« Nid noble" - l'un des plus remarquables œuvres d'art Tourgueniev. La subtilité dans l'expression des sentiments, les expériences émotionnelles des personnages, le lyrisme qui imprègne tout le roman, le drame des scènes et les extraordinaires images poétiques de la nature - tout cela captive le lecteur.
L'épisode le plus marquant, mêlant à la fois lyrisme et subtilité analyse psychologique, et la beauté de la nature, est le théâtre de l'explication de Lisa et Lavretsky (chapitre 34). Il fait suite à un épisode illustrant la dispute de Lavretsky avec Panshin. Cette séquence d'épisodes n'est pas fortuite. Après tout, la dispute a montré que Lavretsky et Lisa avaient beaucoup en commun : "... ils ont tous deux réalisé qu'ils s'étaient rapprochés ce soir-là, ils ont réalisé qu'ils aimaient et n'aimaient pas la même chose." Pour cette raison, la scène de la dispute, pour ainsi dire, prépare la scène pour l'explication de Lisa et Lavretsky.
Après avoir quitté les Kalitins, Lavretsky ne rentre pas chez lui. Il erre à travers le champ et comme si une force inconnue le ramenait à la maison des Kalitin. "Ce n'est pas pour rien", pense Lavretski. L’état d’esprit du héros est véhiculé par la description de la nature : « Tout était calme autour. » Il est intéressant de noter que le motif du silence, le silence, est présent non seulement dans cet épisode, mais constitue également la caractéristique principale de la représentation de la relation entre Lisa et Lavretsky. Le silence et le silence confèrent aux scènes avec la participation de ces personnages une certaine émotivité.
En entendant la voix de Lavretsky, Lisa sort tranquillement dans le jardin, puis suit Lavretsky sans résistance. Son état d’étonnement à ce moment-là se traduit par « son visage pâle, ses yeux immobiles et tous ses mouvements ». Elle ne comprend pas où elle est. Ce n’est qu’après avoir entendu la déclaration d’amour de Lavretsky que Lisa comprend ce qui lui est arrivé, mais refuse toujours d’y croire. Elle répond à Lavretsky avec sa religiosité caractéristique : « Tout est dans la puissance de Dieu... »
A la question de Lavretsky sur leur destin futur Lisa ne donne pas de réponse directe. Mais elle ne résiste pas au héros lorsqu'il tente de l'embrasser. Cela témoigne de la force et de l'exhaustivité du sentiment que la jeune fille éprouve pour Fiodor Ivanovitch.
Il semblerait que la scène de déclaration d'amour nécessite un large dialogue entre les personnages dans lequel ils exprimeraient leurs sentiments. Mais avec Tourgueniev, tout est différent. Très bel endroit reprend une description de l'état des personnages, mais en même temps, l'écrivain n'analyse pas en détail l'état mental des personnages. Et pourtant Tourgueniev parvient à transmettre la plénitude vie intérieure Lisa et Lavretski. Ceci est réalisé grâce à l'unité de leurs humeurs, à travers des pauses (en témoigne l'abondance d'ellipses dans les remarques), à travers des regards, des expressions faciales (« Liza le regardait lentement », « elle ne pleurait plus et le regardait soigneusement avec ses yeux mouillés », « les regards levés vers lui », « les yeux baissés », « les yeux fixes ») ou l'intonation. Une sensation d'un seul mouvement interne est créée. Les amoureux se comprennent sans paroles, comme l’indiquent les propos de l’auteur :
" Qu'est-ce qui ne va pas chez toi ? " dit Lavretsky et il entendit un léger sanglot, son cœur se serra... Il comprit ce que signifiaient ces larmes. " M'aimes-tu vraiment ? "
Cet épisode montre l'habileté de Tourgueniev à transmettre les expériences intérieures d'une personne. L'écrivain n'utilise pas de couleurs vives et romantiques, mais crée une ambiance sublime dans la représentation de l'amour.
Tourgueniev transmet très subtilement l'état de ses héros à travers une description de la nature
En général, dans l'histoire de la relation entre Lisa et Lavretsky, il y a un changement constant dans les couleurs claires et sombres de la nature, en fonction des changements dans le sort des héros. La nuit où Lavretsky avoue son amour pour Liza est calme et lumineuse. C'est par cette nuit d'été calme et lumineuse qu'ils joignirent leurs lèvres dans un baiser pour la seule fois.
Le paysage calme transmet toute la pureté et la sincérité de l’amour des héros les uns pour les autres. La description du paysage, les actions tranquilles des personnages, les pauses dans leurs propos créent un sentiment de lenteur d'action
Il n'y a aucune impétuosité ni explosion de sentiments dans les mouvements de Lisa et Lavretsky. Toute la scène de la déclaration d'amour est empreinte de lyrisme, voire d'une sorte d'ambiance de décadence. L'atmosphère dans laquelle la scène a été écrite suggère que tout ne se passera pas aussi bien dans la relation entre les amoureux.
En effet, dans les chapitres suivants le lecteur comprendra que la scène de la déclaration d'amour entre Lavretsky et Lisa est le seul moment brillant de leur relation. Ce n’est qu’alors que les héros pourraient être heureux ouvertement, sans aucun obstacle.
Cet épisode, magistralement développé par Tourgueniev, peut à juste titre être considéré comme l'un des meilleurs du roman. Cela aide non seulement à révéler les caractères des personnages, mais transmet également l'un des moments les plus importants de leur vie - une déclaration d'amour, un moment court mais heureux de sentiments mutuels.
Dans cet épisode, toutes les techniques et caractéristiques de base du style de Tourgueniev sont révélées. De ce passage nous pouvons juger de manière créativeécrivain, ses opinions sur de nombreuses questions de la vie.
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Caractéristiques de l'image de Lisa Kalitina
À première vue, Lisa Kalitina est une jeune femme provinciale ordinaire qui joue du piano tous les jours et obéit à sa mère en tout. Probablement, un bon match attendait Lisa, un marié enviable, et elle aurait vécu sa vie comme beaucoup de ses contemporains. Mais en fait, c’était une fille spéciale, pas comme les autres. L'auteur lui-même la distingue particulièrement parmi tous les personnages de son roman. Avec l'apparition de chaque héros, son histoire est décrite, et pas seulement lui, mais aussi sa famille, seulement nous apprenons d'abord sur Lisa à partir des caractéristiques qui lui sont données par d'autres. Lavretsky, après plusieurs rencontres éphémères avec elle, pense ainsi : « Gentil fille, va-t-elle sortir quelque chose ? Elle est jolie aussi...
Explication de la vulgarité dans les histoires d'A. P. Tchekhov
Au moment de son apogée créative, Tchekhov a écrit plusieurs histoires sur l'intelligentsia. Il tire la sonnette d'alarme et avertit que les personnes appelées à diriger le peuple deviennent des gens ordinaires, se dégradant sous l'influence de l'environnement dans lequel ils se trouvent. La plus puissante, à mon avis, est l'histoire « Ionych » (1898). L'intrigue de l'histoire est simple : jeune, homme intelligent finit dans la ville grise et moisie de S....
Caractéristiques de l'image de Lavretsky dans le roman "Le Noble Nid"
Tourgueniev a conçu le roman « Le Noble Nid » en 1855. Cependant, à cette époque, l'écrivain avait des doutes quant à la force de son talent et l'empreinte d'un déstabilisement personnel dans la vie s'imposait également. Tourgueniev ne reprit le travail sur le roman qu'en 1858, à son arrivée de Paris. Le roman est paru dans le livre de janvier de Sovremennik de 1859. L'auteur lui-même a noté plus tard que "The Noble Nest" était le plus grand succès qui lui soit jamais arrivé. Tourgueniev, qui se distinguait par sa capacité à remarquer et à décrire quelque chose de nouveau et d'émergeant, reflétait la modernité dans ce roman, les principaux moments de la vie de la noble intelligentsia de cette époque. Lavretsky, Panshin, Liza ne sont pas des images abstraites créées par le chef, mais des personnes vivantes - représentants des générations des années 40 du 19ème siècle....
Gloire achetée avec du sang (analyse du poème de Lermontov « Patrie »)
Ce qui était nouveau, c'est que Lermontov, avec plus d'acuité que Pouchkine, comprit la nécessité de se fondre dans le peuple et peut-être même de lui subordonner la noblesse avancée. Dobrolyubov a écrit que Lermontov a très tôt connu « les lacunes la société moderne" et " sut comprendre " que " le salut de... la mauvaise direction ne se trouve que parmi le peuple. » Cette conviction fut constamment renforcée par Lermontov, comme en témoigne « Cossack Lullaby » (1839). glorifiant le courage des Cosaques ordinaires, et en particulier le poème « Patrie » (1841), où se manifeste l'amour « saint » et « raisonnable » (N. A. Dobrolyubov) du poète pour la patrie....
