Francisco de Goya - génie espagnol peintre Temps modernes, maître des genres du portrait et réalisme critique, à la dernière étape de son parcours créatif, il crée toute une collection de peintures mystiques et effrayantes appelées « Peintures noires ».
Après avoir terminé ses études dans une école près de Saragosse, Francisco, 17 ans, part à Madrid pour entrer à l'Académie des Beaux-Arts. Il convient de noter que, étant enfant, Francisco ne faisait pas succès particulier en maîtrise programme scolaire et ses études étaient difficiles pour lui, mais le professeur d'art du village remarqua immédiatement les capacités extraordinaires du jeune Francisco. Inspiré par cette reconnaissance, le jeune artiste rêvait de l’Académie de la capitale, mais il n’y entra pas à deux reprises.
Mais Goya est devenu l'un des étudiants maître célèbre Francisco Bayeu. L'homonyme de Goya peignait dans le genre populaire du « néoclassicisme » dans ces années-là, caractérisé par un intérêt pour les œuvres anciennes classiques de la peinture et de l'architecture. À propos, la sœur de Bayeu, Josépha, devint plus tard l’épouse de Francisco Goya. En 1779, le maître écrivait portrait célèbre sa femme Joséfa.
Portraits période au début Les œuvres du maître sont photographiquement précises et son souci du détail est incroyable. Les couleurs des peintures de Goya de cette période sont très douces et naturelles - remarquez à quel point le rougissement délicat du visage de Josefa est réaliste.
En 1774, Goya crée toute une série d'œuvres avec des croquis d'épisodes de la vie. des gens ordinaires. Les personnages principaux de ces peintures étaient les « makhi » - des gens beaux et frivoles, et les « makho » - des jeunes messieurs. Il convient de noter que Francisco a reçu la commande de cette série d'œuvres du roi Charles III lui-même. Cela peut s'expliquer non seulement par la renommée toujours croissante jeune artiste, mais aussi évolution de carrière son professeur, Francisco Bayeu. À propos, les balançoires sont souvent apparues dans les peintures de Goya. Par exemple, le tableau « Balançoires sur le balcon » a été peint en 1805-1812.
Lorsque Goya lui-même devint peintre de la cour du roi Charles IV, le préfixe aristocratique « de » fut ajouté à son nom. En 1800, Francisco créa un portrait de groupe de la famille royale, intitulé « La famille du roi Charles IV ».
Malgré la technique de peinture la plus élevée, le portrait de la famille royale semblait très peu flatteur - l'un des contemporains de Goya, critique d'art, appelait les personnes représentées sur la toile "la famille d'un boulanger qui a gagné à la loterie". Faites attention à la composition - au centre de l'image se trouve l'épouse du monarque, Maria Luis, et Charles lui-même est sur le côté. Ce n'est pas du tout un hasard, car Karl était un homme infantile et faible et était sous la coupe de sa femme rusée et calculatrice, qui devint bientôt de facto le chef du pays.
"Capriches"
Les amateurs de réalisme pourront savourer le magnifique portraits, créé par Francisco, cependant, cet artiste était très multiforme et son génie créatif était à l'étroit dans le cadre de ce genre. Avant même de peindre le portrait de groupe de la famille royale, Goya créa en 1797-1799 une série de gravures appelées « Caprichos » (« Caprices »), consacrées à ridiculiser et à dénoncer les vices humains et les injustices de la société féodale-cléricale.
Dans la gravure centrale de la série, intitulée « Le sommeil de la raison donne naissance aux monstres », nous pouvons voir un homme déchu, derrière le dos duquel divers animaux et monstres se réveillent et deviennent actifs, certains d'entre eux étant indiqués uniquement par des ombres menaçantes. .
Le titre de cet ouvrage est devenu slogan- en effet, si une personne n'écoute pas la voix de la raison, ses pensées et ses fantasmes se transformeront en monstres dégoûtants générés par des instincts vicieux et bas. Cette gravure peut également être interprétée symboliquement : une personne endormie représente un esprit qui a cessé de contrôler quoi que ce soit et s'est endormi, donnant ainsi la liberté à ces terribles bêtes.
Les gravures représentent les péchés et les vices inhérents aux humains d'une manière grotesque-surréaliste. Par exemple, nous pouvons voir ici une femme qui ne peut pas regarder un pendu, mais peut retirer de sa bouche une pièce de monnaie, qui était mise dans la bouche des morts selon une ancienne coutume.
Il convient de noter que la disposition des personnages dans chaque gravure n'est pas fortuite : de nombreuses créatures laides sont des caricatures de personnages publics et de nobles de la cour royale de Madrid, et chez les participants aux sabbats et aux fêtes de mauvais esprits, des traits de la le roi, la reine et les principaux dirigeants de l'Inquisition sont visibles.
