπαλέτου La Sylphide μαζί με