Épisode de la mort de Valet (analyse de la partie 5 du chapitre 31 du roman «Quiet Don» de M. Sholokhov
Sur les pages du roman épique de Cholokhov " Don tranquille"nous voyons le plus conflits tragiques, les contradictions les plus complexes, les passions et les difficultés les plus inédites, dont parfois la seule issue est la mort, l'autodestruction. Considérons et analysons l'épisode de la mort de Valet dans le roman «Quiet Don». Valet est un ouvrier de l'usine de Sergueï Platonovitch. Puis, au fur et à mesure que le roman avance, il apparaît devant nous en tant que soldat et sert dans le 318e régiment de Tchernoïarsk. Les temps difficiles régnait : les tranchées, les opérations militaires, les soulèvements, l'imprévisibilité d'un nouveau jour. Le roman se termine par un épisode dans lequel Valet est destiné à mourir, précisément « destiné », car son camarade Mikhaïl Koshevoy reste en vie, et il a droit à moins. Si l'on considère cet épisode en détail, alors rien ne laissait présager des ennuis : « Le brouillard écumait dans la steppe, tourbillonnait dans les ravins, entaillait dans les dépressions, léchait les contreforts du Yarov. Les monticules qui en couvraient s'éclairèrent. Des cailles criaient dans les jeunes herbes. Oui, un mois flottait dans les hauteurs célestes, comme une fleur de nénuphar pleinement mature dans un étang envahi par les carex et les brèmes. Ils marchèrent jusqu'à l'aube. Stozhary a déjà disparu. La rosée est tombée. Le village de Nijne-Yablonovsky approchait.» C'est exactement ainsi que Cholokhov décrit l'état de nature. Soudain, presque sortis de nulle part, des Cosaques apparaissent et attaquent Koshevoy et Valet. Ici, tout le cours des événements se retourne déjà contre eux : « l'herbe est basse, le mois est clair... Nous nous sommes fait prendre... ». Un coup de feu retentit également de manière aléatoire et inexplicable : « Cent brasses se déplaçaient silencieusement. Puis un coup de feu..." Tout se passe comme selon un schéma clairement pensé par quelqu'un, mais en même temps, il est impossible de deviner ce qui va se passer ensuite. Koshevoy reste en vie, même s'il ressort clairement de tout qu'il préfère accepter la mort plutôt que d'endurer l'humiliation et la privation, et les Cosaques prononcent la phrase suivante : « Ils ont tué un homme, mais ils ont eu pitié de vous ». C'est comme s'ils t'avaient rendu service. Cette déclaration a grandement blessé la fierté de Mishka, mais il n’a pas perdu courage. Quant au Valet abattu et abandonné, il a été « nettoyé deux jours plus tard » par deux cosaques de Yablonovsky. Ils creusèrent une tombe peu profonde parce que le sol était dur et le travail lent. Cependant, selon les mêmes Cosaques, le lieu de sépulture était fertile. Voici ce qu'ils disent : "Oui... le gars devra se coucher dans un bon sol, en hauteur... Il y a du vent ici, de la sécheresse, du soleil... Ça ne va pas se détériorer de sitôt." L'auteur est laconique dans cette description, son chagrin pour le héros se fait sentir. Mais la description ultérieure est assez frappante : « Un demi-mois plus tard, un petit monticule était envahi par le plantain et la jeune absinthe, la folle avoine a commencé à germer dessus, le côté du colza est devenu jaune d'une couleur luxuriante, le mélilot pendait comme un cormoran. glands, il y avait une odeur de thym, d’asclépiade et de cuivre. Cholokhov note également qu'un vieil homme a érigé une chapelle à cet endroit : « Dans la steppe, une chapelle est restée pour attrister les yeux des passants d'un regard éternellement triste, pour éveiller une mélancolie inarticulée dans leur cœur. Malgré toute la tragédie de l'intrigue, l'auteur tourne finalement les espoirs du lecteur vers les meilleurs, les plus brillants et les plus gentils : « Et un peu plus tard, juste à côté de la chapelle, sous un monticule, sous une couverture hirsute de vieille absinthe, une petite femelle L'outarde a pondu neuf œufs tachetés de bleu fumé et s'est assise dessus, les réchauffant avec la chaleur de son corps, les protégeant d'une aile à plumes brillantes. C'est le contenu du dernier épisode du roman. ...
question 2
Origine de la musique(c'est la chose la plus normale que j'ai pu trouver, le reste de ce que j'ai vu, il dirait certainement des bêtises (cela vient d'une immense encyclopédie de la musique))
Musique (grec musa - muse). La musique est une forme d'art qui affecte une personne à travers des images sonores qui reflètent ses diverses expériences et la vie qui l'entoure. Contrairement à arts spatiaux(peinture, sculpture, architecture), la musique, avec la chorégraphie, le théâtre et le cinéma, fait partie des arts temporaires. L’une des principales caractéristiques de la musique est qu’elle n’existe réellement que sous forme de performance, de son live.
Syncrétisme- une combinaison ou une fusion de modes de pensée et de points de vue « incomparables ». Désigne la cohérence et l'unité ( syncrétique).
Le plus souvent le terme Syncrétisme est appliqué au domaine de l'art, aux faits développement historique musique, danse, théâtre et poésie. Selon la définition de A. N. Veselovsky, le syncrétisme est « une combinaison de mouvements rythmiques et orchestraux avec de la musique chantée et des éléments de paroles. L’étude des phénomènes de syncrétisme est extrêmement importante pour résoudre les questions sur l’origine et le développement historique des arts ». Le concept même de « syncrétisme » a été avancé dans la science en opposition aux solutions théoriques abstraites au problème de l'origine des genres poétiques (poésie lyrique, épique et dramatique) dans leur émergence prétendument séquentielle.
Dans la construction de A. N. Veselovsky, la théorie du syncrétisme se résume essentiellement à ce qui suit : pendant la période de sa création, non seulement la poésie n'était pas différenciée par genre (paroles, épopée, drame), mais en général elle-même ne représentait pas le élément principal d'un ensemble syncrétique plus complexe : le rôle principal dans cet art syncrétique était joué par la danse - « mouvements orchestraux rythmés accompagnés de chant-musique »
3. Musique du romantisme
La musique de la période romantique est un terme professionnel en musicologie qui décrit une période de l'histoire de la musique européenne, qui couvre approximativement les années 1800-1910.
La musique de cette période s'est développée à partir de formes, de genres et d'idées musicales établies dans des périodes antérieures telles que période classique. Même si le romantisme ne signifie pas toujours relation romantique Cependant, cette intrigue était la principale de nombreux ouvrages sur la littérature, la peinture et la musique créés à l'ère du romantisme.
Les idées et la structure des œuvres qui ont été établies ou qui viennent d'émerger dans des périodes antérieures ont été développées au cours du romantisme. En conséquence, les œuvres liées au romantisme sont perçues par les auditeurs (tant au XIXe siècle qu'aujourd'hui) comme plus passionnées et plus expressives sur le plan émotionnel. Les compositeurs romantiques ont essayé d'utiliser moyens musicaux exprimer la profondeur et la richesse du monde intérieur d’une personne. La musique devient plus importante et individuelle. Des genres de chansons se développent, notamment les ballades.
Il est généralement admis que les prédécesseurs immédiats du romantisme furent Ludwig van Beethoven - dans la musique austro-allemande et Luigi Cherubini - dans la musique française ; De nombreux romantiques (par exemple Schubert, Wagner, Berlioz) considéraient K.V. comme leur prédécesseur le plus lointain. Gluck. La période de transition du classicisme au romantisme est considérée période pré-romantique- une période relativement courte dans l'histoire de la musique et de l'art.
Les principaux représentants du romantisme en musique sont :
en Autriche - Franz Schubert et Franz Liszt, ainsi que les romantiques tardifs - Anton Bruckner et Gustav Mahler ;
en Allemagne - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr ;
en Italie - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, le premier Giuseppe Verdi ;
en France - D. F. Aubert, Hector Berlioz, J. Meyerbeer et représentant romantisme tardif César Franck ;
en Pologne - Frédéric Chopin.
En Russie, Alexandre Alyabyev, Mikhaïl Glinka, Alexandre Dargomyjski, Mily Balakirev, N.A. Rimski-Korsakov, Moussorgski, Borodine, César Cui, P.I. Tchaïkovski ont travaillé dans la lignée du romantisme.
Synesthésie
(du grec ancien synaisthèse - co-sensation) Un concept désignant une forme de perception caractérisée par des connexions entre les sentiments dans la psyché, ainsi que les résultats de leurs manifestations dans des domaines spécifiques de l'art : a) tropes poétiques et figures stylistiques associées à l'intersensibilité transferts; b) les images couleur et spatiales évoquées par la musique ; c) interactions entre les arts (visuels et auditifs). Ainsi, les expressions littéraires incluent des expressions comme « Le son de la flûte est bleu aube » (K. Balmont), les peintures incluent des peintures de M. K. Ciurlionis et V. Kandinsky, et les expressions musicales incluent des œuvres de N. A. Rimsky-Korsakov, ce qui implique C'est le existence de genres « synesthésiques » particuliers (musique à programme, peinture musicale) et de types d'art (musique légère, film synesthésique). Tous les niveaux de S. sont déterminés par un phénomène psychologique fondamental (communication intersensorielle). Le décodage littéral du concept de S. comme « co-sensation » ne correspond pas au contenu réel de ce phénomène. S. est plutôt « co-représentation », « sympathie ». Il peut y avoir une similitude dans le contenu et l'impact émotionnel (les analogies synesthésiques « timbre - couleur », « tonalité - couleur » sont basées sur cela). Le dernier type de S. est le plus inhérent à l'art. De plus, dans chaque type d’art, la totalité de ses caractéristiques inhérentes forme son propre « fonds synesthésique ».