Dans cette gravure, nous voyons des monstres couper les ongles de leurs pieds griffus. Il a lui-même commenté son travail ainsi : « Avoir les ongles longs est tellement répréhensible qu'il est même interdit. les mauvais esprits" Probablement, le maître avait à l'esprit la nécessité de « se couper les ongles » (apparemment un symbole d'hypocrisie), qui surgissait même parmi les bourreaux les plus sanguinaires de l'Inquisition, qui ont perdu leur apparence humaine à cause de grande quantité crimes commis.
Les œuvres immortelles qui sont des classiques de la satire n'auraient jamais pu être publiées, car aucun organisme de censure ne pouvait manquer une moquerie aussi acerbe de hommes forts du monde. "Caprichos" a été sauvé grâce à l'intervention personnelle du roi Charles IV (la rumeur disait que le monarque à l'esprit étroit était ravi de se reconnaître dans certaines gravures).
Comme ils disent critiques d'art, le personnage principal de chaque œuvre de maître de la série "Caprichos" est la conscience, évaluant sans passion les opinions et l'humeur dominantes de la société, et c'est de son côté que toutes les iniquités humaines semblent si laides.
"Maison des Sourds"
Alors que le maître avait 46 ans, il tomba subitement malade. La maladie était grave, les principaux symptômes étaient la paralysie, la surdité et une déficience visuelle temporaire. À propos, même aujourd'hui, les scientifiques ne peuvent pas parvenir à une conclusion définitive quant au type de maladie dont souffrait l'artiste. Francisco s'est remis de la maladie, mais en 1820, alors qu'il avait déjà plus de 70 ans, il y a eu une rechute. Artiste âgé et malade, il se retira de la cour royale (et à cette époque il était l'artiste de la cour de Ferdinand VII) et s'installa dans une petite maison de campagne dans les environs de Madrid. C’est cette maison qui deviendra par la suite connue dans le monde entier sous le nom de « Maison des Sourds ». Francisco de Goya a recommencé à travailler et à créer des chefs-d'œuvre qui seront plus tard appelés « Peintures noires ».
Nous parlons des fresques sombres et surréalistes avec lesquelles Francisco a recouvert les murs de la maison. Ce sont comme des cauchemars et des visions inquiétantes et fugaces créées par une imagination malade.
La palette de couleurs de la plupart des œuvres est très sombre et sombre, les couleurs prédominantes sont le noir, le gris et diverses nuances brun. Parfois, des touches de rouge et de blanc apparaissent, mais elles ne font que renforcer l'atmosphère sombre et créent une atmosphère lourde et déprimante. Comme, par exemple, dans l'œuvre la plus célèbre de la série - "Saturne dévorant son fils".
Saturne, le dieu suprême du panthéon romain antique, est représenté ici comme un monstre fou et disproportionné, semblable à un oiseau de proie. Dans l'œuvre, vous pouvez voir l'incarnation de l'irrationalisme et de la haine insensée, si dégoûtantes pour l'artiste.
Et « Deux vieux hommes mangeant de la soupe » a une atmosphère et une expression très similaires à celles de « Les mangeurs de pommes de terre » de Van Gogh.
Très bonnes citations Vous avez choisi des peintures murales étonnantes. Je les aime beaucoup.
Écrire directement sur le mur est fantastique. J'ai vécu une telle expérience, un sentiment incroyable.
Julia Ria :
22 novembre 2011 à 12h20
Comparé à Van Gogh. Oui, les mêmes couleurs sombres, la même atmosphère d'étouffement et d'impuissance ou quelque chose comme ça... J'aime surtout "Le Chien" dans ces tableaux, une atmosphère tellement étrange a été créée par Goya.
Je ne me souviens pas, avez-vous lu ce livre sur Goya de Feuchtwanger ? Elle se termine juste à l'endroit où l'artiste a décidé de peindre les murs de sa maison. Il aurait dû y avoir une deuxième partie, mais... la vie de l'écrivain a été écourtée, c'est tellement injuste.
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22 novembre 2011 à 13h47
Le chien a un regard si pitoyable, il y a tellement de solitude et de ressentiment en elle, et devant elle il y a une ombre à peine visible (mais peut-être que ce sont les projections du mur), qu'elle regarde avec la question : " Pourquoi m'as-tu quitté?"...
Je ne me souviens pas si j'ai lu le Goya de Feuchtwanger, mais cela ne m'empêchera pas de lire ce livre quand l'envie s'en fera sentir.
Ces travaux tardifs Goya est un pur expressionnisme. Il était très en avance sur son temps.
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24 novembre 2011 à 18h07
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25 novembre 2011 à 11h30
Pendant longtemps, je n'ai pas accepté et rejeté l'art conceptuel, diverses performances, actions, événements sauvages et répugnants, etc. En Russie, le terme « art contemporain » a été adopté, mais dans le reste du monde, ils ne le savent pas.))
A titre d'exemple, les pitreries scandaleuses du plus célèbre artiste russe, l'homme-chien Oleg Kulik. J'aime beaucoup l'un des siens travail ancien« Russian Eclipse », où il est nu avec une bannière rouge à la main.))
