Ιμπρεσιονισμός
είναι η εφημερίδα της ψυχής.
Ανρί Ματίς.
Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα κίνημα στη ζωγραφική που προέκυψε και αναπτύχθηκε στη Γαλλία στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα - το πρώτο τέταρτο του 20ού αιώνα. Ήταν Σχολή καλών τεχνών, που θέτει σε πρώτο πλάνο «για να μεταφέρει εντυπώσεις, αλλά με τέτοιο τρόπο ώστε να γίνεται αντιληπτό ως κάτι υλικό». Το καθήκον του ιμπρεσιονιστή καλλιτέχνη ήταν να απεικονίσει τα δικά του συναισθήματα από αντικείμενα.
Είναι γνωστό ότι η ίδια η λέξη «ιμπρεσιονισμός» σε σχέση με τους καλλιτέχνες χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά από τον δημοσιογράφο Louis Leroy, ο οποίος εμπνεύστηκε από τον τίτλο ενός πίνακα του Claude Monet. Εντύπωση. Ανατολή ηλίου», όπου το λιμάνι της Χάβρης απεικονίζεται στη γαλαζωπή ομίχλη προ της αυγής.
Ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Marmottan-Monet στο Παρίσι. Υπάρχουν περισσότεροι από τριακόσιοι πίνακες των ιμπρεσιονιστών και των νεοϊμπρεσιονιστών, πράγμα που σημαίνει ότι μόλις επισκεφτείτε το μουσείο, θα καταλάβετε λίγο τις ιδέες του ιμπρεσιονισμού. Και μπορείτε να συνεχίσετε στο Musée d’Orsay, του οποίου η συλλογή ζηλεύει πολλοί.
Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες μετέφεραν στους καμβάδες τους μόνο την αντίληψή τους για την πραγματικότητα και τις διάφορες εκφάνσεις της, και όχι αυτό που γνώριζαν: για παράδειγμα, η γη στους πίνακές τους θα μπορούσε να είναι μωβ, λιλά, μπλε, ροζ ή πορτοκαλί, αλλά ποτέ μαύρη ή σκούρα καφέ.
Ο ιμπρεσιονισμός, που τόσο επικρίθηκε από τους συγχρόνους του, εκτιμήθηκε πενήντα χρόνια αργότερα, και σήμερα οι ιμπρεσιονιστές θεωρούνται και εκτιμώνται ως αριστουργήματα της παγκόσμιας ζωγραφικής. Παρουσιάζουμε στην προσοχή σας τους πιο αξέχαστους εκπροσώπους του ιμπρεσιονισμού.
Renoir, Pierre Auguste (1841 - 1919).
Οι κριτικοί τέχνης λένε ότι το σημαντικό επίτευγμα του Ρενουάρ ήταν η χρήση της θεωρίας των ιμπρεσιονιστών και της τεχνικής τους όχι μόνο όταν ζωγραφίζει τοπία και νεκρές φύσεις ή ανθρώπους στο ύπαιθρο, αλλά και όταν ζωγραφίζει γυμνά μοντέλα και πορτρέτα.
Ρενουάρσυχνά στρεφόταν στην εικόνα ενός γυμνού γυναικείου σώματος. Μετέφερε το παιχνίδι του φωτός και του ήλιου στο δέρμα, που φαινόταν ζωντανό στους πίνακές του. Έγραφε γυμνά γυναικείο σώμα, με παγωμένες σταγόνες νερού, μαργαριταρένιο αστραφτερό δέρμα, ροζ, μαυρισμένο, και στο τέλος της ζωής - πορτοκαλί, που λαμπυρίζει στη φωτιά των ακτίνων του ήλιου.
Ο Ρενουάρ απέρριψε όλες τις θεωρίες, λέγοντας: Οι θεωρίες δεν σε βοηθούν να γράψεις καλή εικόνα, τις περισσότερες φορές προσπαθούν να καλύψουν την έλλειψη εκφραστικών μέσων».
Είναι ενδιαφέρον ότι τα πρώτα έργα του Ρενουάρ έγιναν με ρεαλιστικό τρόπο. Για παράδειγμα, «Diana the Huntress» και «Mother Anthony’s Tavern».
Ο Ρενουάρ ήταν φίλος με τον Μονέ, έναν ιμπρεσιονιστή καλλιτέχνη, ο οποίος θα συζητηθεί παρακάτω. Αυτή η φιλία, μάλιστα, οδήγησε στο γεγονός ότι ο Ρενουάρ θα χρησιμοποιούσε την ιμπρεσιονιστική τεχνική.
Ωστόσο, οι κριτικοί τέχνης και οι ιστορικοί ζωγραφικής εφιστούν την προσοχή στο γεγονός ότι, ακολουθώντας το παράδειγμα των ιμπρεσιονιστών, ο Ρενουάρ αρνείται τους σκοτεινούς τόνους, αλλά από καιρό σε καιρό εξακολουθεί να κάνει μικρά εγκλείσματα στους πίνακές του. Μεταξύ των έργων αυτής της περιόδου, πρώτα απ 'όλα, μπορεί κανείς να ονομάσει τα "Pont Neuf", "Grand Boulevards", "Pathway between the Tall Grass".
Ο καλλιτέχνης, που έπασχε από κρίσεις ρευματισμών, πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του στη νότια Γαλλία στο Cagnes-sur-Mer στο κτήμα Colette. Έργα αυτής της περιόδου, από το 1903 έως το 1919. διαποτισμένοι από αισθησιασμό, οι καμβάδες του Ρενουάρ κυριαρχούνται από ζεστά χρώματα- ροζ κόκκινο, πορτοκαλί.
Η επιρροή των δασκάλων του παρελθόντος είναι πολύ αισθητή - Rubens Boucher και άλλοι, ". Η κρίση του Παρισιού», « Λουόμενη σκουπίζοντας το πόδι της" Το καλύτερο και τελευταία δουλειάΘεωρείται ο πίνακας «Λουόμενοι», ζωγραφισμένος το 1918. Σήμερα το κτήμα του, στη σκιά ενός ελαιώνα και πορτοκαλιών, είναι ανοιχτό για τους επισκέπτες. Μπορείτε να κοιτάξετε στο σαλόνι και την τραπεζαρία, να ανεβείτε στο υπνοδωμάτιο του καλλιτέχνη, το οποίο διατηρεί την ατμόσφαιρα του τελευταιες μερες: ΑΝΑΠΗΡΙΚΟ ΚΑΡΟΤΣΑΚΙ, καβαλέτο και βούρτσες. Σε έναν από τους τοίχους του δωματίου της συζύγου του κρέμεται μια φωτογραφία του γιου του Ρενουάρ, Πιέρ, και από το παράθυρο υπάρχει μια εκπληκτική θέα στην Αντίμπ και στις Κάννες.