Musique dans le roman d'I.S. Tourgueniev "Le Nid Noble"
Romain I.S. "Le Noble Nid" de Tourgueniev a été écrit en 1858. L'auteur lui-même a ensuite noté que «Le Noble Nid» était le plus grand succès qui lui soit jamais arrivé.
maison scénario Le roman reflète l'histoire d'amour des personnages principaux - Lisa Kalitina et Lavretsky. On peut parler de la prédominance d'une ambiance romantique dans le roman, qui est également associée à l'image du vieux musicien Lemm, représentant de la culture romantique allemande. L'ambiance romantique du roman est créée et soutenue par la musique qui résonne constamment dans les pages du livre, car la musique est capable d'exprimer les nuances les plus subtiles des sentiments et des expériences humains, révélant monde intérieur personne. La musique rehausse et met en valeur l'émotivité du roman. La musique est composée par les personnages eux-mêmes ; elle reflète leur état d'esprit à certains moments, transmet l'atmosphère quotidienne qui les entoure, complétant la beauté de la nature, renforçant le lyrisme et la saveur poétique générale du roman.
La musique a toujours joué un rôle important dans la vie d'I.S. Tourgueniev et les personnages de ses œuvres. (Les enfants se souviendront facilement de l'histoire « Asya », du roman « Pères et fils ».) Mais la musique pour un écrivain, ou plus précisément, l'attitude des héros du roman envers la musique, est aussi un moyen de caractériser les personnages , une manière d'exprimer l'attitude de l'auteur à leur égard.
Panchine.
"Maria Dmitrievna l'adorait", "Gedeonovsky... s'est attiré les bonnes grâces d'un jeune fonctionnaire brillant de Saint-Pétersbourg", Lisa l'aime bien, Lenochka l'adore
Qu’est-ce qui cause cette attitude ? (Il est adroit, intelligent, beau, aimable, talentueux.)
Talents - "... Il chantait doucement, dessinait intelligemment, écrivait de la poésie, jouait plutôt bien sur scène"
Dans ce fragment, Tourgueniev, caractérisant son héros, exprime l'opinion de certains de ses contemporains. Romance, comme chanson populaire, V milieu du 19ème siècles considéré comme un genre musical superficiel et frivole. De telles œuvres étaient considérées comme des choses susceptibles de divertir et de soulager l’ennui. Les paroles des romances parlaient de tristesse, de tristesse, de chagrin et d'amour non partagé. C'est exactement la romance interprétée par Panshin.
Comment l’attitude de Panshin envers la musique le caractérise-t-elle ? (Frivolité, superficialité, vide, vanité, mensonge, narcissisme.)
Varvara Pavlovna"J'ai joué plusieurs mazurkas de Chopin, puis je suis devenu à la mode"
Ici, nous retrouvons le concept « musique légère», selon Tourgueniev. Nous parlons de la mazurka, une danse folklorique polonaise.
La valse est la danse de salon, qui avait été longtemps interdite par l'Église et qui redevenait à la mode à cette époque. Les valses du compositeur autrichien Johann Strauss étaient particulièrement appréciées dans les salons aristocratiques.
La valse correspond à son caractère, sa condition, son mode de vie
J'étais enchanté par la musique italienne » ; « Elle a joué Liszt deux fois et elle était si douce, si simple – adorable ! »
Franz Liszt- un célèbre musicien hongrois - a voyagé à travers l'Europe, donnant des concerts dans les salons les plus riches et les plus célèbres. C'était considéré comme une grande chance d'amener ce pianiste à la mode à se produire dans la maison lors d'une fête ou d'un bal.
Tourgueniev exprime son attitude envers Varvara Pavlovna d'une manière déjà connue de nous - elle, comme Panshin (contrairement à Lemm, Lavretsky et Liza), chante une romance.
Ce n'est pas un hasard si Varvara Pavlovna a été accueillie chez les Kalitins de la même manière que Panshin : sèchement par Marfa Timofeevna, avec ravissement par Marya Dmitrievna, qui a immédiatement remarqué que Varvara Pavlovna devrait rencontrer Panshin, qui « compose de très belles choses » et « seul peut l'apprécier pleinement. » Et en effet, Panshin et Varvara Pavlovna découvrent une parenté d'âmes et une parfaite communauté d'idées.
Pour lequel des héros du roman le sort fut-il aussi impitoyable que celui de Lavretsky ? Qu'est-ce qui unit d'autre Lavretsky et Lemme? ("... Une imagination vive", "le courage de la pensée", "quelque chose de bon, d'honnête" - ces paroles de Tourgueniev à propos de Lemme peuvent également être attribuées à Lavretsky.)
Mais l'essentiel est l'amour de la musique : Lemm « connaissait parfaitement la musique », « un admirateur de Bach et de Haendel, un expert dans son domaine », « aurait été classé parmi les grands compositeurs de son pays » (chapitre 5). Lavretsky « aimait passionnément la musique, pratique, classique » (chapitre 21).
Comment Lemma caractérise-t-il sa passion pour ce genre de musique ? Pourquoi compose-t-il une cantate comme cadeau pour Lisa ? Pourquoi cette musique lui est-elle proche ? ( Cantate - un chant solennel, principalement choral.)
Les sentiments de Lemm se manifestent soit par une sombre maladresse, soit par une musique dans laquelle son âme se révèle. Il y a deux épisodes dans le roman où Lemm exprime ses sentiments à travers la musique (chapitres 26 et 34).
Lisa- la seule héroïne dont la merveilleuse image est dessinée avec une profonde sympathie et une légère tristesse. Lisa apparaît dans le roman à la fin du troisième chapitre et ne dit pas un mot pendant tout le quatrième chapitre. Mais on a déjà une idée d'elle à travers le cadeau qu'elle reçoit de Lemm. De quel genre de cadeau s'agit-il ? ( Cantate spirituelle.)
Qu’apprenons-nous sur la cantate du chapitre cinq ? Comment ce cadeau caractérise-t-il Lisa ? ( Religiosité, spiritualité, sublimité, et en plus, ce don prédit déjà le sort futur de Lisa : entrer dans un monastère.)
Comment Lemm caractérise-t-il son élève ? ( "Elle a un cœur très pur" - ch. 23.)
La pureté du cœur et la clarté de l'âme de Lisa sont évidentes dans l'église.
Comme tous les personnages du roman, Lisa connaît et aime la musique. Elle demande à Panshin de lui trouver l'Ouverture d'Oberon de l'opéra de K.M. Weber
Carl Weber- compatriote et contemporain de Lemma, ils sont même nés la même année ; ce n'est pas un hasard ; le caractère et le destin de ces personnes ont beaucoup en commun : les difficultés de la vie, l'adversité, une grande efficacité, un travail acharné. Weber est connu comme le fondateur de l'opéra romantique allemand, Lemm est aussi un romantique dans l'âme
Dans la musique de Beethoven, on peut entendre des intonations héroïques, courageuses, décisives et tragiques. Toute la vie de Beethoven est un combat. La lutte avec soi-même, avec la société, contre la maladie, la mort. Liza luttait également contre elle-même et contre ses sentiments pour Lavretsky. Tourgueniev souligne ainsi le problème complexe, douloureux, personnage tragique le choix d'une fille entre la vie parmi les gens et le service de Dieu.
Après avoir fini de lire le roman, nous avons dit au revoir non seulement à ses héros, mais aussi à la Russie que nous avions perdue. Il s'agit de le plus haut niveau culture musicale, qui appartenait aux représentants de la société noble de l'époque. Saturant, imprégnant son roman de musique, Tourgueniev comptait sur le lecteur qui sait parfaitement ce que sont une cantate et une mazurka, quelles sont les différences entre Bach et Chopin, et pourquoi Panshin ne parvient pas à finir de jouer une sonate de Beethoven, mais il interprète la romance avec facilité et plus d'une fois. Nous, la génération du 21e siècle, sommes « terriblement loin » d’une telle capacité à comprendre musique classique, et cela ne nous décore pas du tout.
Le roman contient la musique de Beethoven, Weber, Donizetti, Strauss, Alyabiev.
Musique et poésie
Ode (du grec ōdē - chanson), un genre de poésie lyrique et de musique. Dans l'Antiquité, le mot « O ». au début, il n'avait aucune signification terminologique, puis il commença à désigner un chant choral à prédominance lyrique écrit en strophes de nature solennelle, optimiste et moralisatrice (en particulier les chants de Pindare). Aux périodes Renaissance et baroque (XVIe-XVIIe siècles), le terme « O. » est devenu utilisé pour désigner un lyrisme pathétiquement élevé, en se concentrant sur des exemples anciens, principalement sur Pindare, en partie sur Horace (P. Ronsard en France, G. Chiabrera en Italie, A. Cowley et J. Dryden en Angleterre, G. R. Weckerlin en Allemagne). A l'ère du classicisme (XVIIe-XVIIIe siècles), la poésie est canonisée comme genre phare du haut lyrisme (F. Malherbe, Voltaire, J.B. Rousseau, E. Lebrun - France). Ses métriques et strophes ont été simplifiées, techniques de compositionétaient réglementés (attaque « calme » ou « rapide », présence de digressions, « désordre lyrique » autorisé), spirituel, solennel (« pindarique »), moralisant (« horatien ») et amoureux (« anacréontique ») étaient distingués. O. est inclus pour la première fois dans la poésie russe dans V. K. Trediakovsky (1734). Deux tendances s'affrontent ici, l'une est plus proche de la tradition baroque (l'exigence du « plaisir » - M. V. Lomonosov, V. P. Petrov), l'autre est rationaliste - proche des Lumières (l'exigence du « naturel » - A. P. Sumarokov, M. M. Kheraskov). À l'époque du pré-romantisme (fin du XVIIIe siècle) caractéristiques du genre Les formes se « desserrent » (la poésie de G. R. Derzhavin), les tentatives d'imitation des formes anciennes sont de plus en plus fréquentes (F. Klopstock, F. Hölderlin - Allemagne). À l'ère du romantisme, le mot « O ». est déjà appliqué à un poème sans signes de genre canoniques (« odes » de P. B. Shelley, J. Keats, A. Lamartine, V. Hugo, A. Manzoni, etc.) ; en Russie, elle est étroitement liée à la tradition de la poésie civile (« Liberté » de A. N. Radishchev, « Civil Courage » de K. F. Ryleev). Aux XIXe-XXe siècles. système de genre dans la poésie lyrique, le concept d'O. s'érode et tombe en désuétude, n'apparaissant dans la poésie que sporadiquement (« Ode à la Révolution » de V.V. Mayakovsky).