Il m'a fallu beaucoup de temps pour lire de la littérature et des articles pertinents sur art contemporain commencer à vous convaincre que tout a sa place dans l’art. Et rien ne peut être nié.
Je n’ai pas mieux compris, mais je m’intéresse encore parfois à ce qui se passe dans l’art conceptuel (intellectuel). Lisez les déclarations d'Oleg Kulik, elles en valent la peine. Voici par exemple une de ses pensées :
« Tout le monde est bon, mais ils mentent, mais l'artiste ne ment pas, mais c'est un égoïste avide et arrogant. Toutes ces qualités sont également présentes chez la personne moyenne, mais chez monde moderne il est indécent de les afficher. La pire chose au monde pour une personne moyenne n'est pas bombe atomique, pas la pauvreté, mais ce que vos voisins diront de vous. L’artiste n’a pas peur de cela.
Voici une autre chose que j'ai vraiment aimé :
« L’art qui existe dans le but d’être vendu n’est plus de l’art. »
J’éprouve donc de l’aversion et du rejet à l’égard de l’art commercial et des peintures à vendre. Mais je lutte depuis longtemps avec succès contre cette « colère juste ».))
Yul, qu'est-ce qui te dégoûte ?
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25 novembre 2011 à 16h16
Et pourtant je ne comprends pas très bien ce que tu entends par art commercial ? Qu'est-ce qui est vendu en principe ou qu'est-ce qui est délibérément représenté selon le goût du public ?
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25 novembre 2011 à 17h37
Comment puis-je être contre tout ce qui est à vendre ? J'ai moi-même vendu plus d'une douzaine de tableaux. En plus, tout finit sur le marché de l’art.
Bien sûr, je parle de ce qui est dessiné spécifiquement pour la vente. C’est-à-dire savoir à l’avance ce que le public achètera. A son goût. Mais je comprends cela depuis longtemps maintenant. Après tout, les gens ont besoin de vivre de quelque chose. Pourquoi pas des peintures ?
Olya, l'intention de l'artiste est importante pour moi. Primordial. C'est ce qui fait la différence entre les œuvres. C’est pourquoi nous appelons une peinture art, mais nous n’appelons pas l’autre.
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25 novembre 2011 à 18h13
Maintenant, c’est clair. Parfois, il me semble que vous êtes totalement opposé à la vente.
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26 novembre 2011 à 12h57
Bien sûr que non! Je suis pour. Et je suis très heureux quand les artistes parviennent à vivre de leur art. C'est une grande rareté.
Dans cette affaire, il est important de comprendre quel est le but et quels sont les moyens.))
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1 décembre 2011 à 13h57
Oui, oui, si l’on pense d’abord uniquement à l’argent, la spiritualité et le sens sont perdus. Mais la présence de revenus ne nie pas la présence de sens. Ces choses ne sont pas toujours claires pour tout le monde. Surtout dans notre pays, en Russie. Le maître doit être pauvre - cela est présent dans l'esprit de beaucoup, et si le maître est riche, alors ce n'est plus de l'art. Le même Goya recevait beaucoup d'argent pour ses portraits et était un peintre de cour dont il était fier. Mais il ne s’est pas surpassé.
La phrase : « La pire chose au monde pour l'homme moyen n'est pas la bombe atomique, ni la pauvreté, mais ce que vos voisins disent de vous » - incroyable ! Simple mais précis. Que diront de vous vos voisins, collègues ou simplement passants ? Je suis dégoûté par tout cela (mais, hélas, je l'ai aussi).
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1er décembre 2011 à 15h20
Bien sûr, il ne le nie pas ! Les gens sont confus au sujet des concepts, c'est tout à fait vrai. Et dans quelle mesure, je n’arrive pas à comprendre. Par exemple, la plupart des gens croient que toute peinture est un art. Automatiquement. Si tous les attributs sont là : une toile recouverte de peintures, un cadre, alors c'est de l'art. Quoi d'autre? Cela ne cesse de me choquer. Julia, pourquoi le mot art est-il appliqué à n'importe quelle peinture ? As-tu une version ?
Ce « que diront-ils de vous » m’est douloureusement familier. Comme je m'en fichais toujours, mes parents ont vécu pleinement les conséquences de mon indifférence.))
Avez-vous l'habitude de recevoir du plaisir esthétique et du plaisir grâce aux œuvres d'art ? Mais le monde de la peinture peut non seulement vous surprendre, mais aussi vous effrayer. Au fil des siècles, de grands artistes ont créé des tableaux remarquables qui feront dresser les cheveux sur la tête.
Vous sentez-vous mal à l'aise lorsque vous voyez « Scream » ? Ou y a-t-il une autre « histoire d’horreur » dessinée qui est gravée dans votre mémoire ? Artifex J’ai sélectionné pour vous 10 tableaux qu’il ne faut absolument pas regarder avant de se coucher.