Χάρη στον γαλλικό κινηματογράφο, μπορείτε να βυθιστείτε στον εαυτό σας τελευταία περίοδοτη ζωή του Auguste Renoir, γνωρίστε τον γιο του και δείτε τον αγώνα της τέχνης με τη σκληρή πραγματικότητα. Τον Μάρτιο, η ταινία του Γάλλου σκηνοθέτη Gilles Bourdot «Renoir: τελευταία αγάπη" Ο καλλιτέχνης μόλις τελειώνει το “Bathers”.
Κυανή Ακτή, σπουδαίος καλλιτέχνης, η μούσα του... οι Γάλλοι είναι μάστορες της τέχνης τους, και η ευκαιρία να δείτε πραγματικά με τα μάτια σας έναν μεγάλο δάσκαλο στη δουλειά, και μετά να δείτε το αποτέλεσμα της δουλειάς του, αξίζει πολλά. Αυτή ήταν η φωτογραφία που έκλεισε το τελευταίο Φεστιβάλ Καννών.
Monet Claude (1840 - 1926).
Κλοντ Μονέαποκαλείται ο πατέρας του ιμπρεσιονισμού. Ο μελλοντικός καλλιτέχνης γεννήθηκε στο Παρίσι, αλλά τα παιδικά του χρόνια και τα νιάτα του πέρασαν στη βόρεια Γαλλία, στην πόλη της Χάβρης. Ο Μονέ επηρεάστηκε πολύ από τον Eugene Boudin, Γάλλος καλλιτέχνης, που θεωρείται ο πρόδρομος του ιμπρεσιονισμού. Ήταν αυτός που του έμαθε να δουλεύει στο ύπαιθρο (στη λωρίδα, στο ύπαιθρο).
Ο Σεζάν είπε: Ο Μονέ είναι απλώς ένα μάτι, αλλά τι μάτι!» Είναι δύσκολο να διαφωνήσεις και να μην ερωτευτείς τους παριζιάνικους δρόμους, τις ακτές και τα τοπία της Νορμανδίας, στους καμβάδες του Μονέ.
Του διάσημος πίνακαςΤο «Breakfast on the Grass» γράφτηκε το 1863. στο χωριό Chailly-en-Bières, που βρίσκεται στα περίχωρα του δάσους του Fontainebleau. Το κεντρικό τμήμα του, κατεστραμμένο από την υγρασία και κομμένο από τον συγγραφέα, φυλάσσεται στο Musée d'Orsay στο Παρίσι και μια επανάληψη του πίνακα βρίσκεται στο Μουσείο Καλών Τεχνών. A. S. Pushkin στη Μόσχα.
Φθινόπωρο 1908 και 1909 Ο καλλιτέχνης πέρασε χρόνο στη Βενετία, αιχμαλωτισμένος από τη γοητεία της πόλης, την συνεχώς μεταβαλλόμενη αντανάκλασή της στην επιφάνεια του νερού του καναλιού. Εδώ ο Μονέ ζωγράφισε τη Βενετία: Το Παλάτι των Δόγηδων και τη Βενετία: Το Μεγάλο Κανάλι. Ο ιδιοφυής Μονέ κατάφερε απίστευτα να απεικονίσει την πόλη σαν να ήταν καλυμμένη από μια ελαφριά ομίχλη πριν από την αυγή.
Στη Δύση του ηλιου δημιουργική διαδρομήΟ Μονέ δημιούργησε εκλεπτυσμένους πίνακες εμπνευσμένους από τα νούφαρα στη λίμνη στο σπίτι του στο Giverny.
Όταν ο καλλιτέχνης μετακόμισε το 1883 αναζητώντας ένα ήσυχο μέρος στο Giverny, είναι απίθανο να υποψιαζόταν πόσο πολύ θα άλλαζε η ζωή το νυσταγμένο χωριό στη Νορμανδία. Αμέσως μετά την άφιξή του, η πόλη, ογδόντα χιλιόμετρα από το Παρίσι, πλημμύρισε από νέους καλλιτέχνες από διαφορετικά μέρηΕυρώπη.
Στις μέρες μας, καλλιτέχνες και λάτρεις της τέχνης σε αναζήτηση έμπνευσης έρχονται να κάνουν μια βόλτα στους κήπους του Giverny και να επισκεφτούν το αναπαλαιωμένο σπίτι. Επομένως, αν ερωτευτήκατε τους όμορφους πίνακες του Μονέ στα μουσεία d'Orsay, Marmottan και Orangerie, τότε ο Giverny θα είναι στην πρώτη θέση στη λίστα που πρέπει να δείτε.
Sisley Alfred (1839 - 1899).
Το να είσαι ιμπρεσιονιστής ΣίσλεϋΈδωσε ιδιαίτερη προσοχή στη μετάδοση αποχρώσεων και αισθήσεων. Του άρεσε να ζωγραφίζει την επιφάνεια του νερού, τον ουρανό, την ομίχλη, το χιόνι. «Ο πίνακας πρέπει να προκαλεί στον θεατή τα ίδια συναισθήματα που κυρίευσαν τον καλλιτέχνη όταν κοίταξε αυτό το τοπίο», είπε ο Sisley.
Παρατηρήστε πόσο ελαφριά, σχεδόν χωρίς βάρος φαίνονται τα σπίτια, επιφάνεια του νερούμε ανάλαφρους κυματισμούς, παστέλ ουρανό και φύλλωμα δέντρου. Οι πίνακές του, γραμμένες με λεπτές, αέρινες πινελιές, δημιουργούσαν τη διάθεση για μια ποιητική, ρομαντική διάθεση.
Μια σημαντική συλλογή έργων ζωγραφικής του καλλιτέχνη βρίσκεται στο Musée d'Orsay στο Παρίσι. Μην το αγνοήσετε όταν βρίσκεστε στην πρωτεύουσα της Γαλλίας. Θα απολαύσετε όχι μόνο το έργο του Sisley, αλλά και πίνακες άλλων ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών που εκτίθενται σε αυτό το μουσείο στις όχθες του Σηκουάνα.
Pissarro Camille (1830 - 1903).