Du 17ème siècle dans les pays d'Europe occidentale, le terme « O ». a commencé à signifier vocal-instrumental composition musicale, écrit pour les jours fériés, en l'honneur d'un événement ou d'une personne noble. En Angleterre, ces œuvres étaient proches de la cantate (G. Purcell, G. F. Handel, etc.), en Allemagne, aux côtés de la cantate O. (J. S. Bach. « Funeral Ode » ; L. Beethoven, finale de la 9e symphonie ) ont également été créés par O. sous forme de chansons avec accompagnement. Dans les temps suivants, O. est apparu pour la plupart compositions diverses, y compris les purement instrumentaux ; parmi leurs auteurs figurent L. Cherubini, F. David, F. Liszt, J. Bizet, I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev (« Ode à la fin de la guerre » pour 8 harpes, 4 flûtes, contrebasses, vents et instruments à percussion, 1945).
Paroles âge d'argent diversifié et très musical. L’épithète « argent » elle-même sonne comme une cloche. L'âge d'argent nous a donné toute une constellation de poètes. Poètes-musiciens. Les poèmes de l'âge d'argent sont la musique des mots. Dans ces versets, il n’y avait pas un seul son supplémentaire, pas une seule virgule inutile, pas un seul point déplacé.
Au début du 20ème siècle. il y avait beaucoup tendances littéraires. C'est du symbolisme, du futurisme, et même de l'ego-futurisme d'Igor Severyanin. Toutes ces directions sont très différentes, ont des idéaux différents, poursuivent des objectifs différents, mais s'accordent sur une chose : il faut travailler frénétiquement le rythme, les mots, pour amener à la perfection le jeu et la manipulation des sons. À mon avis, les futuristes y sont particulièrement parvenus. Le futurisme a complètement abandonné l'ancien traditions littéraires, « langue ancienne », « mots anciens », déclarant la recherche de la base de la versification nouvelle forme mots, indépendamment du contenu, c'est-à-dire, en d'autres termes, l'invention d'un nouveau langage. Travailler sur les mots, « apprivoiser » les sons, est devenu une fin en soi, parfois même au détriment du sens. Prenez, par exemple, le poème « Perverten » de V. Khlebnikov, dont chaque vers est un palindrome. De nouveaux mots sont apparus, ont été inventés et composés.
Le culte de la forme n’a pas duré longtemps ; le futurisme est vite devenu obsolète. Mais le travail des futuristes n’a pas été vain. Dans leurs poèmes, le sens s'ajoutait à leur maîtrise presque parfaite des mots, et ils sonnaient comme une belle musique. Souvenons-nous du poème "Blizzard" de Boris Pasternak. Le chant du blizzard s’entend déjà dès les premières lignes. Une seule phrase et vous tourniez, emporté par une tempête de neige... Boris Pasternak a commencé comme futuriste. Le talent de B. Pasternak et la maîtrise futuriste des formes ont donné des résultats étonnants.
Contrairement au futurisme, le symbolisme proclame non seulement le culte de la forme du vers, mais aussi le culte des symboles : abstraction et concret doivent se fondre facilement et naturellement dans un symbole poétique, comme « un matin d'été, les rivières d'eau se confondent harmonieusement. lumière du soleil". C'est ce qui se passe dans les poèmes de K. Balmont, semblable au bruissement des feuilles. Par exemple, son poème mystérieux et énigmatique « Roseaux ».
7 + 8. Peinture d'icônes russes sur des sujets bibliques. Peinture d'icônes russe sur la vie des saints. (tout est très proche ici. Il suffit de lire, peut-être que vous vous souviendrez de quelque chose)
Une icône est une image pittoresque, moins souvent en relief, de Jésus-Christ, de la Mère de Dieu, des anges et des saints. Il ne peut pas être considéré comme un tableau ; il reproduit non pas ce que l'artiste a sous les yeux, mais un certain prototype qu'il doit suivre.
Initialement, les échantillons étaient des fresques grecques. C’est de là que les premiers peintres d’icônes sont venus sur le sol russe. L'un d'eux était Théophane le Grec.
En règle générale, les icônes étaient peintes par des moines qui jeûnaient 10 jours avant de les créer. L'icône a été peinte sur une planche de tilleul ou de pin. Il a été renforcé avec des chevilles transversales afin qu'il ne se déforme pas ou ne se plie pas. Auparavant, on y collait un pavolok (toile) qui contenait l'apprêt, ce qu'on appelle le « gesso » (un mélange de colle de poisson et de craie). Tout était bien séché et poli à la prêle. Pour une solennité particulière, les plus belles feuilles d'or ou d'argent ont été posées. Mettant en valeur sous la couche de peinture, cet éclat fascinait et captivait une personne !
Et maintenant, la planche est prête à être peinte.
Bogomaz, comme on appelait les peintres d'icônes, utilisait des peintures naturelles pour peindre et gardait secrets les astuces de leur métier. En regardant les images, il n’est pas difficile de déterminer où et à quel siècle elles ont été peintes. Ainsi, les icônes des écoles de Novgorod et de Vladimir étaient particulièrement appréciées.
Le plus ancien survivant est « Le Sauveur non fabriqué à la main », créé à Novgorod au XIIe siècle et appartenant aujourd'hui à la Galerie Tretiakov.
Un type de représentation du Sauveur très important et répandu dans l’art russe ancien était celui appelé « Sauveur Tout-Puissant ». Le concept de « Tout-Puissant » exprime l'idée fondamentale de la doctrine chrétienne sur Jésus-Christ. « Sauveur Tout-Puissant » est une image à mi-corps de Jésus-Christ dans sa main gauche avec l'Évangile - signe de l'enseignement qu'il a apporté au monde - et avec sa main droite, sa main droite levée dans un geste de bénédiction adressé à ce monde. Mais ce ne sont pas seulement ces attributs sémantiques importants qui unissent les images du Sauveur Tout-Puissant. Les artistes qui les ont créés ont cherché avec une complétude particulière à doter l'image de Jésus-Christ de la puissance et de la grandeur divines.
Une image en mosaïque du Sauveur Tout-Puissant dans le dôme de l'un des temples anciens- Cathédrale Sainte-Sophie de Kiev (1043-1046).
Il y avait aussi de nombreuses images iconographiques du Sauveur Tout-Puissant. Et parmi elles, la plus célèbre est peut-être l'icône peinte au début du XVe siècle par le plus grand artiste russe Andrei Rublev. On l'appelle désormais « Zvenigorod Spas » d'après l'endroit où il a été découvert dans la ville de Zvenigorod.
Avec les mêmes attributs du Seigneur du monde que le Sauveur Tout-Puissant - avec l'Évangile dans sa main gauche et sa main droite levée en bénédiction - Jésus-Christ a également été représenté dans les compositions courantes « Le Sauveur sur le trône ». Son pouvoir royal était indiqué ici par le fait même d'être assis sur le trône (trône). Dans ces images, il était particulièrement clair que le Seigneur du monde est aussi son juge, puisque « étant assis sur le trône », le Sauveur exécutera son jugement final sur les hommes et le monde.
Images de la Vierge Marie
À côté des images du Sauveur avec l'art russe ancien à sa manière
sens et signification, selon la place qu'ils occupent dans la conscience
niya et dans la vie spirituelle des gens, il y a des images de la Mère de Dieu - la Vierge Ma-
ria, à partir de laquelle le Sauveur s'est incarné, est devenu homme - images
sa mère terrestre. Et les chrétiens ont la ferme conviction que, devenue la Maîtresse
paix, la Mère de Dieu est devenue l'intercesseur immuable des hommes : l'éternel
la compassion maternelle a atteint sa plus haute plénitude, son cœur,
« transpercé » par les grands tourments du Fils, a toujours répondu aux innombrables
souffrance humaine constante.
La tradition dit que les premières icônes de la Mère de Dieu ont été créées
même de son vivant, qu'ils ont été écrits par l'un des apôtres, l'auteur d'Evan-
hélium Luke. Les œuvres de l'artiste évangéliste incluses
icône "Notre-Dame de Vladimir", considérée comme la patronne-
Nissa de Russie, aujourd'hui dans la collection de la Galerie Tretiakov
vergues Il y a des nouvelles chroniques selon lesquelles cette icône a été apportée
dans début XII siècle à Kiev depuis Constantinople (comme on l'appelait en Russie
capitale de Byzance, Constantinople). Le nom "Vladimirskaya" est à moitié
vivait en Russie : il l'a emmenée avec lui de Kiev, en direction du nord
terres de l'Est, le prince Andrei Bogolyubsky. Et ici dans la ville
A Vladimir, l'icône a acquis sa gloire. Au centre de l'icône se trouve
image à mi-corps de la Mère de Dieu avec un bébé dans ses bras, qui
appuie doucement contre sa joue.