10. Caravage, « Judith et Holopherne », 1599
Ouvre la toile réaliste supérieure Maître italien basé sur le "Livre de Judith" de l'Ancien Testament. La légende d'une jeune fille qui, pour le bien de son peuple, entra dans le camp ennemi, gagna la confiance du commandant Holopherne et lui coupa la tête la nuit, inquiète depuis longtemps les artistes de toute l'Europe. Habituellement, elle était représentée avec une tête coupée à la main au milieu d'un camp ennemi, mais le Caravage a décidé de refléter le moment même du meurtre. Grâce à cette décision, l'artiste a transmis non seulement l'atmosphère d'effusion de sang, mais aussi les émotions du tueur et de la victime.
9. Bouguereau, « Dante et Virgile en enfer », 1850
Français artiste XIXème siècle Adolphe William Bouguereau aimait beaucoup le poème de Dante " The Divine Comedy" L'artiste a représenté une scène de la chanson XXX de la partie du poème intitulée « L'enfer ». Dans le huitième cercle des enfers, les personnages principaux regardent deux âmes damnées tourmenter un trompeur. Bouguereau a longtemps travaillé sur palette de couleurs peintures et étudié les limites esthétiques de l'homme. Le tableau, selon le plan de l’artiste, était censé transmettre la peur et l’horreur de ce qui se passait dans monde souterrain. Au Salon de 1850, cette œuvre provoque le dégoût du public.
Le célèbre triptyque recèle encore de nombreux mystères pour les chercheurs. Aucune des interprétations de l'ouvrage qui existent aujourd'hui n'est considérée comme exhaustive. Le triptyque montrait la plénitude de l’imagination et du savoir-faire de l’artiste. Il est dédié au péché de sensualité et les trois parties reflètent idée principale Bosch dans les moindres détails. Les portes extérieures du triptyque représentent une image sereine de l'univers, mais lorsque vous les ouvrez, vous plongez dans une atmosphère de chaos insensé.
7. Munch, « La Mort de Marat », 1907
Ne confondez pas ce tableau avec l'œuvre majestueuse du même nom, devenue une sorte de symbole Révolution française. Edvard Munch a écrit sa toile 114 ans après David et s'est concentré non pas sur la figure du publiciste révolutionnaire, mais sur le moment de son assassinat. Dans son style inimitable, l'auteur de The Scream dépeint une Charlotte Corday nue quelques instants après qu'elle ait brutalement poignardé Marat à mort. Des coups violents et beaucoup de sang complètent l’effet effrayant de l’image.
6. Blake "Le grand dragon rouge et le monstre marin", 1806-1809
Considéré à juste titre comme l'un des plus mystérieux Artistes anglais et graveurs. Ce peintre a été tourmenté par les fantômes et les visions depuis son enfance et les a ensuite représentés dans ses œuvres. Série Peintures de Blake dédié au Dragon Rouge de l'Apocalypse de Jean le Théologien. Sur cette image, le dragon personnifie Satan, dominant un autre démon - un monstre marin. La nature épique et l'élaboration détaillée des monstres non seulement effraient, mais suscitent également l'admiration.
5. Bacon, « Étude du portrait d'Innocent X Velazquez », 1953
L'œuvre est une réimagination du "Portrait du pape Innocent X". Le classique de l'expressionnisme anglais a peint une quarantaine de tableaux similaires, inclus dans la série « Screaming Dads ». L'artiste a changé la couleur des vêtements de papa du rouge au violet et a peint toute la toile dans des couleurs sombres. Grâce à la technique du maître, l’œuvre n’évoque pas d’associations avec le portrait original de Velazquez, mais elle produit une impression effrayante et déprimante.
4. Dali, « Le visage de la guerre », 1940
Ce tableau du célèbre artiste espagnol peut provoquer une crise de panique chez le spectateur. Salvador Dali joue non seulement avec les symboles, mais aussi avec l'ambiance. Le dessin d’une tête enveloppée de serpents, de crânes toujours plus petits dans les orbites de ce qui était autrefois un homme, symbolise le cycle sans fin de la mort. Dans le coin inférieur droit, l’artiste a « laissé » son empreinte de main. Et les tons désertiques et jaunes typiques de l’œuvre de Dali donnent à ce tableau une touche de folie paranoïaque.
3. Goya, « Saturne dévorant son fils », 1819-1823
Certaines gravures peuvent effrayer même un adulte. Parmi eux se trouve une interprétation de l'intrigue de ancien mythologie grecque, où le titan Kronos dévore ses enfants de peur d'être renversé par l'un d'eux, semble être le plus effrayant. Goya a représenté la folie sur le visage d'un monstre déjà laid, ce qui épaissit encore l'atmosphère d'horreur de ce qui se passe. Cette œuvre a « décoré » le mur de sa « Maison des Sourds », mais il est peu probable que quelqu'un d'autre veuille passer la nuit devant un tel tableau chez lui.