Οι κριτικοί τέχνης γράφουν ότι αν ο Claude Monet και ο Sisley αγαπούσαν περισσότερο να φαντάζονται το νερό και να αλλάζουν τις αντανακλάσεις στην επιφάνειά του στους πίνακές τους, τότε Πισσάροέδωσε προτίμηση στη γη. Η τέχνη του είναι απαλλαγμένη από φευγαλέες εντυπώσεις - τα πάντα γι' αυτήν είναι πιο εμπεριστατωμένα. Παρατηρήστε πόσο συχνά υπάρχουν σκηνές από την αγροτική ζωή στους πίνακές του. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε το χρωματικό σχέδιο με τέτοιο τρόπο που όταν μελετά τους καμβάδες του, φαίνεται σαν να είναι γεμάτοι φως από μέσα. Ο Pissarro αγαπούσε να ζωγραφίζει περιβόλια και χωράφια, μεταφέροντας εκπληκτικά τις αλλαγές της φύσης.
Ο Πισάρο γνώριζε τον Μονέ, με τον οποίο τους άρεσε να ζωγραφίζουν μαζί στην περιοχή του Παρισιού. Εδώ γράφτηκαν τα «Gare Saint-Lazare», «Pavilion of Flore and Pont Royal», «Place Comedie-Française», «View of the Louvre, Seine and Pont Neuf».
Σεζάντον αποκάλεσε «σεμνό και μεγάλο», επάξια, τι νομίζεις;
Seurat Georges (1859 - 1891).
Ενας από ιδιαίτερα χαρακτηριστικάΟ Seurat είχε την επιθυμία να φέρει ένα φρέσκο πνεύμα στον ιμπρεσιονισμό.
Το έργο του - τόσο σχέδια όσο και ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ- με βάση τη θεωρία των αντιθέσεων. Ο πιο διάσημος πίνακας είναι σίγουρα γνωστός σε εσάς, είναι το αριστούργημα «Κυριακάτικος περίπατος στο νησί La Grande Jatte», που φυλάσσεται στο Σικάγο. ινστιτούτο τέχνης. Αυτός ο πίνακας έγινε έκφραση των νέων τάσεων στην τέχνη, έκφραση των ιδεών του νεοϊμπρεσιονισμού. Μια αίσθηση απόλυτης γαλήνης επιτεύχθηκε συνδυάζοντας ψυχρούς και ζεστούς τόνους, φως και σκιά.
Το «Cancan», ένας όχι λιγότερο διάσημος πίνακας του καλλιτέχνη, αντίθετα, μεταφέρει ένα αίσθημα χαράς και κίνησης, χρησιμοποιώντας ζεστές αποχρώσεις και φωτεινά χρώματα.
Θα ήθελα να τελειώσω με τα λόγια του Claude Monet " Οι άνθρωποι συζητούν την τέχνη μου και προσποιούνται ότι καταλαβαίνουν σαν να ήταν απαραίτητο να καταλάβουν, όταν είναι απλά απαραίτητο να αγαπάς ». ( Οι άνθρωποι συζητούν τους πίνακές μου, προσπαθώντας να καταλάβουν. Γιατί πρέπει να καταλάβεις αν μπορείς απλά να αγαπάς;?)
Πιστεύεται ότι η τέχνη δεν έχει όρια. Ωστόσο, οι άνθρωποι αποφάσισαν να χωρίσουν τα έργα των καλλιτεχνών σε είδη, τα οποία μπορεί να είναι πολύ εύκολο να μπερδευτούν, επειδή τα όρια των στυλ είναι αυθαίρετα. Σήμερα θα μιλήσουμε για μια από τις κύριες τάσεις στη ζωγραφική - τον ιμπρεσιονισμό.
Η εμφάνιση του ιμπρεσιονισμού
Ο ιμπρεσιονισμός ως είδος τέχνης ξεκίνησε στη Γαλλία τη δεκαετία του 1870. Η προέλευση αυτού του στυλ ήταν η δημιουργία του πίνακα του C. Monet «Η ανατολή του ηλίου» (1872). Ένας δημοσιογράφος αποκάλεσε τον καλλιτέχνη ιμπρεσιονιστή, αλλά με αρνητικό νόημα. Αλλά αυτό σύντομα ξεχάστηκε και η εικόνα γέννησε ένα νέο είδος.
Το 1874, ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες πραγματοποίησαν την πρώτη τους ξεχωριστή έκθεση. Οι πίνακες που εκτίθενται εκεί επικρίθηκαν για την έλλειψη νοήματος, τη χαλαρότητα και την κακή τους απεικόνιση. Ωστόσο, οι καλλιτέχνες δεν σταμάτησαν και συνέχισαν να διοργανώνουν τέτοιες εκδηλώσεις, δηλώνοντας την τέχνη τους.
Ο ιμπρεσιονισμός ήταν ένα καθαρά γαλλικό φαινόμενο. Καλλιτέχνες από άλλες χώρες μπόρεσαν να υιοθετήσουν ορισμένα χαρακτηριστικά, αλλά όχι στο έπακρο.
Οι ιμπρεσιονιστές ήταν οι πρώτοι που απομακρύνθηκαν από τα γενικά αποδεκτά πρότυπα και πρότυπα ακαδημαϊκής γραφής, δίνοντας έτσι μια τεράστια ώθηση στην ανάπτυξη καλλιτεχνικές τέχνες. Ερεύνησαν σε βάθος τα χρώματα και τις νέες τεχνικές γραφής, που τελικά μας οδήγησαν στην ποικιλομορφία που έχουμε σήμερα.
Πρέπει να σημειωθεί ότι ο ιμπρεσιονισμός είχε σοβαρή επιρροή και ενέπνευσε με την καινοτομία του εκπροσώπους άλλων τομέων της τέχνης: γλυπτική, μουσική και λογοτεχνία.
Τι μας λένε οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες;
Ο ιμπρεσιονισμός εστιάζει στην εικόνα και την εντύπωση που δίνει στον θεατή. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες απεικονίζουν συνήθως συνηθισμένες σκηνές από τη ζωή: φασαρία της πόλης ή τοπία. Τα έργα τους δίνουν στους θεατές εκείνες τις φευγαλέες εντυπώσεις που βίωσαν οι ίδιοι οι ζωγράφοι. Ο ιμπρεσιονισμός δεν παρατηρεί προβλήματα ή αρνητικότητα, δείχνει αποκλειστικά θετικές πλευρέςΖΩΗ.
Κυρίως στους πίνακες μπορείτε να δείτε σκηνές όπως πικνίκ, βαρκάδα, χορός, πάρτι τσαγιού, υπαίθρια διασκέδαση και άλλες χαρές της ζωής. Οι ιμπρεσιονιστές συχνά απεικόνιζαν ανθρώπους σε πίνακες όχι παγωμένους, αλλά να κινούνται, να παίζουν, να γελούν. Οι πίνακες μας επιτρέπουν να βυθιστούμε στη ζωντανή πραγματικότητα των περασμένων αιώνων, για να δούμε τι είδους περιβάλλον περιβάλλεται άνθρωποι XIXαιώνας.