Image de Marie et du bébé dans des positions de caresse mutuelle -
en russe, on l'appelait « Tendresse ». Te tenant près de ta droite
main du bébé Fils, penchant doucement la tête vers lui, main gauche
Marie lui tend la main dans un geste de supplication : transpercée par sa ma
le chagrin de sa mère pour lui, elle lui apporte sa tristesse, sa
intercession éternelle pour les gens. Capable de résoudre le problème maternel
quelle tristesse, le petit fils est représenté ici pour répondre à sa prière :
dans son visage, dans son regard tourné vers sa mère, il y a un mystérieux
Il y avait une douceur enfantine et une sagesse profonde et ineffable.
La vénération de « Notre-Dame de Vladimir » a conduit non seulement à
mu qu'en Russie, il y en avait de nombreuses copies, beaucoup de ses re-
Torénium. Évidemment, en grande partie grâce à l'amour pour cette ancienne icône
pas, en particulier dans les terres du nord-est de la Russie, répandu
Le type « Tendresse » auquel elle appartenait était blessé.
"Tendresse" est la célèbre icône "Notre-Dame du Don",
selon la légende, il tire son nom du fait que Dmitry
Donskoï l'emmena avec lui sur le Don, à la bataille sur le champ de Koulikovo, où
une grande victoire fut remportée sur les Tatars.
En plus d'images comme "Tendresse", nombreuses et appréciées
nous étions des images de la Mère de Dieu avec un bébé dans ses bras, qui
étaient appelés « Hodegetria », ce qui signifie « Guide ». Dans la pièce
positions "Hodegetria", la Mère de Dieu est représentée sur le devant, le torse
pose féminine. Seulement main droite Vierge Marie basse et calme
élevée dans un geste de supplication adressé à son fils. Parfois "Notre-Dame"
Hodegetria" est appelée "Notre-Dame de Smolensk". Le fait est que
selon la chronique, le plus âgé de ceux amenés en Russie
La liste "Odigitri" était située à Smolensk.
Il existe plusieurs autres images de compositions différentes.
niya de la Mère de Dieu. Ceux-ci incluent : « Notre-Dame de Kazan », « Dieu-
Mère de Tikhvine", "Notre-Dame d'Oranta (en prière)", "Notre-Dame
Le présage".
En plus des icônes que nous avons considérées, il en existe plusieurs autres
groupes zhetnyh : icônes représentant diverses fêtes, par exemple
mesures, Noël, Présentation, Dormition et bien d'autres ; icônes avec des images
les batailles de divers saints, par exemple Saint Georges le Victorieux, apôtre
tolov Peter et Paul, Kozma et Demyan et bien d'autres. Tous ceux-ci
les icônes sont peintes selon certains canons, c'est-à-dire règles, je détermine-
intrigue globale et composition de l'image.
Les œuvres d'Andrei Rublev
Les œuvres d'Andrei Rublev appartiennent aux plus hautes réalisations de l'art spirituel russe et mondial, qui incarnent une compréhension sublime de la beauté spirituelle et de la force morale de l'homme dans la Sainte Russie. Ces qualités sont inhérentes aux icônes du rang de Zvenigorod (« Sauveur », « Apôtre Paul » (situé au Musée russe), « Archange Michel », toutes du tournant des XIVe-XVe siècles), où les contours laconiques et lisses et un style de pinceau large est proche des techniques de la peinture monumentale.
En peignant la cathédrale de l'Assomption à Vladimir en 1408, Andrei Rublev s'est fait pour la première fois porteur d'une vision du monde et d'un style indépendants, s'écartant de la tradition byzantine. Parmi les fresques survivantes, la plus significative est la composition « Le Jugement dernier ». Si Théophane le Grec, décrivant cette scène, voyait en Dieu un juge redoutable et incorruptible qui prononce la sentence sur les hommes, et qu'ils attendent sa décision avec horreur. Puis la scène traditionnellement menaçante d’Andrei Rublev se transforme en Fête sainte Justice divine. Les personnes représentées sur les fresques n'éprouvent pas la peur du châtiment, mais espèrent le pardon et la foi en un Dieu miséricordieux. L’idée du pardon triomphe ici.
La peinture d'icônes russe, à la suite d'Andrei, révise également la tradition byzantine de représentation de Dieu. Rublev, dans sa célèbre icône "Zvenigorod Spas", incarne l'image de l'idéal spirituel de l'homme russe de son temps. En Christ, l’amour d’André pour la paix et la douceur étaient unis à la force, à la force et au courage. La bonté humaine et la calme sagesse se révèlent dans les yeux du Sauveur.
Le couronnement de l’œuvre d’Andrei Rublev fut sa célèbre « Trinité ». Il a été écrit sur ordre du moine Nikon, élève de Sergius de Radonezh. Le chroniqueur note que Nikon « a ordonné de peindre une image de la Sainte Trinité à la gloire de son père Serge le Wonderworker » pour le monastère de la Trinité fondé par son professeur.
Traditionnel histoire biblique- l'apparition de trois anges à Abraham - le peintre d'icônes rempli de poésie profonde et contenu philosophique. Cette icône incarnait symboliquement le rêve de l’humanité d’un monde parfait où règneraient l’harmonie, l’amour et l’amitié. La douceur et la tendresse des visages angéliques représentés sur l'icône sont contrebalancées par une confiance calme et force intérieure dans leur regard. Les trois anges sont remarquablement semblables les uns aux autres. Ils semblent se refléter l’un dans l’autre, représentant une unité indissoluble. Le thème de la « Trinité » de Rublev est la consonance des âmes, leur unité. En regardant l’icône, il nous semble voir une âme sur trois visages. Andrei Rublev a réussi à exprimer avec un pinceau et à peindre le dogme chrétien difficile à comprendre de la Sainte Trinité, enseignant la trinité et l'essence unique des trois Personnes divines. Ce n’est pas un hasard si l’œuvre de Rublev est appelée « théologie en couleurs ».
Dernières années Andrei Rublev a passé sa vie au monastère Andronikov de Moscou, entouré d'étudiants et de disciples. Avec eux il peint le monastère église cathédrale Spas. C’est là que le célèbre peintre d’icônes mourut, selon le chroniqueur, « à un âge avancé, le 29 janvier 1430 ».
Le travail d'Andrei Rublev appartient aux plus hautes réalisations de l'art mondial, incarnant une compréhension sublime de la beauté spirituelle. C’est un monde de « légère tristesse » (comme le disait Pouchkine il y a quatre cents ans) années supplémentaires plus tard), élevant une personne au-dessus du drame et de la rudesse de la vie. C'est un silence capturé qui entraîne une personne dans son atmosphère particulière.
La Chapelle Sixtine (italien : Cappella Sistina) à Rome, une ancienne église de maison du Vatican. Construit en 1473-1481 par l'architecte Giorgio de Dolci, commandé par le pape Sixte IV, d'où son nom.
Le Vatican est riche en musées comme aucun autre État au monde. Parmi eux se trouve la chapelle Sixtine. Sur ses voûtes, Michel-Ange a réalisé une fresque qui lui a valu la renommée d'un grand peintre et est devenue l'une des plus oeuvres célébres Renaissance. Les corps des humains et des créatures célestes sont entrelacés dans l'histoire histoire biblique humanité. Légende chrétienne et culte païen de la beauté et de la force du corps humain. Deux éléments opposés et généralement opposés sont ici réunis par le génie créateur.
Michel-Ange est souvent appelé le titan de la Renaissance. Et ce « titre » lui appartient de droit. Mais il est aussi le créateur des titans. Parce que les héros du tableau Sixtine ne sont pas des gens ordinaires ni même des représentants idéaux « conçus » par le génie de l’artiste Race humaine. Ce super être, dont les pouvoirs dépassent les limites de notre compréhension. Leurs corps musclés cachent un pouvoir divin.
Images Prophètes de l'Ancien Testament et les Sibylles (anciennes prêtresses dotées du don de prévoyance), qui prédisaient la naissance du Christ, servent de cadre à la partie centrale du tableau. La Chronique de la Création du Monde et l'histoire de Noé en sont les sujets. Mais il semble que l’artiste n’ait pas été satisfait des personnages et de l’espace des histoires choisies. Il les a drapés et encadrés d’un réseau d’images. Les figures d'hommes, de femmes et d'enfants, prenant parfois la forme de sculptures en marbre, sont tissées dans un motif ornemental sur les vastes étendues du plafond Sixtine. Leurs corps sont aussi parfaits que le corps d'Adam. Le héros du fragment le plus célèbre du célèbre tableau, capturé au moment où le Seigneur lui donne une âme, sans laquelle même le plus beau corps ne gagnera ni la vie ni l’éternité.