2. Curry, saindoux de Gallowgate, 1995
L'artiste Ken Curry est né en Angleterre en 1960. Ses toiles sombres reflètent les processus qui se déroulent dans le monde moderne. Les peintures de Curry affectent le psychisme du spectateur, créant un sentiment de désespoir et de peur, mais le poussant en même temps à réfléchir. L'étrange autoportrait de l'artiste est le fruit de sa réflexion sur les questions métaphysiques liées à la décomposition. la société moderne et la conscience humaine.
1. Rapp, « La perte de l'esprit face à la matière », 1973
Même en jetant un coup d'œil rapide sur un tableau de l'artiste autrichien Otto Rapp, vous avez immédiatement envie de détourner le regard. Une tête humaine en décomposition sur une cage à oiseaux, une langue intacte à l'intérieur - une telle « nature morte » met non seulement à rude épreuve le psychisme du public, mais provoque également un inconfort purement physiologique. On peut deviner quel sens l'artiste a donné à son œuvre, mais c'est assez évident : c'est une image vraiment effrayante ! Et si quelqu’un rêve d’un complot similaire la nuit, il doit alors « remercier » la technique magistrale de Rapp pour le cauchemar.
Parmi les œuvres d'art nobles qui ravissent les yeux et n'évoquent que Émotions positives, il y a des tableaux qui sont, pour le moins, étranges et choquants. Nous présentons à votre attention 20 tableaux d'artistes de renommée mondiale qui vous feront sentir horrifiés...
"L'incapacité de l'esprit à compter"
Tableau peint en 1973 artiste autrichien Otto Rapp. Il a représenté un tête humaine, posé sur une cage à oiseaux contenant un morceau de chair.
"Le nègre vivant suspendu"
Cette création macabre de William Blake représente un esclave noir pendu à la potence avec un crochet passé dans ses côtes. L'œuvre est basée sur l'histoire du soldat néerlandais Steadman, témoin oculaire d'un massacre aussi brutal.
"Dante et Virgile en enfer"
Le tableau d'Adolphe William Bouguereau s'inspire d'une courte scène de bataille entre deux âmes damnées de l'Enfer de Dante.
"Enfer"
Peinture "L'Enfer" artiste allemand Hans Memling, peint en 1485, est l'une des créations artistiques les plus terrifiantes de son époque. Elle était censée pousser les gens vers la vertu. Memling a renforcé l'effet horrifiant de la scène en ajoutant la légende : « Il n'y a pas de rédemption en enfer ».
"Le grand dragon rouge et le monstre marin"
Célèbre poète et artiste anglais du XIIIe siècle William Blake dans un moment d'inspiration, il a créé une série peintures à l'aquarelle représentant le grand dragon rouge du Livre de l'Apocalypse. Le Dragon Rouge était l'incarnation du diable.
"Esprit d'eau"
L'artiste Alfred Kubin est considéré le plus grand représentant symbolisme et expressionnisme et est connu pour ses sombres fantasmes symboliques. « L’Esprit de l’eau » est l’une de ces œuvres qui dépeint l’impuissance de l’homme face aux éléments de la mer.
"Nécronome IV"
C'est une création terrible artiste célèbre Hans Rudolf Giger s'est inspiré du film Alien. Giger souffrait de cauchemars et toutes ses peintures étaient inspirées de ces visions.
"L'écorchage de Marcia"
Créé par un artiste de l'époque Renaissance italienne Le tableau de Titien "L'Écorchage de Marsyas" est actuellement en musée nationalà Kromeriz en République tchèque. Œuvre d'art représente une scène de la mythologie grecque où le satyre Marsyas est écorché pour avoir osé défier le dieu Apollon.
"La tentation de saint Antoine"
Matthias Grunewald a représenté des sujets religieux du Moyen Âge, bien qu'il ait lui-même vécu à la Renaissance. On dit que saint Antoine aurait fait face à des épreuves de sa foi alors qu'il priait dans le désert. Selon la légende, il aurait été tué par des démons dans une grotte, puis il les aurait ressuscités et détruits. Ce tableau représente Saint Antoine attaqué par des démons.
"Têtes coupées"
Le plus œuvre célèbre Théodore Géricault est Le Radeau de Méduse, un immense tableau peint dans un style romantique. Géricault a tenté de briser les frontières du classicisme en passant au romantisme. Ces photos étaient stade initial sa créativité. Pour ses œuvres, il a utilisé de vrais membres et têtes, qu'il a trouvés dans les morgues et les laboratoires.
"Crier"
Ce peinture célèbre L'expressionniste norvégien Edvard Munch s'est inspiré d'une promenade sereine en soirée au cours de laquelle l'artiste a été témoin du soleil couchant rouge sang.