Χαρακτηριστικά ιμπρεσιονιστικών πινάκων
Το ταλέντο να αντικατοπτρίζεις μια στιγμιαία πρώτη εντύπωση σε έναν καμβά είναι κύριο χαρακτηριστικόόλοι οι καλλιτέχνες. Πάντα δημιουργούσαν από τη ζωή, χωρίς κανένα σκίτσο, αποτυπώνοντας και μεταφέροντας τη γενική διάθεση. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες δεν έχουν βαθύ νόημα ή κρυφό περιεχόμενο, απεικονίζουν την καθημερινή ζωή, αλλά το κάνουν όχι απλά, αλλά αριστοτεχνικά. Όταν κοιτάζει τέτοιους πίνακες, ο θεατής έχει αμέσως μια συγκεκριμένη σκέψη ή συναίσθημα που παραμένει για κάποιο χρονικό διάστημα μετά την προβολή.
Οι ιμπρεσιονιστές ανέπτυξαν ένα ιδιαίτερο στυλ γραφής. Οι πίνακες που ζωγράφισαν τις περισσότερες φορές διακρίνονται από ασαφείς γραμμές και μεμονωμένες πινελιές Το γεγονός είναι ότι μετέφεραν όλα τα χρώματα με ένα τυπικό σύνολο χρωμάτων, τοποθετώντας επιδέξια πινελιές. Πολλή προσοχήστα έργα τους έδιναν σημασία στο παιχνίδι του φωτός και των σκιών, προσπαθώντας να δημιουργήσουν αντίθεση. Ενδεικτικός ως προς αυτό είναι ο πίνακας του O. Renoir «The Ball at the Moulin de la Galette» (1876).
Μεγάλοι ιμπρεσιονιστές του παρελθόντος
Από τη δημιουργία του κινήματος, υπήρξαν πολλοί καλλιτέχνες που έχουν εργαστεί με το στυλ του ιμπρεσιονισμού, αλλά πολύ λίγοι μπορούν να χαρακτηριστούν πραγματικά σπουδαίοι. Έτσι, οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες είναι οι C. Monet, O. Renoir, A. Sisley και C. Pissarro. Γενικά, ο ιμπρεσιονισμός ως κίνημα ήταν ιδιαίτερα δημοφιλής τέλη XIXαιώνες, τότε ήταν που οι αληθινοί δάσκαλοι δημιούργησαν.
Αυτό χρησίμευσε ως αρχή και έμπνευση για άλλους εξίσου διάσημους καλλιτέχνες - V. van Gogh, P. Cezanne, P. Gauguin. Αυτοί οι καλλιτέχνες έγιναν οι ιδρυτές του μετα-ιμπρεσιονισμού, ο οποίος έκανε στόχο την απόρριψη της εικόνας πραγματική ζωή, μετάβαση στην εικόνα των βασικών του.
Σύγχρονοι ιμπρεσιονιστές
Μη νομίζετε ότι η σκηνοθεσία έπαψε να υπάρχει μετά την ακμή της. Υπάρχουν ακόμη καλλιτέχνες που επιλέγουν τον ιμπρεσιονισμό για τη δουλειά τους.
Οι πίνακες των σύγχρονων ιμπρεσιονιστών προκαλούν όχι λιγότερο θαυμασμό από τους πίνακες του παρελθόντος. Σήμερα, πολλοί δάσκαλοι δημιουργούν σε αυτό το είδος, αλλά ο χρόνος θα δείξει ποιος από αυτούς αξίζει περισσότερο αυτόν τον τίτλο. Ωστόσο, υπάρχουν αρκετοί καλλιτέχνες των οποίων οι πίνακες τοποθετούνται ως ιμπρεσιονιστικοί πίνακες. Φωτογραφίες από τη δουλειά τους παρουσιάζονται παρακάτω.
Πάρτε, για παράδειγμα, έναν καλλιτέχνη που ονομάζεται Kent R. Wallis. Οι καμβάδες του διακρίνονται από έντονα, πλούσια χρώματα, με τα οποία δημιουργεί υπέροχα τοπία.
Επίσης συναρπαστικοί είναι οι πίνακες του καλλιτέχνη I.J. Paprocki (E.J. Paprocki).
Οι καμβάδες του έχουν λουλούδια, φύλλα και άλλα μικρά στοιχείαγίνονται πολύ ρεαλιστικά, ενώ το υπόλοιπο φόντο γίνεται με πινελιές. Αυτό του επιτρέπει να μεταφέρει την ομορφιά της λεπτομέρειας και ταυτόχρονα τις γενικές πρώτες εντυπώσεις χαρακτηριστικές του ιμπρεσιονισμού.
Ιμπρεσιονισμός (από τα γαλλικά" εντύπωση" - εντύπωση) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη (λογοτεχνία, ζωγραφική, αρχιτεκτονική), εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα στη Γαλλία και γρήγορα διαδόθηκε σε άλλες χώρες του κόσμου. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης, που πίστευαν ότι οι ακαδημαϊκές, παραδοσιακές τεχνικές, για παράδειγμα, στη ζωγραφική ή την αρχιτεκτονική, δεν μπορούν να μεταδώσουν πλήρως την πληρότητα και τις μικρότερες λεπτομέρειες του γύρω κόσμου, στράφηκαν στη χρήση εντελώς νέων τεχνικών και μεθόδων, πρώτα απ 'όλα στη ζωγραφική, μετά στη λογοτεχνία και τη μουσική. Κατέστησαν δυνατή την πιο ζωντανή και φυσική απεικόνιση όλης της κινητικότητας και της μεταβλητότητας πραγματικό κόσμομεταφέροντας όχι τη φωτογραφική του εμφάνιση, αλλά μέσα από το πρίσμα των εντυπώσεων και των συναισθημάτων των συγγραφέων για αυτό που είδαν.
Ο συγγραφέας του όρου «ιμπρεσιονισμός» θεωρείται ότι είναι Γάλλος κριτικόςκαι ο δημοσιογράφος Louis Leroy, ο οποίος εντυπωσιασμένος από την επίσκεψή του στην έκθεση μιας ομάδας νέων καλλιτεχνών «The Salon of the Rejected» το 1874 στο Παρίσι, τους αποκαλεί στο φειλέτο του ιμπρεσιονιστές, ένα είδος «ιμπρεσιονιστές», και αυτή η δήλωση είναι κάπως απορριπτικό και ειρωνικό χαρακτήρα. Η βάση για το όνομα αυτού του όρου ήταν ο πίνακας του Claude Monet "Impression" που είδε ένας κριτικός. Ανατολή του ηλίου" Και παρόλο που στην αρχή πολλοί από τους πίνακες αυτής της έκθεσης υπόκεινται σε έντονη κριτική και απόρριψη, αργότερα αυτή η κατεύθυνση έλαβε ευρύτερη δημόσια αναγνώριση και έγινε δημοφιλής σε όλο τον κόσμο.
Ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική
(Claude Monet "Βάρκες στην παραλία")
Το νέο στυλ, τρόπος και τεχνική απεικόνισης δεν επινοήθηκαν από Γάλλους ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες, βασίστηκαν στην εμπειρία και τα επιτεύγματα των πιο ταλαντούχων ζωγράφων της Αναγέννησης: Rubens, Velazquez, El Greco, Goya. Από αυτούς, οι ιμπρεσιονιστές πήραν τέτοιες μεθόδους για να μεταφέρουν πιο ζωντανά και ζωντανά τον περιβάλλοντα κόσμο ή την εκφραστικότητα των καιρικών συνθηκών, όπως η χρήση ενδιάμεσων τόνων, η χρήση τεχνικών φωτεινών ή, αντίθετα, θαμπών κτυπημάτων, μεγάλων ή μικρών , που χαρακτηρίζεται από αφαιρετικότητα. Οι οπαδοί της νέας κατεύθυνσης στη ζωγραφική είτε εγκατέλειψαν εντελώς τον παραδοσιακό ακαδημαϊκό τρόπο σχεδίασης, είτε αναμόρφωσαν εντελώς τις μεθόδους και τις μεθόδους απεικόνισης με τον δικό τους τρόπο, εισάγοντας τέτοιες καινοτομίες όπως:
- Αντικείμενα, αντικείμενα ή φιγούρες απεικονίστηκαν χωρίς περίγραμμα, αντικαταστάθηκαν από μικρές και αντίθετες πινελιές.
- Δεν χρησιμοποιήθηκε παλέτα για την ανάμειξη χρωμάτων επιλέχθηκαν που αλληλοσυμπληρώνονται και δεν απαιτούν συγχώνευση. Μερικές φορές το χρώμα πιέζονταν στον καμβά απευθείας από έναν μεταλλικό σωλήνα, δημιουργώντας ένα καθαρό, αστραφτερό χρώμα με ένα εφέ πινελιάς.
- Εικονική απουσία μαύρου χρώματος.
- Οι καμβάδες ζωγραφίστηκαν ως επί το πλείστον σε εξωτερικούς χώρους, από τη φύση, προκειμένου να μεταφέρουν πιο ζωντανά και εκφραστικά τα συναισθήματα και τις εντυπώσεις τους από αυτό που είδαν.
- Η χρήση χρωμάτων με υψηλή καλυπτική ικανότητα.
- Εφαρμόζοντας φρέσκες πινελιές απευθείας στην ακόμα υγρή επιφάνεια του καμβά.
- Δημιουργία βρόχων ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣπροκειμένου να μελετηθούν οι αλλαγές στο φως και τη σκιά («Haystacks» του Claude Monet).
- Έλλειψη απεικόνισης πιεστικών κοινωνικών, φιλοσοφικών ή θρησκευτικών ζητημάτων, ιστορικών ή σημαντικών γεγονότων. Τα έργα των ιμπρεσιονιστών είναι γεμάτα θετικά συναισθήματα, δεν υπάρχει χώρος για κατήφεια και βαριές σκέψεις, υπάρχει μόνο ελαφρότητα, χαρά και ομορφιά κάθε στιγμής, ειλικρίνεια των συναισθημάτων και ειλικρίνεια των συναισθημάτων.
(Εντουάρ Μανέ «Διαβάζω»)
Και παρόλο που δεν τήρησαν όλοι οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος ιδιαίτερη ακρίβεια στην εκτέλεση όλων των ακριβών χαρακτηριστικών του στυλ ιμπρεσιονισμού (Ο Edouard Manet τοποθετήθηκε ως μεμονωμένος καλλιτέχνης και δεν συμμετείχε ποτέ σε κοινές εκθέσεις (υπήρχαν 8 συνολικά από το 1874 έως το 1886) Ο Έντγκαρ Ντεγκά δημιούργησε μόνο στο δικό του εργαστήριο) αυτό δεν τους εμπόδισε να δημιουργήσουν αριστουργήματα εικαστικές τέχνες, ακόμα αποθηκευμένο σε καλύτερα μουσείακαι ιδιωτικές συλλογές σε όλο τον κόσμο.
Ρώσοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες
Το να είσαι εντυπωσιασμένος από δημιουργικές ιδέεςΓάλλοι ιμπρεσιονιστές, Ρώσοι καλλιτέχνες στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα δημιούργησαν τα αυθεντικά αριστουργήματα καλών τεχνών τους, αργότερα γνωστά ως συνηθισμένο όνομα«Ρωσικός ιμπρεσιονισμός».
(V. A. Serov "Κορίτσι με ροδάκινα")
Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποί του είναι ο Konstantin Korovin ("Portrait of a Chorus Girl", 1883, "Northern Idyll" 1886), ο Valentin Serov (" Ανοιχτό παράθυρο. Πασχαλιά», 1886, «Κορίτσι με ροδάκινα», 1887), Arkhip Kuindzhi («North», 1879, «Dnieper in the Morning» 1881), Abram Arkhipov («North Sea», «Landscape. Study with a Log House») , «όψιμος» ιμπρεσιονιστής Igor Grabar («Birch Alley», 1940, «Winter Landscape», 1954).
(Borisov-Musatov "Το τραγούδι του φθινοπώρου")
Οι μέθοδοι και ο τρόπος απεικόνισης που είναι εγγενείς στον ιμπρεσιονισμό έλαβαν χώρα στα έργα τέτοιων εξαιρετικών Ρώσων καλλιτεχνών όπως ο Borisov-Musatov, ο Bogdanov Belsky, ο Nilus. Οι κλασικοί κανόνες του γαλλικού ιμπρεσιονισμού στους πίνακες των Ρώσων καλλιτεχνών έχουν υποστεί κάποιες αλλαγές, ως αποτέλεσμα των οποίων αυτή η κατεύθυνση έχει αποκτήσει μια μοναδική εθνική ιδιαιτερότητα.
Ξένοι ιμπρεσιονιστές
Ένα από τα πρώτα έργα που εκτελέστηκαν με ύφος ιμπρεσιονισμού θεωρείται ο πίνακας του Εντουάρ Μανέ «Luncheon on the Grass», ο οποίος εκτέθηκε στο κοινό το 1860 στο «Salon of the Rejected» του Παρισιού, όπου καμβάδες που δεν πέρασαν επιλογή του Salon of Arts του Παρισιού θα μπορούσε να αποσυναρμολογηθεί. Ο πίνακας, ζωγραφισμένος σε στυλ που ήταν ριζικά διαφορετικό από τον παραδοσιακό τρόπο απεικόνισης, προκάλεσε πολλά επικριτικά σχόλια και συγκέντρωσε τους οπαδούς του νέου καλλιτεχνικού κινήματος γύρω από τον καλλιτέχνη.