Pour peindre le plafond, il a fallu installer des échafaudages. Michel-Ange a imaginé une structure composée de poutres qui ne touchaient pas les murs, longtemps recouverts de fresques. Depuis lors, de tels échafaudages ont été constamment utilisés pour peindre le plafond et la partie supérieure des murs. La construction d'échafaudages n'était que le début de toute une série de difficultés. Michel-Ange a appelé de Florence les meilleurs maîtres peinture à fresque et se mit à travailler avec eux. L'artiste n'aimait pas la participation extérieure. De plus, l’orgueil de ce peuple, l’exigence de Michel-Ange et son tempérament chaud et nerveux, entraîneraient inévitablement des querelles. Un jour, arrivant à la chapelle, ils n'y trouvèrent pas l'artiste ; il disparut et il fut impossible de le retrouver ni sur l'échafaudage ni chez lui. Plusieurs jours se sont écoulés ainsi.
9 scènes bibliques au centre.
"Création du Soleil, de la Lune et des Plantes." Dieu vole, comme parmi les coups de tonnerre, s'arrête un instant... tension - le Soleil et la Lune ont été créés. On le voit en perspective, on voit son regard, les deux mains le créent en même temps, mais à droite il y a plus de force et d'expressivité. Dieu est représenté ici deux fois. La deuxième fois, il est visible de dos, comme un tourbillon volant dans les profondeurs : un simple instant de la main - et le monde des plantes est créé. La répétition d’une même figure ne signifie pas un retour aux techniques primitives de narration, c’est une volonté de mouvement dynamique. Dans chaque muscle du Créateur, ainsi qu'en général, il y a tellement de force et de puissance immenses que les luminaires et les mondes semblent n'être que des étincelles jaillissant de cet être titanesque.
"La création d'Adam". La figure de Dieu Créateur est complètement différente lorsqu’il crée l’homme. La belle et nue créature étendue au sommet de la montagne n’a toujours pas le souffle de la vie. Mais maintenant, porté par les nuages, le Créateur descend des hauteurs célestes. Dans un tourbillon fou, comme une boule de feu, comme une force rassemblée dans un manteau, entouré d'anges, Dieu s'envole vers Adam immobile. Son visage est beau et complaisant, ses mouvements sont faciles et libres ; toutes les parties de son corps sont au repos complet, tout comme un aigle descend doucement sur ses ailes déployées. Leurs doigts tendus se touchent presque et, comme une étincelle électrique, l'esprit de vie pénètre dans le corps d'Adam. Chez Adam, il y a une combinaison inouïe de force fondante et d’impuissance totale. Il est toujours incapable de se lever ou de tourner la tête. Et en même temps – quelle puissance ! Le contraste de deux contours est inhabituellement expressif : un contour courbé le long de la jambe tendue et le long du torse et un droit le long des épaules. L’absence de vie se transforme en énergie sous nos yeux. Le premier homme se réveille.
"La Création d'Eve". Dieu le Père apparaît sur scène pour la première fois ; il est énorme et doit se plier dans un cadre serré. Il ne saisit pas Eve par le coude, ne l'entraîne pas vers lui, comme aimaient le décrire les premiers maîtres. D'un geste calme, il lui dit simplement : lève-toi. Pour Eve, la surprise et la joie de vivre se transforment en culte reconnaissant. Ici triomphe la beauté sensuelle dans l’esprit de la Haute Renaissance romaine : des formes massives et lourdes.
"La chute." Le paysage paradisiaque est représenté par la ligne ondulée du sol et du tronc d'arbre - un véritable paysage du sculpteur. Ce qui est mémorable, c'est le groupe d'exilés poussés jusqu'au bord et la ligne frappante qui y mène depuis l'Ève couchée à travers la main du tentateur et l'épée de l'ange. Que vaut cet inquiétant espace de vide entre l’arbre et l’Adam expulsé ?
« La séparation de la lumière et des ténèbres » ne représente plus des figures humaines, mais les éléments de la nature, les forces élémentaires de l'énergie. Dans le tourbillon, Dieu, pour ainsi dire, se sépare du chaos de l'univers, des ténèbres vers la lumière.
Prophètes et Sibylles.
Michel-Ange atteint sa plus grande profondeur dans les figures individuelles des prophètes et des sibylles. Auparavant, les images des prophètes ne différaient que par leurs noms et leurs attributs. Michel-Ange les caractérise par l'âge, par les propriétés du don prophétique, incarnant soit l'inspiration elle-même, soit la réflexion silencieuse, soit l'extase de la divination. Michel-Ange commence avec des figures calmes. Un profond mystère entoure les belles figures des Sibylles.
La Sibylle Érythrée est pleine de solennité noble et calme. La Sibylle est assise de profil, prête à feuilleter un livre, tandis que le putto allume la lampe. Ceci n'est qu'une préparation à l'action. Du même côté, un peu plus loin, se trouve la Sibylle persane. La vieille femme est assise de côté, poussant le livre vers ses yeux et le tournant vers la lumière, comme une myope. Elle semble dévorer le texte du livre, source de son inspiration. Isaïe écoute, Ezéchiel interroge. Les yeux de la Sibylle Delphique sont ouverts de peur. Mais le rythme s'intensifie, la préparation passive a laissé place à l'activité active.
La belle figure d'un jeune homme, plein de feu et d'attention divins - le prophète Isaïe. La voix du Tout-Puissant l'arracha soudain de terre, du livre dans lequel il était plongé ; tantôt un ange, messager de Dieu, lui murmure des vérités célestes ; c'est comme si un autre monde s'ouvrait devant lui, il voit l'Éternel, entend ses paroles proclamant les destinées des peuples ; le prophète tourne son visage vers lui et d'un mouvement involontaire tire sa main droite vers lui.
Le jeune Daniel tient un livre ouvert sur ses genoux. Il y lut quelque chose, et maintenant, se détournant brusquement, il l'écrit rapidement sur une petite télécommande. Une lumière crue tombe sur son front et sa poitrine, son manteau est froissé, ses cheveux sont ébouriffés, c'est un penseur brûlant d'un feu créateur. Vers la fin du plafond, le mouvement devient encore plus intense. La Sibylle libyenne et Jérémie sont comme des contrastes l'un par rapport à l'autre. La Sibylle est entièrement construite sur le mouvement extérieur. Elle se tourne dans un virage inhabituellement brusque, de sorte que nous voyons à la fois son visage et son dos. Cette tension extérieure de la pose est encore soulignée par le fantasme de la toilette : une combinaison de plis complexes et lourds recouvrant le corps et d'une nudité complète. Même les putti sont étonnés et chuchotent en désignant la prophétesse africaine.
Jamais auparavant aucun artiste n’avait représenté une pensée profonde avec autant de force que Michel-Ange l’a fait dans la personne du prophète Jérémie. Il choque précisément par sa simplicité, comme un puissant bloc sombre, figé dans un désespoir tragique. Toute sa silhouette majestueuse respire une tristesse désespérée. Pas un geste, pas une larme, pas un sanglot - la main gauche pendait mollement, la main droite couvrait la bouche d'un sceau de silence. Il pleure le sort de son peuple. De lourdes pensées courbèrent la silhouette du vieux prophète. Le coude de sa main repose sur le siège, et sa main, soutenant sa tête baissée, se perd dans barbe épaisse, près de la bouche. Même les plis de ses vêtements semblent parler d'une tristesse cachée, qui ne parvient cependant pas à perturber la structure harmonieuse de son âme et de son corps fort. Seules les ombres des femmes en deuil dans les profondeurs - l'une des plus belles créations de Michel-Ange - cèdent la place au grand
- Personnalité et caractère de Lavretsky.
- Lisa Kalitina - la meilleure image féminine auteur.
- Qu'est-ce qui interfère avec les sentiments des personnages ?
Ivan Sergueïevitch Tourgueniev est le plus grand classique russe, surnommé « le chanteur des nids nobles ». L'écrivain a noté dans le projet de manuscrit que « Le Nid Noble », conçu en 1856, « s'est développé » en roman en 1858. Le nouveau travail de l’écrivain n’est pas passé inaperçu. L'enthousiasme pour le roman était unanime. "Le Nid Noble", selon l'auteur, a été le plus grand succès que l'écrivain ait jamais connu. Dans cet ouvrage, les lecteurs et les critiques ont été captivés par « la poésie brillante qui se répand dans chaque son de ce roman ». L'un des thèmes principaux du roman concerne les sentiments et les expériences des personnages principaux, leurs relations. L'exemple de l'amour entre Liza Kalitina et Lavretsky le montre le plus clairement. Dès la première apparition de ces personnages dans les pages du roman, on a le sentiment qu'il existe une sorte d'obstacle, un obstacle insurmontable au développement de leur relation. J'aimerais comprendre quel est le problème, qu'est-ce qui empêche deux personnes de s'aimer ? Pour comprendre cette problématique, il est nécessaire d’analyser les caractéristiques de ces personnages.
Le pays traversait des temps nouveaux (Nicolas Ier est mort, la guerre de Crimée s'est terminée par la défaite de la Russie). La société était confrontée à la question : comment vivre ? "...Que comptez-vous faire?" - demande l'un des personnages du roman de Tourgueniev, Pan-shin, au personnage principal, Lavretsky. "Labourez la terre", répond Lavretsky, "et essayez de la labourer le mieux possible". Pisarev a noté que « la personnalité de Lavretsky porte un cachet de nationalité clairement marqué ». Le Russe ne trahit jamais son bon sens pratique simple mais fort et sa bonne nature russe, parfois anguleuse et maladroite, mais toujours sincère et non préparée. Lavretsky exprime simplement sa joie et son chagrin ; il n'a ni exclamations ni gestes plastiques, non parce qu'il les a réprimés, mais parce que ce n'est pas dans sa nature.