"La mort de Marat"
Jean-Paul Marat fut l'un des dirigeants de la Révolution française. Atteint d'une maladie de peau, il passait la plupart de son temps dans la salle de bain, où il rédigeait ses notes. Là, il fut tué par Charlotte Corday. La mort de Marat a été représentée à plusieurs reprises, mais c'est l'œuvre d'Edvard Munch qui est particulièrement brutale.
"Nature morte de masques"
Emil Nolde fut l'un des premiers artistes expressionnistes, bien que sa renommée ait été éclipsée par d'autres comme Munch. Nolde a peint ce tableau après avoir étudié les masques au Musée de Berlin. Tout au long de sa vie, il a été fasciné par les autres cultures et cette œuvre ne fait pas exception.
"Saindoux de Gallowgate"
Ce tableau n’est rien d’autre qu’un autoportrait de l’auteur écossais Ken Currie, spécialisé dans les peintures sombres et social-réalistes. Le thème préféré de Curry est sombre la vie en ville Classe ouvrière écossaise.
"Saturne dévorant son fils"
L'une des œuvres les plus célèbres et les plus sinistres de l'artiste espagnol Francisco Goya a été peinte sur le mur de sa maison en 1820-1823. L'intrigue est basée sur Mythe grecà propos du Titan Chronos (à Rome - Saturne), qui craignait d'être renversé par l'un de ses enfants et les mangeait immédiatement après sa naissance.
"Judith tuant Holopherne"
L'exécution d'Holopherne a été représentée par de grands artistes tels que Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach l'Ancien et bien d'autres. Sur tableau du Caravage, écrit en 1599, dépeint le moment le plus dramatique de cette histoire : la décapitation.
"Cauchemar"
Le tableau du peintre suisse Heinrich Fuseli a été présenté pour la première fois à l'exposition annuelle de la Royal Academy de Londres en 1782, où il a choqué les visiteurs et les critiques.
"Massacre des innocents"
Cette œuvre d'art exceptionnelle de Peter Paul Rubens, composée de deux tableaux, a été créée en 1612 et aurait été influencée par les œuvres du célèbre artiste italien Caravage.
"Étude du portrait d'Innocent X Velazquez"
Cette image terrifiante de l'un des artistes les plus influents du XXe siècle, Francis Bacon, est basée sur une paraphrase portrait célèbre Pape Innocent X, peint par Diego Velazquez. Éclaboussé de sang, le visage douloureusement déformé, le pape est représenté assis dans une structure tubulaire métallique qui, à y regarder de plus près, semble être un trône.
"Jardin plaisirs terrestres»
C'est le triptyque le plus célèbre et le plus effrayant de Jérôme Bosch. À ce jour, il existe de nombreuses interprétations du tableau, mais aucune n’a été confirmée de manière concluante. Peut-être que l'œuvre de Bosch personnifie le jardin d'Eden, le jardin des plaisirs terrestres et les châtiments qu'il faudra subir pour les péchés mortels commis au cours de la vie.
Saint-Pétersbourg Université d'État Culture et Arts
Faculté des cultures du monde
Département de Muséologie et héritage culturel
Groupe 24/3-402
Résumé sur le thème : « Images sombres » de Francisco Goya
Complété par : Lobyzaeva A.S.
Vérifié par : Candidat en Sciences Philosophiques,
Professeur agrégé Mukhin A.S.
Saint-Pétersbourg
Introduction
Partie 1. Biographie
Partie 2. « Images sombres »
Conclusion
Introduction
Francisco José de Goya y Lucientes est le nom d'une personne qui a longtemps attiré et attire toujours l'attention des écrivains, réalisateurs, critiques d'art et artistes. Goya - peintre destin difficile et talent original - est étudié et compris par beaucoup à ce jour, des livres de fiction et des films lui sont dédiés, Recherche scientifique Cependant, la vision extraordinaire et « magique » du monde de Goya, reflétée dans son œuvre, reste encore un mystère non résolu. Et cela le restera pour toujours, car ni des milliers de mots dans des livres, ni des milliers d'images dans des films ne donneront l'occasion de savoir absolument monde créatif artiste, aux multiples facettes et unique.
L’un des aspects les plus mystérieux de ce monde sont les « Tableaux sombres » (parfois le nom de la série est littéralement traduit par « Tableaux noirs »), peints par Goya dans les années 1820-1823. Ce peintures insolites- il s'agissait de fresques sur les murs de la maison de Goya, dans laquelle il vécut plusieurs années. À cette époque, Goya souffrait d'une grave maladie et souffrait de surdité, ce qui empêchait l'artiste de vivre pleinement. C'est pourquoi sa maison s'appelait «Quinto del Sordo», ce qui signifie de l'espagnol «Maison des sourds». Cette série de peintures, transférées sur toile après la mort de Goya, était inconnue de ses contemporains, à l'exception de quelques personnes, et devint mondialement célèbre de nombreuses années plus tard comme l'une des séries de peintures les plus insolites et mystérieuses de l'art espagnol.