(Εντουάρ Μανέ «Στην ταβέρνα του πατέρα Λατουίλ»)
Οι πιο διάσημοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες περιλαμβάνουν τον Edouard Manet ("Bar at the Folies-Bergere", "Music in the Tuileries", "Breakfast on the Grass", "At Father Lathuile's", "Argenteuil"), Claude Monet ("Field of Poppies" στο Argenteuil», «Walk to the Cliff in Pourville», «Women in the Garden», «Lady with an Umbrella», «Boulevard des Capucines», σειρά έργων «Water Lilies», «Impression»). Alfred Sisley ("Rural Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge at Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring"), Pierre Auguste Renoir ("Breakfast of the Rowers", "Ball at the Moulin" de la Galette», «Dance in the Country», «Umbrellas», «Dance at Bougival», «Girls at the Piano»), Camille Pizarro («Boulevard Montmartre at Night», «Harvest at Eragny», «Reapers Resting» , “Garden at Pontoise”, “Entering the Village of Voisin”) , Edgar Degas (“Dance Class”, “Rehearsal”, “Concert at the Ambassador Café”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Lovers ”), Georges Seurat (“Sunday Afternoon”, “Cancan”, “Models”) και άλλοι.
(Πωλ Σεζάν «Ο Πιερό και ο Αρλεκίνος»")
Τέσσερις καλλιτέχνες στη δεκαετία του '90 του 19ου αιώνα δημιούργησαν μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη βασισμένη στον ιμπρεσιονισμό και αυτοαποκαλούνταν μετα-ιμπρεσιονιστές (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Το έργο τους χαρακτηρίζεται από τη μετάδοση όχι φευγαλέων αισθήσεων και εντυπώσεων από τον κόσμο γύρω τους, αλλά από τη γνώση της αληθινής ουσίας των πραγμάτων, που κρύβεται κάτω από το εξωτερικό τους κέλυφος. Οι περισσότεροι από αυτούς διάσημα έργα: Paul Gauguin ("A Mischievous Joke", "La Orana Maria", "The Fight of Jacob with the Angel", "Yellow Christ"), Paul Cezanne ("Pierrot and Arlequin", " Μεγάλοι λουόμενοι", "Lady in Blue"), Vincent Van Gogh ( Starlight Night», «Sunflowers», «Irises»), Henri de Toulouse-Lautrec («The Laundress», «Toilet», «Dance Training at the Moulin Rouge»).
Ο ιμπρεσιονισμός στη γλυπτική
(Ογκίστ Ροντέν «Ο στοχαστής»)
Ο ιμπρεσιονισμός δεν αναπτύχθηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση στην αρχιτεκτονική γλυπτικές συνθέσειςκαι μνημεία. Γλυπτική αυτό το στυλΔίνει ελεύθερη πλαστικότητα στις απαλές φόρμες, δημιουργούν ένα εκπληκτικό παιχνίδι φωτός στην επιφάνεια των μορφών και δίνουν κάποια αίσθηση ατελείας, οι γλυπτικοί χαρακτήρες απεικονίζονται συχνά τη στιγμή της κίνησης. Να δουλεύει μέσα προς αυτή την κατεύθυνσηπεριλαμβάνουν γλυπτά του διάσημου Γάλλου γλύπτη Auguste Rodin («Το φιλί», «Ο στοχαστής», «Ποιητής και μούσα», «Ρωμαίος και Ιουλιέτα», «Αιώνια Άνοιξη»), Ιταλός καλλιτέχνηςκαι ο γλύπτης Medardo Rosso (φιγούρες από πηλό και γύψο γεμάτες με κερί για να επιτευχθεί ένα μοναδικό εφέ φωτισμού: «The Gatekeeper and the Mistress», «The Golden Age», «Motherhood»), Ρωσικά ιδιοφυές ψήγμα Pavel Trubetskoy (χάλκινη προτομή του Λέοντος Τολστόι, μνημείο Αλέξανδρος Γ'Στην Πετρούπολη).
Ο ιμπρεσιονισμός συχνά θεωρείται ακριβώς ως ένα κίνημα στη ζωγραφική που ξεκίνησε τον 19ο αιώνα στη Γαλλία. Ο ιμπρεσιονισμός έφερε μια διπλή επανάσταση, η οποία αντικατοπτρίζεται ταυτόχρονα στο όραμα του κόσμου και στη ζωγραφική τεχνική. Δείχνει τον πίνακα συγκινητικό, εφήμερο, άπιαστο, εστιάζοντας στη στιγμή που περνά στον ενεστώτα. Επιπλέον, ο ιμπρεσιονισμός χαρακτηρίζεται από φως, αφή και χρωματική δόνηση.
Επιφανείς εκπρόσωποι σύγχρονος ιμπρεσιονισμόςστη ζωγραφικήπολλοί, αλλά σε αυτή τη δημοσίευση θα επικεντρωθούμε σε τέσσερις καλλιτέχνες - Andre Kohn (Ρωσία), Laurent Parcelier (Γαλλία), Diane Leonard και Karen Tarlton (ΗΠΑ)- καθένα από τα οποία κατέχει μοναδική τεχνολογίαστη ζωγραφική.
Αντρέ Κον- προέρχεται από το Βόλγκογκραντ, Ρωσική Ομοσπονδία. Από την ηλικία των 15 άρχισε να σπουδάζει σοβαρά ζωγραφική υπό την καθοδήγηση της Natalia Gavrichenko και του Anatoly Vrubel. Δεδομένου ότι ο καλλιτέχνης άξιζε υψηλούς επαίνους ελαιογραφίααπό τους δυτικούς συναδέλφους του, μετανάστευσε στην Αμερική. Επί αυτή τη στιγμήζει με την οικογένειά του στο Φοίνιξ. Οι πίνακες του καλλιτέχνη βρίσκονται σε εταιρικές, μουσειακές και ιδιωτικές συλλογές στην Ευρώπη, τον Καναδά, τις ΗΠΑ, την Ιαπωνία, την Αυστραλία και τη Ρωσία.