Lavretsky a une autre qualité purement russe : l'humour léger et inoffensif imprègne presque chacun de ses mots ; il plaisante gentiment avec les autres et, évaluant souvent sa situation, y trouve un côté comique. Il ne tombe jamais dans la tragédie ; au contraire, son attitude envers sa propre personnalité reste humoristique. Il se moque de lui-même, de ses passe-temps et de ses espoirs, avec une bonne humeur, avec une pointe de tristesse tranquille. Selon lui, Lavretsky est proche du slavophilisme. (Un mouvement né dans les années 20 du 19ème siècle, rejetant servage, pouvoir sur la personne de la bureaucratie d'État. Les slavophiles voyaient une issue pour la Russie dans l’âme populaire russe et, plus largement, dans la vie slave.)
"Lavretsky a défendu la jeunesse et l'indépendance de la Russie... a exigé avant tout la reconnaissance de la vérité et de l'humilité du peuple devant elle." À travers cette conviction du héros, Tourgueniev a exprimé sa compréhension du temps, même si les idées exprimées par Lavretsky contredisaient largement les vues de l'auteur. L'image de Lavretsky avait une signification particulière pour Tourgueniev : c'est une image véritablement autobiographique, mais cela ne réside pas dans la coïncidence de caractéristiques et d'événements extérieurs dans la vie du héros et de l'écrivain (il y en a très peu), mais dans leur similitude intérieure. « Qu'est-ce qui a pu l'arracher à ce qu'il reconnaissait comme son devoir, la seule tâche de son avenir. » La soif de bonheur est encore la soif de bonheur !.. « Tu as voulu expérimenter le bonheur en. » vie une seconde fois, se dit-il (Lavretsky), vous avez oublié que même cela est un luxe, une grâce imméritée, quand même une fois cela rend visite à une personne, ce n'était pas complet, c'était faux, dites-vous, montrez vos droits ; pour compléter, le vrai bonheur, regarde autour de toi, qui est heureux autour de toi, qui profite ?
Lavretsky, comme l'auteur, a survécu à une grave crise, est devenu plus fort dans le malheur et a appris à affronter le temps qui approche sans crainte. Le « sentiment de patrie » l’aide à chasser de son âme le « chagrin du passé ». Dans le monologue d'adieu du héros, la voix de Tourgueniev se fait entendre : « … lui, un vagabond solitaire et sans abri, sous les cris joyeux de celui qui l'avait déjà remplacé, l'atteignit Jeune génération, revient sur sa vie. Son cœur était triste, mais pas lourd ni regrettable : il avait quelque chose à regretter, rien de honteux : « Jouez, amusez-vous, grandissez, jeunes forces », pensa-t-il, et il n'y avait aucune amertume dans ses pensées, « vous ayez une vie devant vous, et il vous sera plus facile de vivre : vous n’aurez pas à, comme nous, trouver votre chemin, lutter, tomber et vous relever dans l’obscurité ; nous essayions de trouver un moyen de survivre – et combien d’entre nous n’ont pas survécu ! - mais tu dois faire quelque chose, travailler, et la bénédiction de notre frère, le vieil homme, sera avec toi. Et tout ce que j'ai à faire c'est de vous saluer mon dernier salut ; et bien qu'avec tristesse, mais sans envie, sans aucun sentiment sombre, dis, en vue de la fin, en vue du Dieu qui attend : « Bonjour, vieillesse solitaire ! Burn out, vie inutile !
La retenue de Lavretsky s'exprimait également dans sa compréhension de son propre objectif de vie : « labourer la terre », c'est-à-dire lentement mais soigneusement, sans phrases bruyantes ni revendications excessives, transformer la réalité. C'est la seule façon, selon l'écrivain, de changer toute la vie sociale et politique en Russie. Par conséquent, il a placé ses principaux espoirs principalement dans des « laboureurs » discrets tels que Lezhnev (« Rudin »), et d'autres encore. romans ultérieurs- Litvinov (« Fumée »), Solomin (« Nove »). Le personnage le plus important de cette série était Lavretski, qui s’enchaînait avec des « chaînes de fer ».
Mais plus encore qu’à l’image de Lavretsky, l’idée dela nécessité de subordonner sa vie au devoir est liée à l’image de Liza Kalitina – l’une des créations les plus remarquables de Tourgueniev. Pisarev a qualifié Lisa Kalitina de « l'une des personnalités féminines les plus gracieuses jamais créées par Tourgueniev ». Il pensait que l’écrivain « montrait des défauts dans la personnalité de Lisa ». personnage féminin» et « une fascination fantastique pour le devoir incompris ». Mais c’est une interprétation très étroite de l’image de l’héroïne. Lisa est une personne exceptionnellement intégrale et harmonieuse. Elle vit en harmonie avec le monde des gens et de la nature, et lorsqu'elle perd ce lien, elle part servir Dieu, ne veut conclure aucun accord avec sa conscience, cela contredit ses principes moraux et elle ne les outrepassera jamais. Et cela rend Lisa Kalitina très similaire à Tatiana Larina (« Eugène Onéguine »). Beauté intérieure Liza s’incarne dans un abnégation totale et inconditionnelle, dans un sens aigu de l’impossibilité de « fonder son bonheur sur le malheur d’autrui ». "Le bonheur ne réside pas seulement dans les plaisirs de l'amour, mais dans la plus haute harmonie de l'esprit" - ces paroles de F. M. Dostoïevski contiennent la clé pour comprendre l'image de Liza Kalitina. La réussite morale réside dans le sacrifice de soi. En accomplissant son devoir, une personne acquiert la liberté morale.
Ces idées résonnaient très clairement dans le roman « Le Noble Nid ». Parmi les « filles Tourgueniev », Liza Kalitina occupe une position particulière. Elle a également un caractère intègre et une forte volonté, mais elle ne s'efforce pas de mener des activités sociales et pratiques, mais d'améliorer sa propre personnalité. Cependant, elle ne cherche pas à se séparer du « monde universel », mais tente de trouver une expression de la relation entre le monde et l’individu. Lisa ne ressent pas seulement le caractère pécheur de son désir de bonheur, elle est transpercée par un sentiment de culpabilité face à l'imperfection de la vie autour d'elle et de sa classe : « Le bonheur ne m'est pas venu ; Même lorsque j’espérais le bonheur, mon cœur me faisait toujours mal. Je sais tout : mes péchés et ceux des autres, et comment papa a acquis sa richesse ; Je sais tout. Tout cela doit être éliminé par la prière, il faut l’éliminer par la prière ! Elle ne sait pas comment calmer l’esprit si elle commet un « acte impitoyable et inhumain ». Pour elle, le bonheur ne peut pas être « volé » aux autres. Le sacrifice de soi de Lisa a de fortes connotations religieuses.
Quant à Lavretsky, Tourgueniev pourrait dire à propos de Liza : « Dans dans ce cas"C'est exactement comme ça que la vie s'est déroulée à mon avis." Mais cette vie survivait déjà à sa vie. Les parcours de Lavretsky et Lisa sont sans aucun doute ceux des progressistes critiques littéraires dans la seconde moitié des années 50 du XIXe siècle, elles étaient présentées comme des voies menant à une impasse. Lavretsky ressemble beaucoup à Oblomov (« Oblomov »), le héros du roman de Gontcharov. Oblomov, comme Lavretsky, est doté de merveilleuses qualités spirituelles : gentillesse, douceur, noblesse. Il ne veut pas et ne peut pas participer à l'agitation de la vie injuste qui l'entoure. Mais Tourgueniev, évidemment, ne pouvait pas considérer ces traits de personnalité de son héros comme suffisants pour la vie. "En tant qu'activiste, il est un zéro" - c'est ce qui a le plus inquiété l'auteur à propos de Lavretsky.
Maintenant, basé sur analyse détaillée personnages, vues de Lisa et Kalitin, nous pouvons affirmer avec confiance qu'il n'y a aucun obstacle extérieur à leurs sentiments. Le problème, c'est que les héros ne sont responsables que d'eux-mêmes pour la mort de leur amour. Uniquement leur caractère, leur vision de la vie et leurs objectifs dans la vie, seul cela les gêne. Les héros sont incapables de changer et ne le jugent pas nécessaire ; chacun continue son chemin de vie habituel.
« Le Noble Nid » est l’une des œuvres artistiques les plus remarquables de Tourgueniev. La subtilité dans l'expression des sentiments, les expériences émotionnelles des personnages, le lyrisme qui imprègne tout le roman, le drame des scènes et les extraordinaires images poétiques de la nature - tout cela captive le lecteur.
L'épisode le plus marquant, mêlant lyrisme, subtile analyse psychologique et beauté de la nature, est la scène de l'explication de Lisa et Lavretsky (chapitre 34). Il fait suite à un épisode illustrant la dispute de Lavretsky avec Panshin. Cette séquence d'épisodes n'est pas fortuite. Après tout, cette dispute a montré que Lavretsky et Lisa avaient beaucoup en commun : "... ils ont tous deux réalisé qu'ils s'étaient rapprochés ce soir-là, ils ont réalisé qu'ils aimaient et n'aimaient pas la même chose." Par conséquent, la scène de la dispute, pour ainsi dire, prépare la scène pour l'explication de Lisa et Lavretsky.