« Images sombres » et dédiées ce travail, qui couvre également en partie la biographie de l'artiste - après tout chemin créatif toujours étroitement lié au chemin de la vie.
Partie 1. Biographie
En mars 1746, dans la province aragonaise, dans le petit village de Fuendetodos, naît Francisco José de Goya y Lucientes. Francisco est devenu Le plus jeune fils dans la famille d'un maître doreur, assez célèbre et vénéré, et fille d'un hidalgo pauvre. La famille avait donc un revenu moyen, mais les fils ne recevaient pas de produits de très haute qualité. éducation scolaire. D’une manière ou d’une autre, les trois fils trouvèrent alors une occupation qui leur valait la peine : l’aîné devint prêtre, celui du milieu suivit les traces de son père et le plus jeune devint un artiste qui deviendra célèbre dans le monde entier. Francisco, à l'âge de treize ans, fut envoyé étudier dans l'atelier de l'artiste José Luis San y Martinez lorsque la famille déménagea à Saragosse. Au cours de ses trois années d'études, le jeune Goya a principalement copié des gravures et des moulages, mais, comme il l'a lui-même admis plus tard, il n'a pas reçu tout le plaisir et les résultats d'un tel processus - il voulait créer pour de vrai, créer quelque chose qui lui est propre.
Ainsi, en 1763, Goya s'installe à Madrid pour entrer à l'Académie Royale des Beaux-Arts. Il échoue, mais reste toujours à Madrid, se familiarise avec les œuvres des artistes de la cour et développe ses compétences. Puis Goya voyage à travers l'Italie, à son retour dont il reçoit sa première grosse commande sérieuse - le chapitre de l'église de Nuestra Señora Del Pilar lui confie en 1771 la peinture de la coupole d'une des chapelles de la basilique. Cette œuvre suscite de nombreuses critiques élogieuses ; Goya reçoit d'autres commandes, comme celle de peindre l'oratoire du palais Sobradiel.
En 1773, Goya épousa Joseta Bayeu, la sœur du peintre de cour influent Francisco Bayeu ; ce mariage joua également un rôle dans l'établissement de Goya dans le milieu artistique de l'époque. Ils vécurent avec Joseta jusqu'à sa mort en 182, ils eurent plusieurs enfants, mais un seul fils, Javier, vécut jusqu'à l'âge adulte. Goya s'installe finalement à Madrid et commence à travailler dans l'atelier de son nouveau parent Francisco Bayeu, professeur à l'Académie Royale. Beaux-Arts San Fernando.
La première commande judiciaire de Goya concernait le carton pour les tapisseries de la salle à manger du futur roi Charles IV au palais de l'Escurial. Plus tard, Goya reçut d'autres commandes de croquis de tapisseries pour la famille royale. Il se rapproche de plus en plus de la cour royale et demande bientôt un poste de peintre de cour – mais celui-ci lui est refusé. Cela fut également facilité par son beau-frère Bayeu, qui ne voulait pas partager la place du premier artiste de la cour. Et pourtant, Goya gagne en popularité, de nombreux courtisans commencent à lui commander leurs portraits, et bientôt Goya acquiert une réputation de merveilleux portraitiste. Certaines de ses œuvres les plus célèbres de cette période sont le portrait du comte Floridoblanca (1783) et le portrait de la marquise de Pontes (1786).
En 1789, Charles devient le nouveau roi d'Espagne. IV<#"justify">- "Deux vieillards mangeant de la soupe"
L'emplacement des peintures dans la maison est connu grâce à des photographies prises par le photographe Jean Laurent en 1874. Grâce à ces photographies, on sait que les peintures étaient également encadrées de stuc, comme les fenêtres et les portes de la maison. De plus, vous pourrez constater la différence d’état des tableaux avant de les transférer sur toile, et voir les fragments manquants.
Il n’existe aucune information factuelle sur le processus de peinture murale lui-même. À cet égard, il y avait même des rumeurs selon lesquelles les tableaux n'avaient pas été peints par Goya - il y avait une théorie selon laquelle ils avaient été peints par Javier, son fils, après le départ de Goya pour Bordeaux. Cependant, les historiens de l'art rejettent cette théorie : la technique avec laquelle les fresques ont été réalisées et leur style confirment la paternité de l'artiste.
On ne sait pas exactement ce qui a poussé Goya à peindre les murs de sa maison avec ces scènes particulières. Mais ce que l’on sait, c’est que les peintures n’ont pas été créées de la manière la plus meilleure période vie d'artiste. Sa condition physique était instable et l’état de la vie en Espagne en général était instable. Cela se passait dans le pays Guerre civile, qui s'est soldé par une reprise monarchie absolue. Trois années de cette guerre ont coïncidé avec la période d'écriture des « Dark Canvases ». Dans les peintures, il est facile de tracer une analogie avec la situation sociale, politique et religieuse du pays à cette époque. Analysons quelques-unes des œuvres.