Ο Andre Cohn είναι αναγνωρισμένος ηγέτης στον τομέα του σύγχρονου ιμπρεσιονισμού. Με ένα ώριμο και φρέσκο ευφάνταστο ύφος, δημιουργεί πάντα το εξαιρετικό έξω από τα συνηθισμένα. Τα αντικείμενα του καλλιτέχνη ερμηνεύονται μέσα από την ποίηση της κίνησης. Στην αμερικανική αρένα, ο ιμπρεσιονιστής Αντρέ Κον θεωρείται μια από τις πιο ενδιαφέρουσες φιγούρες.
Ο σύγχρονος γαλλικός ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική του Laurent Parcelier
Laurent Parcelier- μαέστρος της ακουαρέλας, σύγχρονος Γάλλος ιμπρεσιονιστής. Χαρακτηριστικό της δουλειάς του Porcellier είναι ο καθαρός και φωτεινός τρόπος μεταφοράς των τόπων που επισκέφτηκε ο ίδιος ο καλλιτέχνης. ο καλλιτέχνης λάμπει από φως, φωτεινότητα, εντύπωση. Οι πινελιές και οι τόνοι του συγγραφέα είναι μοναδικοί μόνο σε αυτόν.
Ο σύγχρονος αμερικανικός ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική της Νταϊάν Λέοναρντ
Η Diana Leonard είναι μια από αυτές τις καλλιτέχνες που κέρδισαν αμέσως δημοτικότητα. Άρχισε να δημιουργεί σε ηλικία 20 ετών και σχεδόν αμέσως το ταλέντο της εκτιμήθηκε από ειδικούς του χώρου μοντέρνα ζωγραφική. Νταϊάν Λέοναρντ- τιμώμενος ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης στην πατρίδα του, και επίσης συγγραφέας μερικής απασχόλησης. Οι καμβάδες του καλλιτέχνη θα μιλήσουν από μόνοι τους. Απολαύστε την παρακολούθηση!
Η σύγχρονη ιμπρεσιονίστρια καλλιτέχνης Κάρεν Τάρλτον
Κάρεν Τάρλτονσε μια από τις προσωπικές της συνεντεύξεις μίλησε για τον εαυτό της ως καθολική καλλιτέχνιδα που εργάζεται στο είδος του ιμπρεσιονισμού. Με τα δικά της λόγια, δυνατό σημείοΟ καλλιτέχνης ζωγραφίζει plein air. Το εργαλείο για τη δημιουργία πολύχρωμων πινάκων του συγγραφέα είναι, και μαζί του οι πλούσιοι χρωματική παλέτα. Στους πίνακές της, η Karen Tarlton προσπαθεί με όλες της τις δυνάμεις να εμπνεύσει και να ευχαριστήσει τον θεατή με έναν συνδυασμό φωτός, χρώματος και υφής.
Η Κάρεν είναι σημερινή ειδικός στην ιμπρεσιονιστική ζωγραφική με μαχαίρι παλέτας. Συχνά ζωγραφίζει τοπία και πορτρέτα. Σήμερα ζει και εργάζεται στο Manhattan Beach, στην Καλιφόρνια.
Έντονες πινελιές, έντονα χρώματα, καθημερινές σκηνέςζωή, ειλικρινείς πόζες και, κυρίως, ακριβής περιγραφή του φωτός... Μόνο ένα μικρό κλάσμα από τα χαρακτηριστικά ενός από τα πιο δημοφιλή καλλιτεχνικές κατευθύνσεις. Ο ιμπρεσιονισμός εμφανίστηκε στη Γαλλία στα μέσα του 19ου αιώνα. Πριν από την εμφάνισή του, οι συγγραφείς δημιουργούσαν συνήθως νεκρές φύσεις, πορτρέτα, ακόμη και τοπία στα στούντιο τους. Οι πρώτοι ιμπρεσιονιστές έσπασαν τους παραδοσιακούς κανόνες και κυριολεκτικά βγήκαν στα χωράφια - άρχισαν να δημιουργούν στο ύπαιθρο, απαθανατίζοντας ρεαλιστικές σκηνές της σύγχρονης ζωής. Αν και ο ιμπρεσιονισμός αρχικά δέχτηκε έντονη κριτική, σύντομα οδήγησε σε ένα παρόμοιο κίνημα στη μουσική και τη λογοτεχνία. Σας προσκαλούμε να θαυμάσετε τα περισσότερα διάσημους πίνακες ζωγραφικήςΑυτό επαναστατικό κίνημαστην τέχνη.
Μπαρ στο Folies Bergere, Edouard Manet, 1882
Το τελευταίο σημαντικό έργο του Μανέ και απλά σπουδαιότερο έργοτέχνη. Ο καμβάς απεικονίζει το διάσημο καμπαρέ του Παρισιού, το οποίο ο ίδιος ο καλλιτέχνης επισκεπτόταν συχνά. Για να μεταφέρει την ατμόσφαιρα εκείνης της περιόδου και να κάνει τη σκηνή πιο περίπλοκη, απεικόνισε έναν καθρέφτη στο βάθος, ο οποίος αντανακλά μεγάλο ποσόάνθρωποι που γεμίζουν το δωμάτιο. Απέναντι από το πλήθος και τον θεατή, αντίθετα, πίσω από τον πάγκο στέκεται μια μοναχική μπαργούμαν, απορροφημένη στις δικές της σκέψεις. Ένας από τους ερευνητές του έργου του Μανέ σημειώνει ότι τα πορτοκάλια στον πίνακα είναι άμεση απόδειξη ότι μιλάμε για πόρνη. Η ημερομηνία και η υπογραφή του ίδιου του Manet εμφανίζεται στην ετικέτα ενός από τα μπουκάλια, που βρίσκεται στην κάτω αριστερή γωνία.
Οι επαγγελματίες αποκαλούν τη σειρά του Claude Monet "Water Lilies" τίποτα περισσότερο από " Καπέλα Σιξτίναιμπρεσιονισμός". Ο κύκλος αποτελείται από περίπου 250 πίνακες που φιλοτέχνησε ο καλλιτέχνης τα τελευταία τριάντα χρόνια της ζωής του στο χώρο του σπιτιού του στο Giverny. Σήμερα εκτίθενται σε μουσεία σε όλο τον κόσμο. Είναι εκπληκτικό ότι ο Μονέ έγραψε τα περισσότερα όταν έπαθε καταρράκτη και έχασε τον αριστερό του φακό.