Après avoir quitté les Kalitins, Lavretsky ne rentre pas chez lui. Il erre à travers le champ et comme si une force inconnue le ramenait à la maison des Kalitin. "Ce n'est pas pour rien", pense Lavretski. L’état d’esprit du héros est véhiculé par la description de la nature : « Tout était calme autour. » Il est intéressant de noter que le motif du silence, le silence, est présent non seulement dans cet épisode, mais constitue également la caractéristique principale de la représentation de la relation entre Lisa et Lavretsky. Le silence et le silence confèrent aux scènes avec la participation de ces personnages une certaine émotivité.
En entendant la voix de Lavretsky, Lisa sort tranquillement dans le jardin, puis suit Lavretsky sans résistance. Son état d’émerveillement à cet instant se traduit par « son visage pâle, ses yeux immobiles, tous ses mouvements ». Elle ne comprend pas où elle est. Ce n’est qu’après avoir entendu la déclaration d’amour de Lavretsky à son égard que Lisa comprend ce qui lui est arrivé, mais refuse toujours d’y croire. Elle répond à Lavretsky avec sa religiosité caractéristique : « Tout est dans la puissance de Dieu... »
Lisa ne donne pas de réponse directe à la question de Lavretsky sur leur sort futur. Mais elle ne résiste pas au héros lorsqu'il tente de l'embrasser. Cela témoigne de la force et de l'exhaustivité du sentiment que la jeune fille éprouve pour Fiodor Ivanovitch.
Il semblerait que la scène de déclaration d'amour nécessite un large dialogue entre les personnages dans lequel ils exprimeraient leurs sentiments. Mais avec Tourgueniev, tout est différent. Une très grande place est occupée par la description de l'état des personnages, mais en même temps, l'écrivain n'analyse pas en détail l'état mental des personnages. Et pourtant, Tourgueniev parvient à transmettre la plénitude de la vie intérieure de Lisa et Lavretsky. Ceci est réalisé grâce à l'unité de leurs humeurs, à travers des pauses (en témoigne l'abondance d'ellipses dans les remarques), à travers des regards, des expressions faciales (« Liza le regardait lentement », « elle ne pleurait plus et le regardait soigneusement avec ses yeux mouillés », « les regards levés vers lui », « les yeux baissés », « les yeux fixes ») ou l'intonation. Une sensation d'un seul mouvement interne est créée. Les amoureux se comprennent sans paroles, comme l’indiquent les propos de l’auteur :
" Qu'est-ce qui ne va pas chez toi ? " dit Lavretsky et il entendit un léger sanglot, son cœur se serra... Il comprit ce que signifiaient ces larmes. " M'aimes-tu vraiment ? "
Cet épisode montre l'habileté de Tourgueniev à transmettre les expériences intérieures d'une personne. L'écrivain n'utilise pas de couleurs vives et romantiques, mais crée une ambiance sublime dans la représentation de l'amour.
Tourgueniev transmet très subtilement l'état de ses héros à travers une description de la nature. En général, dans l'histoire de la relation entre Lisa et Lavretsky, il y a un changement constant dans les couleurs claires et sombres de la nature, en fonction des changements dans le sort des héros. La nuit où Lavretsky avoue son amour pour Liza est calme et lumineuse. C'est par cette nuit d'été calme et lumineuse qu'ils joignirent leurs lèvres dans un baiser pour la seule fois.
Le paysage calme transmet toute la pureté et la sincérité de l’amour des héros les uns pour les autres. La description du paysage, les actions tranquilles des personnages, les pauses dans leurs propos créent un sentiment de lenteur d'action. Il n'y a aucune impétuosité ni explosion de sentiments dans les mouvements de Lisa et Lavretsky. Toute la scène de la déclaration d'amour est empreinte de lyrisme, voire d'une sorte d'ambiance de décadence. L'atmosphère dans laquelle la scène est écrite prépare au fait que tout ne se passera pas aussi bien dans la relation entre les amoureux.
En effet, dans les chapitres suivants le lecteur comprendra que la scène de la déclaration d'amour entre Lavretsky et Lisa est le seul moment brillant de leur relation. Ce n’est qu’alors que les héros pourraient être heureux ouvertement, sans aucun obstacle.
Cet épisode, magistralement développé par Tourgueniev, peut à juste titre être considéré comme l'un des meilleurs du roman. Cela aide non seulement à révéler les caractères des personnages, mais transmet également l'un des aspects les plus les points importants dans leur vie - une déclaration d'amour, un moment court mais heureux de sentiments mutuels.
Dans cet épisode, toutes les techniques et caractéristiques de base du style de Tourgueniev sont révélées. À partir de ce passage, nous pouvons juger du style créatif de l’écrivain et de ses opinions sur de nombreuses questions de la vie.
Dans le sort du personnage principal de « Le Nid Noble », selon la juste observation de V. Markovich, une intrigue biblique transparaît fils prodigue, qui a d’abord quitté son « nid » natal à la recherche des plaisirs de la vie, puis est rentré chez lui après avoir traversé des épreuves. L'histoire du héros est inscrite dans l'histoire famille noble Lavretsky pendant environ 150 ans de son existence, ce qui élargit considérablement la période du roman. Nous parlons de la noblesse en tant que classe appelée à jouer un rôle de premier plan dans de nombreux domaines de la vie en Russie. Cependant, l’existence réelle de cette classe est presque illusoire ; ses liens avec le peuple sont superficiels et aléatoires.
L'éducation de Fiodor Lavretsky était entièrement déterminée par l'arbitraire de son père anglomane, des mains duquel Fiodor était né un homme. bonne santé, mais sans aucune tradition, sans idéaux sociaux et sans directives morales, sans inclination pour aucune cause. La jeunesse, un vague besoin d'amour, l'engouement pour la première femme rencontrée en chemin, le mariage, les voyages à l'étranger, la vie sans tracas au détriment de l'héritage familial, telle est la première partie de son chemin de vie. Puis un désastre amoureux, une rupture avec sa femme, de graves souffrances et - un retour dans son pays natal. C'est seulement maintenant que commence une véritable reconnaissance de la Russie, que Lavretsky ressent profondément dans la vie quotidienne séculaire inchangée, dans son silence et sa somnolence. Lavretsky se rend soudain compte qu'il ne peut pas vivre en dehors de la Russie. L’apathie initiale (son « baybachisme » inhérent) est remplacée par le besoin d’affaires et d’action. À la question russe traditionnelle « que faire ? il répond. "Labourer la terre." Il prend soudain conscience de son rôle de propriétaire foncier et de son devoir : mener la vie pratique d'un propriétaire de village, en prenant soin des hommes qui lui sont confiés.
Dans le personnage du héros, Tourgueniev révèle profondément traits nationaux, ce n'est pas pour rien qu'il est le fils non seulement d'un maître, mais aussi d'une paysanne serf. Il doit à ses racines populaires des qualités telles que la simplicité, la largeur d'esprit et la douceur. Dans le même temps, Lavretsky possède également une culture du type opposé: la noblesse. Ce sont d’abord des demandes spirituelles, des élans vers l’absolu. En Russie, Liza Kalitina apparaît sur le chemin de Lavretsky, en qui il se sent comme une personne qui n'est pas étrangère au « nid ». Dans l’âme de Lavretsky, le rêve d’une maison familiale, pressentiment d’un bonheur possible, éclate avec une vigueur renouvelée. Cependant, les circonstances extérieures évoluent de telle manière que, malgré toute leur proximité spirituelle, les héros ne peuvent pas unir leurs vies. Le hasard qui détermine leur sort semble à Lavretsky immoral, dénué de logique et de sens ; cependant, Lisa y voit la manifestation d’un schéma profond. « Les héros les plus russes » et les héros spirituellement riches du roman luttent non seulement les uns pour les autres, mais sont également en désaccord dans leurs positions de vie. Si Lavretsky défend le droit à l'amour et à la joie personnelle, alors Liza ressent l'inévitabilité du châtiment pour l'espoir illicite du bonheur. En comparaison avec Lavretsky, Liza a une intégrité de caractère et une volonté, qui ne sont cependant pas dirigées vers activités sociales, mais à l’approfondissement spirituel de sa personnalité. Lisa est hantée par un sentiment de culpabilité face aux imperfections de sa vie dans son ensemble. Elle va au monastère « pour expier les péchés de ses pères ». Il convient de citer ici les propos de F.M. Dostoïevski disait de Lisa : « Le bonheur ne réside pas seulement dans les plaisirs de l’amour, mais aussi dans la plus haute harmonie de l’esprit. » Dans son abnégation, Lisa gagne en liberté intérieure ; et pourtant son apparence porte des traits d'ascétisme et, dans une certaine mesure, d'exaltation religieuse.
Lavretsky n’est pas comme ça. Cela exprime trop la souffrance de l’individu conscient de lui-même. L’angoisse mentale du héros se conjugue ici avec les propres tourments de l’auteur. Le processus de développement spirituel de Lavretsky (le plus important du roman) conduit à l’acquisition par le héros de l’intégrité intérieure grâce au renoncement aux excellentes prétentions et à l’humilité devant la réalité. Essayant de surmonter « sa solitude, sa faiblesse, sa chance » face à l'élément de l'amour qui échappe à son contrôle, Lavretsky se tourne vers les valeurs de l'existence nationale, populaire et naturelle, les acceptant comme la plus haute nécessité historique.