"Saturne dévorant ses enfants" est une œuvre vraiment effrayante. En la regardant, une personne n'éveille pas la peur, mais en tout cas l'hostilité et l'anxiété. L'ancienne divinité - Saturne - est représentée sur un fond d'obscurité noire comme du charbon, sa silhouette est brisée et semble convulser, ses mains, comme des plexus de branches d'arbres, tiennent le corps d'un enfant dont la tête est mordue par Saturne. . Le sang ressort sur la toile dans une couleur rouge alarmante. On peut dire que Goya a écrit cela dans un état dépressif, et peut-être en pensant à la guerre en Espagne - on peut comparer Saturne à un pays qui détruit ses propres enfants.
Dans le tableau «Judith et Holopherne», règne l'énergie de l'action terrestre, capturée dans son instantanéité. A peine sautée du lit d'Holopherne (légèrement visible à droite), sans avoir encore rangé ses vêtements ébouriffés, froissés par les caresses d'amour, l'héroïne leva son épée au-dessus de la tête du commandant assyrien endormi et va maintenant lui couper la parole ( ici naît la première correspondance visuo-sémantique entre elle et Saturne - il a commencé à dévorer sa victime par la tête). Le mouvement tombant de Judith, son visage, son épaule, sa main avec une épée très mis en valeur - tout cela ressort également du champ spatial du tableau, comme les genoux, les mains et la tête de Saturne.
"Pèlerinage à San Isidro" fait écho davantage premiers travaux Goya, écrit en 1788 - «Fêtes folkloriques le jour de la Saint-Isidore». Les deux œuvres représentent l’une des fêtes préférées des Madrilènes. Chaque année, le 15 mai, ils se rendaient au bord de la rivière Manzanares pour pique-niquer, danser et boire l'eau curative de la source qui, selon la légende, aurait été trouvée par Saint Isidore. Et, si en 1788 le peintre présentait cette scène comme une fête nationale colorée et joyeuse, pleine d'insouciance, alors dans la version ultérieure de "La Maison des Sourds", les tons noirs dominent et un sentiment alarmant de désastre inévitable imminent règne. . Une foule de gens serrés les uns contre les autres erre sur le sol sec et inégal. Leurs visages sont déformés par de terribles grimaces, exprimant la peur, la douleur, l'horreur, la méchanceté et la colère bestiale.
Les mêmes motifs apparaissent dans Le Sabbat des Sorcières. Le centre de composition de l'image est également une foule laide et sans visage, concentrée autour de la figure d'une chèvre vêtue d'une robe monastique, écoutant chaque mot du messager de Satan. Les visages des gens sont des grimaces laides qui ne ressemblent même pas à des visages humains - Goya semblait vouloir souligner à quel point une personne peut facilement perdre son apparence humaine.
Dans "Duel with Clubs", on peut également trouver une réponse aux événements militaires qui se déroulent à proximité de l'artiste: deux personnes si semblables tentent de se paralyser avec de lourds gourdins dans un duel aveugle et brutal. On ne voit pas comment leurs pieds reposent sur le sol - ils semblent flotter dans l'espace, tout comme les personnages des tableaux « Atropos ou Destins » et « Asmodée ».
Ces peintures sont pleines de mysticisme, elles semblent représenter quelque chose de complètement différent, Pas monde réel, il est même impossible de dire qui sont les personnages des peintures - des personnes ou des créatures fantastiques. L'intrigue du tableau "Atropos" est une interprétation des images des anciennes déesses grecques du destin - Moiré<#"justify">Conclusion
peinture mystique goya artiste
Les toiles de la « Maison des Sourds » sont un phénomène extraordinaire peinture espagnole, suscitant encore aujourd’hui l’intérêt de beaucoup. D’une part, peints dans la veine du mouvement romantique qui a dominé la période de la vie de l’artiste, ils se distinguent des autres tableaux par leur contenu, leur drame, leur émotivité et leur technique.
Francisco Goya - vraiment génial artiste espagnol, et, après avoir étudié l'ensemble de son œuvre, nous pouvons dire avec confiance à quel point son génie créatif était complet et multiforme. Le contraste de ces "Toiles sombres" avec sa peinture de cour est frappant - la même personne a créé des portraits réalistes, réalisés dans des couleurs claires, colorées, cérémoniales, peint de merveilleux paysages et peintures sur sujets historiques, et en même temps créé des œuvres qui plongent le spectateur dans un monde étonnant et fantasmagorique, le monde de la nuit et magie noire, un monde différent du réel, un monde créé par l’imagination de l’artiste. Sorciers, sorcières, animaux déguisés en humains, créatures démoniaques, vieillards décrépits et laids - personne n'a osé écrire ce que Goya a écrit. Ces peintures aident à comprendre le mystérieux monde intérieur un artiste dont on cherche depuis de nombreuses années le chemin vers la compréhension.
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