Μπάλα στο Moulin de la Galette, Pierre Auguste Renoir, 1876
Το διάσημο αριστούργημα του ιμπρεσιονισμού χαρακτηρίζεται συχνά από τους ιστορικούς τέχνης ως «ο πιο όμορφος καλλιτεχνικός καμβάς του 19ου αιώνα». Ο πίνακας απεικονίζει ένα τυπικό απόγευμα Κυριακής στο Moulin de la Galette στη Μονμάρτρη. Κάτω από ύπαιθροΟ Ρενουάρ ζωγράφισε μια πίστα και ένα καφέ κοντά στο σπίτι του - στον καλλιτέχνη άρεσε να παρακολουθεί χαρούμενα, χαριτωμένα ζευγάρια. Για αυτόν ήταν ένα ιδανικό περιβάλλον για δημιουργικότητα. Το «Ball at the Moulin de la Galette» είναι ένα επιδέξιο ομαδικό πορτρέτο, νεκρή φύση και τοπίο ταυτόχρονα. Επιπλέον, αυτό είναι το πιο φιλόδοξο έργο του Ρενουάρ: ποτέ πριν ο καλλιτέχνης δεν είχε απεικονίσει πτυχές Καθημερινή ζωήσε καμβά αυτής της κλίμακας - 131x175 εκ. Η μικρότερη έκδοση του πίνακα είναι ανάμεσα στα δέκα πιο ακριβά έργα τέχνης που πωλήθηκαν.
Εντύπωση. Ανατέλλοντος Ήλιος, Κλοντ Μονέ, 1872
Ο εμβληματικός πίνακας που έδωσε το όνομά του σε όλα καλλιτεχνική κίνηση(από τη γαλλική εντύπωση - «εντύπωση») και έγινε η πεμπτουσία του. Αρχικά, ο καμβάς που δημιούργησε ο Μονέ στο λιμάνι της Χάβρης σκίστηκε από τους κριτικούς και ο όρος «ιμπρεσιονισμός» προέκυψε σε μια σατιρική κριτική του δημοσιογράφου Louis Leroy, ο οποίος έγραψε: «Ταπετσαρία, ακόμη και αυτές θα φαινόταν τελειωμένη, όχι σαν αυτή την «Εντύπωση»!» Μια ενδιαφέρουσα λεπτομέρεια: αν κάνετε ένα ασπρόμαυρο αντίγραφο αυτού του κομματιού, ο ήλιος θα εξαφανιστεί σχεδόν εντελώς.
Μεσημεριανό γεύμα στο γρασίδι, Εντουάρ Μανέ, 1862-1863
Σκηνή που απεικονίζει μια γυμνή γυναίκα να δειπνεί με δύο εντελώς ντυμένοι άντρες, αρχικά θεωρήθηκε προσβολή - ο καλλιτέχνης κατηγορήθηκε για παρακμή και κακόγουστο. Η ταινία δεν επετράπη να συμμετάσχει στο Salon του Παρισιού. Ήταν πραγματικά μια τολμηρή δήλωση υπέρ της προσωπικής ελευθερίας του καλλιτέχνη.
Παρισινός δρόμος μια βροχερή μέρα, Gustave Caillebotte, 1877
Θεωρείται ένα από τα πιο διάσημα έργα για τη ζωή της πόλης τον 19ο αιώνα. Ο πίνακας απεικονίζει την πλατεία του Δουβλίνου κοντά στη διασταύρωσή της με την οδό Μόσχας κοντά στο σιδηροδρομικό σταθμό Paris Saint-Lazare. Ο πόλος του φαναριού και η γραμμή του ορίζοντα φαίνεται να χωρίζουν την εικόνα σε τέσσερα τεταρτημόρια. Όλοι οι άνθρωποι εδώ μετακομίζουν διαφορετικές κατευθύνσεις, σαν να τονίζουν την απροσωπικότητα, την απομόνωση, τη μοναξιά τους σε μια αναπτυσσόμενη πόλη. Επιπλέον, η Caillebotte μεταφέρει με μαεστρία την αίσθηση της βροχής με τη βοήθεια του φωτισμού και την απουσία έντονων σκιών στο δρόμο.
Μεσημεριανό γεύμα των κωπηλατών, Pierre Auguste Renoir
Μεσημεριανό γεύμα των κωπηλατών, Pierre Auguste Renoir, 1880-1881
Ρομαντικοποιημένο πορτρέτο των φίλων του Ρενουάρ που απολαμβάνουν μια βραδιά σε ένα μπαλκόνι κατά μήκος του ποταμού Σηκουάνα. Μεταξύ των ανθρώπων στην εικόνα μπορείτε να δείτε τη μελλοντική σύζυγο του συγγραφέα (μοντέλο Alina Sharigo - μια κυρία με ένα σκυλί) και μια άλλη διάσημος ιμπρεσιονιστής- Gustave Caillebotte (στα δεξιά με ψάθινο καπέλο). Ο πίνακας αντιπροσωπεύει τη μεταβαλλόμενη φύση της γαλλικής κοινωνίας στα τέλη του 19ου αιώνα ως αποτέλεσμα της Βιομηχανικής Επανάστασης.
Pont Boieldieu στη Ρουέν μια βροχερή μέρα, Camille Pizarro, 1896
Αυτός ο διάσημος πίνακας του Ντεγκά είναι μια καλλιτεχνική αναπαράσταση της κοινωνικής απομόνωσης στο Παρίσι κατά τη φάση της ακμής του. Ο πίνακας απεικονίζει μια γυναίκα που κοιτάζει αδιάφορα το ποτήρι με το αψέντι που έχει μπροστά της, και σαφώς όχι την πρώτη. Δίπλα της κάθεται ένας άντρας που μοιάζει με αλκοολικό. Μάλιστα, τους ρόλους των «ταπεινωμένων και προσβεβλημένων» χαρακτήρων έπαιξαν ο καλλιτέχνης Marcelin Deboutin και η ηθοποιός Ellen Andre. Στην αρχή, οι κριτικοί σοκαρίστηκαν από την ατμόσφαιρα υποβάθμισης και παρακμής που βασίλευε στον καμβά. Και κάποιοι το είδαν αυτό ως προειδοποίηση ενάντια στην υπερβολική κατανάλωση αλκοόλ.
Εργάτες παρκέ, Gustave Caillebotte, 1875
Ένας από τους πρώτους πίνακες που απεικονίζουν την αστική εργατική τάξη. Ο Caillebotte δείχνει ένα διαρκές ενδιαφέρον για την καθημερινή ζωή. Παρατηρήστε με πόση ακρίβεια ο καλλιτέχνης απαθανάτισε το φως που περνούσε από το παράθυρο και τις σκιές. Ο πίνακας είναι τόσο ρεαλιστικός όσο μια φωτογραφία, αλλά παρ' όλα αυτά απορρίφθηκε από τους πιο γνωστούς εκθέσεις τέχνηςκαι σαλόνια: οι απεικονίσεις ημίγυμνων ανδρών της εργατικής τάξης θεωρούνταν «χυδαίο θέμα».